FALTER Bücherherbst 2012

FALTER

Bücher-Herbst 2012 Nr. 41a/12

ILLUSTR ATION: ILINC A HÖPFNER

94 Bücher auf 56 Seiten

Go East: Russische Literatur +++ Team Austria: Weidenholzer, Kim, Knapp +++ Alles von Ezra Pound & Mascha Kaléko Urheberrecht: Kopie oder Original? +++ Biografien: Trotzki, Montaigne u.a. +++ Tiere: Leben und Sterben der Arten

Erscheinungsort: Wien P.b.b. 02Z033405 W Verlagspostamt: 1010 Wien laufende Nummer 2370/2012

Foto: EDGE Project

alpha.casinos.at Serviceline +43 (0) 50 777 50

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Gut für Österreich.

i n h a l t

Russischer Leseherbst: Eine Guided Tour 4 Reinhard Kaiser-Mühlecker hat mit „Roter Flieder“

Liebe Leserin, lieber Leser! Der Literaturteil eröffnet mit Sigrid Löfflers großer Sammelrezension von aktuellen Romanen aus und über Russland. Bei den Österreichern sticht im Herbst mit Anna Weidenholzer, Reinhard Kaiser-Mühlecker und Teresa Präauer die Jugend positiv heraus. Die Deutschen sind mit Rainald Goetz, Ursula Krechel oder Ingomar von Kieseritzky aber auch sehr gut aufgestellt. Und der Club der toten Dichter kommt ebenfalls nicht zu kurz. Namen? Mark Twain, Ezra Pound, Mascha Kaléko. Der Sachbuchteil bemüht sich, die Unterscheidungskraft zu schulen im Sinne des Untertitels von Konrad Paul Liessmanns Essaysammlung „Lob der Grenze“ – nicht nur die politische, sondern auch die begriffliche. Das tut etwa in der aktuellen Debatte zum Urheber­recht not, der der Aufmacher gewidmet ist. Was ist Kopie und was Original – und was ist schützenswerter? Entspanntere Themen gibt es aber auch. Und Bernd Brunner erklärt, war­um Liegen die schönste Lebens-Lage ist. Auch beim Lesen! K IR STIN BR EITENFELLNER SEBASTIAN FASTHUBER

Besprochene Autoren Literatur Altmann, Andreas   16 Baberowski, Jörg   4 Berg, Sibylle   14 Bennett, Alan   20 Carrère, Emmanuel   25 Cole, Teju   22 Colombi, Marchesa   28 Feric, Zoran   25

Figes, Orlando   4 Gasdanow, Gaito   5 Goetz, Rainald   17 Gregor, Susanne   18 Jenni, Alexis   27 Kaiser, Vea   7 Kaiser-Mühlecker, R.   6 Kaléko, Mascha   26 Kieseritzky, I.   12 Kim, Anna   8 Knapp, Radek   18 Krausser, Helmut   10 Krechel, Ursula   19 Lévi-Strauss, Claude   30 Marcus, Ben   20

McCarten, Anthony   31 Millesi, Hanno   7 Müller, Herta   11 NDiaye, Marie   23 Pound, Ezra   24 Präauer, Teresa   9 Puenzo, Lucía   27 Pung, Alice   28 Repolusk, Eva-Maria  47 Robinson, Marilynne  28 Sorokin, Vladimir   5 Twain, Mark   21 Ulitzkaja, Ljudmila   5 Walser, Martin   15

eine Prosa geschrieben, so natürlich wie Atmen Hanno Millesis Roadmovie „Granturismo“ Vea Kaiser: Misstöne beim „Blasmusikpop“ Anna Kim und ihre „Anatomie einer Nacht“ Anna Weidenholzer & Teresa Präauer: Debütromane von gebürtigen Linzerinnen

Krammer, Kaiserstraße 13 | Posch, Lerchenfelder Straße 91 | Walther König, Museumsplatz 2 8 Bernhard Riedl, Alser Straße 39 | Eckart, Josefstädter Straße 34 | Lerchenfeld, Lerchenfelder Straße 50 9 Buch-Aktuell, Spitalgasse 31 | Facultas am Campus, Altes AKH, Alser Straße 4 | Löwenherz, Berggasse 8 | Management Bookservice, Augasse 5–7 | Orlando, Liechtensteinstraße 17 | Reisebuchladen, Kolingasse 6 | Yellow, Garnisongasse 7 12 BVGBücherzentrum, Schönbrunner Stra­ß e 261 13 Bestseller, Hietzinger Hauptstraße 22 14 Morawa V.I.C., Hackinger Straße 52 15 Buchkontor, Kriemhildplatz 1 | Thalia Bahnhof City West, Europaplatz 1 | 17 Book Point 17, Kalvarienberggasse 30 18 Hartliebs Bücher, Währinger Straße 122 19 Baumann, Gymnasiumstraße 58 | Fritsch Georg, Döblinger Hauptstraße 61, 1190 Wien | Stöger, Obkirchergasse 43 | Thalia, Q19, Kreilplatz 1 20 Hartleben, Othmargasse 25 21 Bücher Am Spitz,

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Helmut Krausser: „Nicht ganz schlechte Menschen“ gehen in den 1930ern auf Europafahrt  10 Herta Müller: Die Nobelpreisträgerin legt den Gedichtband „Vater telefoniert mit den Fliegen“ vor  11 Ingomar von Kieseritzky meldet sich zurück  12 Matthias Zschokke sollte nach „Der Mann mit den zwei Augen“ nicht länger unterschätzt werden  13 Sibylle Berg sagt „Vielen Dank für das Leben“  14 Martin Walsers „Das dreizehnte Kapitel“  15 Andreas Altmann: Reiseautor im Interview  16 Rainald Goetz begibt sich mit „Johann Holtrop“ in

die Führungsebene der deutschen Wirtschaft

Ilinca Höpfner wurde 1979 in Karlsburg, Rumänien, geboren. Sie machte ihren Abschluss als Diplomillustratorin an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg und arbeitet seit 2010 als freiberufliche Illustratorin und Trickfilmerin. Spezialisiert auf 2-D-Animation, Storyboard und CharacterDesign produzierte sie seitdem unter anderem Musikclips und Coverartworks für Nick Cave/Grinderman, war Leadanimatorin für die Hamburger Filmkünstlerin Mariola Brillowska und ist des Weiteren für diverse Produktionsfirmen im Trickfilmsektor tätig. Seit 2011 arbeitet Ilinca Höpfner zusammen mit Helge Henning an einem gemeinsamen Trickfilmprojekt. Weidenholzer, Anna   9 Zschokke, Matthias   13

Sachbuch Altmann, Andreas   44 Blakewell, Sarah   38 Bredekamp, Horst   53 Brehm, Alfred   48 Brunner, Bernd   39 Draaisma, Douwe   41 Engelhardt, A.   47 Fladt, Hartmut   50 Frenz, Lothar  46

Gayford, Martin   38 Gröschner, Annett   44 Gruber, Werner   49 Hermand, Jost   45 Hess, Jürgen   48 Hofmann, Imre   35 Kricheldorf, Hans   49 Liessmann, K. P.   36 Maaz, H.-J.   40 Müller, Daniela   47 Oberhummer, H.   49 Pearce, Fred   46 Pfaller, Robert   39 Puntigam, Martin   49 Reichel, Peter   45

Reynolds, Simon   50 Schneider, Wolf   41 Sennett, Richard   35 Service, Robert   42 Sörries, Reiner   37 Steinfeld, Thomas   44 Stiefel, Dieter   42 Stiglitz, Joseph   43 Straub, Eberhard   51 Sullivan, John S.   43 Tenner, Haide   51 Trotha, Hans von   52 Weber, Ewald   53 Zimmermann, D.  35

Die Falter-Buchbeilage erhalten Sie auch gratis in folgenden Buchhandlungen Wien: 1 A. Punkt, Fischerstiege 1–7 | Aichinger Bernhard, Weihburggasse 16 | Facultas im NIG, Universitätsstraße 7 | Freytag & Berndt, Kohlmarkt 9 | Frick, Kärntner Straße 30 | Frick International, Schulerstraße 1–3 | Herder, Wollzeile 33 | Kuppitsch, Schottengasse 4 | Leo & Co., Lichtensteg 1 | Leporello, Singerstraße 7 | Lia Wolf, Bäckerstraße 2 | Löwelstraße, Löwelstraße 18 | Morawa, Wollzeile 11 | ÖBV, Schwarzenbergstraße 5 | ÖGB Fachbuchhandlung, Rathausstraße 21 | Schottentor, Schottengasse 9 | Winter, Landesgerichtsstraße 20 2 Lhotzkys Literaturbuffet, Taborstraße 28 | Morawa, Stadion Center, Olympiaplatz 2, Top 2/15 | tiempo nuevo, Taborstraße 17a 3 Laaber, Landstraßer Hauptstraße 33 | Thalia, Landstraßer Hauptstraße 2a/2b 4 Jeller, Margaretenstraße 35 | Lehr­mittelzentrum Technik, Wiedner Haupt­­s traße 6 | Malota, Wiedner Hauptstraße 22 6 Thalia, Mariahilfer Straße 99 7 Hintermayer, Neubaugasse 27 |

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Literatur

Illustrationen

Editorial

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Am Spitz 1 | Thalia, SCN, Ignaz-KöckStraße 1 23 LeseZeit, Breitenfurter Straße Niederösterreich: Morawa, SCS, Top 49A, 2331 Vösendorf | Dietz GmbH, Bahnstraße 1, 2351 Wiener Neudorf | Valthe, Wiener Gasse 3, 2380 Perchtoldsdorf | Hikade, Schulgasse 2a, 2700 Wiener Neustadt | Mitterbauer, Wiener Straße 10, 3002 Purkersdorf | Sydy’s, Wiener Straße 19, 3100 St. Pölten | Thalia, Kremser Gasse 12, 3100 St. Pölten | Schmidl, Obere Landstraße 5, 3500 Krems/Donau Oberösterreich: Alex, Hauptplatz 17, 4020 Linz | Thalia, Landstraße 41, 4020 Linz | Thalia, Schmidtgasse 27, 4600 Wels | Thalia, Pfarrgasse 11, 4820 Bad Ischl | Michael Neudorfer, Hinterstadt 21, 4840 Vöcklabruck | Thalia, Wohlmeyrgasse 4, 4910 Ried/Innkreis Salzburg: Motzko, Rainerstraße 24, 5017 Salzburg | Höllrigl, Sigmund-Haffner-Gasse 10, 5020 Salzburg | Morawa – Europark, Europastraße 1, 5020 Salzburg | Morawa SCA, Alpenstraße 107, 5020

Salzburg | Rupertusbuchhandlung, Dreifaltigkeitsg. 12, 5020 Salzburg | Facultas NAWI-Shop, Hellbrunner Straße 34, 5020 Salzburg | Engelhard Brandstötter, Marktplatz 15, 5310 Mondsee Tirol: Morawa, Anichstraße 5, 6020 Innsbruck | Tyrolia, MariaTheresien-Straße 15, 6020 Innsbruck | Wagner!sche, Museumstraße 4, 6020 Innsbruck | Jöchler, Malserstraße 16, 6500 Landeck Vorarlberg: Eulenspiegel, Marktstraße 42, 6845 Hohenems | Ananas, Marktplatz 10, 6850 Dornbirn | Brunner, Rathausstraße 2, 6900 Bregenz | Brunner, Dr.-Schneider-Straße 22, 6973 Höchst Steiermark: Dradiwaberl Uni-Shop, Zinzendorfgasse 25, 8010 Graz | Leykam, Europaplatz 4, 8010 Graz | Leykam, Stempfergasse 3, 8010 Graz | Leykam, Graz Citypark, Lazarettgürtel 55, 8025 Graz | Moser, Am Eisernen Tor 1, 8010 Graz | Leykam, Hauptplatz 2, 8230 Feldbach Kärnten: Heyn Johannes, Kramergasse 2, 9020, Klagenfurt

Impressum Falter 41b/12 Herausgeber: Armin Thurnher Medieninhaber: Falter Zeitschriften Gesellschaft m.b.H., 1011 Wien, Marc-Aurel-Str. 9, T: 01/536 60-0, F: 01/536 60-912, E: wienzeit@falter.at Redaktion: Kirstin Breitenfellner, Sebastian Fasthuber Layout: Barbara Blaha, Cornelia Gleichweit, Raphael Moser Korrektur: Wolfgang Fasching, Helmut Gutbrunner, Patrick Sabbagh, Rainer Sigl Druck: Passauer Neue Presse Druck GmbH, 94036 Passau, DVR: 047 69 86. Alle Rechte, auch die der Übernahme von Beiträgen nach § 44 Abs. 1 und 2 Urheberrechtsgesetz, vorbehalten. Die Offenlegung gemäß § 25 MG ist unter www.falter.at/offenlegung/falter ständig abrufbar. Bücher-Herbst ist eine entgeltliche Einschaltung aufgrund einer Subvention durch das

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Radek Knapps skurrile „Reise nach Kalino“  18 Susanne Gregor: Die aus der Slowakei stammende Autorin debütiert mit „Kein eigener Ort“  18 Ursula Krechel erzählt in dem umfangreichen Roman „Landgericht“ von Heimkehrern ohne Heimat  19 Alan Bennett: Raffinierter „Schweinkram“  20 Ben Marcus: Ein Thriller unter Virtuositätsverdacht  20 Mark Twains „Geheime Autobiographie“  21 Teju Cole flaniert durch New York: „Open City“  22 Marie NDiayes Hauptfigur in „Ein Tag zu lang“

muss sich ihrer Umgebung gründlich anpassen  23 Ezra Pound: „Die Cantos“ endlich auf Deutsch  24 Emmanuel Carrères Roman-Bio „Limonow“  25 Zoran Feric: Bekenntnisse eines Gynäkologen  25 Mascha Kalékos gesammelte Werke und Briefe  26 Lucía Puenzo: Argentinien-Tour mit Josef Mengele  27 Alexis Jenni führt romanhaft umfassend ein in „Die französische Kunst des Krieges“  27 edition fünf: Außergewöhnliches Verlagskonzept  28 Japan: Die traditionelle Geschichtensammlung „Kojiki“ und Claude Lévi-Strauss auf Reisen  30 Anthony McCartens „Ganz normale Helden“  31 Sachbuch Urheberrecht Was ist schützenswerter, Kopie oder Ori-

ginal? Zwei Neuerscheinungen nehmen extreme Positionen ein, dazu weitere Bücher und Begriffe  32–34 Soziologie Richard Sennett plädiert wieder einmal für mehr Zusammenarbeit  35 Zusammenleben Was ist Polyamorie?  35 Philosophie Konrad Paul Liessmann lobt die Grenze und die politische Unterscheidungskraft  36 Kulturgeschichte Alles über die Trauer  37 Philosophie Sarah Blakewell über das Leben und das entspannte Denken von Michel de Montaigne  38 Kunst David Hockney in einem Gesprächsbuch  38 Philosophie Robert Pfaller denkt nach  39 Lebenskunst Bernd Brunner propagiert die hohe Kunst der horizontalen Lebenslage  39 Psychologie Hans-Joachim Maaz analysiert das Zeitalter des Narzissmus  40 Sprachpsychologie Alles über das Lügen  41 Gedächtnisforschung Douwe Draaisma über Verges 41 sen, Erinnern und Träumen Revolution Leo Trotzki, sein Leben und Morden  42 Wirtschaftsgeschichte Camillo Castiglioni war einst der Inbegriff des österreichischen Spekulanten  42 Wirtschaft Joseph Stiglitz’ Thesen zur Krise  43 Popkultur John Sullivan erklärt die USA  43 Tourismus Drei Bücher über das Reisen  44 Geschichte Deutscher Nationalismus  45 Ökologie Land Grabbing, Artensterben, heimische Ökopioniere und die Risiken von Baumwolle  46–47 Biologie Brehms Tierleben wird 150 Jahre alt  48 Wissenschaftsvermittlung Neues von den Science  49 Busters und zur Geschichte der Technik Musik Sprache der Musik, Retro-Hype, Verdi und Wagner, Alma Mahler und Arnold Schönberg  50–51 Pflanzen Gartenkunst und Botanik  52–53 Kochen Esst mehr Fett! Die Neuerscheinungen der Saison  54

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liter atur

Emigranten, Dissidenten, Anti-Utopisten A

ls Stalin am 1. März 1953 auf seiner Datscha einen Gehirnschlag erlitt und bewusstlos am Boden seines Schlafzimmers lag, trauten sich die Wachen nicht zu ihm. Zu groß war die Furcht vor dem Gewaltherrscher. Sie riefen das Politbüro zur Hilfe. Doch als Chruschtschow, Berija und die anderen Stalin im durchnässten Pyjama liegen sahen, wussten sie sich in Lebensgefahr: Sollte er sich jemals wieder erholen, würde der Diktator sie töten lassen, weil sie ihn so gesehen hatten. Man ließ ihn also liegen. Erst am folgenden Tag wurden Ärzte gerufen. Sie konnten Stalin nicht mehr retten. Am Ende hat die Angst, die er verbreitete, ihn womöglich selbst getötet. Am 5. März starb er – und sogar nach seinem Tod hat er noch Menschen umgebracht. Unter den Menschenströmen, die sich in Moskau zu Stalins Begräbnis drängten, brach eine Massenpanik aus. Mindestens 1500 wurden totgetrampelt oder erdrückt. Das Sowjetvolk war außer sich vor Trauer und Desorientierung nach dem Tod des Allmächtigen. Die einzigen Orte, an denen man die Kunde von Stalins Tod mit unverhüllter Freude bejubelte, waren die Zwangsarbeitslager des Gulag.

Auf Angst folgt Lethargie So liest man es in Jörg Baberowskis aufwühlender Studie über Stalins Terrorherrschaft „Verbrannte Erde“, ferner in Ljudmila Ulitzkajas Roman über die Nach-Stalin-Zeit „Das grüne Zelt“ und in der Gulag-Liebesgeschichte von Lew und Sweta, die der britische Historiker Orlando Figes aus Archivdokumenten herausgefiltert und nacherzählt hat („Schick einen Gruß, zuweilen durch die Sterne“). Alle drei Autoren sehen in Stalins Tod den eigentlichen Dreh- und Angelpunkt der russischen Geschichte im 20. Jahrhundert. Die stalinistischen Gewaltexzesse der ersten Jahrhunderthälfte mit ihren Millionen von Todesopfern wurden abgelöst von Jahrzehnten dumpfer Unterdrückung; auf die große Angst folgte die lähmende Mutlosigkeit, auf den Schrecken die Le-

thargie. Doch verglichen mit Stalins Terror war die Lage nach seinem Tod allemal erträglicher. Im Zeichen der Entstalinisierung wurden ab April 1953 mehr als 1,5 Millionen Gulag-Häftlinge aus den Straflagern entlassen. Dissidenten und Oppositionelle wurden zwar weiterhin überwacht, oft auch verhaftet und eingesperrt oder ausgebürgert. Aber sie wurden wenigstens nicht mehr nachts aus ihren Betten geholt und erschossen wie in den Jahrzehnten des Terrors zuvor. Die traumatischen Erfahrungen aus beiden Epochen, vor und nach 1953, wirken bis heute fort und finden ihren Niederschlag in der Literatur. So ist es vermutlich kein Zufall, dass in diesem Bücherherbst Russland als untergründiges Thema vielfach rumort: Im russischen Jahrhundert sind große Erzählstoffe verborgen, das haben auch die übersetzenden deutschen Verlage bemerkt. So kommt’s, dass sich in den neuen Herbstbüchern ein gewaltiges, große Zeiträume umspannendes Russlandpanorama auftut. Das reicht von der Generation der Emigranten nach der Russischen Revolution von 1917 (mit der Wiederentdeckung des Exilautors Gaito Gasdanow) bis zu Vladimir Sorokin, dem postmodernen Anti-Utopisten, Mythenzerfetzer und krassesten Kritiker der neuen Moskauer Eliten. Wobei sich der berüchtigt schrille Sorokin diesmal ungewöhnlich zahm gibt. Sein kleiner Roman „Der Schneesturm“ kommt wie ein (allerdings etwas schräges) russisches Wintermärchen daher, nimmt überdeutliche stilistische Anleihen bei Puschkin und bei Tolstois Schneesturm-Erzählung „Herr und Knecht“ und fletscht nur am Schluss dystopisch die Zähne: Kutscher und Herr, die in ihrem Schneemobil im Orkan alle Orientierung verloren haben, werden am Ende von Chinesen gerettet.

Revival des Vergessenen Im Gegensatz zum Nobelemigranten und Weltautor Vladimir Nabokov hat Gaito Gasdanow (1903–1971), der Petersburger aus kaukasischer Familie, alle Müh-

Jörg Baberowski: Verbrannte Erde. Stalins Herrschaft der Gewalt. C.H. Beck, 606 S., € 30,80

Orlando Figes: Schick einen Gruß, zuweilen durch die Sterne. Eine Geschichte von Liebe und Überleben in Zeiten des Terrors. Aus dem Englischen und Russischen von Bernd Rullkötter. Hanser Berlin, 376 S., € 25,60

sal und Härte des mittellosen Exillebens durchgemacht. Mit 16 Jahren schloss sich der Gymnasiast als Freiwilliger der Wrangel-Armee an, kämpfte im Bürgerkrieg aufseiten der Weißen und landete danach auf Umwegen in Paris, der Hauptstadt der russischen Emigration. Er schlug sich als Hilfsarbeiter durch, wurde zwischendurch zum Clochard und brachte sich dann jahrzehntelang als Taxifahrer durch. Seine neun Romane und mehr als 50 Erzählungen entstanden nebenbei. Der Hanser Verlag startet nun ein Revival des Vergessenen mit dem Roman „Das Phantom des Alexander Wolf “. In diesem raffiniert gebauten psychologischen Krimi aus dem Jahr 1947 spielt Gasdanow mit diversen biografischen Versatzstücken. Sein Held ist ein russischer Emigrant im Paris des Jahres 1936, der von der Erinnerung an einen Mord eingeholt wird, den er als 16-Jähriger in Südrussland, in den letzten Tagen des Bürgerkriegs, begangen hat. Vielmehr: begangen zu haben glaubt. Denn der damals Getötete ist offenbar noch am Leben und kreuzt mehrfach die Wege des Erzählers – ein Phantom, das ihn quält und narrt und sich immer wieder entzieht. Bis zum ausgeklügelt verschraubten Ende hält der Autor die Spannung aufrecht. So rätselhaft und diffus die Vorgänge, so prägnant konturiert ist das Seelenleben des Erzählers. Die Kriegserlebnisse haben seine moralischen Koordinaten verwüstet und ihn kalt, leer und fatalistisch zurückgelassen. Die Parallelen zu den moralisch erkalteten Helden von Albert Camus sind mehrfach bemerkt worden. Sie sind tatsächlich frappierend. Man wünscht sich weitere Bekanntschaft mit dem Phantom des Gaito Gasdanow. Während der Exilant Gasdanow in Paris Taxi fährt und schreibt, bekommt der Moskauer Physikstudent Lew Mischtschenko (1917–2008) die brutale Willkür des Stalin-Regimes aufs Grausamste zu spüren. Lew ist ein träumerischer, empfindsamer Junge, und er hat gleich im ersten Semester die große Liebe seines Lebens gefun-

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

Russischer Leseherbst: Stalins Tod als Dreh- und Angelpunkt der russischen Geschichte im 20. Jahrhundert

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den – die gleichaltrige Studentin Swetlana („Sweta“). Sie sind verlobt, als Lew gegen Nazideutschland in den Krieg zieht, in deutsche Kriegsgefangenschaft gerät und als Zwangsarbeiter im KZ Buchenwald landet. Nach der Befreiung 1945 widerfährt ihm, was das Sowjetregime Hunderttausenden seinesgleichen antat. In deutsche Kriegsgefangenschaft geraten zu sein galt Stalin als Hochverrat: Lew wird zu zehn Jahren Zwangsarbeit im Gulag verurteilt, zu verbüßen im Lager Petschora im arktischen Norden Russlands.

Briefe aus dem Gulag Seine Verlobte Sweta, die seit 1941 nichts mehr von Lew gehört hat, hält ihn für tot – bis ein Lebenszeichen von ihm aus dem Gulag zu ihr nach Moskau dringt. Fortan schreiben die beiden einander Briefe, mindestens zweimal pro Woche. Fast 1300 Liebesbriefe laufen auf in den achteinhalb Jahren bis zu Lews Entlassung aus dem Gulag im Juli 1954. Mehr noch: Dank ihrer Courage und des Beistands mutiger (oder bestechlicher) Helfer gelingt Sweta das fast Unmögliche – sie reist mehrmals verbotenerweise nach Petschora, kann sich in das Lager hinein- und wieder hinausschmuggeln und Lew heimlich treffen. Es ist eine einzigartige Korrespondenz, die sich heute im Archiv der Moskauer Menschenrechtsorganisation Memorial befindet – einzigartig schon deshalb, weil Lews Briefe authentisch, da unzensiert, über das Alltagsleben im Lager informieren, genauso detailliert wie Swetas Briefe die alltägliche Zwangs- und Mangelwirtschaft im ausgepowerten NachkriegsMoskau schildern. Der britische Historiker Orlando Figes, der das greise Paar 2002 in Moskau noch selbst interviewen konnte, hat dieses singuläre Briefkonvolut ausgewertet und zu einer bewegenden, fast romanhaften Erzählung über die Liebe in den Zeiten des Terrors montiert. Die Welt der sowjetischen Straflager kommt im neuen Roman von Ljudmila Ulitzkaja zwar nicht direkt vor, sie ist aber doch ständig präsent, als ausgesparter Erzählraum im Hintergrund, als drohende Kulisse, hinter der jederzeit Menschen verschwinden konnten – Freunde, Nachbarn, Verwandte oder man selbst. „Das grüne Zelt“ lässt sich demnach als eine Art Komplementärbuch zu Orlando Figes lesen. Die Autorin führt den Leser nicht

selbst in die Lager, doch sie erzählt, was alles ihre Helden in die Lager hatte führen können. Ulitzkaja ist fast 70, sie hat die Endzeit von Stalins Herrschaft und seinen Tod bewusst erlebt und die bleiernen Jahrzehnte unter Chruschtschow und Breschnjew in Moskau am eigenen Leib durchgemacht. Sie gehörte, wenn auch nur als Randfigur, zur Welt der Dissidenten. Sie war befreundet mit dem Untergrunddichter Julij Daniel, der 1966 gemeinsam mit Andrej Sinjawskij wegen antisowjetischer Schriften zu langjähriger Haft in einem Straflager verurteilt wurde. Dieser politische Schauprozess gilt als die Geburtsstunde der Dissidentenbewegung; er figuriert auch prominent in Ulitzkajas Roman. Julij Daniel ist die erste von mehreren Romanfiguren im „Grünen Zelt“, die in der Schattenwelt der Lager verschwinden. Ulitzkaja, die Biologin und Genetikerin jüdischer Herkunft, wurde 1967 wegen der illegalen Verbreitung von Samisdat-Literatur aus dem Akademie-Institut in Moskau entlassen und fand erst viel später eine Stelle als Dramaturgin am Jüdischen Kammermusiktheater Moskau. Zugleich begann sie zu schreiben. Der internationale Durchbruch gelang ihr 1998 mit ihrem Krim-, Sommer- und Sippenroman „Medea und ihre Kinder“. Doch nie hat sie Ehrgeizigeres versucht als mit ihrem neuen Roman. Er erhebt den Anspruch, das Gesamtpanorama der sowjetischen Dissidentenwelt von den 1960er-Jahren bis in die 90er-Jahre zu entrollen. Ulitzkaja macht sich damit zum Tolstoi dieser Epoche, auch im klassisch ausgreifenden, getragenen Erzählgestus. Sie singt das Hohelied der ersten sowjetischen Generation, die ihrer Sehnsucht nach geistiger und kultureller Freiheit aktiv und kämpferisch Ausdruck verlieh. Dass der Roman zugleich die Jugendgeschichte der Autorin reflektiert, gibt ihm die besondere Glaubwürdigkeit und Erlebnisdichte.

Gaito Gasdanow: Das Phantom des Alexander Wolf. Aus dem Russischen und mit einem Nachwort von Rosemarie Tietze. Hanser, 191 S., € 18,40

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gen Emsigkeit die Dissidentenszene erhellten (und am Leben erhielten). Ständig im Visier der Geheimpolizei, riskiert diese pfiffige und ein bisschen schlampige Kulturboheme mit dem Abschreiben und Weitergeben von Samisdat-Texten permanent Freiheit und Leben. In der verordneten geistigen Dürre der Nach-Stalin-Ära dürsten diese jungen Leute nach Anschluss an die Weltkultur, in der schäbigen Hässlichkeit des Sowjetalltags hungern sie nach Schönheit. Sie hören heimlich Schnittke und Stockhausen und lesen heimlich Freud; sie schwärmen von Westfilmen und reichen einander Westbücher und Tonbandmitschnitte des Sängerdichters Wladimir Wyssozki weiter. Juri Ljubimows Theater an der Taganka wird zu ihrem Wallfahrtsort. „Die moderne Kunst“, sagen sie zu einander, „das einzig Lebendige in diesem allgemeinen stickigen Stillstand.“

Keine Heldengeschichten

Vladimir Sorokin: Der Schneesturm. Aus dem Russischen von Andreas Tretner. Kiepenheuer & Witsch, 207 S., € 18,50

Freiheit und Leben Die strahlenden großen Namen des verfemten, verfolgten und schließlich ausgebürgerten literarischen Untergrunds von Sinjawskij und Daniel bis zu den Nobelpreisträgern Solschenizyn und Joseph Brodsky leuchten im Romangeschehen gelegentlich auf, doch eigentlich geht es der Autorin um die vielen kleinen Lichter, die mit ihrer widerständi-

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Ljudmila Ulitzkaja: Das grüne Zelt. Aus dem Russischen von GannaMaria Braungardt. Hanser, 592 S., € 25,60

Ins Zentrum dieser Intellektuellenszene stellt Ulitzkaja drei Freunde – den Fotografen Ilja, den Musikwissenschaftler Sanja und den Literaturlehrer Micha. Seit ihrer Schulzeit in den 1940er-Jahren sind die drei als Außenseiter einander verschworen, allein die adelige, bildungsbürgerliche oder jüdische Herkunft stigmatisiert sie. Ein charismatischer neuer Lehrer öffnet ihnen die Sinne für die Literatur. Sie lernen die Kultur als ihre Rettung begreifen. Der Roman begleitet die drei – samt Familien, Geliebten, Ex-Ehefrauen, Kindern, Freunden, Spitzeln, Verrätern – durchs ganze Leben, das bei zweien in die Emigration und bei einem in den Selbstmord führt. Es sind keine Heldengeschichten aus der großen Dissidentenepoche, die Ulitzkaja hier erzählt, aber sie berichtet von vielen kleinen Waghalsigkeiten, Widerständigkeiten und Mutproben – und von so manchen Kleinmütigkeiten, Ängsten und von kläglichem Versagen. Unverkennbar auch, wohin der langjährige hartnäckige Kampf von staatlichem Druck und Gegendruck von unten schließlich geführt hat: Das System hat seine Dissidenten, die es nicht brechen konnte, abgestoßen. Sie sahen keine Zukunft mehr im Lande. Wenn sie nicht tot sind, leben sie heute in Israel, in Deutschland oder in den USA. Ljudmila Ulitzkaja hat ihnen ein großes Denkmal gesetzt. SIGRID LÖFFLER

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liter atur

Es wird immer sein, wie’s immer war Von Schweigern und Verschweigern: Reinhard Kaiser-Mühleckers ausufernder Roman „Roter Flieder“

Es ist eine Voralpenlandschaft, agrarisch ge-

prägt, kleinteilig. Diese Region spielt eine Hauptrolle in dem Roman. Immer wieder entwirft Kaiser-Mühlecker weniger Landschaftsbilder als vielmehr Landschaftsstimmungen; er lässt wie nebenbei die Jahreszeiten zwischen den Absätzen und Kapiteln wechseln, die Natur ihre Farben und die Welt, ohne dass man es zunächst gleich merkt, ihre angestammte Ordnung. Nichts bleibt und doch geht alles immer weiter, das lässt sich bei Kaiser-Mühlecker erspüren – in der Art und Weise, wie er erzählt. Wovon er erzählt, ist das langsame Verstummen von Menschen, die sich noch in einem Traditionszusammenhang begreifen, als dieser sich schon aufzulösen beginnt. Goldberger hat, wir ahnen es zunächst nur, Schuld auf sich geladen. Er war ein Nazi, aber geredet wird darüber nicht. Als sein Sohn Ferdinand aus dem Krieg zurückkehrt, überschreibt er ihm den Hof. Zwischen dem Alten und dem Jungen herrscht gleichsam weiterhin ein Krieg, der still ausgefochten wird. Es sind große Schweiger und Verschweiger, die der 30-jährige Reinhard Kaiser-Mühlecker in seinem vierten Roman mit einer atemberaubenden Eindringlichkeit zu Wort kommen lässt. Wir blicken in sie hinein wie in

noch als Fluch begriffen, als Strafe für eine alte Sünde. Es bedarf eines solchen Glaubens, solcher Rituale und Traditionen, um die Mühsal gleichmütig ertragen zu können. Der Rhythmus des Lebens wird dadurch, aber auch durch die Natur und die Jahreszeiten vorgegeben. Kaiser-Mühlecker nimmt diesen Rhythmus in seiner Prosa auf, im Schildern von Alltag und in der Wiederholung von Beziehungsmustern über die verschiedenen Generationen hinweg. Man spürt förmlich das langsame Fließen der Zeit. Bis sich dann wieder etwas beschleunigt oder man den Eindruck hat, es würde sich etwas beschleunigen, vielleicht weil jemand stirbt.

ein offenes Buch, aber einander bleiben sie verschlossen. Kaiser-Mühlecker dringt in die älteren Zeitschichten, in die Nachkriegszeit und die 1960er-Jahre nicht als Historiker, sondern als Empathiker. Er versteht die Zeit aus den Menschen heraus, hat, selbst aufgewachsen und lebend in diesem Landstrich, die Erzählungen und die Stimmen der Dorfbewohner im Ohr. Und er begreift selbst noch ihre Verkümmerung und Sprachlosigkeit als Ausdruck des Glaubens an ein unhinterfragtes Weiter, das als Schicksal begriffen wird. Ferdinand heiratet, eine Tochter und zwei Söhne werden geboren, und die letzteren beiden sind wie biblische Figuren in eine archaische Konkurrenzsituation versetzt. Der eine, Thomas, soll als Thronfolger den Hof übernehmen, der andere, Paul, wird aufs Internat geschickt – eine Entfremdung und ein Bruch in der Kontinuität, der Folgen haben wird. Reinhard Kaiser-Mühlecker lässt dabei all seinen Figuren, so unnahbar sie sein mögen, die gleiche Sympathie zukommen. Oder besser: Gerechtigkeit. Paul ist die vielschichtigste, zwiespältigste, widersprüchlichste Figur, weil er herausgerissen und auf gewisse Weise auch zum Ausgestoßenen wird. Von Anfang an ist das Thema der Vertreibung und der Schuld in dem Buch präsent. Es steuert das Handeln der Helden, es lässt sie auf eine sehr verworrene Weise an ein göttliches Gelenktsein glauben, sie ergeben sich ihrem Los, und nur manchmal lehnen sie sich auf. Auch die Liebe, die ihnen zuweilen widerfährt, ist so eine Auflehnung, die doch stets in eine Lethargie überzugehen scheint.

Was an „Roter Flieder“ über 600 Seiten fas-

Kaiser-Mühleckers Protagonisten werden

immer wieder von ihrem Alltag demütig gemacht. Die Geschichte dieser Familie scheint mit Thomas, Paul und Maria allerdings an ihr definitives Ende zu kommen. Alle drei bleiben, das glauben sie zumindest lange, kinderlos. Kinderlosigkeit wird in dieser nach archaischen Mustern funktionierenden Welt auch heute immer

Reinhard KaiserMühlecker: Roter Flieder. Hoffmann und Campe, 619 S., € 25,70

ziniert, ist sein Ton, ein Ton, der von einer schönen Notwendigkeit zeugt. So natürlich wie Atmen erscheint diese Prosa, so rhythmisch und verlässlich ist sie, als müsste wirklich eins aufs andere folgen, ein Wort aufs nächste, als würde ein Satz den anderen bedingen. Zugleich ist das äußerst kunstvoll, schon die Landschaftszeichnungen in ihrer atmosphärischen Genauigkeit und das dichte Motivgeflecht weisen darauf hin, etwa der titelgebende rote Flieder, der den Figuren Heimat bedeutet. Wobei: Rot ist der Flieder nicht wirklich, er erscheint den Figuren nur so. Kaiser-Mühlecker hat zum ersten Mal keinen Ich-Erzähler ­sprechen lassen, sondern eine Vogelperspektive eingenommen. Der Roman wird dadurch ­epischer, die Wahrnehmung sehr viel umfassender, die einzelnen Figuren in ihren Idiosynkrasien und Verletzungen und i­hrem Fühlen greifbarer. Der Blick erfasst ­mehrere Dimensionen, verändert sich und kann die Richtung wechseln, geht nach außen und innen. Literatur ist für Kaiser-Mühlecker per se die Abweichung von etwas schon Vorgesehenem. Die Zumutungen des Vorgegebenen werden so zwar nicht aufgehoben, aber doch brüchig. Und auf diese Weise durchsichtig, erträglich und vielleicht sogar schön. ULRICH RÜDENAUER

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

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einhard Kaiser-Mühlecker erzählt die leise Tragödie einer Familie, die sich über mehrere Generationen erstreckt, geschildert vom Rand der Geschichte, aus einem Winkel, von dem aus nicht das große Panorama aufgerissen wird, aber doch im Kleinen alle Dramen des menschlichen Seins entfaltet werden. Es ist eine epische Erzählung von Schuld und Sühne, von Aberglaube und Duldsamkeit – und vom Rhythmus der Zeit. Alles beginnt mit einer Vertreibung: Den Auftakt macht das Bild eines rollenden Wagens, der dem Ungewissen entgegenfährt und auf dem der alte Goldberger und seine Tochter Martha wegziehen oder, besser: flüchten, in eine andere Gegend rund um den schon aus einem früheren Buch von Reinhard Kaiser-Mühlecker bekannten Magdalenaberg.

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Ein problematischer Mitarbeiter In Hanno Millesis „Granturismo“ hat ein Autor große Schwierigkeiten mit seinem eigenwilligen Protagonisten ranturismo“ – so heißen für LangstreG ckenrennen geeignete Sportwagen, ein Rennsimulationsspiel sowie der neue Ro-

man von Hanno Millesi. Eine Autorenfigur schickt ihren Protagonisten auf Reisen, die für den einen so real sind wie für den anderen fiktiv. Die gesamte Romanhandlung ist somit zwischen äußerem Stillstand und virtueller Bewegung aufgespannt und führt mit mancherlei erfundenen Fortbewegungsmitteln von einer skurrilen Episode zur anderen. Ausgangspunkt der Handlung ist die Entlassung des Protagonisten, die nach allen zynischen Spielregeln des Neoliberalismus abläuft, und seine Flucht. Um sich neu erfinden zu können, will er seine Vergangenheit abstreifen und landet – wo könnte das Vergessen besser gelingen? – in einer Weinstadt. Nach übermäßigem Konsum des vergorenen Traubensafts stürzt er, verliert sein Bewusstsein und erwacht in der undurchdringlichen Dunkelheit eines unterirdischen Weinkellersystems. Für den Verkaterten ist dieses Labyrinth äußerer Ausdruck seiner inneren Emigration, in der er nichts als Chaos vorfindet. Chaos und Zufall sind denn auch die pa-

radoxen Ordnungsprinzipien dieses Romans, der zwischen der planlosen Wanderschaft des Protagonisten und der statischen Wohn­existenz seines Schöpfers hinund herwechselt. Dieser verzweifelt an seinem Protagonisten, weil er immer wie-

der zu ihm zurückkehren will und kürzt zur Strafe dessen Namen von Reisender zu R. ab. Mehr Buchstaben habe er sich wirklich nicht verdient. Vier Mal schickt er ihn auf Reisen. R. beschließt: egal wie, aber es soll über die Grenze gehen. Auch das hat symbolischen Gehalt, den er durch regelmäßige Rauschzustände einlöst. Auf jedem seiner Wege gesellt sich ein skurriler Weggefährte hinzu – ein trinkender Dichter, ein gehirngewaschener Vertreter, der den Leuten dabei hilft, „ihr Leben in den Griff zu bekommen“, eine weinende Frau mit zwei Rädern oder ein Aussteiger mit seiner Familie, der sich mit Zitaten aus der Finanzwelt selbst so in Rage versetzt, dass er einen Autounfall verursacht. Jeder seiner Fahrten wird ein abruptes Ende gesetzt, und zufällig kommt von irgendwo eine Schnellbahn daher – und R. ist wieder auf dem Rückweg. Die Wahrnehmung von R. ist dabei so verzerrt und wirklichkeitsfern, dass er etwa einen reglosen Mann im Roggenfeld nicht als Vogelscheuche erkennt. Auch R.s Schöpfer tappt im Dunklen, tut dies aber aus Absicht und in der eigenen Wohnung, weil er sich unter dem Vorwand einer Reise zur Schreibklausur zurückgezogen hat. Auch der Autor nimmt vermeintliche Dinge wahr – harmlose Vorkommnisse in der Nachbarschaft interpretiert er zu einem Kriminalfall um – und übt sich in den skurrilsten Sitzweisen, die man sich nur vorstellen kann. Die Emanzipation sei-

ner Hauptfigur macht ihm schwer zu schaffen. Mit einer Kummernummer-Psychologin bespricht er deshalb Strategien, um mit dem „problematischen Mitarbeiter“ besser zurechtzukommen. Millesi treibt ein grandioses Spiel mit den

Hanno Millesi: Granturismo. Luftschacht, 232 S., € 21,30

Textebenen, die einander ironisch bespiegeln und unterlaufen. Als R. auf magic mushrooms eine Horrorfahrt erlebt, gelingt dem Autor die Engführung der Romanhandlung mit dem im Titel zitierten Computerspiel und der lapidare Verweis auf die Virtualität menschlicher Erfahrung. Wie alle klugen Beobachtungen in diesem Text kommt auch dies ganz nebenbei. Man könnte den Roman auch völlig anders beschreiben und die vielen Fährten, die er durch inner- und außerliterarische Bezüge legt, aufnehmen; könnte ihn als Schlüsseltext über eine bestimmte Kulturszene lesen; könnte die Schauplätze in den vier Vierteln Niederösterreichs erörtern. In erster Linie aber sollte man sich an den zutiefst komisch-absurden Einfällen des Autors, seinen schönen Bildern und Sätzen delektieren. „Granturismo“ ist ein Roadmovie über die Gedanken- und Rastlosigkeit seltsamer Romanfiguren und ein klaustrophobischer Einblick in die einsame Gedankenwelt einer Autorenfigur. Die Dialektik dieser Vita activa und Vita contemplativa wird am Ende auf skurrile Weise aufgelöst. ALE X ANDR A MILLNER

Die Rückkehr des Bergdoktors Eine Talentprobe – nicht mehr, nicht weniger: Vea Kaisers gehyptes Erstlingswerk, der Neo-Heimatroman „Blasmusikpop“ ie deutschsprachige Literatur hat die D Opposition von Stadt und Provinz immer gerne aufgegriffen. Und auch ein zu-

nächst noch geheimnisvoller Geschichtsschreiber, der sich immer wieder zwischen die Handlungsstränge von Vea Kaisers Debütroman „Blasmusikpop oder Wie die Wissenschaft in die Berge kam“ mischt, hat dazu etwas anzumerken: „In anderen Teilen der Welt entwickeln sich die Dinge weiter, indem sie sich verändern. In St. Peter am Anger jedoch hat alles eine Kontinuität, und alles bleibt, wie es ist.“ Johannes Gerlitzen beugt sich diesem Naturge-

setz nicht. Die Hauptfigur des ersten Teils von Kaisers Roman lässt sich von zwei Anlässen aus der engen Dorfwelt von St. Peter am Anger forttreiben. Da ist einmal der Verdacht, seine Frau habe ihm das Kind eines Nebenbuhlers untergejubelt, zum anderen dieser endlos lange Bandwurm, der sich durch seinen Leib schlängelt und schließlich nicht nur nach langer Leidenszeit ausgeschieden, sondern auch wie ein Omen betrachtet und konserviert wird. Johannes beginnt sich durch den Wurm für den Wurm zu interessieren – und damit für die Wissenschaft. Fortan hält er es nicht mehr aus in St. Peter. Ihn zieht es in die Stadt, er studiert fleißig und kehrt Jahre später als Arzt zurück, gerade noch rechtzeitig, um seine todkranke Frau zu pflegen und seinen Vaterpflichten doch noch nachzukommen. Als Toch-

ter Ilse selber Mutter wird, nimmt Doktor Gerlitzen das Enkelkind unter seine Fittiche, um aus ihm einen „Nachwuchsforscher“ zu machen. Der kleine Johannes ahnt, solcherart ermuntert, dass hinter den sieben Bergen noch etwas anderes wartet als überkommene dörfliche Riten, der Fußballverein und das harte Los, mit 18 einen Ehering überzustreifen, der sich nie mehr würde abziehen lassen. Nach dem Tod des Großvaters drängt es ihn in die Klosterschule im Nachbarort, wo er eine humanistische Bildung genießt, in einen elitären Bubenclub aufgenommen wird und einer hoffnungsfrohen Zukunft entgegenstrebt. Als er die Matura verhaut, kehrt er erst einmal reumütig in sein Heimatdorf zurück und beginnt, wie sein großes Vorbild Herodot, die Sitten der „Bergbarbaren“ aufzuschreiben. Die in Wien lebende Vea Kaiser, erst 23 Jahre alt, erzählt das alles ausgenommen flüssig. Es gibt keine Gegenströmungen in ihrem Text, keine Tiefen, in die man hinabgezogen würde. Kaisers Dorfbewohner sind Hinterwäldler, wie sie im Buche stehen, und haben das Herz naturgemäß auf dem rechten Fleck. Der altkluge Außenseiter hingegen kehrt zurück mit ein paar angelesenen Gedanken und dem Graecum im Gepäck, schämt sich für seine Herkunft und macht früher oder später doch seinen Frieden mit St. Pe-

ter am Anger. Sogar die Liebe klopft irgendwann an der Almhütte an. Im Heimatroman der 1950er-Jahre würde

Vea Kaiser: Blasmusikpop oder Wie die Wissenschaft in die Berge kam. Kiepenheuer & Witsch, 492 S., € 20,60

es kaum weniger akkurat zugehen. Nur die Sprache Kaisers ist ein bisschen aufgefrischt, kaschiert durch ihre routinierte Launigkeit das eher biedere Programm. Es ist streckenweise von enormer Harmlosigkeit und auch Klischeehaftigkeit. Gerade im sich ziehenden zweiten Teil wird der Roman zu einem unterhaltsamen Jugendbuch – ein bisschen „Fliegendes Klassenzimmer“, ein bisschen „Burg Schreckenstein“. Höhepunkt der Alpenfarce ist ein Fußballspiel des örtlichen Vereins gegen den FC St. Pauli. Da können noch einmal so ziemlich alle Metropole-Land-Klischees aufgefahren werden. Hillbilly meets Großstadtpunk, und natürlich löst sich alles in einem solch harmonischen Wohlgefallen auf, dass man selbst das Ende mancher BergdoktorRomane noch tragisch nennen könnte. „Johannes würde sein Leben lang nie wissen, wie er die Ereignisse dieser Nacht beschreiben sollte“, heißt es über den Westentaschen-Herodot nach überstandenen Turbulenzen. Leider beschreibt Vea Kaiser zu viel. Sie getraut sich nicht, Leerstellen und damit ein Geheimnis entstehen zu lassen. Vielleicht wird das in ihrem nächsten Buch anders. Dass die junge Autorin munter erzählen kann, hat sie bewiesen. Nun müsste sie noch etwas zu erzählen haben. ULRICH RÜDENAUER

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Samstag ist Selbstmord Die dem Düsteren zugeneigte Autorin Anna Kim und ihr Grönlandroman „Anatomie einer Nacht“. Ein Porträt

Die österreichische Autorin kam als Kleinkind

mit ihren Eltern aus Südkorea nach Europa. Ihre Faszination für Grönland reicht bis zurück in die Kindheit, sagt sie im FalterGespräch. „Mein Bruder hat immer Überlebenshandbücher gelesen und mir von fernen Orten erzählt. Das waren die seltenen Momente, in denen wir uns nicht gestritten haben. Damals muss sich die Idee in meinem Kopf eingenistet haben. In meiner Vorstellung war Grönland immer unerreichbar, vollkommen einsam und voller Schnee und Eis. Ich habe mir den Ort lange als unerreichbar vorgestellt. Diese Bilder bin ich nie losgeworden.“ Mit „Anatomie einer Nacht“ ist aus diesen Grönlandfantasien nun auch noch ein großer Roman hervorgegangen, der den Essayband, der sich stark mit den politischen Implikationen von Sprache und Identität beschäftigt, im Nachhinein als literarischen Zwischenschritt erkennbar macht. Gleichzeitig markiert der Roman auch Kims Wechsel vom heimischen Literaturverlag Droschl zu Suhrkamp. „Ab einem gewissen Alter will man von den Büchern leben, nicht nur von Stipendien und Nebenjobs“, kommentiert sie ihn. „Dazu muss man am deutschen Markt stärker präsent sein. Und der deutsche Verlag erreicht diesen Markt direkt.“ Dass Suhrkamp zugegriffen hat, verwundert nicht, denn „Anatomie einer Nacht“ besticht sowohl durch seinen originellen Stoff und seine Abgründigkeit wie auch durch die sprachliche Umsetzung. Den Anstoß zu dem Roman erhielt Kim, als sie in einer Zeitung einen kurzen Artikel über eine rätselhafte Selbstmordserie in Ostgrönland gelesen hat, bei der sich in einer einzigen Nacht 16 junge Leute zwischen 16 und 25 Jahren das Leben nahmen. Grönland hat generell eine der höchsten Suizidraten der Welt. Und laut einer Statistik hat jeder zweite Jugendliche schon einmal versucht, sich das Leben zu nehmen. Das Thema ist besonders im armen Osten des Landes omnipräsent, dort gibt es kaum eine Familie, die nicht betroffen ist (Ähnliches gilt übrigens für das Thema Alkoholismus). Gleichzeitig wird über diese Dinge kaum gesprochen, wie die Autorin

vor Ort erfuhr. „Man kann mit den Leuten nicht über das Thema Selbstmord reden. Da prallt man gegen eine Mauer des Schweigens. Ich wollte aber wissen, wie es hinter dieser Mauer oder Grenze aussieht. Darum musste ich nachfragen und dieses Buch schreiben.“ Kim hat es sich beim Schreiben selbst schwer gemacht. Denn anstatt einfach einen Roman über Grönland zu verfassen, hat sie es sich auch noch zur Aufgabe gemacht, „das Ganze aus einer grönländischen Perspektive zu schildern. Die meisten Berichte über Grönland stellen die Menschen als ein skurriles Naturvolk dar, was wirklich nicht stimmt. Ich spüre immer eine Form von Verantwortung, wenn ich etwas schreibe. Wenn ich jetzt über fremde Länder aus der Perspektive der Menschen dort schreibe, habe ich nochmal so viel Verantwortung.“ Den Schreibprozess, den sie ohnehin „mühsam“ findet, hat das im Fall von „Anatomie einer Nacht“ weiter verkompliziert. Anna Kim Und dann war da noch das Problem, den Geboren 1977 in richtigen Tonfall zu finden. Kim gehört zu Südkorea. Kam 1978

„Bei aller Finsternis bringt Kim zwischendurch auch hellere Farben und ein bisschen Licht ins Spiel“

jenen Autoren, die jedem Buch seine eigene Sprache zugestehen. Im konkreten Fall ging es ihr darum, die Atmosphäre in Grönland sprachlich adäquat rüberzubringen. Wenn diese dort ins leicht Surreale neigt, gelang ihr das ausgezeichnet. Auf Wortspiele und sprachliche Experimente hat sie im neuen Buch weitgehend verzichtet. Vor längeren Sätzen, einem ihrer prägenden Stilmerkmale, verschont sie den Leser jedoch weiterhin nicht. „Ich wurde mal von einer Schulklasse gefragt, warum ich so lange Sätze schreibe und ob ich sie selbst verstehe“, schmunzelt sie. „Ich tue mir einfach relativ leicht mit langen Sätzen. Das liegt vielleicht daran, dass meine Gedanken lang sind und immer mehrere Beistriche haben. Es geht nicht um die Sprache allein, es muss immer auch ein Gedanke transportiert werden.“ Ein Problem hat man als Leser von „Anatomie einer Nacht“ allerdings schon: Es gilt, sich in dem dichten Gewirr an handelnden Figuren erst einmal zurechtzufinden. Das bereitet im ersten Drittel des Romans einige Mühe. Nicht umsonst hat der Verlag am Anfang des Buches, nach dem Vorbild von Theatertexten, ein Verzeichnis der „Hauptpersonen (in der Reihenfolge ih-

mit ihren Eltern nach Deutschland und lebt seit 1983 in Wien. Nach ihrem Studium der Philosophie und Theaterwissenschaft debütierte sie 2004 mit dem Band „Die Bilderspur“. Aufsehen erregte sie 2008 mit dem Roman „Die gefrorene Zeit“

res Auftretens)“ angebracht, das man immer wieder gern konsultiert. Irgendwann klappt es dann doch – und man kann Jens und Niels, Sivke und Sarah auseinanderhalten. Und der Autorin ist außerdem zugutezuhalten, dass sie in dem Punkt bereits reuig ist: „So viele Figuren, das mache ich nie mehr.“ Davon abgesehen präsentiert sich „Anatomie einer Nacht“ als dramaturgisch exzellent gearbeiteter Text, dem nicht nur der Raum (die grönländische Landschaft), sondern auch die Zeitebene sichtbar ihren Stempel aufgedrückt hat. Die Schilderung der Ereignisse folgt dem Ticken der Uhr und umfasst fünf Stunden jener Nacht von Freitag auf Samstag im Spätsommer 2008, in der es in Grönland so viele Selbstmorde gab wie nie zuvor. Wie im klassischen Drama, und wieder ist man beim Theater, läuft alles unaufhaltsam auf die Katastrophe zu – entsprechend häufen sich in den letzten beiden Stunden die Todesfälle durch eigene Hand. Anna Kims private Grönlanderfahrung freilich war nicht so düster, sondern von Faszination bestimmt. Zuallererst über die Natur: „Das Erste, was einem sofort auffällt, sind die Leere und die Weite der Landschaft. Man bemerkt, wie klein und hilflos man eigentlich ist. Und man bemerkt, wie wunderschön die Landschaft ist, wenn man sie so sein lässt, wie sie ist. Ich dachte zuerst, dass ich in einer Dokumentation bin, weil es so unwirklich war.“ Besonders die grönländischen Nächte, in denen Schwarz noch Schwarz ist und undurchdringliche Dunkelheit herrscht, „hauen einen um“. Auffallend ist, dass die Autorin gerne und

Anna Kim: Anatomie einer Nacht. Suhrkamp, 299 S., € 20,60

viel lacht – worauf man nach der Lektüre ihrer Bücher nicht unbedingt kommen würde. Sie selbst erklärt ihre dem Düsteren und Abgründigen zugeneigte Themenwahl mit einer „Vorliebe für extreme Situationen, die literarisch interessant sind und einen selbst fordern. Ich bin eigentlich kein depressiver Mensch. Wahrscheinlich sollte ich einmal ein lustigeres Buch schreiben. Als Nächstes kommt noch ein Roman, wo es wieder um ein paar Leichen geht. Aber es sind weniger Leichen.“ Anna Kim lacht. Wobei auch gesagt werden muss, dass „Anatomie einer Nacht“ nicht nur finster und bedrückend ist. Über ihre Sprache, über Begegnungen von Figuren und nicht zuletzt über ihre Schilderungen der Schönheit Grönlands bringt Kim zwischendurch auch hellere Farben und ein bisschen Licht ins Spiel. „Da bin ich froh, dass Sie das so wahrnehmen“, atmet die Autorin auf. „Wenn man über den Tod eine Menschen schreibt, dann muss man gleichzeitig auch über das Leben schreiben. Und das besteht nicht nur aus düsteren Momenten.“ SEBASTIAN FASTHUBER

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Foto: sven Paustian

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u siehst grönländischer aus als ich“, bekam Anna Kim (Jg. 1977) von einer Inuk ins Gesicht gesagt. Ein Zeichen dafür, dass die Schriftstellerin mit ihrer langjährigen Grönlandobsession die richtige Fährte verfolgte. In ihrem Reisebericht „Invasionen des Privaten“, der im vergangenen Jahr in Droschls Essayreihe erschienen ist, erzählt sie davon, wie sie bei ihren Begegnungen mit Einheimischen während zweier Reisen an ihren Sehnsuchtsort immer wieder auf Bezüge und Parallelen zu ihrer eigenen Biografie stieß.

