FACES Austria, May 26

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05 2026 MAI € 12. — FACESMAG.AT / @FACESMAG

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N°05/2026

S.16 The Faces

Rachel Sennott, Jayden Ali, Pauline Chalamet, Noah Jupe, Silvia Salis, Mondo Duplantis, Sami Galbi, A’ja Wilson, Slayyyter, Thomas Bangalter

S.28 The Hype Fashion, Beauty, Travel, Living&Design

S.46 The Hype Special

Kult, Kreativität, kuriose Schuhe: Wir wollten wissen, was hinter dem jungen Label Avavav steckt.

S. 64

Watches

S.58 Blonde for Life

Zeit für Zeitmesser: Wir widmen den schönsten Uhren-News der Watches & Wonders zwölf Seiten.

S.46

Portrait: Debbie Harry

S.64 Welcome to the New Cult Interview: Beate Karlsson N°05 / 2026

Hier werden Modegeheimnisse gelüftet.

S.28

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S.72 Nude Photography: Alizée Omaly

S.86 Molecules Make Memories Interview: Marie Moehle

S.92 She’s a Gem Portrait: Cora Sheibani

In dieser Strecke spielt Schmuck die alleinige Hauptrolle.

S.72

S.100 Golden Ratio photo basel

S.116 Canale d’Arte

Ein Hotel mit so viel Geschichte, dass man glatt vergessen könnte, welches Jahr wir gerade schreiben.

S.116

Aman Venice

Im Sommer gehört die photo basel in den Kalender aller Fotografiebegeisterten.

S.100 6

S.126 Space Time Watches N°05 / 2026

S.140 Interior Dialogue Interview: Palma Studio

S.148 Untamed Photography: Jean François Verganti

S.158 Rare Ware Lockere und ungezwungene Lieblingslooks gibt es in dieser Strecke.

S.148

Design neu denken: Das macht Palma Studio.

S.140

Interview: Lindiwe Suttle Müller-Westernhagen, Michael Kardamakis, Martina Lohoff

S.168 Bodega Minimalista Casa San Francisco

S.178 WTF Doomsday

COVER Photography: David Roemer, Launchmetrics SpotlightSM Styling: Elizabeth Sulcer Model: Ajah Angau Jok

S.10 Impressum S.12 Contributors

Look von NAEEM KHAN.

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N°05 / 2026

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Aujourd’hui à Paris

IMPRESSUM HERAUSGEBER Stefan Berger – berger@faces.ch Patrick Pierazzoli – pierazzoli@faces.ch CHEFREDAKTEUR Patrick Pierazzoli VERLAGSLEITUNG Julia Gelau CREATIVE CONSULTANTS Florian Ribisch Alex Wiederin REDAKTION Michael Rechsteiner Josefine Zürcher Laura Marta FASHION DIRECTOR Nadia Hartzer GRAFIKLEITUNG Bianca Ugas – grafik@faces.ch GRAFIKASSISTENZ Angelina Linley FACES, Bertastrasse 1, CH-8003 Zürich AUTORINNEN Mona Bergers, Lisa Hollogschwandtner, Michael Rechsteiner, Josefine Zürcher FOTOS & ILLUSTRATIONEN Cesar Belio, Ronald Dick, Endyma, Martina Lohoff, Alizée Omaly, Fran Parente, photo basel international art fair, Andreas Schmidt, Ruy Teixeira, Jean Francois Verganti, pa picture alliance (dpa), Launchmetrics SpotlightSM TYPEFACES Synt (Dinamo) Salt Lake (Florian Ribisch) ANZEIGEN & KOOPERATIONEN DEUTSCHLAND & ÖSTERREICH FACES Deutschland, Straßburger Straße 6D, D-10405 Berlin Julia Gelau, Managing Director Germany & Austria – julia@faces.ch; +49 (0) 30 552 02 383 ANZEIGEN & KOOPERATIONEN SCHWEIZ Monika Brändli – monika.braendli@faces.ch Pascal Konrad – pascal.konrad@faces.ch +41 (0) 43 322 05 37 ANZEIGEN & KOOPERATIONEN ITALIEN EDICONSULT INTERNAZIONALE srl, Piazza Fontane Marose 3, I-16123 Genova milano@ediconsult.com; +39 (0) 010 583 684 ANZEIGEN & KOOPERATIONEN FRANKREICH & GROSSBRITANNIEN Nina Neuhaus – nina.neuhaus@condenast.de; +33 (0) 6 88 58 71 74 ABONNEMENTSPREISE FACES erscheint 8 Mal im Jahr. Einzelverkaufspreis EUR 12.— ; Jahresabo Jahresabo EUR 68.— © Copyright 2026 Fairlane Consulting GmbH Der FACES-Schriftzug/-Stern sind eingetragene Markenzeichen der Fairlane Consulting GmbH und dürfen nicht ohne deren Zustimmung verwendet werden.

Nachdrucke, auch auszugsweise, nur mit schriftlicher Genehmigung des Verlags.

PEFC-zertifiziert Dieses Produkt stammt aus nachhaltig bewirtschafteten Wäldern PEFC/06-39-25

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www.pefc.at

N°05 / 2026

R Æ R

D ES I G N E D

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Z U R I C H

studios

R A E R ST U D I O S.C O M

M A D E

I N

I TA LY

MERCI Value is measured by meaning.

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Alizée Omaly

Tara Ziegfeld

Coralie Joos

Florian Ribisch

Wer sich die Fotografie von Alizée Omaly ganz genau anschaut, spürt den Minimalismus und die kühlen Farbtöne förmlich auf der Haut. Das kommt nicht von ungefähr: Alizée ist passionierte Snowboarderin und lässt sich gerne von winterlichen Landschaften inspirieren. Das kann man auch an unserem minimalistischen Schmuckshooting ablesen. Wenn sie nicht auf dem Brett steht, widmet sie sich zwischen Mailand und Paris gänzlich der Modefotografie.

Gar nicht mal so einfach, Tara Ziegfeld aufzufinden: Sie nennt Frankreich, Schweden und Großbritannien ihr Zuhause und ist liebend gerne auf Reisen. Für Stylingaufträge verschlägt es sie erst recht immer wieder in verschiedene Ecken der Welt. Wenn sie nicht gerade VintagePieces mit neuem kombiniert oder Flohmärkte durchkämmt, taucht sie ab: Und zwar wortwörtlich, denn in ihrer Freizeit gibt die französisch-amerikanische Stylistin Tauchunterricht und macht Bekanntschaft mit Fischen.

Wie kriegt man ein 360°-Verständnis der Modeindustrie? Indem man alle Stationen abarbeitet. Coralie Joos blickt auf eine 20-jährige Modelkarriere zurück.

Kein Wunder also, hat sie ein scharfes Auge für visuelles Storytelling, das sie nun als Art Director benutzt. Und ebenfalls kein Wunder, verbringt sie liebend gerne Zeit mit dem Erstellen von Moodboards. Auch für unser Jewellery Editorial hatte die Pariserin den Überblick übers Kreative.

Er ist der Mann in Mailand, Florian Ribisch, unser Art Director und Kopf hinter unserem Layout. Ribisch rudert unser Schiff von Beginn an mit, und das ist mittlerweile 25 Jahre her.

Unterdessen hat unser Art Director Kinder bekommen (vier) und Haare gelassen (mehr), aber keinen Funken Genialität eingebüßt. Noch immer schwingt er die Fahne für Print, liest seinen Kids von Papier vor und nicht vom Tablet und hört Musik von Schallplatten anstatt aus dem Speaker.

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DIFFERENT FACES. DIFFERENT STORIES. WHAT MATTERS? CHARACTER.

WWW.D-BRAND.COM

SHOW YOU CARE.

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It takes talent to get ahead.

Jean François Verganti Nach einem Grafikstudium an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts war Jean François Verganti als Art Director tätig. Schnell merkte er aber, dass seine Leidenschaft eigentlich seiner ersten Liebe gilt: der Fotografie.

Der Franzose begann als Stilllebenfotograf, widmet sich mittlerweile aber seit gut 30 Jahren der Mode- und Beautyfotografie. Wenn er mal eine freie Minute hat, braucht er die ebenfalls für die Fotografie und tüftelt an persönlichen Projekten.

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Marie Revelut

Julia Gelau

Melissa Möschle

In ihren Adern fließt Mode. Diese diente als Inspirationsquelle und Antrieb gleichermaßen, und so studierte Marie Revelut Modedesign in Perpignan und Narbonne, um dann endlich nach Paris zu gehen, der Modemetropole schlechthin. Dort läuft es auch gleich rund mit der Karriere.

Für verschiedene Magazine hat sie ihren ganz eigenen Stil als Stylistin einfließen lassen.

Als Inspiration zitiert Marie die gesamte Palette der Ästhetik: Poesie, Kunst, Frauen und Schönheit.

Chaos und unvorhergesehene Hürden am Shooting-Set? Kein Problem für unsere Managing Director Germany & Austria. Als echter PR- und Kommunikationsprofi kann Julia Gelau nichts aus den Socken hauen. Zwischen Berlin, München, Wien und Zürich zieht sie für uns die coolsten Shootings und Kooperationen an Land.

Und das schon bald seit einem Jahrzehnt. Nun zieht es die Wahlberlinerin nach München, was unser Zürich-Team freut, denn dann kriegen wir sie hoffentlich öfter zu Gesicht.

Wer wissen will, was im Trend ist, braucht nur Melissa Möschle zu fragen.

Denn was gerade angesagt ist – Matcha trinken, beim Reformer Pilates schwitzen – hat die 28Jährige längst in ihren Alltag integriert.

Vielseitigkeit ist kein Fremdwort für sie: Melissa war als Flugbegleiterin tätig und hat eine Ausbildung als medizinische Fachangestellte. Vor drei Jahren zog sie nach München für das Studium Modejournalismus und Kommunikation. Bei uns ist Melissa neu als Assistentin für unsere Managing Director FACES Germany & Austria an Bord.

N°05 / 2026

THE DOLDER GRAND · A BRAND OF DOLDER HOTEL AG KURHAUSSTRASSE 65 · 8032 ZURICH, SWITZERLAND · INFO@THEDOLDERGRAND.COM · THEDOLDERGRAND.COM · T +41 44 456 60 00

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THE FACES Text: Michael Rechsteiner

„THE HEAT IS ON.“ 16

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© P IC TU RE AL L I A NC E / C AP TI TA L P I CTU RE S | JE F FRE Y ME YE R/MPI

Big Mistakes stehen bei ihr höchstens im Drehbuch.

RACHEL SENNOTT

WITZGESCHEIT

Schön, wenn es auf Gegenliebe stößt. Mit ihrer Serie „I Love LA“ hat Rachel Sennott einen Hit gelandet. Seitdem liebt auch LA die Autorin und Schauspielerin. Zweite Staffel: Coming soon. In der Zwischenzeit tobt sich Rachel als Produzentin mit ihrem neuesten Wurf „Big Mistakes“ auf Netflix aus. Als ehemalige Stand-up-Comedienne weiß sie, wo sie hingehen muss, damit es wirklich weh tut und trotzdem lustig ist. Ihre Figuren sind a total mess und gerade deshalb perfekte Antiheldinnen für eine Generation, bei der total mess längst Alltag ist.

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© JA - PR O JEC T S

Er ist Londons Haus-Meister.

JAYDEN ALI

GUT IM BUILD

Wie geht noch gleich der Spruch? „Über Musik zu schreiben ist wie über Architektur zu tanzen.“ Dieser Sarkasmus hat spätestens bei Jayden Ali ausgedient. Denn seine Gebäude sind Grund für Freudentänze. Der Architekt hat für seine Heimat London Großes im Sinn und legt dabei Wert auf das kleinste Detail. So war er an der Gestaltung des neuesten Museums der Metropole, V&A East, beteiligt. Stadtaufwertung heißt für Jayden nicht polierte Matcha-Ausgabetheken, sondern Quartiere, in denen sich alle Menschen, egal welchen Backgrounds, zuhause fühlen.

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© P I CT U RE A L L I AN C E / N EWSC OM | J I M RU YME N

Senior Talent im Familienunternehmen.

PAULINE CHALAMET

SOEUR ANGESAGT

Ach, kleine Brüder. Manchmal sind sie peinlich, weil sie am Esstisch mit dem Suppenlöffel im Ohr bohren. Und manchmal, weil sie sich mit dem Ballett und der Oper anfeinden, nur um anschließend den Oscar schon wieder nicht zu gewinnen. Pauline Chalamet nimmt die Eskapaden von Timmy gelassen. Und gilt in Hollywood bald nicht mehr als Geheimtipp. Nach einer Reihe charmanter Indie-Produktionen und einer Hauptrolle in der Serie „The Sex Lives of College Girls“ geht es jetzt für Pauline im Karrierelift dank „The Devil Wears Prada 2“ ins Penthouse.

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© P I CT U RE A L L I AN C E / P HO TO SH OT

Seine Karriere? Ein Riesentheater.

NOAH JUPE

HERZKÖNIG

Drama, Baby! Noah Jupe spielt sich offenbar in Rekordzeit durch William Shakespeare, als wäre er ein „Tetris“-Speedrunner auf Twitch. Nach seinem Gänsehaut-Auftritt im Film „Hamnet“ zieht es den Engländer jetzt auf die Theaterbühne von London. Dort füllt er gemeinsam mit Sadie Sink („Stranger Things“) in „Romeo & Juliet“ die Taschentücher mit Tränen. George Clooney nannte Noah vor zehn Jahren den besten Kinderdarsteller überhaupt. Es scheint so, als wolle der inzwischen 21-Jährige diese Lorbeeren auch als Erwachsener nicht verwelken lassen.

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© P I CT U RE A L L I AN C E / N UR PH O TO | A L ESSA NDR O BRE ME C

Nächste Arbeitsadresse Palazzo Chigi?

SILVIA SALIS

MACHT SIE MIT LINKS

In ihrer Laufbahn hat Silvia Salis schon manchen großen Wurf gelandet. Als Leichtathletin schleuderte sie den Hammer auf Spitzenniveau, vertrat Italien bei WMs und den Olympischen Spielen. Jetzt schlägt sie in ihrer zweiten Karriere als Bürgermeisterin von Genua ein und gibt dem linken Flügel des Landes Aufschwung. Bereits wird Salis als Top-Herausforderin für die nächsten Wahlen zur Regierungschefin gehandelt. Alles, was der Konkurrenz dazu einfällt? Über Silvias Manolo Blahniks zu lästern. Als ob wir noch mehr Gründe brauchen, Fan zu sein.

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© PI C T UR E A L L I ANCE / BI LDBYRÅN | JE SPE R Z E RMAN

Fällt beruflich aus allen Wolken.

MONDO DUPLANTIS

GETTING HIGH

Wenn Mondo Duplantis noch höher fliegt, braucht er demnächst seinen eigenen Fluglotsen. Neulich brach der Schwede den Weltrekord im Stabhochsprung. Schon wieder. 15 Mal ist ihm das in den vergangenen sechs Jahren gelungen. Und wirkt dabei so entspannt, als hüpfe er für einen „Bob Ross“-Marathon auf die Fernsehcouch. Jetzt hat Mondo das Model Desiré Inglander geheiratet. Das Paar sorgt an den Fashion Weeks von Paris und Mailand regelmäßig für stylische Höhenflüge. Wir gratulieren zur geglückten Landung und fiebern gespannt Nummer 16 entgegen.

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© C HA N A B AT CH

Für einmal in den Zuschauerrängen statt im Rampenlicht.

SAMI GALBI

GLOBEPOPPER

Seine Musik klingt, als schwebte man über einen Souq im fliegenden Auto aus „Blade Runner“. Retrofuturistischer Electropop wabert und wird von nordafrikanischen Raï- und Chaâbi-Rhythmen in Richtungen getrieben, die noch keinem Menschen zu Ohren gekommen sind. Sami Galbi sorgte mit seinem Debütalbum „Ylh Bye Bye“ für internationales Auflauschen. Jetzt zieht die Musik des schweizerisch-marokkanischen Künstlers noch größere Kreise dank einer Konzerttour durch China. Zum Glück für uns geht es aber rechtzeitig zum Festivalsommer zurück nach Europa.

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© P I CT U RE A L L IA N CE / PH O TO SHO T

Ein großer Wurf, auch abseits vom Court.