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Zwischen Bierzelt und Boutique Anna Weidenholzers Provinzroman „Der Winter tut den Fischen gut“ punktet mit Ernsthaftigkeit und Humor

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uf dem Cover sind acht verdorrte gelbe Rosen zu sehen, die mit Klebeband an der Wand fixiert wurden. Die Blümchentapete dahinter war vielleicht in den Tiefen des vergangenen Jahrhunderts einmal Dernier Cri. Schon der Umschlag deutet an, dass hier kein Blasmusikpop gespielt wird. Die Provinz, in der dieser Roman spielt, hat nichts Putziges, sondern ist bloß auf eine etwas fade Art normal. Es gibt Bierzelte und Boutiquen, Kfz-Werkstätten und Geisterbahnen, Coca-Cola und Rindfleisch aus dem Kelomat. Dass sich eine Autorin, die 1984 in Linz das

Licht der Welt erblickt hat, für diese Welt und deren Bewohner interessiert, ist keineswegs selbstverständlich. Ist die nicht viel zu jung, um all das aus eigener Anschauung erlebt zu haben?! Die Frage drängt sich auf, führt aber nicht weit. Schließlich wird literarische Authentizität nicht durch Selbsterlebtes verbürgt, sondern durch die Erzählweise hergestellt, deren sich die Verfasserin befleißigt. Und da beweist Anna Weidenholzer doch, dass sie ziemlich genau weiß, was sie tut. Gewiss, das behäbige Erzähltempo des ziemlich handlungsarmen Romans ist etwas gewöhnungsbedürftig, und die von Verlagskollegen Peter Henisch als „einfühlsam und behutsam“ gepriesene Schreibweise der Autorin ist mitunter von einer Umständlich- und Ausführlichkeit, die sich nicht an jeder Stelle auf die verlangsamte Wahrnehmung der Protagonisten berufen wird können: „Dimmt man das Licht, wird es dunkler und dunkler, bis es ganz verschwindet.“ Nun ja, das ist in etwa das, was mit dem Verb „dimmen“ gemeint ist. Andererseits manifestiert sich in dieser unscheinbaren Handlung die ganze Ödnis eines Alltags, der für die Protagonistin Maria noch um einiges bedrückender geworden sein muss, seitdem sie zunächst ihren Mann und dann auch noch ihre Arbeit verloren hat.

Besagte Maria ist zu Beginn des Romans 48 und wird am Ende 17 sein. Erzählt wird also im Krebsgang und über einen Zeitraum von mehr als drei Jahrzehnten hinweg, wobei die Zeitsprünge zum Schluss hin immer größer werden. Die einzelnen Kapitel sind natürlich für sich sehr wohl chronologisch erzählt, weswegen sich auch kein so drastischer Verfremdungseffekt einstellt, wie wenn man einen Film verkehrt herum abspielt. Aber der ruckelnde Rückwärtsgang sorgt doch dafür, dass sich der Leser verstärkt die Frage stellt, ob das, was in Marias Leben aufeinanderfolgt, auch schon höhere Folgerichtigkeit reklamieren kann. Was ist hier alles schiefgelaufen? Welche anderen Möglichkeiten wären offengestanden? Was hätte schlimmer oder besser kommen können? Eine Qualität des Romans besteht fraglos darin, dass er die Antworten schuldig bleibt. Frühe Witwenschaft (der um zehn Jahre ältere Walter steht erst auf Seite 177 wieder von den Toten auf ) und die als einvernehmliche Kündigung getarnte Entlassung – „freuen Sie sich, es ist nicht selbstverständlich, in diesem Alter noch die Möglichkeit zu bekommen, sein Leben neu zu gestalten“ – bringen ein Leben in lähmender Latenz mit sich. Mühsam muss es sich Maria in handhabbare Zeiteinheiten portionieren, um der Regellosigkeit eines unstrukturierten Alltags zu entkommen: „Es ist elf Uhr zweiundvierzig, als Maria ihr Frühstück beendet. Sie hat noch achtzehn Minuten, bis Frau Stefanie fragen könnte: Möchten Sie zu uns kommen, wir haben Rindfleisch gekocht.“ Aus dieser optionslosen Offenheit versetzt der Roman die Protagonistin in Zeiten zurück, da noch vieles möglich schien. Statt der erträumten Karriere als Sängerin ist Maria freilich bloß eine Ehe an der Seite eines allem Anschein nach mäßig talentierten Elvis-Imitators beschieden; der irgendwie vorgesehene Kindersegen, der seinerzeit

immerhin einen guten Grund lieferte, sich der (schwieger-)mütterlichen Kontrolle zu ent- und eine eigene Wohnung zu beziehen, hat sich nicht eingestellt. Die Umkehrung der Chronologie sorgt aber

Anna Weidenholzer: Der Winter tut den Fischen gut. Residenz, 234 S., € 21,90

Teresa Präauer: Für den Herrscher aus Übersee. Wallstein, 138 S., € 17,40

nicht nur dafür, dass Maria aus der Witwenschaft und Arbeitslosigkeit „entlassen“ wird, sondern auch für manchen komischen Effekt. So rätselt man ein paar Kapitel lang über die genaue Identität eines Haustiers namens Otto, das Maria aus zunächst etwas undurchsichtigen Gründen in einer Schachtel im Kühlschrank aufbewahrt hat. Überhaupt ist der unaufdringliche, zwischen leiser Komik und trockenem Sarkasmus changierende Humor eine große Stärke des Romans. Er verhindert, dass das Sujet vollends ins Trostlose kippt. Als sich eine etwas unentschlossene Kundin an Maria um modischen Rat wendet, wird das sich daraus entwickelnde Verkaufsgespräch knapp wie folgt protokolliert: „Finden Sie, ich sehe darin dick aus. Maria schüttelt den Kopf, sie sagt: Nein, es betont ihre Vorzüge. Ich habe keine Vorzüge, sagt die Kundin, ein gutes Kleid verdeckt das, was da ist.“ Die Rosen vom Cover tauchen fast leitmotivisch immer wieder im Roman auf. In einer bizarren Szene, in der Maria im Rahmen eines Arbeitslosentrainings Verkäuferinnen beobachten und beurteilen soll, kaufen sie und ihre dem nämlichen Programm unterstellte Kollegen drei gelbe Rosen bei Blumen Stefanie: „Langstielig, fragt die Verkäuferin. Ich weiß es nicht, sagt Kurt, eine mit wenig Stacheln bitte.“ Der berühmte Regen roter Rosen, den Hildegard Knef auf sich herabwünscht, will sich für Maria nicht einstellen. Was bleibt, ist der Strauß Rosen, den ihr Walter bei seinem semi-charmanten Hochzeitsantrag – „Ich weiß zwar nicht, wie ich mit dir leben soll, aber ohne dich geht es auch nicht“ – entgegenhält: „Seine Haare sind gekämmt, aber die Arbeitshose hat er anbehalten.“ K L AUS NÜCHTERN

Flugmaschine mit leichtem Motorschaden: Romandebüt von Teresa Präauer macht es dem Rezensenten leicht. Er kommt gar nicht in Versuchung, verwickelte Handlungsstränge aufzudröseln und ein aufwendiges Figureninventar herunterzubeten. Die gibt es nämlich nicht. Stattdessen – eine schön schlichte Situation, die variiert und entwickelt wird: Die Eltern sind unterwegs, die kleinen Kinder bei den Großeltern untergebracht. Die Post von Mama und Papa wird den Enkerln vorgelesen, allerdings unter großzügiger Auslegung ::  Dieses Buch

des ­Inhalts: „Was eure Eltern auf den Karten schreiben, bringt euch nicht durchs Leben.“ Abgesehen von der überschaubaren Personenkonstellation – zu den genannten Figuren kommen noch eine Pilotin, ein Schwarm Vögel und die Erinnerungen des Großvaters – und dem Generalthema, das vom Fliegen und den dafür nötigen Maschinen handelt, macht es das Romandebüt der aus Linz gebürtigen Teresa Präauer (Jg. 1979) dem Rezensen-

ten aber nicht ganz einfach; denn eine Frage drängt sich hier doch mit einer gewissen Vehemenz auf: Was will uns die Autorin damit sagen? Man kann Präauer nicht vorwerfen, vor-

sätzlich kompliziert zu schreiben. Die Metaphorik ist unprätentiös, die Sprache klar und einfach gehalten, vermag den Leser satzweise auch immer wieder zu entzücken: „Die Rollfeldbesitzer sind Flieger aus Leidenschaft, und sie erzählen einen Abend lang von

Metallen und Motoren.“ Nur wird aus der Aneinanderreihung solcher Sätze und hübscher Szenen, die sich mitunter lesen, als wären sie einem Drehbuch für einen Animationsfilm à la Švankmajer entsprungen, noch kein Roman. In einer Erzählung von ein paar Dutzend Seiten hätte man dieser seltsamen Flugmaschine beglückt nachgeblickt. Auf 140 Seiten erwartet man sich, dass sie auch einmal abhebt und wo ankommt. K L AUS NÜCHTERN

01.10.2009 11:43:37 Uhr

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Angenehme Bettwärme geht vor Helmut Kraussers „Nicht ganz schlechte Menschen“ fahren in den 1930ern von Berlin über Paris bis Barcelona

Der dünne, blasse, schweigsame Max hingegen,

eine „Schiele-Existenz“, wird von einem Erzieher im Jesuitenkolleg schon früh auf die Freuden der Fleischlichkeit hingewiesen und liebt in weiterer Lebensfolge Männer wie Frauen sonder Zahl, Rennbahnen und Bordellbesuche. Die Mutter stirbt früh, der Tod des Vaters fällt in etwa mit der Reifeprüfung von Max und Karl zusammen. Die beiden ungleichen Brüder treten ein einigermaßen komfortables Erbe an. Das Romanleben, es kann kommen. Der deutsche Schriftsteller Helmut Krausser, 1964 in Esslingen am Neckar geboren und in München aufgewachsen, zeigt in seinem umfangreichen Romanschaffen eine Neigung zu lustvollen, groß angelegten Streifzügen in die Vergangenheit, zu bunt gezeichneten Zeit- und Gesellschaftspa­ noramen. Konnte man sich in seinem 864-Seiten-Wälzer „Melodien“ (1993) etwa an der Seite eines Alchemisten und Magiers

nicht nur auf die Suche nach der Urmusik, sondern auch auf die Reise durch die Musikgeschichte der Spätrenaissance machen, so schilderte er in „Eros“ (2004) die bundesdeutschen Nachkriegsjahrzehnte parallel zu den Liebesobsessionen eines steinreichen Industriellensohns.

Die Zeit des Trios in Paris nützt Krausser für ein amüsantes, wenn auch etwas pauschal gezeichnetes Porträt der von Emigranten bevölkerten Stadt. Dem Lebemann und Möchtegernschriftsteller Max spendiert er kurze Treffen mit Klaus Mann und Alfred Döblin, Joseph Roth stirbt leider kurz zuvor. Die Achse Berlin-Paris wird sodann nach Barcelona verlängert, als Karl kurz vor dem Ausbruch des Bürgerkriegs (als Schachspieler) zur Volksolympiade fährt. Dort angekommen, weiß sich der etwas unfitte, auch zu gewöhnlicher körperlicher Arbeit wenig gewillte Geistesmensch kaum in die Kämpfe zwischen den Republikanern und den Franquisten zu integrieren. Immerhin nutzt Krausser den Aufenthalt zu einem Abriss über die Vorgänge während des (Stellvertreter-)Kriegs der politischen Systeme auf der Iberischen Halbinsel sowie zur Einführung einer zum Anarchisch-Enigmatischen tendierenden Figur (Zanoussi). Diese wird im letzten Teil gute Dienste leisten, wenn sich der Roman zum Krimi wandelt.

So wie die NZZ Krausser mal als „chronisch

uneingelöste Hoffnung der Gegenwartsliteratur“ beschrieb („Thanatos“, 1996), mal als „literarischen Glücksfall“ („Die wilden Hunde von Pompeii“, 2004), so bemäkelte die Kritik allgemein seine wilden Achterbahnfahrten zwischen qualitativem Hui und Pfui sowie, seinen Stil betreffend, eine Mischung aus Gestelztheit und Trivialität. Panoramahaft angelegt ist auch sein jüngster Roman, wenn sich „Nicht ganz schlechte Menschen“ auch auf eine für Krausser verhältnismäßig knapp dimensionierte Zeitspanne fokussiert: die 1930erJahre. Doch in dieser Zeit ist in Europa bekanntlich einiges passiert, und so lässt Krausser die gut bemittelten Waisen Max und Karl erst einmal in Berlin studieren, was ihm Gelegenheit gibt, sowohl das pulsierende Nachtleben der Stadt als auch die ideologischen Kämpfe dieser Zeit sowie das Erstarken und die Machtergreifung der Nazis zu schildern. Im Januar 1935 fliehen Max und Karl mit Ellie, Max’ großer Liebe, im Nachtzug nach Paris. Karl stellt sich der hauptstädtischen Bevölkerung als Schach-, Max als Sexualpartner zur Verfügung, beide entgeltlich; und auch Ellie bessert das Haushaltseinkommen des Trios mit vornehmlich in horizontaler Lage getätigten Dienstleistungen auf. Eine „Affäre“ Ellies wird für die drei mit Fortdauer ihres fiktionalen Lebens zum neuen Ankerpunkt: Der vermögende Elsässer Pierre Geising, Besitzer eines Hotels an der Gare du Nord, bietet Ellie, Max und Karl Unterkunft, Unterstützung und Freundschaft an, wenn er auch über das Verhältnis zwischen Ellie und Max falsch unterrichtet wird.

Helmut Krausser: Nicht ganz schlechte Menschen. DuMont, 572 S., € 23,60

Krausser hat ein unterhaltsames, wohltuendes Buch geschrieben. Witz, Leichtigkeit und eine angenehme Bettwärme zeichnen es aus. Man darf hier kein scharf gezeichnetes, Politik und Gesellschaft analysierendes Großporträt jener Zeit erwarten. Des Rapports rudimentärer historischer Fakten entledigt sich Krausser mittels different gesetzter pseudolexikalischer Einschübe auf eher lustlose, pflichtschuldige Art und Weise. Die Stärke des Buchs ist seine Leichtgewichtigkeit, die Beschreibung des Lebens als eine Folge von Unwägbarkeiten. Reagiert man auf diese mit der Geschmeidigkeit einer Katze – zu lernen beim umtriebigen Max -, so landet man selbst bei tieferen Stürzen immer wieder auf den Pfoten, fallweise sogar im Honigtopf. Ende gut, alles gut? Denkste. Opernfan Krausser finalisiert seinen fast luftig-leichten Reigen in diesem sich rapide verdüsternden Jahrzehnt mit einem Paukenschlag. STEFAN ENDER

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

E

s wird angenehm viel nebeneinandergelegen und miteinander verkehrt in diesem Roman. Gleich zu Beginn erleben wir hierbei Amtsgerichtsrat Loewe, zwar glücklich verheiratet mit seiner Frau Hedwig, aber dennoch auch ein regelmäßiges Nahverhältnis mit seinen zwei weiblichen Angestellten unterhaltend. „Von beiden machte Theodor Loewe körperlichen Gebrauch“, formuliert es Helmut Krausser – und zwar an den ungeraden Tagen vom Zimmer- und an den geraden vom Kindermädchen. Die Gattin ficht dies nicht sonderlich an, als Folge eines ehelichen Beischlafs gebiert sie dem preußischen Richter an einem Februar des Jahres 1915 Zwillinge, die Buben Max und Karl. Bei den zwei Protagonisten des Romans zeigen sich mit den Jahren gegensätzliche Anlagen. Körperliche Eigenschaften mit ihren geistigen Interessen konterkarierend, beschreibt Krausser Karl als Menschen mit pyknischer Physis, wilden Locken und großem Appetit, der sich nach einem kurzen Interesse für den Schachsport vor allem dem Kommunismus verschreibt. Karl lebt in sexueller Grenzaskese.

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Röcke aus Glas mit Rüschen aus Eisen Basteln auf höchstem Niveau: Nobelpreisträgerin Herta Müller legt ihren dritten Band mit Gedichtcollagen vor s sind sinnliche Gedichte: Gedichte, bei E denen nicht nur die Sprache, sondern auch die Schrift eine Rolle spielt. Sie beste-

ständen brüchig, zerstört durch die Erfahrung der Diktatur, die Schikanen des Geheimdienstes, die Macht der Angst. Diesen Prozess beschreibt sie in ihrem hen aus Schnipseln aus Zeitschriften und Zeitungen, aus großen und kleinen, fetten Essayband „Der König verneigt sich und töund dünnen, bunten und schwarzen Buch- tet“ (2003), der im Titelessay Auskunft über staben, aus ganzen und zusammengesetz- die Entstehung und Poetik ihrer Gedichtten Wörtern. collagen gibt. Als Schlüssel zu den GedichUnd sie sind, recht ungewöhnlich, sogar ten erzählt er etwa davon, wie für Müller illustriert, mit surrealen kleinen Collagen. das Reimen begann, als das Wort „König“ Unter dem kurzen Gedicht „Weit im Wind zum ersten Mal in einen Text durfte, der / laufen die Orte vorbei / – verlorene Män- König, der für die „Lebensgier in der Totel / gefüttert mit Heu“ fährt dann etwa ein desangst“ steht. Herta Müller hat erfahren, Lastwagen auf einer Wolke, die über einer was es bedeutet, wenn die Angst die Wörter grünen Wiese steht. ihres Sinns beraubt, ihnen neue Bedeutungen einschreibt, den Blick verformt, bis die Mit „Vater telefoniert mit den Fliegen“ legt Welt sich Stück für Stück gegen den VerHerta Müller nach „Im Haarknoten wohnt stand zusammenbraut, bis der eigene Blick eine Dame“ (2000) und „Die blassen Her- zu jenem „fremden Blick“ wird, der im Wesren mit den Mokkatassen“ (2005) bereits ten so gerne missverstanden wird als der den dritten Band mit Gedichtcollagen vor. Blick jemandes, der von außen in ein fremIm Dezember 2003 erzählte sie in der Al- des Land gekommen ist. ten Schmiede, wie diese Gedichte entsteAber, darauf insistiert sie: Der fremde hen: wie sie zu Hause mit all den Schnip- Blick hat mit der Einreise nichts zu tun, er seln am Tisch sitzt, wie die Wörter sie an- ist ein mitgebrachter aus einem beschädigspringen und sich plötzlich zusammentun, ten Leben, entstanden in einer Heimat, wo welche Neugier und welche Befriedigung einem Vertrautes entfremdet, seiner Selbstsie dabei verspürt. Ernste Freude an einem verständlichkeit beraubt wurde. „Ich gehöre kindlichen Spiel, das bei Müller freilich auf / daheim / dorthin / wo ich nicht bin / und bitterer Erfahrung beruht. auch nicht wäre / wenn ich anders / zurückHerta Müller wurde 1953 als Rumänien- kehre zum Beispiel / als Schnee oder Bromdeutsche im Banat geboren und war jahre- beere“ lautet eines der neuen Gedichte. lang dem Terror der Securitate ausgeliefert, „Eine aus einem armseligen Land Dader nahe Freunde zum Opfer fielen. Als das hergelaufene mit kaputten Nerven“ nannLeben nicht mehr stimmte, wurde auch die te sich Müller, die 1987 in die BundesreProjekt1_Anzeige Falter Österreich Hacke publik 07.10.12 15:24 Seiteemigrierte, 1 Deutschland 2003 noch feste Verbindung der Wörter zu denAxel Gegen-

nonchalant. Die Nerven scheinen inzwischen wieder ein wenig robuster geworden zu sein, falls es möglich sein sollte, das aus Gedichten abzulesen. Die Gedichte in „Vater telefoniert mit den Fliegen“ kommen auf den ersten Blick weniger schmerzlich, vielleicht auch weniger dringlich daher, dafür mit mehr Sinn fürs Detail und mehr prallvoller Sinnlichkeit. Ein Grundton von Bedrohtheit und Angst

Herta Müller: Vater telefoniert mit den Fliegen. Gedichte. Hanser, 207 S., € 20,50

durchzieht dennoch diese Texte, und es gelingt Müller, die Unbehaustheit der menschlichen Existenz in zeitlose Bilder zu bannen. „dass Gefühle Röcke / aus Glas mit Rüschen / aus Eisen tragen / rührt beides nicht / an Grundsatzfragen“ lautet eines der Gedichte. Immer noch pflegen die Gegenstände ihre typische Komplizenschaft mit der Vergangenheit, die unvermutet in der Gegenwart wieder auftaucht. Und noch immer handeln die Gedichte vom banatschwäbischen Dorf, weniger offensichtlich von Verfolgung und Flucht. Immer öfter haben sich Reime eingeschlichen, und ein neuer Hang zur Verdichtung mündet manchmal in Aphorismen, deren rätselhafter und oft unheilvoller Ton einen nicht mehr loslässt: „Der erste / Vogel den / ich sah / war ein Taschentuch / im Wind ... / kein Betrug nur / Gegenwart im Zeitverzug“ oder: „Hinter den Details / sah man der Lüge / frei ins Dekolleté / mehlweiß ging / sie bis zum großen Zeh“. K IR STIN BREITENFELLNER

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Komatöse Kräfte und Komik Ingomar von Kieseritzky meldet sich nach langer Pause mit „Traurige Therapeuten“ in alter Form zurück

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eder will der Rezensent pampig erscheinen noch sich eine Kopfnuss von einem erzürnten Literaturwissenschaftler einhandeln, dennoch muss in aller Ruppigkeit gesagt sein: Gegen die herrlich durchgeknallte Menschenmenagerie, die Ingomar von Kieseritzky (Jg. 1944) in seinen Büchern auftürmt, stinkt Dostojewskis zwangsneurotisches Romanpersonal gehörig ab. Idioten und Dämonen sonder Zahl tummeln sich freilich da wie dort: bei Kieseritzky zu unserem höchsten Pläsier, beim großen Russen – so will es ein Rest Bildungsbeflissenheit – zu unser aller Erschaudern (featuring Katharsis). Nun hat die Literaturwissenschaft schon seit

längerem einen Narren daran gefressen, die Werke ihrer Größten auf deren bislang vor lauter Tiefsinnsuche übersehenen Humorgehalt hin abzuklopfen. Bernhard: klar, bereits in „Frost“ Krypto-Komödiant. Kafka: Dessen Romanfragment „Amerika“ berge vom Stummfilm inspirierte Slapstickstellen zum Sich-Zerkugeln. Goethe: So manch beschwipstes Gespräch mit Eckermann sei von köstlichem Witz ob seiner mäandernden Verschwurbeltheit. Und Dostojewski? Dessen Beschreibung einer aus allen Fugen geratenen Party in „Die Dämonen“ pries Eckhard Henscheid bereits in den 1970er-Jahren als Meisterstück der Hochkomik. Es scheint, als wolle man sich der Bodenhaftung von schreibenden Titanen durch das Sichten humoristischer Brosamen vergewissern. Zum prallen Leben gehöre halt auch ein Quäntchen Heiterkeit – aber bitte nicht zu viel, sonst verdirbt es uns gar noch die Tragik. Diese speziell deutsche Unart der Hierarchisierung von Literatur in hohe Sphären des Tragischen und Niederungen der Komödiantischen erhebt die Martin Walsers und Botho Sträuße bis heute in den Rang potenzieller Literaturnobelpreisträger, während ein Sprachgenie wie Ingomar von Kieseritzky sich am „Kasseler Literaturpreis für Grotesken Humor“ (1999) erfreuen darf.

„Das Buch der Desaster“, „Kleiner Reiseführer ins Nichts“ oder „Da kann man nichts machen“ – allein die wunderbaren Romantitel lassen die komatösen Kräfte erahnen, die in Kieseritzkys Helden schlummern und ein „Gelingen“ von was auch immer per se vereiteln. Einen gewaltigen Huscher haben sie alle, manche Marode beherbergen in sich nur zig Neurosen, bei anderen gesellen sich dazu noch Phobien und Animositäten ohne Ende. Die wahren Katastrophenprofis aber erkennt man an ihrer allumfassenden Devastiertheit in der Birne und in den müden Knochen. Das sind die komischsten Vögel in Kieseritzkys Narratorium, deren Lebensmaxime ein gewisser Dr. Knock (natürlich selbst multipel gespalten) so auf den Punkt bringt: „Was ich nicht dulden kann, ist, dass die Gesundheit Ausmaße einer ­Provokation annimmt.“ Der Titel „Traurige Therapeuten“ verballhornt nicht nur den 1955 erschienenen Reisebericht „Traurige Tropen“ des berühmten Ethnologen und Strukturalisten ­Claude Lévi-Strauss (wunderlicher erster Satz: „Ich verabscheue Reisen und Forschungsreisende“), sondern bezieht sich auch auf die amüsante Feldstudie „Traurige Insulaner“ von Nigel Barley, einem nicht unspleenigen Völkerkundler von kaum zu leugnender britischer Herkunft. Und wie sich diesen Erforschern „fremder“ Völker das zu erforschende Objekt oft als Spiegelbild der eigenen Fremdheit darstellt, so befremdend erscheint auch Kieseritzkys Protagonisten ihr Blick auf das eigene Volk, die eigene Familie, auf sich selbst. Dieses Fremdeln gegenüber dem Nahen und Nächsten ist oft zum Brüllen komisch. Nehmen wir nur Arthur Singram. Als Erzähler das lädierte Zentrum dieses Romans, macht er sich in einem Schweizer Sanatorium daran, seine Lebensgeschichte unter alleiniger Berücksichtigung sämtlicher Blessuren und Scherereien, die man sich im Umgang mit der Wirklichkeit so einfängt, schriftlich zu fixieren: das Gscher mit der

Damenwelt und der damit verbundene sexuelle Dauernotstand, das Gfrett mit sämtlichen Verwandten, der Jammer mit Parasiten, die einem als „beste Freunde“ die besten Weine wegsaufen usw. Selbstverständlich kommt die Arbeit an den

Ingomar von Kieseritzky: Traurige Therapeuten. C.H. Beck, 347 S., € 20,60

Memoiren nicht recht von der Stelle, was sich für den Leser jedoch mehr als auszahlt, weil Herr Singram in seiner Schreibnot in den Tagebüchern seiner Vorfahren blättert, die alle – wie er selbst – weltflüchtige Misanthropen waren, zur Fauna jedoch eine ans Sodomitische nicht immer nur grenzende Liebe hegten. Urgroßvater Iron war noch Zobeljäger, sein Sohn Edward unterhielt einen abgefuckten, aber dafür umso liebevoller gehätschelten Privatzoo, dessen Sohn Max malte riesige Ölschinken vollgestopft mit kopulierenden Tierchen und zeugte in einem Anfall künstlerischer Erschöpfung Arthur, den Chronisten, der sich selbst als Teilzeit-Tiertherapeut um wohlstandsverwahrloste Viecher kümmert. Auch das freilich vollkommen erfolglos, weil sich der zerrüttete Bonvivant nebenbei auch noch mit Studien herumschlägt, die ihn seit Jahrzehnten mental überfordern, etwa dem Konvolut „Über die Theorie und Praxis des Winterschlafs“ oder einer selbstredend in den Anfängen steckengebliebenen „Geschichte des Schwachsinns“. Kieseritzkys geplagte Melancholiker folgen stets demselben Schema: Zuerst ist da eine Anmaßung, aus der resultiert eine komplette Überforderung, die zwangsläufig in ein klägliches Scheitern mündet. Treffend erkannte 2001 der Rezensent der Frankfurter Rundschau in Edward A. Murphy den Ahnherren von Kieseritzkys Romanfamilie. Murphys Satz „If anything can go wrong, it will“ haben sich hier alle hinter die Ohren geschrieben. Sie wissen, dass das Scheitern zur genetischen Grundausstattung des Menschen gehört und eine verdammt produktive Kraft sein kann, von der die blöden Sieger keine Ahnung haben. FRIT Z OSTER MAYER

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Der Charme eines Strichmännchens Matthias Zschokke erkennt in „Der Mann mit den zwei Augen“ im scheinbar Nebensächlichen die Hauptsache

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arum ist das Interessante eigentlich interessanter als das Langweilige? Ist denn Langweiliges nicht auch interessant? Matthias Zschokke stellt gerne vertrackte Fragen wie diese. In seinem neuen Roman mit dem seltsamen Titel „Der Mann mit den zwei Augen“ geht es um einen Gerichtsreporter, der die alltäglichen Fälle den spektakulären ­vorzieht. „Das Normale kam ihm auf eine viel spannendere Art kompliziert und interessant vor.“ Daraus ergibt sich, dass er mit seinen Reportagen nicht allzu erfolgreich ist. Denn die Welt hat sich dafür entschieden, das Spektakuläre zu bevorzugen. Einer, der gegenüber Leuten, die interessant sein wollen, rasch die Geduld verliert, und der sich selbst für langweilig hält, ist in ihren Augen eben nichts als das: langweilig.

Der Rückzug ins Schweigen und in die Einsamkeit, den sein „Mann mit den zwei Augen“ angetreten hat, wird immer wieder durchbrochen von langen, tiradenhaften Ausfälligkeiten: dem grotesk verschwurbelten Brief an eine Amtsrichterin etwa, in dem er sich über steigende Mieten beklagt, einer wahnwitzig geschraubten Begrüßungsrede an einen neuen Nachbarn, den überkandidelten Tresengesprächen mit einer Wirtin in der Kleinstadt Harenberg oder den sprachphilosophischen Ergüssen am Frühstückstisch, für die sich die Frau,

den Gästen, die der Mann erzählt, vergisst man aber nicht so leicht. Man könnte sagen: Dieser Roman handelt von Kommunikationsstörungen und Identitätsproblemen. Gespräche sind unmöglich, denn sie missraten regelmäßig zu absurden Monologen. Nähe ist kein Ziel, denn den Menschen ist besser aus dem Weg zu gehen. Sexualität erscheint als geschäftsmäßiger Akt,

„Ein Buch voller Wut und Witz und Boshaftigkeit, das nur so überquillt vor Geschichten“

Matthias Zschokke ähnelt als Schriftsteller

seinem „Mann mit den zwei Augen“. 1954 in Bern geboren, lebt er seit 1980 in Berlin, hat zahlreiche Romane, Erzählungen, Theaterstücke geschrieben und auch diverse Preise erhalten und doch nie die Aufmerksamkeit bekommen, die er literarisch verdient hätte. Das liegt daran, dass er – wie all seine Helden – Nebensächlichkeiten den Vorzug gibt, dass er die leiseren Töne, das Abseitige und Einzelgängerische liebt und sich bescheiden im Hintergrund hält. Er ist ein Robert Walser unserer Zeit, einer, der sich kleinmacht, um sich unter den Zumutungen seiner Mitmenschen wegzuducken. In Kafkas Gregor Samsa, der sich mit einem Chitinpanzer wappnet, erkennt er einen Artverwandten. Dass ihn die selbstgewählte Rolle eines Mannes, der gerne übersehen wird, auch ärgert, ließ er zuletzt in den fulminanten an einen Freund gemailten Lebensmitschriften „Lieber Niels“ erkennen. Die Wut auf den Literaturbetrieb und alles Massenkulturhafte stand ihm gut, und sie grundiert nun auch den neuen Roman, der viel weniger freundlich ist, als man das von Zschokke bisher gewohnt war.

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die ihm da gegenübersitzt, allerdings überhaupt nicht interessiert. Sie spricht lieber über ihren Nagellack. Aber es gibt in diesem Roman auch Handlung: Der Mann ist in die Kleinstadt Harenberg gezogen, um nach dem überraschenden Tod der Frau, mit der er zusammenwohnte, Erholung zu suchen. In seinen Erinnerungen entdeckt er, dass dieses rücksichtsvoll-distanzierte Zusammenleben vielleicht so was wie Liebe gewesen ist. Ein verspäteter Liebesroman also, während der Mann in der Kleinstadt genauso einsam ist, wie er es in der Großstadt war. Zschokke hat seinen „Mann mit den zwei Augen“ wie ein Strichmännchen in allergrößter Allgemeinheit konzipiert. Wer ihm begegnet, vergisst ihn gleich wieder, so unauffällig sieht er aus. Die Wirtin, die seine letzte Vertrauensperson ist, erkennt ihn selbst dann nicht wieder, nachdem sie auf sein Bitten hin einmal sogar mit ihm ins Bett gegangen ist. Die Geschichten von Katzen, Hunden, sinnlosen Reisen und quälen-

Matthias Zschokke: Der Mann mit den zwei Augen. Wallstein, 242 S., € 20,50

und zwar in den verschiedensten Varianten. Da wird Zschokke ziemlich derb und direkt. Das Geschlechtliche beschreibt er so, wie er auch Bewegungen im Straßenverkehr beschreibt: als äußerlichen Vorgang, dem er als bloßer Beobachter beiwohnt. Ähnlich kühl taucht die Erinnerung an eine Vergewaltigung durch einen alten Herrn auf, wie sie der Mann als Junge auf dem nächtlichen Nachhauseweg erlebte. Vielleicht hat es damit zu tun, dass das Sexuelle jeden Bezug zu den Gefühlen verloren hat und dass es schambehafteter ist, mit jemandem ins Gespräch kommen zu müssen, als die Geschlechtsteile aneinanderzureiben. Diese Gestörtheiten werden jedoch nicht psychologisiert oder auch nur kommentiert. Sie werden mit ungerührter Miene als Normalität zur Kenntnis genommen. Man könnte diesen Roman deshalb sehr gut gesellschaftskritisch lesen, als abgründiges Manifest gegen den Kapitalismus, der nicht nur die Brötchen in Aufbackbatzen und überhaupt die Dinge in billige Waren verwandelt und damit vernichtet, sondern auch die Beziehungen zwischen den Menschen zerstört. Aber die gesellschaftskritische Schublade wäre zu klein für diesen Autor und ein Buch voller Wut und Witz und Boshaftigkeit, das nur so überquillt vor Geschichten und der Lust am Erzählen. Zschokke macht aus Nebensächlichkeiten große Literatur und verwandelt das Langweilige in etwas Aufregendes. Sein Weg ist dem der vielen, den er in der Gesellschaft überall beobachtet und beklagt, genau entgegengesetzt. JÖRG MAGENAU

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Fucking Apfelbäumchen In ihrem neuen Roman beschreibt Sibylle Berg den Fall eines Menschen von ganz unten ins Bodenlose

„Vielen Dank für das Leben“ als Titel ist iro-

nisch gemeint, klar. Die in der DDR geborene Autorin schildert in ihrem Roman den Fall eines in der DDR geborenen Kindes von ganz unten ins Bodenlose. Was Gott (im Alten Testament natürlich) Hiob angetan hat, ist ein Pappenstiel zu dem, was Berg Toto, ihrem als Zwitter geborenen Protagonisten, im Lauf der knapp 400 Seiten dieses Werks zumutet. Details? Als Kind einer alleinerziehenden Alkoholikerin landet Toto noch auf den ersten Seiten des Romans im Heim. Einem kurzen Moment der Erfahrung freund-

schaftlichen Glücks steht der Dauerzustand von Schikane, Drangsal und Misshandlung gegenüber. Toto wird von der Heimleiterin an eine „Pflegefamilie“ auf dem Land verkauft, das Paar, so die Erzählerin, „ein Paradebeispiel für misslungenes Hassmanagement“. Toto wird geschlagen, als Arbeitskraft ausgebeutet, haust im Stall.

mir. Die Autorin zeichnet ihn als einen Wiedergänger von Bret Easton Ellis’ Patrick Bateman aus „American Psycho“: ein gefühlsgestörter Karrierist, dessen emotionale Blessur ausgerechnet in seiner intensiven Hassliebe zur fetten, unansehnlichen Toto besteht und der jedes zart aufkeimende Pflänzchen des Glücks in Totos Leben mit berechnender Hand vertrocknen lässt. Die vorhersehbare Tour der Leiden wäre furcht-

„Als Hasskraft der deutschen Literatur findet Berg fast alles eklig, bedrückend und falsch“

Einigermaßen volljährig büxt die Hauptfigur mit einer linken West-Anarchistengruppe in die BRD aus. Dort wird alles noch viel schlimmer. Toto, mit einem „kristallklaren Sopran“ gesegnet, darf zwar kurz in einer Bar singen, wird aber dort eigentlich auch nur als billige Schankkraft und Putze ausgenutzt. Eine Irrfahrt durch unselige Arbeitsverhältnisse, billige Kleinstwohnungen und Obdachlosenheime folgt. Über all das Unglück beklagt sich Toto aufgrund seiner/ihrer jesusgleichen Dulder(innen)mentalität jedoch nie. Als Totos Gegenspieler etabliert Berg ausgerechnet jene Figur, welcher die chronisch Benachteiligte im Heim ihr erstes Glücksmoment zu verdanken hat: Kasi-

Sibylle Berg: Vielen Dank für das Leben. Hanser, 397 S., € 22,60

bar öde, wenn Berg nicht so gut schreiben könnte, wenn sich diese Mischung aus comichafter Überzeichnung, schrulliger Ruppigkeit, aus Bauhaus und Poesie nicht so toll läse. Berg lässt sich über Flugreisen aus („eine kleine Kiste, die im All herumwackelt und Fleisch transportiert“), über nackte Menschen „mit all dem Gehänge und Gelampe an ihren Körpern“, sogar unschuldige Apfelbäumchen belegt sie mit dem adjektivisch verwendeten Terminus „fucking“ und Flüsse fließen „grau und bösartig“. Weiters fallen amüsante Momentaufnahmen, besser: Zerrbildchen der 1980er-, 1990er- und der Nullerjahre in Ost und West an. Als Bonus-Track spendiert Berg sogar noch einen Blick in die Zukunft. Den bösen Blick auf die Menschheit, das hat die Autorin mit dem gespannten Gesichtsausdruck und der buddhistischen Gelassenheit vor kurzem in einem Standard-Interview verraten, kann sie privat abstellen. Für ihre Bücher wünscht man sich das nicht: Da tut die böse Berg meist einfach zu gut STEFAN ENDER

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

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osheit ist eine grundsätzlich gute, notwendige Sache. So sehr etwa die Wende zur verpflichtenden Gutherzigkeit, die der christliche Weg mit dem Neuen Testament vollzogen hat, gesamtgesellschaftlich zu begrüßen war, so scheint die Aufforderung zu einer permanent nicht­aggressiven Gemütslage den einzelnen Menschen zu überfordern und in die Sackgasse der ausschließlichen Positivemotion zu führen. In diesem Dilemma befindet sich Sibylle Berg definitiv nicht. Als verlässliche Hasskraft der deutschen Literatur findet die in Zürich lebende Autorin erstaunlich viel, eigentlich sogar fast alles eklig, bedrückend und falsch – und gießt ihre Enttäuschung über das missglückte Experiment Menschheit seit Jahrzehnten mit großer Regelmäßigkeit und Begeisterung in die Formen von Theaterstücken und Romanen.

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Ping-Pong der Sehnsüchtigen Martin Walsers „Das dreizehnte Kapitel“ ist eine Verbeugung vor der Form des schwelgenden Briefwechsels

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n Philip Roth klebt es, das Prädikat Altmännerliteratur, und seit einigen Jahren – vor allem seit den letzten beiden Romanen „Ein liebender Mann“ und „Angstblüte“ – auch an Martin Walser. Das Setting von Walsers neuem Roman schien erneut Vermutungen zu nähren, der große alte Mann der deutschen Literatur könnte sich in selbstmitleidigen Klagen über nachlassende Manneskraft im Angesicht von jung und frisch bleibenden weiblichen Zielobjekten ergehen. Zu jeder Zeit repräsentierte der Vorwurf eine unzulässige Reduktion von Walsers Können, aber sein Altmännerraunzen fiel auf und ins Gewicht und trübte den Blick auf die furiose Eleganz seines Schreibens. Wie steht es nun um seinen neuen Roman „Das dreizehnte Kapitel“? Darin verliebt sich ein alternder, verheirateter Schriftsteller in eine deutlich jüngere, ebenfalls verheiratete Theologin. Walser schaltet diesmal die Ebene der realen Begegnungen, auf der die Differenz zwischen altem Mann und jüngerer Frau schmerzlich augenfällig und damit brenzlig werden könnte, gleich von vornherein aus.

Sie spielt keine wesentliche Rolle, denn Basil Schlupp und Maja Schneilin, Walsers Protagonisten mit den Nestroy’schen Lustspiel-Kunstnamen, entwickeln ihr Verhältnis zueinander ausschließlich per Brief. Ein Briefroman also, und wer will, kann ihn als Walsers hochgelehrte, facettenreiche Antwort auf E-Mail-Romane und virtuelle Identitätsspiele in sozialen Netzwerken lesen. Wahrscheinlicher ist aber etwas anderes: dass es nämlich in diesem Roman um die Sehnsucht geht. Es ist die Sehnsucht nach dem Schreiben ausschweifender Briefe, die Sehnsucht nach einem ebenbürtigen, gleichermaßen sprach- wie denkverliebten Schreibpartner, die Sehnsucht nach der unvergleichlichen Dynamik abwechselnden Briefeschreibens – diesem Ping-Pong aus Vorpreschen und Warten, aus Reagieren und Abschweifen, aus Fantasieren und Beschwören. Und auch wenn der Schriftsteller und die Theologin nach der Hälfte des Romans, etwas unvermittelt, zu iPhone und E-Mail als Kommunikationsmedien überwechseln, ihre Briefe bleiben klassische Briefe aus der alten, vom Aussterben bedrohten Tradition. Genährt und erst so richtig befeuert wird all das von Anfang an aus der Unmöglichkeit der Übersetzung ins Reale – „nichts als Buchstaberei“ also, nichts als aus Geschriebenem gebaute „Hängebrücken über einem Abgrund namens Wirklichkeit“. Wie herrlich, wie traurig, wie vollgepackt mit Möglichkeiten für zwei, die viel Fantasie und (nach jeweils gar nicht unzufriedenen, so doch langen Ehejahren) viel unausgeschöpftes Potenzial für frisches Verliebtsein in sich tragen!

nicht zur Kenntnis nimmt – „sie bemerkte mein Zu-ihr-hinüber-Starren überhaupt nicht, sie bestätigte mir durch keinen Antwortblick mein Dasein und Hinüberstarren, sie demonstrierte mir nichts als meine Nichtanwesenheit“. Eine elementarere Kränkung angesichts des

eigenen Coup de foudre ist nicht denkbar. Schlupp ist gefangen und schreibt einen ersten Brief, der ein Meisterwerk von furiosem Auftakt ist – inklusive Eigenwerbung und Beschwörungen erster Eindrücke, Selbstentblößungen und -bezichtigungen, Schmeicheleien und kleiner, provokanter Unverschämtheiten sowie biografischer Details. Mit einem Wort: eine in sehnsüchtiger Berechnung perfekt komponierte Liebesfalle voller „nicht bestellter Gefühlsangebote“, in die die Theologin mit dem gleißenden Blondhaar und dem „ganz unzerstörten Mädchen im Gesicht“ prompt hineintappt. Dass sie tatsächlich zurückschreibt Martin Walser. und wie sie das tut, versetzt Basil Schlupp Das dreizehnte in Euphorie. Kapitel. Rowohlt, SK_inserat_herbst_213x273_b:SK_Inserat_herbst_120x82.5 07.08.2010 09:24 271 S., € 20,60 Glückstrunken benotet er im zweiten Brief Eloquenz, Klugheit und Raffinesse seines tollen Fangs. Dass er nicht mehr will, als „Ihnen Ihre Wirkung melden“, ist natürlich die reine Lüge. Fürderhin taumeln Basil und Maja einander brieflich entgegen und deklinieren dabei – frei nach Roland p u nBarthes k t – alle „Fragmente einer s aSprache t z der Liebe“ durch, die von der Abwesenheit

des geliebten Objekts erst befeuert werden. Der Austausch über ihre jeweiligen Ehepartner und den Verrat, den sie an diesen üben (oder eben nicht), nimmt darin mindestens ebenso viel Platz ein wie das Nachdenken über Religion. Fast unnötig zu erwähnen, dass dieser Religionsdialog zwischen einer evangelischen Theologin und einem katholisch sozialisierten Schriftsteller zum Schönsten an diesem Walser-Roman gehört. Wo immer Walser sich mit Glaubensfragen beschäftigt (wie zuletzt in seinem Essay „Über Rechtfertigung, eine Versuchung“), zeigt sich die ganze Vielschichtigkeit seines Denkens und Schreibens besonders klar. Der Briefwechsel zwischen dem großen Schweizer Theologen Karl Barth und Charlotte von Kirschbaum mag dabei für „Das dreizehnte Kapitel“ Pate gestanden haben, im Roman ist Barth Majas Säulenheiliger. Als Maja mit ihrem von schlimmer Krank-

heit genesenen Ehemann eine erschöpfenSeite 1 de Alaskareise antritt, nimmt Walsers Roman eine schwierige Wende, die einen unsanft aus der Spirale der vorhergehenden Briefschreiberei herausreißt. So ist es wohl mit einer von Anfang an unmöglichen Liebe, scheint Walser zu sagen, irgendwann holt einen deren Unmöglichkeit tatsächlich ein. Und immer früher, als iman s p e es l sich gewünscht hätte. JULIA KOSPACH

ise e r e gut

Auf einem Empfang beim Bundespräsiden-

ten im Berliner Schloss Bellevue lernt der Bestsellerautor die Theologin kennen. Er, den der „komische Ehrgeiz“ reitet, „überall bestimmen zu wollen, wie ich wirke“, muss an diesem Abend erleben, dass „Frau Professor Schneilin“, die ihn über die Maßen fasziniert und anrührt („Sie sah keiner Frau gleich“), ihn umgekehrt so gut wie

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„Gutmenschen sind mir zu gut“ Der Reiseschriftsteller Andreas Altmann über sein neues Buch „Gebrauchsanweisung für die Welt“

Falter: Ihr Buch liefert eine Anleitung zum

wahren Reisen – was war die Intention dahinter? Andreas Altmann: Da muss ich sofort lachen, wenn ich „wahres Reisen“ höre. Das gibt’s so wenig wie ewige Wahrheiten. Nun, lassen Sie mich zuerst den wunderbaren, in Wiener Neustadt geborenen Elazar Benyoëtz zitieren: „Ein Mensch kann nicht bescheidener sein, als wenn er nur von sich allein spricht.“ Soll sagen, ich schrieb das auf, was ich für richtig halte, eben meine Wirklichkeit. Wer sich das antun will, soll das Buch lesen. Die Intention? Na, immer dieselbe: ein passabel intelligentes Buch zu veröffentlichen, das den Leser begeistert. Und ihn nicht das Geld reut, nicht die Lebenszeit. Werden nach der Lektüre der „Gebrauchsanweisung“ aus Touristen Weltenbummler? Altmann: Was weiß ich, was der Leser mit dem Buch anstellt. Sobald der Autor sein Buch loslässt, gehört es dem Leser, er hat dann die Deutungshoheit. Weltenbummler sollte er allerdings nicht werden, denn Bummeln ist etwas für Dösige. Er soll losziehen, sich hergeben, sich verausgaben, soll sich antreiben lassen von seiner Neugier. Ein Kapitel widmen Sie dem Thema Drogen. Es beginnt mit: „Das ist ein explosives Thema. Zumal in Zeiten, in denen der Gesundheitsterrorismus umgeht.“ Gibt es persönliche Gründe dafür? Altmann: Natürlich, ich rede immer nur von Dingen, die ich auf sinnliche Weise, sprich, mit meinen fünf oder sechs oder sieben Sinnen erlebt habe. Ich war Zeuge gräulicher

Drogenexzesse und Teilnehmer himmlischer Tal-und-Berg-Fahrten. Und so steht es im Buch. Sie schreiben: Über die Jahre wurde Ihnen bewusst, „dass Gutmenschen besonders unter meinen Büchern leiden“. Warum? Altmann: Weil sie mir zu gut sind. Ich misstraue ihnen, vielleicht tragen sie nur die Maske des Guten. Zudem haben sie den Kopf voller Flausen statt voller Wirklichkeit. Sie schauen nicht hin, sie schauen weg. Sie wollen die heile Welt, mit lauter heilen Menschen. Aber die haben wir nicht. Wir haben augenblicklich einen Planeten, der von ziemlich vielen Unheilvollen ruiniert wird. Ach ja: Gute, gütige Menschen verehre ich. Ein Kapitel heißt „Eros“. Worauf soll man bei der Liebe in der Ferne achten? Altmann: Erstens, dass sie lodert und funkelt. Und zweitens, dass der oder die „Eingeborene“ schön dort bleibt, wo er geboren wurde. Denn warme, verschlungene Nächte unter Palmen sind Freuden, die für den Alltag nicht taugen. Weder in Grinzing noch in Quakenbrück. Die Liebe in der Ferne ist nicht bedroht vom gemeinsamen Wüstenrot-Häuschen, von trägem Ehesex und den mürben Visagen der Nachbarn.