A’JA WILSON

MIT BESTEM DUNK

In ihrer Heimatstadt ist A’ja Wilson bereits mit einer Statue verewigt. Dabei hat sich die 29-Jährige erst warm gelaufen. Was in ihrem Fall heißt: vierfache WNBA Most Valuable Player, dreifache WNBA Champion, zweifache Olympiasiegerin – und seit einem neuen Dreijahresvertrag über fünf Millionen Dollar die bestbezahlte Basketballerin aller Zeiten. Doch auch Michael Jordan wurde erst unsterblich, als er seinen eigenen Nike-Turnsch-, oh, den hat A’ja ebenfalls schon? A’bsolut. Demnächst erhältlich in der Version „Gold Standard“. Was auch sonst.

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© K A I T M UR O

She’s the worst, und das ist gut so.

SLAYYYTER

AMERICAN NIGHTMARE

Mit dem Worst Guy in America wollen wir definitiv nicht um die Häuser ziehen, selbst wenn gerade er an seinem eigenen Tanzkeller neben dem Weißen Haus bastelt. Aber das „Wor$t Girl in America“? Beep beep, wir bestellen schon mal das Taxi und holen die Hard Seltzer aus dem Kühlschrank. Slayyyter hat sich diesen Titel für ihr neues Album gleich selber verliehen und lässt den Worten Hits folgen. Gegen ihre Bassmonster wirken Charli xcx und Kesha wie Novizinnen, die dir Kräutertee ans Bett bringen. Unsere Heiligsprechung ist der Sängerin gewiss.

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© P I CT U RE A L L IA N CE / I PP | I TA LY PH O TO PR ESS

He’s been around the world, around the world, around the world.

THOMAS BANGALTER

PUNK IS DEAD

Endlich ist dieser Mann an der frischen Luft. Als die eine Hälfte von Daft Punk schrieb Thomas Bangalter Musikgeschichte. Weil der Franzose dabei 25 Jahre lang einen Helm trug, kann er heute trotzdem ungestört zum Kiosk Zigaretten kaufen und wird nicht von kreischenden Fans durch Vorgärten gejagt. Seine Tage als Disco-Roboter sind zwar gezählt, am Wochenende hat Bangalter dennoch zu tun. Beispielsweise als Avantgard-Künstler, der für die Art Basel gemeinsam mit Kollege Rampa eine immersive Installation präsentiert. Get lucky und check sie aus N°05 / 2026

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THE HYPE Text: Josefine Zürcher

„LIFE ON THE FAST LANE.“ 28

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FASHION Style is not expensive, it is intentional.

Trend

PERFECT MATCH

Komfort steht bei dir zuoberst auf der Prioritätenliste, Style ist dir aber ebenso wichtig? Das ruft nach einer Formel, die wir nach komplizierter Recherche geknackt haben: Pyjama trifft auf Lingerie. Beides ist bequem, beides kann entweder sehr sexy oder sehr casual sein. Und beides ist eigentlich nicht dafür gedacht, in der Öffentlichkeit zur Schau gestellt zu werden. Aber wer mag schon Regeln? In der richtigen Kombination von Loungewear und Lingerie gelingt einem ein Outfit, mit dem man sich tatsächlich vor die Tür trauen kann. Und sogar bewundernde Blicke erntet.

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We Love

SILVER IS THE NEW BLACK

Wiedererkennungswert muss man haben. Schließlich ist es schön, im Chaos der Welt einen roten Faden zu entdecken. Bei Sportmax ist dieser nicht rot und auch kein Faden, sondern ein silbernes Wellenmuster, das als Armband, Kette und auch als Dekor auf Schuhen und Taschen zu finden ist. sportmax.com

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It-Piece

HÜLLE UND FÜLLE

Collaboration

AUF LEISEN SOHLEN

Hat Donatella Versace in ihrem Leben je Sneakers getragen? Man kennt sie schon eher in den höchsten Heels. Die Kollaboration mit Sneaker-Pionier Onitsuka Tiger kommt trotzdem nicht unerwartet.

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Einerseits hat Signora Versace ihren Posten als Kreativdirektorin ja abgegeben. Andererseits kommt man einfach nicht an schmalen Sneakern vorbei diesen Frühling.

Das Resultat der Zusam-

menarbeit hat alles, was ein It-Schuh braucht: angesagte SneakerBallerina-Form und ein bisschen Bling in Form des ikonischen VersaceLogos. onitsukatiger.com, versace.com

Was macht Pierpaolo Piccioli mit Balenciaga, nachdem Demna das Couture-Haus in eine avantgardistische und vor allem kontroverse Zukunft gelenkt hat?

Diese Frage stand so deutlich im Raum, dass man sie von den Köpfen der Front-Row an der Pariser Fashion Week regelrecht ablesen konnte.

Pierpaolo machte vor allem eins: Er reiste ins Archiv, zurück zu Cristóbal Balenciagas Anfängen, in denen Haute Couture auf dem Programm stand.

Und brachte einige Silhouetten in die Zukunft, die er sich für Balenciaga vorstellt. Mit dabei: ein mittellanger Rock mit Ballon-Silhouette. Gab’s bei Cristóbal schon in den Fünfzigern und eignet sich in der 2026-Reinterpretation nach wie vor als Statement-Piece.

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Liebling

AUFGEBLÜHT UND AUFGEFRISCHT

Im Frühling ist alles weicher, sanfter, schöner: Das Licht, die Natur und meistens auch unsere Stimmung. Passend dazu erblühte kürzlich eine neue Tasche von Etro: Die Vela Blossom, eine neue Version der Vela Bag, Marco De Vincenzos erster Tasche für das Haus. Die Vela Blossom ist, man errät es bereits: Weicher und flexibler, kommt aber mit derselben Handwerkskunst daher, sowie in Nappa- oder Wildleder und in Farben von Braun über Pflaume bis Schwarz.

Jede Saison braucht ihre It-Bag. Die Vela Blossom hat gute Chancen, zur solchen zu werden. etro.com

„If you’re an overnight sensation, you can be yesterday’s news in no time.“ Anna Wintour

Film

MOVIE NIGHT WITH MARC Auch ein gemütlich-fauler Streaming-Abend auf der Couch kann lehrreich sein. Wenn man „Marc by Sofia“ schaut, zum Beispiel. Am letztjährigen Filmfestival in Venedig sorgte der Dokumentarfilm bereits für Aufsehen.

Von Sofia Coppola ist man sich eigentlich Spiel32

filme mit weiblichen Protagonistinnen gewohnt.

Sie selbst sagt über den Film: „Ich wollte ein Porträt meiner seit dreißig Jahren bestehenden Freundschaft mit dem Designer Marc Jacobs erstellen und seinen kreativen Prozess darstellen, indem ich

seine Inspirationen und Vorbilder mit künftigen Generationen verbinde.“ Dazu begleitete sie den Designer drei Monate lang auf Schritt und Tritt. Ihre sanfte visuelle Handschrift macht sich auch im DokuGenre gut. a24films.com N°05 / 2026

Concept

ARCHIV, ÖFFNE DICH

Mode muss demokratischer werden. Finden wir, findet aber zum Beispiel auch Mode-Influencer Lyas, der mit seinen Watch-Partys die großen Fashion Shows für die Öffentlichkeit zugänglich macht. Jetzt trägt ausgerechnet Maison Margiela, das für seine Liebe zur Anonymität bekannte CoutureHaus, zur Demokratisierung bei. Während es von Gründer Martin Margiela kaum Bildmaterial, geschweige denn Videoaufnahmen gibt, lässt sich dank „Maison Margiela.folders“ nun das Archiv digital durchstöbern. Via DropboxLink, der laufend ergänzt wird, kann man die vier Hauptthemen erkunden: „Artisanal“, die CoutureReihe, „Anonymity“, „Tabi“ – die ikonischen Schuhe mit der geteilten Zehenkappe – und „Bianchetto“.

In China gab es einiges aus den Archiven vor Ort zu sehen. Wer nicht da war, findet den Ausstellungsinhalt und mehr in den Dropbox-Ordnern: Alte Archivbilder, Behind-theScenes-Videos, Projektpläne, Arbeitsdokumente…

Das war’s wohl mit der Anonymity. Ein Traum für alle, die Mode nicht nur hübsch anzuschauen finden, sondern die tiefere Bedeutung von Schnitt und Stoff lernen wollen. maisonmargiela.com N°05 / 2026

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BEAUTY Clearing your stuff clears your mind to shine.

Hair Trend

SEITENWECHSEL

Das Leben folgt keinen klaren Regeln. Nur etwas gibt uns Stabilität im Sog der unvorhersehbaren Veränderungen: Trends sind zyklisch und tauchen treu wie ein Hund genau dann wieder auf, wenn wir sie schon fast abgeschrieben haben. So kulminierte der Kampf der Generationen – der Gen Z und der Millennials, um genau zu sein – in der Diskussion um den Scheitel. Plötzlich galt der Seitenscheitel als uncool, denn die jüngere Generation teilte ihr Haar in braver Clean-GirlManier akribisch exakt in der Mitte. Ein Hinweis auf die Theorie, dass Gen Z konservativer ist, als man meint? Das ist ein Thema für die nächste Soziologie-Vorlesung.

So, wie wir wieder zur kontroversen Caprihose greifen, lassen wir jedenfalls den Scheitel wieder zur Seite rutschen – einmal mehr Symptome starker Nostalgie nach den Neunzigern und Zweitausendern. Oder nach längst vergangenen Zeiten, denn in den 1920er-Jahren galt der Seitenscheitel als die It-Frisur. Wie gesagt: Nichts ist beständig, außer Trends.

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„Creativity is your best makeup skill. Don’t be afraid to experiment.“ Pat McGrath

Nice to Have

GLOSSED, GLAZED AND GORGEOUS

Places

SCHÖNES HAUS, SCHÖNE HAUT So ausgefeilt die eigene Skincare-Routine auch sein mag, manchmal muss man die Profis werkeln lassen.

Vor allem dann, wenn man doch etwas hadert mit dem rasanten Fortschreiten der Zeit und das ein oder andere Fältchen auftaucht.

LVATE Face Aesthetics in München ist so ästhetisch eingerichtet, dass man nur verschönert wieder N°05 / 2026

rausspazieren kann. In dieser geschmackvollen Klinik mit BoutiqueCharakter dreht sich alles um die Optimierung, ohne allzu viel zu verändern. Im Mittelpunkt stehen Behandlungen, die die Haut in ihrer Funktion unterstützen, altersbedingte Veränderungen adressieren und die Hautqualität nach-

haltig verbessern. In Behandlungen und Wirkstoffen ausgedrückt heißt das: Von Hyaluron über Laser bis Botox, von Facial bis Chirurgie gibt es für jede Lebensphase das passende Treatment.

LVATE Face Aesthetics, Ottostraße 1, 80333 München, Deutschland, lvate.de

In den warmen Monaten dreht sich alles um genug Hydration. Für den Körper, aber auch für die Haut.

Am besten wendet man sich dafür an die Profis, die selbst ins Make-up nur die besten Zutaten mischen, wie es die kalifornische Clean-BeautyBrand Ilia tut. Ilias Geschichte begann mit einem Lippenprodukt.

Gründerin Sasha Plavsic untersuchte die Inhaltsstoffe ihres Lieblingslippenbalsams, nur um

schockiert festzustellen, wie viel Schädliches sich da drin tummelte.

Ihre Challenge: Eine sichere und natürliche Version davon nachbauen.

Nicht nur das ist ihr gelungen, denn heute kann man sich bei Ilia komplett mit Skincare und Makeup eindecken. Unser Sommerfavorit: Der „Overglaze“, der den Lippen Farbe, Feuchtigkeit und einen schimmernden Gloss verleiht. iliabeauty.com

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We Love

SO RIECHT BERLIN

Wie Berlin als Outfit aussieht, weiß man. Der mit der hippen Hauptstadt assoziierte avantgardistische Style – all black and straight out of Berghain – wird gerne mal auf die Schippe genommen. Doch wie riecht Berlin? Das weiß niemand besser als jemand, der von der Mode kommt und sich nun auch

der Parfumerie widmet: UY Studio wird für progressive, genderless Fashion gefeiert. Nun ist die Düsterheit dem Duft gewichen. Die minimalistische Coolness ist geblieben: Die Düfte nennen sich „U“, „X“ und „S“, sind erhältlich als Parfum, Roomspray und Kerze und sind unisex. uy-studio.com

Make-up Trend

SILVER LINING

Man kann’s schon fast nicht mehr hören, das Wort „Glow“ in Bezug auf Make-up. Dank inflationärem Gebrauch verliert es an Bedeutung.

Und wird irgendwie cringe. Und doch ist es das schönste Kompliment, wenn jemand findet, dass man gerade so einen schönen Glow hat. Man kann ihn ja für einmal neu erfinden und auf silbern schimmernde Töne setzen, die besonders auf den Lippen zur Geltung kommen.

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Liebling

ABDECKEN OHNE VERSTECKEN

Make-up glänzt an der Oberfläche, kann aber metaphorisch ganz schön tief gehen. Will man etwas verstecken, betonen, gar jemand anderes werden?

Hermès möchte vor allem eines: Die natürliche Schönheit betonen. Zuerst etwas Geschichte: Emile Hermès, der Enkel von Gründer Thierry Hermès, entwarf Kleidung, die es Frauen ermöglichte, Outdoor-Sport zu treiben, zu reisen, Auto zu fahren und sogar ein Flugzeug zu fliegen. Das war ganz schön revolutionär für das 20. Jahrhundert. Was das nun mit der neuen „Plein Air“-Foundation zu tun hat? Auch das Make-up soll auf Freiheit und Leichtigkeit setzen, statt einzuengen. „Diese Kollektion ist für ein breites Spektrum an Hauttönen konzipiert. Die Farbtöne passen sich nicht nur jedem Teint an, sondern unterstreichen und pflegen ihn auch“, sagt Gregoris Pyrpylis, Kreativdirektor von Hermès Beauté. Konkret heißt das: Es gibt vierunddreißig Farbtöne und fünf Farbintensitätsfamilien mit ihren Variationen in drei Untertönen – kühl, neutral und warm. Hermès, „Plein Air“, Foundation, 33 ml, ca. 116.—, hermes.com N°05 / 2026

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TRAVEL Some people see a wall as the end of their journey.

New Opening

UN POCO D’AMORE

Wien ist immer eine Reise wert, ob für ein Stück Sachertorte oder einen intellektuellen Spaziergang durchs MuseumsQuartier.

Dort ums Eck liegt auch das neu eröffnete Miiro Spittelberg, ein TownhouseHotel, das zum Verweilen einlädt. Wer nur kurz vor Ort ist oder sein Hauptquartier woanders aufgeschlagen hat, sollte trotzdem dringend vorbeischauen. Das hauseigene Restaurant Poco ist nicht nur Hotelgästen vorbehalten, sondern heißt auch Menschen aus der Nachbarschaft herzlich willkommen. Für das Foodkonzept wurde Hilfe aus England geholt. Jake Bucknall und Jacob Stuttard führen bereits vier Pizzerien in London.

Nun gibt’s ihre Slices im Poco zu verschlingen – zum Beispiel mit würzigem Chorizo, geschlagenem Feta, zerstoßenen Fenchelsamen und Hot Honey. Dazu gibt’s Listening Partys, Pop-ups, geheime Gigs oder Kunstveranstaltungen.

Regelmäßig vorbeischauen lohnt sich also. Poco, Kirchbergasse 6, 1070 Wien, pocorestaurant.com 38

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„Traveling’s not something you’re good at.

It’s something you do.

Like breathing.“ Gayle Forman

We Love

HARTE ALUMINIUMSCHALE, BUNTER KERN Die farbenfrohe Koffermarke Floyd ist für alle, die sich irgendwo zwischen Jugend und Erwachsensein verorten. Die neueste Edition des Kabinenkoffers, der „Silverglider“, gefertigt aus einer einzigen geformten Aluminiumschale, macht eigentlich einen ziemlich seriösen Eindruck.

Als Inspiration galt der

Book

AUF ZU NEUEN UFERN Das Meer ist für viele der Sehnsuchtsort schlechthin. Salzwasser und weite Horizonte haben eine gewisse Magie, die es sonst nirgendwo gibt. Aber man sollte die kleinen Geschwister der Meere nicht unterschätzen: Seen sind nicht nur für die meisten von uns schneller N°05 / 2026

zu erreichen, sie sind wahre Oasen, die es sich zu entdecken lohnt.

Wer nicht weiß, wo anfangen, dem sei die Buchreihe „Take me to the Lakes“ vom Berliner Verlag The Gentle Temper ans Herz gelegt.

Ob München, Schwarzwald oder doch Hamburg,

Automobilbau. Doch dann leuchten da die bunten Skateboardräder und der farbige Innenteil und erinnern uns daran, dass uns auch der hundertste Businesstrip mit endlosen Meetings niemals die Laune verderben soll.

Floyd, Cabin Aluminium „Silverglider“, Aluminium-Koffer, ca. 895.—, floyd.one

ob Sonderedition mit Fahrrad- oder Campingtipps – die Buchreihe zeigt so viele kleine Gewässer in Deutschland, dass man das Meer beinahe vergisst. Schließlich gibt’s sogar Seen mit Sandstränden. thegentletemper.com 39

Places

HERAKLES, APOLLO UND MYKONOS Die hübsche Kykladeninsel Mykonos ist vieles, aber nicht eintönig. Sie kann Literaturfans mit einer Vorliebe für Sagenwelten anziehen: Laut der griechischen Mythologie entstand Mykonos aus den versteinerten Körpern der Giganten, die von Herakles, Sohn des Zeus,

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getötet wurden. Ihren Namen wiederum erhielt die Insel vom Sohn Apollos. Wer lieber Promiklatsch aufsaugt, statt Götternamen zu lernen, ist auf Mykonos ebenso gut aufgehoben: Unter anderem die Hadid-Schwestern, Mick Jagger oder Paris Hilton

weilen gerne auf der heißen Insel. Wichtiger als das Who is who ist aber das Where to stay. Wir schlagen ein Zimmer der Myconian Collection vor. Da hat man nämlich die Wahl aus vierzehn Hotels oder, wer es noch exklusiver mag, einer Villa aus der Villa Collection.

Als Gast in einem der Hotels stehen einem die Einrichtungen der gesamten Collection zur Verfügung. Die ideale Gelegenheit, um die gesamte Bandbreite an Restaurants, Bars, Spas und Poolterrassen zu entdecken. myconiancollection.gr

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Exhibition

ARTISTI, A FIRENZE! Reisen kann die versiegte Inspirationsquelle wieder sprudeln lassen. So ging es Mark Rothko, als er sich in den Fünfzigerjahren in Florenz aufhielt. Die italienische Renaissance hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die künstlerische Vision des amerikanischen Meisters. Treffend also, spielt sich eine große N°05 / 2026

Rothko-Retrospektive im Palazzo Strozzi in Florenz ab. Und noch treffender, läuft sie bis August. Die Sommermonate locken so oder so in Richtung sonniger Süden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Elena Geuna und Christopher Rothko, Sohn des Künstlers. Vom Palazzo Strozzi aus erstreckt sich

das Projekt in die Stadt.

Im Museo di San Marco und in der von Michelangelo entworfenen Vorhalle der Biblioteca Medicea Laurenziana sind ebenfalls farbenfrohe und expressionistische Bilder zu sehen. „Rothko in Florence“, Palazzo Strozzi, bis 23. August, palazzostrozzi.org 41

LIVING&DESIGN Design is the frivolous part of serious lives.

New Collection

MEHR ALS MÖBEL

Wer chronisch online ist, kennt den Diskurs rund ums sogenannte „Sad Beige“. InfluencerInnen tendieren dazu, ihre Wohnungen, Kinderzimmer inklusive, in neutralen, cremigen Beige- und Weißtönen zu halten. Nicht nur für PsychologInnen der blanke Horror – knallige Farben sind essenziell für die Entwicklung von Kindern – sondern auch für alle, die Farbe fürs Gemüt brauchen. Dafür ist man bei Seletti an der richtigen Adresse. Die Kollektion „Superfurniture“, die an der diesjährigen Maison&Objet in Paris vorgestellt wurde, ist eine Hommage an das postmoderne Design der Sechziger- und Siebzigerjahre, erträumt und umgesetzt durch die verspielte und farbenfrohe Linse von Seletti.

Kleiderständer, Bett, Spiegel und alles, was das Wohnherz begehrt kommen in allen Farben daher, nur nicht in Sad Beige. So ähneln die eigenen vier Wände einer bunten Traumwelt, in der schlechte Laune kaum eine Chance hat. seletti.it 42

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Liebling

KUNST & WISSENSCHAFT

Physik ist für viele verbunden mit Erinnerungen an schlechte Noten, komplizierte Formeln und ein generelles Fragezeichen im Kopf. Dabei kann die Materie auch wunderbar Schönes erschaffen. Das Zusammenspiel von Licht, Wasser, Glas und Reflektionen? Physikalische Prozesse. Diese zu erklären, sprengt unsere Kompetenzen. Darum empfehlen wir, sich eine „Aether“Vase aus Borosilikatglas von Christian Metzner zu gönnen, sie mit Wasser, Blumen und sonstigem zu befüllen, an ein sonniges Plätzchen zu stellen und einfach mal zu beobachten.

Auch die Herstellung der Vase ist eine Wissenschaft für sich. Sie erfordert ein Team von erfahrenen GlasbläserInnen und eine speziell entwickelte Produktionsanlage, um die einzelnen Komponenten innerhalb kurzer Zeit zusammenfügen zu können, bevor das Glas abkühlt. „Aether“, Vase aus Borosilikatglas, ca. 700.—, christian-metzner.com

We Love

KEEP ME WARM

Die ÄsthetInnen unter uns haben schwerwiegende Probleme: Nicht jeder funktionale Gegenstand ist schön – eine Schande eigentlich, schließlich gibt’s ja genug kreative DesignerInnen. Da hat man also das Wohnzimmer perfekt eingerichtet, hübsche Magazine auf dem

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Coffee Table ausgebreitet, die handgetöpferte Vase mit Trockenblumen gefüllt, setzt sich auf seine Designercouch – und starrt gegen einen langweiligen Heizkörper.

Frieren ist auch keine Option und einen Kamin haben wir leider nicht alle.

Zum Glück gibt es

Unternehmen, die genau wissen, wie sehr es das Designerherz schmerzt, wenn nicht jede Ecke ästhetisch ist. Antrax verwandelt Heizkörper in abstrakte skulpturale Kunstwerke, die man sogar zum Mittelpunkt seines Wohnzimmers machen möchte. Wer immer noch

glaubt, ein Objekt kann nicht gleichzeitig Kunst und Gebrauchsgegenstand sein, dem sind jetzt offiziell die Argumente ausgegangen. Frieren tut man höchstens noch wegen der Gänsehaut, die der Anblick eines solchen Heizkörpers auslöst. antrax.com

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Nice to Have

ZUERST DIE FORM, DANN DIE FUNKTION Form über Funktion: Ettore Sottsass war Verfechter und Vorreiter des sogenannten „Anti-Designs“, bei dem Schönheit Priorität hat. Nach Schreibmaschine, Tischleuchte und Bücherregal entwarf der Italiener 1993 das „La Bella Tavola“

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Geschirrset für Alessi.

Mit geometrischen blauen Linien, die so simpel und schön sind, dass sie auch mehr als drei Dekaden danach noch funktionieren.

Anti-Design ist eben doch nicht so kurzlebig. alessi.com

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Collaboration

AN DIE WAND KLATSCHEN Tapeten haben einen schlechten bis mittelmäßigen Ruf. Zu unrecht, wie das italienische Geschäft Spaghetti Wall immer wieder beweist.

Aktuellen Kollaborationen N°05 / 2026

mit Anomalia Studio, Apostoli Design, La Casa di Babette, Masina Studio, Pensieri Illustrati, Studio Chiara Caberlon und Studio Smit entspringen frische Designs, die Wände

zum Leben erwecken.

Als Inspiration dient alles, was Spaß macht – von griechischer Mythologie über die Barockzeit bis zu abstrakten Formen. spaghettiwall.it 45

WATCHES Time rewards craftsmanship more than speed.

Innovation

KEINE ZEIT, UM SEKUNDEN ZU ZÄHLEN

Gute Neuigkeiten für alle ExistenzialistInnen, die beim Anblick eines tickenden Sekundenzeigers angesichts der voranschreitenden Zeit und der damit einhergehenden eigenen Vergänglichkeit Herzflattern kriegen (aber trotzdem gerne eine Omega-Uhr tragen wollen): Die „Constellation Observatory“-Kollektion kommt ohne Sekundenzeiger aus, besteht aber trotzdem alle wichtigen Prüfungen. „Bislang war für die Präzisionszertifizierung ein Sekundenzeiger erforderlich.

Durch die Entwicklung einer neuen akustischen Testmethode ist diese Anforderung nun hinfällig geworden“, erklärt Raynald Aeschlimann, Präsident und CEO von Omega.

Zum ersten Mal in der Geschichte der Uhrmacherkunst hat eine Zweizeigeruhr mit Stunden- und Minutenzeiger die MasterChronometer-Zertifizierung erhalten. omegawatches.com

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Nice to Have

BETTER, STRONGER, SMALLER Groß denken heißt manchmal, sich zu verkleinern.

Das haben nicht die Götter der Uhrenphilosophie erdacht, sondern wir, als wir die neue „Octo Finissimo 37“ von Bulgari erspäht haben. Die wurde, wie der Name sagt, auf einen Durchmesser von 37 mm reduziert „Die Octo Finissimo 37 ist für uns eine neu gedachte, leere Leinwand. Durch die Verkleinerung ihres Durchmessers haben

wir einen Raum geschaffen, in dem sich Kreativität in ihrer reinsten Form entfalten kann“, sagt Fabrizio Buonamassa Stigliani, Executive Director Product Creation bei Bulgari. Das Innenleben bleibt beeindruckend: In der „Octo Finissimo 37“ tickt ein neu entwickeltes Uhrwerk mit einer Gangreserve von 72 Stunden. bulgari.com

Emotional

GUT GEALTERT

Auf Latein bedeutet Patina wortwörtlich dünne Schicht. Das ist sie ja auch, wenn man von Gebrauchsspuren auf Kunst oder Objekten spricht. Emotional bedeutet Patina aber viel mehr: Reife, Ver-

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gänglichkeit, Schönheit im Unvollkommenen.

Die „Mille Miglia Classic Patina“ von Chopard erinnert mit ihrem technisch gealterten Gehäuse an die Patina der Karosserie historischer Renn-

wagen. Am schönsten sind unsere Lieblingsobjekte eben erst dann, wenn man ihnen ansieht, wie lange wir sie schon besitzen und wie gerne wir sie mögen. chopard.com

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Anniversary

AB AUFS WASSER

Wer sich in einem Zoo mit ausladender Aquarienlandschaft wiederfindet, könnte einen Blick auf den Nautilus Pompilius erhaschen, ein hübsches Unterwasserwesen, das aussieht wie eine Mischung aus Tintenfisch und Schnecke und auch als Perlboot bekannt ist.

Eigentlich heißt Nautilus ganz einfach Seefahrer, abgeleitet vom griechischen Wort „naus“, was Schiff bedeutet. UhrenkennerInnen verbinden mit dem Wort Nautilus aber nur eines: Die gleichnamige ikonische Uhr von

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Patek Philippe, die dieses Jahr ihren fünfzigsten Geburtstag feiert. Vor einem halben Jahrhundert war die „Nautilus“ ein richtiger Rebell: Stahl für das Gehäuse war eine unübliche Wahl für Luxusuhren und auch bei der achteckigen, von Schiffsbullaugen inspirierten Lünette schlug sie neue Wege ein.

Und beeindruckte mit einer Wasserdichtigkeit von 120 Metern. Nun wird der Geburtstag mit vier neuen Versionen in limitierter Auflage gefeiert. patek.com

Schwerelosigkeit

AUFS WESENTLICHE REDUZIERT

„Vollkommenheit entsteht offensichtlich nicht dann, wenn man nichts mehr hinzuzufügen hat, sondern wenn man nichts mehr wegnehmen kann“, sagte der französische Pilot und Schriftsteller Antoine de Saint-Exupéry einst. Was lernen wir daraus? Immer schön seine Inspiration bei den kreativen Köpfen dieser Welt holen, und nicht etwa bei ChatGPT. Richard Mille nahm sich dieses Zitat für die neue „RM 55-01 Manual Winding“ zu Herzen.

Deren Kaliber RMUL4 wiegt weniger als fünf Gramm. Egal, welche der drei Ausführungen man wählt – Carbon TPT®, weißes Quarz TPT® und graues Quarz TPT® – ein State-ment ist dieser Zeitmesser sowieso. richardmille.com N°05 / 2026

„A mechanical watch is not about telling time, it’s about telling a story.“ Jean-Claude Biver

Nostalgia

SWINGING BACK TO THE SIXTIES

Was ist eigentlich die vollkommenste Zahl?

Wir finden: 60. Immerhin ticken 60 Sekunden in einer Minute und 60 Minuten füllen eine Stunde.

Und: Die Sechziger waren eine schöne Dekade. Von den Swinging Sixties ist auch die „Sixtie“ von Piaget inspiriert. Mehr Schmuck als Uhr symbolisiert sie eine nostalgische Leichtigkeit.

Dieses Jahr kommt sie in neuen, blauen Versionen daher – eine Farbe, die man auch in den Sechzigern oft sah. piaget.com N°05 / 2026

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Big Bang

STARPOWER

„Trust yourself“, steht da filigran in der Lünette exakt bei sechs Uhr eingraviert. Das entspricht dem Lebensmotto von Starkicker Kylian Mbappé, der seit einer Dekade Fußballrekorde knackt.

Er ist der erste Spieler seit Pelé, der vor seinem 24. Geburtstag sieben WM-Tore erzielte und düst auch mal mit 38 km/h über den Rasen. Das schafft er mit Talent, Fleiß und Durchhaltevermögen. Letzteres braucht man auch, wenn man ansteht, um eine „Big Bang Reloaded Kylian Mbappé“ von Hublot zu ergattern. Der Zeitmesser ist nämlich auf 200 Stück limitiert. hublot.com

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„Time moves in one direction, memory in another.“ Margaret Atwood We Love

HÖCHSTE ZEIT, DAS GEHEIMNIS ZU LÜFTEN Vorsprung

THE HOURS ARE JUMPING BY Die Zeit rast, äh, springt.

Und zwar mit Ziffern statt traditionellen Zeigern, die alle 60 Minuten einen Sprung nehmen. Zumindest macht das die „Neo Frame Jumping Hour“ von Audemars Piguet so.

Dieses brandneue Stück ließ sich von alten Zeiten inspirieren: Das System der springenden Stunde tauchte erstmals um 1650 in Nachtuhren auf und wurde im 18. Jahrhundert für Taschenuhren adaptiert, um die Ablesbarkeit zu verbessern. Armbanduhren mit springender Stunde verloren mit Beginn des Zweiten Weltkriegs an Bedeutung, erlebten jedoch in den N°05 / 2026

1960er- und 1970er-Jahren während der SpaceAge-Design-Ära eine Renaissance. In den Neunzigern begann Audemars Piguet, diese Komplikation mit Minutenrepetitionen zu kombinieren, und das Comeback gelang erst recht. Die „Neo Frame“ hat das erste Automatikwerk der Manufaktur mit springender Stunde, das Kaliber 7122. Und weil Ästhetik ebenso wichtig ist wie komplizierte Uhrwerke, kommt das Gehäuse in edlem Roségold und Saphirglas daher. audemarspiguet.com

Während man auf Social Media bloß nicht in die Oversharing-Falle treten sollte, gelten in der Horlogerie andere Regeln.

Geheimnisse dürfen gerne gelüftet werden. Wir fragen uns doch alle, was da bloß im Innern einer Uhr vorgeht. Das findet auch Hermès und stellt die Architektur des Uhrwerks in den Mittelpunkt. Die „Slim d’Hermès Squelette Lune“ wird angetrieben vom Uhrwerk H1953 und folgt dem Mondzyklus der nördlichen und südlichen Hemisphäre. Ob wir völlig die Zeit vergessen beim Beobachten des Zifferblatts, das uns mitten ins Uhrwerk nimmt? Keine Frage. Ob wir endlich verstehen, wie das Ganze funktioniert? Sagen wir’s mal so: Manches darf Mysterium bleiben. hermes.com

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Materialkunde

KERAMIKKUNST

Beim Wort Keramik denkt man erst mal an dekorative Vasen. Oder vielleicht an all die Cafés, in denen man seine eigenen Keramikstücke bemalen kann, die gerade wie Pilze aus dem Boden schießen. Rado hingegen denkt an Uhren.