Zur Person Andreas Altmann Geboren 1949 in Altötting. Nach abgebrochenen Ausbildungen und beendeter Schauspiellaufbahn heuert er als Reisereporter an. Aus Texten für Magazine werden Bücher. 15 Bücher schrieb er in den letzten 16 Jahren. Siehe auch die Rezension des Buches im Sachbuchteil dieser Beilage, S. 44

Was entgegnen Sie jenen, die behaupten, Reisende seien in Wahrheit auf der Flucht, würden sich dem Alltag nicht stellen? Altmann: Lachen würde ich und jubelnd ausrufen: Ja, Sie haben Recht! Sie verbrachten viel Zeit in Zen-Klöstern. Warum? Altmann: Um mich zu konzentrieren. Um das Aufregende vom nassen Furz unterscheiden zu lernen. Um nicht als iPhone-Bimbo zu enden, der 300 Mal am Tag auf sein Telefon glotzt und nie auf die Idee käme zu leben. Andreas Altmann: Dennoch bezeichnen Sie sich als Narziss, der nach Anerkennung strebt. Auch das buddhistische Ideal des „frei von Ego sein“

Gebrauchsanweisung für die Welt. Piper. 211 S., € 15,50

gelingt Ihnen nicht. Eine Entscheidung oder menschliche Schwäche? Altmann: Kennen Sie einen im Weltall, der ohne Anerkennung auskommt? Und natürlich ist das keine freie Entscheidung, denn Anerkennung ist ein Grundnahrungsmittel der Seele. Ohne das geht der Mensch vor die Hunde. Und eine „menschliche Schwäche“ ist sie gewiss auch nicht. Vielleicht für Gutmenschen und andere Scheinheilige. Suche nach Anerkennung ist ein Urtrieb aller Kreativität. Bietet die buddhistische Geisteshaltung Ruhe im unsteten Leben eines ständig Reisenden, eines „bekennenden Flüchtlings“? Altmann: Weiß ich nicht. Ich jedenfalls bin kein Buddhist. Mir gefallen jedoch eine Reihe seiner Ideen. Auch die, dass mich der Buddhismus mit einem Herrgott verschont. Herrgötter und andere Unheilstifter gibt’s dort nicht. Ansonsten halt ich mich bedeckt, denn ich habe mir schon vor langer Zeit vorgenommen, dass ich niemands gesammelte Sprüche nachleiern werde. Auch die nicht von Herrn Buddha. Und: Ruhe will ich schon gar nicht. Ich will fiebrig sein, nervös, auf der Lauer. Sie haben in Wien in der Berggasse gewohnt, vor Ihrer Zeit als Schriftsteller. Wie haben Sie die Stadt damals erlebt? Altmann: Ich liebe Wien, so viel Genialität hat es der Welt geschenkt, so viel umwerfende Sprache und Literatur. Leider hat mich Wien nicht geliebt. Wohl weil ich ein mäßiger Schauspieler war. Wien ist wie eine schöne, fordernde Frau, man muss ihr imponieren. Dann umarmt sie einen. Diesen Sommer waren Sie im Nahen Osten unterwegs. Dürfen wir ein Buch erwarten? Altmann: Böse Zungen würden sagen: Uff, schon wieder eins vom Altmann. Hurra, das höre ich gern, denn ich schreibe auch aus Rache – um mich zu rächen an den Schafsköpfen, die sich vorgenommen haben, uns zu verblöden. I n t e r v i e w : L a u ra A ri

Illustr ation: Ilinc a Höpfner; Foto: wolfgang schmidt

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ndreas Altmann ist Reisereporter. Für Wirbel sorgt er aber nicht mit einem Reisebuch, sondern mit seiner 2011 erschienenen Autobiografie „Das Scheißleben meines Vaters, das Scheißleben meiner Mutter und meine eigene Scheißjugend“. Die Traumata sind niedergeschrieben, jetzt wendet Altmann sich wieder seinem Genre zu.

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Wir schlafen wenig Rainald Goetz nimmt in seinem Roman „Johann Holtrop“ die Topmanager und Bilanzenjongleure ins Visier

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un also doch: Nachdem es in den Nullerjahren hinter vorgehaltener Hand hieß, Rainald Goetz (Jg. 1954), der literarische Chronist der Gegenwart, arbeite an einem Buch über die Berliner Republik und die Sphären der Macht, kommt in Gestalt von „Johann Holtrop“ ein Roman, den man als ein verspätetes Produkt dieses vom Autor aufgegebenen Projekts verstehen kann. Gerhard Schröder spielt hier allerdings nur eine Nebenrolle, er beehrt eine Firmenfeier der Assperg AG mit seiner „gewaltigen Masse Mann“. Der Finanzcrash 2008 dürfte Goetz letztlich veranlasst haben, den Stoff in Richtung einer anderen Führungsriege zu drehen: in die Welt des höheren Managements und der Aufsichtsräte. Die titelgebende Figur Johann Holtrop ist Ende 40 und als Topmanager und Vorstandsvorsitzender für den in Familienbesitz befindlichen Medienkonzern Assperg tätig. Porträt standen dafür der deutsche Manager Thomas Middelhoff, dessen Werdegang Holtrops Vita streckenweise bis ins Detail gleicht, und seine Jahre bei Bertelsmann.

wenden. Dazwischen hatte Goetz InternetTagebücher geschrieben, einen Techno-Roman, Theaterstücke und vieles mehr – aber kein längeres Erzählwerk mit rotem Faden. Goetz unterwirft sich dafür einem Plot und einer Chronologie, was seine üblicherweise in alle Richtungen schießenden Gedanken in gewisse Bahnen lenkt, dadurch aber auch ein wenig abmildert, abschwächt. Auffällig ist aber auch, dass er in dem Buch kaum etwas über Topmanager und die Blase, in der sie zu existieren scheinen, erzählt, was man nicht schon aus der Zeitung zu wissen glaubt. Der von Hass erfüllte Blick, mit dem Goetz als Autor sonst so virtuos hantiert, wirkt an einen wie Holtrop

Holtrop gehört zu jenen Männern, denen die

fast verschwendet, haben sich solche Figuren doch inzwischen selbst gründlich demontiert bzw. wurden sie es durch Medienberichte. Für einen „Abriss der Gesellschaft“ wiederum ist der Text zu sehr auf Johann Holtrop fixiert. Die Meisterschaft von Rainald Goetz erweist sich nicht im großen Panoramabild, das unscharf bleibt, sondern im genauen Hinzoomen. An seinen „hyperpräzisistischen“ Schilderungen der Tagesabläufe (Manager schlafen bei Goetz im Unterschied zu Kathrin Röggla nicht nicht, aber doch sehr wenig), der Rituale unter Managern, wenn sie sich vor Vorstandssitzungen am Gang treffen, und der unglaublich ausgetüftelten Hackordnungen und ungeschriebenen, aber von allen verinnerlichten Gesetzen im Umgang mit Kollegen kann man sich kaum satt lesen. Obwohl Holtrops Alleingang sich erzählerisch irgendwann totläuft, lässt sich dem Autor ein Gespür für Dramaturgie nicht ab-

New Economy zu Kopf gestiegen ist. Dass die Umsatz- wie Börsezahlen jahrelang absurd hohe Anstiege verzeichneten, führt bei ihm, dem selbsternannten Glückskind, zum Glauben, dass es ewig so weitergehen wird. Dabei werden seine Geschäfte um 2002 immer riskanter und auch sein Führungsstil problematisch: Einen Widersacher schafft er sich zunächst lässig vom Hals; als dieser später Selbstmord begeht, wird Holtrop jedoch firmenintern als Verantwortlicher dafür gesehen. Langsam dreht sich der Wind. Er, der immer alle mitgerissen hat, erntet schiefe Blicke. Und auch wirtschaftlich geht’s bergab. Der Roman „Johann Holtrop“, der den doppeldeutigen, auch etwas großspurigen Untertitel „Abriss der Gesellschaft“ trägt, ist in mehrerlei Hinsicht bemerkenswert. Zunächst stellt das Buch, beinahe 30 Jahre nach Goetz’ Erstlingswerk „Irre“, den Versuch dar, sich wieder dem Erzählen zuzu-

sprechen. So schildert das Eröffnungskapitel nicht etwa den Wahn des führenden Managers oder die Abläufe der ihm zuarbeitenden „höheren Nullen“ im Management, nein, es beschreibt minutiös und beinahe poetisch, wie nachts Mitarbeiter einer Reinigungsfirma ins Bürohaus einziehen, die Spuren des vorangehenden Arbeitstages beseitigen und alles für den nächsten Tag neutralisieren: „(…) gingen die Lichter in dem Bau an, quer durch alle Etagen gleichzeitig, in den einzelnen Zimmern, Zimmer für Zimmer, vom Programm der Weltlichtorgel Timecode gesteuert, überall dort, wo einer der Arbeiter von Clean Impact gerade am Saubermachen war“. Ganz am Ende des Romans müssen sie wieder aufräumen. Man würde sich mehr solcher den Holtrop-Irr-

„Wo kann ich immer schneller noch mehr Geld aufstellen, wie noch mehr gleichzeitig erledigen?“

Rainald Goetz: Johann Holtrop. Abriss der Gesellschaft. Suhrkamp, 343 S., € 20,60

sinn kontrastierender Passagen wünschen. Doch gehört es zum erzählerischen Programm, dass der Text nach und nach immer mehr Holtrops Tunnelblick auf die Welt annimmt: Wo kann ich immer schneller noch mehr Geld aufstellen, wie noch mehr gleichzeitig erledigen? Die umso schönere Ausnahme sind die zwei, drei Seiten, die ­Goetz (nach fast 300, auf denen sie kaum je in Johann Holtrops Gedanken vorkommt) der Beschreibung seiner Frau und ihrer Lebensumstände widmet. Pia Holtrop hat vier Kinder geboren, alles der Arbeit ihres Mannes untergeordnet, später jedoch ihr Studium wieder aufgenommen und abgeschlossen (Diplomarbeitsthema: Balzac!) und in weiterer Folge mit Freude Kurse an einer Volkshochschule unterrichtet. „Sie führte äußerlich das Leben einer verheirateten Hausfrau und Mutter von vier Kindern und war in Wirklichkeit, geistig: ein völlig unabhängiger Mensch.“ Tröstlich zu sehen, dass in Holtrops Schatten eine gelungene Existenz möglich ist. Seinen eitlen Ideen, eine romanhafte Autobiografie oder zumindest eine Management-Bibel zu schreiben (aus denen natürlich nie etwas wird), steht das dagegen klein anmutende, aber erfüllte Geistesleben seiner Frau gegenüber. So ginge es also auch. SEBASTIAN FASTHUBER

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Einen Dreifinger, bitte! Mit dem komischen Detektivroman „Reise nach Kalino“ meldet sich Radek Knapp eindrucksvoll zurück ür das Marketing ist der Name MarF cel Reich-Ranicki immer noch ein Gewinn, auch wenn das Verdikt, das jetzt auf

dem Umschlag des neuen Buches von Radek Knapp prangt, schon etwas angestaubt ist: „Dieser Autor hat Witz, Pfiff, Humor“. Gemünzt war dieser Satz vor beinahe 20 Jahren auf den Erzählband „Franio“. Mit ihm gewann der 1964 in Polen geborene Autor, der seit Mitte der 1970er-Jahre in Wien lebt, damals den renommierten Aspekte-Preis. Dass Knapp den Humor nicht verloren hat, zeigte in besonderer Weise sein Roman „Herrn Kukas Empfehlungen“. Er gehört zu den lustigsten Werken der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur. Mit haarsträubenden Empfehlungen ausgestattet, stolpert in ihm ein junger Pole durch Wien. Der Westen erscheint dem sympathischen Naiv­ling als ein wahres Absurdistan. Danach hat sich Knapp als literarischer Reiseführer seiner Heimat („Gebrauchsanweisung für Polen“) und als gewitzter Beobachter der Literaturszene („Papiertiger“) betätigt. Nun erprobt er ein neues Genre: den Detektiv-

roman. Alles ist in „Reise nach Kalino“ so, wie die vorgegebene Form es will. Ein Anruf im Büro des Ermittlers setzt die Geschichte in Gang. Der Fall, zu dem der Privatdetektiv gerufen wird, ist reichlich mysteriös und führt in eine seltsame Gegend. Am Ende dann kommt die Lösung, allerdings weniger durch das Geschick des Ermittlers erwirkt, sondern wie von selbst.

Der Ermittler heißt Julius Werkazy und sieht, so wie sein Büro, reichlich heruntergekommen aus. Den Auftrag, den ihm ein geheimnisvoller Mann namens Osmos erteilt, nimmt er gerne an. In einer Gegend namens Kalino ist ein Mord passiert, den es aufzuklären gilt. Damit beginnt für den zerknautschten Ermittler ein Ausflug in eine vollkommen glattgebügelte Welt. In ihrer Fremdartigkeit erinnert sie an Gegenden, die man aus „Gullivers Reisen“ kennt. Ein Zug, der auf einem geheimen Bahnsteig hält und nur für ihn als den einzigen Passagier da ist, bringt Werkazy nach Kalino. Werkazy stolpert durch das fremde Land. Kalino ist von der Außenwelt völlig abgeschieden, nur eine Handvoll echter Menschen, von den Kalinianern aufgrund ihrer Falten abschätzig „Papiergesichter“ genannt, verrichten dort ihre Aufgaben. Die Kalinianer selbst altern und sterben nicht. Umso dringlicher ist es, dass Werkazy den Fall rasch und diskret löst: Ein Mann namens Buschart wurde tot in einer Schlucht gefunden. Dass Leben der Kalinianer, von ihrem Chef Osmos bis in alle Details geplant und überwacht, dient einem obersten Ziel: der Stressminimierung. Alles, was Stress auslösen könnte, ist in diesem Land gelenkt und gebahnt. Dazu dienen technische Hilfsmittel: Kühlschränke, die wie Freunde sprechen; Handys, die die Wangen ihrer Besitzer während der Telefonate streicheln; Autos, die von selbst fahren und die man nicht auftanken muss. Dazu kommt eine speziel-

le Ernährung, die Außenstehenden als eine fürchterliche Brühe erscheint und die sie aufgrund fehlender Enzyme nicht vertragen. Getrunken wird der braune Saft in eigenen Lokalen in einem Gefäß, das sich (nicht ohne Bezug zu speziellen Formen der Bestellung, deren sich österreichische Politiker manchmal bedienen) der „Dreifinger“ nennt. Den meisten Stress empfinden die Kalinianer

Radek Knapp: Reise nach Kalino. Piper, 255 S., € 20,60

am Abend, wenn es dunkel wird, sowie in der Anbahnung sexueller Kontakte. Dem Abbau dieser beiden Stressfaktoren dient fast ihr ganzes Tagewerk. Um die Nacht nicht sehen zu müssen, haben die Häuser keine Fenster. Dem Misserfolg beim Aufriss begegnen sie mit sogenannten „Simulationen“. An Computern werden die realen Begegnungen akribisch vorbereitet, geplant und oftmals durchgespielt, sodass am Abend dann mit Sicherheit alles klappt. Wie ein tumber Tor irrt Werkazy durch diese schöne neue Welt, die Vorgaben von Osmos zusehends missachtend. Mit zu den humoristischen Höhepunkten des Buches gehört ein Gespräch, das er mit dem Eiskasten führt. Besser als jede Simulation gestaltet sich für Werkazy das Ende des Buches: Wiweka, eine der Frauen aus Kalino, deren Beine ein eigenes Thema sind, wird mitgenommen, um ihr zu Hause eine simple Ratatouille zu servieren. Mehr Glück lässt sich in der schönen alten Welt schon fast nicht mehr denken. K L AUS K ASTBERGER

Sex steht unter Einverleibungsverdacht Eine Entdeckung: „Kein eigener Ort“, das Debüt der jungen, aus der Slowakei stammenden Autorin Susanne Gregor eit vielen Jahren führt Christa Stippinger ihre edition exil, die sich um literaS rische Talente mit Migrationshintergrund

kümmert. Der Verlag ist fein, aber klein und hat Vertriebsprobleme. Das hatte zur Folge, dass Susanne Gregors Debütroman „Kein eigener Ort“ fast unentdeckt geblieben ist. Gregor, 31, ist gebürtige Slowakin, aber lebt seit ihrem neunten Lebensjahr in Wien. Wer Angst hat vor „Frauenliteratur“, vor solcher, die Herzen oder Seelen zu formlosen Ergüssen bringt, der hat hier Gelegenheit, diese Angst abzulegen, auch wenn in Gregors Roman ein weibliches Ich mit aller gebotenen Intensität und Insistenz die Welt auf den Stand seiner Empfindungen bringt. Die strömende Ich-Rede wird nie formlos, sondern entwickelt ganz natürliche und zugleich disziplinierte Poesie; Metaphern z.B. sind nirgends Klingklang oder Wortprotz, sondern bringen durchgehend literarischen Mehrwert, nämlich den der Anschaulichkeit; eine seriös radikale Autorin. Ina, Sprachpraktikantin in Budapest, verliebt

sich in Tamás. „Liebe“: Auf der Suche nach ihrer Identität – Ina schwimmt in einem undefinierten, orientierungslosen, widerstandsarmen Ich – okkupiert sie den Mann, um von ihm identifikatorischen Halt zu empfangen: „Was für ein Glück man doch hat, wenn man jemanden findet, der einem so genau zeigt, wer man ist.“

Das ist natürlich eine aussichtslose Erwartung, andererseits eine unvermeidbare Sucht. Wer kann schon auf die Substanz eines festen Ichs verzichten, andererseits sie bzw. sich im anderen finden? Inas Körper steht Tamás zur Verfügung. „Wenn er mich lieben könnte“, sagt sie, „dann wüsste ich was mit meinem Körper anzufangen.“ Der Körper ist aber auch nur Mittel (statt Zweck) und daher im Grunde genussunfähig. Ina schaut Tamás bei den Sexvorbereitungen an ihrem Körper zu, ohne sein Subjekt zu sein, passiv und höchstens objektinteressiert. Kein Wort der Lust oder Befriedigung. Sex steht unter dem Verdacht, eine Gelegenheit zu sein, sich den Mann bedingungslos einzuverleiben. Unter Einverleibungsverdacht steht daher auch der mögliche Empfang eines Kindes. Ina fragt: „Liebst du mich?“ – und verliert damit endgültig den Mann, der nur Besucher sein wollte oder konnte. Eine Schlafwandlerin ihrer Wünsche: Die ausschließliche Gültigkeit ihrer Empfindungen macht Ina realitätstaub und totalitär. Sie wird sozial inkompatibel und sorgt immer wieder für Skandale. Ein Tag ohne Tamás: „Ich stehe langsam auf, gehe ein paar Schritte im Zimmer herum, wie um meine Beine zu prüfen, ob ich auch ohne ihn noch gehen kann.“ Im Kasten dann sucht sie nach einem Kleid, „das von meinem bettelnden Körper ab-

lenkt“. Eine Parasitenfrau: Wenn der Mann da ist, steht sie ihm zur Verfügung; wenn er nicht da ist, wartet sie auf ihn; wenn er wegbleibt, zerbricht sie. Die unvermeidliche Katastrophe – Tamás’ Abwendung – erfasst dann Inas ganzen Körper: Erbrechen, Fieber, Wahrnehmungsschwächen, Schlaflosigkeit für Tage. Die Einverleibung des Mannes misslingt. Ina

Susanne Gregor: Kein eigener Ort. edition exil, 107 S., € 12,99

verliert ein Kind, sie überlebt mit den letzten Resten ihres Ichs. Tamás ist mit dem Kind aus ihrem Körper gefallen. Ina erinnert sich an ihre kleine Großmutter, die wuchs, als ihr Mann starb. Ihre Eltern kommen auf Besuch, sie hat Lust auf neue Kleider. Wenn Ina tatsächlich, denkt man als Leser, von ihrer schweren Krankheit geheilt wird, dann ist man erleichtert, aber vielleicht auch ein bisschen enttäuscht, weil die Heilbarkeit den Leiden etwas Episodenhaftes gibt und etwas vom Gewicht des Existenziellen nimmt. Susanne Gregor gelingt es, den Leser sowohl erleichtert als auch enttäuschungsfrei zurückzulassen. Ihr Roman hat die Ausdrucksintensität, Bildhaftigkeit und Direktheit der bedingungslosen Ich-Perspektive, ohne dabei peinlich oder aufdringlich zu werden und ohne diese weibliche Katastrophe als eine Krankheit zu diskriminieren oder zu verharmlosen. Die erzählerische Souveränität der Autorin ist für ein Debüt erstaunlich. H E L M U T G O L L N E R

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Berechtigte Forderungen Ursula Krechel erzählt in ihrem Roman „Landgericht“ von Exilanten, die ein zweites Mal ausgestoßen wurden

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nd als ich wiederkam, da – kam ich nicht wieder“, schrieb Alfred Döblin über seine Rückkehr aus dem Exil, in das ihn die Nazis getrieben hatten. Döblin war wie viele andere Emigranten ein mehrfach Verwundeter: Man hatte ihm seinen Ort und sein bürgerliches Leben genommen, und auch wenn er sich immer als einen „Gepanzerten“ betrachtet hatte, konnte man nach zwölf Jahren Vertreibung bei ihm die Spuren der „Reißzähne der Emigration, die diesen Panzer zerrissen haben“, deutlich sehen. Alfred Döblin hat – wie auch andere historische Persönlichkeiten – einen CameoAuftritt in Ursula Krechels (Jg. 1947) neuem Roman „Landgericht“, und das ist kein Zufall. Ein anderer zurückgekehrter Emigrant, Krechels Hauptfigur Richard Kornitzer, sieht diesen kleinen, von Krankheit gezeichneten Schriftsteller am Bahnhof in Mainz sitzen, Ausschau haltend nach Trägern, und auf gewisse Weise erkennt er in Döblin sich selbst. „Er kräht etwas, das Kornitzer nur so ungefähr versteht. Etwas wie: So helfen Sie doch. Aber niemand hilft ihm, und es ist auch unklar, wie man ihm grundsätzlich hätte helfen können.“

Wie man jenen fünf Prozent Vertriebenen hätte helfen können, die nach dem Krieg nach Deutschland zurückgekommen waren, das ist eine der Fragen, die Ursula Krechel beschäftigen. Schon in „Shanghai fern von wo“, dem letzten Roman der als Lyrikerin bekanntgewordenen Krechel, ging es um die Schicksale von Emigranten, um Flucht und die Unmöglichkeit, sich mit all den demütigenden Erfahrungen im Gepäck eine neue Heimat zu schaffen. „Die Flüchtlinge trugen eine Vergangenheit in sich, die keinen Ort mehr fand“, hieß es darin, und für Dr. Richard Kornitzer gilt dieser Satz mindestens ebenso sehr. Der Jude Kornitzer kehrt 1948 als Displaced Person nach zehnjähriger Odyssee zurück aus Kuba. Bereits 1933 wurde der promovierte Gerichtsassessor am Land-

Ursula Krechel: Landgericht. Jung und Jung, 495 S., € 29,90

gericht Berlin in den Ruhestand versetzt, die Restriktionen und Gängeleien nahmen nach und nach zu. Dass er mit der „Arierin“ Claire, einer modernen, selbstbewussten Geschäftsfrau, verheiratet ist, schützt ihn zunächst noch – aber spätestens Ende der 1930er-Jahre wird die Situation immer bedrohlicher. Ihre beiden Kinder Georg und Selma schicken sie per Kindertransport nach England, um sie zu schützen und ihnen eine Zukunft zu ermöglichen. Die Pläne, ihnen nachzufolgen, scheitern. Auch das Vorhaben, Claire nach Kuba nachkommen zu lassen, in dem Kornitzer als Emigrant aufgenommen wird, misslingt – und so schlagen sich alle in ihren jeweiligen Unterschlupfen durch die Kriegsjahre. Kornitzer lernt Spanisch, erledigt Hilfsarbeiten für einen Anwalt und gerät in eine Emigrantenszene aus Kommunisten und Sozialisten. Ursula Krechel schildert diese Welt aus „transitorischen Existenzen“, die sich mit politischer Arbeit aufrechterhalten, äußerst eindringlich, anknüpfend an Peter Weiss’ „Ästhetik des Widerstands“. Dabei verflicht Krechel Dokument und Fiktion so, dass man immer auch die Nähte sehen kann. Dieses Verfahren der Collage prägt wie schon ihren letzten Roman auch dieses Buch: Man merkt ihm die enorme Sachkundigkeit der Autorin an, auch die Akribie, mit der sie ihre Leser über das Gefundene unterrichtet, um es mit dem Erfundenen kunstvoll und sorgfältig zu verbinden. Richard Kornitzer kehrt als gebrochener Mann

zurück, als „Rumpfexistenz“ empfindet er sich. Zugleich möchte er am Aufbau eines anderen Deutschland mitwirken. Er bekommt eine Stelle am Landgericht, wird bald Landgerichtsdirektor. Aber bereits die Bürde, mit ehemaligen Mitläufern und jenen „furchtbaren Juristen“ des „Dritten Reichs“ zusammenarbeiten zu müssen, lastet auf ihm. Die berechtigten Forderungen nach Wiedergutmachung werden nur schleppend oder gar nicht bearbeitet. Und

die Zerrissenheit der Familie zeigt sich deutlich in der Entfremdung der in England aufgewachsenen Kinder, die nicht zu ihren Eltern zurückkehren wollen – ja, noch nicht einmal mehr ihre Eltern als solche begreifen können. Der Kampf ums pure Überleben weicht der Ver-

zweiflung. Und der traurigen Erkenntnis, allein zu sein mit seinen Erfahrungen, nicht gewollt zu sein in diesem Land, das einen schon einmal vertrieben hatte. Kornitzer verbittert zusehends und wird krank, am Körper und an der Seele. Das Buch macht anschaulich, dass es nicht im Selbstverständnis der sich neu konstituierenden Republik lag, die Vertriebenen wieder aufzunehmen, weil sonst vieles möglicherweise hätte hinterfragt werden müssen, über vieles nicht so leicht hätte hinweggegangen werden können. So sind die Exilanten nicht nur einmal ausgestoßen worden, sondern nach ihrer Rückkehr ein zweites Mal. Krechel erzählt uns die Leben von Richard und Claire Kornitzer in Rückblenden ins Berlin der frühen 1930er-Jahre und ins Kuba der 1940er. Die Autorin arbeitet intensiv mit dem Archiv und enthält uns ihre Fundstücke, die sie seit Jahren sammelt und bereits in Hörspielen ausgebreitet hat, nicht vor. Die Klarheit des Faktischen wird in Literatur verwandelt; es entsteht eine doppelte Ebene. Das Zeithistorische reichert sie an mit Leben; jene Lücken, die von den Akten belassen oder erst aufgerissen werden, füllt Krechel mit großem Einfühlungsvermögen. Es ist die große Leistung dieses Romans, eine Geschichte zu erzählen und tausend andere Geschichten im Hintergrund mitlaufen zu lassen. Deshalb muss sich der Roman immer wieder vom Einzelnen entfernen, von Claire und Richard, um sie dann umso schärfer wieder in den Blick nehmen zu können. Er setzt jenen ein Denkmal, die in Geschichtsbüchern nur als statistische Größe einen Auftritt haben. ULRICH RÜDENAUER

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Die Bereitwilligkeit, sich zu entkleiden Zwei schweinische Geschichten aus der Hand des begnadeten britischen Humoristen Alan Bennett m Jahr 1946 veröffentlichte der aus ÖsISchriftsteller terreich-Ungarn stammende britische und Journalist Georges Mi-

kes ein Buch mit Betrachtungen über das englische Wesen, wie es sich einem Zugereisten wie ihm selbst darstellte. Das Buch hieß „How To Be an Alien“ und wurde rasend schnell berühmt – ein Umstand, den es zu einem Gutteil dem darin enthaltenen Kapitel zum Thema Sex verdankte, das aus genau einem Satz besteht: „Continental people have sex lives; the English have hot-water bottles“. Die Sache mit den Briten und den Ersatz-

wärmflaschen ist nicht erst seit damals ein äußerst liebevoll gehegtes nationales Vorurteil. Nicht dass zu erwarten wäre, dass Alan Bennetts wunderbares neues Buch „Schweinkram“ an diesem Credo etwas Grundsätzliches ändern würde. Dennoch ist die Lektüre dieses kaum 150 Seiten starken Büchleins unbedingt anzuraten. Bennett empfiehlt sich damit nach seinem famosen Riesenerfolg „Die souveräne Leserin“ (2007) aufs Neue als einer von Großbritanniens geistreichsten, witzigsten und stilsichersten Autoren. Wann hat man sich zuletzt von zwei schweinischen Geschichten so elegant und leichtfüßig in luftige Lesehöhen gehoben gefühlt? Die im Rahmen einer kleinen Feldforschung erhobenen empirischen Daten ergaben außerdem: „Schweinkram“ ist ein Buch für so gut wie jeden denkbaren Le-

ser. Die Probe aufs Exempel fand diesen Sommer auf einem Segelboot vor der kroatischen Küste statt. Innerhalb einer Woche rissen sich fünf Personen nacheinander die Druckfahnen von „Schweinkram“ aus den Händen, um jeweils dauerhaft und bis zur letzten Seite mit ihnen unter Deck oder aufs Vorschiff zu verschwinden – darunter ein Tischlermeister im Ruhestand, ein klassischer Gitarrist, eine Angestellte und eine Immobilienmaklerin. Die unschuldig „Mrs. Forbes wird behütet“ betitelte Geschichte beginnt gleich mit dem Satz: „Wie so viele gutaussehende Männer hatte auch Graham Forbes sich entschieden, eine Frau zu heiraten, die nicht annähernd so gut aussah wie er und sogar ein wenig älter war.“ Klar, dass seine Mutter, Mrs. Forbes, der Ansicht ist, ihr schöner, maßlos selbstverliebter Graham habe sich weggeworfen, und hinterm Rücken der so wenig ansehnlichen Betty einen Kampf der bissigen schwiegermütterlichen Bemerkungen entfesselt. Doch Betty findet umgekehrt, dass ihr „wegen ihres Geldes jemand ­zustünde, der ansonsten nicht in ihrer Liga ­spielte“. So nimmt das Schicksal seinen verworrenen Lauf und könnte auch vollkommen aus dem Ruder laufen, würden die ­kluge Schwiegertochter mitsamt dem stillen ­Schwiegervater nicht umsichtig und langfristig über Finanzen, Affären und Bettgeflüster walten. Was genau passiert, kann unmöglich verraten werden, ohne den Lesespaß zu

mindern; ebenso wenig wie die genauen Umstände, die in der zweiten Geschichte „Mrs. Donaldson erblüht“ zum Erblühen der früh verwitweten, kultivierten Mrs. Donaldson führen. Nur so viel: Ein paar studentische Untermieter, ein das schauspielerische Talent herausfordernder Nebenjob in einem Krankenhaus sowie ein aus horizontaler Position heraus gemachtes Victory-Zeichen spielen darin eine maßgebliche Rolle. Lange bleibt Mrs.Donaldson bei ihrer Haltung,

Alan Bennett. Schweinkram. Zwei unziemliche Geschichten. Wagenbach, 144 S., € 16,40

die übergroße „Bereitwilligkeit, sich zu entkleiden, sei praktisch selbst ein Symptom, auch wenn sie kaum zu sagen vermocht hätte, welcher Krankheit“. Sie entscheidet sich lieber für die Rolle der außenstehenden Dritten, ein Part, der ihr überraschend viel Freude zu bereiten beginnt. Die eigentlichen Hauptdarsteller in „Schweinkram“ sind aber natürlich Alan Bennetts Dialoge und seine auf kultivierte Konversation getrimmten treffsicheren Beschreibungen menschlicher Interaktionen. Ihm gebührt ein noch auszulobender Preis für den stets unpeinlichen, leichten und doch hyperpräzisen Ton bei Sexszenen. Was gedacht und was gesagt wird, stimmt natürlich so gut wie niemals überein. Alles ist ein Sündenpfuhl und Morast niederer Absichten, und doch kommt niemand zu Schaden, und ein jeder kriegt, was er braucht – und bisweilen sogar deutlich mehr. JULIA KOSPACH

Die Abenteuer des Rabbi Burke Ben Marcus legt mit „Flammenalphabet“ einen klug gebauten Horrorroman zum Thema Sprache vor prache macht krank und ist in letzter S Konsequenz tödlich. Ben Marcus hebt in seinem neuen Roman „Flammenalpha-

bet“ zu einer fundamentalen Infragestellung von Sprachlichkeit und Sprachverständnis an. Worauf er in seiner horrorartigen Gesellschaftsgeschichte aber wirklich hinaus will, bleibt bis zum Ende der Lektüre ein einziges großes Rätsel. Das „Sprachgift“ geht zunächst von jüdischen Kindern aus, die ihre Eltern und im weiteren Verlauf die gesamte amerikanische Bevölkerung mit dem krank machenden „Sprachfieber“ anstecken. An dieser „Sprachvergiftung“ gehen die Erwachsenen und schließlich auch die Kinder selbst langsam zugrunde. Die jüdischen Familien, die als Erste davon betroffen sind, leben versteckt im Wald, wo sie in Löchern Gottesdienste abhalten. „Die wahre jüdische Lehre ist nicht für den breiten Konsum bestimmt, nicht für Gruppen, sollte sogar von keiner einzigen Geste der Kommunikation verschmutzt werden“, rechtfertigt ein Rabbi diese Isolationszonen. Über speziell konstruierte Radios empfangen

die „Waldjuden“ in ihren verdrahteten Löchern Predigten von Rabbis, in denen erklärt wird, was es mit der grassierenden Sprachseuche auf sich hat. Als Übel benennen sie die Sprache selbst und argumentieren theologisch: „Wir konnten Gottes wahren Namen nicht aussprechen, noch konnten wir, wenn wir gläubig waren, von Gott

überhaupt reden.“ Weil jedoch das ganze (hebräische) Alphabet Gottes Namen enthalte und er also in allen Buchstabenkombinationen geschrieben stehe, bedeuteten alle Wörter Gott. Was wir auch sagen würden, wir sagten Gott. „Deshalb war die Sprache, per definitionem, tabu“, lässt Marcus seinen Rabbi Burke in einer Radiopredigt schlussfolgern. Burke ist einer der Hauptprotagonisten des Romans, aber er ist nur über die Radiowellen präsent und es ist unsicher, ob es ihn überhaupt gibt. Vielleicht ist er auch identisch mit dem Judenfeind Murphy oder dem Wissenschaftler LeBov – Marcus treibt mit seinen Figuren ein undurchschaubares Verwirrspiel. Gewiss ist hingegen, dass die Radiolöcher im Verlauf der Geschichte von nichtjüdischen Kampftruppen ausgeforscht werden, um sich an die Fersen der sprachverseuchten „Waldjuden“ zu heften. Jene, die erwischt werden, kommen in ein Forschungszentrum, wo sie gleichermaßen als Versuchsobjekte wie als Forschende eingesetzt werden, um an sprachlichen Neukonstruktionen herumzutüfteln, als Abwehrmittel gegen den fortlaufenden sprachverlustbedingten Menschheitszerfall. Als Sprachexperimentator machte Ben Marcus bislang von sich reden. Hier folgt er zwar einem Narrativ, doch zugleich verschließt sich seine kabbalistisch eingefärbte Science-Fiction jeglichem kausalen Zusammenhang.

Damit identifiziert er auf radikale Weise die Form mit dem Inhalt. Im Zuge der Reflexionen um das Wesen von Sprache wird im Roman auch dem Verstehen der Garaus gemacht. Die Tage des Verstehens seien vorbei, wird da behauptet: „Dies war keine Krankheit der Sprache mehr, dies war eine Krankheit der Einsicht, des Verstehens, des Wissens.“ Marcus, der an der New Yorker Columbia University Creative Writing unterrichtet, weiß um die literarische Konstruktion von Rätselhaftigkeit offensichtlich bestens Bescheid. Es gelingt ihm, den Leser auf über 400 Seiten im Dunkeln tappen zu lassen. Doch Marcus kokettiert auch mit einer überaus trivialen Ebene. Die zahlreich beschriebenen menschlichen Körper in all ihren krankheitsbedingten Auflösungserscheinungen bedienen streckenweise die Bildsprache eines Horrorfilms. Wäre die Geschichte filmisch dargestellt, würden die ekelerregenden Bilder den Kopf zum Wegdrehen zwingen. Außerdem zieht Marcus seine Tragödie um den Ben Marcus: Flammenalphabet. Deutsch von Thomas Melle. Hoffmann und Campe, 432 S., € 23,70

menschlichen Sprachverlust als Familiendrama auf und empfindet seine Rahmenhandlung damit dem klassischsten aller amerikanischen Filmtopoi nach. In Kombination mit dieser hollywoodesken Note bedient die auf Rätselhaftigkeit getrimmte Konstruktion des Romans auch einen publikumswirksamen Effekt. FRIT Z TRÜMPI

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Selbststilisierung aus dem Grab 100 Jahre nach seinem Tod dürfen die autobiografischen Aufzeichnungen von Mark Twain endlich erscheinen

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m Jahr 1967 erschienen zwei Langspielplatten auf dem damals ­legendären Label Europa mit einer Hörspielfassung der Abenteuer von Tom Sawyer und ­Huckleberry Finn. Im Jahr darauf war der Advent-Vierteiler des ZDF demselben Stoff gewidmet. Letztere Umsetzung war besonders grässlich, selbst die Landschaftsaufnahmen des Donaudeltas, das den Mississippi spielte, konnten die Produktion nicht retten. Für die Wirkungsgeschichte Mark ­Twains ist das insofern symptomatisch, als er – gerade in diesen geschönten und gereinigten Adaptionen – als Autor für Jugendliche festgelegt wurde. Nicht viele kennen seine wesentlich interessanteren Reiseberichte, Essays und sonstigen Publikationen. Nur so ist aber auch erklärbar, warum der nun

erschienene erste Band seiner Autobiografie vielerorts als Entdeckung eines ganz anderen, ja, stell dir vor, sogar politischen Autors gefeiert wird. Schon der Titel der deutschen Ausgabe „Meine geheime Autobiographie“ ist Etikettenschwindel. Das mustergültig edierte amerikanische Original kennt auf dem Cover nichts „Geheimes“ und nennt sehr nüchtern im erstklassigen Kommentar, dass wir gut 95 Prozent des Textes aus früheren Ausgaben schon kennen. Das wird sich nach den beiden weiteren geplanten Bänden, deren Erscheinungsdatum sich leider verzögert, möglicherweise stark ändern, weil hier in der Tat sehr viel neues Material zugänglich gemacht werden dürfte. Bislang freilich: kein neuer Mark Twain. Er war immer ein literarischer Filou, bei dem man hinsichtlich des Wahrheitsgehalts seiner Texte vorsichtig sein musste, gerade wenn sie die eigene Biografie betreffen. So ganz ernst nahm er das Projekt seiner Memoiren auch nicht: „Der Versuch beginnt voller Zuversicht, teilt jedoch das Schicksal seiner Brüder – wird bald aufgegeben zugunsten anderer und neuerer Interessen. Das ist nicht verwunderlich, denn der Plan

ist der alte, der uralte, rigide und schwierige – jener Plan, der mit der Wiege beginnt und einen schnurstracks ins Grab treibt, ohne dass einem unterwegs Seitenabstecher erlaubt wären. Wohingegen die Seitenabstecher doch das eigentliche Leben unserer Lebensreise ausmachen und also auch das ihrer Geschichte ausmachen sollten.“ Es wird ihm wohl in seinen letzten Lebensjahren die Vorstellung eine diebische Freude gemacht haben, wie sich nach der von ihm verhängten 100-jährigen Sperrfrist Horden von Literaturwissenschaftlern und Lesern auf ein Werk stürzen, das er mäandernd über Jahre in die Federn anderer diktiert hat. Der Spaß sei ihm nachträglich vergönnt. Und natürlich ist Twain ein vorzüglicher Fabulierer, der über sein privates, oft sehr trauriges Leben ergreifend berichten kann. Sein eitler Drang zur nicht selten ungerechtfertigten und dereinst nicht offen artikulierten Zuspitzung macht die Lektüre aber auch anstrengend. Eineinhalb Jahre hat Twain in Wien und Kaltenleutgeben verbracht, wo auch Teile der autobiografischen Texte entstanden sind. Grund seines Aufenthalts war einmal der Wunsch seiner Tochter Clara, Klavier zu studieren, viel mehr aber sein eigener, die zerrütteten Finanzen in seiner amerikanischen Heimat in Ordnung zu bringen.

Armee, etwa auf den Philippinen, und gegen die gierigen Tycoons an der Wall Street. Aus heutiger Sicht ist das wohlfeil aufzugreifen. Bloß: Warum dürfen wir das erst 100 Jahre später lesen? Als politische Intervention zur damaligen Zeit hätte es eine völlig andere Bedeutung, vielleicht auch Wirkung gehabt. Heute haftet all dem der Hautgout der etwas feigen und sehr späten Selbstrechtfertigung an. Die Streitigkeiten mit seinem Anwalt, dem Ver-

leger oder mit einer Villenbesitzerin in Florenz: Wenn man ein paar hundert Seiten durchackert, stellt sich doch dann und wann einmal die Frage, ob man bei der Lektüre nicht recht viel Lebenszeit vergeudet. Andererseits: Wenn Twain vom frühen Tod seiner Tochter Susy erzählt, ändert sich der Ton sofort. Und der grantige, zur Selbststilisierung neigende Polterer wandelt sich: „Mutter und Schwester waren dort draußen, mitten auf dem Atlantik: in Unkenntnis des Geschehens eilten sie auf dieses unglaubliche Unglück zu. Verwandte und gute Freunde taten alles, was getan werden konnte, um sie vor der vollen Gewalt des Schocks zu schützen. Sie gingen nachts zur Bucht, zum Schiff, zeigten sich aber erst am Morgen und dann nur Clara. Als diese in die Kabine zurückkehrte, konnte sie nicht sprechen und brauchte auch nicht zu sprechen. Ihre Mutter warf einen Blick auf sie und sagte: ‚Susy ist tot.‘“ Am besten, und hier sei sinngemäß Robert Hirst, der Leiter des gesamten MarkTwain-Editionsprojekts in Berkeley, zitiert, ist dieser Autor, wenn es um die Sprache geht. Deswegen kann man den „Huckleberry Finn“ eigentlich nur im Original lesen, weil die Idiome entlang des Mississippi – regional und sozial differenziert – erst dann wahrgenommen werden können. Das ist und bleibt die Meisterschaft Twains: ein sehr, sehr feines Ohr. Es ist auch in der Autobiografie zu bemerken – dann und wann.

Resultat des Aufenthalts war unter anderem

die Schrift „Stirring Times in Austria“, eine etwas ungenaue und polemische Auseinandersetzung mit Karl Luegers Antisemitismus, die daher leider auch an Schärfe und Treffsicherheit verliert, so begründet Twains Zorn auch war. Karl Kraus hat in der „Fackel“ 1899 den fein ironischen Satz formuliert: „Mark Twain ist nach Wien geeilt und hat sich mutig und entschlossen in die Reihen derer gestellt, die ein Dasein ‚unter anderen‘ führen.“ Was ist nun das tatsächlich „Neue“ in dieser Fassung? Es sind recht harsche Angriffe gegen die Einsätze der amerikanischen

Mark Twain: Meine geheime Autobiographie. Deutsch von Andreas Mahler und HansChristian Oeser. Aufbau, 1133 S., € 51,30

K ARL DUFFEK

Falters PRACHTBAND N EU

Elke Sommer und Stefan M. Gergely (Hg.)

Lust auf Wien

Eine Entdeckungsreise durch Margareten 7 Grätzelrundgänge, 50 Portraits, 60 Lokale, 80 Geschäfte, 330 Fotos, 1 Krimi

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08.10.2012 12:01:16 Uhr

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Offene Stadt, hybride Identität Teju Cole schickt einen Psychiater auf Streifzüge durch Manhattan – und belebt die Figur des Flaneurs neu Debord gehen beide beschriebenen Bedeutungen, unabhängig vom damit verbundenen, weiter reichenden literaturgeschichtlichen Unterbau, oft ineinander über. Und wenig zufällig bedient sich auch der USamerikanische Schriftsteller Teju Cole beider Ebenen in der gelungenen Verhandlung seiner titelspendenden „Open City“. Er lässt seinen Protagonisten Julius, einen an-

gehenden Psychiater, in seinem nun auch in deutscher Sprache vorliegenden ersten Roman durch Manhattan und einige Kapitel lang auch durch Brüssel streifen. Julius

erweist sich dabei als ein moderner Nachfahre des Mannes der Masse, wie ihn Poe oder auch Baudelaire beschrieben haben. Aufmerksam, doch entfremdet, regen ihn die städtische Umgebung und die Begegnungen mit anderen Menschen zu Reflexionen über den Schichtbetrieb der städtischen Geschichte an. Allgemeinhistorische Entwicklungen und privatgeschichtliche Bruchstücke werden in Julius’ Gedankenströmen überblendet. Das letzte lange Jahr seiner Facharztausbildung begleitet man ihn bei der Reflexion über Postkolonialismus, Vergangen-

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

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ie offene Stadt, das ist die im Kriegsrecht als unverteidigt beschriebene Siedlung, die nicht angegriffen, sehr wohl aber besetzt werden darf. In einer zweiten, weniger militärischen Leseweise erweist sich die offene Stadt aber auch als der urbane Raum, der sich dem geneigten, aufmerksamen Spaziergänger zum produktiven Herumstreifen und zur Stiftung neuer Bedeutungen anbietet. Seit der Popularisierung dieser oftmals auch künstlerisch genutzten Strategie – der sogenannten Psychogeografie – durch die Situationisten und ihre Galionsfigur Guy

l i t e r a t u r    heitsbewältigung, familiäre Zumutungen und verlorenes Liebesglück auf seinen ergangenen Denkwegen durch den Big Apple. Aus einer nigerianisch-deutschen Familie stammend erweist sich Julius dabei als der personifizierte Ausdruck der offenen Stadt New York, aber auch als ein von Unklarheiten über seine hybride Identität geprägter Skeptiker, der sich an mehreren Textstellen sehr deutlich von ethnisch begründeter Solidarität oder zelebriertem Außenseitertum distanziert. Die beobachtete Stadt durchdringt ihn zusehends, die von Routinearbeiten erlösenden Spaziergänge sind ebenso Teil eines improvisierten, im Verlauf des Gehens entwickelten Denkprozesses wie seine illustre Lektüre, die – wenig zufällig – von Barthes bis Altenberg reicht. In der einenden Bewegung bringt Julius dabei die Widersprüchlichkeiten seiner Gegenwart wenn schon nicht in Einklang, dann doch zumindest in einen Dialog. Das deutlich spürbare Echo von 9/11 ist ebenso Thema wie die Entgrenzung der globalen Konflikte, Gespräche über Extremismus, Al-Kaida und die Aufgaben des denkenden und nicht bloß gelenkten Bürgers in Zeiten des zur Permanenz gewordenen Ausnahmezustands. Coles Stadtroman zerfällt dabei in zwei größere Hauptabschnitte, an deren Bruchlinie die Reise des Protagonisten nach Brüssel steht, eine Auszeit von seinem mitunter zermürbenden Job und der halbherzig

anmutende Versuch, seine Großmutter zu (be-)suchen. Bald schon wird klar: New York ist die offene Stadt – Brüssel, das für ein hermetisches Europa steht, ist es nicht. „Wie alle meine Freunde träumte ich von Europa, als ich in Rabat mein Studium begann. Nicht von Amerika, das lehnte ich schon damals ab, sondern von Europa. Aber ich wurde enttäuscht. Europa sieht nur so aus, als wäre es frei. Der Traum war nur eine Erscheinung.“ Gewichtiger erweist sich auch in diesen Pas-

Teju Cole: Open City. Aus dem amerikanischen Englisch von Christine Richter-Nilsson. Suhrkamp, 336 S., € 23,60

sagen erneut die Auseinandersetzung mit dem Urbanen, Julius’ Geschichte bleibt unvollständig. Sein Bild setzt sich erst im Verlauf der Lektüre zusammen, verschiebt und verändert sich immer wieder. Die Geheimgeschichten der Stadt, das symptomatisch dargestellte Verschleierte und Verschwiegene gilt, je weiter man im Text vorankommt, auch immer mehr für die schließlich zwielichtige, ja unheimlich wirkende Hauptfigur. Selbst als die verdrängte Vergangenheit sich in Form einer entlarvenden Begegnung manifestiert, hält Julius an seiner fragwürdig erscheinenden Selbstrelativierung fest: „Jeder Mensch muss sich unter bestimmten Bedingungen als Sollwert der Normalität setzen und davon ausgehen, dass seine Psyche für ihn selbst nicht undurchschaubar ist, nicht undurchschaubar sein kann. Vielleicht verstehen wir das unter geistiger Gesundheit: dass wir uns selbst, so verschro-

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ben wir uns auch finden mögen, niemals als die Bösewichte unserer eigenen Geschichte wahrnehmen.“ Man könnte „Open City“ auf den ersten Blick als handlungsarm bezeichnen. Stilistisch wie thematisch erinnert Coles Werk einerseits an die Arbeiten W.G. Sebalds, an-

„New York ist die offene Stadt – Brüssel, das für ein hermetisches Europa steht, ist es nicht“

dererseits an Ben Lerners bislang unübersetzten Roman „Leaving the Atocha Station“, der ebenfalls 2011 erstmals erschienen ist. Sein Roman ist dem Denken und der Lust am Schreiben verpflichtet, der Untersuchung der Umwelt und des darin situierten, durchaus verzweifelten Selbst. Coles Beschreibungen von Erfahrung und der Verfertigung subjektiver Erkenntnis zielt dabei nicht so sehr auf leichtfertige Antworten, sondern eher auf das Formulieren der zentralen Fragen. Nicht zuletzt deshalb ist er spannender und anregender zu lesen als die meisten, der klassischen Erzählung verpflichteten Romane jüngeren Datums. „Open City“ ist ein Werk, das seine Begehung wieder und wieder herausfordert. THOMAS BALLHAUSEN

Du musst dich anpassen und du wirst vergessen Kleine Abweichungen führen zu tiefer Beunruhigung: Marie NDiayes neuer Roman „Ein Tag zu lang“ ieles wird heute als Literatur bezeichV net, was bloßes Nacherzählen belangloser Plots ist, in kunstloser Sprache lieblos

abgespult. Die französische Autorin Marie NDiaye jedoch vermag es in ihren Werken, eine tiefe, innere Beunruhigung zu erzeugen, die sich in keiner anderen Kunstform erreichen ließe. Ihr Roman „Ein Tag zu lang“ beginnt harmlos. Die Sommerferien auf dem Land hören für Lehrer Herman, seine Frau Rose und das gemeinsame Kind nicht mit Ende August auf, sondern die Familie beschließt, um einen Tag zu verlängern. Diese kleine Abweichung bringt das Gleichgewicht des Gewohnten durcheinander. Ehefrau und Kind verschwinden, Herman bleibt ratlos im Dorf zurück. Seltsame Dinge geschehen, so etwa die

schlagartige Verschlechterung des Wetters ab dem 1. September. Herman merkt, dass er den Alltag der Dorfbewohner jenseits des Sommers nicht kennt, und stößt überall auf Ablehnung. Außenseiter, die sich einer Gemeinschaft mit strengem Regelwerk gegenübersehen, findet man in allen Büchern NDiayes. Aufgenommen in die Allgemeinheit wird nur, wer sich ihren Vorgaben unterwirft und damit seine Individualität aufgibt. Wer nicht gehorcht, wird sanktioniert. Dabei ist irrelevant, um welche Orte es sich handelt, die Geografie bleibt meist unbestimmt, die Personen sind typisiert. Es gibt wenig Eigennamen. So wird Fremdsein abstrakt, nicht an tatsächlichen Ursachen und Gegebenheiten festgemacht, sondern wie ein archaisches Gesetz abgehandelt. Herman sucht seine Familie, doch

Marie NDiaye: Ein Tag zu lang. Aus dem Französischen von Claudia Kalscheuer. Suhrkamp, 140 S., € 16,50

keiner nimmt deren Verschwinden ernst. Er mietet ein Zimmer im Hotel Relais, in dem sich seine notwendige Umwandlung vom Städter zum Dörfler vollziehen wird: „Sie werden versuchen müssen, unauffällig im Dorfleben aufzugehen, selbst zu einem Dorfbewohner zu werden, unsichtbar, unbedeutend, und vor allem vergessen zu lassen, dass Sie ein Pariser außerhalb der Saison sind, das heißt ein ungebetener Gast.“ Herman muss Hürden überwinden, bis er endlich den zuständigen Beamten für die Vermisstenmeldung treffen kann. Die Forderungen, sich anzupassen, setzen sich aber fort. Allmählich lernt er die Dorfbewohner kennen, immer mit dem Ziel, seine Familie wiederzufinden. Doch je mehr er sich den Dörflern annähert, desto weiter tritt diese Absicht zurück und desto schwächer wird die Erinnerung an seine frühere Existenz. Er gibt seinen Job in Paris und die Hoffnung auf Rückkehr auf. Der Einzelne unterwirft sich, weil er es nicht erträgt, alleine zu bleiben. NDiaye unterlässt dabei jegliches Moralisieren oder Aburteilen. Es gibt kein Gut oder Böse, kein Falsch oder Richtig, sondern nur die gnadenlosen Mechanismen der Exklusion. Allmählich beginnt Herman das Nichtstun sogar zu gefallen, die Trägheit, vor allem durch die Tochter der Hotelbesitzerin verkörpert, fasziniert ihn. Als er seiner Frau und seinem Sohn doch noch einmal begegnet, sind sie bereits Schatten, möglicherweise bloße Schemen seiner Vorstellungswelt geworden – Geister seiner Erinnerung, unerlöst. Wer einmal den falschen Moment wählt, der verfängt sich zwischen den Welten.

Man könnte annehmen, dass die Erfahrung des Fremdseins mit dem Aufwachsen der Autorin in der Provinz zu tun hätte. Marie NDiaye wurde als Tochter einer Französin und eines Senegalesen geboren. Der Vater verließ bald Familie und Europa. Mit 17 veröffentlichte NDiaye bereits ihren ersten Roman. In Interviews betont sie jedoch, dass sie sich keineswegs als „Andere“ empfinde, da sie als Französin keine Berührung mit afrikanischer Kultur hatte. Interessant allerdings, dass gerade ihr größter Erfolg, der Roman „Drei starke Frauen“, Beziehungen zwischen in Frankreich lebenden, assimilierten Schwarzen und deren in Afrika verbliebenen Familienmitgliedern thematisiert und damit postkoloniale Verhältnisse literarisch verhandelt. Dafür erhielt sie 2009 als erste schwarze Autorin den Prix Goncourt. Dass NDiaye mit ihrer Meinung zu Frankreichs

Umgang mit Fremden nicht hinterm Berg hält, bewies sie mit ihrer Kritik an Sarkozys Migrationspolitik. Ein konservativer Politiker forderte daraufhin einen patriotischen Schulterschluss für Prix-Goncourt-Preisträger. Wer mit dem wichtigsten französischen Literaturpreis ausgezeichnet wird, sollte die Heimat nicht schlechtreden dürfen. Die Maschinerie der Ausschließung steht jederzeit bereit, auch in Paris. Marie NDiaye ist keine Autorin mit Migrationslabel, sondern eine Schriftstellerin, die mit einem Blick für das Grauen im Gewöhnlichen begabt ist. Unheimlich ist nach Sigmund Freud das, was zugleich unvertraut und vertraut ist. „Ein Tag zu lang“ ist eine exakte Einlösung dieser Definition. SABINE SCHOLL

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Fehlt nur noch das Fagott Ezra Pounds „Cantos“ liegen in einer zweisprachigen Ausgabe erstmals vollständig auf Deutsch vor

„Make it new“ lautete Pounds Motto, und

tatsächlich gelangte er in den „Pisaner Gesängen“, dem Glanzstück der „Cantos“, zu einer Meisterschaft sprachlicher Kreativität, die später Lyrikern von der Beat Generation bis hin zur Postmoderne (hier allerdings in ironischer Brechung) als Vorbild diente. Es war ihm schließlich gelungen, dem Mallarmé’schen Ästhetizismus zu entkommen und durch sprachliche Effizienz, Genauigkeit, Klarheit und einen Glauben an die kommunikative Kraft dichterischer Sprache in bisher nicht gekannte Gefilde vorzudringen. Oder wie es Heinz Ickstadt in seinem brillanten Nachwort zur vorliegenden Ausgabe formuliert: „Dieser Glaube an die messianische Mission von Dichter und Dichtung (in einer Zeit der kulturellen Marginalisierung beider) lässt den Ästheten zum Provokateur und Querulanten werden.“ Nun liegt dank des Arche Verlags erstmals eine zweisprachige Ausgabe (Englisch/Deutsch) der kompletten „Cantos“ vor. An der zentralen Bedeutung der „Pisan Cantos“, deren eruptive Ausbrüche gelegentlich an John Coltranes Saxofonkaskaden erinnern, gibt es ohnehin nichts mehr zu rütteln. Doch sollte kurz an die Vorgeschichte dieser „Pisaner Gesänge“ erinnert werden. Pound hatte – da gibt es nichts zu beschönigen – mit dem Faschismus sympathisiert, war sogar einmal dem von ihm adorierten Mussolini begegnet, dem er auch die in italienischer Sprache verfassten „Cantos“ LXXII und LXXIII gewidmet hatte, die man nach dem Tod des „Duce“ in des-

sen Papieren fand. Außerdem hatte er in Ansprachen bei Radio Roma („Ezra Pound Speaking“) dem italienischen Staat und seinen Verbündeten „aid and comfort“ zugesagt. Aufgrund seiner politischen Blindheit und einer daraus resultierenden Hochverratsanklage der US-Justiz war Pound Sommer und Herbst 1945 im U.S. Disciplinary Training Center in der Nähe von Pisa inhaftiert, wo er drei Wochen in einem Tag und Nacht von Scheinwerfern angestrahlten Käfig ausharren musste. Er war bereits über 60, durfte mit niemandem sprechen und erhielt lediglich Brot und Wasser. Außerdem gab es einen Kübel und eine Wolldecke. Seine Zeit verbrachte er unter anderem damit, die gemeinsinnige Arbeit der Wespen zu studieren und den Mond zu betrachten. „O Moon My Pin-Up“ heißt es denn auch an einer Stelle, die ich zum Titel meiner Ezra-Pound-Kantate (Libretto: Christian Baier) erwählte. Nach einem Zusammenbruch verlegte man den Dichter in ein Sanitätszelt, in dem die legendären „Pisan Cantos“ entstanden. Im November 1945 erklärte man Pound für unzurechnungsfähig und brachte ihn in ein Hospital für criminally insane, um ihm 1949 trotz alledem für die „Pisan Cantos“ den renommierten Bollingen Prize zuzuerkennen. In seinen „Cantos“ führte Pound eine Offensive gegen die Lehren der Ökonomie. Im Zinswucher – oder überhaupt in der „schwarzen Magie des Geldes“ – sah er die Wurzel aller gesellschaftlichen Probleme. Als seinen Todfeind betrachtete er Alexander Hamilton, den Gründer der Bank of New York (1784), und in der Abschaffung des „Wuchers“ (Kreditwesen und Zinswirtschaft) erblickte er die universelle Bewältigung aller Probleme. Seine im Zusammenhang damit abgehaltenen antisemitischen Propagandareden brachten ihn freilich schwer in Verruf. 1967 gestand er Allen Ginsberg, der ärgste Fehler seines Lebens sei sein dummer Antisemitismus gewesen. Damit hätte er alle seine Leistungen kaputtgemacht. Pound hatte eine besondere Affinität zur Musik, ja, seine „Cantos“ sind Musik. Charles Bernstein sieht im „komplex poly-

phonen Stil“ sowie im „hyper space“ von Pounds modernistischer Collage das Ergebnis eines komponierten Multikulturalismus. Christine Brooke-Rose hält Pounds Werk „für komisch, aufregend, aufreizend, zart bis an die Grenze des Erträglichen, dogmatisch über alle Maßen, herausgeschrien, gemurmelt, geflüstert, gesungen, wahr, falsch und querköpfig, schön, hässlich, handgefertigt, zuversichtlich, widersprüchlich, am Rande des Zusammenbruchs – kurz, für ganz und gar menschlich, lebendig und relevant“. Das sagt vieles über die inspirative Kraft dieser Dichtung, über Pound als mögliche Quelle einer musikalischen Arbeit. Die „Cantos“ sind Jazz, zumindest mit Blick auf den improvisierten Anteil dieses Genres. Pound selbst sagte, sie „kämen aus seinem innersten Selbst und seien keine Maske“, eine Vorgangsweise, die ganz von selbst an die unmittelbare Expression einer Jazzimprovisation denken lässt. Ausgangspunkt meiner Kantate wurden die von Pound gezeichneten Stromdrähte (wahrscheinlich von seinem Käfig aus betrachtet), auf denen vier Vögel sitzen, wovon ich das grundlegende Motiv f-f-d-g ableitete. Die dreisätzige (Jazz-)Kantate für einen Solosänger (Phil Minton als Pound), Chor und Instrumentalensemble lässt sich vielleicht als Vertonung „reiner Liebesdichtung“ (so die reizvolle „Cantos“-Interpretation von Dietmar Dath) deuten. Demgemäß ist meine eigene Lieblingsstelle ein Song der Cassandra nach dem Text

Ezra Pound: Die Cantos. In der Übersetzung von Eva Hesse. Ediert und kommentiert von Heinz Ickstadt und Manfred Pfister. Zweisprachige Ausgabe. Arche, 1480 S., € 100,80

„What thou lovest well remains The rest is dross What thou lov’st well shall not be reft from thee What thou lov’st well is thy true heritage Whose world, or mine or theirs Or is it of none?“ Eine sorgfältig gearbeitete und spannend zu lesende Biografie, in der ich lediglich das Fagott der späten Jahre vermisse, rundet diese großartige Ausgabe von Ezra Pounds „Cantos“ ab. FR ANZ KOGLMANN

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

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ie mehr als verdienstvolle PoundÜbersetzerin Eva Hesse erzählte kürzlich in einem FAZ-Interview, sie hätte sich den „ganzen Proust angehört“, doch dabei wäre sie fast eingeschlafen. Proust sei nämlich überhaupt nicht modern, „wenn ich den am Anfang meiner Karriere gelesen hätte, hätte ich die Literatur aufgegeben“. „Modern“ ist für Eva Hesse aber Ezra Pound, dessen im Laufe eines halben Jahrhunderts entstandenen „Cantos“ sie ebenfalls ein halbes Jahrhundert an Übersetzungsarbeit widmete.

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Die zweite Geburt des Eduard Sawenko Emmanuel Carrère hat eine Romanbiografie des wilden ukrainischen Outlaws Limonow geschrieben ls Schüler hat Eduard Sawenko einen A Vorsatz gefasst, dem er sein Leben lang treu bleiben sollte: Er wollte einer werden,

den man nicht schlägt, weil er sonst tötet. Das muss Mitte oder Ende der 1950er-Jahre gewesen sein. 1943 war er im ukrainischen Charkow in arme Verhältnisse geboren worden. Als junger Mann bedroht er dann ein Mädchen mit einem Messer, gerät in eine wüste Prügelei und landet im Gefängnis. Damit ist er aus der Gesellschaft katapultiert. Als er seine Strafe abgesessen hat, taucht er in der Boheme von Charkow unter, schreibt Gedichte und erfindet sich einen emblematischen Künstlernamen: Limonow, denn sein Humor ist so bitter wie eine Zitrone (limon) und so aggressiv wie eine Handgranate (limonka). Emmanuel Carrère wurde 1957 in Paris gebo-

ren und wuchs im noblen XVI. Arrondissement auf. Sein Großvater war aus Georgien nach Frankreich emigriert und kollaborierte während des Zweiten Weltkriegs mit den Deutschen. Seine Mutter, die Historikerin Hélène Carrère d’Encausse, steht als Se­cré­ taire perpétuel an der Spitze der Académie française. Der Unterschied zwischen dem Pariser Großbürgersohn und dem ukrainischen Outlaw könnte größer nicht sein. Carrère hat nun im Gewand eines Romans eine Biografie über Limonow geschrieben. Limonows Leben liefert einen einmaligen Stoff, in dem sich Politik, Gewalt, Sex und

Kunst vermischen, die Geschichte eines Poète maudit im 21. Jahrhundert. Aber der Reihe nach: Bis 1967 hält es Limonow in Charkow aus, dann zieht es ihn nach Moskau. In Untergrund- und Dissidentenkreisen findet er als Dichter Beachtung, es entstehen erste Erzählungen und Romane, die er in der UdSSR natürlich nicht publizieren kann. Sein Liebesleben darf man getrost als ausschweifend bezeichnen. 1974 emigriert Solschenizyn in die Bundesrepublik, Limonow, in Charakter und Habitus dessen schieres Gegenstück, kann nach New York ausreisen. Joseph Brodsky verhilft ihm zu ersten Kontakten, aber wer sich so vulgär und laut aufführt wie Limonow, hat es in den literarischen Kreisen von New York auch dann schwer, wenn er ein russischer Dissident ist. Weil niemand seine Manuskripte annehmen will, verdingt er sich als Butler eines Milliardärs. Er entdeckt, dass ihm auch Sex mit Männern Spaß macht, nachzulesen in „Ein russischer Dichter bevorzugt große Neger“. Mit diesem Manuskript gelingt ihm der literarische Durchbruch. Ein französischer Verleger lässt es übersetzen, und Limonow avanciert in Paris zum Star jener intellektuellen Kreise, die vom Salonkommunismus nichts mehr wissen wollen. Hier nun begegnet Limonow Emmanuel Carrère, der sich auch immer gern als Außenseiter inszeniert hat, was sich freilich nur in edler Kleidung und in der Lektüre rechtskonservativer Autoren manifestierte.

Carrère ist von diesem wilden Typen fasziniert – aber auch abgestoßen. Denn offenbar kann es Limonow nicht ertragen, wie sich seine äußeren Lebensumstände verbessern: in Frankreich ein Star, nach dem Zusammenbruch der UdSSR in Russland rehabilitiert. Die Gewalt übt eine unwiderstehliche Faszination auf ihn aus, und Gorbatschow hat für ihn die Ehre Russlands an den Westen verschachert. Mittlerweile ein Bestsellerautor, kämpft er auf-

Emmanuel Carrère: Limonow. Aus dem Französischen von Claudia Hamm. Matthes & Seitz, 414 S., € 25,60

seiten der Serben gegen die Kroaten, später aufseiten der Abchasen gegen die Georgier. Politisch ist er rechtsaußen angekommen, 1994 gründet er die inzwischen verbotene Nationalbolschewistische Partei Russlands, später landet er erneut im Gefängnis, diesmal wegen illegalen Waffenbesitzes. Heute kämpft Limonow gegen Putin und für Pussy Riot. In epischer Ausführlichkeit und barocker Drastik breitet Carrère diese schwarze Geschichte der letzten 50 Jahre aus, die unheimliche Rückseite dessen, was der Westen als Wiedergeburt Europas erlebt und gefeiert hat. Limonow verkörpert jenes Russland, das im Gefühlshaushalt der Westeuropäer bis heute als Gegenbild der eigenen Selbstdisziplinierung herhalten muss. So evoziert dieses Buch in eindringlichen Szenen und Bildern spiegelverkehrt auch jene Ängste und Fantasien des Chaos und der Gewalt, die wir noch immer nach Osten richten. TOBIAS HE YL

Visionen eines nasebohrenden Gynäkologen Mit „Das Alter kam am 23. Mai gegen 11 Uhr“ schreibt sich der Kroate Zoran Feric in die literarische Champions League oran Feric (Jg. 1961)ist der kroatische Spezialist für Bizarres, Makabres und Z die Abgründe der menschlichen Seele, das

ist seit seinen Romanen „Der Tod des Mädchens mit den Schwefelhölzchen“ (2003) und „Die Kinder von Patras“ (2006) bekannt. Mit seinem 540-seitigen Opus magnum „Das Alter kam am 23. Mai gegen 11 Uhr“ schreibt er sich nun als Romancier in die Oberliga der europäischen Literatur. Der Gynäkologe Tihomir Romar sitzt an besagtem 23. Mai des Jahres 2010 in einem Zagreber Café und bohrt in der Nase. Der Jungpensionist beobachtet die Vorboten des Frühlings, eine Passantin löst eine Vision aus, der er sogleich nachstürzt: „Sind Sie Senka? Ist das die Jacke, die ich vor dreißig Jahren, erfüllt von Liebe, auf Korfu erstanden habe?“ Die Aberration samt mutmaßlicher Zechprelle-

rei löst ein Feuerwerk an Slapstick aus, und der Protagonist beschließt, die Schiffsreise seiner Zagreber Maturaklasse des Jahres 1961 von Opatija nach Zadar und retour zu wiederholen. Beim Betreten der „Tramuntana“ wird das tatsächliche Alter der ehemaligen Kommilitonen sogleich klar: „Wir waren einmal dreißig. Jetzt waren wir noch zwölf.“ Das Narrenschiff des Lebens wird von Tragik überschattet, sobald „Klarschiff mit unserer Vergangenheit“ gemacht werden soll. Feric erzählt auf zwei Ebenen. Während Jugana, Ana, Marijan, Lidija, Toni und wie

sie alle heißen unter der Sonne der nordöstlichen Adria mit Alkohol und ein bisschen Ecstasy in Erinnerungen, Intrigen und geplänkelten Streitereien schwelgen, wird Tihomirs ganzes Leben aufgerollt: Kinderspiele mit Freunden am Hof, eine irrtümlich zugestellte Todesnachricht, weil die Buben Türschilder vertauscht hatten. Der jugendliche Besuch bei einer Prosti­ tuierten deutet an, dass sich der spätere­ Gynä­kologe auf glitschige Abwege begeben­ wird. Tito-Jugoslawien ist stets präsent, aber nur als Hintergrund – selbst der Krieg der 1990er-Jahre, in dem Tiho Dienst in einem Lazarett versieht, taucht nur kurz auf. Vielmehr wirkt es, als bestünde das wichtigste Motiv für die Gier von Feric’ Figuren im unablässigen Versuch, das ju­go­sla­ wi­sche Schattenreich mit allen Mitteln zu verlassen. Das reicht vom ominösen Gangnachbarn Mrazivic bis zum heimlichen Gebrauch von importierten Beate-Uhse-Heften, derer sich Tiho und sein verwitweter Vater gleichermaßen zur fleischlichen Ertüchtigung bedienen. Das Mittel heißt: Machismo, Sex und Humor. Mit einem Wort: Balkanismus. Über Tiho heißt es einmal, er habe es mit 100 Prostituierten getrieben. Als er sich in jugendlichem Liebeskummer ergeht, weist ihn der Vater rüde zurecht: „Was flennst du dieser Fut hinterher!“ Das bezieht sich auf Senka, Tihos Mitschülerin und Freundin, die als Balletttänzerin das Land verlassen hat und aus Genf wieder zurückkehrte.

Tiho liebt sie seit dem Studium ewig und unmöglich, tatsächlich hat er eine andere geheiratet und zwei Kinder. War das Mittel, um durch diese Biografie zu

Zoran Feric: Das Alter kam am 23. Mai gegen 11 Uhr. Aus dem Kroatischen von Klaus Detlef Olof. Folio, 540 S., € 24,90

kommen, bislang Sarkasmus, so stellt sich im Zuge der Kreuzfahrt heraus, dass auch Selbstironie längst nicht mehr ausreicht. Die Dreierbeziehung von Senka, Tiho und dessen Freund Roman gerät in der Rekapitulation zu einem Thriller mit Elementen des Pornos. Feric vergisst nicht das Gegenmodell von geradezu kosmischer Eintracht und Liebe: Die ganze Schulklasse schwimmt nächtens, beleuchtet von Schiffsscheinwerfern, im Meer und wird dabei von Tausenden von Fischen umgeben. Der Showdown samt Unwetter, Stromausfall und Seenot erfolgt zwischen den Inseln Rab und Losinj. Senka spricht auf Tihos Handy einen Abschiedsbrief: „Je mehr Vergangenheit es im Leben gibt, etwas, was du nicht verändern kannst, desto klarer ist der Mensch irgendwie für sich selbst und andere. Es gibt weder Überraschungen noch Rätsel.“ Das Rätsel bleibt bestehen, als Senka, einer Göttin gleich, in goldenem Bikini und mit weißer Bluse das Schiff verlässt. Zoran Feric erzählt aufwändig und schnell zugleich, die Dialoge sind voller Witz, die Exkurse über Spaghetti, Goli otok und die Autos im Zagreb der 1960er-Jahre meisterhaft. Ein Meister ist auch der Übersetzer Klaus Detlef Olof. ERICH K LEIN

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Die Bürde der Verständlichkeit Leichtfüßig, nicht leichtgewichtig: Eine Werkausgabe würdigt die Dichterin Mascha Kaléko (1907–1975)

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956, als Mascha Kaléko nach 18-jährigem Exil zum ersten Mal wieder in ihre deutsche Heimat kam, schrieb sie das Gedicht „Deutschland, ein Kindermärchen“ – Heinrich Heine zur Antwort und zu Ehren, dessen 100. Todestag dort mit einiger Blasmusik begangen wurde. „Auch ich bin ‚ein deutscher Dichter, / Bekannt im deutschen Land‘, / Und nennt man die zweitbesten Namen, / So wird auch der meine genannt.“ Kalékos Hommage an den „Urvater Heine“, der den seinen natürlich unter die „besten Namen“ eingereiht hatte, offenbart die für sie typische ironische Selbsteinschätzung: „Ich sang einst im preußischen Dichterwald, / Abteilung für Großstadtlerchen.“ Wie Heine war Kaléko überaus populär, wie er musste sie emigrieren. „‚(…) Da kam der böse Wolf und fraß / Rotkäppchen.‘ – Weil sie nicht arisch. / Es heißt: die Wölfe im deutschen Wald / Sind neuerdings streng vegetarisch.“ Mit einem dieser bekehrten Wölfe sollte die

Dichterin bald darauf zu tun bekommen, und sie gab sich nicht damit zufrieden, dass er Kreide gefressen hatte. 1959 wurde ihr der Fontane-Preis zuerkannt. Als Kaléko erfuhr, dass der ehemalige SS-Mann Hans Egon Holthusen Mitglied der Jury war, lehnte sie den Preis ab, obwohl sie die 4000 Mark sehr gut hätte gebrauchen können. Mit dieser Geste schnitt sich Kaléko selbst eine unverhoffte Erfolgssträhne ab. Ihre Vortragsreise durch die Bundesrepublik hatte die Renaissance ihrer Gedichte bestätigt, die Neuausgabe der „Verse für Zeitgenossen“ (1958) ein starkes Echo gehabt. Knapp 20 Jahre zuvor waren die ersten Gedichte Kalékos in deutschen Zeitungen erschienen und hatten für Furore gesorgt. Vom Expressionismus und seiner überhitzten Symbolik hatten viele Leser damals genug. Erich Kästner polemisierte gegen jene Lyriker alten Schlages „mit dem lockig im Winde wallenden Gehirn“ und bekannte sich stolz zu einer „Gebrauchslyrik“ für jeden, „der mit der Gegenwart geschäftlich zu tun hat“. Kurt Tucholskys bald mehr, bald weniger politische Rollengedichte der kleinen (Berliner) Leute hatten Milieu, Jargon und Dialekt literaturfähig gemacht. Da kam die junge, fesche, freche Mascha Kaléko mit ihrem „Lyrischen Stenogrammheft“ (1933) gerade recht, um als weibliche Stimme der „Neuen Sachlichkeit“ freudig begrüßt zu werden – ein Fräuleinwunder, wie es im Buche steht. In der Rolle der Tippmamsell, die Kaléko tatsächlich eine Zeitlang ausfüllte, weil ihr Vater das so wollte, verkörperte das lyrische Ich der Autorin die junge, emanzipierte Frau der Gegenwart, kein Kind von Traurigkeit, aber gelegentlich doch traurig, ironisch beschäftigt mit Liebe und Abschied und den Nö-

ten des Alltags, doch nie so schnoddrig kalt, wie Kästner sich gerierte, und als Kritikerin der Verhältnisse durchaus von jenem ineffizienten Unbehagen erfüllt, das Walter Benjamin abfällig „linke Melancholie“ genannt hat. Kaum jemand hat die Berliner Atmosphäre der Zeit so eindringlich gemalt wie Kaléko in ihren spöttisch-zärtlichen Vi­gnet­ ten, etwa der „Kleinen Havel-Ansichtskarte“: „Von Booten flüstert’s hier und dort. / Die Pärchen ziehn nach Haus. / – Es artet jeder Wassersport / Zumeist in Liebe aus.“ Thomas Mann schätzte die „aufgeräumte Melancholie“ der Kaléko und vermisste im Nachkriegsdeutschland ihre „wohllautend mokante Stimme“. Martin Heidegger, mit dessen brauner Verirrung die Emigrantin nachsichtig war, schrieb ihr nach dem Krieg: „Eine große Freiheit und ruhige Sicherheit ist in Ihren Versen. Ihr ,Stenogrammheft‘ sagt, dass Sie alles wissen, was Sterblichen zu wissen gegeben.“ Hochtrabende Worte, die zum Witz und Understatement der Verse nicht passen wollen, doch der Philosoph scheint hinter Kalékos kecker Kühle eine tiefe Traurigkeit und ihm vertraute Weltfremdheit erkannt zu haben. Kaléko selbst beschrieb ihre poetische Physiognomie als Janusgesicht: „Die eine Hälfte des Gesichts ist lyrisch, / Die andere hingegen fast satirisch. / Zwei Seelen wohnen, ach, in mir zur Miete.“ Kein Wunder: „Denn, was einst war, das stimmt uns meistens lyrisch, / Doch das, was ist, zum großen Teil satirisch.“

Aus Anhänglichkeit an Berlin emigrierte sie erst 1938 mit Mann und Sohn nach New York, wo sie die Familie mit Reklamearbeiten über Wasser hielt und sich der Karriere ihres Mannes widmete, der kein Englisch konnte. Privat war Kaléko stets aufopfernde Ehefrau und Mutter, obwohl sie wusste: „Die Herren vom Fach haben allemal / Einen vorwiegend weiblichen Schatz. / Was uns Frauen fehlt, ist ,Des Künstlers Frau‘ / Oder gleichwertiger Ersatz.“ Ihrem Mann zuliebe übersiedelte die Dichterin

Geboren wurde Mascha Kaléko als Altösterrei-

cherin, 1907 im galizischen Chrzanow, nahe Auschwitz. Sie wollte nicht von dort stammen, wo die ärmsten Juden herkamen, ihr Lebtag sollte sie diese Herkunft verleugnen. Aus Angst vor russischen Pogromen flohen die Eltern bei Kriegsbeginn nach Deutschland und ließen sich in Berlin nieder, das zu Maschas eigentlicher Heimatstadt werden sollte. Aus der kleinen, unehelich geborenen Golda Malka Aufen wurde zunächst, als ihre Eltern heirateten, Mascha Engel, bis sie 1928 die Frau des Hebräischlehrers Saul Aaron Kaléko wurde, von dem sie sich 1936 scheiden ließ, um den Musiker Chemjo Vinaver zu ehelichen: Kaléko blieb ihr Künstlername. Im Epizentrum der Berliner Bohème, im Romanischen Café, verkehrte die junge Dichterin mit Kästner, Tucholsky und Brecht, Else Lasker-Schüler, Alfred Polgar und Joachim Ringelnatz. Nach dem Erfolg ihres Debüts, bereits nach Hitlers Machtergreifung, konnte 1934 noch ihr „Kleines Lesebuch für Große“ erscheinen, das sogar eine zweite Auflage erlebte, ehe Kaléko 1935 aus der Reichsschrifttumskammer flog und ihre Werke verboten wurden.

Mascha Kaléko: Sämtliche Werke und Briefe in vier Bänden. dtv, 3984 S., € 80,20

1959 nach Jerusalem, wo sie nie heimisch wurde. Zunehmend geht in ihren Gedichten die Balance zwischen Dur und Moll verloren, Bitterkeit, ja Verbitterung überwiegt. 1968 stirbt überraschend ihr Sohn Steven, fünf Jahre später ihr Mann. Die Erschütterung lähmt Kalékos Produktivität nachhaltig, bis sie in ihrem letzten Lebensjahr einen neuen Aufschwung erlebt und, bereits an Magenkrebs erkrankt, eine Wohnung in Berlin nehmen möchte. 1975 – in diesem Jahr wird das hunderttausendste Exemplar des „Lyrischen Stenogrammhefts“ verkauft – stirbt sie bei einem Zwischenstopp in Zürich: „Mein Epitaph: / Vergebens. / Sie starb / an den Folgen / des Lebens.“ Nun hat Mascha Kaléko, die in unregelmäßigen Abständen immer aufs Neue wiederentdeckt wird, eine komplette Werkausgabe erhalten, um die sie jeder tote Klassiker beneiden müsste. Ihre Biografin Jutta Rosenkranz hat sie mit immenser Sorgfalt erstellt. Band I enthält sämtliche Gedichte, darunter Perlen aus dem Nachlass, sowie Kalékos literarische Prosa (etwa ein schönes Porträt des Greenwich Village) und Werbetexte, etwa für die Deutsche Grammophon. In Band II und III finden sich alle deutschen und englischen Briefe der Dichterin an ihre Lieben, den Verleger Ledig-Rowohlt und an Kollegen, den vierten Band füllt ein hypergründlicher Kommentar. Die ketzerische Frage drängt sich auf, ob die doch sehr umfangreichen Briefbände ein Wesentliches zur Popularisierung der Autorin beitragen werden, ob man sich nicht mit einer kommentierten Gesamtausgabe der Gedichte hätte begnügen können. Für Studienzwecke ist die Edition zweifellos ideal, auch erweist sich Kaléko als temperamentund humorvolle Briefschreiberin, die ungeniert englische und hebräische Brocken in den deutschen Sprachschotter wirft. Zu hoffen ist, dass die seelenvolle Spottdrossel Mascha Kaléko nicht länger unterschätzt wird. Die Bürde der Verständlichkeit drückte schwer auf ihren Ruf bei Kritik und Wissenschaft, die dazu neigen, das Leichtfüßige für leichtgewichtig zu halten. Mascha Kaléko wusste das. –„Mein schönstes Gedicht? / Ich schrieb es nicht. / Aus tiefsten Tiefen stieg es. / Ich schwieg es.“ DANIEL A STRIGL

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Repräsentanten der Vernichtung In „Wakolda“ fiktionalisiert die Autorin und Filmemacherin Lucía Puenzo die argentinischen Jahre von Josef „José“ Mengele attenlinien“ nannte man die Routen, R über die nach dem Zerfall des Naziregimes zahlreiche NS-Täter flüchteten. Ihre

Flucht führte sie häufig nach Südamerika – vor allem nach Argentinien, wo sie von Diktator Juan Perón mit offenen Armen empfangen wurden. Auch den berüchtigten „Todesengel von Auschwitz“ Josef Mengele brachte seine Flucht ins „Land der Sonne“. Die 1976 in Buenos Aires geborene Schriftstellerin und Filmemacherin Lucía Puenzo hat in ihrem Roman „Wakolda“ seine argentinische Geschichte fiktionalisiert. Das Buch versetzt ins Jahr 1960, als Mengele – im Roman „José“ genannt – dabei ist, Buenos Aires schnellstmöglich Richtung Patagonien zu verlassen. Es ist die Zeit, in der die Jagd auf die führenden NSVertreter in vollem Gang ist: Der Mossad hat einen Haftbefehl gegen SS-Obersturmbannführer Adolf Eichmann erlassen, und auch Dr. Mengele ist man dicht auf den Fersen. Es scheint Schicksal zu sein, als ihm auf sei-

nem Weg Richtung Süden die zwölfjährige Lilith begegnet. Unmöglich kann er sich der Anziehungskraft ihres unproportionierten Körpers entziehen: „Noch nie war ihm ein unvollkommenerer Körper derart unwiderstehlich erschienen.“ José „wittert Beute“, als sich herausstellt, dass das unter einer Wachstumsstörung leidende Mädchen zwei gesunde Brüder hat. Prompt würde er alles tun, „um herauszufinden, ab wel-

chem Punkt es mit der Rasse bergab gegangen war“. Als er erfährt, dass Liliths Mutter mit Zwillingen schwanger ist, ist sein Glück perfekt, hat er sich doch in seiner Zeit als Lagerarzt den Problemen menschlicher Vererbung am lebenden Objekt und vor allem an Zwillingen verschrieben. Heute muss er Vorsicht walten lassen, doch: „Vor Jahren noch hätte er die Mutter direkt auf eine Pritsche legen lassen und ihr auf der Stelle den Bauch aufgeschlitzt.“ Gnadenlos werden die bestialischen Gedanken und die menschenverachtende Ideologie Josés über die Ursünde der Rassenvermischung oder die Reinerhaltung des Blutes geschildert. In Patagonien angekommen, lässt sich der Deutsche in der Pension der Familie nieder. Im beschaulichen Barlioche befindet er sich in bester Gesellschaft alter Kameraden, die ihm blinde Verehrung entgegenbringen. Die Bewohner der Stadt selbst scheinen Neuankömmlinge vorbehaltlos zu empfangen. Über seinen Aufgaben, die Anomalie des Mädchens mit einer schmerzhaften Hormontherapie zu behandeln und die Schwangerschaft der Mutter zu überwachen, vergisst José, seine Flucht vorzubereiten. Josés Leidenschaft für Liliths Unvollkommenheit und seine gleichzeitige Suche nach dem perfekten Menschen wird von der wahnsinnigen Idee gekrönt, mit der Produktion von Arierpuppen „die Vervollkommnung einer unsterblichen Gattung“

zu erreichen. Doch die adrette Puppe Liliths, die er zunächst als Schablone verwenden wollte, ist nicht mehr auffindbar. Sie wurde mit einem Mapuche-Indiomädchen gegen eine dunkelbraune Puppe getauscht, die diese symbolträchtig aus der Erde des Landes zog. Wakolda, so der titelgebende Name der Puppe, ist in all der Perversion und Künstlichkeit das einzig Wahrhaftige, das Lilith geblieben ist: „Die einzige Puppe, die Lilith niemals Angst eingejagt hatte, war Wakolda, die kleine Indianerin, die inmitten dieses ganzen Aufgebots an arischer Reinheit so unrein war wie nie zuvor.“ Über die Mapuche betreibt Puenzo argentini-

Lucía Puenzo: Wakolda. Aus dem argentinischen Spanisch von Rike Bolte. Wagenbach 2012, 192 S., € 19,50

sche Vergangenheitsaufarbeitung und zeigt, dass andere Völker ebenfalls zum Genozid fähig sind. Denn die Ureinwohner wurden im 19. Jahrhundert in Lager zwangsübersiedelt, ihre Fortpflanzung wurde unterbunden, und sie wurden als Arbeitskräfte an die Oberschicht verkauft. Arbeiter, deren Nachfahren auch Liliths Familie einst beschäftigte. Plötzlich erscheinen die Argentinier und Josés Landsmänner im gleichen Licht – als Repräsentanten der Vernichtung. Durch symbolische Übersteigerung gelingt es Puenzo, ein Bild von Josef Mengele, der sich nie der Verantwortung für seine Verbrechen stellen musste, jenseits banaler Bösartigkeit zu entwerfen. Lucía Puenzo blickt tief in die menschlichen Abgründe und zwingt den Leser, es ihr gleichzutun. JULIA ZARBACH

Ein Kilogramm Blut, Schweiß und Tränen Schwerer Brocken: Alexis Jennis romanhafte Beschreibung der Freiheits- und Kolonialkriege Frankreichs von 1942 bis 1962 as literarische Pendant zum EtikettenD säufer ist der Literaturpreisträgerleser. Beide lieben Frankreich, Letzterer vor al-

lem wegen des Prix Goncourt, der jeden November im Pariser Nobelrestaurant Drouant verliehen wird und als eines der prestigereichsten Literatur-Etiketten überhaupt gilt. 2011 war ein starker Jahrgang: Ehrfurchtgebietende 768 Seiten ist der nun auch auf Deutsch erhältliche Preisträger „Die französische Kunst des Krieges“ dick – ganz schön viel für einen Debütroman (ja, das auch noch!). Der Autor heißt Alexis Jenni, ist 49 Jahre alt, im Brotberuf Biologielehrer. In Interviews verweist er auf seine vielfältigen In­ter­essen, die ihm zuvor einfach nicht die Zeit zum Schreiben gelassen hätten. Angesichts seines Projekts kein Wunder: In 13 Kapiteln rollt Jenni ein episches Schlachtengemälde vor seinen Lesern auf, das die Jahre von 1940 bis 1962 zu Frankreichs „zwanzigjährigem Krieg“ erklärt und auch noch für dessen Auswirkungen auf die Gegenwart Platz findet. Die Schauplätze: die Wälder des von den Na-

zis unterworfenen Frankreich, die um ihre ­Unabhängigkeit kämpfenden Kolonien Indochina und Französisch-Algerien, die Wohnsilos der Banlieue von Lyon. Hauptfigur des Romans ist ein französischer universal soldier namens Victorien Salagnon, ein begabter Zeichner, der sich als 17-Jähriger in der Résistance engagiert. Tief er-

schüttert von der Grausamkeit des Krieges findet er danach keinen Platz mehr in der Gesellschaft. Er lässt sich zum Berufssoldaten ausbilden und kämpft bald Seite an Seite mit vormaligen SS-Soldaten, die bei der Fremdenlegion angeheuert haben, gegen Viet-Minh-Kämpfer und aufständische Algerier.

nigen muss, vergisst man nach dem Lesen nicht so schnell. Der ganz große Wurf, als der der Roman ver-

Victorien erwirbt sich den Nimbus der Un-

sterblichkeit, während er seelisch zugrunde geht. Er überlebt die gefährlichsten Einsätze, brennt Dörfer nieder, foltert und tötet Kriegsgefangene und Zivilisten. Jahrzehnte später lebt er zurückgezogen in einer von arabischstämmigen Neo-Franzosen bewohnten Banlieue, gibt Zeichenunterricht und erzählt seine Kriege einem seiner Schüler, dem Erzähler des Romans. Dieser – ein an Beruf und Beziehung gescheiterter Außenseiter – unterbricht Salagnons Kriegsberichte regelmäßig durch Kommentare, in denen er die Banlieue und ihre gewaltbereiten Bewohner beschreibt. Wenn auch die vielgelobte Eleganz von Jennis Sprache in der deutschen Übersetzung eher gestelzt herüberkommt („Sie hätten ihre Kleider ablegen können, ohne dass ein Schauer über ihre Haut gelaufen wäre“), finden sich im Roman zahlreiche grandiose Passagen. Alexis Jenni ist ein brillanter Beschreiber: Den ausgebrannten Innenraum eines deutschen Tiger-Panzers etwa, den Victorien von den Überresten seiner zerfetzten und verkohlten Besatzung rei-

Alexis Jenni: Die französische Kunst des Krieges. Aus dem Französischen von Uli Wittmann. Luchterhand, 768 S., € 25,70

marktet wird, ist Jenni dennoch nicht gelungen. Dafür ist „Die französische Kunst des Krieges“ schlicht zu vorhersehbar. Die Stationen von Salagnons Reise sind jedem Leser, der Frankreichs jüngere Geschichte auch nur ansatzweise kennt, von vornherein klar. Salagnon ist denn auch weniger eine Romanfigur als ein Lehrbuchbeispiel zur Illustration. Dementsprechend papieren wirkt er, trotz der Blutspur, die er hinter sich herzieht. Eine weiteres Problem, das die Struktur des Romans mit sich bringt: Er ist immer noch zu dünn, um Résistance und Kollaboration im besetzten Frankreich, den Indochina-, den Algerienkrieg und auch noch die aktuelle Banlieue-Misere nebeneinander unterzubringen. Der Autor muss sich notgedrungen mit besonders exemplarischen Episoden begnügen, was das Buch zum makabren Best of macht: deutsche Massaker an französischen Dorfbewohnern, französische Fallschirmjäger auf wilder Flucht durch den vietnamesischen Dschungel, Bombenterror und Folter in Algier, der versuchte Offiziersputsch gegen den General de Gaulle, Gewalteruptionen im Vorstadtghetto. Vielleicht hätte Jenni seinen Text ja auf zwei Bücher aufteilen sollen: einen Roman und einen Essayband. GEORG RENÖCK L

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Entdeckungen im Fünferpack Große Literatur von Frauen in reizvoller Ausstattung bietet der außergewöhnliche Verlag edition fünf

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ücher, die wir uns selber wünschen“: So beschreibt die edition fünf ihr Programm. Die Wünsche der Verlegerin Silke Weniger und ihrer Herausgeberinnen Karen Nölle und Christine Gräbe sind dabei Glücksfälle für Lesende, denn die meisten Bücher, die hier verlegt werden, wären andernfalls schlicht nicht zu haben: Entweder sind sie es nicht mehr, da vergriffen, oder waren es niemals, weil sie noch niemand entdeckt hat. Fünf Titel erscheinen jeden Herbst. Es handelt sich um Neuauflagen, um literarische Debüts und neue Übersetzungen, dabei insgesamt oft um Werke von Autorinnen, die im deutschsprachigen Raum unbekannt oder vergessen sind. Genau: Es handelt sich immer um Autorinnen. Die

„Die meisten Bücher, die hier verlegt werden, wären andernfalls schlicht nicht zu haben“

edition fünf gibt ausschließlich von Frauen geschriebene Werke heraus. Die Verlegerinnen wollen damit nicht nur verschwundene Bücher, sondern auch Traditionslinien weiblichen Schreibens zugänglich und nachvollziehbar machen. Dass die Bücher im „Paket“ präsentiert werden – fünf Titel, unter ein Motto gestellt –, ist nicht ganz ohne Tücke. Es ist zum Beispiel ein wenig schwer einzusehen, dass ein so bemerkenswerter Roman wie „Vor ihren Augen sahen sie Gott“ von Zora Neale Hurston (aus dem letztjährigen Programm) nicht mit Getöse allein ins Rampenlicht gerückt wird. Gleichzeitig ist das Konzept des „thematischen“ Verlegens gerade durch den Ansatz der edition fünf interessant, wie auch das diesjährige Programm zeigt, das unter dem Titel „Spiegel“ der Selbst- und Außenwahrnehmung von Frauen gewidmet ist. Die Neuentdeckung der aktuellen Edition ist Alice Pung. Die Australierin wurde

für ihren ersten Roman „Ungeschliffener Diamant“ bereits mit Sylvia Plath verglichen, 2007 wurde das Buch mit dem Preis für das beste australische Debüt ausge­ zeichnet. Pung beschreibt mit viel Witz ihr eigenes Aufwachsen im Melbourner Stadtteil Footscray und in der dort ansässigen kambodschanisch-chinesischen Community – eine Coming-of-Age-Geschichte, die den liebenswürdig routinierten Spott über „die eigenen Leute“ beherrscht und zugleich wie nebenher klärt, dass keine noch so vordergründig exotische Gemeinschaft allein aus ihrer Herkunft besteht. Mit der Neuübersetzung von Marchesa Co-

lombis „Un matrimonio in provincia“ macht man einen modernen Klassiker wieder zugänglich. Die Autorin, mit bürgerlichem Namen Maria Antonietta Torriani (1840–1920), war im Italien des späten 19. Jahrhunderts als Schriftstellerin und Feministin ebenso bekannt wie als schillernde Figur der Mailänder Gesellschaft. „Un matrimonio in provincia“ wurde 1885 veröffentlicht. Die großartige Polemik auf die bürgerliche Romantik und die Tücken des Heiratsmarktes, die mit ihrer klaren, kompromisslos modernen Sprache der naturalistischen Bewegung des Verismo zugeordnet wird, blieb das berühmteste Werk der Autorin. Die erste deutsche Übersetzung erschien 1976 im Anschluss an die Wiederentdeckung Colombis durch die Schriftstellerin Natalia Ginzburg und sollte bis heute der einzige übersetzte Titel bleiben. Es wäre vielleicht ein interessantes Wagnis gewesen, ein bisher ganz unbekanntes Buch zu übersetzen (unter dem Pseudonym Marchesa Colombi erschienen neben zahlreichen Essays, Kinderbüchern und Theaterstücken auch noch mehrere Romane). Die neuerliche Verfügbarkeit des bekannten Werks, das nun unter dem Titel „Ein Bräutigam fürs Leben“ erschienen ist, bleibt aber natürlich eine sehr gute Nachricht, zumal auch die Übersetzung von Christine Gräbe gut gelungen ist. Dass sich schließlich Marilynne Robinsons Debütroman „Housekeeping“, den die

Alice Pung: Ungeschliffener Diamant. Dt. v. Marieke Heimburger. edition fünf, 344 S., € 20,40

Marchesa Colombi: Ein Bräutigam fürs Leben. Dt. v. Christine Gräbe. edition fünf, 136 S., € 18,40

edition fünf unter dem Titel „Haus ohne Halt“ aufgelegt hat, nicht auf der Backlist eines großen Verlages findet, ist regelrecht unglaublich. Mit nur drei veröffentlichten Romanen (deren zweiter, „Gilead“, mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde) wird Robinson in den USA zu den bedeutendsten Schriftstellerinnen der Gegenwart gezählt. Im deutschsprachigen Raum wurde sie bisher kaum wahrgenommen. „Haus ohne Halt“ erzählt die Geschichte von zwei Schwestern, deren Aufwachsen in Idaho vor allem zwei Orte bestimmen: Da ist zum einen der See, auf dessen Grund der Zug mit ihrem Großvater, dem Schaffner, spurlos verschwunden ist; und auf der anderen das Haus, in dem die Tante der Kinder einen Haushalt führt, der sich nach und nach immer weiter von allen Konventionen der Haushaltsführung und des akzeptierten Lebens im Allgemeinen entfernt. So weit, dass nicht nur die Dorfgemeinschaft unruhig wird, sondern auch die Schwestern mit der Entscheidung konfrontiert werden, welche Art von Leben wünschenswert ist – im Dorf, in der Gesellschaft, für Frauen – und welche möglich. Der Gratwanderung zwischen dem Freiheitsversprechen des Lebens am Rand und der darin zugleich enthaltenen realen Gefahr für Leib und selbstbestimmtes Leben entspricht Robinsons eindringliche Sprache, deren Kraft auch in der Übersetzung, die Karen Nölle für die Wiederauflage neu bearbeitet hat, eindrucksvoll erhalten bleibt. Die edition fünf legt ihre Bücher als Geschen-

Marilynne Robinson: Haus ohne Halt. Dt. v. Sabine ReinhardtJost. edition fünf, 256 S., € 20,40

ke an. Die Herausgeberinnen beschenken die Leserinnen und Leser mit dem, was sie mögen, diese werden wiederum ihrerseits als Schenkende angesprochen. „Leseglück zum Weitertragen“ lautet ein Slogan des Verlages, und auf den Banderolen, mit denen die roten Leinenbände versehen sind, ist sogar Platz für eine Widmung freigehalten. Die Aufmachung ist liebenswürdig. Sie sollte nicht darüber hinwegtäuschen, dass hier unterhaltsame, fesselnde, aber auch wirklich große Bücher zu haben sind. NIKOL AUS STENIT ZER

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Ratschläge für den nackten Hasen Die altjapanische Mythensammlung „Kojiki“ und die japanischen Neigungen von Claude Lévi-Strauss

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apa, erzähl mir noch eine Geschichte!“ Beim Frühstück hatte ich meiner Tochter drei oder vier Episoden aus der „Odyssee“ erzählt, aber dann ging mir der Gedächtnisstoff aus, und ich beschloss, ihr die Geschichte vom nackten Hasen von Inaba nachzuerzählen, die ich gerade im „Kojiki“ gelesen hatte, der altjapanischen Sammlung von Mythen, Legenden und Chroniken, die zu Beginn des 8. Jahrhunderts niedergeschrieben wurde. Meine Tochter hörte mir aufmerksam zu, ohne mich ein einziges Mal zu unterbrechen, und als ich geendet hatte, sagte sie: „Da fehlt aber ein Stück.“ Sie hatte recht, ich hatte den Teil ausgelassen, wo der junge Held von seinen 80 Brüdern in eine Falle gelockt wird: Sie rollen einen glühenden Stein vom Berg und machen ihn glauben, es handle sich um eine Treibjagd auf ein Wildschwein. Der Held kommt durch das Feuer ums Leben, wird dann jedoch von einem Gott zum Leben wiedererweckt und kann schließlich die schöne Prinzessin im fremden Land heiraten. Meine Tochter kannte die Geschichte bereits aus einem ihrer japanischen Kinderbücher. Ihr Gedächtnis ist naturgemäß viel besser als meines, sie merkt sich immer alle Details. Die Geschichte vom nackten bzw. weißen Hasen von Inaba ist in Japan Volksgut, man kennt sie in den verschiedensten Bearbeitungen. Auch Claude Lévi-Strauss

schätzte sie, und auch andere Anthropologen, weil sie in allerlei Varianten in unterschiedlichen Kulturkreisen vorkommt. Eine Hypothese besagt, dass sie ursprünglich aus dem indonesischen Raum stammt, weil dar­ in Krokodile eine wichtige Rolle spielen und es in Japan keine Krokodile gibt. Im Mythos überlistet der Hase die der Unterwelt zugeordneten Krokodile, wird am Ende aber übermütig und ist gewisserma-

„Die Geschichte vom nackten bzw. weißen Hasen von Inaba ist in Japan Volksgut“

ßen selbst schuld, dass ihm eines der Reptilien in letzter Sekunde die Haut vom Leibe reißt. Die 80 bösen göttlichen Brüder geben dem Hasen einen Ratschlag, der seine Qualen nur noch vergrößert; der junge Held verhilft ihm zu Linderung und Heilung. Lévi-Strauss stellt Parallelen dieses Geschichtenkomplexes zu amerikanischen Mythen fest und folgert, dass er Bestandteil eines über diverse Weltgegenden verbreiteten „mythologischen Systems“ gewesen sei, in Japan aber eine besonders kompakte erzählerische Form erreicht habe.