Vor vierzig Jahren führte die Schweizer Marke mit der „Integral“-Uhr Hightech-Keramik in die Welt der Uhrmacherkunst ein und machte sich das glatte, strapazierfähige Material zum Markenzeichen. Und festigte damit das Motto der Gründer-Gebrüder Ernst, Fritz und Werner Schlup: „Wenn wir es uns vorstellen können, können wir es auch verwirklichen. Und wenn wir es verwirklichen können, werden wir es auch tun.“ rado.com

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Superwatch

FRISCH ÜBERARBEITET Trägt Superman eigentlich eine Uhr, oder weiß er sowieso immer, wie spät es gerade ist? Vielleicht spielt Zeit eh keine Rolle im DC-Universe. Henry Cavill jedenfalls trägt eine HydroConquest. Ob er darum wohl seine Rolle als Superman aufgegeben hat? Die Filmindustrie munkelt, da sei etwas mehr

Drama am Start gewesen. Zurück zur Horlogerie: Longines hat seine „HydroConquest“-Kollektion überarbeitet. Nun ist sie in Größen von 39 mm und 42 mm erhältlich, mit vier neuen Zifferblattvariationen und fünf verschiedenen Farben für die Keramiklünette. longines.com

New Edition

HIER WIRD EINE FARBLEKTION ERTEILT

Taupe ist französisch und bedeutet Maulwurf. In der Welt der Farben ist Taupe ein dunkles Graubraun, wie das Fell eines Maulwurfs eben. Auf dem Farbkreis liegt dieses Graubraun zwischen Rot und Gelb. Nun, da wir alle auf dem gleichen Stand sind, was Farb- und Sprachlehre angeht: Das Zifferblatt der neuen „Sport Classic“ von Ebel ist – Taupe natürlich.

Die charakteristischen Wellen am Armband bleiben auch diesem Modell erhalten. ebel.com N°05 / 2026

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„Time isn’t a thing you can lose… it’s a thing you can choose.“ Sarah Ban Breathnach

Einsatzbereit

ROBUST & RETRO

In unserer perfekten rosaroten Traumwelt gibt’s kein Militär, denn dort gibt’s auch keinen Krieg. In der echten Welt leider schon. Wir reden aber eigentlich schon lieber über Uhren als über die Armee. Tatsächlich berühren sich diese beiden Themenbereiche: Früher entwickelte Panerai im Verborgenen Zeitmesser und Instrumente für die königliche italienische Marine. Jetzt sind die Uhren eher für den kleinen Luxus im Alltag gedacht.

Der Ästhetik kann man die Vergangenheit aber noch ein kleines bisschen ablesen: Die neuen „Luminor“-Modelle sind nicht nur inspiriert von ihren Vorgängermodellen, sondern sind ebenso leistungsstark und bereit für Abenteuer. panerai.com

Verspielt

IT’S TIME TO PLAY

Egal ob Jasskarten, Schachbrett oder der gute alte Game Boy – fürs Spielen ist man nie zu alt.

Das findet auch Chanel.

Die „Coco Game“Kollektion umfasst 14 Timepieces; von der Kette mit versteckter Mini54

Uhr bis zum regulären Zeitmesser ist alles dabei.

Was sich wie ein roter Faden durch das verspielte Cocoversum zieht: Ein verpixeltes Figürchen von Mademoiselle Coco, das man sogar als Charm an eine Uhr hängen kann.

Was waren nochmals diese Labubus? Ob es bald auch ein virtuelles Spiel gibt, bei dem man als Coco durch die Modewelt zocken kann? Wir melden fix unser eigenes Patent an, bevor uns jemand die Idee klaut. chanel.com N°05 / 2026

Icon

THE WORLD IS YOUR OYSTER Was haben eine Auster und eine Uhr gemeinsam?

Vielleicht ihren Wert, sollte die Muschel gerade eine unbezahlbare Perle produzieren. Vor hundert Jahren brachte Hans Wilsdorf die beiden etwas näher. Indem er die legendäre „Oyster“ für Rolex kreierte, mit vollständig wasser- und

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staubdichtem Gehäuse.

Das heißt, sie konnte wie ihre Namensgeberin einige Zeit unter Wasser verbringen. Ein Jahrhundert später ist das Wort Oyster schon fast ein Synonym für Rolex, und die „Oyster“-Familie wächst noch immer. rolex.com

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Präzision

KOMPLEXER NAME, KOMPLEXE TECHNIK

Der Name dieses neuen Zeitmessers von JaegerLeCoultre ist mindestens so komplex wie das, was in ihm vorgeht: „Master Hybris Inventiva Gyrotourbillon à Stratosphère“. Dieser Uhr wohnt nämlich eine dreiachsige Tourbillon56

Konstruktion des Kalibers 178 inne, die für mehrere Patente angemeldet wurde.

Das macht sie zur präzisesten Armbanduhr mit Tourbillon, die je von Jaeger-LeCoultre entwickelt wurde. Was es mit dieser Mehrachsigkeit des Tourbillons auf sich

hat? Weil Armbanduhren ununterbrochen den Bewegungen der TrägerIn folgen, ist UhrmacherInnen bewusst, dass mehrachsige Tourbillons die Auswirkungen der Schwerkraft auf die Ganggenauigkeit wesentlich umfassender

neutralisieren als ihre einachsigen Pendants.

2004 stellte JaegerLeCoultre darum das erste Gyrotourbillon vor und legte damit den Grundstein zu einer bahnbrechenden Serie an mehrachsigen Tourbillons. jaeger-lecoultre.com N°05 / 2026

Geschmeidig

SLEEK LIKE SILK

Nineties-Chic, Smokey Eyes, alles eng und glitzern: Dank dem Einstieg von Demna als Creative Director stand Gucci zu recht im Mittelpunkt der Mailänder Fashion Week. Und während wir es niemandem verübeln, dass sie die Augen nicht von Kate Moss und Emily Ratajkowski lösen können, weisen wir freundlich darauf hin, dass dem Hause Gucci nicht nur

High Fashion, sondern auch High Watchmaking entspringt. Neu dieses Jahr: Vier Modelle der „Métiers d’Art“-Kollektion und eine neue Version der „Gucci 25H“. Mode wird aber auch im Uhrenuniversum von Gucci nicht links liegen gelassen.

Die „Métiers d’Art“ zieht ihre Inspiration aus den Seidenschal-Designs aus dem Archiv. gucci.com

Liebling

TOLLES TRIO

Tortue, Tank Normale und Crash: In naher Zukunft wird das vielleicht eine ganz normale BabynamenAuswahl für Drillinge sein. Jetzt aber sind die Namen drei der charakteristischsten Uhrenformen von Cartier vorbehalten. Die zehnte Cartier Privé Edition rückte diese erneut ins Rampenlicht. Die skelettierte „Crash“, die aussieht, als hätte Salvador Dalí höchstpersönlich sie skizziert, die „Tank Normale“ mit siebenreihigem Platinarmband und die „Tortue“ mit ihrem römischen zwölf in Übergröße – alle drei beweisen, dass Uhren dann am schönsten werden, wenn man künstlerisch denkt. cartier.com N°05 / 2026

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PLATINUM

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Musik zum Niederknien: Debbie Harry live in concert, 1979.

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Besser die Jacke anziehen, auf dem Gipfel des Erfolgs wird es vielleicht kühl.

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Die schlechte Nachricht gleich vorweg: Das neue Album von Blondie verzögert sich um ein paar weitere Wochen und soll im Herbst 2026 erscheinen. Die gute Nachricht: Es gibt ein neues Album von Blondie!?

Höchste Zeit, Frontfrau und Pop-Ikone Debbie Harry aufs Podest für herausragende Pionierinnen zu heben.

Text: Michael Rechsteiner Fotos: dpa picture alliance N°05 / 2026

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Links: Scout Debbie und die Muppets, 1976.

Unten: Noch immer Queen of Cool, 2024.

Rechts: Goldige Zeiten, 1978.

Oben: Blondie inkl.

4 Non Blondes.

Rechts: Debbie u.a. mit Chris Stein (ganz rechts).

Unten: Hochtouren im United Kingdom, 1978.

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Am 12. Juli 1979 eskalierte eine Explosion in Chicago den Konflikt. Rauchschwaden verdunkelten noch immer das Comiskey Park Baseballstadion, als tausende RandalierInnen aufs Feld stürmten. Polizei in Schutzausrüstung marschierte gegen das Chaos auf. Am Ende der Nacht waren 39 Menschen verhaftet und über 30 verletzt worden. Doch dem Feind, gegen den die KrawallmacherInnen angetreten waren, wurde in dieser Nacht ein empfindlicher Schlag versetzt. Nur wenige Monate später war er endgültig besiegt.

Sein Name: Disco.

Die „Disco Demolition Night“, bei der ein Rock-RadioDJ für eine Werbeaktion 500 Disco-Platten in einem Baseballstadion in die Luft sprengte, ging als Höhepunkt eines bizarren Kulturkampfs in die Geschichte der US-Popkultur ein. Ende der Siebzigerjahre zog sich ein tiefer Schützengraben durch die Vinylregale und teilte die Jugend in zwei Lager: Wer Disco hörte, hasste Punk. Wer Punk hörte, hasste Disco. Doch es gab eine Band, auf die sich die coolsten Kids aus beiden Lagern einigen konnten. Sozusagen ein Wiener Kongress, der sowohl auf dem Dancefloor von Studio 54 als auch im Moshpit von CBGB’s ausgetragen wurde. Die Songs dieser Gruppe stifteten Frieden und sorgten doch für ganz viel Aufregung. Ihr Name: Blondie.

PUNK ON PEROXIDE

Blondie war zwar schon immer mehr als Frontfrau Debbie Harry. Doch ohne Debbie Harry wäre Blondie nur vier bis fünf Männer in zu engen Hosen und ausstehenden Wohnungsmieten. Ihre Jugend verbrachte Deborah Harry in Hawthorne, New Jersey. Eine Art niedliche, aber leicht verfilzte Fussmatte zu New York City. Als Adoptivkind träumte Debbie bis tief in ihre Teenagerjahre davon, Tochter von Marilyn Monroe zu sein. Am anderen Ufer des Hudson Rivers, endlich angekommen in Manhattan, traf Harry 1973 einen jungen Mann, der die Gitarre ebenso gut beherrschte wie einen Fotoapparat. Mit Chris Stein und drei weiteren Chucks-Trägern gründete die Sängerin die New-Wave-Band Blondie. Die Musikszene im East Village wurde damals zusammengehalten von Jeansnähten und Testosteron. Ein G-G-Gi-Girl auf der Bühne!? Fast undenkbar. „Godmother of Punk“ Patti Smith genoss zwar den Respekt der Szene, doch schwang sie nicht in Minikleid und Overknee-Stiefel über die Zigarettenstummel der Kellerclubs. Chris wusste um das Alleinstellungsmerkmal und schickte Glamourfotos seiner Freundin – inzwischen waren Debbie und er ein Paar – ans Musikmagazin Creem. Ein Blick auf die Neo-Monroe aus der New Yorker Subkultur reichte, damit die Postille verkündete: Dieser Act wird ein Riesending. Und tatsächlich reichte die Band ihr musikalisches Talent schon bald nach.

FROM HIP-HOP TO HOLLYWOOD

Im Krieg Punk gegen Disco zeichnete sich im Jahr 1978 noch kein klarer Gewinner ab. Also machte Blondie

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BLONDIE IN CAMERA 1978 Seine Kamera hat mehr Stars eingefangen als das Hubble Teleskop. Doch statt faul am Himmel rumzuhängen, schrieben die Subjekte von Martyn Goddard Musikgeschichte.

1978 reiste der Engländer nach New York, um Blondie zu dokumentieren. Er war zur perfekten Zeit am perfekten Ort: In jenem Jahr schoss die Band um Sängerin Debbie Harry vom New Yorker Underground in den Pop-Mainstream.

Die 190 Aufnahmen in diesem Buch beweisen: The tide was high für New Wave und niemand ritt die Erfolgswelle cooler Miss Harry.

Martyn Goddard, „Blondie in Camera 1978“, ACC Art Books, 240 Seiten, ca. 28.— accartbooks.com

einfach beides. Songs wie „Heart of Glass“ und „One Way Or Another“ funktionierten unter der Glitzerkugel ebenso wie auf den Scherben von Bierflaschen. Und machten die Band mit ihrem dritten Album „Parallel Lines“ erst in England und dann in den USA zu Stars. Blondie zelebrierte zwar den typischen Rock’n’Roll-Hedonismus, doch Debbie Harry verlieh ihm einen femininen, feministischen Twist. David Bowie und Iggy Pop versuchten, bei ihr zu landen – vergeblich. Glaubte man bei anderen Bands, den sechswöchigen Tourbus-Schweiß durch die Stereo-Boxen zu müffeln, begleitete „The Tide Is High“ eine Prise von Chanel No. 5. Der leichtfüßige Tanz zwischen den Genres machte 1980 einen überraschenden Ausfallschritt mit dem Song „The Rapture“. In der letzten Strophe platzte Debbie in einen Sprechgesang, der die Mainstreamisierung von Rap um fünf bis zehn Jahre vorwegnahm.

In den folgenden Monaten wurden die Drogen mehr und die Ideen weniger. Doch war es eine seltene Autoimmunerkrankung von Chris, die das vorläufige Ende von Blondie besiegelte. Debbie wurde zu seiner Pflegerin – und zum Solostar, nicht nur hinter dem Mikrofon. Mit Filmrollen in „Videodrome“ und „Hairspray“ übertrug Harry ihre Eisköniginnen-Aura erfolgreich auf die große Leinwand. Andy Warhol und H.R. Giger versuchten, bei ihr zu landen – erfolgreich: Beiden Künstlern stand sie als Muse und Model Motiv. Als sich 1997 nach der Auflösung Blondie wieder zusammenfand, war das Herz der Band zumindest romantisch nicht mehr eine Seele; Debbie und Chris hatten in den Jahren zuvor ihre Liebesbeziehung freundschaftlich aufgelöst. Heute ist Harry die Patentante von Steins beiden Töchtern. Das Comeback geriet zum Triumphzug. Auch, weil all die Tamagotchi-BesitzerInnen endlich das Original erleben konnten, das den Grundstein für Bands wie No Doubt, Garbage und The Cardigans gelegt hatte.

SHOWDOWN AT HIGH NOON

„Man muss erst fünfzig Jahre alt sein, bevor jemand bemerkt, dass man überhaupt etwas tut“, ätzte Debbie Harry 2021 im Interview Magazine. Doch manchmal kommt es vor, dass jemand aufs Parkett tritt und – die blonden Haare ausgeleuchtet wie ein Heiligenschein – vom ersten Moment an alle Blicke auf sich zieht. Und auch fünfzig Jahre später dank Stil und Charisma über Mode und Zeitgeist schwebt. Debbie sang einst „Die Young Stay Pretty“. Zumindest hier eiferte sie ihrem großen Idol Marilyn Monroe glücklicherweise nicht nach. Stattdessen soll noch in diesem Jahr das neue Blondie-Album „High Noon“ erscheinen, eine Konzerttour ist ebenfalls geplant. Disco und Punk haben als Jugendbewegungen längst ins Gras gebissen, sind heute nur noch Grabsteintexte, nach denen wir Spotify-Playlists sortieren. Überlebt haben die Songs und die Frau, die mit ihrem Gesang schon immer auf alle Labels gepfiffen hat.

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SHIFT

Spürst du den durchdringenden Blick?

Das ist „The Female Gaze.“

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Kultig, künstlerisch und voller Ideen: Beate Karlsson weiß, wie sie die Modeszene aufmischen kann.

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Ein bisschen Streetstyle, ein bisschen High Fashion, und vor allem sehr viel Kult: Das ist Beate Karlssons Label Avavav. Die Schwedin hat in fünf Jahren eine treue Fangemeinde um sich geschart. An der Fashion Week in Mailand kann sie mit den ganz Großen mithalten, wenn es darum geht, Hype zu generieren: Ihre neueste Kollektion „The Female Gaze“, bei dem das Publikum auf dem Runway laufen musste, und die Models daneben standen, wurde auf Social Media rauf und runter gepostet. Es geht der Designerin aber nicht darum, nur Aufmerksamkeit zu erhaschen. Humor, Entertainment und Designevolution sind die drei Säulen, auf denen sie ihr Label aufbaut, den Nerv der Zeit trifft und ziemlich sicher die Zukunft der Mode mitgestaltet. Warum Beate sich von altbekannten Strukturen lösen will, weshalb die Modebranche trotz allem feministisch sein kann und wie sich Konzepte für Laufsteg-Shows herauskristallisieren, verrät sie uns im Interview.

Interview: Josefine Zürcher Fotos: Avavav FACES: Stell dir vor, du müsstest dich jemandem vorstellen, der dich nicht kennt, und dabei drei von dir entworfene Stücke verwenden. Welche würdest du wählen und warum?

Beate Karlsson: Ich würde wahrscheinlich die Finger Boots, den „Old Lady“-Schmuck und unseren Centipede-Schal wählen. Sie wirken auf mich alle sehr lebendig. Ich habe mich schon immer dazu hingezogen gefühlt, Stücke zu entwerfen, die sich fast wie kleine Lebewesen verhalten.