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Für Klaus Antoni, der nun eine neue, sicher auf lange Zeit gültige deutsche Übersetzung mitsamt Kommentar und Analyse herausgegeben hat, ist die Geschichte vom Hasen von Inaba ein Beweisstück seiner These, dass Japan schon in vor- und frühgeschichtlicher Zeit nicht so isoliert, nicht so einzigartig gewesen sei, wie japanische Ideologen der Moderne und ausländische Beobachter immer wieder behaupten. (Auf seine Weise vertritt auch der amerikanische Film „Lost in Translation“ diese Auffassung.) Zahlreiche Argumente Antonis gehen in diese Richtung, und er insistiert auf der Tatsache, dass der Schreiber des „Kojiki“ überwiegend chinesische Schriftzeichen verwendete und der Text, wie man annehmen muss, zu großen Teilen bereits auf schriftliche Quellen zurückgehe.

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Vieles spricht für Antonis Abrücken von der „Phonozentrik“, mitunter fragt man sich dennoch, ob er das Kind – die vielen schönen, in prähistorischer Tiefe wurzelnden Geschichten und Lieder – nicht mit dem Bade, sprich: mit der nationalistischen Ideologie, die den Mythos für ihre Zwecke missbraucht, ausschüttet. Yasumaro, der chinesisch gebildete Schreiber, räumt in der Vorrede ein, dass man nicht den „eigentlichen Wortsinn“ treffe, wenn man ein japanisches Wort mit einem chinesischen Zeichen ausdrücke. Offensichtlich ist es ihm doch um eine Annäherung an dieses Eigentliche, die vorschriftliche Sprache und ihre Erzählungen, zu tun. Antoni qualifiziert – disqualifiziert? – diese bis heute anhaltenden Versuche, das Ursprüngliche ganzheitlich festzuhalten, als romantisches Streben, das sich historisch häufig mit nationalistischen Strömungen verbindet. Als junger Student, bei seinen ersten Japan-Besuchen, sei er – wie der englische Schriftsteller Lafcadio Hearn Ende des 19. Jahrhunderts, der das europäische Japan-Bild mitprägte – selbst dafür anfällig gewesen. Der Rationalismus des Wissenschaftlers hat seine Berechtigung und fördert zahlreiche wertvolle Einzelergebnisse zutage, doch die Entzauberung, die er mit sich bringt, behindert eher die Lektüre, die Neugier und Freude, die kleine und größere Kinder angesichts eines solchen literarischen Schatzes empfinden können. Der deutsche Text selbst, den Antoni neben hunderten Kommentarseiten bietet, ohne an „unwissenschaftliche“ Leserbedürfnisse zu denken (etwa ein Figurenregister oder einen Abriss der im „Kojiki“ wiedergegebenen Chronologie), ist dennoch gut lesbar und zum Glück nicht allzu streng an den im Nachwort beschworenen Übersetzermaximen der akademischen Ikone Walter Benjamin orientiert. In seiner anthropologischen Arbeit hat sich

Claude Lévi-Strauss etwas von den frühen romantischen Impulsen bewahrt, ohne dem Irrationalismus zu verfallen. Als Kind bewunderte er die bunten japanischen Holzschnitte, die ihm sein Vater schenkte, und später blieb ihm, obwohl sein Augenmerk und sein Lebensmittelpunkt lange Zeit der amerikanische Kontinent war, eine Art Japan-Sehnsucht. Einige seiner Hypothesen könnte man biografisch als Verquickung dieser beiden Seiten lesen.

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„Ganz normale Helden“, ein Spielsuchtroman von Anthony McCarten en jugendlichen Helden am Ende eines D Romans einfach sterben zu lassen, gilt als Tabubruch. Anthony McCarten verzeiht

man das, weil er den an Krebs erkrankten Donald aus seinem Roman „Superhero“ (2007) mit so viel Wärme und Witz durch diese letzte Lebensphase begleitet. „Ganz normale Helden“ erzählt vom Weiterleben von Donalds Eltern und des Bruders Jeffrey. Auch ohne Kenntnis der Vorgeschichte wird man schnell mit dem Kern einer Trauer bekannt, die alles verändert. Jeder geht damit anders um. Die Mutter holt sich im Internet Ratschläge bei einem anonymen Beichtvater. Jeffrey schreibt dem toten Bruder Kurznachrichten auf dessen Handy, das er mit ins Grab geworfen hat. Und als er, gerade 18, die zunehmende Distanz zwischen seinen Eltern nicht mehr erträgt, packt er seine Sachen und geht – ohne eine Nachricht zu hinterlassen.

Dennoch bleibt seine Aufforderung an den

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Lebenshunger in Pixelwüsten

Wohltuend an Lévi-Strauss’ Essays zu japanischen Themen ist das sanfte Aufspüren von universal anzutreffenden Phänomenen oder Strukturen (die, wie die japanische Kultur bestätigt, häufig binär sind), während der Autor zugleich den lokalen Abweichungen gerecht zu werden versucht. Junzo Kawada, der ihn in Japan mehrmals als Dolmetscher und Vermittler begleitete, attestiert dem Franzosen einen „wenn nicht nachsichtigen, so doch bisweilen großmütigen Blick auf Japan“. Das ist elegant und, ja: nachsichtig ausgedrückt, denn Lévi-Strauss sitzt hin und wieder Stereotypen auf und verkennt manch problematische Seite an Phänomenen, die er im modernen japanischen Alltag bewundert. An einem bestimmten Punkt stellt er auch selbst fest, er habe das Verhältnis der Japaner zur Natur „ein wenig zu sehr idealisiert“. Westen, sich ein Beispiel an der besonderen Fähigkeit Japans zu nehmen, Tradition und Moderne, alte Werte und forschende Innovation, aber auch Mythos und Geschichte und Gegenwart koexistieren zu lassen. Antoni hätte da wohl seine Bedenken. Die Mythen sind ihm ausschließlich Studienobjekt, der Shintoismus ist für ihn eine politische Religion, die in einer aufgeklärten Gesellschaft nichts zu suchen hat. Lebt man in Japan, so erfährt man im Alltag, dass vom Shintoismus, von dieser primitiven, undogmatischen Religion, heute doch noch viel mehr wirksam ist als die Legitimation des patriarchalen Staatskaisertums, das 1945 mit der Niederlage Japans im Pazifischen Krieg de facto endete, obwohl es pro forma bis heute aufrecht ist. Wenn die Naturverehrung in diesem Land nicht nur leeres Gerede und Bildklischee ist, dann deshalb, weil etwas vom alten, im Vergleich zur griechischen Mythologie doch ziemlich wilden und unhierarchischen Götterglauben fortwirkt, den das „Kojiki“ zu bewahren versucht. Und eine Identität jenseits aller Fundamentalismen und Globalismen lässt sich nur ausbilden, wenn sich der Einzelne an einem Grundstock überlieferter Erzählungen bedienen und sie in seinem Gedächtnis speichern kann, wie es zum Beispiel meine Tochter tut.

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Erneut kämpfen die Eltern um einen verlore-

Anthony McCarten: Ganz normale Helden. Aus dem Englischen von Manfred Allié und Gabriele KempfAllié. Diogenes, 455 S., € 23,60

nen Sohn. Doch Jim, der Vater, behält einen kühlen Kopf und sucht dort, wo Jeffrey die größte Zeit des Tages verbringt: in den Pixelwelten eines Computerspiels, dessen Grenzen niemand so richtig kennt. Es gibt dort endlose Wüsten, düstere Gebirge, Städte, in denen man auf Krieger trifft, die man niederstrecken muss, bevor sie einen selber töten. Wenn das passiert, „np“, no problem, wie es im Chat heißt – ab ins Reinkarnationszentrum. Zwar hat man dann alle erworbenen Fähigkeiten auf einen Schlag verloren, aber man kann sich praktischerweise neu erfinden, mit stählernem Körper und verführerischen Eigenschaften. Die Onlinesuche erweist sich als schwierig. Denn „Merchant of Menace“, wie Jeffrey im Spiel heißt, ist für den als harmlose Spielfigur getarnten Vater auch hier nicht zu sprechen. Meistens hat er keine Zeit, weil er andere Neulinge gegen echtes Geld in der Kunst von „Life of Lore“ unterweist. Oder aber er weilt in einem virtuellen Club, den Jim erst betreten darf, wenn er Level vier erreicht hat. Auf Level

zwei immerhin springt ihm Jeffrey freundschaftlich zur Seite, als er gerade einmal wieder von besonders aggressiven Mitspielern angegriffen wird. Sein Erstgeborener – welch ein Held! Da schlägt das Vaterherz höher. Die Idee, den Generationenkonflikt virtuell durchzuspielen, birgt für die Beziehung zwischen Vater und Sohn Chancen wie Risiken. Vor allem aber eröffnen sich ungeahnte erzählerische Möglichkeiten, denn die Fallhöhe bei solchen Spielen ist gewaltig. McCarten erzählt eingängig, witzig und klug, in blitzenden Dialogen und rascher Spielgeschwindigkeit. Trübsinniger Alltag und brodelnde Spielwelt wechseln einander in immer kürzeren Abständen ab. Man wird selbst kurzzeitig süchtig nach der Fortsetzung der Abenteuer in „Life of Lore“. Wie langweilig ist dagegen Jims Büroleben, seine Gespräche mit dem zunehmend um ihn besorgten Chef. Mit dieser zwiespältigen Lust hat uns McCarten genau da, wo er uns vermutlich haben will: in den Fängen einer spannenden Geschichte, bei der man sich gar nicht mehr fragt, ob sie einen möglicherweise manipuliert. Man bekommt ein vages Gespür für die treibende Kraft, die Spielsüchtige vom realen Leben abzuziehen droht. „Ganz normale Helden“ ist also auch ein skurriler Trockenkurs für Onlinespiele, die McCarten hier wie in einem Spiegel haarklein analysiert. Als Alternative zum Leben, das macht er mehr als deutlich, eignet sich die Parallelwelt allerdings nicht. Die Freude beim Lesen dieses Romans verdankt sich dem ungelenken Verhalten seiner ganz normalen Helden. McCarten führt sie zwar gnadenlos vor, verweigert sich aber jedem Zynismus. Seine Prosa stellt Fragen und schafft schutzbedürftige Figuren, um die man sich kümmern will. „Ganz normale Helden“ ist Satire und Tragödie – als Zwitterwesen bitter komisch, erschreckend traurig und voller Empathie. ANJA HIR SCH

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Ich kopiere, also bin ich! Urheberrecht: Was ist schützenswerter, Original oder Kopie? Zwei neue Bücher zu einer aktuellen Debatte E ssa y : in g rid B rodni g

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tellen wir uns eine Welt ohne Urheberrecht vor. Da kann man ein Lied komponieren, einen Film drehen, einen Roman schreiben – doch das Werk gehört einem nicht. Es gehört der Allgemeinheit. Bei dieser Idee gerät wohl nicht nur die Buchbranche ins Schwitzen. Doch sie wird durchaus nicht mehr selten vertreten. Etwa von Joost Smiers und Marieke van Schijndel. Der Politikwissenschaftler und die Museumschefin aus Utrecht haben vor drei Jahren die Streitschrift „Adieu auteursrecht“ verfasst, die der Alexander Verlag nun ins Deutsche übersetzte. „No Copyright. Vom Machtkampf der Kulturkonzerne um das Urheberrecht“, wie der Titel der deutschen Ausgabe lautet, ist eines der radikalsten Bücher in der aktuellen Urheberrechtsdebatte, die seit Jahren ein Streitthema in den Feuilletons und im Netz darstellt. Verlage, Plattenfirmen und Kreative fürchten um ihre Existenzgrundlage, denn sie verlieren mehr und mehr die Kontrolle, wer ihre Werke zu welchem Preis konsumiert. Sie müssen mitanschauen, wie diese im Internet upgeloadet, downgeloadet und ohne zu zahlen konsumiert werden. Ihre Gegner hingegen sprechen von einem Urheberrechtsmonopol, das seine Marktmacht ausnützt, um wenigen Filmstudios oder Stars fette Umsätze zu bescheren; einem Monopol, das im Copy-PasteZeitalter nicht wahrhaben will, dass sich der Konsument ein Produkt einfach aneignen kann, wenn ihm der Preis nicht passt.

Sind Konsumenten passiv? Welten liegen zwischen diesen beiden Ansichten, nur eines ist ihnen gemein: Sie klagen über den Status quo. Smiers und Schijn­del bieten einen einfachen Ausweg an: Das Urheberrecht gehört abgeschafft! So weit geht nicht einmal die Piratenpartei: Die will das Copyright lediglich reformieren. Smiers und Schijndel sehen das Urheberrecht nicht nur als veraltet an, sondern lehnen das Konzept von geistigem Eigentum insgesamt ab, da es stets nur den

Joost Smiers, Marieke van Schijndel: No Copyright: Vom Machtkampf der Kulturkonzerne um das Urheberrecht. Eine Streitschrift. Alexander, 167 S., € 10,30

Monopolisten helfe – und weil es eine Privatisierung von kulturellen Gütern darstelle, die eher der Allgemeinheit als dem Einzelnen oder gar einem Konzern gehören sollen. Dazu muss man verstehen, dass Smiers und Schijndel die Vorstellung vom Künstler als originellem Geist ablehnen. Künstlerische Arbeit entwickle sich immer im Kontext bestimmter Traditionen. „Das allein schon macht den Anspruch auf ein absolutes Eigentumsrecht zu einer zweifelhaften Sache.“ Zweitens hätten die Urheber mit diesem „monopolistischen Eigentum“ die „völlige inhaltliche Kontrolle“ darüber, „wie ein Werk in der Gesellschaft funktioniert“. An dieser Kritik ist etwas dran. In den letzten Jahren gab es tatsächlich rechtliche Verschärfungen, technische Einschränkungen oder skurrile Rechtsurteile, die die Freiheit der Konsumenten schwächten. So schreiben Firmen wie Apple mittels Digital Rights Management ihren Kunden vor, wie und auf welchen Geräten sie bezahlte Musik oder Filme konsumieren dürfen. Auch wer aus Schnipseln seines Lieblingsfilms ein neues Youtube-Video bastelt, kann geklagt werden: Er eignet sich unerlaubt fremdes Eigentum an, auch wenn er keinen Cent daran verdient. Ist das gerecht? Nein, meinen die zwei Holländer: „Wir werden dazu verurteilt, passive Konsumenten zu sein.“

Ist der Markt gerecht? Aber muss man deswegen gleich das ganze Urheberrecht abschaffen? Es gibt sehr wohl Ideen, um dieses zu modernisieren und dem Bürger die nötigen Rechte zu gewähren. Die USA erlauben etwa den sogenannten „Fair Use“, also die nichtkommerzielle kreative Nutzung vieler Werke. Die Autoren erwähnen Fair Use zwar im Kapitel „Unbefriedigende Alternativen und Schlimmeres“, erklären aber mit keinem einzigen Satz, war­ um Fair Use keine Lösung sei. Ihr Ton ist bevormundend, ständig werfen sie Suggestivfragen auf und legen dem

Leser nahe, was dieser zu denken hat. Ehrlich sind sie dabei nicht. Zum Beispiel fällt kein einziges Mal das Wort „Enteignung“. Nichts anderes wäre die Abschaffung des Urheberrechts. Jedem Kreativen sollen seine Besitzrechte genommen werden – und die Marktwirtschaft für Gerechtigkeit sorgen: „Es gibt ein besseres Instrument, um sehr vielen Künstlern und ihren Werkmittlern zu einem angemessenen Einkommen zu verhelfen und zugleich sicherzustellen, dass unser an frei zugänglicher künstlerischer Kreativität und frei nutzbarem Wissen reiches Gemeinwesen nicht privatisiert wird. Dieses Instrument ist der Markt.“ Die Holländer nehmen damit eine schizophrene Haltung ein: Permanent schimpfen sie über Monopolisten und den Neoliberalismus, die Kreativbranche soll aber ausgerechnet vom Markt gerettet werden. Sie wollen ein strengeres Wettbewerbsrecht. „Der Markt wird dann so offen sein, dass mehr Künstler mit ihrem Publikum in Kontakt treten können, ohne dabei von den ,Großen‘ – die so groß nicht mehr sein werden – behindert zu werden.“ Wie aber das genau vonstattengehen soll, dafür bleiben ihre Argumente mehr als vage.

Alle Rechte vorbehalten Wenn endlich die Marktdominanz der großen Medienkonzerne zerschlagen sei, würden Autoren und Künstler auch besser verdienen, sind sie überzeugt, denn: In einem pluralistischen, von Wettbewerbshütern beschützten Markt würden die Konsumenten mit Freude Geld für geistiges Eigentum ausgeben – auch wenn sie nicht müssen. Das grenzt dann wohl schon eher an Wunschdenken; das derzeitige Konsumentenverhalten spricht jedenfalls krass dagegen. Wenn übrigens in ihrer schönen neuen Welt mit grundehrlichen neuen Menschen keine teuren Filmspektakel mehr produziert werden können, stört sie das gar nicht: Da rümpfen sie lieber die Nase und Fortsetzung nächste Seite

Die Nerds erobern die Welt – inklusive Zeitungsfeuilleton und Buchbranche Die Fälschung als Statement Medienwissen-

schaftler Martin Doll hat eine umfassende Recherche über das Täuschen vorgelegt. Von den „Hoaxes“ von Edgar Allan Poe bis hin zu den gefälschten Starinterviews von Tom Kummer beschäftigt er sich mit dem kritischen Potenzial der Fakes und schlüsselt auf, wann diesen besondere politische Sprengkraft zukommt.

Martin Doll: Fälschung und Fake. Zur diskurskritischen Dimension des Täuschens. Kadmos, 480 S., E 30,70

Moral im Netz „Informatiker und Wirt-

schaftsinformatiker haben die Welt erobert“, schreibt Oliver Bendel gleich zu Beginn und erläutert aus sehr persönlicher Sicht, wie Technik unser Leben durchdringt und ethische Fragen aufwirft. Fragen, die bisher nicht beantwortet werden. So fordert Bendel eine Informationsethik, die Pflichtfach bei den IT-Studien werden soll.

Oliver Bendel: Die Rache der Nerds. Ein Plädoyer für die Informations­ethik, UVK, 296 S., E 20,50

Siegeszug des Digitalen Ist das Netz gut oder

schlecht? Diese Frage scheint kaum beantwortbar. Wenn es zwei Autoren aber gelingen kann, einen Einblick in die komplexe Debatte und die vielen Irrtümer rund um den digitalen Wandel und seine Nebenwirkungen (Informationsflut, Beschleunigung, Urheberrechtsstreit) zu liefern, dann sind es Kathrin Passig und Sascha Lobo.

Kathrin Passig, Sascha Lobo: Internet – Segen oder Fluch. Buch inklusive E-Book. Rowohlt, 320 S., E 20,60

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SACHBUCH

Fortsetzung von Seite 33

meinen, womöglich wäre das eh kein Verlust. Und selbst? Wenn es um ihre eigenen Werke geht, wechseln die Kämpfer für freies Kopieren ja nicht ungern die Fronten, wie erst kürzlich im Fall der deutschen Piratin Julia Schramm, deren Buch „Klick mich. Bekenntnisse einer Internet-Exhibitionistin“ (beim Buchriesen Knaus erschienen, mit einem kolportierten Vorschuss von 100.000 Euro) von Freunden zum freien Download ins Netz gestellt wurde. Prompt ging ihr Verlag, dem sie die Nutzungsrechte übertragen hatte, dagegen vor. Smiers und Schijndel haben versucht, ihr Werk unter der „Creative Commons“-Lizenz zu veröffentlichen. Diese gestattet die nichtkommerzielle Weitergabe des Buchs. „Andere, die lieber das altmodische Urheberrecht auf unser Buch loslassen wollten, haben wir allerdings auch nicht dran gehindert.“ Der Alexander Verlag schien von den Argumenten seiner Autoren jedenfalls nicht restlos beeindruckt. Ganz vorne steht der Hinweis: „Alle Rechte vorbehalten.“

Was ist schützenswerter: Original oder Kopie? Künstler oder Konsument?

Copy and Paste Womöglich ist das Urheberrecht ein so unüberschaubares Schlachtfeld geworden, dass man sich lieber behutsam heranwagen sollte. Genau das hat Philipp Theisohn, Professor für Literatur- und Kulturwissenschaft an der ETH Zürich, getan, der sich eigentlich nur mit einem Nebenschauplatz der Debatte beschäftigt: dem Plagiat. Immer wieder fliegen Autoren, Wissenschaftler und oft auch Politiker mit Fälschungen auf. Steckt da mehr dahinter als die pure Tatsache, dass sich mit Strg+C und Strg+V sehr leicht am Computer kopieren lässt? Theisohn arbeitet sich an den letzten beiden großen Copy-and-Paste-Skandalen Deutschlands ab: der Aufregung um Helene Hegemann, jene 17-Jährige, die für ihren trashigen Debütroman „Axolotl Roadkill“ (2011) zuerst als Wunderkind hochgelobt wurde und dann als entlarvte Plagiatorin den Zorn des Feuilletons zu spüren bekam. Und an der Häme über den Fall von Karl-Theodor zu Guttenberg, dem ehema-

ligen deutschen Verteidigungsminister, dessen Dissertation sich als Flickwerk fremder Texte herausgestellt hat. Die sonst so hochgelobte Schwarmintelligenz erwies sich hier als Verfolger. Im Netz durchforsteten mehr als 1000 Menschen die Arbeit des Ministers. Sie fanden auf 94 % der Seiten Plagiatsstellen, insgesamt mehr als 10.000 plagiierte Zeilen. Im März 2011 musste Guttenberg zurücktreten, sein Doktortitel wurde aberkannt. Theisohn behagt dies gar nicht. Er fragt, woran man ein Plagiat erkennt: Geht es nur um die Prozentzahl, sprich darum, wie viele Teile einer Arbeit aus fremder Feder stammen? Um eine Rasterfahndung? „Der gesuchte Maßstab in der Frage des literarischen Eigentums ist kein mathematischer, sondern ein ethischer.“ Wenn Politikern wie Guttenberg das Plagiieren vorgeworfen wird, geht es nicht mehr um Inhalte, um den wissenschaftlichen Mehrwert einer Arbeit, es geht um Zahlen. Theisohn spricht von einer „Zerlegung“ der Texte und meint: „Die digitale Kontrolle macht das Denken zu einer prozentual quantifizierbaren Leistung und sie weist die Notwendigkeit dieser Quantifizierung des Denkens vorzugsweise an jenen Beispielen nach, in denen diese Leistung überhaupt nicht erbracht bzw. durch den Scan gleich null erwiesen wird.“

Eigene und fremde Gedanken

Philipp Theisohn: Literarisches Eigentum. Zur Ethik geistiger Arbeit im digitalen Zeitalter. Essay. Kröner, 137 S., € 12,90

Dabei besteht Wissenschaft, vor allem die Arbeit der Geisteswissenschaft, doch aus dem ständigen Wiederkäuen fremder Texte. Wichtig sei nicht nur, ob korrekt zitiert wurde, sondern ob daraus ein eigener Gedanke entspringe. Theisohn ärgert die Plagiatsdebatte, weil sie wissenschaftliche Arbeit darauf reduziert, ob sie korrekte Quellenangaben enthält. Nach dieser Logik kann jemand eine belanglose und inhaltsleere Dissertation verfassen, die trotzdem eine valide wissenschaftliche Arbeit darstellt – seiner Ansicht nach das wahre Dilemma der Copy-Paste-Kultur: Information wird nur noch verdoppelt, aber nichts Neues generiert. Das Schlimmste daran: Dieses sinnlose Herumkopieren ist nur das Symptom eines phlegmatischen Forschungsbetriebs, in dem

die „Papers“ oft nur noch produziert werden, damit sie in irgendeine Forschungsstatistik wandern. In der Flut dieser nutzlosen Texte rechnet kaum ein Dissertant oder Forscher damit, dass seine Arbeit genau gelesen wird. „Wissenschaft als Camouflage“ nennt Theisohn diese Texte, „an deren substanziellen Eigenwert bereits ihre Verfasser kaum mehr geglaubt haben dürften“. Es ist beeindruckend, wie tiefgründig und weitreichend Theisohns Analyse ist. Sein Buch ist mehr als nur ein Essay über das Plagiat, anhand der Plagiatsfälle erklärt er zentrale Probleme der Verlagsbranche, der Wissenschaft und der Politik – kurzerhand unserer Informationsgesellschaft. Mit diesem sezierenden Blick vermag es Theisohn, auf gut 120 Seiten einen wahrhaft originellen Beitrag zur Urheberrechtsdebatte zu verfassen. Dagegen wirken Joost Smiers und Marieke van Schijndel oberflächlich, ja mitunter sogar dilettantisch.

Wir müssen um Texte kämpfen Smiers und Schijndel kämpfen darum, dass die Konsumenten mehr Rechte zum Kopieren bekommen sollen. Die Kopie wird aufgewertet, das Original herabgestuft und freigegeben. Die beiden sprechen stets vom kreativen Geist der Kopierer und stellen gleichzeitig die kreative Eigenleistung jener Künstler infrage, die das Original ursprünglich erschafften. Mit Theisohns Thesen ist das freilich nicht vereinbar. Er warnt vielmehr davor, dass wir bei all dem Copy and Paste vergessen, überhaupt noch eigene Inhalte zu generieren. Deswegen plädiert Theisohn für „Nischen der Entschleunigung“. Entscheidend solle nicht sein, möglichst schnell und einfach auf fremde Texte zugreifen zu können. Die Öffnung aller Archive und Verbreitung aller Texte führe noch nicht zur Erleuchtung, auch wenn dies von technophilen Enthusiasten oft so dargestellt würde. Das große Missverständnis sei, „dass wir, um Literatur zu verstehen, nicht auf den unmittelbaren Zugriff hoffen dürfen; dass wir fremde Texte nicht umstandslos ,verwerten‘ können, sondern um sie kämpfen, sie überwältigen müssen“. Denn Kopieren an sich ist noch keine Leistung. F

Streit ums Urheberrecht: Welche Alternativen gibt es zum Status quo? Creative Commons

Damit kann man dem klassischen Urheberrecht ausweichen: Die Creative Commons sind Lizenzverträge, bei denen der Urheber festlegen kann, zu welchen Konditionen sein Werk kopiert werden darf. Blogger oder Buchautoren können präzisieren, ob ihre Texte nur für nichtkommerzielle Zwecke kopiert werden dürfen, ob dabei ihr Name angeführt werden muss und ob das Werk von Dritten adaptiert werden darf. Blogger und Programmierer verwenden oft Creative Commons (zu Deutsch: kreatives Allgemeingut), etwa um gemeinsam Software zu entwickeln und zu verbessern. Es gibt aber längst auch Bücher, die mit CC-Lizenz verlegt wurden.

Fair Use Manchmal

ist es in Ordnung, die geistigen Werke einer anderen Person ohne ausdrückliche Genehmigung zu verwenden. Zum Beispiel wenn dies nicht mit böser Absicht passiert, wenn man sich dabei nicht bereichert und dem anderen auch kein Schaden entsteht. In den USA ist dieser „Fair Use“, die faire Verwendung urheberrechtlich geschützten Materials, gestattet, dies ist im Copyright Act festgeschrieben. Schon länger gibt es die Forderung, auch im europäischen Recht Fair Use zu verankern. Damit würden Privatpersonen besser geschützt, wenn diese ohne böse Absicht und ohne wirklich Schaden anzurichten fremdes Material kopieren.

Piraten Oft heißt

es, dass die Piraten das Urheberrecht abschaffen wollen. Stimmt nicht. Die deutsche wie die österreichische Piratenpartei plädieren für eine Modernisierung des bestehenden Rechts, fordern etwa die Legalisierung der Privatkopie (auch wenn diese „Privatkopie“ eigentlich eine Raubkopie ist). Oft wirken die Positionen der Piraten als „Work in Progress“ und ihre Aussagen widersprüchlich. Neulich erntete die deutsche Piratin Julia Schramm Häme. Sie hatte das Buch „Klick mich“ beim Knaus Verlag veröffentlicht, als eine illegale Gratiskopie online erschien, ließ der Verlag diese sperren. Schramm, deren Buch Verrisse erntete, wurde prompt zum Gespött der Medien.

Flatrate Einer der radikalsten Vorschläge ist die „Kultur-Flatrate“: Diese wäre eine Pauschalabgabe für jeden Internetuser. Jeder müsste zum Beispiel fünf Euro monatlich zahlen, dafür würde das Downloaden legal. Das gesammelte Geld soll dann an Künstler aufgeteilt werden. Skeptiker hinterfragen, warum jeder Internetbenutzer eine Pauschale zahlen soll, auch wenn er nichts runterlädt, und ob die eingesammelten Beträge fair verteilt werden. Schon lange gibt es in Österreich übrigens die „Leerkassettenvergütung“. Beim Kauf eines leeren Tonträgers geht ein Teil des Gelds an die Musikindustrie. Die Regierung plant eine ähnliche Abgabe beim Kauf von Festplatten. IB

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Seid nett zueinander! Aber ist das auch genug? Soziologie: Richard Sennett wirbt wieder einmal für mehr zwischenmenschliche Kooperation. Und bleibt am Ende etwas vage acebookfreunde, Onlinekontakte, verF netzte Menschen, sind wir uns nicht näher als je zuvor? Im Gegenteil, wenn man

Richard Sennett glaubt. In seinem neuesten Werk „Zusammenarbeit“ untersucht der amerikanische Soziologe, wie wir mit Menschen interagieren, die sich von uns unterscheiden. Die Bandbreite reicht vom Altruismus bis zum The-Winner-takes-it-all, „von der Arbeitsameise bis zum Wolf, von Jeanne d’Arc bis zum Völkermord“. Es ist das zweite Buch in Sennetts geplanter „Homo Faber“-Trilogie nach „Handwerk“ (2008), mit dem es sich auch thematisch überschneidet. Sennett greift weit aus, überspringt Jahrhunderte, wechselt zwischen Jugenderinnerungen, Studien und Analysen. Dank der souveränen Klarheit und Eleganz, mit der er erzählt, folgt man ihm auch gerne auf diesen Sprüngen. Wie sieht ideale Zusammenarbeit aus? Zum Beispiel wie auf einem Foto aus dem 19. Jahrhundert: Handwerker, die eine Treppe restaurieren, jeder ruhig in seiner speziellen Tätigkeit versunken, alle aufeinander abgestimmt. Die heutige Arbeitswelt: dank Ich-AG, Egoismus und dem Zwang zur Flexibilität das düstere Gegenbild. Sennett, der unmittelbar nach dem Crash 2008 arbeitslos gewordene Wall-StreetBanker interviewt hatte, zieht traurige Bilanz: Durch permanente Überlastung hatten die Manager weder Zeit noch Lust, miteinander zu reden, wechselten im Halbjahrestakt den Job und wussten nicht, was ihre

Mitarbeiter taten. Die Loyalität zur Firma erodierte, und nach dem Crash fühlte sich keine der Führungskräfte verantwortlich.

den internationalen Diplomatie. „Man kann sich kaum einen Wert vorstellen, der Martin Luther fremder gewesen wäre“, urteilt Sennett mit Verweis auf den Protestantismus als Geburt des Arbeitens am eigenen Ich als Bedingung für jenseitige Erlösung.

Um den Respekt ihrer Untergebenen hat-

ten sie sich nie bemüht und bekamen ihn auch nicht. Denn: „Autorität ist nicht gleich Macht. Autorität ist Macht, die als legitim anerkannt wird.“ Autorität und Kollegialität bewähren sich in Krisensituationen, wenn ungenutzte Fähigkeiten zum Wohle des Ganzen zum Tragen kommen. Auf der Suche nach positiven Beispielen greift er einige seiner Lieblingsthemen wieder auf: Max Webers Abhandlungen zur protestantischen Arbeitsethik, die eigene Jugend in einem Slum in Chicago oder die Werkstatt als Gegenmodell zur Fabrik. Ähnlich wie die Zünfte des Mittelalters entwickelte der englische Reformer Robert Owen im 19. Jahrhundert ein Werkstattprinzip, das auf Handwerk, Loyalität, Eigenverantwortung und vernetzte Produktion setzte. Der Dreh- und Angelpunkt auf dem Weg zur gegenseitigen Wertschätzung ist für Sennett der Gegensatz zwischen dialogischem und dialektischem Handeln: hier der ergebnisoffene, neugierige Austausch, dort das belehrende Dröhnen. Paradebeispiel für den Dialog: die im 16. Jahrhundert formulierte „Sprezzatura“, eine aus Humor und Selbstdistanz geprägte Leichtigkeit, Nährboden für die komplexe Kunst der sich zu dieser Zeit entwickeln-

Dieses virtuose Springen zwischen Zeiten und

Richard Sennett: Zusammenarbeit. Was unsere Gesellschaft zusammenhält. Hanser Berlin, 432 S., € 25,60

Disziplinen ist durchwegs vergnüglich, versickert jedoch aufgrund des allumfassenden Themas oft in Sackgassen. Aber Sennett, der alte Fuchs, ist laut Eigendefinition auf der Metaebene unterwegs und legt das Buch selbst als Beispiel für dialogische Kommunikation an. So weit, so charmant. Allerdings ist ein Buch nun mal kein Gespräch, und auch der dialogisch höfliche Leser erhält auf die Frage, worauf Sennett bei seinen Sprüngen und Schleifen hinauswill, nicht immer eine Antwort. Ist man beim Epilog angekommen, bekommt man als Fazit, dass man sich trotz mangelhaften wechselseitigen Verständnisses auf andere Menschen einlassen sollte. „Wir möchten gemeinsam etwas zustande bringen.“ Okay! Seid nett zueinander! Und sonst? Von einem analytischen Geist wie Sennett sollte man kein Do-it-together-Handbuch mit konkreten Anweisungen erwarten. Man erhält von ihm ein Sammelsurium von Anregungen, das sich kreuz und quer lesen lässt, ein Kompendium an Fragen, die es zu beantworten gilt. Maik Novotn y

Die Liebe, die Freiheit und der Widerstand Zusammenleben: Kann Polyamorie, die Liebe zu vielen, eine Alternative zur freien und romantischen Liebe sein? olyamorie ist die „Liebe zu vielen“. Der P Begriff wird in Abgrenzung sowohl zur „freien Liebe“ mit promiskuitivem Schwer-

punkt als auch zur „romantischen Liebe“ mit Exklusivitätsanspruch verwendet und bezeichnet das verantwortungsbewusste, „ethische“ Nebeneinander verschiedener, meist gleichwertiger Liebesbeziehungen. Was das konkret bedeuten soll, war seit Beginn der 1990er-Jahre Gegenstand so verschiedener Debatten wie Veröffentlichungen. In den USA wurde Polyamorie einerseits als feministische Strategie gegen das vordergründige – aber tatsächlich vor allem für Frauen verbindliche – Monogamiegebot in Stellung gebracht. Gleichzeitig existierte von Beginn an eine star-

ke esoterische Strömung der „spirituellen“ Polyamorie. Im deutschsprachigen Raum wird sie zunächst vor allem als Bezeichnung für ein „widerständiges“, antinormatives Beziehungs- und Sexualleben verwendet, wurde sie etwa ab Mitte der 2000er-Jahre dann

sowohl in den Feuilletons großer Zeitungen als auch in Gestalt verschiedener praktischer Ratgeber einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Im Stuttgarter Schmetterling Verlag, der schon 2010 in seiner Reihe theorie.org einen Band zum Thema veröffentlicht hat, ist nun das Buch „Die andere Beziehung. Polyamorie und Philosophische Praxis“ von Imre Hofmann und Dominique Zimmermann erschienen. Eine „universelle Beziehungsethik“ möchten die Philosophen vorstellen, ein „intellektuelles Instrumentarium“, das „in kniffligen Entscheidungssituationen als Orientierungshilfe“ dient. Hofmann und Zimmermann weisen zwar etwa darauf hin, dass die „romantische Liebe“ mit ihrem Exklusivitätsanspruch erst in der Neuzeit erfunden worden sei, und berufen sich mit Michel Foucault und der Queer Theory auf die punktuelle Veränderbarkeit der gesellschaftlichen Realität. Als Argument für die „andere Beziehung“ gilt aber dann recht schlicht, dass sie

zeitgemäß sei: Der individualisierte Mensch sei mit dem romantischen Exklusivitätsanspruch überfordert, und außerdem werde dieser einer pluralistischen Gesellschaft nicht mehr gerecht. Adaption statt Subversion: Dazu passen auch die auffällig häufigen positiven Bezüge auf Familie und Familienleben. Das „Instrumentarium“ reiht sich vollends in

Imre Hofmann, Dominique Zimmermann: Die andere Beziehung. Polyamorie und philosophische Praxis. Schmetterling, 156 S., € 13,20

die Ratgeberliteratur ein: Ehrlich und rücksichtsvoll sollen die Menschen miteinander sein und offen und ausführlich kommunizieren. Dass am Ende keine reaktionären Malheurs passieren, wird vertraglich verhindert: So sollen „gewisse mit tradierten Geschlechterrollen einhergehende Beziehungskonstellationen von vornherein unmöglich“ werden, wenn die übereinkünftige Beziehungsethik „Respekt vor dem anderen“ einfordere. Polyamorie 2012, könnte man schließen: Das Leben wird immer einfacher. Schön wär’s. N i k o laus S t en i t zer

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sachbuch

Für eine Schule der Unterscheidungskraft Philosophie: Konrad Paul Liessmanns Essaysammlung „Lob der Grenze“ erklärt den Zusammenhang zwischen Krise und Kritik

barsten Kapitel der neueren Geschichte war. Die Menschen, die im Jahre 2008 den Zusammenbruch traditionsreicher Banken und Automobilhersteller erlebten, wissen immer noch nicht, welche Seite im Buch der Geschichte damit aufgeschlagen wurde.“ Erst im Rückblick werden wir Klarheit haben, ob hier eine Krise vorlag und welche, meint Konrad Paul Liessmann, der derzeit produktivste und vielseitigste unter Österreichs Philosophen. „Wann ist eine Krise eine Krise?“ Das sei keine müßige Frage und hänge in hohem Maße von Spekulation ab. Denn die Krise, meint Liessmann, biete jedem eine Chance – nämlich, die Ursache dort zu orten, wo es ihm beliebe.

Krise und Kritik Das Wort Krise kommt aus dem Griechischen und bedeutet trennen oder unterscheiden, die dazugehörige Technik ist die Kritik, die Kunst der Beurteilung, die auf der Fähigkeit beruht, zu unterscheiden und Unterschiede zu erkennen. „Kritik und Krise stammen aus derselben sprachlichen Wurzel, und sie markieren Grenzen.“ In einer Zeit, in der es als hehrste Aufgabe gilt, Grenzen einzureißen, und Grenzen geradezu als „unfein“ gelten, legt Liessman mit „Lob der Grenze“ eine Korrektur zur herrschenden Lust an der Gleichmacherei vor, die es sich mit dem Ignorieren von Unterschieden oft nur allzu leicht macht. Liessmann erinnert daran, dass Kapitalismus notwendigerweise mit Krisen verbunden ist und ständiges Wachstum keineswegs eine Selbstverständlichzeit bzw. Normalität dieser Wirtschafts- und Gesellschaftsform darstellt. Und daran, dass wir den Staat als Regulativ – das dann rettet, was noch zu retten ist – nicht nur in Zeiten der Krise brauchen, sondern auch und besonders, wenn die Krise vorbei ist. Damit plädiert er nicht nur für eine Renaissance der politischen Unterscheidungsund Entscheidungskraft, sondern auch des Politischen an sich.

Zum Politischen gehört für ihn auch die gerne geschmähte Bürokratie. „Angesichts dessen“, bemerkt Liessmann mit einem Augenzwinkern, „was in letzter Zeit an Spitzenmanagern, Lobbyisten und Beratern zu sehen war, gewinnt das Bild des unbestechlichen Beamten doch wieder an Charme.“

Anfänge und Grenzen Der Zeitgeist, kritisiert Liessmann, scheut sich prinzipiell davor, Unterscheidungen zu treffen, denn unterscheiden bedeutet ausschließen, diskriminieren (lat. discriminare heißt übersetzt ebenfalls unterscheiden!). Wenn er sich darauf konzentriert, Grenzen zu überschreiten und damit zum Verschwinden zu bringen, täuscht er sich ebenso über ihre Funktionen wie über die Bedeutung, die Grenzen für die Analyse und Bewältigung von Krisen einnehmen können. Deswegen, meint Liessmann, lohne es sich, „einmal darüber nachzudenken, wie alles begann, wann und wo und warum erste Grenzen gezogen werden müssen, wann und unter welchen Bedingungen Grenzen aufgehoben oder überschritten werden können, wer durch Grenzen ausgeschlossen, aber unter Umständen auch geschützt werden kann“. Liessmann beginnt seine Analyse, wie sollte es bei diesen Vorgaben auch anders sein, bei Adam und Eva, bei der Genesis, der Erschaffung der Welt, denn mit Himmel und Erde erschuf Gott auch die Grenzen. In einem brillanten philosophischen Schnellkurs stellt er die Theorie der Zeit des Augustinus und das Konzept der Natalität von Hannah Arendt vor, das die Bedeutung von Anfang und Initiative, Freiheit und Verantwortung betont, sowie Hegels Dialektik des Sein und Nichts und ortet die Grenze als originäre Domäne der Kunst. „Grenzen schließen ein, und Grenzen schließen aus. Aber erst die Grenzen lassen etwas in seinem So-Sein gewähren. Der Bilderrahmen symbolisiert diese Dialektik.“

„Ein Stuhl wird nicht diskriminiert, wenn man feststellt, dass er kein Tisch ist. Eine Grenze kategorial zu ziehen, bedeutet noch nicht, zu werten“ (Konrad Paul Liessmann)

Konrad Paul Liessmann: Lob der Grenze. Kritik Wertung und Welt der politischen „Ein Stuhl wird nicht diskriminiert, wenn Unterscheidungsman feststellt, dass er kein Tisch ist. Eine kraft. Zsolnay, Grenze kategorial zu ziehen, bedeutet noch 207 S., € 19,50

nicht, zu werten.“ Aber die Grenzen des eigenen Denkens, der eigenen Sprache, betont Liessmann mit Ludwig Wittgenstein als Zeugen, bedeuten „die Grenzen meiner Welt“. Es gibt also auch eine Grenze des Denkens selbst, der Wittgenstein seinen „Tractatus logico-philosophicus“ von 1921 gewidmet hat mit dem berühmten Satz: „Was sich überhaupt sagen lässt, lässt sich klar sagen; und wovon man nicht reden kann, darüber muss man schweigen.“ Liessmann hat sich auch diese Maxime zu Herzen genommen – zum Nutzen für die Leser. Die Themen der 13 Aufsätze reichen – nach den allgemeineren, philosophischen Einführungskapiteln – vom Wert des Menschen und seiner Verbesserung durch Selbstdisziplinierung und Genetik über das Aufweichen des Zusammenhangs von Staat und Macht und Europa bis zu Risiko, Nachhaltigkeit, Urbanität, Lärm, Arbeit und Freizeit, Jugend und Alter, Leben und Tod.

Staat, Politik und Schule Nicht alle haben naturgemäß die gleiche Dichte, manchen merkt man auch an, dass sie Auftragstexte darstellen, aber Liessmann beherrscht das Geschäft der Kritik als Schule der Unterscheidungskraft in so hohem Maße, dass man sie alle mit Gewinn liest. Unter ihnen sei „Der Staat. An der Grenze zwischen Macht und Ohnmacht“ hervorgehoben, der eine Einführung in Thomas Hobbes’ Staatstheorie liefert und die Notwendigkeit des Staates und seine gleichzeitige Unvereinbarkeit mit der Freiheit zum Thema hat – die Dialektik zwischen „freien“ Märkten und funktionierendem Staatswesen. Oder „Freiwillige vor“, wo Liessmann die Erwerbsarbeit als das zentrale Paradigma unserer Zeit analysiert. Die ersten 40 Seiten allerdings verdienten es, zur Schulung der Unterscheidungsfähigkeit an Politik, Medien und Schulen verteilt zu werden. Denn diese Form der „Diskriminierung“ wird im Moment allerorten zu wenig geübt und vor allem ausgeübt.

K ir stin Br eitenfellner

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

ie Menschen, die den Schwarzen FreiD tag des Jahres 1929 erlebten, wussten nicht, dass dies der Beginn eines der furcht-

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Von der Zypresse zur Trauerweide Kulturgeschichte: Reiner Sörries erklärt die Trauer, ihre Riten und deren Verlust als Kulturphänomen

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ass Trauer nicht nur schmerzvoll ist, sondern auch notwendig, um die Trauernden ins Leben zurück­ führen, zeigt die Kulturgeschichte der Trau­ er „Herzliches Beileid“ von Reiner Sörries, der 2009 mit „Ruhe sanft“ bereits eine Kul­ turgeschichte des Friedhofs vorlegte. Die Art und Weise, in der Menschen trauern, war in der Geschichte einem steti­ gen Wandel unterworfen. Heute etwa sind sichtbare Zeichen der Trauer, wie etwa Trauerkleidung, nahezu aus der Öffentlich­ keit verschwunden. Der Professor für Christliche Archäolo­ gie und Kunstgeschichte an der Uni Erlan­ gen und Direktor des Museums für Sepul­ kralkultur in Kassel Reiner Sörries widmet sich diesen äußeren Zeichen und stellt fest, dass die Individualisierung des Menschen auch eine Individualisierung der Trauer mit sich brachte. „Zu keiner Zeit scheint Trauer so schwie­ rig gewesen zu sein wie in unseren Tagen“, vermutet Sörries zu Beginn des Buches und

„Trauern ist keine menschliche Konstante, sondern ein kulturell erlernter Prozess“

meint damit unter anderem die Flut von Trauerratgebern, die richtiges Trauern er­ klären, medial gesteuertes Massentrauern – über die Opfer des Amoklaufs an einer Schule in der deutschen Kleinstadt Win­ nenden von 2009 bis zum Tod des belieb­ ten Eisbären Knut aus dem Berliner Zoo 2011 –, die Vermarktung durch Reisever­ anstalter, die eigene Reisen für Trauernde anbieten, oder auch die virtuellen Friedhö­ fe im Internet. Dem Kulturpessimismus zeigt Sörries dennoch die kalte Schulter, denn er hält

fest, dass der Mensch das Trauern keines­ wegs verlernt hat; in einer immer komple­ xer werdenden Welt hat eben auch die Trau­ er an Komplexität gewonnen. Obwohl gerade die Geschichte der Trau­ er anhand von Bestattungsriten bis zu den Anfängen des modernen Menschen nach­ vollziehbar ist, vertritt der Autor die These, dass die Trauer „keine menschliche Kons­ tante, sondern ein kulturell erlernter Pro­ zess ist, der nicht zuletzt von den gesell­ schaftlichen und technischen Rahmenbe­ dingungen gesteuert wird“.

tor gibt diesen jedoch dankenswerterweise viel Raum in seinem Buch. Er beschreibt die sozialen Trauerrituale – wie das Läu­ ten der Sterbeglocke oder die Leichenzüge – und die Trauerzeiten, die zeitlich befristet waren, weil sich „streng strukturierte Ge­ sellschaften (…) individuelle Trauerverläu­ fe nicht leisten“ konnten.

„Der Mensch hat das Trauern nicht verlernt, sondern die Trauer hat an Komplexität gewonnen“

Zwar ließe die Tatsache, dass auch Tiere trau­

ern, eine genetische Ursache vermuten, aber ein ritualisiertes Trauerverhalten besitze nur der Mensch. Außerdem sei „allein die Mög­ lichkeit, um einen Toten nicht zu trauern, ein Beleg für die These vom erlernten Wis­ sen“. Reiner Sörries betrachtet die Trauer daher als Kulturphänomen. Eine entschei­ dende Wendung erfuhr die Geschichte der Trauer im 16. Jahrhundert, als die bisher der sozialen Spitze vorbehaltenen Trauerriten auch vom niedrigen Adel und in der Folge vom Bürgertum übernommen wurden. Im 19. Jahrhundert beginnt das Bestat­ tungswesen zu blühen, und die Bestatter bieten Beerdigungen an, die dem jeweili­ gen sozialen Stand und Vermögen ange­ passt sind. Auch die Emotionalisierung der Trauer, die heute voll entfaltet ist, setzt zu dieser Zeit ein, als „die Liebe zur Basis von Ehe und Familie wurde“. „Erst der Verlust religiöser Überzeugung setzte an die Stelle spirituellen Gedenkens den materiellen Trauerort des Grabes“, hält der Autor fest. Nach Schaffung dieses Or­ tes begann man damit, die Härte des Todes zu verdecken und ihn von seiner gefühlvol­ len Seite zu präsentieren. „Accessoires der Trauer“ entstanden. Als Beispiel dient die Friedhofsbepflanzung: Die düstere Zypres­ se musste nach und nach der romantischen Trauerweide weichen. Die Trauerrituale selbst wurden forma­ lisiert und verloren an Bedeutung. Der Au­

Reiner Sörries: Herzliches Beileid. Eine Kulturgeschichte der Trauer. Primus, 240 S., € 25,60

Aber auch kurios Anmutendes, wie die „ma­ gischen Rituale“, mit deren Hilfe man sich hauptsächlich vor Wiedergängern schützen wollte, wird hier ausführlich betrachtet. Bis heute tragen die Sargträger den Toten mit den Füßen voran aus seinem Sterbezim­ mer, was ursprünglich den Zweck hatte, dem Verstorbenen den Blick auf das Zu­ rückgelassene zu ersparen. Es ist ein engagiertes Buch des 1952 ge­ borenen Autors, das mit zahlreichen Abbil­ dungen auf die Entwicklungen und zahl­ reichen Aspekte seines Gegenstandes ein­ geht. Doch auch wenn sich Reiner Sörries am Ende seiner Abhandlung dagegen wehrt, nostalgisch auf die Geschichte der Trauer zu blicken, vermag er nicht über seine ver­ klärte Sicht hinwegzutäuschen. So stellt er etwa fest, dass „einzelne Ri­ tuale zwar noch ausgeübt werden, aber nicht mehr das Geländer bieten, um den Trauern­ den sicher durch die Phase des Abschieds zu geleiten“. Genau dieser Umstand macht aber den Charme dieser Kulturgeschichte aus und bietet Gelegenheit, mit dem Au­ tor gemeinsam nachzuvollziehen, wie der Mensch sich zugunsten der Individualität aus alten Verbindlichkeiten gelöst hat. Julia Zar bach

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Entspannt und amüsant zum Sinn des Lebens

Wie der Mensch die Welt sieht und darstellt

Philosophie: Sarah Blakewell legt die Biografie eines nach wie vor modernen Denkers vor: Michel de Montaigne (1533–1592)

Kunst: Ein Gesprächsbuch über David Hockney beweist, dass auch Büchermachen eine Frage der Haltung ist

it Montaigne würde man gerne M mal einen trinken gehen. Man würde sich über den Tod und die an-

rkundigt man sich bei Malern über David Hockney, hört man E als Erstes solch bewundernde Wor-

tiken Philosophen unterhalten, über Nierensteine und seine Katze, die ihn manchmal mehr zu interessieren scheint als die blutigen Religionskriege seiner Zeit. Seine Zeit, das ist das 16. Jahrhundert. Während sich in Frankreich Katholiken und Protestanten erbitterte Kämpfe liefern, sitzen wir gemütlich in Montaignes Studierstube auf seinem Weingut nahe Bordeaux. Montaigne lässt sich von den politischen und religiösen Unruhen kaum beirren. Für ihn gibt es Bedeutsameres, allem voran das eigene Ich, in dem er die wichtigen Antworten des Lebens zu finden überzeugt ist. Die britische Schriftstellerin Sarah Bake-

well legt uns mit der Biografie „Wie soll ich leben? oder Das Leben Montaignes in einer Frage und zwanzig Antworten“ einen Philosophen ans Herz, der sich nicht davor scheute, andere an seinen intimsten Gedankengängen teilhaben zu lassen. Von welchem anderen Philosophen können wir sagen, wie gut er bestückt war? Wer sonst äußerte unverblümt Bedauern darüber, dass manche Frauen sich nur „mit einer Gesäßbacke“ hingeben? Doch es ist freilich nicht nur die indiskrete Art, über Sex zu schreiben (im Dienste des geistigen Fortschritts natürlich), mit der Montaigne unterhält. Seine kindliche Neugier, seine Versuche, ganz im Jetzt zu leben, seine Akzeptanz der eigenen Unvollkommenheit und die Tatsache, dass er nichts übermäßig ernst nahm, am wenigsten sich selbst – all das macht ihn, folgen wir Bakewell, greifbarer, „heutiger“ als manch anderen (zugegeben: größeren) Denker der Geschichte. Immer wieder stellt die Britin Verbindungen her, auch über größere geografische und zeitliche Distanz hinweg, ohne Montaigne dabei jedoch jemals aus seinem eigenen historischen Kontext zu lösen. Damit liefert Bakewell nicht nur ein ansprechendes Resümee von Montaignes Historie, sondern auch einen unangestrengten Streifzug durch das Frankreich von damals und die Geschichte der Philosophie. Die Vernarrtheit der Autorin in ihren

Forschungsgegenstand lässt sich kaum leugnen, dennoch versucht sie nicht, ihm ein übertriebenes Maß an Bedeutung zu attestieren. In lockerem, teils amüsiertem Ton legt sie Montaignes Stärken, aber auch seine Schwächen offen (über die er selbst nie schwieg): Bequemlichkeit, wenn ihn etwas nicht interessierte, Unzulänglichkeit in vielen praktischen Angelegenheiten, naiver Überschwang, Sprunghaftigkeit.

„Jede Generation fand bei ihm mehr oder weniger das, was sie erwartete, und oft auch das, was sie selbst hineinlegte“, schreibt Bakewell. Was glauben wir heute aus Montaigne herauslesen zu können, was als Antwort auf die Frage dienen kann, wie wir leben sollen? Vermutlich genau diese Entspanntheit, die er in seinen berühmten Essays an den Tag legt. Übrigens gilt Montaigne als Begründer dieser Textform, deren Name übersetzt – sehr bezeichnend – „Versuche“ bedeutet. Man könnte meinen, Bakewell gäbe uns im Namen Montaignes die Erlaubnis, in einer chaotischen Zeit voller Herausforderungen auch mal faul, emotional und ichbezogen sein zu dürfen, anstatt sich ständig den Kopf zerbrechen zu müssen über Dinge, die offenbar nicht beeinflussbar sind. Der Rückzug ins Private, die Betonung des Alltäglichen – es war eine Art frühes Biedermeier, das Montaigne einst zelebrierte und die Bakewell als Schlüssel zum modernen Glück auslegt. Was war nun Montaignes Leistung, könnte man fragen. Rechtfertigen reaktionäres Verhalten und Subjektivität sein Ansehen? Davon abgesehen, dass selbst Bakewell davon schreibt, Montaigne habe das Gedankengut von Seneca und Konsorten recycelt – er war dennoch der Erste, der auf diese legere, teils fast schon oberflächliche Weise der Frage nach dem Sinn des Lebens nachging. Der kritische Teil unserer Gesellschaft mag Pascal mehr Respekt zollen, der Bequemlichkeit und Sorglosigkeit als schädlich bezeichnete. Wie Hegel anzuzweifeln, dass Montaignes unorthodoxes geistiges Erbe überhaupt zur „eigentlichen Philosophie“ zu rechnen sei, erscheint aber dennoch allzu hart. Malbranche äußerte sich versöhnlicher: „Seine Ideen sind falsch, aber schön. Seine Ausdrücke gewagt und ungeordnet, aber angenehm.“ Und so lassen wir uns etwas widerstrebend von Montaignes Heiterkeit, seinem unkonventionellen Charme umgarnen. Und von Bakewell, die denselben Ton anschlägt. Was kann es schaden, sich hin und wieder über Sex und Katzen zu unterhalten? Eine willkommene Abwechslung zu der Ernsthaftigkeit, die uns das Leben sonst allzu oft abverlangt. S t epha n i e D o ms

Sarah Bakewell: Wie soll ich leben? oder Das Leben Montaignes in einer Frage und zwanzig Antworten. C.H. Beck, 416 S., € 25,70

te wie: Er sei eine eminente Begabung, ein herausragender Illustrator und habe als Ikone der Pop-Art die Freiheit, sich künstlerisch alles erlauben zu können. Freilich schwingt bei solchem Lob auch eine gewisse Skepsis mit. Hockneys Arbeiten, heißt es, seien bei Sammlern beliebter als bei Künstlerkollegen. Wer sich im nicht einfach zu durchschauenden Kunstbetrieb eine eigene Meinung über den mittlerweile 75-jährigen englischen Maler und Zeichner bilden möchte, dem sei wärmstens das soeben auf Deutsch erschienene Buch „A Bigger Message“ von Martin Gayford empfohlen. Der englische Kunsthistoriker hat David

Hockney seit 2006 immer wieder besucht und Gespräche aufgezeichnet, deren Inhalte er thematisch gruppiert und mit biografischen Einschüben ergänzt. So erfährt man, dass David Hockney kaum länger als fünf Minuten ein Pop-Art-Künstler war und die Freiheit, die er sich nimmt, wesentlich von einer immerwährenden Suche motiviert ist. Er experimentierte mit allen Techniken und Formaten, und seit er ein iPhone und ein iPad besitzt, malt und zeichnet er auch mithilfe dieser Medien so selbstverständlich und lustvoll wie in den 1980er-Jahren mit den damals neuen Kopier- und Faxgeräten. Doch David Hockney ist kein Technikfreak. Ihn spricht alles Visuelle an: „Die meisten Menschen glauben, dass die Welt aussieht wie das Foto von ihr. Ich habe immer unterstellt, dass das Foto fast Recht hat. Aber durch das kleine Bisschen, um das es fehlgeht, geht es eine Meile fehl. Das ist es, was ich zu ergründen suche.“ Hockney ist auf der Suche danach, wie die Welt wirklich aussieht. „Wenn einen diese Frage zutiefst fasziniert“, zitiert ihn Gayford, „muss man zwangsläufig an jedem denkbaren Verfahren interessiert sein, ein Bild herzustellen.“ Geboren am 9. Juli 1937 als viertes von fünf Kindern wuchs David Hockney in Bradford, Yorkshire, auf. Nachdem er ein Vierteljahrhundert seinen Wohnsitz in Los Angeles hatte, lebt er nun wieder in dieser Grafschaft im Nordosten Englands, allerdings im Küstenort Bridlington. In Bradford war er drei Jahre an der School of Art, ab 1959 für weitere drei Jahre am Royal College of Art in London, wo Francis Bacon, Richard Hamilton oder Peter Blake unterrichteten. Bereits als 24-jähriger Student erregte er in der Ausstellung „Young Contemporaries“ 1961 in den Londoner RBA Galleries Aufmerksamkeit,

einer Ausstellung, die von der Kunstgeschichte als Beginn der englischen Pop-Art bezeichnet wird. Hockney sei gesellig und einzelgängerisch zugleich, weiß Gayford, von Natur aus kommunikativ und ein charmanter Gesprächspartner, weshalb er schon in den 60er-Jahren weit über die Kunstszene hinaus berühmt war. Trotz aller Erfolge ließ Hockney seine zentrale Obsession, wie der Mensch die Welt sieht und wie er sie darstellt, nie los. Im Buch findet man dazu viele wunderbare Beispiele. Etwa wenn er erläutert, dass es ihm bei den berühmten Swimmingpool-Bildern um die Frage ging, wie man das durchsichtige Wasser malen könne, oder wenn er mit detektivischem Spürsinn die realistische Bildgestaltung des italienischen Frühbarockmalers Caravaggio analysiert. Schon im 16. Jahrhundert, also lange vor

der offiziellen Geburt der Fotografie 1839, haben Künstler Bilder mithilfe von Linsen, Spiegeln und Kameras gemalt. Hockney, der diese kühne These 2001 im Buch „Secret Knowledge“ veröffentlichte, weist solche Hilfsmittel anhand von „Merkwürdigkeiten“ wie der zu breiten Taille von Caravaggios Johannes dem Täufer nach, was aufgrund der Macht des Realismus gerne übersehen werde. „A Bigger Message“ überzeugt nicht allein durch seinen reichen Inhalt und die vielen farblich präzis wiedergegebenen Abbildungen, die einen ausgezeichneten Einblick in das vielschichtige Schaffen Hockneys vermitteln. Das Buch ist ebenso liebevoll gemacht. Diese doppelte Sorgfalt ist ein Markenzeichen des fünf Jahre jungen Verlags mit Sitz in Wien und Bern. Der in Basel aufgewachsene Schweizer Verleger Piet Meyer stammt aus einer kunstaffinen Familie, forschte lange als Ethnologe und war als Spezialist für afrikanische Stammeskunst Kurator in Zürich und Köln, ehe er als Quereinsteiger in die Buchbranche wechselte. Inzwischen sind bei ihm an die 20 Preziosen über Künstler wie Duchamp, Picasso, Klee, Bacon, Lucian Freud oder Louise Bourgeois erschienen, die alle einen persönlichen Bezug von Autor und Künstler dokumentieren. Wie gute Kunst ist auch das Büchermachen eine Frage der Haltung. A n d r é B eh r

Martin Gayford: A Bigger Message, Gespräche mit David Hockney. Piet Meyer, 248 S., € 29,20

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Nur der Verrückte hält sich für das, was er ist Philosophie: Der Philosoph Robert Pfaller bleibt auch in seinem neuen Buch seinen Gewährsmännern treu in wiederkehrendes Thema in den Büchern des Wiener Philosophen Robert E Pfaller ist die Frage nach dem richtigen Le-

ben. Auch in seinem neuen Buch „Zweite Welten“ spürt er die Fallen der emanzipierten Sitten in westlichen Gesellschaften auf, etwa die mit der sexuellen Befreiung einhergehende Tendenz, ein vielfältiges Liebesleben als schmutzig zu verteufeln und durch stabile – und somit auch öde – Partnerschaften zu ersetzen. In Pfallers Augen handelt es sich dabei um einen Beuteverzicht, dem er die lustvollen Theatralisierungen von Sex in der TVSerie „Sex and the City“ gegenüberstellt. Hier wird die Kunst des Vögelns noch gepflegt und von den Protagonistinnen beim Konditoreibesuch ausführlich erörtert. Der öffentliche Raum lebt, aber nur im Film. Sexmessen und die Beichten in TV-Shows sind die paradoxen Phänomene einer in Wahrheit enterotisierten Gesellschaft. Die Ursache dafür sieht Pfaller im Ideal des authentischen Selbst. Die Revolution der 1960er-Jahre habe keine Be-

freiung der Sexualität, sondern die Befreiung von der Sexualität gebracht. Ein vollständig auf die eigene Verletzlichkeit konzentriertes Individuum erfährt die Triebwelt als etwas Bedrohliches. „Nur das Eigene darf geduldet werden.“ Pfaller baut seine Bücher nach dem Serienprinzip auf. Immer wieder tauchen dieselben Beispiele auf, etwa das Gläschen Sekt im Büro als

Beispiel für einen kleinen Exzess. Oder das Rauchverbot als Verlust öffentlich zelebrierter Großartigkeit.

glementierten Alltag. Man weiß zwar, dass der Osterhase oder die Faschingsfeier kindische Bräuche sind, hat aber dennoch seinen Spaß daran.

Pfaller-Lesern bekannt ist das vertrauliche

Wir in seiner Argumentation; es betont die Nähe zwischen Autor und Leser. Auch bleibt der Autor seinen intellektuellen Gewährsmännern treu, allen voran dem Soziologen Richard Sennett, der bereits in den 1970er-Jahren die „Kultur der Intimität“ und den damit einhergehenden Verfall der öffentlichen Sphäre kritisierte. Die Publikation setzt sich aus Beiträgen für Ausstellungen und Symposien zusammen. So ist es nicht verwunderlich, dass sie einen manchmal sprunghaften Charakter hat, der aber durchaus dem Denkstil des Autors entspricht.

Der Bekenntniszwang der Gegenwart bekämpft

Wie in „Das schmutzige Heilige“ (2008)und

„Wofür es sich zu leben lohnt“ (2011) untersucht Pfaller die Dialektik von Realität und Wunsch mit Werkzeugen, die er der Lektüre der Schriften Sigmund Freuds verdankt. Ihnen entlehnt er Begriffe wie „Übertragung“ und „Verleugnung“, um die Pathologie des Alltagslebens zu analysieren. Mit dem französischen Psychoanalytiker Octave Mannoni taucht ein weiterer von Pfallers Lieblingsautoren auf. Mannoni beschrieb die Verleugnung als Möglichkeit, im Spiel und in der Illusion Spaß zu haben. Das Motto – „Ich weiß zwar, dennoch aber …“ – erlaubt kleine Ausbrüche aus dem re-

Robert Pfaller: Zweite Welten. Und andere Lebenselixiere. S. Fischer, 272 S., € 20,60

diese Vergnügen und übersieht so auch den Lustgewinn sexueller Perversionen. Im Sadismus und Masochismus ist (Selbst-)Verachtung ein konstitutives Element. Neu im Pool ist der Begriff der „Zweiten Welt“; weit hergeholt ist er nicht. „Dass man, gerade um etwas Bestimmtes zu sein, vielleicht noch etwas Zweites, Anderes sein muss, fällt in der Postmoderne schwer zu denken.“ Pfaller lobt die zweite Welt – etwa in Form einer glamourösen Gegenwelt zum tristen Alltag – als Korrektiv. Und weist mit der Psychoanalyse das Ideal einer totalen Identität zurück. Denn nur der Verrückte zweifle nicht an sich und hält sich vollständig für das, was er ist. Die Freude am philosophischen Experiment kommt am besten im Schlusskapitel zum Ausdruck, dem Pfaller eine Rahmenhandlung voranstellt. Im Flughafen von Oslo habe er ein Manuskript gefunden, in dem ein unbekannter Autor Gedanken über das Thema Geschmack darstelle. Pfaller verkostet die Höhen der Geistesgeschichte ebenso wie die Untiefen von TVSerien. Wer ihn als Connaisseur der Kulturkritik schätzt, wird auch sein neues Werk mögen. MAT THIAS DUSINI

Diwan, Couch, Chaiselongue, Kanapee, Ottomane Lebenskunst: Warum immer rumrennen? Ein Plädoyer für das Liegen in einer Zeit von Stress- und Burnout von Bernd Brunner iegen Sie gerade, während Sie die FalL ter-Buchbeilage lesen? Dann bleiben Sie liegen. Oder stehen Sie auf und kaufen sich Bernd Brunners kulturhistorischem Essay „Die Kunst des Liegens“, denn dieser vermag den Genuss der horizontalen Lage noch zu steigern. Wer wird jemals wissen, ob in der Sixtinischen Kapelle eines der größten Kunstwerke der Menschheit geschaffen worden wäre, wenn nicht Michelangelo Zeit seines Lebens gerne gelegen wäre – und so auch beim Malen der Deckenfresken? Groucho Marx ist davon überzeugt: „Was man nicht im Bett tun kann, ist nicht wert, getan zu werden.“

Gut ein Drittel seines Lebens verbringt der

Mensch liegend: Wir schlafen, träumen, lieben, denken, leiden oder erholen uns in der horizontalen Lage. „Chill dein Leben“ Nichtstun, Faulsein heißt der neueste Hype zur effizienten Prävention von Burnout, glaubt der britische Müßiggang-Philo-

soph Tom Hodgkinson. Nicht immer standen Liegen und Nichtstun so hoch im Kurs. Immerhin firmiert die Faulheit seit den Kirchenvätern unter den sieben Todsünden. Auch in neuerer Zeit war das Ruhen vielen Arbeitsfanatikern suspekt: Henry Ford hielt den Schlaf für ganz überflüssig, Napoleon soll ganz ohne ihn ausgekommen sein. Nietzsche hingegen hielt große Stücke auf ihn: „Schlafen ist kein geringes Kunststück, denn man muss den ganzen Tag dafür wach bleiben.“ Wissenschafter behaupten, ein Kurzschläfer-Gen gefunden zu haben. Schlaf unterstützt angeblich die Gewichtsabnahme. Verlockend, darüber nachzudenken. Die horizontale Lage werde dem Menschen auf Erden am gerechtesten, behauptet auch Bernd Brunner, hätte der Körper doch dabei die größte und stabilste Ausdehnung in Bezug auf die Erdachse. Er dehnt sein Plädoyer aus auf Sportarten, die im Liegen ausgeübt werden wie das Schwimmen oder Rodeln, auf das Essen im Liegen und den

horizontalen Arbeitsplatz – mit dem Laptop im Bett. Noch im Paris des 19. Jahrhunderts verstand man unter den „grandes horizontales“ die Oberklasse der Kurtisanen. Das Liegen ist fester Bestandteil der Abläufe

Bernd Brunner: Die Kunst des Liegens. Handbuch der horizontalen Lebensform. Galiani, 167 S., € 17,50

im Hamam, dem orientalischen Dampfbad. In vielen islamischen Ländern ist es bis heute eine feste gesellschaftliche Institution und ein Ort der Regeneration. Wie überhaupt die ausgefeilte Kunst des Liegens im Orient angesiedelt werden kann. Denn Bequemlichkeit der Möbel kannte man bis ins 16. Jahrhundert in Europa nicht. Diwan, Sofa, Couch, Chaiselongue, Kanapee, Ottomane, Meridienne und Duchesse – wie überhaupt gepolsterte Möbel erst mit der Begeisterung für die orientalische Welt – damals einer veritable Modeerscheinung – nach Europa kamen. Aber die Grammatik der horizontalen Orientierung, so Brunner, ist uns von Geburt an mitgegeben. Back to the roots! V er o ni k a S e y r

Die Falter-Buch-Rezensionen. Nachlesen und alle Bücher online bestellen. balken fashop rezensionen.indd 1

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Größenselbst und Größenklein im Wettbewerb Psychologie: Narzissmus ist nicht nur das Leiden Einzelner, sondern eine Kraft, die unsere Welt zusammenhält

Nemesis dazu verflucht. So weit sind sich die Mythen einig. Von da an gibt es zwei Möglichkeiten: Variante eins: Narziss geht, wie es Ovid beschreibt, an der Verzweiflung zugrunde, da er sich nicht mit seinem Spiegelbild vereinen kann. Variante zwei: Er ertrinkt, als er eben dies versucht. Ein Narzisst ist in der modernen Psychologie jemand, dem es wegen zu wenig oder zu wenig echter, selbstloser Zuwendung der Eltern nicht gelingt, eine gesunde Selbstliebe aufzubauen. Zur Kompensation dieses Mangels stehen zwei Wege offen. Variante eins: Der Narzisst geht in die Selbstüberhöhung, bringt es zu sensationellen Erfolgen, spektakulären Schandtaten, Spitzengehältern und lautem Applaus – nur eben nie zur Liebe, die ihn satt machen würde. Variante zwei: Er geht in die Selbsterniedrigung, bewundert die Leistungen der anderen, opfert sich auf, wird zum stillen Retter des Alltags, zum Schatten eines Helden. „Größenselbst“ und „Größenklein“ nennt

Hans-Joachim Maaz diese zwei Spielarten der narzisstisch Gestörten. Hat man sich an die Begriffe einmal gewöhnt, erscheinen viele Erklärungen schlüssig, zum Beispiel, wie gut die Defizite des Bewundernden („Größenselbst“) mit jenen des Bewunderers („Größenklein“) zusammenpassen. Darüber hat der geübte Buch-

autor Maaz in seinen ersten beiden Werken über Beziehung und Sexualität bereits ausführlich berichtet. Die seit seiner Pensionierung gewonnene Erfahrung schlägt sich in einem klaren, sachlichen Stil nieder. Immer wieder streut er Fallbeispiele ein, die er lebendig und ohne viele Fachvokabeln schildert. In seinen fast 40 Berufsjahren als Psychiater und zwei Jahrzehnten als Chefarzt einer psychotherapeutischen Klinik konnte er reichlich davon sammeln. Maaz ist Psychoanalytiker, und aus der Sicht der Psychoanalyse entscheiden die ersten Lebensjahre; sehr früh ist es zu spät, eine glückliche Kindheit gehabt zu haben. Hat man da nicht genug Seelennahrung bekommen, währt der Hunger ein Leben lang. Und wird vom Narzissten – gleich ob als Held oder Helfer – immer nur mit Ersatznahrung gestopft: „Der Geltungsdrang aus frühem Mangel heraus wird immer suchtartig, gierig und am Ende destruktiv werden müssen, weil kein Geld und kein Gold ein frühes Defizit wirklich befriedigen können.“ Eltern mit ausgeprägten Selbstzweifeln seien vor der Lektüre ausdrücklich gewarnt: Allzu leicht entsteht die Angst, man könnte für die eigenen Kleinen durch inadäquate Reaktionen auf ihre frühe Bedürftigkeit Weichen in Richtung narzisstischer GierMonster gestellt haben. Zur Beruhigung: Auch krankhafter Narzissmus ist heilbar. In der Welt nach Maaz erfordert dies allerdings ein vorbehaltloses „back to the roots“, ein Wiedererleben

und Verarbeiten des frühen Mangelschmerzes. Beim individuellen Narzissmus macht Maaz vieles nachvollziehbar. Wirklich innovativ wird das Werk, wenn er aufs größere Ganze geht: Die narzisstische Gier vieler Vernachlässigter hat Folgen für die Welt. Der Hunger treibt sie; und so steigen jene mit den tiefsten Wunden oft zu höchsten Ämtern auf. „Politik ist narzissmuspflichtig“, befindet

Hans-Joachim Maaz: Die narzisstische Gesellschaft. Ein Psychogramm. C.H. Beck, 236 S., € 18,50

Maaz. „Mit einem gesunden, gesättigten Narzissmus würde man sich niemals auf eine ,Spielwiese‘ begeben, auf der es um Machterhalt, um Sieg oder Niederlage, um ständige Kämpfe, um Intrigen und Korruption geht.“ Maaz entwickelt Vorschläge für eine nicht-narzisstische Alternative. Auch in der Arbeitswelt ist die Kompensation früher Verletzungen der Motor, der die Wirtschaft vorantreibt – oft zu schnell: „Narzissmus ist die Quelle jeder Form von Stress.“ Großartig, dass mitten im Zeitalter des psychomedialen Burnout-Hypes jemand nicht über Symptome, Syndrome und Alltagstipps spricht, sondern über Ursachen! Böse Zungen könnten behaupten, der Versuch, mittels Narzissmus alles Böse auf der Welt zu erklären, habe selbst etwas Narzisstisches. Doch auch wenn Maaz in manchen Schlussfolgerung zu weit geht, gibt er hier gehaltvolle Einblicke: Wir erfahren, was unsere aus Gesichtspunkten von Glück und Gesundheit längst verworfene „Leistungsgesellschaft“ im Innersten zusammenhält. ANDR EAS K R EML A

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

arziss verliebte sich in sein SpiegelN bild. Die von ihm verschmähte Nymphe Echo hatte ihn mithilfe der Rachegöttin

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Kryptomnesie oder Mogeln und lügen, bis sich die Balken biegen „He’s so fine“ remixed Sprachpsychologie: Nach 65 Jahren im Dienst der Wahrheit begibt sich Wolf Schneider auf die Spur der Lüge

Gedächtnisforschung: Douwe Draaismas fesselnder Streifzug durch das Land von Vergessen und Träumen

it Falschem beschäftigen wir uns M mehr als mit Wahrem. Gegenüber bloß 15 Wörtern für Wahrheit

m Jahr 1969 schrieb George HarIeins-Hit rison seinen weltweiten Nummer„My Sweet Lord“. Kurz nach

und Ehrlichkeit zählt Wolf Schneider die erstaunliche Anzahl von 130 Wörtern im Reich der Lügen. Da wird geflunkert, geschummelt, gemogelt, Meineid geleistet und verleumdet, bis sich die sprichwörtlichen Balken biegen. Fließend gestalten sich die Grenzen zwischen Irrtum und Lüge. Und auch bei Letzterer lernen wir Unterschiede kennen: etwa in Form einer vergessenen Vokabel des Renaissance-Philosophen Hugo Grotius: mendacium, die Lüge zur Benachteiligung des Angelogenen, im Unterschied zu falsiloquium, der falschen Rede, der folgenlosen Verbreitung einer Unwahrheit. Alles, was falsch ist, findet bei Schnei-

der, Journalist und Autor von 28 Sachbüchern zum schreiberischen Handwerk sowie seit spätestens 1995 Parade-Sprachkritiker und -lehrer des deutschsprachigen Journalismus, den rechten Platz. Entlang der Grenze zwischen versehentlicher Verkennung der Wahrheit und deren vorsätzlicher Verfälschung baut er seine kleine Artenlehre der Unwahrheiten auf. Er beginnt bei den harmlosen, wohlmeinenden Irrtümern unseres Alltags, lässt „törichte“ und „zwielichtige“ Irrtümer folgen und landet erst erstaunlich spät bei der echten, der vorsätzlichen Lüge. Für all diese Arten bringt Schneider Beispiele, die er in freier Wildbahn beobachtet hat. Als Journalist hatte er seit 1947 ausreichend Gelegenheit, sie zu sammeln. Wer erinnert sich etwa noch an die Täuschungen von Günter Guillaume? Der DDR-Spion, der 1974 Willy Brandt zu Fall brachte, betrog diesen noch erfolgreich, nachdem er vom westdeutschen Sicherheitsdienst bereits entlarvt worden war. Daneben hat Schneider einige wissenschaftliche Erkenntnisse zum Thema gesammelt, etwa jene Untersuchung, die zeigte, dass Entscheidungen von Richtern keineswegs nur vom Streben nach Wahrheit und Gerechtigkeit abhängen, sondern zu einem guten Teil davon, wie lange zuvor sie etwas gegessen haben. Auch Vordenker kommen zu Ehren, etwa Henrik Ibsen mit Betrachtungen über die gesundheitserhaltende Kraft der Lebenslüge. Fleißig recherchiert hat Schneider, doch nicht immer ist er ganz exakt: Bei Fragen der Statistik hätte mehr wissenschaftliche Qualitätssicherung nicht geschadet. Aber den Anspruch auf Wissenschaftlichkeit erhebt dieses locker zu lesende Lügen-Panoptikum sowieso nicht. Stilistisch eröffnet sich hier ein Eldorado des journalistischen Kunsthandwerks, so kurz, prägnant und bildhaft erzählt Schneider seine Lü-

gengeschichten. Nach 65 Jahren als Journalist – unter anderem beim Stern, bei der Süddeutschen und als Leiter der Hamburger Journalistenschule – zeigt er noch einmal, wie’s gehen kann. Dem Motto Arthur Schopenhauers „Gebrauche gewöhnliche Worte und sage ungewöhnliche Dinge“, das er einst seinem Ratgeber „Deutsch für Profis“ voranstellte, macht der 87-Jährige alle Ehre. Von Altersmüdigkeit ist da nichts zu merken – eher von gelassener Verschmitztheit, mit der ein Großmeister auf die Wirren der Welt zurückblickt – und vor allem auf ihr Irren. Als Rezensent sucht man oft lange nach geeigneten Zitaten, die dem Buchbesprechungs- und potenziellen Buchleser eine geeignete Kostprobe geben können, ohne dass man diese eine halbe Seite lang erklären müsste. Schneiders Lügenbuch quillt über von solchen zitablen Aphorismen. Teils beruft er sich auf ältere Bonmots zum Thema, wie etwa auf die angeblich irische Kaufmannsregel: „Das Geheimnis des Geschäftserfolgs ist Ehrlichkeit. Wer die vortäuschen kann, ist ein gemachter Mann!“ Teils steuert er eigene Zuspitzungen bei: „Die Irrtümer in unseren privaten Vermutungen über die Zukunft nennen wir Erwartungen; die veröffentlichten Irrtümer über die Zukunft nennen wir Prognosen.“ Auch zu aktuellen Übertreibungen lie-

fert er treffende Analysen. So stellt er etwa zum Phänomen Burnout fest, dass dieses „einen gewissen sozialen Rang erworben hat, und das noble Etikett mit seiner Aura von Kernphysik, Wall Street, unerhörter Wichtigkeit verführt dazu, es sich wie einen Orden anzuheften“. Ein wenig lang wird’s lediglich bei den immer wieder eingestreuten Aufzählungen, etwa der Liste aller landläufigen Arten von Aberglauben. Als Fazit stellt Schneider die Unwahrheit in ihren bunten Formen unter Naturschutz. Ingeborg Bachmanns Diktum, dass die Wahrheit dem Menschen zumutbar sei, widerspricht er klar: „Die totale Ehrlichkeit wäre eine Last, unter der die Menschheit zusammenbrechen würde.“ Man kann davon ausgehen, dass sich die meisten Menschen seiner Meinung anschließen würden. Wenn sie ehrlich wären. A ndreas K re m la

Wolf Schneider: Die Wahrheit über die Lüge. Warum wir den Irrtum brauchen und die Lüge lieben. Rowohlt, 288 S., € 20,60

Erscheinen des Songs sah sich der Beatle mit einer Klage der US-Band The Chiffons konfrontiert. Der Vorwurf lautete auf Plagiat, denn die Melodie von „My Sweet Lord“ glich der des Chiffons-Hits „He’s so fine“ von 1963 aufs Haar. Harrison kannte die Nummer, behauptete aber, sie nicht abgeschrieben zu haben. Der Richter hielt Harrisons Aussage für glaubwürdig und sprach von unabsichtlichem Kopieren einer Melodie, die sich in seinem unterbewussten Gedächtnis befunden haben musste. Eine Kopie blieb es trotzdem, und Harrison wurde verurteilt, den Chiffons eine halbe Million Dollar an Tantiemen zu zahlen. Damit kann, wie der niederländische Psy-

chologiehistoriker Douwe Draaisma in seinem „Buch des Vergessens“ schreibt, George Harrison wohl „den berühmtesten Fall von Kryptomnesie für sich verbuchen“. So heißt eine „seltsame Form des Vergessens“, die sich in etwa so abspielt: „etwas von einem anderen lesen oder hören, anschließend auf genau dieselbe Idee kommen, inzwischen aber vergessen haben, dass sie von einem anderen stammt“. Jetzt hat das Kind, das jeder von uns – als Opfer oder Täter – gut kennt, endlich einen Namen! Aber die reiche Geschichte der Kryptomnesie hatte, wie Draaisma erklärt, ursprünglich nichts mit Plagiaten zu tun, sondern diente als Erklärung für vermeintlich paranormale Phänomene, die in Wahrheit die Folge von Erinnerungen waren, aber nur unter besonderen Umständen wie Trance, Fieberdelirium oder Traum ins Bewusstsein gelangen konnten. Das Wunder einer während eines Fieberschubs stundenlang hebräisch und altgriechisch rezitierenden, ungebildeten Dienstmagd, das Draaisma als einen aufsehenerregenden Fall des 19. Jahrhunderts zitiert, stellte sich bei genauerer Betrachtung als gar nicht so wundersam heraus: Diese hatte in ihrer frühen Jugend bei einem Pfarrer gearbeitet, der die Gewohnheit hatte, laut vorzulesen. Und schon ist man mitten drin in der formenreichen Welt des Erinnerns, Vergessens und Träumens, um die es in Draaismas Buch geht. Draaisma, Professor an der Universität Groningen, beschreibt die Theorien und Einsichten, die Gehirnforschung, Psychoanalyse, Psychiatrie, Neurochirurgie und Psychologie im Lauf der Zeit zu Themen wie Verdrängung, absolutes Gedächtnis, Amnesie, Traumforschung oder autobiografisches Gedächtnis formuliert haben. Gibt es so etwas wie abgespeicherte Eins-zu-eins-Erinnerungen, oder ist

alle Erinnerung durch Erleben eingefärbte Rekonstruktion? Warum sind Träume so flüchtig und lassen sich häufig so schwer nacherzählen? Warum vergessen wir so gut wie alles, was wir als Babys und Kleinkinder erlebt haben? Wie und wodurch verändert sich Erinnerung? Das sind einige der Fragen, auf die dieses Buch mit reichen, ausschweifenden und extrem anregenden Forschungsepisoden antwortet. Vieles bleibt nach wie vor rätselhaft. Vie-

les ändert seine Ursachen, je nachdem, welchen Theoretiker man dazu befragt. In diesem Dschungel leistet Draaisma mit leichter Schreibhand Schwerstarbeit: Er macht den Stand der aktuellen Forschung klar, beschreibt historische Irrwege und Meilensteine, bringt in eleganter Oliver-Sacks-Manier Fallbeispiele und ordnet alles ein. Wie zum Beispiel den Fall eines Soldaten, der nach einer Hirnverletzung im Zweiten Weltkrieg gesichtsblind blieb. Andere (und auch sich selbst) konnte er nicht mehr anhand ihrer Gesichter erkennen und baute sich darum Eselsbrücken über Stimmen, Frisuren, Accessoires oder den Klang von Schritten. Diese Form des misslingenden Erinnerungsspeicherns, die erst 1947 entdeckt wurde, galt bis vor kurzem als äußerst selten. Inzwischen schätzt man, dass etwa ein Anteil von zwei Prozent der Bevölkerung „so große Schwierigkeiten hat, Gesichter zu erkennen, dass von einer Störung gesprochen werden kann“. Eine wunderbare Frage, der Draaisma viel Raum gibt, ist jene nach dem absoluten Gedächtnis, das als Sehnsuchtsidee seit langer Zeit durch Wissenschaftsgeschichte und kollektives Bewusstsein spukt. Ist alles, was wir erlebt und wahrgenommen haben, irgendwo gespeichert, und müsste man nur einen Weg, z.B. Hypnose, finden, um darauf zuzugreifen? Vier von zehn Menschen sind davon überzeugt. Es fällt uns einfach schwer, kommentiert Draaisma, uns damit abzufinden, dass „das meiste dessen, was man erlebt, durch das Gehirn zieht, ohne eine Spur zu hinterlassen, als wäre es gar nicht geschehen“. Da ist der Mythos vom absoluten Gedächtnis, auf das man nur gerade eben nicht zugreifen kann, ein guter Trost. J u lia K o s p a c h

Douwe Draaisma: Das Buch des Vergessens. Warum Träume so schnell verloren gehen und Erinnerungen sich ständig verändern. Galiani, 351 S., € 20,60

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Ein ganz normaler Er war überall, wo es Mörder von Weltmaßstab etwas zu verdienen gab Revolutionsgeschichte: Robert Service schreibt eine ungeschminkte, fulminante Biografie Leo Trotzkis (1879–1940)

Wirtschaftsgeschichte: Camillo Castiglioni (1879–1957), das Vorbild heimischer Spekulanten, erhält eine Biografie

er Oxford-Historiker Robert SerD vice, Sowjetkenner und Verfasser bedeutender Biografien über Le-

eute ist er weitgehend vergessen, H und doch gehört seine Lebensgeschichte, wie jetzt in Dieter Stiefels

nin (2000) und Stalin (2004), gibt im Vorwort die Marschrichtung an: Sein Buch sei die „erste vollständige Biographie Trotzkis von einem nichtrussischen Autor, der kein Trotzkist ist“. Im Klartext steht hier: Trotzki war wie Lenin, Stalin und die anderen Genossen ein ganz normaler Mörder von Weltmaßstab. Der Widerstand pensionsreifer Ex-Sowjetologen und Salontrotzkisten war vorprogrammiert: Service wurden „Fehler“ „nachgewiesen“, der Umstand, dass es in seinem Trotzki-Porträt ein „jüdisches“ Problem gebe, geriet zum Totschlagargument. Jüngere Forscher wie Simon Sebag Montefiore und Orlando Figes haben das Buch allerdings hymnisch gelobt. Der mythische Nachruhm des Revolu-

tionärs Trotzki, der am 7. November 1879 in Janowka (Ukraine) als Lew Dawidowitsch Bronstein geboren wurde, rührt laut Robert Service von zwei Momenten her: „Die Eleganz seiner Prosa war nicht der einzige Grund für Trotzkis Einfluss auf das historische Nachdenken der Nachwelt. Seine Ermordung durch Stalins Schergen macht ihn zu einem Märtyrer.“ Trotzki stellte beredt das Paradies auf Erden durch permanente Revolution in Aussicht. Kein anderer Klassiker der Linken konnte dessen ansatzweise Realisierung für sich beanspruchen. Sein gewaltsamer Tod im mexikanischen Exil geriet zum unüberbietbaren symbolischen Opfer der säkularen Prophetie – der Traum von der Revolution konnte weiterleben. Amerikanische Journalisten titulierten Trotzki damals als „den bekanntesten Juden nach Jesus“. Noch wichtiger für das Verständnis von Trotzki ist laut Robert Service ein weniger revolutionsromantischer Umstand: „Trotzki verlor nicht gegen die Bürokratie; er unterlag gegen einen Mann und eine Clique, die besser als er das sowjetische System begriffen hatten.“ Gemeint ist der realpolitische Gegenspieler Stalin. Den Weg bis zu dieser Niederlage erzählt Robert Service auf 730 Seiten, übersichtlich gegliedert, flüssig lesbar und mit souveränem Wechsel zwischen Detail und Kontext. Trotzki, Sohn eines wohlhabenden jüdischen Gutsbesitzers, gerät als Schüler in Odessa in einen revolutionären Zirkel, 1898 erfolgt die erste Verhaftung, ein Jahr später die Verbannung nach Sibirien. Im Londoner Exil trifft der mittlerwei-

le gelernte Marxist 1902 erstmals auf Lenin. Es folgen Journalismus und politische Agitation zwischen Petersburg, Wien und dem Balkan, aus den USA

kehrt er nach Russland zurück, wo im Februar 1917 die Zarenherrschaft durch eine bürgerliche Revolution gestürzt wurde. In der Oktoberrevolution verbündet sich Trotzki endgültig mit Lenin, in seiner Karriere wird er zuerst Volkskommissar für äußere Angelegenheiten, am Höhepunkt seiner Macht kommandiert Trotzki im Bürgerkrieg die Rote Armee, die er auch gegründet hat. Die Vorwürfe, es habe etwa bei der Niederschlagung des Kronstädter Matrosenaufstands 1921 auch unschuldige Opfer gegeben, beantwortet er dialektisch: „Die Revolution ist selbst ein Exzess der Geschichte.“ Trotzki hatte mittlerweile Revolutionstribunale geschaffen, später organisierte er erste Schauprozesse. Nationale Fragen tangierten ihn wenig, seine Antwort auf die in Russland notorische „jüdische Frage“: „Die Arbeiter sind mir teurer als die Juden.“ Der Traum von einer Weltrevolution, den der laut Lenins Testament „fähigste Mann“ der Bolschewiki weiterträumte, scheiterte weniger an den Starallüren, die Zeitgenossen, darunter der britische Philosoph Bertrand Russell, an ihm beobachten – Stalins „Sozialismus in einem Land“, Fünfjahresplan und Industrialisierung erwiesen sich als das erfolgreichere Projekt der Modernisierung. Wer den Verfasser von „Literatur und

Revolution“ (1923) schätzt, wird bei Robert Service enttäuscht: Trotzki beschwor nicht nur eine künftige Menschheit, die genial sein werde wie Aristoteles und Goethe, er führte auch die Zensur in die Literatur ein und „legte das Fundament des kulturellen Stalinismus“. Die nach der Verbannung 1929 entstandenen Schriften über „Die verratene Revolution“ blieben politisch ebenso folgenlos wie die Gründung der „vierten Internationale“ und Trotzkis Vorhersage für den Zweiten Weltkrieg: „Die Verteidigung der UdSSR fällt zusammen mit der Vorbereitung der Weltrevolution.“ Das kryptisch-apokalyptische Resümee von Robert Service: „Die Jahre des Triumphes waren kurz, auch wenn sein Ruhm lang anhielt. Der Tod ereilte ihn früh, weil er für eine Sache gekämpft hatte, die destruktiver war, als er je vermutete hatte.“ E rich K lein

Robert Service: Trotzki. Eine Biographie. Suhrkamp, 730 S., € 36,–

Biografie nachzulesen, essenziell zur großen Tragödie der Ersten Republik. Camillo Castiglionis Name war einst das Synonym für Börsenspekulation und Betrügereien, für lukrative Devisengeschäfte und brutale Abzocke. Er hat Aktionäre in Abgründe gestürzt, aus der Kronen-Inflation Riesenprofite geschöpft und Firmen in die Pleite geführt, um sie aufzukaufen. Innerhalb weniger Jahre, von 1919 bis etwa 1924, avancierte Castiglioni zum reichsten Mann Österreichs, kontrollierte mit der Depositenbank eines der mächtigsten Finanzinstitute, war im Besitz der Alpin-Montan, bastelte an einem Automobilcluster Daimler-Fiat-Puch und entwickelte mit dem Konstrukteur Ferdinand Porsche hochfliegende Träume für den Bau eines „Volkswagens“.

Sein Hauptbetätigungsfeld war Wien und Österreich, aber er wusste, dass es klug war, sich international zu engagieren, den Geschäftsrayon auf ganz Mitteleuropa auszudehnen. Nach dem Krieg erwarb er sofort die italienische Staatsbürgerschaft, lockte italienisches Kapital nach Österreich, fischte sich die Bayrischen Motorenwerke (BMW) und Brandenburgischen Flugzeugwerke, spekulierte in Paris gegen den Franc, zog während des Zweiten Weltkriegs in der Schweiz die Fäden zum Aufbau einer Erdölraffinerie. Castiglioni war hier und dort und überall, wo es etwas zu verdienen gab. Seine Biografie erscheint zur rechten Zeit. Gleichzeitig ist sie ein Beispiel dafür, wie schwierig es ist, über solche Strippenzieher zu schreiben. Sie sind ungreifbar, weil die Aktenlage dürftig ist. Stiefel weicht auf die Zeitungen aus und zitiert ausgiebig – Material ist da ja reichlich vorhanden. Methodisch ist das problematisch, weil die Zeitungsartikel einander zum Teil widersprechen und oft tendenziös sind. Zeitungsartikel sind kein Beweismaterial. So kann auch Stiefel vieles nicht klären, er muss es bei der Gegenüberstellung von Presseberichten belassen. Durch Spenden machte Castliglioni sich Politiker gefügig, seine Zuwendungen an christlichsoziale Wahlfonds waren kein bloßes Gerücht. Er diente sich Mussolini an und vertraute auf dessen Interventionen, wenn es in Österreich brenzlig wurde. Er war mit dem steirischen Landeshauptmann Anton Rintelen befreundet, der zuerst beim Heimwehrputsch und später bei der Ermordung von Dollfuß die Fäden zog. Auch zu den deutschnationalen Indus-

trieeliten verschaffte sich dieser begnadete Netzwerker Zugang: eine Zu-

sammenarbeit mit Hugo Stinnes da, ein Treffen mit Göring dort. Castliglioni kaufte Zeitungen (u.a. das Neue Wiener Journal), um zumindest teilweise eine freundliche Presse zu haben; selbst den linksradikalen Abend spann er in sein Netz der Zuwendungen ein. Er hatte genug Feinde, aber als die Staatsanwaltschaft zu ermitteln begann und ihm ein Prozess drohte, verschwanden Steuerakten aus dem Finanzministerium, gab es bei behördlich versiegelten Büros eine geheime Tapetentür für die Entwendung von Akten, wurde interveniert, um ihm zwar nicht den Niedergang, so doch den – für so viele unangenehmen – Prozess zu ersparen. Irgendwie kommt einem das bekannt vor. Mit seinem Temperament war Castiglioni für große, grelle Auftritte bestens geeignet. Beim Marketing griff er auch zu ungewöhnlichen Mitteln: Als die österreichische Armee vor dem Ersten Weltkrieg keine Flugzeuge ankaufen wollte, setzte er sich selbst in eine Maschine, flog im Tiefflug über die Innenstadt, umrundete den Stephansdom und erzwang eine Audienz beim Kaiser. Sein privates Leben füllte die Klatschspalten: Die Ehe mit dem Burgtheaterstar Iphigenie Buchmann zelebrierte er an schillernden Schauplätzen. Die Villa am Grundlsee, zu der er im ehemaligen kaiserlichen Salonwaggon per Bahn anreiste, und das mondäne Palais in der Prinz-EugenStraße 28 (nach dem Zweiten Weltkrieg abgerissen) gaben das Ambiente für einen Renaissancefürsten, der sich mit einer reichen Kunstsammlung umgab. Tout-Vienne verkehrte hier, die Feste waren legendär. Kulturgrößen bezauberte er als Gastgeber, er spielte für Museen, Universitäten und Theater den Wohltäter, sponserte die Salzburger Festspielte, kaufte gar das Theater in der Josefstadt. Als die Zeitungen über den Konjunkturritter und mutmaßlichen Defraudanten herfielen, rückten Kulturgrößen wie Max Reinhardt oder Richard Strauss aus, um ihm in einem Manifest zu danken und ihn von einem Weggang aus Wien abzuhalten. Karl Kraus quittierte dies sarkastisch: „Die Kunst gehört den Hyänen.“ A l f red P f o ser

Dieter Stiefel: Camillo Castiglioni oder Die Metaphysik der Haifische. Böhlau, 350 S., € 29,90

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Vermögensungleichheiten und moralische Probleme Wirtschaft: Die Thesen des US-amerikanischen Ökonomen Joseph Stiglitz verdienten es, auch hierzulande bedacht zu werden ein, Deutschland, das derzeit den N Zuchtmeister spielt und dem Rest Europas im Verein mit EZB und IWF das „Er-

folgsmodell“ eines „liberalisierten“ Arbeitsund Kapitalmarktes aufzwingen will, ist schon längst nicht mehr die wohlhabendste Nation Europas. Das Durchschnittsvermögen der Deutschen ist längst geringer als das der westeuropäischen Nachbarn, sodass jetzt seine ohnehin geschröpften Normalverdiener auch noch zu Transferleistungen an Italiener gezwungen werden, die im Schnitt ungleich vermögender sind, nächstens gar an Belgier, deren Pro-Kopf-Vermögen mehr als 70 Prozent höher liegt. Deutschland hat eines der unsozialsten Steu-

ersysteme Westeuropas, eine chronisch niedrige Reinvestitionsquote, sinkende Reallöhne, das rückständige Bildungssystem verstärkt die Klassentrennung, der Niedriglohnsektor ist zum größten der OECDLänder geworden, die Rentenkassen sind entsprechend demoliert, die Umstellung auf Kapitaldeckung ist ein Desaster, das nur die Versicherer mästete. Hätten die Deutschen einen Joseph Stiglitz in

den Beraterkommissionen gehabt, wäre ihnen und mittelbar Europa einiges erspart geblieben. Südeuropa wird derzeit fast dieselbe „Liberalisierungs“-Rosskur verordnet, die der IWF im Verein mit der Weltbank – deren Chefökonom Stiglitz bis zum Zerwürfnis 2000 war – seit den 1990er-Jahren

den asiatischen, südamerikanischen und osteuropäischen Staaten aufzwang.

lisches Problem sind, sondern der Volkswirtschaft als Ganzer schaden, die Demokratie aushöhlen und keine Folge von Leistungsgratifikation, sondern eines unsozialen Bildungssystems und interessengeleiteter politischer Entscheidungen sind – von der Deregulierung des Finanzmarkts bis hin zur Entscheidung, nicht die Subprime-Hypothekennehmer, sondern deren Gläubiger, die großen Investmentbanken, zu retten.