Objekte mit einer Art Präsenz oder Persönlichkeit, statt nur einer Funktion. Sie haben etwas leicht Unheimliches an sich, sind aber gleichzeitig verspielt. Außerdem sind sie skulptural, was einen großen Teil meiner Designphilosophie ausmacht. Mich interessiert besonders die Schnittstelle zwischen Skulptur und Gebrauchsgegenstand, wenn etwas gleichzeitig als Objekt und als Funktion existieren kann. Alle drei Stücke verkörpern diese Balance.

Sie wirken fast so, als könnten sie sich von selbst bewegen, N°05 / 2026

und ich glaube, dass dieser Charakter sowohl mich als auch die Welt widerspiegelt, die wir mit Avavav aufbauen.

F: Siehst du dich als junge und schnell wachsende Marke, deren Präsentationen und Laufstegshows oft viral gehen, als „Disruptor“ in der Modebranche? Inwiefern möchtest du die Industrie aufmischen?

BK: Ich würde mich nicht unbedingt als „Disruptor“ bezeichnen, aber ich bin definitiv jemand, der ständig nach Veränderung sucht. Nicht nur als Designerin, sondern auch als Mensch. Für mich ist das der Kern des Designs: Entweder arbeitet man auf Verbesserung oder Transformation hin – oder im Idealfall auf beides. Sonst bin ich mir nicht sicher, was die treibende Kraft wäre. Was mich als Label mehr interessiert als eine „Störerin“ zu sein, ist die Idee, sich nicht an bestehende Strukturen gebunden zu fühlen. Es liegt eine gewisse Freiheit darin, sich zu erlauben, aus den traditionellen Vorgehensweisen auszubrechen und stattdessen etwas zu schaffen, das tatsächlich 67

„Auch wenn wir den male gaze nicht vollständig beseitigen können, können wir ihn dennoch hinterfragen, verändern und die Perspektiven rund um ihn erweitern.“ die Zeit widerspiegelt, in der wir leben. Alles verändert sich: das VerbraucherInnenverhalten, das Modesystem, die Art und Weise, wie wir Ideen teilen und konsumieren.

Alles entwickelt sich in einem Tempo, das sich schneller anfühlt als je zuvor. Für mich fühlt es sich natürlich und notwendig an, mich auf diese Bewegung einzulassen, anstatt mich ihr zu widersetzen. Wenn es also irgendeine Art von „Disruption“ in dem gibt, was ich tue, dann kommt sie daher, dass ich versuche, neue Wege zu finden, die sich jetzt relevant anfühlen.

F: Wenn wir schon bei Viralität und Disruption sind: Avavav ist noch jung, doch deine Shows scheinen zu den meistdiskutierten zu gehören. Hast du dir das für die Marke von Anfang an so vorgestellt?

BK: Nicht ganz so, nein. Aber mir wurde schon früh bewusst, dass es in dieser Branche einige zentrale Herausforderungen gibt – Produktion, Vertrieb und Kommunikation. Als junge, unabhängige Marke ist es unglaublich schwierig, Produktion und Vertrieb von Anfang an aufzubauen. Das sind Systeme, die man im Laufe der Zeit aufbauen muss – durch Beziehungen, Erfahrung und Ressourcen. Wenn man unabhängig ist, ist es fast unmöglich, in diesen Bereichen sofort mithalten zu können. Was wir jedoch schon recht früh verstanden haben, ist, dass es bei der Kommunikation anders ist. Menschen erreichen, eine Geschichte erzählen, einen Moment schaffen – das kann man auch mit sehr begrenzten Mitteln schaffen, solange die Idee stark genug ist. In gewisser Weise wurde es zu einem Bereich, in dem wir tatsächlich auf Augenhöhe mit viel größeren Marken stehen konnten. Wenn man eine klare Erzählung und eine gewisse kreative Intensität hat, kann man genauso weit kommen, manchmal sogar noch weiter. Die Sichtbarkeit der Shows war also nicht unbedingt ein Ziel an sich, sondern eher ein natürliches Ergebnis der Konzentration auf das Storytelling als einen der wenigen Bereiche, in denen die Größe einen nicht einschränken muss.

F: Zum Storytelling gehören auch Instagram und Co. Wie ist dein Verhältnis zu den sozialen Medien? Sie helfen ja sicher dabei, sichtbar zu sein, aber siehst du darin auch Nachteile?

BK: Ich habe, wie vermutlich viele andere auch, ein zwiespältiges Verhältnis zu den sozialen Medien – es gibt vieles, was ich wirklich schätze, und vieles, dem ich eher kritisch gegenüberstehe. Positiv ist, dass es tatsächlich einige wirklich bedeutungsvolle Verbindungen in mein Leben gebracht hat. Ich habe einige meiner engsten FreundInnen über Social Media kennengelernt – Menschen, denen ich sonst nie begegnet wäre, aus völlig anderen Teilen der Welt. Allein durch eine gemeinsame Sensibilität oder einen ähnlichen Geschmack findet man sich plötzlich. Diese Art von Verbindung gab es früher nicht, und ich bin sehr dankbar dafür. Ich glaube auch, dass es in gewisser Weise die Sichtbarkeit demokratisiert hat.

Wie ich bereits erwähnt habe, ermöglicht es den Menschen, ein Publikum zu erreichen, ohne auf die traditio68

nellen Strukturen angewiesen zu sein. Wenn du eine starke Idee hast, kannst du gesehen und gehört werden, unabhängig davon, wo du startest. Gleichzeitig gibt es offensichtliche Nachteile. Es gibt Giftigkeit, Überpräsenz und diese ständige Informationsflut, die es schwieriger macht, sich zu konzentrieren. Die Aufmerksamkeitsspanne schrumpft, und alles wird sehr unmittelbar und wegwerfbar. Was mich jedoch am meisten beunruhigt, ist, wenn soziale Medien beginnen, die physische Erfahrung zu beeinträchtigen, wenn du nicht mehr voll und ganz präsent bist, weil ein Teil von dir ständig auftritt oder du dich selbst aus der Distanz beobachtest. Es entsteht eine Art parallele, digitale Version von dir selbst, die dich von der Realität wegziehen kann.

F: Wann hast du dein Interesse an Mode entdeckt und war es schon immer dein Ziel, eine eigene Marke zu haben?

BK: Schon als Kind hat mich die Vorstellung gereizt, etwas Eigenes aufzubauen, meine eigenen Werke zu entwerfen und zu verkaufen. Dabei ging es mir aber nicht nur um Kleidung, sondern vielmehr um den Akt des Schaffens und darum, Dinge in die Welt hinauszutragen. In einem eher philosophischen Sinne habe ich mir immer vorgestellt, dass ich, wenn es traditionelle Strukturen wie Jobs oder Unternehmen nicht gäbe, trotzdem etwas sehr Ähnliches tun würde: Objekte schaffen und sie in einer Art Raum präsentieren. Fast wie ein kurioser, leicht chaotischer Souvenirladen, in dem alles nebeneinander existieren könnte: Möbel, Kleidungsstücke, Skulpturen, Artefakte.

Ein Ort, an dem verschiedene Arten von Kreationen Seite an Seite existieren. Mode wurde für mich einfach zum unmittelbarsten Medium, aber mein Anspruch war schon immer weitreichender. Ich würde mich gerne im Laufe der Zeit auf viele verschiedene Arten von Objekten und Produkten ausweiten. Gleichzeitig sehe ich mich nicht als Künstlerin im traditionellen Sinne. Was mich am meisten interessiert, ist diese Schnittstelle zwischen Skulptur und Funktion. Dort lande ich ganz natürlich, wenn ich etwas erschaffe: Objekte, die nicht nur ausdrucksstark sind, sondern auch einen Zweck haben, selbst wenn dieser Zweck etwas irrational oder albern ist.

F: Wie denkst du dir jeweils ein neues Konzept für eine Modenschau aus?

BK: Das ist jedes Mal anders. Es gibt keine festgelegte Methode, was zum Teil das Interessante daran ausmacht, aber auch ein bisschen unvorhersehbar ist. Manchmal beginne ich mit einer klaren Vorstellung, aber meistens beginnt es mit dem Schaffensprozess selbst. Ich fange an zu entwerfen, zu experimentieren, und irgendwann offenbart sich die Bedeutung der Kollektion. Es ist fast so, als würde das Konzept aus der Arbeit selbst entstehen und nicht umgekehrt. In manchen Fällen verstehe ich erst dann ganz, worum es geht, wenn schon alles fertig ist.

Das ist auch der Grund, warum ich denke, dass das Tempo der Modebranche eine Herausforderung sein kann – es lässt nicht immer genug Zeit für einen solchen Prozess, bei dem sich die Dinge eher intuitiv entfalten. Was N°05 / 2026

Je seltsamer der Schuh, desto besser.

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Bei Avavav braucht man sich nicht zu fragen: „Ist das Kunst oder kann das in den Kleiderschrank?“ Beides gilt.

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„Es liegt eine gewisse Freiheit darin, sich zu erlauben, aus den traditionellen Vorgehensweisen auszubrechen.“ jedoch meist gleich bleibt, ist, dass jede Kollektion zu einer Art Kommentar wird. Sie spiegelt etwas wider, das ich gerade durchlebe, hinterfrage oder interessant finde.

Selbst wenn sich der Ausgangspunkt ändert, kommt der Kern also immer aus meinem persönlichen Umfeld – etwas, das ich zu verarbeiten, zu übersetzen oder in Form zu bringen versuche.

F: Die Präsentation deiner Herbst/Winter-Kollektion „The Female Gaze“ an der Mailänder Fashion Week ist einmal mehr viral gegangen. Statt die Models laufen zu lassen, musste das Publikum den Catwalk auf und ab schreiten, um die Looks zu sehen. Was sollen die Leute aus dieser Show mitnehmen? Warst du mit der Resonanz zufrieden?

BK: Ich versuche, den Leuten nicht vorzuschreiben, was sie fühlen oder aus einer Show mitnehmen sollen. Ich habe kein großes Interesse daran, die Interpretation zu steuern oder auf eine bestimmte Reaktion zu hoffen. Was ich sagen kann, ist, dass die Show etwas angesprochen hat, das meiner Meinung nach immer noch unterrepräsentiert ist, etwas, worüber noch nicht genug gesprochen wurde. Es ist nicht einmal als direkte Kritik an der Branche gedacht, sondern eher als Einladung zum Nachdenken oder als Anstoß für ein Gespräch. Und zwar gibt es einen interessanten Widerspruch in der Modebranche: Es ist eine Branche, in der Frauen schon immer im Mittelpunkt standen – Frauen als Konsumentinnen, als Subjekte, als Kern der Erzählung. Und doch gibt es gleichzeitig eine deutliche Unterrepräsentation von Designerinnen und wichtigen weiblichen Stimmen, die diese Erzählung prägen. Man hat also dieses Ungleichgewicht, bei dem Damenmode überall zu finden ist, die weibliche Perspektive dahinter aber nicht gleichermaßen sichtbar ist. Ich finde diese Spannung faszinierend. Mit der Show wollte ich das in den Fokus rücken und sehen, welche Art von Dialog dadurch entstehen könnte.

F: Wie hat sich dein Blick auf Frauen, auf Mode und auf Körper im Laufe der Jahre verändert? Glaubst du, wir werden uns jemals vom männlichen Blick befreien können? Wenn ja, wie?

BK: In meinen frühen Teenagerjahren war ich wahrscheinlich am unsichersten und auch sehr empfänglich für alles, was um mich herum vermittelt wurde. Es fühlte sich wie eine Zeit an, in der die Darstellung von Frauen besonders eng gefasst war; es gab viel weniger Inklusion als heute, auch wenn wir noch einen langen Weg vor uns haben. Der Fokus lag sehr stark auf Schlankheit, auf einer bestimmten Art von idealisierter Weiblichkeit. Ich bin in der Ära der Victoria’s-Secret-Modenschau aufgewachsen, was im Nachhinein ziemlich extrem wirkt. In diesem Alter neigt man dazu, Dinge ohne große Distanz aufzunehmen. Man will dazugehören, dem folgen, was akzeptiert zu sein scheint, und verinnerlicht selbst die übertriebensten Standards. Heute interessiert es mich viel weniger, mich anzupassen; wenn überhaupt, zieht es mich dazu, aufzufallen. Diese Veränderung war wichtig. Gleichzeitig glaube ich nicht, dass irgendjemand völlig frei von gesellN°05 / 2026

AVAVAV Kann man in nur fünf Jahren Kult werden? Und wie, beweist Beate Karlsson mit ihrem 2021 gegründeten Label Avavav. Sie befolgt keine Regeln, weder solche, die vorschreiben, ab wann etwas kultig ist, noch solche aus der Fashionwelt. Die Schwedin designt stets mit den Prinzipien Humor, Entertainment und Designevolution im Hinterkopf. Daraus entstehen Runway-Präsentationen, die ohne Ausnahme viral gehen, sowie mehrere Kollaborationen mit Adidas. In Zukunft setzt die Creative Director auf nur noch eine Show pro Jahr, denn sie möchte genug Zeit, um dafür zu sorgen, dass ihr Label auch abseits der Fashion Weeks präsent ist und sich kreativ weiterentwickeln kann. avavav.com

schaftlichen Normen ist. Bestimmte Silhouetten oder Vorstellungen von Eleganz sind tief in uns verwurzelt, ob wir uns dessen bewusst sind oder nicht. Was den männlichen Blick angeht, glaube ich nicht, dass wir ihn vollständig auslöschen können. Er ist in der Geschichte, in der Kultur und in der Art und Weise, wie sich die Bildsprache im Laufe der Zeit entwickelt hat, verankert. Aber ich finde es interessant, ihn zu hinterfragen und mir vorzustellen, wie Mode und unsere Wahrnehmung von Körpern ohne ihn aussehen könnten. Auch wenn wir den male gaze nicht vollständig beseitigen können, können wir ihn dennoch hinterfragen, verändern und die Perspektiven rund um ihn erweitern.

F: Glaubst du, dass die Modebranche feministisch sein kann? Inwiefern?

BK: Ja, natürlich kann sie feministisch sein. Rei Kawakubo zum Beispiel ist eine der mächtigsten und einflussreichsten Persönlichkeiten in der Modewelt. Für mich verkörpert sie eine Art von Autorinnenschaft, die sowohl kreativ kompromisslos als auch zutiefst unabhängig ist; sie hat ihre eigene Sprache entwickelt, sowohl im Design als auch im Geschäftsleben. Aber über einzelne Personen hinaus kann Feminismus in der Mode viele Formen annehmen. Es kann darum gehen, wer kreiert, wer repräsentiert wird und aus welcher Perspektive Dinge entstehen. Es ist nicht eine einzige Geste oder Aussage. Es ist etwas, das auf vielen Ebenen der Branche existieren kann. Und vielleicht ist es auch deshalb eine Frage, die sich nicht einfach beantworten lässt, denn es gibt nicht nur einen Weg, wie Mode feministisch sein kann, sondern viele.

F: An welche Art von Mensch denkst du, wenn du etwas entwirfst? Wer ist das ultimative Avavav-Girl oder der ultimative Avavav-Boy und welche Charaktereigenschaften haben sie?

BK: Ich entwerfe meistens für mich selbst, einfach weil das für mich der ehrlichste und intuitivste Weg ist, um das Richtige hinzubekommen. Anstatt zu versuchen, vorauszusehen, was andere vielleicht wollen, konzentriere ich mich darauf, was mich anspricht, was sich für mich interessant, notwendig oder aufregend anfühlt. Und dann muss man einfach darauf vertrauen, dass es da draußen Menschen gibt, die sich genauso damit identifizieren können. Ich habe eigentlich keine feste Vorstellung von einem „Avavav-Girl“ oder „Boy“. Es geht weniger um einen bestimmten Typ Mensch als vielmehr um eine bestimmte Haltung oder Sensibilität.Ich trage sowohl weibliche als auch männliche Elemente in mir, und das spiegelt sich ganz natürlich in der Arbeit wider. Die Stücke bewegen sich oft recht frei zwischen diesen Ausdrucksformen, weshalb sie genauso gut in der Damenmode wie in der Herrenmode existieren können. Wenn es also eine „ultimative“ Avavav-Person gibt, dann ist es wahrscheinlich jemand, der sich in dieser Fluidität wohlfühlt, jemand, der nicht ordentlich in eine Definition passen muss, sondern sich stattdessen zwischen ihnen bewegt.

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Photography: Alizée Omaly Styling: Tara Ziegfeld Art Direction: Coralie Joos Make-up: Jeanne Schneider Hair: Bartélémy Joris Set Design: Angeline Algrain Castimg Direction: Marta Cagno Styling Assistance: Gwendoline Franco Model: Larissa Schumacher, PREMIUM Models

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Ohrringe von TIFFANY & CO.