Stiglitz zog in „Die Schatten der Globalisie-

rung“ 2002 die verheerende Bilanz dieses ideologie- und interessengetriebenen Feldzugs und schuf nicht nur einen modernen Klassiker der politischen Ökonomie: Das Buch machte ihn, längst eine nobelpreisgekürte Eminenz seines Fachs, zu einer Galionsfigur der Globalisierungskritiker. Heute ist er eine einzigartige Vermittlerfigur, ein gefragter Redner auf dem Davoser Weltwirtschaftsforum und Attac-Kongressen gleichermaßen. Geduldig legt er Buch um Buch faktengestützt die ideologischen Illusionen und Verwerfungen offen, die der Glaube an angeblich wertfrei modellierbare, „liberalisierte“ Märkte produziert – und macht in guter angelsächsisch-pragmatischer Tradition ebenso konkrete Verbesserungsvorschläge. In „Die Chancen der Globalisierung“ von 2006 etwa schlug er vor, Arbeitsmigration zu fördern und Kapitalströme einzuschränken. Die Entwicklungsländer sollten zwischen legitimen und illegitimen Schulden unterscheiden, keine Dollar-Reserven horten, sondern investieren und so fort. Auch sein neuestes Buch „Der Preis der Ungleichheit“ liefert Argumente und Daten, um – ähnlich wie unlängst John Kenneth Galbraith – etwas zu beweisen, was heute viele intuitiv empfinden: dass große Vermögensungleichheiten kein rein mora-

Für heutige Europäer höchst aktuell sind die

Joseph Stiglitz: Der Preis der Un­ gleichheit. Siedler, 450 S., € 25,70

Nachweise der relativen Ineffizienz privater Kranken- und Sozialversicherungen gegenüber (gut organisierten) öffentlichen Systemen, der Mehrkosten, die die meisten Privatisierungen von Dienstleistungen (z.B. Sicherheitsdienste im Irak) erzeugen und der Verhinderung von Wachstum und Stabilität durch Senkung der Steuern für Vermögende und Konzerne. Stiglitz hegt einige typisch angelsächsische Überzeugungen, etwa dass die Notenbank sich nicht auf Geldwertstabilität beschränken, sondern Impulse für Wachstum und Beschäftigung geben soll. Manches, so der verheerende Einfluss von Geld auf Gerichtsentscheidungen, ist US-spezifisch. Doch sein Buch stellt in seinem klaren und unaufgeregten Stil eine probate Anleitung für alle dar, die ihr vages Unwohlsein am Zustand Europas und seiner Ökonomie in Argumente verwandeln wollen. S e b ast i a n K i efe r

Schund ist gut und John J. Sullivan ein Meister Popkultur: John J. Sullivans fulminante Essays erzählen über die Lebendigkeit der USA, nicht zuletzt anhand ihrer Musik s ist dasselbe „Pulp“, mit dem schon E Quentin Tarantino kokettiert hat: jener Schund, den man so leicht erzählen kann,

dass fast nicht auffällt, dass die Erzählung über den Schund, den Kitsch und den Pop eine Erzählung über die Zeit und die Gesellschaft ist, in der all das entstanden ist. Und eine gute noch dazu. Als John J. Sullivans Essayband „Pulp­ head“ vor einem Jahr in den USA erschien, kannte der Jubel in den Feuilletons keine Grenzen. Die Gründe dafür sind leicht nachzuvollziehen: Sullivan ist ein Meister der Reportage. Seine Essays sind an den besten Stellen wie ausgezeichnete Blockbuster konstruiert, von souverän gebauten, weder zu komplexen noch zu anspruchslosen Spannungsbögen getragen, von schlauen Pointen und kleinen Weisheiten durchzogen, mit Dynamik auf den Punkt gebracht. Dieser Punkt ist inhaltlich öfters eine kleine

Weisheit; formal ist er, und das ist genauso wichtig, eine Kulmination, ein Wendepunkt, eine Überraschung, die den Inhalt durch ihre Form noch verstärkt. Etwa wenn Sullivan erzählt, wie er einmal von Gentleman’s Quarterly zu einem christlichen Rockfestival geschickt wurde: Erst erscheint der Autor als Zivilisierter (Liberaler) unter Wilden (Evangelikalen), der das Szenario, in das er geraten ist, abwechselnd als bedrohlich und als grotesk wahrnimmt. Dann stellt sich im Gespräch mit den waffenaffinen Mitglie-

dern einer Pfingstgemeinde aus West Virginia heraus, dass Sullivan ebenso kenntnisreich aus dem Korintherbrief zu zitieren imstande ist wie diese. Man ist noch dabei zu ahnen, dass sich hier etwas vorbereitet, und findet sich schon mitten in einer Geschichte über Sullivans eigene Erfahrungen als Highschoolmissionar. Die persönliche Erfahrung firmiert in der einen oder anderen Weise immer als Grundlage der Essays, manchmal als Beschreibung der Recherche, öfter als Begründung für das Interesse am jeweiligen Gegenstand. Das geht sehr gut, wenn die Erfahrung eine Faszination enthält, die weitere Auseinandersetzungen quasi unvermeidlich macht und daher wie von selbst zu immer genaueren Informationen führt. Weniger geglückt sind dagegen die Stellen, an denen das persönliche Erlebnis die ganze Geschichte tragen soll (wie etwa in dem preisgekrönten Aufsatz „Mr. Lytle“). Eindeutig am besten funktioniert Sullivans Methode, wenn er beginnt, über Musik zu schreiben. Dass er etwa für seinen Aufsatz über Michael Jackson die Musik des Künstlers ebenso genau gehört wie dessen Biografie studiert hat, ist nicht zu übersehen. Das Ergebnis ist ein kluger, unprätentiöser Text, der unter anderem Überlegungen zum Verhältnis von Kunst und Künstlichkeit (etwa des Körpers) enthält, die Ausgangspunkt für die „kluge JacksonBiografie“ sein könnten, die sich Sullivan

wünscht. Ein Höhepunkt des Bandes. Ein weiterer ist „Geister des Blues“, ein Text, in dem eine Begegnung mit John Fahey (1939–2001) den Ausgangspunkt für das Nachdenken über den Blues des Südens und das weiße Schreiben darüber bildet. Als Sullivan im Auftrag des bekannten Musikkritikers Greil Marcus und in Zusammenarbeit mit Fahey versucht, den Text des „Last Kind World Blues“ der obskuren Sängerin Geeshie Wiley zu verstehen, schließt sich wie von selbst eine kleine Abhandlung über das Verhältnis von race records (frühen Blues-Aufnahmen, die Plattenfirmen unter diesem Titel ausschließlich für einen „schwarzen“ Markt herausgaben) und manischen weißen Blues-Sammlern in den 1940er-Jahren an. Der Text, der zuerst wie eine Anekdote über die Begegnung mit einem schrulligen Prominenten daherkommt, wird so zu einem ziemlich guten Text über Amerika. Allerdings nicht, das sei hier betont, über das

John S. Sullivan: Pulphead. Vom Ende Amerikas. Suhrkamp, 415 S., € 20,60

„Ende Amerikas“. Der Untertitel, den der Suhrkamp Verlag dem Band glaubte geben zu müssen, passt zu keinem der Essays – und erst recht nicht zur ganzen Sammlung. Dass die deutschsprachigen Leser über Amerika am liebsten hören, es werde demnächst untergehen, ist ziemlich sicher richtig gedacht. Sullivans Buch hat eine so billige Marketingmaßnahme aber weder nötig noch verdient. N i k o laus S te n i t z e r

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sachbuch

Der Widerspruch von Freiheit und Fremde Tourismus: Drei Reisebücher, die keine Reiseführer sind, über Geschichte und Kunst des Unterwegsseins

Freiheit und Fremde Beide Enzensberger-Texte finden sich im Sammelband „Die Zukunft des Reisens“, herausgegeben von SZ-Feuilletonchef Thomas Steinfeld. Entstanden als Auftragsarbeit für den Schweizer Tourismuskonzern Kuoni, stellt er eine eigenartige Mischung aus Feuilleton und Marktforschung dar, eine Kombination, die dem Thema Tourismus wie angegossen passt. In manchmal keine zwei Seiten kurzen, manchmal breit angelegten Essays (windungsreich: Roger Willemsens erschöpfende Abhandlung über Reiseliteratur, die tatsächlich bei Adam und Eva beginnt) finden das Damals, das Heute und das Morgen des Unterwegsseins zusammen. Das grenzt manchmal ans abgespreizt Elitäre, trifft aber fast immer ins Schwarze. Etwa bei Wolfgang Scheppe, der in einer virtuosen Tour de Force den Homo touristicus seziert: den Urlaub als Erlaubnis zur Regeneration von Arbeitskraft, das Gebirge als Ziel des gehobenen Bürgertums auf der Suche nach Reinheit, den Strand als proletarisch-nivellierend – kurz: den Widerspruch, in einer Welt, in der fast jedes Ziel erreichbar erscheint, das Versprechen von Freiheit und Fremde einzulösen.

In der Folge analysiert Andrian Kreye den Einkaufstourismus (mit der schönen und lang überfälligen Aufzählung: „Dubai, Metzingen“) und Straßen in München und Manhattan, die immer mehr wie Shoppingmalls funktionieren, Zubehör für unterwegs wie Reiseführer, Mitbringsel und Reisebekanntschaften. Ohne Anspruch auf Vollständigkeit ergibt sich so eine unterhaltsame wie tiefgehende Spekulation darüber, wo in Zukunft die Reise hingeht.

Rundreisen im Metaphernkarussell Ähnliche Kategorien finden sich in Andreas Altmanns „Gebrauchsanweisung für die Welt“. Auch hier werden die Grundbausteine des Reisens – Fortbewegungsmittel, Essen, Gefahr, Gewalt, Tricks – abgehandelt. Und Altmann, der vom Heroinhandel in Peschawar bis zum Polizeieinsatz in Südafrika einiges erlebt hat, ist ohne Zweifel der ideale Autor für dieses Buch. Leider etwas zu ideal: Die Rundreisen im Metaphernkarussell („Der Schaum des magischen Moments, kann als Blitz auftreten oder mit einer Kerze“) können noch als unterhaltsam durchgehen. Ärgerlicher ist, dass die Großartigkeit des Reisens sich hier immer wieder an den von Altmann verachteten Daheimgebliebenen, den Spießern in ihren „Büros in Quakenbrück“, aufrichten muss. Als könne einem Abenteurer so etwas nicht wurscht sein (abgesehen davon, welche magischen Geheimnisse Quakenbrück bergen mag). Schade, denn Altmann hätte viel zu erzählen, aber die „magischen Momente“ gehen unter in einer Flut aus Klaus-KinskiPathos („Ich fühle, als wäre ich die Erde selbst. Jede Warze Hässlichkeit, jeder Betonklotz, jede Schneise Raffgier ist ein Schwinger auf mein Herz“), dessen aufgeplustertes Raunen einem weniger das Faszinosum Fernweh näherbringt als die wettergegerbte Einzigartigkeit des Autors. So wird das Buch immer mehr zu einer Gebrauchsanweisung für Andreas Altmann. Zwar nimmt er sich selbst von der Kritik nicht aus, am aufrichtigsten sind daher die Passagen über Bettler und Drogen, die zei-

Siehe auch das Interview mit Andreas Altmann im Literatur­teil dieser Beilage, S. 16

gen, dass der Reisende in der Fremde kein edelmütiger Heiliger bleibt. Doch das ist spätestens dann dahin, wenn ihm kurz darauf in der schaurigsten Szene ein Chirurg die Hand dramatisch um das offene Herz eines Operierten legt: „Es zuckt, flüsterte ich, ungläubig wie ein Kind.“

Der Blick für das Unbekannte Andreas Altmann: Gebrauchsanweisung für die Welt. Piper, 211 S., € 15,50

Thomas Steinfeld (Hg.): Die Zukunft des Reisens. S. Fischer, 224 S., € 20,60

Annett Gröschner: Mit der Linie 4 um die Welt. Buenos Aires, Paris, Magdeburg – Städte, wie wir sie noch nicht gesehen haben. DVA, 250 S., € 23,70

Bescheidener, langsamer und stiller geht es in Annett Gröschners Reisegeschichten zu, die im Band „Mit der Linie 4 um die Welt“ versammelt sind. Von Aix-en-Provence bis Zürich hat sie sich in die jeweilige ViererLinie gesetzt – diese Zahl trug auch die Straßenbahnlinie ihrer Magdeburger Kindheit. Sich bei der Stadterkundung selbst gesetzten willkürlichen Regeln zu unterwerfen, das wussten schon die Situationisten, schärft den Blick für das Unbekannte. So zieht Gröschner durch jede Stadt einen linearen Wahrnehmungsausschnitt entlang von Straßenbahn- und Buslinien, ruhig beobachtend, nebenbei Hintergrundinformationen einflechtend. Trainspotting von innen sozusagen. Wer wusste schon, dass Alexandria die einzige Straßenbahnlinie Afrikas besitzt, und das seit 1860? Ergänzt um wunderbare Schwarzweißfotos von Arwed Messmer und der Autorin selbst, wie nebenbei aufgenommen, oft verschwommen, durch zerkratzte Scheiben, begegnen wir schrulligen alten Damen mit Schoßhündchen in Manhattan, rattern durch die Steppenwinde von Kasan und Kasachstan, durchmessen die asiatischen Suburbs von Istanbul und umrunden in mehreren Etappen die Innenstadt Berlins – der längste, dichteste und auch kritischste Reisebericht, wohl weil die Autorin hier seit Jahren lebt. Mit der „Krawallseifenoper“ der besoffenen europäischen Jugend, den „Prenzlbergwichsern“, stillen Industriehinterhöfen und kleinen Inseln des ganz alten Berlins. Die Wiener Buslinie 4A ist dagegen zwar weniger aufregend, doch die linearen Exkursionen zeigen, dass die Reise ins Unbekannte auch heute noch unvermutet hinter der Ecke lauert. Maik Novotn y

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

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eit das Reisen nicht einfach Wegfahren bedeutet, sondern zu Tourismus und weiter zur Tourismusindustrie geworden ist, firmiert es als Lieblingsgegenstand von Forschung, Literatur und polemischer Kritik. Schon 1958 haute ihm Hans Magnus Enzensberger seine „Theorie des Tourismus“ um die Ohren: Romantik ohne Revolution, Ferne als Erlösung, die Sehenswürdigkeit als Befreiung vom schlechten Gewissen des Nichtstuns und der pikierte Dünkel der Pioniere über die nachfolgende Masse. Daran hat sich nicht viel geändert. Allerdings hat, wie Enzensberger heute schreibt, im Easyjet-Zeitalter, in dem jeder Trafikant New York und Bali längst auswendig kennt, das Fernweh seinen Glanz verloren. Wie eine Wanderheuschrecke zieht der Mensch mit der Masse um die Welt.

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Verdammenswerte Zusammengehörigkeit? Geschichte: Zwei neue Bücher präsentieren problematische Thesen zum deutschen Nationalismus

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er deutsch-amerikanische Kulturhistoriker Jost Hermand präsentiert steile Positionen: Er plädiert dafür, dass „die Möglichkeit eines sozial gerechtfertigten Nationalismus neu bedacht“ werden solle, anstatt „sich lediglich über seine ungerechtfertigten Auswüchse in der Vergangenheit zu erregen“. Ein „staatliches Zusammengehörigkeitsgefühl“ brauche schließlich „nicht von vornherein verdammenswert zu sein“.

land geht, da regen sich unsere Zweifel wie von selbst – und die Befürchtungen der anderen. Jedenfalls war es lange so. Zu lange.“ Anders als Hermand zeichnet Reichel aber nicht die Geschichte des deutschen Nationalismus als solchen nach, sondern untersucht den historischen Wandel ausgewählter Nationalsymbole. Ausgehend von der Paulskirche und dem Reichstag als den „Geburtshäusern der Nation“ nimmt er die Nationalhymne, die deutsche Flagge, den Nationalfeiertag sowie diverse Formen des „Totengedenkens“ in den Blick, bevor er seine Tour d’Horizon mit Erörterungen zum Brandenburger Tor enden lässt. Das ist bisweilen ganz interessant zu lesen, da Reichel diese faktenreiche Ereignisgeschichte mittels eines lockeren Präsensstils zu anschaulichen Erzählungen verdichtet.

Einheitsstaat und Chauvinismus Woher Hermand diesen Optimismus bezieht, bleibt insbesondere nach der Lektüre seines Buches schleierhaft. Darin untersucht er nämlich in ungeschönter Direktheit die Genese des deutschen Nationalismus. Er bezieht sich dabei in erster Linie auf die Elitendiskurse und zeichnet an ihnen die seit dem Mittelalter zwischen teil- und gesamtstaatlichen Doktrinen oszillierende Geschichte unter Anführung einer Vielzahl an Beispielen detailgetreu nach. Eine allmähliche Verfestigung der gesamtdeutschen Perspektive erkennt Hermand erst im Zuge der industriellen Revolution in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die in der Realisierung der „kleindeutschen“ Reichsgründung mündete: „Daraus ergab sich ein Bekenntnis zum Kriegerischen, ein Kaiser- und Kanzlerkult sowie ein Nationalismus, bei dem die lange Zeit unterdrückte Sehnsucht nach einem deutschen Einheitsstaat zusehends ins Chauvinistische pervertierte.“ Obschon die jüdischen Einwohner in der Reichsverfassung von 1871 zu „rechtlich gleichgestellten Bürgern“ geworden waren, manifestierte sich dieser Chauvinismus rasch auch antisemitisch. Über die Phase des aggressiven Hypernationalismus im Ersten Weltkrieg und der Weimarer Republik hinweg entwickelte sich der Antisemitismus bis zur Machtübertragung an die Nationalsozialisten zu einem der Hauptfaktoren des nationalen Selbstverständnisses.

Schatten der Vergangenheit Inhaltlich wird es aber bisweilen problematisch, etwa wenn er die „SED-Diktatur“ der DDR mit dem NS-Regime gleichsetzt, da sie beide „die Legitimität für ihre Verfassung und politische Führung nicht im freien politischen Prozess“ gewonnen hätten. Abgesehen davon, dass diese historisch unrichtige Gleichstellung den Blick auf die konkreten Verhältnisse von vornherein verstellt, müsste man Reichels Logik folgend diesen Vorwurf genauso für den Prozess der „Wiedervereinigung“ von 1990 anführen.

Doch davon ist der Autor weit entfernt. Im Mauerfall sieht er eine ausschließlich befreiende Wirkung. Er beschwört ein vereinigtes Deutschland, das sich endlich aus dem „lähmenden Schatten“ seiner Geschichte gelöst habe; an dessen Stelle sei „eine neue, unbeschwerte Gelassenheit, farbenfröhliche und fremdenfreundliche Heiterkeit“ getreten. Solche Phrasen, die dem Vokabular der Tourismusbranche entnommen sein könnten, müssen als Versuch gewertet werden, die deutsche Gegenwart aus ihrem historischen Deutungszusammenhang herauszulösen. Ein solch schönfärberischer Zugang ist dem hochproblematischen Gegenstand der deutschen Nationalsymbole aber gelinde gesagt unangemessen. Immerhin spricht Reichel zum Schluss ein mahnendes Wort – aber weniger an Deutschland als an Europa insgesamt gerichtet: In Krisenzeiten zeige sich im erweiterten Europa das nationalistische und fremdenfeindliche Aggressionspotenzial stets von neuem, und „traumatisierte Nationen“ gerieten darob leicht auf politische Abwege. Von Deutschland selbst spricht Reichel hier allerdings nicht mehr. Strategien, mit denen versucht wird, den vielzitierten Schlussstrich unter die Vergangenheit zu ziehen, sind offenbar im Mainstream der deutschen Geschichtswissenschaft angekommen. Frit z Trümpi

Falter FACHBÜCHER s

Nation und Rasse Zu Recht weist Hermand darauf hin, dass die „Rasse“ im Nationalsozialismus an die Stelle der „Nation“ getreten sei. Die dem „Dritten Reich“ nachfolgenden Staaten DDR und BRD bemühten sich freilich um ein neues staatliches Selbstverständnis, doch sei in Ost und West weiterhin ein kulturell legitimierter „deutscher Nationalcharakter“ beschworen worden. Trotzdem hätten die Deutschen auch nach der „Wiedervereinigung“ der beiden Staaten „kein neues Nationalgefühl“ entwickelt, stellt Hermand mit bedauerndem Unterton fest. Ein solches wünscht er sich jedoch, um dem globalisierten Finanzkapitalismus und dem damit verbundenen Konsum- und Spaßgesellschaftsdasein ein Ende zu setzen. Es sei an der Zeit, „wieder an überindividuelle Werte politischer, sozialer, kultureller und ökologischer Art zu appellieren“, so Hermands Fazit. Angesichts der verheerenden Entwicklungsgeschichte des deutschen Nationalismus entbehrt diese Haltung allerdings jeglicher Nachvollziehbarkeit. In dasselbe Horn bläst auch der deutsche Politologe und Historiker Peter Reichel: „Wo es um Einheit und das ganze Deutsch-

Jost Hermand: Verlorene Illusionen. Eine Geschichte des deutschen Nationalismus. Böhlau, 390 S., € 35,90

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DER ÖFFENTLICH-RECHTLICHE RUNDFUNK IN EUROPA

ORF, BBC, ARD & Co auf der Suche nach dem Public Value

Peter Reichel: Glanz und Elend deutscher Selbstdarstellung. Nationalsymbole in Reich und Republik. Wallstein, 381 S., € 30,80

Der öffentlich-rechtliche Rundfunk kommt europaweit unter Druck. Anhand ausgewählter Länder wird dargestellt, wie der öffentlich-rechtliche Rundfunk in Europa in der Praxis funktioniert.

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sachbuch

Landwirtschaft, Landlords und Lebensmittelpreise Ökologie: Fred Pearce legt eine fundierte Studie zum heiklen Thema „Land Grabbing“ und dessen globalen Auswirkungen vor er britische Wissenschaftsjournalist D Fred Pearce hat sich eines der heißesten geopolitischen Themen angenommen,

des sogenannten „Land Grabbing“. Darunter versteht man die Übernahme großer Ländereien in Schwellen- und Entwicklungsländern durch Private oder andere Staaten, meist zum Zweck des Aufbaus von industrieller Landwirtschaft in ganz großem Stil. Das Fatale daran: Diese Ländereien sind zumeist kein „Brachland“, sondern die Lebensgrundlage von Millionen von Kleinbauern, Viehhirten und oft auch Wildtieren, die anderswo selten geworden sind. Sie alle werden zunehmend von den neuen „Landlords“ vertrieben. Seit 2008, als die Lebensmittelpreise auf dem

Weltmarkt kräftig anzogen, gelten Investitionen in Agrarland als zukunftsträchtig. Gerade in Zeiten, in denen die traditionell wichtigsten Agrargebiete der Welt immer wieder von Dürren heimgesucht werden, spricht alles dafür, für knappere Waren höhere Preise zu zahlen. Dass Spekulation dazukommt, geschenkt. Außerdem machen sich angesichts nach wie vor wachsender Weltbevölkerung und veränderter Ernährungsgewohnheiten in Schwellenländern wie China ganze Staaten Sorgen um ihre Versorgung mit Lebensmitteln. Auch in den Golfstaaten wissen Regierende

und Investoren, dass man Öl nicht essen kann; wohl aber kann man mit den Ölgel-

der der Welt“, eine Tiefebene, die lange zum Sudan gehörte und ethnisch wie geografisch und klimatisch eher in den Nachbarstaat passen würde als zu den kühleren Hochebenen, die Äthiopien sonst prägen.

dern anderswo Ackerland kaufen und darauf die Lebensmittel anbauen. Ausgelagerte Grundversorgung sozusagen. Dabei spielt es in den Überlegungen der Investoren keine Rolle, ob das neu erworbene Ackerland für die Versorgung der Bevölkerung (oder auch für andere Zwecke, etwa den Naturschutz) in den „Gastländern“ benötigt wird oder nicht.

Die Provinz im äußersten Südosten des Lan-

des, jahrzehntelang vernachlässigt von der Zentralregierung, wurde für die Macht­ haber und Behörden erst interessant, als saudiarabische und indische Investoren signalisierten, die weiten Ebenen landwirtschaftlich nutzen zu wollen – Agrarprodukte für den Weltmarkt. Die Folgen sind gewaltsame Vertreibungen und Morde. Doch nicht nur Konzerne, Spekulanten und autokratische Regime sind für diese fatale Entwicklung verantwortlich. Auch die EU hat mit ihrer Klima- und Energiepolitik – Stichwort „Agrosprit“ – die globale Nachfrage nach Land angeheizt. Und das, obwohl es inzwischen mehr als fraglich ist, ob Agrosprit wirklich klimaschonender ist als fossiler Treibstoff.

Afrika ist von dieser neuesten Spielart des Ko-

lonialismus besonders betroffen, aber auch Länder wie Brasilien, Paraguay, Argentinien, Papua-Neuguinea, Indonesien und die Ukraine. Viele Regierungen erweisen sich dabei als Komplizen des „Big Business“, denn die Ländereien sind meist Staatseigentum, das im Namen des „Fortschritts“ an Investoren verkauft wird. „Wie es scheint, neigen die Regierungschefs Afrikas gegenwärtig zu der Überzeugung, ausländisches Kapital, investiert in industrialisierte landwirtschaftliche Großbetriebe, werde ihre Staaten nach vorn bringen. Wenn sie ihr Buschland in einen zweiten amerikanischen Getreidegürtel verwandeln können, werden sie es tun.“ Oft treffen die anschließenden Vertreibungen nationale Minderheiten, die in der jeweiligen Hauptstadt „ihres“ Landes kaum repräsentiert sind, kritisiert Fred Pearce. Und demonstriert dies eindrucksvoll am Beispiel Äthiopiens: Gambella ist „die ärmste Provinz in einem der ärmsten Län-

Fred Pearce: Land Grabbing. Der globale Kampf um Grund und Boden. Kunstmann, 397 S., € 23,60

Pearce erweist sich als engagierter und penibler Rechercheur, legt die Hintergründe und Beteiligten jedes einzelnen Falls ausführlich dar. Doch die Fülle an Details erschlägt zuweilen. Pearce ist dort am stärksten, wo er Schlüsse zieht und zusammenfasst, etwa was die möglichen Auswirkungen des neuen Klimaschutz­ mech­­anismus REDD anbelangt. K ari n C h lad e k

Die leere Revolverkammer oder Ich bin dann mal weg Ökologie: Lothar Frenz’ Geschichte des Lebens und Sterbens der Arten hat das Zeug, Wissenschaftsbuch des Jahres zu werden onesome George starb im Alter von L 100 Jahren am 24. Juni 2012. Er war der letzte lebende Vertreter der Galapagos-

Schildkröten. Paul R. Ehrlich, Professor für Biologie in Stanford, meinte dazu: „Artensterben ist wie Russisches Roulette: Jede Art, die ohne schwerwiegende Folgen ausgerottet wird, entspricht einer leeren Revolverkammer. Aber wie sollen wir das wissen, bevor wir abdrücken?“ Die durchschnittliche Lebensdauer einer Tierart betrug bisher etwa zehn Millionen Jahre, danach gab es entweder besser angepasste Nachfolger oder bessere Konkurrenten. Mehrmals kam es in unserer Erdgeschichte auch schon zu Massenuntergängen: Vor ca. 250 Millionen Jahren starben vermutlich fast 90 Prozent aller auf der Erde lebenden Tierarten aus, und vor 65 Millionen Jahren wurden neben den Dinosauriern auch 15 Prozent aller Meereslebewesen ausgelöscht. Trotz dieser Katastrophen lag die errechnete Aussterberate bisher bei neun Prozent pro einer Million Jahre. Das bedeutet, dass in einer Welt mit zwei Millionen lebenden Arten alle fünf Jahre eine Spezies unwiederbringlich verschwindet. Seit der Industriellen Revolution haben wir

diese Rate ganz wesentlich verändert: In den 1970er-Jahren schätzte man, dass etwa eine Art pro Tag ausgerottet wurde, in den 1980ern vermutete man bereits den Verlust einer Art pro Stunde. Hinter diesen eher ab-

strakten Zahlen stehen aber auch Geschichten und Schicksale. Anders als bei den Dinosauriern verpassen wir manche Tierarten nur um einen erdgeschichtlich winzigen Augenblick. „Gestern“ waren manche Lebewesen noch da, aber wir können sie heute nicht mehr kennenlernen.

lich, nachdem eine bestimmte Art ausgelöscht wurde? Fast wie in einem Kriminalroman müssen die einzelnen mosaikartigen Berichte über eine vergangene Tierart mit Klimageschichte und Aspekten der Ökologie zu einem plausiblen Bild zusammengesetzt werden.

Der Biologe und Journalist Lothar Frenz hat

rollt der Autor eine Geschichte des Lebens und Sterbens auf unserem Planeten: Fünf Milliarden Wandertauben, die häufigste Vogelart Nordamerikas, verschwanden innerhalb von nur hundert Jahren. Darf man ein Insekt absichtlich ausrotten, nur weil es als Parasit auf einer bedrohten Tierart wie dem Kalifornischen Kondor lebt? Und auch wenn man die letzten Exemplare des Pyrenäen-Steinbocks schützt, kann man dann trotz Inzucht daraus eine dauerhafte und überlebensfähige Population züchten? Die Dimensionen der Geschichten reichen weit über die bloße naturwissenschaftliche Perspektive hinaus und erörtern auch die kulturellen und sozialen Hintergründe, die zum Verschwinden der Arten geführt haben. Frenz schreibt nicht belehrend „deutsch“, sondern in jenem feinen Stil angloamerikanischer Wissenschaftsautoren, die trockene Fakten zu spannenden Storys ausbauen. Ein Anwärter auf das Wissenschaftsbuch des Jahres!

gut recherchierte Fakten über das Verschwinden der Arten in gut lesbare und lesenswert gute Geschichten gepackt. Weshalb sterben eigentlich einige Arten aus und andere erholen sich in ihrem Bestand wieder? Auf welche Weise verschwinden die Letzten ihrer Art? Und was ist bis kurz vor dem Abgang des letzten überlebenden Individuums passiert? Der Nestor der Biodiversitätsforschung, Edward O. Wilson, meinte dazu sehr treffend: „Jede Art lebt – und stirbt – auf ihre ureigene, einmalige Weise“. Und genau diesen Gründen und ökologischen Entwicklungen folgt Frenz in seinem erstaunlichen Buch. Er stellt jene wenigen Arten vor, die wir „gerade eben verpasst“ haben, die erst seit „gestern“, also in jenen fünfhundert Jahren seit Kolumbus, nicht mehr auf der Erde, sondern – meist mit menschlichem Zutun – ausgerottet worden sind. Doch sein Blick ist nicht nur in die Vergangenheit gerichtet, sondern er geht auch der Frage nach: Was passiert eigent-

In 23 kurzen und kurzweiligen Kapiteln ent-

Lothar Frenz: Lonesome George oder das Verschwinden der Arten. Rowohlt, 347 S., € 20,60

P e t e r I wa n i e wicz

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Innovationen aus Riegersburg, Schrems und Zwettl Ökologie: 36 heimische Ökopioniere bzw. umwelt- und sozialverträgliche Firmen im Porträt – eine Leistungsschau ie österreichischen Unternehmerinnen D und Unternehmer, die Daniela Müller und Eva-Maria Repolusk in ihrem Buch

porträtieren, sind in den unterschiedlichsten Sparten tätig: Druckereibetreiber, Architekten, Künstler, Winzer, Brauer, Köche, Kaufleute, Designer, Hoteliers u.v.m. Einiges haben sie jedoch gemeinsam: den festen Willen, andere Wege zu gehen als die Mainstream-Wirtschaft, Leidenschaft für das eigene Tun, eine meist enge Verbundenheit mit der Region und eine Orientierung an anderen Zielen als rein monetärem Gewinnstreben. Sie sind offen für ungewöhnliche Kooperationen – etwa mit Künstlern – und Querbezüge. Umwelt- und sozialverträgliches Handeln und Produzieren ist ihnen allen ein Anliegen. Manche sind auch im internationalen Raum tätig und international bekannter als hierzulande, manche konzentrieren sich auf ihre Region und auf Österreich. 36 teils sehr bekannte, teils in der breiten Öffentlichkeit auch weniger bekannte Pioniere dessen, was man „nachhaltiges Wirtschaften“ nennt, werden vorgestellt, begleitet von liebevollen Bildern der Fotografin Eva-Maria Repolusk. Wie die Autorinnen im Vorwort betonen, mögen weder sie selbst noch ihre Interviewpartner den Begriff „Nachhaltigkeit“. Möglicherweise, weil dieser nach wie vor von vielen als schwammig empfunden wird, oder auch, weil in den letzten Jahrzehnten Missbrauch damit getrieben wurde.

Auch im großstädtischen Bereich gibt es Pioniere, die hohe Ansprüche an ihre Produkte und ihre Wirtschaftsweise stellen: Vieles, was mit Design zu tun hat, ist auf großstädtischem Boden gewachsen. So hat sich das Team des Fair-TradeModelabels „Göttin des Glücks“ in Wien gefunden, und auch die Mann- und Frauschaft, die unter dem Namen „Das Goldene Wiener Herz“ originelle und authentische Souvenirs wie Weingläser, Porzellanbecher und Postkarten herstellt, arbeitet in der Bundeshauptstadt.

Anhand der Porträts der kleinen und mittleren Betriebe und der jeweiligen Gründerpersönlichkeiten von B (wie Reinhard Backhausen) bis Z (wie Josef Zotter) wird jedenfalls klar, was Nachhaltigkeit nicht ist – einzelne mehr oder weniger PR-wirksame Aktionen abseits des Kerngeschäfts, in dem „business as usual“ betrieben wird. Die Meister der eigenen Wege trifft man vor-

rangig in ländlichen Regionen, die sie inzwischen oft prägen. So ist das steirische Riegersburg als Sitz des Chocolatiers Josef Zotter fast schon bekannter als für die Festung vor Ort, und das niederösterreichische Schrems wird unweigerlich mit den „Waldviertler“-Schuhen von Heini Staudinger assoziiert. Sie alle haben klein angefangen, mit wenigen Produkten und oft als One-Man- oder One-Woman-Show. So auch der „Sonnentor“-Gründer Johannes Gutmann, der vor etwas mehr als 20 Jahren die Kräuter einiger ihm bekannter Bauern noch selbst auf dem Marktplatz von Zwettl verkaufte. Heute beschäftigt Gutmann rund 245 Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter in Österreich und im Ausland. Nun sind Kräuter nicht lebensnotwendig, doch die örtliche Nahversorgung ist es. Im kleinen Ort St. Thomas am Blasenstein im oberösterreichischen Mühlviertel konnte durch ein Bürgerbeteiligungsmodell mit einem engagierten Vereinsvorstand der Fortbestand des einzigen Lebensmittelgeschäfts gesichert werden.

Bis auf wenige Ausnahmen sind alle Porträtier-

Daniela Müller, Eva-Maria Repolusk: Alles, was Grün ist! Österreichs ÖkoPioniere und ihre unkonventionellen Wege zum Erfolg. Pustet, 158 S., € 25,–

ten KMUs, kleine und mittlere Unternehmen, wie sie prägend für die österreichische Wirtschaft sind. Die meisten sind Start-ups, von Gründerpersönlichkeiten dominierte Unternehmen oder manchmal auch Familienunternehmen mit langer Tradition. Gerade für sie gehen Umwelt- und Sozialverträglichkeit oft Hand in Hand mit Innovation: Der Einsatz modernster Technik ist etwa für Reinhard Backhausen und Ernst Gugler sogar der Schlüssel dazu. Der renommierte Textil- und der Druckereiunternehmer setzen auf das Cradle-to-cradle-Prinzip, um Stoffe oder Printprodukte herzustellen, die vollständig wiederverwertbar sind. Mutmachergeschichten in Zeiten der Wirtschaftskrise, darüber, wie man es anders – und einfach besser – machen kann. K ari n C h ladek

Baumwolle ist nicht gleichbedeutend mit gut Ökologie: Andreas Engelhardt informiert über die Risiken der Baumwollproduktion und die Alternativen: Zellulosefasern er Blick aufs Etikett entscheidet mit: D Ist das T-Shirt aus 100 Prozent Baumwolle, wird es gern genommen. Denn was

könnte natürlicher sein als Baumwolle? „Natürlich“ ist allerdings relativ, entfallen doch auf Baumwollfelder acht bis zehn Prozent der weltweit eingesetzten Pestizide – obwohl Baumwollanbau nur 2,4 Prozent der Anbauflächen einnimmt. Außerdem ist die Pflanze derart durstig, dass es sich eine Volkswirtschaft oder ein Agrarunternehmen gut überlegen sollte, ob die Bedingungen in der angepeilten Region überhaupt gegeben sind. Keine gute Idee jedenfalls war es, die Region

um den Aralsee im heutigen Kasachstan und Usbekistan mit Baumwollfeldern zuzupflanzen. Die Zuflüsse des Sees versiegten durch die künstliche Bewässerung immer mehr, woraufhin die Fläche des Sees fast um die Hälfte schrumpfte und der restliche See zunehmend versalzte. Andere traditionell wichtige Wirtschaftszweige wie die Fischerei litten, ebenso die Gesundheit der Anwohner. Trinkwasser und lokale Feldfrüchte sind durch die auf den Baumwollfeldern eingesetzten Agrarchemikalien massiv verseucht, die Säuglingssterblichkeit rund um den See so hoch wie sonst nur in den ärmsten Ländern Afrikas. Apropos Afrika: Für rund 30 afrikanische Staaten ist Baumwolle kein Fluch, sondern ein Segen. Baumwolle gehört für sie zu den Hauptexportprodukten. Die Existenz von

vielen tausenden Kleinbetrieben hängt von ihr ab. Mit den niedrigen Preisen vor allem der US-Baumwollfarmer, aber auch den Baumwollproduzenten Chinas, der Türkei und der EU, die nur durch massive Subventionen möglich sind, können die Afrikaner jedoch nicht mithalten. Von einem bekannten Versandhaus wurde ein Gütesiegel „Cotton made in Africa“ initiiert, um auf Produkte aus afrikanischer Baumwolle hinzuweisen und es so kritischen Konsumenten zu ermöglichen, diese Produkte gezielt zu kaufen. Andreas Engelhardt weist darauf hin, dass dieses Gütesiegel zwar keine Bio-Baumwolle kennzeichnet, aber trotzdem „nachhaltigere“ Baumwolle, denn die afrikanischen Kleinunternehmer setzen möglichst wenig Pestizide ein, verzichten auf künstliche Bewässerung und betreiben Anbau in Fruchtfolge. Zertifizierte Bio-Baumwolle macht nur etwa ein Prozent der weltweiten Produktion aus. Und das, obwohl sich die Erntemenge in den vergangenen fünf Jahren fast verzehnfacht hat. Der Autor kann sich die Anmerkung nicht verkneifen, dass es angesichts dieser Tatsache verwundert, was alles als Bio-Baumwollprodukt beworben wird. Allerdings ist „Peak Cotton“, die maximal mögliche Produktionsmenge an Baumwolle, absehbar: Engelhardt legt überzeugend dar, dass die Anbauflächen kaum auszuweiten sein werden, denn es gibt zunehmend Konkurrenz durch Nahrungsmittel- und Agrospritkulturen. Auch höhere

Baumwoll-Ernteerträge durch einen weiteren Technologiesprung (Stichwort: Gentechnik) seien nicht realistisch. Baumwolle verliert also künftig seine heutige Bedeutung von gut 30 Prozent aller verwendeten Fasern weltweit. „Schwarzbuch Baumwolle“ hält nur bedingt,

Andreas Engelhardt: Schwarzbuch Baumwolle. Was wir wirklich auf der Haut tragen. Zsolnay, 221 S., € 18,40

was der Titel verspricht. Es ist keine Abrechnung mit der oft gar nicht so nachhaltigen Baumwolle, sondern eine sachliche Abhandlung über den derzeitigen und möglichen zukünftigen Stand der Textil- und Bekleidungsindustrie, wobei die aus einer Logik der Nachhaltigkeit, Verfügbarkeit und Nachfrage künftig führenden Materialien im Zentrum der Diskussion stehen. Textilexperte und Consulter Andreas Engelhardt weiß, wovon er spricht, und er weiß, mit welchen Zahlen und Quellen er seine Argumente, die in Richtung einer zukünftigen Dominanz von Zellulosefasern auf Holzbasis gehen, untermauert. Das auf Zellulose spezialisierte österreichische Textilunternehmen Lenzing scheint auch in Sachen Nachhaltigkeit führend zu sein, wenn man den zahlreichen Tabellen, die vorwiegend von der Lenzig AG selbst stammen, glauben kann. Schade nur, dass Engelhardts Werk stilistisch eher zum Fachbuch tendiert, also nicht gerade mitreißt. Wen aber genauer interessiert, „was wir wirklich auf der Haut tragen“, dem sei es dennoch empfohlen. K ari n C h ladek

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sachbuch

Wild, zornig, unverschämt, geil, tückisch Biologie: Alfred Brehms subjektive, romantische, demagogische Tierbeschreibungen werden 150 Jahre alt Leidenschaft und individuelles Erleben in den Mittelpunkt stellte. Anders als sein Landsmann Karl May hatte er die fernen Kontinente tatsächlich bereist und ließ das aufkommende Bürgertum an der Exotik, Faszination und Bedrohlichkeit der belebten Welt teilhaben. Er beseelte die einzelnen Tierarten und schrieb über sie in einer Weise, die damals eine große Leserschaft ansprach, die wir heute aber eher als skurril und unobjektiv empfinden.

Die Augen des Kolonialherren

Vermenschlichte Tiere

Solche Erkundungsfahrten waren im 19. Jahrhundert noch wagemutige Unternehmungen ohne standardisierte naturwissenschaftliche Methodik. Man betrachtete die indigene Bevölkerung, die fremden Landschaften und die unbekannten Tierarten mit den Augen eines Kolonialherren, der diese neuen Welten mit dem moralischen Zollstock des Abendlands vermaß. Als sich Alfred Brehm mit 25 Jahren in Leipzig niederließ, begann er als freier Schriftsteller zu arbeiten. Er bereitete die Erkenntnisse seiner Reisen populärwissenschaftlich auf und veröffentlichte diese in der damals sehr erfolgreichen Familienzeitschrift Die Gartenlaube. Diese Reportagen aus der Tierwelt stießen beim aufkommenden Bildungsbürgertum auf so große Resonanz, dass der Verleger Herrmann Julius Meyer ein zehnbändiges Werk über das Tierreich für das Bibliographische Institut in Hildburghausen bei ihm bestellte. Die ersten Bände erschienen noch unter dem allgemeinen Titel „Illustrirtes Thierleben“ (sic!), doch schon ab der zweiten, erweiterten Auflage machte es ihn unter dem Namen „Brehms Thierleben“ weltweit bekannt. Sein Verdienst als Autor war es, als einer der Ersten seiner Zeit gleichermaßen detaillierte wie auch vermenschlichte Schilderungen des Lebens von wilden Tieren zu liefern. Als Schriftsteller war er jedoch weniger studierter Naturwissenschaftler als Romantiker, der in seinen faunistischen Beschreibungen vor allem Gefühl,

Schimpansen hatte er ins Herz geschlossen, und so fiel sein Urteil über sie wohlwollend und direkt modern aus: „Einen solchen Affen kann man nicht wie ein Thier behandeln, sondern mit ihm nur wie mit einem Menschen verkehren. Ungeachtet aller Eigenthümlichkeiten, welche er bekundet, zeigt er in seinem Wesen und Gebaren so außerordentlich viel Menschliches, daß man das Thier beinahe vergißt. Sein Leib ist der eines Thieres, sein Verstand steht mit dem eines rohen Menschen fast auf einer und derselben Stufe.“ Andere Affenarten jedoch hatten bei ihm keine Chance: „Die Paviane sind alle mehr oder minder schlechte Kerle, immer wild, zornig, unverschämt, geil, tückisch; ihre Schnauze ist ins gröbste Hundeartige ausgearbeitet, ihr Gesicht entstellt, ihr After das Unverschämteste.“ Auch der Naturschutz war seine Sache nicht. Bei der Kreuzotter lobt er zwar eingangs noch ihren besonderen Nutzen für den Bauern, da sie Schädlinge vertilgt, aber dann bricht doch wieder die Angst des Romantikers vor der Bedrohung durch die wilde, ungezügelte Natur hervor: „Und in der That, bei keinem deutschen Thiere weiter ist die rücksichtsloseste, unnachsichtlichste Verfolgung in demselben Grade gerechtfertigt wie bei ihr.“ Im Jahre 1863 erschienen die ersten Bände des „Illustrierten Thierlebens“. Anlässlich des runden Jubiläums im nächsten Jahr hat sich der Meyers Verlag der editorischen Herausforderung gestellt, eine

Auswahl von Texten aus einer vergangenen Epoche neu herauszugeben.

PC und Demagogie

Brehms Thierleben: Eine Auswahl der schönsten Texte und Illustrationen. Redaktion: Jürgen C. Hess. Meyers, 160 S., € 30,90

Im Vorwort zu dieser Neuausgabe findet sich daher auch gleich folgender Hinweis: „Wenn Brehm ein Tier für dumm oder feige, heimtückisch oder hässlich hielt, dann drückte er es auch in genau diesen Worten aus. Heutzutage wäre dies nicht zuletzt aus Gründen der ,Political Correctness‘ undenkbar. Aber vermutlich liegt gerade darin der Reiz der vor 150 Jahre entstandenen Tierbeschreibungen.“ Leider kann man an diesem literarischen Reiz des 19. Jahrhunderts nicht wirklich teilhaben, denn die Originaltexte wurden – wie die Redaktion anmerkt – „notwendigerweise meist stark gekürzt“. Die Auslassungen werden zwar korrekt mit entsprechenden Klammerzeichen ausgewiesen, aber gerade deswegen bleibt beim Lesen der Eindruck zurück, es würde einem als Leser nicht zugetraut, diese Texte in all ihrer verblüffenden Subjektivität als Zeitzeugnisse verstehen zu können. So liegen in dem Buch nur sehr allgemeine Beschreibungen vor, die wissenschaftlich oft schon überholt sind. Dabei könnte man vom Original-Brehm die hohe Schule der Demagogie erlernen, neben der sich die Rhetorik wahlkämpfender Politiker direkt zurückhaltend anhört: „Die Nashörner sind zwar nicht die plumpesten unter den Plumpen, aber doch sehr mißgestaltet.“ Der Charme dieses Bandes liegt vielmehr in den schönen, detailreichen Originalillustrationen des Tiermalers Gustav Mützel. Diese trugen damals erheblich zur Beliebtheit der „Thierleben“-Bände bei. Charles Darwin meinte in einem Vorwort zu einer schwedischen Ausgabe, es seien die besten Abbildungen von Tieren, die er je in einem Buch gesehen hätte. Insofern kann man auch heute noch der Optik und Haptik dieses gedruckten Buches verfallen – ein gutes Beispiel dafür, welche bibliophilen Schwingungen E-Books eben nicht vermitteln können. P e t e r I w a n i e w ic z

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

A

lfred Edmund Brehm, Sohn eines Pfarrers aus Thüringen, wollte eigentlich Architekt werden und ging zuerst bei einem Baumeister in die Lehre. Als ein bekannter Ornithologe einen Begleiter für eine Afrika-Expedition suchte, brach Brehm sein frisch begonnenes Architekturstudium ab und bereiste in den nächsten fünf Jahren Ägypten, den Sudan und die Sinai-Halbinsel. Es folgten weitere Einladungen, die ihn nach Abessinien, Skandinavien und Sibirien führten.

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Sechs Fäuste für die Naturwissenschaft

Härter, schärfer, haltbarer und vielseitiger

Wissenschaftsvermittlung: Die „Boygroup“ made in Austria Science Busters kämpft mit Zweitbuch gegen das Unwissen

Technikgeschichte: Hans R. Kricheldorf legt eine unkritische Geschichte des technischen Materials des Menschen vor

atte der Urknall Hintermänner?“, H heißt einer ihrer letzten Kabaretttitel. „Von Kofferbomben und Bomben-

on der Bronze zum Eisen über Stahl und Silizium zu KunstV dünger und Polypropylen – der Fort-

koffern“ handelte einer der illustren Vorgänger. Mit über 30 Programmen standen die Physiker Werner Gruber und Heinz Oberhummer gemeinsam mit dem Kabarettisten Martin Puntigam bereits auf der Bühne – meist auf jener des Wiener Rabenhof-Theaters, seit 2011 auch vor den Kameras des ORF-Fernsehens. Mit oft derben Wuchteln, anschaulichen Vergleichen und fetzigen Experimenten schleudern sie Naturwissenschaft unters Volk. In „Crucifixion Party“ etwa demonstrierte Puntigam in Unterhosen, dass es möglich ist, über einen „See Genezareth“ im Holzschaffel zu laufen – vorausgesetzt, das Wasser war von Gruber zuvor mit reichlich Maisstärke verrührt worden. Im Urknall-Programm greift Oberhummer mit zarten 81 Jahren zur EGitarre und imitiert Bill Haley. Angst, sich lächerlich zu machen, hat hier niemand. 2010 wählten sich die drei statt ihrer saloppen Sager ein Zitat Marie von Ebner-Eschenbachs als Buchtitel: „Wer nichts weiß, muss alles glauben“ wurde zum mehrfach ausgezeichneten Bestseller. Mit „Gedankenlesen durch Schneckenstreicheln“ folgt nun die Fortsetzung. Von graumelierter Seriosität hält sich die „schärfste Science-Boygroup der Milchstraße“ (Eigendefinition) im Durchschnittsalter von über 50 Jahren fern. „Was wären Sie lieber: ein Seehase, ein

Wasserbär oder ein Wurmgrunzer?“, lautet die Einstiegsfrage. Es folgt ein ebenso unsystematischer wie unterhaltsamer Streifzug durch physikalische und physiologische Phänomene des Tierreichs – von Spiegelneuronen über die Erklärung, wie das Salz ins Meer kam, bis zur Formel für die Berechnung des Pinguin-Weitwurfs. Dazwischen gibt’s banale Kalauer und nicht immer appetitliche Alltagsvergleiche. Geblieben ist die offenkundige Verachtung alles Esoterischen und Religiösen, etwa bei der Spekulation darüber, wie sich das Abbild Jesu bei der Auferstehung ins Leichentuch eingebrannt haben könnte: „Hat Jesus einen Kavalierstart hingelegt, ist es bei der Entstehung des Grabtuchs wirklich so zugegangen wie beim GTITreffen.“ Neben den anschaulich erklärten Naturgesetzen gilt hier offenbar ein alter Grundsatz der Unterhaltungsbranche: Du darfst alles, nur nicht langweilen. Aus dem endlos geflochtenen Band physikalischer und biologischer Erkenntnisse sind immer wieder die einzelnen Stimmen der Autoren herauszuhören: Der emeritierte TU-Professor für Kern- und Astrophysik Heinz

Oberhummer führt kosmische Zusammenhänge und „esoterische“ Koinzidenzen auf handfeste und nicht weniger faszinierende Statistik und Wahrscheinlichkeitsrechnung zurück – wie auch schon in seinem ausgezeichneten Solowerk „Kann das alles Zufall sein?“. Der Papierfliegerforscher und Anti-

Nacktscanner-Aktivist sowie Universitätslektor Werner Gruber reüssierte mit seinem Buch „Die Genussformel“ (2008) auch schon als Küchenphysiker. Hier gräbt er zum Drüberstreuen ein Rezept für Maikäfersuppe aus dem 19. Jahrhundert aus. Und Kabarettist Puntigam bringt auch beim trockensten Thema noch eine feuchtfröhliche Pointe unter. Der Seehase ist übrigens besser als Aplysia, eine Wasserschneckenart, bekannt. Das geduldige „Streicheln“ des Schnecken-Hinterendes und die Beobachtung der neuronalen Prozesse beim dadurch abtrainierten Kiemenrückziehreflex verhalfen Eric Kandel zum Nobelpreis – und dem vorliegenden Buch zu seinem Titel. Auch die Auflösungen für den „Wasserbären“ und den „Wurmgrunzer“ folgen im Lauf der Lektüre. Wer das neue Busters-Buch zufällig irgendwo aufschlägt, legt es möglicherweise rasch wieder zurück. Zu derb ist es an der einen Stelle, zu banal an der anderen, manchmal nahezu blasphemisch. Andererseits könnten die Factboxes, die man dem Leser zwischendurch zumutet, manchen zu anstrengend sein. Doch im Ganzen funktioniert diese Wildwestvariante der Wissenschaftskommunikation erstaunlich gut. Das Spektrum von wirklich tiefem Vorstadtbeislniveau bis zur höheren Physik ist beeindruckend. Auf dieser breiten Klaviatur spielen die scheinbar so groben Aufklärer virtuos. Wer nichts lesen will, kann das alles auch hören. Im zeitgleich erschienenen Hörbuch mischt sich Harry Rowohlts Stimme perfekt mit dem rauen Ton der Truppe. Auch wenn hier nicht jeder Aspekt den Geschmack jedes Hörer oder jeder Leserin trifft: Der Transfer von naturwissenschaftlichem Know-how gelingt, ohne je zu langweilen. A n dr e as K r e m l a

Martin Puntigam, Werner Gruber, Heinz Oberhummer: Gedanken­lesen durch Schnecken­ streicheln. Hanser, 296 S., € 20,50

schritt schreitet munter voran. Kunststoffe seien der vorläufige Gipfelpunkt der Entwicklungen unserer Materialien, die zu den Stützen unserer Zivilisation wurden, meint Hans R. Kricheldorf. Dass sie auch Probleme aufwerfen, stört ihn weniger. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts teilen wir die Frühzeit der Menschheitsgeschichte historisch in Epochen ein, die nach dem modernsten Material benannt werden, das jeweils zur Verfügung stand: Die Bronzezeit löste die Steinzeit ab, und die musste ihrerseits der Eisenzeit weichen. Die Neugier der Menschen und der technische Fortschritt ermöglichten es ihnen, mit neuen Materialien umzugehen, zum Beispiel Bronze aus Kupfer und Zinn zu legieren oder Eisenerz zu verhütten und daraus irgendwann Stahl zu schmieden. Das jeweils neue Material erwies sich als härter, schärfer, haltbarer und vielseitiger im Einsatz. Daraus ließen sich bessere und schönere Werkzeuge, Waffen, Haushaltsgeräte oder Schmuck herstellen. Hans R. Kricheldorf, Professor für Poly-

merchemie im Ruhestand, macht ein neues Zeitalter der Zivilisation aus: das der Kunststoffe, wissenschaftlich korrekt: Polymere. Allerdings sieht er Polystyrol, Polypropylen oder Polyvinylchlorid (PVC) und wie sie alle heißen weit weniger problematisch als etwa Werner Boote in seinem Dokumentarfilm „Plastic Planet“ (2009). Für ihn steht das Material im Vordergrund und was man damit alles Tolles anstellen kann. Immer wieder preist er die Erfinder, denen er kleine Biografien widmet. Erst am Ende seines Buches mit der Anmutung einer trockenen enzyklopädischen Materialkunde geht Kricheldorf auf neue Kunststoffe aus nachwachsenden Rohstoffen ein, an denen Chemiekonzerne und Wissenschaftler gerade forschen. Denn auch sie wissen: Konventionelles Plastik besteht aus Kohle oder Erdöl, und die werden in absehbarer Zeit rar und teuer. Da ist es nicht nur ökologischer, sondern auch ökonomischer, auf nachwachsende Rohstoffe zu setzen. Und davon gibt es durchaus Interessantes zu berichten: Etwa produzieren viele Bakterien Polyester (PHB) als Nahrungsreserve. Das kristalline PHB kann isoliert und somit als biologisch erzeugter Thermoplast produziert werden. Daraus können Folien, Becher oder Flaschen hergestellt werden. Auch aus Milchsäure kann man „Plastik“ erzeugen – oder aus Bernsteinsäure oder Traubenzucker. Man hat prompt auch schon genmanipulierte Pflanzen als Produzenten des neuen Kunststoffs getestet.