Halskette von TIFFANY & CO.

Ring von MELLERIO.

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Armband und Ring von REPOSSI.

Body von HER SENSES. Kette von MELLERIO.

Kleid von NATAN. Ring von MELLERIO.

Top Halskette von VERSACE. von BOUCHERON. Hose von ALEXANDER WANG. Sonnenbrille von OAKLEY.

Ringe von BOUCHERON.

Top von VERSACE. Hose von ALEXANDER WANG. Sonnenbrille von OAKLEY.

Halskette von CHOPARD.

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Ohrringe von AKILLIS.

Look von CHANEL.

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MOLECULES MAKE MEMORIES

Eine leise Komponistin der Düfte: Marie Moehle, Gründerin von by MaryMary.

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Zwei, drei Spritzer an den Hals – dann bist du auch wirklich du, bevor du am Morgen das Bad verlässt. Ein Parfumduft kann Teil von dir werden, wie die Augenfarbe oder der Klang deiner Stimme. Manche Bouquets sind so laut wie eine Marschkapelle, die eine Person ankündigt, bevor sie überhaupt den Raum betritt. Andere sind ein Flüstern, das wir erst wahrnehmen, wenn sich Haut auf Haut berührt. Marie Moehle hat auf der Suche nach ihrem Duft nicht dutzende Tester unter dem grellen Neonlicht von Shoppingzentren auf ihr Handgelenk gesprüht.

Stattdessen hat sie in einer Phase des persönlichen Neubeginns ihr Unternehmen

by MaryMary gegründet und damit das Parfum „escape the ordinary“ lanciert.

Im Interview verrät sie uns, wann sie sich zuletzt aus der Komfortzone gewagt hat, was es mit der individuellen Wirkung von Molekülparfums auf ihre TrägerInnen auf sich hat und welche Gerüche sie mit Aufbruch, Ekstase und Heimkehr verbindet.

Interview: Michael Rechsteiner Fotos: by MaryMary

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Einfach dufte: das Parfum „escape the ordinary“.

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„Social Media hat Beratung ins Wohnzimmer gebracht: Inspiration ist überall, aber genau dadurch werden Trends auch schneller vereinheitlicht.“ FACES: Dein Duft heißt „escape the ordinary“. Was war dein bislang gewagtester Sprung aus dem Alltag? Und wann hast du zuletzt etwas Ungewöhnliches getan?

Marie Moehle: Ich bin in meinem Leben schon oft gesprungen und in meinem Freundeskreis definitiv dafür bekannt, dass mich selbst ein Sprung von der Klippe nicht davon abhält, weiterzumachen. Der gewagteste war 2021: Ich habe meinen Job gekündigt, um etwas Eigenes aufzubauen. Gleichzeitig entstand eine Frage, die zunächst fast wie ein Nebenprojekt wirkte: Wie würde ein Parfum riechen, das meinen Charakter widerspiegelt? Daraus wurde später „escape the ordinary“. Der schmerzhafteste Einschnitt kam 2023, als Projekte scheiterten, in die ich mein Erspartes investiert hatte. Rückblickend hat mich genau das auf eine andere Ebene gebracht: Es hat meine Denkweise verändert und mir gezeigt, dass noch einmal neu anzufangen manchmal die mutigste Form von Freiheit ist. Ein Arzt sagte einmal zu mir: „Manchmal muss man ins kalte Wasser springen, denn es ist schön erfrischend.“ Dieser Satz ist mir geblieben. Zuletzt habe ich meine Freude am Alleinreisen wiederentdeckt. In den vergangenen Monaten war ich viel allein unterwegs und genieße es inzwischen sogar, abends allein im Restaurant zu sitzen. Gerade in diesen Momenten trifft man oft die spannendsten Menschen und ist am Ende viel weniger allein, als man denkt.

F: Welche Düfte oder Gerüche haben dein Leben geprägt? Welche wirst du nie vergessen?

MM: Das Faszinierende an Düften ist ihre unmittelbare Verbindung zu Emotionen und Erinnerungen. Ein Geruch kann dich in Sekunden in einen anderen Moment versetzen. Mein Faible für Nischendüfte begann 2014 auf Koh Lanta. In einem kleinen Boutique Hotel gab es ein Raumspray, dessen Duft sich mir regelrecht eingebrannt hat. Ich würde ihn bis heute sofort wiedererkennen. Damals habe ich zum ersten Mal wirklich verstanden, was Duft auslösen kann.

F: Du hast „escape the ordinary“ zusammen mit dem Parfumeur Uwe Manasse entwickelt. Erzähle uns etwas über diesen Prozess. Wie hast du ihm deine Vision vermittelt?

Habt ihr von Anfang an die gleiche Sprache gesprochen?

MM: Ich bin als Quereinsteigerin ohne Vorkenntnisse und ohne Kontakte gestartet. Die erste Runde ließ ich in Grasse entwickeln, aber es wurde nicht der Duft, den ich im Kopf hatte. Kurz dachte ich, das Ganze sei unrealistisch. Aber ich liebe Prozesse, von der Idee bis zum fertigen Produkt. Also habe ich weitergesucht, weitergelernt und schließlich Uwe gefunden. Meine Vision habe ich ihm nicht in klassischen Parfum-Begriffen erklärt, sondern über Bilder, Gefühle und Kontraste. Vor allem war mir eines sehr klar: Dieser Duft sollte für mich sein – eine Spiegelung meiner Persönlichkeit. Genau darüber haben wir schnell eine gemeinsame Sprache gefunden. Uwe hat die besondere Fähigkeit, Emotionen sehr präzise in Duft zu übersetzen.

F: Gab es konkrete Inspirationen für „escape the ordinary“?

Bestimmte Orte, Menschen, Erinnerungen?

MM: Ja, schon der Name beschreibt einen Lebensabschnitt: raus aus dem Gewohnten. Ich wollte einen Duft kreieren, der sich wirklich stimmig nach mir anfühlt. Deshalb spielt 90

Feuer und Flamme: „escape the ordinary“ gibt es auch als Raumduft.

„escape the ordinary“ mit Dualität: Er beginnt klar und holzig und entwickelt sich in eine seidenartige, fast kaschmirartige Hülle. Edel, selbstbewusst und charmant, aber nie aufdringlich. Ich liebe fließende, weiche Stoffe wie Seide, Viskose, Crêpe, Wolle oder Kaschmir: Materialien, die sich hochwertig anfühlen und dennoch mühelos wirken. Genau so ist auch mein Kleiderschrank aufgebaut: wie eine Art Uniform, in der sich alles kombinieren lässt.

So sollte auch der Duft funktionieren – nicht als lautes Statement, sondern als selbstverständlicher Abschluss, der den Look abrundet und die Persönlichkeit unterstreicht.

F: Das Parfum beruht auf der Molekül-Technologie. Erkläre uns diese genauer. Wie unterscheidet sie sich von klassischen Düften?

MM: Moleküldüfte wirken moderner und intimer, weil sie sich stärker mit der Haut verbinden. Sie sind oft weniger „laut komponiert“ und eher wie eine persönliche Signatur, die sich bei jedem Menschen etwas anders entfaltet. Das Spannende ist, dass diese Moleküle sehr fein arbeiten und stärker mit der individuellen Hautchemie reagieren. Dadurch entsteht eine persönliche Nuance, ohne dass der Charakter des Duftes verloren geht. Das Profil bleibt klar, aber die Entfaltung wird individueller.

F: Was ist das Spannendste, das du während der Kreation deines eigenen Dufts über Parfumerie gelernt hast?

MM: Wie präzise dieses Handwerk ist und wie sehr es Kreativität und Wissenschaft zugleich braucht.

Schon kleinste Veränderungen in einer Mischung können alles verschieben. In unserem ersten Batch kam es sogar zu einer Reaktion zwischen Molekülen, der Duft ist regelrecht gekippt. Das war ein riesiger Aha-Moment. Und noch etwas wird oft unterschätzt: Düfte reifen. Sie entwickeln sich über Zeit weiter und riechen nach Wochen oft anders als am ersten Tag. Ein Duft ist also nicht einfach fertig, sobald man ihn mischt. Er bleibt ein Prozess.

F: Auch ein Raumduft in Form der Kerze „beyond the ordinary“ bietet by MaryMary an. Wie unterscheidet sich ihr Aroma vom Parfum?

MM: Als Quereinsteigerin dachte ich anfangs ganz naiv: Parfumöl mit Wachs mischen, Gefäß mit Docht – fertig. Die Idee für die Kerze gab es schon seit der Entwicklung des Parfums, aber es hat zwei Jahre gedauert, bis daraus ein Produkt wurde, das wirklich funktioniert. Eine Parfumeurin half mir dabei, die Formulierung so zu übersetzen, dass sie in Wachs stabil ist und gut performt. Dabei habe ich gelernt, wie exakt Docht, Wachs, Duftöl und Gefäß aufeinander abgestimmt sein müssen. Und trotzdem gehören beide in dieselbe Welt: Die Kerze ist die Atmosphäre, das Parfum die Signatur.

F: Wechseln wir vom Labor ins Büro. Die Herstellung eines Dufts ist das eine. Das andere ist der Aufbau einer komplett neuen Markenwelt. Noch dazu für ein Produkt, dessen Eigenschaften sich nur schwer visuell zeigen lassen.

Worauf hast du dabei den Fokus gelegt?

MM: Das lässt sich bei mir kaum mit einer klassischen Marketing-Antwort erklären, weil mein Start anders war als geplant. „escape the ordinary“ wurde nicht durch einen großen Launch zum Produkt, sondern durch Neugier und Mundpropaganda. Ich habe damals um die 30 Duft-SamN°05 / 2026

„Meine Düfte werden weiterhin Lebensabschnitte widerspiegeln, mit denen sich viele Menschen identifizieren können.“ ples in Goodie Bags verschenkt. Kleine Fläschchen in Umschlägen, mit meinem Logo bestempelt. Danach kamen Rückfragen und irgendwann die Frage, ob man den Duft kaufen könne. So fing alles an. Am Anfang gab es 50 Flaschen, dann noch einmal 50, die ich von Hand durchnummeriert habe. Als 2023 andere Projekte schlagartig scheiterten, musste ich innerhalb von zwei Wochen neu starten – ohne finanzielle Mittel und ohne Branchenkontakte. Daraus entstand auch die Entscheidung für weitere Größen wie Travelsize und Samplesize, um die Hürde zum Testen so niedrig wie möglich zu halten.

Mit begrenzten Mitteln habe ich alles maximal flexibel aufgebaut: Rohlinge als Verpackung, angepasste Sticker, viel Handarbeit, Fotos, die ich selbst gemacht habe, und eine ehrliche Geschichte, die sich nicht wie Marketing anfühlt, sondern wie Realität. by MaryMary ist in den letzten zweieinhalb Jahren rein organisch gewachsen – ohne Ads oder große Kampagnen. Investiert habe ich vor allem dort, wo es wirklich zählt: in Qualität und in die konsequente Weiterentwicklung des Produkts und seiner Verpackung. Heute gestalten wir die Customer Journey bewusst inspirierend, transparent und die Qualität unserer Produkte steht immer an erster Stelle.

F: Was spielt heute beim Vertrieb von Parfums die wichtigste Rolle – Social Media, Retail oder Events?

MM: Man kann Duft laut und plakativ verkaufen und damit vermutlich schnell Sichtbarkeit erzeugen. Mein Ansatz ist bewusst zeitloser.

Unsere Retail-Positionierung ist deshalb strategisch so gewählt, dass man uns dort findet, wo KundInnen ähnlich denken: Sie suchen Beratung, Vertrauen und eine kuratierte Auswahl und wissen, dass ihnen nicht einfach irgendetwas verkauft wird. Unsere KundInnen haben hohe Ansprüche an Sortiment und Qualität. Sie sind informiert, reisen viel und suchen nach dem Besonderen. Deshalb arbeiten wir mit Handelspartnern, die in Deutschland und Österreich zu den führenden kuratierten Fashion- und Concept Stores gehören – Trendsetter mit klarer Handschrift. Zusätzlich planen wir zunehmend Pop-up-Events mit unseren Retailern, um präsent zu sein und EndkundInnen persönlich zu begegnen. Duft muss am Ende erlebt werden, ein reiner Onlinevertrieb kann das nur begrenzt leisten.

F: Wie haben sich die Erwartungen von KundInnen an Parfums in den letzten Jahren verändert?

MM: Ich finde es spannend zu beobachten, wie viele Menschen Trends übernehmen, statt ihren eigenen Stil wirklich zu schärfen, in Mode genauso wie in Duft. Social Media hat Beratung ins Wohnzimmer gebracht: Inspiration ist überall, aber genau dadurch werden Trends auch schneller vereinheitlicht. Die eigentliche Kunst liegt darin, den eigenen Stil zu finden und ihn mit dem passenden Parfum zu unterstreichen. Denn Parfum ist hochsubjektiv: Man spürt sehr schnell, ob ein Duft wirklich zu einem passt. Es wird auch weiterhin laute, plakative Düfte geben und ebenso jene, die über Eleganz und Zurückhaltung wirken. Genau diese Richtung entspricht dem, wofür wir als Marke stehen: nicht mehr, sondern präziser. Ein Duft als Ausdruck von Identität, nicht nur als Kompliment-Magnet.

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BY MARYMARY Einfach mal verduften aus dem Alltäglichen? Lässt sich einrichten. Das Parfum „escape the ordinary“ von byMaryMary basiert auf Molekularstrukturen.

Diese entwickeln erst beim Hautkontakt ihre Wirkung, wobei das Aroma leicht variiert – je nach Wärme, pH-Wert und Hautlipide der TrägerIn. Marie Moehle hat by MaryMary 2021 in Köln gegründet und „escape the ordinary“ gemeinsam mit Parfumeur Uwe Manasse entwickelt. Ein zweiter Duft ist in Arbeit. Wir wissen schon jetzt: Er wird alles, außer gewöhnlich. bymarymary.com

F: Was birgt die Zukunft für dich und deine Brand? Hast du einen zweiten Duft oder andere Kreationen geplant?

MM: Seit ich by MaryMary im August 2023 neu denken musste, entwickelt sich die Marke zunehmend in eine Richtung mit noch mehr Tiefe und Substanz. Vieles, was lange Idee war, wird gerade konkret: Ich baue den Vertrieb in weiteren Ländern aus, möchte erste Schritte in Richtung Nischenparfumerie gehen und entdecke auch in der beratenden Duftentwicklung für andere Brands eine große Freude. Meine by MaryMary-Schatzkiste ist prall gefüllt, aber ich habe gelernt, einen Schritt nach dem anderen zu gehen, in einem Tempo, in dem ich weder mich selbst noch die Herkunft der Marke aus den Augen verliere. Ja, weitere Kreationen sind geplant. Meine Düfte werden weiterhin Lebensabschnitte widerspiegeln, mit denen sich viele Menschen identifizieren können.

Genau dort setzt auch der zweite Duft an. Er ist bereits in Arbeit und eng mit dem Gefühl von Aufbruch und Abenteuer verbunden. Es geht um verblasste Wünsche und Sehnsüchte und darum, ihnen wieder Raum zu geben, statt sie unerfüllt mit sich herumzutragen. 2014 habe ich innerhalb kürzester Zeit entschieden, allein auf Weltreise zu gehen. Daraus wurde eine siebenmonatige Reise durch Südostasien und Australien, rückblickend einer der prägendsten Momente meines Lebens. Dieses Kribbeln, sich Wünsche zu erfüllen und endlich das zu tun, was man so lange auf irgendwann verschoben hat, ist immer den ersten Schritt wert. Die neue Kreation soll genau dieses Gefühl auslösen: Sehnsüchte wieder aufleben lassen und daran erinnern, dass Träume nicht dafür da sind, sie nur mit sich herumzutragen, sondern sie zu leben.

F: Zum Schluss ein paar Assoziationen: Welchen Duft verbindest du mit Familie?

MM: Den Duft frisch gewaschener Wäsche, gemischt mit der Wärme von Haut und einem Hauch Kaschmir. Etwas Weiches, Vertrautes, Unaufgeregtes. Ein Duft, der nicht beeindrucken will, sondern da ist.

F: Welchen Duft verbindest du mit Aufbruch und Abenteuer?

MM: Unseren neuen Duft, den wir, wenn alles nach Plan läuft, dieses Jahr noch launchen. Er ist eine Hommage an meine Weltreise und vereint Erinnerungen an Südostasien. Vor allem soll er dazu anregen, sich seine Träume zu erfüllen, statt sie nur mit sich zu tragen, bis sie irgendwann vergehen.