Was dann wieder andere Probleme aufwirft, von denen aber Kricheldorf nicht spricht. Nach dem Motto: Was gehen mich ethische Überlegungen oder irrationale Ängste an, ich bin Chemiker und kein Theologe. Eine etwas veraltete Position, sollte man meinen. Da passt dann auch dazu, dass einer seiner wissenschaftlichen Heroen Karl Ziegler ist. Der bekam 1963 den Nobelpreis für die

Entdeckung des Verfahrens, das die Erzeugung von Polypropylen (PP) möglich machte. Kricheldorf notiert trocken: „In der Zeit des Nationalsozialismus war Ziegler Mitglieder der SS und erhielt 1940 das Kriegsverdienstkreuz 2. Klasse für militärisch nutzbare Forschung. Er war 1949 Mitbegründer der Deutschen Chemischen Gesellschaft und in den ersten fünf Jahren auch deren Präsident.“ Mehr Kommentar gibt es dazu nicht, für kritische Reflexionen war hier offenbar kein Platz. Die Beschreibungen nicht enden wollender Varianten der Polymere und anderer Materialien lesen sich manchmal durchaus spannend, weil Kricheldorf zumindest hin und wieder einen historischen Blick auf die Entwicklung bestimmter Stoffe wie Stahl, Aluminium, Silizium, Kunstdünger oder Pestizide wirft. Beim Kunstdünger und den Pestiziden natürlich, ohne ein Wort darüber zu verlieren, was die mit unserem Grundwasser oder unseren Körpern anstellen. Kricheldorf lobt diese Erfindungen, weil sie eine Wiederholung von Hungerkatastrophen wie jener durch einen Pilzbefall von Kartoffelpflanzen ausgelösten Erntekrise in Irland 1845–1849 verhinderten. Damals starben eine Million Iren, und zwei Millionen wurden zur Auswanderung gezwungen. Kricheldorf pflegt einen positivistischen

Blick auf den Fortschritt seiner Wissenschaft. Wer am Aufbau und Nutzen von Cellulose, synthetischen Textilfasern oder Elastomeren interessiert ist, liegt mit diesem Buch richtig. Wer einen historisch fundierten kritischen Blick auf den technischen Fortschritt aus der Perspektive der Materialkunde oder gar der Ökologie erwartet, wird enttäuscht. T homas V i e r i c h

Hans R. Kricheldorf: Menschen und ihre Materialien. Von der Steinzeit bis heute. Wiley, 240 S., € 25,60

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sachbuch

Das Seriöse, das Erhabene, Sex, Drugs & Rock ’n’ Roll Musik: Hartmut Fladt erklärt mit großem Wissen und ein bisschen Witz die Sprache der Musik, von der Klassik bis zum Pop usik, das ist eine Binsenweisheit, verM mag starke Gefühle zu erzeugen. Der Bogen reicht von totaler Begeisterung bis zu völliger Ablehnung. Woran es oftmals fehlt, sind nachvollziehbare Maßstäbe dafür, warum einem etwas gefällt oder nicht – ja, überhaupt ein Vokabular dafür, was man hört und beim Musikhören empfindet.

Hartmut Fladt will in der Angelegenheit helfen. Denn, auf den Fall des Nichtgefallens bezogen: „Mit Kriterien für ein begründetes Ablehnen, für verständigeres Nichtmögen oder gar Hassen ist alles doch erheblich befriedigender.“ Der Mann, der sich via Buchtitel und ohne Koketterie als „Musikversteher“ zu erkennen gibt, hat eine wöchentliche Radiosendung, in der er anhand von aktuellen Pop-Beispielen erklärt, was Musik mit uns macht und wie die Schreiber, Produzenten und Interpreten das anstellen. Ursprünglich kommt er von der klassischen Musik, ist studierter Komponist und Musikwissenschaftler und unterrichtet seit über 30 Jahren Musiktheorie an der Universität der Künste in Berlin. Sein Credo ist so wahr wie sympathisch: „Es

gibt keine ,guten‘ und ,schlechten‘ Musikrichtungen, es gibt nur gute und schlechte Musik. Und über Qualitätskriterien muss immer wieder neu nachgedacht werden.“ Sein Buch legt er als gründlichen Crashkurs in Sachen Musikanalyse an. Dieser ist

von zahlreichen Beispielen durchzogen, von Beethoven über Elvis bis zu Tokio Hotel. Auch die die nötige Theorie und Terminologie vermittelnden Kapitel im ersten Teil sind durchwegs lebendig und praxisnah.

erklärt der Autor auch, wie das Populäre in den klassischen Musikbetrieb hineinwirkt. Er zitiert an einer Stelle den Briefwechsel zwischen Wolfgang Amadeus Mozart und seinem Vater. Als dieser rät, der Sohn solle in seinen Kompositionen nicht auf eingängige Elemente vergessen, antwortet der: „Wegen dem sogenannten Popolare sorgen Sie nichts, denn in meiner Oper ist Musick für aller Gattung Leute – ausgenommen für lange Ohren nicht.“ Damit sind musikalische Ignoranten und Snobs gemeint.

Fladt beginnt mit dem Orpheus-Mythos und

der Feststellung, dass es in den musikalischen Lagern immer schon Apolliniker und Dionysiker gab. Erstere für das Seriöse und Erhabene, Zweitere für Sex, Drugs & Rock ’n’ Roll zuständig. Er bleibt aber nicht lang in philosophischen Sphären, sondern untersucht in den Kreativfabriken des Pop, wie es manchen Stücken durch kleine Melodiefragmente gelingt, sich im Ohr des Hörers festzukrallen und zum Ohrwurm zu werden. Geschickt schmuggelt er dem Leser hier ein wenig Harmonielehre unter. Auch die Frage nach dem Groove und warum man bei manchem Rhythmus immer mit muss, wird anschaulich beantwortet. Dass es sich um einen mit allen Wassern ge-

waschenen Profi handelt, merkt man daran, wie leicht ihm sowohl grundsätzliche Bemerkungen wie auch Detailanalysen fallen und wie mühelos er zwischen Oberfläche und Tiefe hin und her springt. Am meisten fällt Fladt dabei, wenig überraschend, zu den Songs der Beatles ein. Aber auch „das Schlechte“ (sprich: der Schlager) kommt zu seinem Recht und wird mitunter, etwa im Fall von Udo Jürgens, sogar für gut befunden. Umgekehrt

Hartmut Fladt: Der Musikversteher. Was wir fühlen, wenn wir hören. Aufbau, 329 S., € 20,60

Ganz frei von Snobismus und Antipathien kommt Fladt allerdings auch nicht aus. Der Free Jazz eines Peter Brötzmann etwa schmeichelt seinen Ohren nicht, und auch US-Gangstarap ist samt und sonders Mist („hymnischer Wortdurchfall“). Vielleicht sollte man doch nicht alles in einen Topf schmeißen. Denn so bewandert in sämtlichen Stilen und Standardtänzen, wie er es gerne zu verstehen geben würde, ist der Fladt dann doch nicht. Den Stil „Electro House“, von dem im Buch mehrfach die Rede ist, gibt es in der Form nämlich nicht. Electro und House sind zwei Stile, die auf grundverschiedenen Rhythmen basieren („Boing-bumm-tschack“ bzw. „Bumm-bumm-bumm-bumm“). Bei allem Fachwissen und Parlieren über kompositorische Raffinessen und Klischees stößt auch ein „Musikversteher“ manchmal an seine Grenzen. SEBASTIAN FASTHUBER

Wiederauflegen, wiederholen, sampeln Musik: Simon Reynolds erklärt, warum der aktuelle Retro-Hype sich beim Pop besonders falsch anfühlt. Fulminant imon Reynolds erzählt ein Popmärchen, S und er beginnt mit dem bitteren Ende. Pop ist in der Endlosschleife gelandet. Seit

den Nullerjahren habe „Retro“ überall das Kommando übernommen: in der Kunst, in der Mode, im Kino, im Fernsehen. Ein Revival jagt das nächste, und während Reynolds sich noch darüber amüsieren kann, dass ein Format wie „I love the Millennium“ – eine Art Nostalgieshow, die die Skurrilitäten der Nullerjahre präsentiert – schon 2008 im amerikanischen Fernsehen lief, hört sich bei ihm der Spaß auf, wenn es um Musik geht. „Obwohl man überall auf Spuren von Retro

trifft, nimmt es gerade in der Popmusik überhand. Und dort fühlt es sich besonders falsch an. Bei Pop ging es doch um die Verheißung der Gegenwart, oder?“ Retro ist lächerlich und uninspiriert; in der Popmusik ist es Verrat. Reynolds hat sich, als der „Stoffwechsel des Pop“ noch in Ordnung war, in der Postpunk-Szene bewegt und mit „Rip it up and start again. Postpunk 1978–1984“ (2006) ein vielbeachtetes Buch darüber geschrieben. Damals, in den 1980er-Jahren, sei Pop noch in der Lage gewesen, Unerwartetes, „Wegweisendes“ hervorzubringen – also in die Zukunft zu zeigen –, aber auch noch später, im Techno der 1990er-, und natürlich erst recht früher, im Psychedelic der 1960er-, im Punk der 1970er-Jahre. Und jetzt? Jetzt ist Retro.

Reynolds arbeitet sich akribisch durch wiederaufgelegte, wiederholte, gesampelte kulturelle Produkte. Es geht ihm darum zu zeigen, was anders geworden ist in der Popmusik, die ja die Gegenwart immer auch mit Blick auf die eigene Vergangenheit verheißen hat, vom Neo-Folk der 1960er-Jahre bis zum „endlosen Fifties-Revival“, und er schreibt zu diesem Zweck eine Geschichte des popmusikalischen Zitierens und Sichaufeinander-Beziehens, die sich durchaus sehen lassen kann. Die postulierte Rückwärtsgewandtheit der Gegenwart des Pop illustriert Reynolds anhand naheliegender Beispiele wie der Tendenz erfolgreicher Independent-Bands, ihre „klassischen“ Alben nach Jahrzehnten wieder live zu spielen (wie Sonic Youth, die 2008 mit „Daydream Nation“ von 1988 auf Tour gingen). Das eigentliche Zeitbild aber seien die Retrotendenzen in der gegenwärtigen Musik: getreues Nachbilden vergangener Stile – The White Stripes, The Horrors und neue Musikproduktionen, die aus beliebigen Mash-ups zitierter Sounds bestünden. Einem frustrierenden „Heute“ muss ein bes-

seres „Damals“ gegenüberstehen. Reynolds „Damals“-Kapitel ist allerdings keine Beschwörung einer guten, alten, retrofreien Zeit, sondern eine Auseinandersetzung mit der Wiederholung vor dem Sampling, mit den Zeitkapseln von Punkrevivals und dem endlos selbstreferenziellen Rockabilly.

Reynolds ist ein viel zu guter Kenner der Popgeschichte und auch ein zu guter Erzähler, als dass seine Ausführungen zum bloßen Lamento verkommen würden; unübersehbar ist aber seine Unzufriedenheit mit dem Status quo, unmissverständlich die Forderung nach Innovationen, Originalem und Originärem. Mit Popprodukten, die diese Kriterien nicht

Simon Reynolds: Retromania. Wenn der Popkultur die Vergangenheit ausgeht. Ventil, 540 S., € 30,80

erfüllen, wird dabei nicht zimperlich verfahren: Ironie sei ein „Krebsgeschwür“, zitiert sich Reynolds selbst, um zu präzisieren: „Der Ausdruck für diese Wucherungen im gesamten Körper, Metastasen, bringt ganz nebenbei die Krankheiten des postmodernen Pop auf den Punkt: Es gibt eine tiefgreifende Verbindung zwischen Meta (Referenzialität, Kopien von Kopien) und Stasis (das Gefühl, die Popgeschichte sei zum Stillstand gekommen).“ Dass so markige Worte zum Widerspruch herausfordern, versteht sich von selbst. Reynolds musste sich nach dem Erscheinen seines Buches in den USA 2011 einiges an Kritik gefallen lassen. Der Bonus der deutschen Ausgabe: Sie enthält nicht nur das (exklusiv für die Übersetzung verfasste) Nachwort, mit dem sich Reynolds gegen seine Kritiker verteidigt, sondern auch ein ausgezeichnetes Vorwort von Didi Neidhart (skug). Die vormalige Kampfschrift wird damit zu einer Diskussion voller Popgeschichte, einem kritischen Vergnügen. N iko l aus S tenit z er

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Musikalische Europäer des 19. Jahrhunderts

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Die Mäzenin und der radikale Musikerneuerer

Oper: 2013 feiern mit Richard Wagner und Giuseppe Verdi zwei Musikgeschichte: Die Briefe von Alma Mahler und Arnold Schönberg sind nicht nur wissenschaftlich interessant Giganten des Genres 200. Geburtstag. Eine Doppelbiografie eide wurden 1813 geboren und B prägten die Operngeschichte des 19. Jahrhunderts: Giuseppe Verdi und

Richard Wagner. Das liefert Stoff für eine Doppelbiografie, zumal das Jubi­ läumsjahr vor der Tür steht. Der deutsche Kulturpublizist Eber­ hard Straub heftete sich an die Spu­ ren der beiden Opernrevolutionäre. Im Falle von Giuseppe Francesco Fort­ unio Verdi führen sie ins entlegene norditalienische Kleinstädtchen Bus­ setto, bei Richard Wagner ins urbane Leipzig zurück. Die weiteren Stationen der beiden sollten sich dann großteils überschnei­ den, denn sie machten sich zeitig dar­ an, Europas Opernbühnen mit ihren Werken zu erobern. Persönlich haben sich die beiden Komponisten aller­ dings nie getroffen, obschon sie reich­ lich Gelegenheit dazu gehabt hätten. Doch wie Straub vermutet, sind sie sich zeitweise bewusst aus dem Weg gegangen. Verdi hätte zunächst keinen Grund gehabt,

sich mit Wagner zu beschäftigen, sei er doch lange unbestritten erfolgreicher gewesen. Umgekehrt sei Wagner bis in seine letzten Jahre auf Verdi eifer­ süchtig gewesen, „zumindest, sobald es um Geld ging“. Denn Verdi schaff­ te es früh zum Großverdiener, wäh­ rend Wagner lange Zeit mit finanzi­ eller Not kämpfte. Doch auch Wagner bot sich schließ­ lich Gelegenheit, finanziell zu reüssie­ ren. Durch den Skandal, den er 1861 mit seinem „Tannhäuser“ in Paris ge­ liefert habe, sei der „deutsche Sonder­ ling“ zur Sensation und fortan zum gefragten Komponisten avanciert. Dies bekam auch Verdi zu spüren. Einige Jahre später musste er sich den Vor­ wurf gefallen lassen, er sei Wagners Einfluss erlegen. Verdi sei kein Itali­ ener mehr, er mache Wagner, drückte sich etwa ein enttäuschter Georges Bi­ zet mit Blick auf „Don Carlos“ aus. Nun wäre es eine interessante werkbiografische Perspektive, zu un­ tersuchen, ob sich Verdis musikdrama­ tische Entwicklung tatsächlich jener Wagners anzugleichen begann. Und inwiefern sich Wagner umgekehrt auch bei Verdis Stilistik bediente. Doch solche Analysen sucht man bei

Straub vergeblich. Vielmehr ist er dar­ um bemüht, Wagner und Verdi einan­ der atmosphärisch anzunähern. Wag­ ner sei „viel italienischer, als die ger­ manische oder altdeutsche Maskerade vermuten lässt, und Verdi viel deut­ scher, als ihm selbst zuweilen lieb sein konnte“, postuliert er etwa. In seinen über weite Strecken in al­ tertümlichem Plauderton gehaltenen Erläuterungen solcher Allgemeinplät­ ze finden sich zahlreiche Anekdoten und ausschweifende historische Erör­ terungen, die mitunter ganz interes­

sant zu lesen sind. Auch tragen die in den Text eingeflochtenen Handlungs­ aufrisse der einzelnen Opern Erhel­ lendes zum Verständnis von Verdi und Wagner bei. Auf die komplett unter­ schiedlichen Musikkonzepte der bei­ den geht Straub allerdings kaum ein. Dafür wird ein weiterer gewichti­ ger Unterschied deutlich artikuliert: Der kulinarische Feinschmecker Ver­ di pflegte im Unterschied zum politi­ schen Eiferer Wagner eine gelassene Haltung gegenüber weltanschaulichpolitischen Dingen. Dies ging so weit, dass er nicht einmal von einer Unter­ teilung in deutsche und italienische Musik etwas wissen wollte. „Was zum Kuckuck sollen nur die­ se Vorurteile über Melodie, Harmonie, deutsche und italienische Art und über den Wagnerismus bedeuten?“ Demge­ genüber betätigte sich Wagner nicht nur als Komponist, sondern auch als kulturpolitischer Publizist mit einer starken antisemitischen Schlagsei­ te. Darauf verweist auch Straub, doch er begegnet diesem hochproblemati­ schen Aspekt in Wagners Wirken eher pflichtgemäß als interessiert. Zumindest einige Bezüge zur in­ zwischen vielfältig vorhandenen For­ schungsliteratur zu Wagners Antise­ mitismus sollte man von einer seriö­ sen Wagnerbiografie im Jahr 2012 er­ warten können. Doch Straub verfolgt diese Perspektive nicht weiter. Dafür spricht er Opern vom politischen Pro­ blemformat der „Meistersinger“ glatt von einem nationalistischen Gehalt frei. „Deutsche Größe“ drücke sich darin

schließlich nicht im „politischen Kör­ per des Deutschen Reichs aus“, son­ dern sei bloß „eine sittliche, ästheti­ sche Größe“. Gerade darin liegt aber das Zentralproblem von Wagners Deutschtümelei, aufgrund derer er im Nationalsozialismus reibungslos zum deutschen Kernkomponisten in­ strumentalisiert werden konnte. Zur nationalsozialistischen Wag­ ner-Rezeption fällt Straub jedoch ein­ zig der schäbige Hinweis ein, Wagner sei in Deutschland während des Zwei­ ten Weltkriegs seltener gespielt wor­ den als Verdi. Der Versuch, Wagners wahre politische Bedeutung für den Nationalsozialismus zu verschleiern, könnte wohl kaum offensichtlicher ge­ staltet werden. F r i tz T r ü m p i

Eberhard Straub: Wagner und Verdi. Zwei Europäer im 19. Jahrhundert. Klett-Cotta, 350 S., € 25,70 (erscheint am 24.10.)

ott, wenn ich Geld hätte, solche G Menschen wie Sie sollten sich um den leidigen ‚Tag‘ nicht kümmern

müssen!!“ Alma Mahlers Bewunde­ rung für Arnold Schönberg war au­ genscheinlich groß. Dieser antworte­ te ihr ebenso euphorisch: „Sie sind ge­ wiss eine der prachtvollsten Frauen, die es je gegeben hat.“ Trotz dieser offenkundigen Hoch­ schätzung zwischen der kunstbegab­ ten Komponistengattin und dem ra­ dikalen Musikerneuerer, die eine enge Vertrautheit miteinschloss, wurde ihr Briefwechsel von der Forschung bisher stiefmütterlich behandelt. Haide Ten­ ner hat diesem Missstand nun Abhil­ fe geschaffen. Mittels aufwendiger Recherchen hat sie den Schriftverkehr rekonstru­ iert und in akribischer Feinarbeit mit biografischen Kurzkommentaren ver­ sehen. Darin nutzt sie auch die Ge­ legenheit, festgefahrene Leitmoti­ ve der Schönberg- und vor allem der Alma-Mahler-Biografik zu hinterfra­ gen. Insbesondere an den Ausdeutun­ gen des Alma-Mahler-Biografen Oli­ ver Hilmes übt Tenner nachvollzieh­ bare Kritik. Als Hysterikerin, als die Hilmes Alma

Mahler darzustellen versucht, kann die feinsinnige Mäzenin angesichts dieses Briefwechsels jedenfalls nicht bezeichnet werden. Tenner präsentiert mit ihrer Briefedition ein willkomme­ nes Hilfsmittel für die Wissenschaft, doch der Briefwechsel funktioniert ne­ benher auch als spannungsvolle Ge­ schichte um zwei schillernde Figuren des Wiener Musiklebens. Die Korrespondenz setzt um 1910 ein. Schönberg ist ein gern gesehener Gast bei den Mahlers und wird von Gustav Mahler finanziell wie ideell unterstützt. Nach dessen Tod führt Alma Mahler die Unterstützung bis zu Schönbergs Emigration fort. Die Briefe zwischen ihr und Schön­ berg handeln denn auch ausgiebig von finanziellen Angelegenheiten. Die da­ rin eingewobenen Speerspitzen gegen das musikalische wie gesellschaftliche Establishment, das verächtlich auf Schönberg blickte, machen aber auch diese Passagen zur ebenso amüsanten wie interessanten Lektüre. Der Briefwechsel gewährt pikan­ te Einblicke ins Private und wartet außerdem mit aufschlussreichen po­ litischen Positionierungen auf. Die­ se reichen von fanatischer Begeiste­ rung für den Ersten Weltkrieg über ernüchternde Erkenntnisse über den wachsenden Antisemitismus in der Zwischenkriegszeit bis zu tristen Emigrationsberichten. „Aber jetzt kommt die Abrechnung! Jetzt

werfen wir diese mediokren Kitschis­ ten wieder in die Sklaverei, und sie sollen den deutschen Geist verehren

und den deutschen Gott anbeten ler­ nen,“ gibt sich der fanatisierte Schön­ berg im August 1914 etwa überzeugt. Alma Mahler stimmt postwendend zu: „Seien Sie froh, dass Sie in Deutsch­ land sind, dem Land, von wo allein das Heil uns winkt!“ Als Schönberg nach dem Krieg, im April 1923, ans Bauhaus berufen wer­ den soll, lehnt er aber ab: Er folgt darin einem Hinweis Alma Mahlers, wonach dort ein Teil der Professorenschaft an­ tisemitisch eingestellt sei – Kandinsky, der Schönberg holen wollte, inklusive. Die antisemitische Stimmung in Ber­ lin kommentiert Schönberg mit Gal­ genhumor: „Denn mit mir ist es ein Hakenkreuz: ich bin ein schuftiger, unverständlicher Jude.“ Alma Mahler schätzt Schönbergs kämpferische Hal­ tung: „Aber andrerseits tut es diesen Ariern schon gut – wenn sie einmal an einen Menschen kommen, der sich nichts gefallen lässt.“ Schönberg, der 1933 mit seiner Familie

über Frankreich in die USA emigriert, korrespondiert auch aus dem Exil kei­ neswegs ironiefrei. Statt mit Christ­ bäumen würden die Kalifornier ihre Weihnachten mit einem Kaktus fei­ ern, schreibt er 1934: „Eigentlich sehr praktisch, denn man braucht keine Kerzenhalter, die sind schon drauf!“ Als Pragmatiker, der er zeitlebens war, tut sich Schönberg mit dem Exil denn auch nicht allzu schwer. „Und man soll nicht zögern zu sagen: wir sind sehr glücklich, hier zu sein“, berichtet er 1939 an Alma Mahler. Diese hat es zu dem Zeitpunkt nur bis Frankreich geschafft und schreibt alarmiert: „Der Fremdenhass beginnt fühlbar zu werden.“ Erst im Septem­ ber 1940 flüchtet sie mit Franz Wer­ fel auf beschwerlichen Wegen nach New York. Im Streit zwischen Thomas Mann und Schönberg, der sich im Tonsetzer Leverkühn aus Manns Roman „Dok­ tor Faustus“ wiederzuerkennen glaubt, schlägt sich Alma Mahler auf Manns Seite. Es ist nicht der erste Bruch, doch wie die vorigen verheilt auch dieser. 1949 schickt Alma Mahler zu Schönbergs Geburtstag Champagner, worauf der schon kranke Komponist erwidert: „Bitt für mich, dass ich noch einmal gesund genug werde, um mir mit diesem Champagner einen wohl­ verdienten Rausch anzutrinken.“ F r i tz T r ü m p i

Haide Tenner (Hg.): Alma Mahler – Arnold Schönberg. Der Briefwechsel. Residenz, 304 S., € 24,90

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Die Inszenierung des Paradieses Gartenkunst: Hans von Trotha legt eine Geschichte des Gartens bis zur Romantik vor: ein Schmuckkästchen

Von Trothas Prolog kann als eine Art Medley der Kulturgeschichte des Abendlandes gelesen werden: Beispiele aus der klassischen Musik über Dark Rock bis hin zu literatur-, kunst- und sprachgeschichtlichen Verweisen werden hier hastig zitiert und miteinander in Beziehung gesetzt. Wir erfahren, dass sich das Wort Garten auf das indogermanische gher (fassen) zurückführen lässt, das sich zum Begriff ghortos entwickelte und etwas Eingefasstes und Abgeschlossenes meinte.

Hernach konzentriert sich von Trotha in passagenweise allzu assoziativer Weise auf das Verhältnis diverser geistiger Paradigmen zur Gartenkunst, angefangen beim Hortus conclusus, dem mittelalterlichen Garten, den man, streng symmetrisch angelegt, in Klosteranlagen findet. Heilkräuter werden dort gepflanzt, es ist ein Ort der Kontemplation und heilige Produktionsstätte des floralen Kirchenschmucks.

Tulpenknolle, der als eine der ersten Spekulationsblasen in die Wirtschaftsgeschichte einging. Der Barockgarten oder Theatrum mundi wird in der Gartenanlage von Versailles seinen absoluten Höhepunkt finden. Dabei kommt die Hainbuche aufgrund ihrer günstigen Eigenschaft, sich zur Baumwand stutzen zu lassen, zu opulentem Einsatz. Penibel geschnittene Alleen mit allerlei geometrischen Figuren durchziehen die Gärten – so spiegelt sich der Absolutismus im Aussehen der Pflanzen.

Der Renaissancegarten wiederum möchte die

Werte der Antike hochleben lassen. Im Mittelpunkt steht der Mensch in der Landschaft – ein nicht selbstverständliches Bild, galt es doch von jeher, die Natur zu bekämpfen, zu kontrollieren, wie sich in der strengen Form der Struktur des Gartens zeigt. Seit Francesco Petrarcas Besteigung des Mont Ventoux, die er in seinem berühmten Brief dokumentiert, ist ein Wandel des Verhältnisses zwischen Individuum und Natur zu erkennen: Ein sinnlicher, berauschter Zugang zu einer Natur, die bisher im klösterlichen Garten von einer hohen Mauer abgeschirmt war, eröffnet sich. Die Gärten der Renaissance – von ihrer Struktur her nach wie vor streng – verschließen sich nicht mehr dem Blick auf die Landschaft, sondern geben diesen frei. In dieser Zeit entstehen aber auch botanische Gärten, die wie pflanzliche Archive angelegt sind, zum ersten Mal wird mit exotischen Pflanzen Handel getrieben. In den Niederlanden führt 1637 das zum Krieg um die

Im Garten der Aufklärung gestaltet sich die

Hans von Trotha: Gartenkunst. Auf der Suche nach dem verlorenen Paradies. Quadriga, 192 S., € 20,60

Anlage der Wege organisch, die Gerade wird durch die Schlangenlinie ersetzt. Aber keine Schlangenlinie, die das Gelände erfordert, sondern eine künstlich platzierte, die den Wandel vom Rationalismus hin zum Sensualismus markiert. Das Paradies soll wiederhergestellt werden, in Form von Zitaten früherer Zeiten: griechischen Tempeln, gotischen Ruinen oder mystischen Grotten in einer ausgeklügelten Inszenierung. Schließlich gelangt von Trotha zum Garten der Romantik, der sich möglichst unauffällig an die Vorgaben der Natur hält. In der Romantik macht von Trotha Halt und gibt auch keinen Ausblick auf aktuelle Tendenzen. So bleibt sein Buch ein kleines Schmuckkästchen im Geiste vergangener Tage, in das man gerne hineinliest und Pfade aufnimmt für nächste Lektüren. M a r ia n n e S c h r e c k

Illustr ation: Ilinc a Höpfner

D

ie Sehnsucht nach der eigenen Scholle, die man nach Gutdünken gestalten kann, um darin Zeiten des Müßiggangs zu verbringen, ist ein vertrautes soziales Phänomen. So ist im Trend des urbanen Guerilla Gardening auch eine Verzweiflung zu spüren, alle Nischen zu entdecken und auch derer habhaft zu werden, die der marktwirtschaftlichen Immobilienmaschine noch nicht zugeführt wurden. Der Heidelberger Philosoph Hans von Trotha setzt sich in seinem Buch „Gartenkunst“ jedoch nicht mit der Aktualität des urbanen Grünraums, sondern mit der Geschichte der Gartenkunst auseinander, die in Form von Parkanlagen noch heute gegenwärtig ist. Er beginnt mit dem Paradies, um es wieder verloren gehen zu lassen. Den Anfang macht John Miltons Gedicht „Paradise Lost“ aus dem 17. Jahrhundert, in dem Adam und Eva den Garten Eden in Flammen aufgehen sehen.

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Die Unterscheidbarkeit Artisten, Rekordhalter der Dinge und die Blätter und Spezialisten Gartenkunst: Der Kunsthistoriker Horst Bredekamp liest die Formensprache des Barockgartens neu

Botanik: Der Schweizer Biologe Ewald Weber singt ein Loblied auf die außergewöhnlichen Fähigkeiten von Pflanzen

o sieht eine klassische Opposition S aus: Hier die Gärten des Barock, in deren geometrischer Anlage mit den

enn man genauer hinschaut, W wird auch Gras zu einem echten Faszinosum. Klar: Ohne Gras kein

schnurgeraden Sichtachsen und akkurat geschnittenen Hecken sich der Despotismus des Ancien Régime à la Versailles ausdrückt, dem sich auch die Natur zu unterwerfen hat. Auf der anderen Seite der Landschaftsgarten englischer Prägung mit seiner kurvigen Wegführung und den gelenkten Blicken auf malerische Naturszenerien, der im 18. Jahrhundert endlich die engen Fesseln der barocken Gartengestaltung sprengte und sie durch die Prinzipien von Natürlichkeit, Naturnähe und freiem Miteinander ersetzte. Als Produkt der Aufklärung prägte den Landschaftsgarten ein Naturverständnis, das nicht auf Ausbeutung fußen wollte – kurz: ein von Menschenhand geschaffenes, irdisches Paradies, in dem die Natur als Gegenmodell zur starren Hierarchie städtischen Lebens fungierte. Es war diese ideologische Überfrachtung,

schreibt der Kunsthistoriker Horst Bredekamp, Jahrgang 1947, der zuletzt Monografien zur Theorie des Bildakts, Michelangelo und dem Künstler als Verbrecher publizierte, die „die stilistische Differenz zwischen dem Landschafts- und Barockgarten zu einem epochalen Kulturkonflikt erhob“. Die „bipolare Frontstellung“ zwischen den beiden Gartentypen, so Bredekamp, verschleierte alsbald die „inneren Widersprüche“ des Landschaftsgartens, auch weil sie keinen klaren Blick mehr auf die „alternativen Formen des geometrischen Barockgartens“ erlaubte. Neuere Forschungen legen nahe, dass die Grenzen nicht so streng zu ziehen sind. Mit seinem schmalen Buch „Leibniz und die Revolution der Gartenkunst“ legt es Bredekamp klar auf eine Revision der gängigen Gartenhistorie an. Zum Beispielfall werden darin der Große Garten von Hannover-Herrenhausen und die Beteiligung von Gottfried Wilhelm Leibniz (1646–1716) an dessen Entstehung. Denn Garten und Schloss von Herrenhausen, argumentiert Bredekamp, „widersetzen sich der Einordnung in die eingeschliffene Abfolge von Renaissance-, Barock- und Landschaftsgarten, und dies gilt entsprechend auch für Leib-

niz’ Sicht auf den Garten“, denn die „Linearität dieser Sequenz war von Beginn an ein Produkt der Ausblendungen sowie gezielten Gewichtungen des historischen Materials“. Bredekamp geht es darum, „diese Verkürzungen zurückzunehmen und damit der Gartengeschichte insgesamt eine neue Wendung zu geben“. Leibniz – Philosoph, Politiker, Historiker, Mathematiker, Physiker und einer der Vordenker der Aufklärung – ging 1676 als Bibliothekar nach Hannover und war über 30 Jahre lang an der Gestaltung und Planung des Gartens mitbeteiligt, wobei ihn vor allem technische Lösungsvorschläge für die Brunnen, Fontänen und Kanäle beschäftigten. Wie Bredekamp zeigt, prägte die gestal-

terisch wie technisch herausfordernde Planung dieser Gartenanlagen Leibniz’ Vorstellungen von Natur und Kunst. Zur Schlüsselszene wird eine Anekdote, in der eine Gruppe um Leibniz und die Kurfürstin eines Tages in den Gärten die Frage beleuchtet, dass kein einziges Blatt in Form und Struktur einem anderen vollkommen gleiche. Die Blätter des Großen Gartens werden zum Ausgangspunkt für Leibniz’ Prinzip der unendlichen Unterscheidbarkeit der Dinge. Der Barockgarten mit seinen strengen, symmetrischen Formen steht dieser Vielfalt nicht im Weg: „Im Detail entfaltet sich vielmehr eine freie Variabilität, die umso stärker wirkt, je mehr sie durch gerade Linien begrenzt wird.“ Bredekamp zeigt eindrucksvoll, dass auch der barocke Garten als Ort der Freiheit und Individualität wahrgenommen werden konnte und sollte und durchaus kein Gegenbild der Moderne war: Die Botschaft des Barockgartens ist fortschrittlicher als ihr Ruf; und auch in Landschaftsgärten kann es sehr eng gesteckte Grenzen geben. Das ist äußerst erhellend. J u l i a K o spa c h

Horst Bredekamp: Leibniz und die Revolution der Gartenkunst. Herrenhausen, Versailles und die Philosophie der Blätter. Wagenbach, 176 S., € 30,80

Fußball, aber ohne Gras auch keine Polenta, kein Brot und keine Sushi, denn auch Mais, Weizen, Roggen und Reis gehören zu den Gräsern. Weltweit sind sie die häufigsten Pflanzen überhaupt. Und der Grashalm macht einiges mit: Viehherden trampeln drüber, Badehandtücher liegen drauf, Maschinen walzen ihn nieder, schwere Winde krümmen ihn. Den Halmen macht das nichts aus. Nach einiger Zeit stellen sie sich einfach wieder auf. Nur wie genau machen sie das? Die Antwort auf diese und ähnliche Fra-

gen zur wunderbaren Welt erstaunlicher Pflanzenfähigkeiten gibt das famose „Kleine Buch der botanischen Wunder“ des Schweizer Biologen Ewald Weber. Mit den Gräsern zum Beispiel verhält es sich so. In gewissen Abständen verfügen sie über eine Art „Zwischenboden“, den Knoten, der als Verdickung des Halms sichtbar wird. Er ist das Geheimnis hinter der Stehaufmännchenfähigkeit niedergedrückter Gräser: „Der Knoten führt eine Wuchskrümmung aus – die Unterseite wächst, streckt sich und drückt so den Halm wieder in die Senkrechte.“ Bewegung durch Wachstum nennt das der Fachmann. Nur: Gibt es unter Pflanzen auch aktive Bewegungen, die rückgängig gemacht werden können – ähnlich dem Anspannen und Entspannen eines menschlichen oder tierischen Muskels? Nein, wäre man leichthin geneigt zu sagen, bevor einem das tägliche Öffnen und Schließen mancher Blüten einfällt, das jeder schon beobachtet hat. Sieht stark nach einer aktiven Bewegung aus. Ist es auch. Zum Beispiel bei der Silber- oder Wetterdistel, deren Kranz aus knisternd trockenen Blütenblättern direkt am Boden liegt und sich bei Schlechtwetter schließt. Die Unterseite der trockenen Hüllblätter quillt durch Wasseraufnahme auf und löst damit Bewegung nach innen aus, bei Sonnenschein öffnen sie sich wieder. Das sind zwei Beispiele aus heimischen Gefilden. Nicht minder spannend ist es, Ewald Weber zu den weltweiten Pflanzenartisten, -rekordhaltern und -spezialisten zu folgen: Im kubanischen Regenwald gibt es eine Kletterpflanze mit hasenohrenförmi-

gen Blüten, deren Form als Schallreflektor dient: eine Art botanische „Leuchtreklame für Blumenfledermäuse“ auf Nektarsuche. Von Wildtieren angeknabberte afrikanische Akazien informieren durch Ethylenausstoß benachbarte Bäume über drohende Gefahr, auf dass diese die Tanninproduktion in ihren Blättern hinauffahren, die Fresstieren ordentlich den Magen verderben kann. Auch die Frage, warum manche Bambusarten nur alle 120 Jahre, dann aber massenhaft blühen, Früchte bilden und gleich darauf absterben, wird in diesem Buch geklärt: Anders als in unseren Wäldern sind alle Pflanzen eines Bambuswaldes immer gleich alt. Was eine Pflanze tut, tun daher alle anderen auch. Und: Die Bambuspflanze regelt auf diese recht drastische Art den Bestand der von ihr lebenden Tiere, „indem sie sie ab und zu mit Nahrung vollstopft, bloß um sie daraufhin sterben zu lassen“. Auf den Seychellen wächst eine Palme

mit bis zu 20 Kilo schweren Nüssen, die damit unter den Wildpflanzensamen den Gewichtsrekord halten, ein klassisches Beispiel dafür, was Biologen „Inselgigantismus“ nennen. Der Wind kann so einen gewichtigen Samenstand kaum verblasen. Gleichzeitig ist es aber aus Konkurrenzgründen ungünstig, wenn alle Jungpalmen gleich direkt unterm Stamm der Mutterpalme zu wachsen begännen. Auch dafür hat die Natur eine geniale Lösung ersonnen. Aus der abgefallenen Frucht wächst eine Nabelschnur. Erst senkrecht in den Boden, dann wechselt sie in die Waagrechte und kriecht dann bis zu zehn Meter weit durch den Boden. An ihrem Ende erst gedeiht die neue SeychellenPalme. Auch die Nabelschnur ist also nichts, was als absolut todsicheres Unterscheidungsmerkmal zwischen uns und den Pflanzen infrage käme.

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Ewald Weber: Das kleine Buch der botanischen Wunder. Beck’sche Reihe, 171 S., € 13,40

Die Falter-Buch-Rezensionen. Nachlesen und alle Bücher online bestellen. balken fashop rezensionen.indd 1

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Sing mir das Hohelied vom Fett! Kochen: Nur einen vegetarischen Titel, zehn Ländersammlungen und vier Patisseriebücher bringt der Herbst

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ie immer ordnen wir an dieser Stelle neu erschienene Kochbücher nach Trends. Zwei Trends sind diesen Herbst klar erkennbar: Überraschenderweise tritt der Zug zum Vegetarischen etwas zurück. Dafür ist so etwas wie Renationalisierung erkennbar. Mindestens zehn neue Kochbücher befassen sich mit den Küchen einzelner Länder oder Nationen. An zweiter Stelle folgt das Süße: fünf Kochbücher haben die Patisserie zum Thema. Promi-Kochbücher lassen wir aus, Prominente gibt es immer. Dann hätten wir noch zwei Einsteiger-Bücher, eines für Kinder, eines für Erwachsene. Und ein Themenkochbuch. Dieses allerdings ragt wie ein Monolith aus dem Angebot heraus, allein schon des Themas wegen: „Fett“ von Jennifer MacLagan. Die australische Köchin und Food-Autorin hat mit britischem Humor eine Karnivoren-Trilogie vorgelegt, in der „Fett“ das Mittelstück bildet. Erst kam „Bones“, danach folgte „Odd Bits: How to Cook the Rest of the Animal“ (beide leider noch nicht übersetzt). „Fett“ ist lehrreich (zahllose instruktive Geschichten), schön gemacht (Marginalspalten mit anregenden Zitaten!) und nützlich (feine Rezepte von Steinpilzbutter bis Christmas-Pudding). Dringende Empfehlung! Zu den Länder-Kochbüchern zählt der „Gol-

dene Plachutta“. Plachutta ist mittlerweile eine Institution, seiner monumentalen Kochbücher und seiner Rindfleischrestaurants wegen. Er ist der Ruhm, die Prato oder die Hess unserer Tage. Der „Goldene Plachutta“ macht alles österreichisch, was er anfasst. Rezepte der internationalen Küche von italienisch bis gemäßigt asiatisch ändern weder etwas am Anspruch, ein österreichisches Monument zu sein, noch an der Benützbarkeit des Buchs. Plachutta kann es sich sogar leisten, die Benützung des Internets zum Anlegen einer Rezeptsammlung zu empfehlen. „Die traditionelle österreichische Küche“ von Ingrid Pernkopf und Renate WagnerWittula beschränkt sich auf das, was sie ankündigt; wenn sich hier einmal ein Cesar’s Salad zwischen Backhenderl und Kalbskopf hineinschwindelt, besteht schon Erklärungsbedarf. Immer wieder aber findet sich doch Neues, ein Biergugelhupf zum Beispiel. Gestalterisch bleiben beide Bücher bieder, entsprechen also dem Thema. Erfreulich, nicht nur weil hier doch dem vegetarischen Thema entsprochen wird, ist

Pushpesh Pant: Indien. Das Kochbuch. Phaidon, 814 S., € 41,10

Claudia Roden: Spanien. Das Kochbuch. Christian, 512 S., € 41,10

„Österreich vegetarisch“ von Katharina Seiser und Meinrad Neunkirchner. Die Rezepte sind durchwegs einfach, haben aber alle einen feinen Dreh, der zweifellos Herrn Neunkirchner zu verdanken ist; zwischen Cremespinat und Kärntner Nudeln schwindelt sich durchaus einmal eine eingelegte Salzzitrone oder ein Polentaknöderl mit Kerbelfülle hinein. Als Bayer ist der Fernsehkoch Alfons Schuhbeck nicht vom Vegetarismus angekränkelt, dennoch bietet er in „Meine bayerische Landküche“ zuweilen Gerichte wie „Käse-Brezen-Auflauf mit Rote-Bete-Birnen-Salat“, und in sein Fleischpflanzerl (so sagt der Bayer zum Laberl) mischt er eine Spur Ingwer. Wie immer bei Schuhbeck lässt sich alles gut nachkochen. Nahkochen ist das Thema eines Kinderkochbuchs. Der „Silberlöffel für Kinder“ bringt einen mit lustigen Illustrationen garnierten und kindgerecht adaptierten Auszug aus dem Silberlöffel, dem Plachutta der italienischen Küche. Schritt-für-Schritt-Anleitungen helfen Kindern ab neun, alle 40 Rezepte selbstständig zu kochen. Vielleicht schaut Papa heimlich mit hinein. Oder er greift gleich zu „Was ich koche und wie das geht“ der BBC-Köchin und BBC-Kochbuchherausgeberin Jane Hornby. Step-by-StepFotos und gediegen-elegante Aufmachung lohnen es ihm. Die Autorin Claudia Roden wird in diesem Herbst gleich mit zwei Kochbüchern in zwei verschiedenen Verlagen präsentiert. Sie ist Engländerin, 1936 in Kairo geboren, ausgebildete Anthropologin, und auch sie präsentierte in der BBC eine Kochshow. Als Food-Schriftstellerin hat sie sich auf die Länder des Mittelmeers spezialisiert. Ihre Bücher tragen unbescheidene Titel wie „Spanien. Das Kochbuch“ oder „Das Buch der jüdischen Küche“. Die Unbescheidenheit ist jedoch vollkommen am Platz. Roden bringt nicht nur Rezepte, sondern auch kulturhistorisches Wissen. Man isst nur, was man weiß, oder sollte es zumindest tun. Roden trifft die Mischung zwischen Belehrung und bloßer Nützlichkeit – die zwei mächtigen Bände gehören in jede Kochbuchbibliothek. Eine amüsante Fußnote zur jüdischen Küche bietet „Gefillte Fisch und Lebensstrudel“ der Wiener Historikerin Helene Maimann, die sich in diesem Büchlein in persönlichen Anekdoten durch die jüdische Küche erzählt. Oberrabbiner Eisenberg erklärt, warum das Schwein besonders verboten ist. Weil es nämlich äußerlich so tut,

Claudia Roden: Das Buch der jüdischen Küche. Mandelbaum, 528 S., € 54,–

Giorgio Locatelli: Sizilien. Das Kochbuch. Christian, 424 S., € 41,10

Christophe Felder: Die hohe Schule der Patisserie. Christian, 798 S., € 71,– Karin Iden: Express-Pralinen. Südwest, 48 S., € 13,40, mit zwei Gießformen Josef Zauner (Hg.): Backen vom Feinsten. BLV-Verlag, 416 S., € 9,99 Willy Tschmernjak u.a.: Süße Küche. Pichler, 190 S., € 24,99 Helene Maimann: Gefillte Fisch & Lebensstrudel Picus, 154 S., € 16,90 Der Silberlöffel für Kinder. Phaidon, 100 S., € 20,60 Janet Hornby: Was ich koche und wie das geht. Phaidon, 416 S., € 41,10 Alfons Schuhbeck: Meine Bayerische Landküche. Zabert Sandmann, 186 S., € 20,60

Ewald und Mario Plachutta: Der goldene Plachutta. Brandstätter, 704 S., € 39,90

Katharina Seiser, Meinrad Neunkirchner: Österreich vegetarisch. Brandstätter, 272 S., € 34,90

als wäre es koscher: Es hat gespaltene Hufe. Innerlich ist es aber kein Wiederkäuer. Und die Vorspiegelung falscher Tatsachen werde eben von Juden besonders streng geahndet, erklärt Eisenberg. Wer „Made in Italy“ von Giorgio Locatelli kennt, weiß, was ihn vom Londoner Italiener in „Sizilien. Das Kochbuch“ erwartet: enzyklopädisches Wissen, Kreativität, unaufdringlich durchmischt mit Anekdoten. Klassisch, praktisch, gut. „Das Kochbuch“ kommt nun schon das dritte Mal in einem Untertitel vor – und auch diesmal zu Recht. „Indien“ trägt ihn ebenfalls, darin versammelt der Food-Journalist Pushpesh Pant tausend (1000) Rezepte aus Indien. Beeindruckend. Netter Marketing-Gag: Indien kommt im typisch indischen Leinensäckchen daher. Nun aber vier Bücher zum Dessert: Willy Tsche-

mernjak, langjähriger Küchenchef des Restaurants Tschebull am Faaker See, hat in „Süße Küche“ Back- und Nachspeisenrezepte aus Kärnten, Friaul und Slowenien versammelt. Liebhaber von Potiza, Reindling und Dampfnudel werden hier bestens bedient! Nur aufs Backen konzentriert sich „Backen vom Feinsten“. Dieses preisgünstige Taschenbuch präsentiert die gesamte österreichische Backtradition. Etwa 70 Seiten des Buchs beschreiben Hilfsmittel und Techniken; die Kapitel gliedern sich in traditionelle und moderne Rezepte – eine durchaus hilfreiche Unterscheidung. Die Konditoren Josef Zauner (Bad Ischl) und Karl Schuhmacher (er baute die Kurkonditorei Oberlaa auf ) sowie die Autorin Eva Mayer-Bahl, Sammlerin traditioneller Rezepte, garantieren für gediegene Qualität. Weniger bescheiden und vom Design her weniger bieder kommt „Die hohe Schule der Patisserie“ des französischen Star-Chocolatiers Christophe Felder daher. Auch Felder geht Schritt für Schritt vor, sein Buch ist reich illustriert, es braucht für 200 Rezepte beinahe 800 Seiten, Zauner & Co packen doppelt so viele auf halb so viel Umfang. Dafür bringt Felder aber Rezepte für diverse Marshmallows! Ganz klein und niedlich kommt hingegen Karin Idens „Express-Pralinen“ daher. Der Gag: In einer Schachtel finden sich außer dem Buch auch zwei Silikonmatten mit Pralinenformen zum Selbergießen. Das animiert zu versuchen, was die Ankündigung verspricht: Pralinen in 30 Minuten! Ein Zuckerthermometer müssen Sie allerdings extra kaufen. armin th u rnher

Ingrid Pernkopf, Renate WagnerWittula: Die traditionelle österreichische Küche. Pichler, 432 S., € 34,99

Jennifer McLagan: Fett. Loblied auf eine verrufene Ingredienz. Rotpunkt, 240 S., € 45,30

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Falter Krimis

+++ Böse Kriminalgeschichten mit Humor und nervenaufreibender Spannung in gemütlicher, aber letztendlich tödlicher Atmosphäre. +++ Edith Kneifl (Hg.)

Ab 2 1 0. 20 17.1 rbar liefe

Tatort friedhof

13 Kriminalgeschichten aus Wien Der letzte Wille der Toten gilt als heilig. Unheilig aber gehen so manche Wiener Krimiautorinnen und -autoren mit den Toten um. Kein Wunder, ist doch fast keiner dieser Verstorbenen auf natürliche Weise ums Leben gekommen. Spannende Stunden sind mit diesen dreizehn zeitgenössischen und historischen, bösen und ironischen Friedhofskrimis garantiert. 272 Seiten, 5 22,90

Edith Kneifl (Hg.)

Edith Kneifl (Hg.)

Tatort Beisl

Tatort Kaffeehaus

13 Kriminalgeschichten aus Wien

13 Kriminalgeschichten aus Wien

13 Kriminalgeschichten aus Wien

Geschichten über verdächtige Unfälle und glückliche Zufälle, brutale Morde, raffinierte Tötungsarten, misslungene Erpressungen und terroristische Umtriebe – der Prater scheint ein höchst gefährlicher Ort zu sein!

Es muss nicht immer Mord sein! Das Wiener Beisl ist ein Ort, an dem die vielfältigsten Verbrechen geplant werden und auch stattfinden.

Mit krimineller Energie und schrägem Humor machen 13 bekannte österreichische Krimiautorinnen und -autoren mörderische Streifzüge durch die Wiener Kaffeehäuser.

Edith Kneifl (Hg.)

Tatort Prater

280 Seiten, 5 22,90

272 Seiten, € 22,90

Bestellen unter faltershop.at T: 01/536 60-928, F: 01/536 60-935 E: service@falter.at oder in Ihrer Buchhandlung

272 Seiten, 5 22,90