F: Welchen mit Ekstase?

MM: Etwas Unerwartetes: warm, pulsierend, fast elektrisierend. Für mich hat Ekstase nichts Lautes oder Überladenes, sondern diesen einen Moment, in dem dich etwas vollkommen erfasst: Ein Duft, der Spannung, Sinnlichkeit und Kontrollverlust zugleich in sich trägt.

F: Welchen mit Stille und Selbstreflexion?

MM: Etwas Klares, Trockenes, Helles. Feine Hölzer, kühle Luft, fast wie Sonnenlicht auf einer ruhigen Wand. Ein Duft, der Raum lässt statt ihn zu füllen, und der einen nicht ablenkt, sondern näher zu sich selbst bringt.

F: Und welchen mit Heimkehr?

MM: Mit „beyond the ordinary“. Für mich riecht Heimkehr nicht nur nach einem Ort, sondern nach einem Gefühl: Wärme, Ruhe, Vertrautheit. Die Kerze hat genau diese still umhüllende Qualität. Sie ist wie ein Ankommen bei sich selbst.

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EINZELSTÜCK

Text: Josefine Zürcher Fotos: Cora Sheibani 92

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Kreativ, bunt und humorvoll: Das ist nicht nur Cora Sheibanis gleichnamiges Label, sondern auch sie selbst.

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Steigende Goldpreise, generelle Weltuntergangsstimmung: Wie überlebt man in der Welt der High Jewellery?

Indem man alles anders macht.

Niemand weiß das besser als Cora Sheibani. Die Schweizer Designerin kreiert so, wie sie will. Und behält dadurch nicht nur die Freude an ihrem Schaffen, sondern scharte über die Jahrzehnte eine treue KundInnenschaft um sich.

Dieses Jahr wurden ihre Schmuckstücke an der renommierten Kunstmesse TEFAF in Maastricht gezeigt – ein Meisterstreich, der nur auserlesenen DesignerInnen gelingt. Im Gespräch mit FACES in Zürich brachte sie Schmuck mit, erzählte von ihren neuesten Ideen und philosophierte über Vorurteile, KI und die Zukunft ihrer Branche.

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Die beste Werbung fürs eigene Label?

Cora trägt ihren Schmuck nicht nur privat liebend gerne, sondern setzt ihn auch vor der Kamera für Kampagnenshootings in Szene.

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Der „Butterfly“-Ohrring und der passende Ring aus der „Eyes“-Kollektion erfreuen sich trotz steigender Goldpreise nach wie vor großer Beliebtheit.

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Es ist gar nicht so einfach, mit teurem Schmuck auf Tuchfühlung zu gehen. Selbst dann nicht, wenn man sich beruflich damit auseinandersetzt.

In den Läden wacht die Security am Eingang und schaut auch den wohlhabendsten KundInnen genau auf die Finger. Sogar dann, wenn diese ohne mit der Wimper zu zucken ihre Kreditkarte zücken, um die eigene Schmucksammlung zu vergrößern. Bei Cora Sheibani läuft alles etwas anders. Die Schweizer Schmuckdesignerin hat über die Jahrzehnte ihre eigenen Regeln erschaffen. So taucht sie zum Treffen in einem Zürcher Café nicht etwa mit Security im Schlepptau, sondern mit einer Auswahl eigener Schmuckstücke auf, die sie während dem Gespräch zwischen Croissant und Cappuccino ausbreitet. Beispielsweise einen kleinen Ring in der Form eines Auges und ihre großen, schweren „Butterfly“-Ohrringe aus Gold, beide aus der Kollektion „Eyes“ von 2017. Der Ring gehört einer Kundin, die ihn vergrößert haben möchte. Ein schwieriges Unterfangen. „Eigentlich müsste ich einen neuen Ring machen“, sagt Cora. Doch ihre Arbeit lebt von solchen Wünschen und Sonderanfertigungen, ist doch jedes ihrer Stücke ein Unikat. Möchte jemand ein Paar „Butterfly“-Ohrringe haben, so wird es auf Anfrage hergestellt, was heißt, die Farben können variieren. Auch wenn sie immer Stücke an Lager hat, die man bestellen kann – Massenproduktion und saisonale Kollektionen mit allem Drum und Dran gibt es bei der Designerin nicht.

2002 gründete Cora Sheibani ihr gleichnamiges Label.

Statt auf stetiges Wachstum zu fokussieren und, wie es die großen Häuser tun, Kollektionen mit immer gleichem Aufbau und in rauen Mengen zu fertigen, kreiert sie nach Lust und Laune. Und zwar immer mit einem Fuß in der Kunstwelt – wo sie eben auch herkommt. An der New York University studierte Cora Kunstgeschichte, später folgte ein Abschluss in Gemmologie, also Edelsteinkunde, in London, wo sie bis heute lebt. Auch ihre Kindheit war von Kunst geprägt: Ihr Vater Bruno Bischofberger ist ein renommierter Kunsthändler, ihre Kindheit demzufolge geprägt vom direkten Kontakt mit KünstlerInnen und Kreativität. Dieses Jahr wurden einige von Coras Stücken an der TEFAF (The European Fine Art Fair), eine der wichtigsten Kunstmessen, in Maastricht ausgestellt. Dafür musste sie sich selbst um einen Stand bewerben. Nach einer ersten Absage wurde ihr ein solcher doch noch angeboten. Das Komitee, das entscheidet, wer bei der TEFAF in der Schmuckabteilung ausstellen darf, besteht aus anderen JuwelierInnen oder SchmuckhändlerInnen.

Cora wurde also von ihren KollegInnen empfohlen. Somit wurde ihr Stand als Künstlerin erst recht besiegelt.

ALTES UND NEUES GOLD

Schon als Kind fing Cora an, historischen Schmuck zu sammeln. „Ich liebe Schmuck über alles“, betont sie während dem Gespräch immer wieder. Das heißt aber nicht, dass sie von Kopf bis Fuß funkelt. Cora setzt Akzente mit Intention.

Da ein Ring, hier eine Kette. „Das erste Schmuckstück, das ich je entworfen habe, war eine Brosche. Ich habe also schon immer Broschen getragen“, erzählt Cora und zückt eine solche aus ihrer Kollektion „Facets & Forms“. „Das ist eine Jabot-Brosche. Die bestehen aus zwei Teilen, Cartier nannte sie Cliquet“, erzählt sie, während sie die Brosche an ihrem Cardigan befestigt und so demonstriert, wie aus den zwei Teilen ein einzelnes Stück wird. „Ich bin ja quasi meine eigene Werbetafel“, meint Cora auf die Frage, welche Art von Schmuck sie so trägt. Deswegen trage sie hauptsächlich ihren eigenen. Tatsächlich modelt Cora oft auch gleich selbst, wenn es darum geht, eine neue Kollektion visuell in Szene zu setzen. Oder auch mal ein Teil ihrer Familie. So N°05 / 2026

habe sie einmal einen Fotoshoot mit ihrer Tochter gemacht, bei dem schließlich ihr jüngster Sohn auch dabei sein wollte und sich in Schale schmiss. Wenn es doch einmal nicht eine Eigenkreation ist, dann trägt Cora historischen Schmuck. „Ich schaue mir nonstop alten Schmuck an, ich liebe auch die Wissenschaft dahinter, die Geschichte der Steine“, sagt sie.

Geht es um Materialien, kommt Cora schnell in Fahrt. Über die Jahre hat sie sich ein breites Wissen angeeignet.

Bevor sie in die Welt der Edelmetalle abtaucht, aber ein linguistischer Exkurs: Im Französischen gibt es verschiedene Namen für Schmuck: Joaillerie und Bijouterie, beides hübsche Wörter, die aber nicht dasselbe bedeuten, wie Cora am Anfang ihrer Karriere lernen musste. „Einst wollte ich in Genf Produzenten finden. Am Anfang konnte ich mir aber noch keine Diamanten leisten, gute Qualität wollte ich aber trotzdem“, erzählt Cora. „Dann wurde mir gesagt, ich mache halt Bijous und sie machen Joaillerie. Joaillerie sind Edelsteine, Bijouterie ist Goldschmuck und Kreativschmuck. Ich fragte mich: Warum ist eines besser als das andere? Nur weil ich keine teuren Steine will, soll doch die Qualität nicht leiden“. Diesem Grundsatz bleibt Cora bis heute treu. Viele übernehmen mittlerweile dieses Denken. Cora zeichnet den Vergleich zur Modeindustrie: „Heutzutage gibt es mehr Menschen, die auch für ein schlichtes Shirt mehr Geld ausgeben, weil sie Wert auf Materialien wie Biobaumwolle legen. So soll es auch beim Schmuck sein.“

KRISEN SCHAFFEN KREATIVITÄT

„Ich liebe meinen Designprozess.“

Dass Goldpreise gerade rasant steigen, macht Cora wenig zu schaffen. „Es gibt die, die wirklich aufs Geld schauen, und die, die eher artistisch sind“, erklärt sie. „Ich bin irgendwo dazwischen. Meine HauptkundInnen sind Leute, die sehr viel Geld haben“, sagt sie mit einem schelmischen Lachen. Solche KundInnen seien aber oft bedacht, dass ihr Schmuck nicht allzu sehr auffällt und man nicht auf den ersten Blick sieht, wie teuer er ist. Sie nimmt wieder den schweren „Butterfly“-Ohrring, der aus viel Gold gefertigt ist, in die Hand. „Jedes Mal, wenn ich eine neue Version dieses Modells mache, wird es teurer. Nur wegen dem Gold. Aber ich verkaufe sie immer noch“, sagt Cora und fügt an: „Den Leuten, die es sich leisten können, ist ein Aufpreis von 20 oder 30 Prozent gar nicht so wichtig.“ Preisveränderungen bei Edelmetallen kurbeln die Kreativität an, denn manchmal muss man doch etwas Neues wagen, um die Preise nicht ins Unermessliche zu treiben.

Statt zu verzweifeln, beschreibt Cora es folgendermaßen: „Wir müssen alle etwas anders tanzen. Man muss jede Schwierigkeit kreativ anders angehen, statt zu reklamieren“. In Edelmetallen heißt das, dass Platin vermehrt zum Einsatz kommt, was zwar günstiger ist als Gold, aber seine eigenen Hürden mitbringt. „Ein Goldlot kann man ziehen, schnell bewegen, es hat so viele wahnsinnig tolle Eigenschaften“, schwärmt Cora. Bei Platin müssen hingegen erfahrenere und geschicktere Hände ans Werk: „Man braucht andere Werkzeuge, die Hitze ist viel höher. Während man das Goldlot langsam wie Schokolade schmelzen kann, gibt es ein Platinlot nur komplett flüssig oder fest, ohne Zwischenstufe. Das verlangt einiges an Geschick und Erfahrung bei der Verarbeitung.“ Vom Edelmetall geht’s zu den Edelsteinen. Coras „Facets & Forms“-Kollektion, voller geometrischer Formen und farbigen Steine, hat eine Besonderheit: Jeder Stein ist anders geschliffen. „Das hier ist ein Context Cut, das hier ein Step Cut“, erklärt Cora und hält einen Ohrring ins Licht, um zu zeigen, dass die verschiedenen Schliffe den Edelsteinen durch den jeweiligen Lichteinfall sogar leicht andere Farbtöne verleihen. Zum verspielten Designen mit Schliffen, Far97

ben und unterschiedlichen Steinen gehört Wissen, das man sich nicht mal so eben aneigenet: „Ich bin nicht als Goldschmiedin trainiert, das heißt, am Anfang wusste ich noch nicht, was möglich ist und was nicht. Heute weiß ich viel mehr“, sagt Cora und schiebt nach: „Es gibt immer noch Sachen, die ich lerne. Das ist das Tolle daran. Die Welt ändert sich, ich lerne immer Neues“.

Mittlerweile ist Cora selbst längst ein Profi. Sie arbeitet mit ausgewählten GoldschmiedInnen zusammen, um ihre bunten Ideen Wirklichkeit werden zu lassen. „Eine Zeichnung geht an den Goldschmied. Dann entsteht ein Prototyp in Wachs, oder der Zeichnung werden Details hinzugefügt“, erklärt sie den Entstehungsprozess. Dank der Digitalisierung habe sich dieser verschnellert. Während man früher noch mühsam hin- und herfaxte, geschehe heute vieles via Whatsapp, sei sie gerade nicht im Land. Regelmäßige Reisen in die Schweiz stehen trotzdem auf dem Programm. Cora entwickelt mit wenig auserlesenen Menschen. Einer ihrer Goldschmiede ging soeben in Frankreich in Rente, zwei arbeiten in der Schweiz. „Mit ihnen entwickle ich. Für die Herstellung sind noch mehr an Bord“, sagt Cora. Die Fertigung erfolgt nach wie vor hauptsächlich in der Schweiz, ab und zu auch in Italien und Frankreich.

sich in den letzten zwanzig Jahren ein Rezept herauskristallisiert, das nicht nur radikal anders von den großen Schmuckhäusern ist, sondern auch hieb- und stichfest: „Wenn ich entwerfe, was ich selbst am liebsten tragen will, dann läuft das danach auch am besten“. So überlegt Cora, was sie noch nicht hat, oder was sie schon lange nicht mehr gemacht hat.

Bei der letzten Krönung, die Cora als Wahl-Engländerin verfolgt hat, habe sie gedacht: „Ich habe noch nie eine Tiara gemacht. Außerdem würde ich sehr gerne einmal einen Orden machen. Oder eine Schulterbrosche.“ Eine Tiara fertigte sie schließlich auch – für die Krönung von Charles III, bei der die Gäste zwar zum ersten Mal gebeten wurden, keine Tiara zu tragen. Schulterbrosche und Orden stehen nach wie vor auf ihrer To-Do-List.

Auch wenn Coras Kreativität keine Grenzen kennt und bis in die Welt der Monarchie ausschweift, so gibt es Basics, die immer funktionieren. Am besten laufen Ringe und Ohrringe, obwohl der Ohrring in der westlichen Welt noch ein relativ neues Schmuckstück sei. Ketten wiederum werden weniger verkauft, denn die seien mittlerweile zu teuer. Da merkt man dann doch, dass der Zu- und Wohlstand der Gesellschaft auch an hübschen Luxus-Glücklichmachern wie Schmuck abzulesen ist.

PERLEN FÜR ALLE

DIE ZUKUNFT IST HANDGEFERTIGT

„Eigentlich will ich jetzt etwas Neues machen“, sagt Cora und kommt auf ihre aktuelle Kollektion „Skin Deep“ zu sprechen. Neu heißt bei ihr manchmal auch, dass sie in eine ihr bisher unbekannte Materialwelt eintaucht, für „Skin Deep“ beispielsweise in die Welt der Perlen. Ein Naturwunder, das bestens zu Cora Sheibanis bunter Designsprache passt, denn Perlen kommen nicht nur in weißlichem Glanz daher. „Frischwassermuscheln aus China machen kupfer- und lilafarbene Perlen, in der Südsee sind sie goldig und schwarz, in Tahiti hellgrau und grün, in Japan sehr hell, rosarot oder weiß“, erklärt Cora, die längst zum Perlen-Profi geworden ist. „I couldn’t choose one color, so I chose them all“, sagt Cora, die im Verlauf des Gespräches immer wieder ins Englische fällt.

Seit gut zwei Jahrzehnten lebt sie in London. Ihr Mann spricht vier Sprachen, jedoch kein Deutsch, mit ihren Kindern sprach sie früher zwar Schweizerdeutsch, „mein älterer Sohn klingt dabei aber wie ein Dreijähriger“, sagt sie und lacht.

Die Arbeit mit den Perlen hat Cora über Vorurteile nachdenken lassen. „Bei Perlen werden die Leute schnell judgmental, sogar richtig snobbish“, sagt sie. Die meisten hätten sofort eine Meinung, präferieren beispielsweise eine Kulturperle aus der Südsee statt aus China. Cora sieht das Ganze nicht so eng: „In der Schmuckbranche ist alles erlaubt, but you have to declare it“, sagt sie. Man muss also einfach offen und ehrlich angeben, welche Materialien man nutzt.

Sie hat verschiedene Perlen zusammengemischt. „Das macht man zwar eigentlich nicht, weil eine viel teurer ist als die andere“, sagt Cora. „Eine Perle kann enhanced sein oder nicht, vielleicht wurde ihre Farbe noch verändert, das macht doch nichts – just enjoy it“, findet sie. Die Vorurteile über die Beschaffenheit von Perlen, ob Naturperle oder Zucht und aus welcher Ecke der Welt sie stammt, brachte Cora schließlich auf den Namen der Kollektion: „Skin Deep“. Ein ironischer Ausdruck auf Englisch, um etwas Oberflächliches zu bezeichnen. Etwas, das eben nicht viel tiefer als bis zur Haut geht. „So wie die Leute die Perlen beurteilen, beurteilen sie auch die menschliche Haut: Ist es Botox, Filler, sieht man alt aus oder nicht? Ich werde ja vielleicht auch älter“, sagt Cora, fasst sich dabei halb kritisch, halb lachend ins Gesicht. „Ich liebe meinen Designprozess“, sagt Cora. Dieser funktioniert, weil er nicht von Trends diktiert ist. So habe 98

„Leute werden immer Schmuck tragen, egal, was passiert.“

In einer durch KI nach und nach verblödenden Welt scheint kreatives Handwerk noch einer der letzten Zufluchtsorte zu sein, in der man seine Arbeit nicht der vermeintlich schlauen Maschine abgibt. Doch auch im Design hält KI Einzug. Cora hält davon wenig: „Klar kann mir die KI einen tollen Schmuck designen, sie weiß aber nicht, ob dieser umsetzbar ist“, sagt sie. Als Designerin muss Cora dreidimensionaler denken, als es eine Maschine kann. Dazu wendet sie Wissen an, das sie sich über Jahrzehnte in der Praxis angeeignet hat. „Ich muss außerdem in die Zukunft denken: Wie kann ich das Stück reparieren, sollte es je kaputt gehen? Das geht dank langjähriger Erfahrung“, fügt sie an. „Jemand kann mir eine Zeichnung geben“, sagt Cora, „and I can make it a reality“. Wie schön, dass das ChatGPT nicht kann. „Ich habe keine Angst, dass mir jemand meine Arbeit wegnimmt“, sagt Cora. Das muss sie auch keinesfalls haben. Denn keine KI kann sich den Charme und die Unkonventionalität ausdenken, mit denen Cora auf ihre Ideen kommt. Cora lebt seit Jahrzehnten vor, dass man für Erfolg seine eigene Ecke finden muss und keinesfalls ständig daran denken soll, was gerade im Trend ist. Genau deswegen funktioniert ihr Label. „Jedes Mal, wenn ich etwas mache, nur weil es im Trend ist, ist es ein Fehler“, sagt sie. „Aber wir machen ja alle Fehler“.

Für die Zukunft sieht Cora also alles andere als schwarz. „Leute werden immer Schmuck tragen, egal, was passiert. Das ist Teil unserer menschlichen Natur, Teil jeder Kultur, egal, wie arm oder reich die Leute sind“, sagt sie. Das einzige Problem sei, dass es immer mehr Menschen gebe, Schmuck jedoch nur begrenzt. Darum ist ein Einzelstück auch mehr wert als etwas, wovon es 50 mal dasselbe gibt. Es lohnt sich also, fertigt Cora nach wie vor nur Unikate an. „Schmuck wird immer teurer werden, aber es wird immer einen Markt geben, der das schätzt“, findet Cora. Zu weit wolle sie aber gar nicht in die Zukunft planen: „Ich mache einfach, was mich interessiert“, sagt sie. „Und hoffentlich werde ich eines Tages zum neuen Sammlerstück“, fügt sie an und lacht. Das ist eine ziemlich realistische Vorstellung in einer Welt, in der echtes Handwerk und Kreativität immer rarere Güter werden.

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Der dunkle Look täuscht: Für die Zukunft des Schmucks sieht Cora Sheibani alles andere als schwarz.

CORA SHEIBANI Wer nicht weiß, was das englische Wort whimsical bedeutet, findet die Antwort nicht nur im Wörterbuch, sondern auch in den Designs von Cora Sheibani. Diese sind nämlich wunderbar skurril, bunt, wunderlich charmant und voller Lebensfreude. Bei ihr findet man das Schweizer Traditionsgebäck Gugelhupf in Form eines Ringes, bunte Perlen oder Ohrringe, die zusammen die Silhouette eines Schmetterlings formen. Cora lebt in London, kehrt aber regelmäßig in die Schweizer Heimat zurück, unter anderem, um sich mit ihren vertrauten Goldschmieden auszutauschen und zu produzieren. corasheibani.com

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Wir sind zwar keine medizinischen Fachkräfte, nehmen uns aber doch das Recht, allen mit ausufernder Screentime folgendes gegen ihre digitale Abhängigkeit zu verschreiben: Ein Besuch an der photo basel international art fair. Seit gut einer Dekade zeigt die Schweizer Messe für Kunstfotografie, wie viel kreatives Talent täglich auf den Auslöser drückt. Und um beim Medizinischen zu bleiben: Es gibt zahlreiche Studien, die belegen, dass das Anschauen von Kunst einen positiven Einfluss auf Nervensystem und Gehirnaktivität hat.

Das kann mit den nächsten Seiten, auf denen wir eine Vorschau auf die Ausstellung geben, gleich getestet werden. Und sollte das nicht genug stressreduzierend sein, dann ist ein Besuch in Basel zwischen dem 16. und 21. Juni ein Muss.

Text: Josefine Zürcher Fotos: photo basel international art fair

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CORINA GERTZ, IRA STEHMANN FINE ART Mode und Fotografie sind seit jeher eng verwoben. So hat Corina Gertz Modedesign gelernt, ihren Fokus jedoch 2001 auf die Fotografie verschoben. Im Zentrum ihrer Arbeit steht Kleidung als Trägerin kultureller Identität und kollektiver Erinnerung.

Gesichter und individuelle Körpermerkmale rücken in ihren Porträts in den Hintergrund.

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LOTTE EKKEL, NEWHOUSE GALLERY Die Niederländerin hat sich die Fotografie selbst beigebracht. Während andere komplizierte Lichtspielereien aufbauen, setzt sie voll und ganz auf natürliches Licht. Sie mag Zwischenräume, in denen die Zeit stillzustehen scheint und erschafft dann abstrakte Kompositionen, die an Gemälde erinnern.

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PHILIPP GIEGEL, GALERIE ESTHER WOERDEHOFF Tourismus kann auch ästhetisch inszeniert werden: Der Zürcher Fotograf Philipp Giegel hat während gut vier Jahrzehnten mit seinen Schwarzweiß-Fotografien das Bild der touristischen Schweiz im In- und Ausland geprägt. Für seine touristischen Plakate erhielt er zahlreiche Auszeichnungen.

An der photo basel werden signierte Hand-abzüge des Fotografen gezeigt.

Links:

CARLO MOLLINO, GALLERIA DAVIDE DI MAGGIO Carlo Mollino hat viele Leben gelebt: Er war Architekt, Designer und später auch Fotograf, der gerne mal erotische Polaroids aufnahm.

Bis heute wirken seine Werke erstaunlich aktuell. Obwohl Mollino (1905 – 1973) bereits zu Lebzeiten sehr geschätzt wurde, erkannte man erst Jahre nach seinem Tod, mit was für einem Genie man es eigentlich zu tun hatte.

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Rechts:

STEFANIE SEUFERT, GALERIE SPRINGER BERLIN Für ihre fortlaufende Serie „Others“ bringt Stefanie Seufert ein portables Studio für kleine gefiederte Gäste in die Stadt, auf Großflächen, in die Nähe von Einkaufszentren und Kinos. Und dann tauchen sie auf, die hungrigen Kohlund Blaumeisen, und posieren vor der versteckten Kamera.

Links:

CIRIL JAZBEC, GALERIJA FOTOGRAFIJA Als Dokumentarfotograf fängt Ciril Jazbec die Natur ein – und mit ihr die menschengemachten Veränderungen, die sie ertragen muss.

Seit 2014 arbeitet er als freier Fotograf für das National Geographic Magazine.

Sein einzigartiger Blick hat ihm schon einige Preise eingeheimst: Unter anderem den Leica Oskar Barnack Award und den Magnum 30 under 30.

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BORIS GABERŠČIK, GALERIJA FOTOGRAFIJA Der Slowene braucht nicht viel, um Beeindruckendes zu kreieren: Einige Rollen Film für analoge Fotos und Objekte, die er zum schönen Stilleben anordnen kann.

Dank Licht, Komposition und Auswahl an Gegenständen entstehen immer wieder neue Schichten und neue Bedeutungen.

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DOLORÈS MARAT, BUCHKUNST BERLIN Eine Frau verschmilzt langsam mit einem Krokodil – oder umgekehrt?

Die Szenerie an sich ist schon surreal, doch die Fotografie von Dolorès Marat hilft dem ganzen noch nach. Mit verschwommenen Rändern, Körnigkeit und einer verträumten Weichheit.

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NERINA TOCI, GALLERIA DAVIDE DI MAGGIO Nerina Tocis Merkmal?

Etwas via Fotografie in etwas anderes verwandeln. Mit ihren Bildern bringt sie Körper in natürliche Umgebungen und schafft so abstrakte Kompositionen. Ihr Blick ist alles andere als konventionell.

So gerät ein Mensch mal eben zwischen einen Stuhl und wird zur Skulptur.

Links:

JOSÉ CHAMBEL, PERVE GALERIA Er drückt sich in einer dokumentarischen Sprache aus: José Chambels Fotografien rücken das Kulturerbe von Portugal, São Tomé und Príncipe und Cape Verde in den Fokus. 2020 co-gründete er Manga-Manga, eine Organisation, die sich der Dokumentation, Erforschung und Förderung der Kultur von São Tomé und Príncipe widmet.

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TILYEN MUCIK, GALERIJA FOTOGRAFIJA 2022 hat die Slowenin ihren Master in Fotografie an der Academy of Visual Art and Design in Ljubljana abgeschlossen.

Pflanzen sind bei ihr die Stars und Hauptakteure ihrer Werke. Tilyens Buch „Plant-Based“ war einer der FotobuchGewinner am Belfast Photo Festival.

Links:

LISETTA CARMI, GALLERIA DAVIDE DI MAGGIO Fünfzig Jahre nach der Veröffentlichung von „I travestiti“ (Rom, Essedi, 1972) und nur wenige Monate nach dem Tod von Lisetta Carmi zeigt die photo basel eine Auswahl bisher unveröffentlichter Farbfotos aus einer der eindrucksvollsten und bedeutendsten Reportagen der Fotogeschichte, die 2017 in Carmis Archiv wiederentdeckt wurde.

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PHOTO BASEL INTERNATIONAL ART FAIR Mitte Juni heißt es: Platz im Kalender freischaufeln. Und zwar für die photo basel, die einzige Schweizer Messe, die auf Fotografie als Kunst spezialisiert ist. Wer eine Überdosis an Screens und Scrolling hat, kann im Volkshaus Basel Augen, Gehirn und Herz wieder aufladen, mit echter Fotografiekunst, geschaffen von echten Menschen aus aller Welt. photo basel, 16. bis 21. Juni 2026, Volkshaus Basel, Rebgasse 12-14, 4058, Basel, Schweiz, photo-basel.com

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BILDSCHÖN

CANALE D’ARTE Die Türme lassen es erahnen: Im Aman Venice wird Luxus auf die Spitze getrieben.

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Schöne Aussichten auf den Teller und aus dem Fenster.

Küche mit Wasseranschluss: Arva Alfresco.

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Das Aman Venice ist nah am Wasser gebaut. Doch wer hier eincheckt, hat höchstens Grund zu Freudentränen. Das Luxushotel im geschichtsträchtigen Palazzo Papadopoli ist die erste Adresse für einen stilvollen Besuch in Venedig – und der letzte Schrei während der Biennale di Venezia. Denn dort, wo einst italienische Meister ihr Können verewigten, präsentieren bis November zwei kontemporäre Künstlerinnen exklusive Installationen. Warum wir dabei auch noch auf den Untergang der Titanic und Englands wortgewandtesten Gigolo zusprechen kommen?

Hat schon seinen guten Grund.

Text: Michael Rechsteiner Fotos: Aman Venice

Eine Weltreise, ohne das Zimmer zu verlassen: Alcova Tiepolo Suite.

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„ALS MOSES MICHELANGELO GUGGENHEIM DEN PA L A Z Z O PA PA D O P O L I B E T R AT, WA R E R B E R E I T F Ü R S E I N M E I S T E R W E R K . “

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Himmel auf Erden dank den Fresken von Giovanni Battista Tiepolo.

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Bei The Palazzo Kitchen Table gibt es eine Privataudienz mit Chefkoch Matteo Panfilio.

„ DIE KUNSTSZENE FLIRRT ÜBER BRÜCKEN U N D DU R C H GA S S E N W I E E I N AU F G E S C H E U C H T E S K A L E I D O S KO P AU S S C H M E T T E R L I N G E N .“

Eigentlich ist es nur eine siebenstündige Autofahrt. Und doch liegen zwischen Lengnau und Venedig Welten. Im Norden das bodenständige Schweizer Bauerndorf, wo nur knapp mehr Menschen als Stallvieh leben. Im Süden die schwimmende Lagunenstadt, von wo Europa einst auszog, um die Welt im Krieg und im Handel zu erobern. Und doch näht ein Name diese beiden ungleichen Ortschaften in ihrer Geschichte untrennbar zusammen: Guggenheim.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts durften sich jüdische Familien in der Schweiz nur in zwei Dörfern niederlassen – eines davon war Lengnau im Kanton Aargau, wo das Geschlecht ursprünglich herstammt. Auch Simon Guggenheim lebte hier, als er seine erste Ehefrau zu Grabe 122

tragen musste. Der Schneider hatte zuvor seinen Beruf aufgegeben, um sich um die sterbende Gattin zu kümmern. Nun war er mittellos – aber auch frisch verliebt.

Doch die Behörden verweigerten dem Paar die Heirat.

Simon und die Witwe Rachel Weil brachten gemeinsam zehn Kinder in die neue Familie. Für die Beamten zu viele Mäuler, die sich mit leeren Taschen hätten stopfen müssen. Also entschlossen sich Guggenheim und Weil im Jahr 1847, mit ihrem Nachwuchs in die USA auszuwandern.

Dort lockten mildere Gesetze und hoffentlich neue finanzielle Möglichkeiten. Fortan würde sich die schillernde Geschichte der Guggenheims auf zwei Kontinenten abspielen.

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Beim Aman Venice wirft bereits die Ankunft durchs private Wassertaxi hohe Wellen.

Gut Buch will Weile haben in der Bibliothek vom Aman Venice.

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GRAF NEXT DOOR

Als Moses Michelangelo Guggenheim den Palazzo Papadopoli betrat, war er bereit für sein Meisterwerk. Auch seine Eltern hatten anfangs des 19. Jahrhunderts der nördlichen Heimat den Rücken gekehrt und ließen sich in Venedigs jüdischem Ghetto nieder. Nachdem die Napoleonischen Kriege den französischen Code civil auch in Italien etabliert hatten, wonach allen BürgerInnen unabhängig von Religion und Klasse die gleichen Rechte zustanden, gelang den venezianischen Guggenheims ein sagenhafter Aufstieg. Michelangelo übernahm den blühenden Kunsthandel seines Vaters und stellte in der Werkstatt prächtige Möbel her, die bald zum Statussymbol in Adelshäusern aus ganz Europa wurden.

Als die griechische Familie Papadopoli den Auftrag vergab, ihren neu erworbenen Palazzo am Canal Grande auszustatten, übertraf sich der Maestro selbst. Unter Einflüssen von Rococo und der Neorenaissance führte Michelangelo mit seinen Dekorationen den Flusspalast zu einer noch nie dagewesenen Grandezza. Und diese strahlt auch 150 Jahre später noch so, als hätten Guggenheim und seine Handwerker gerade erst den Raum verlassen, um sich draußen am Canałazzo den Schweiß von der Stirn zu waschen.

Heute ist das Fünf-Sterne-Hotel Aman Venice im Palazzo eingemietet. Besitzer Graf Giberto Arrivabene Valenti Gonzaga und Ehefrau Prinzessin Bianca von Savoyen-Aosta bewohnen noch immer das oberste Stockwerk. Bei der Übernahme 2013 wurde das Gebäude sorgsam renoviert. Auch wenn inzwischen Wifi-Boxen und Yogamatten an der Calle Tiepolo 1364 Einzug gehalten haben, bleibt der Besuch eine Zeitreise. Und je nach Unterkunft auch eine Tour in noch fernere Regionen. Im Salon der über 100 Quadratmeter großen Alcova Tiepolo Suite zeigen Wandmalereien chinesische Alltagsszenen, als kämen sie direkt von Marco Polos Whatsapp-Status. Seinen Namen verdankt das Appartement den Fresken von Giovanni Battista Tiepolo.

Der venezianische Künstler aus dem 18. Jahrhundert war unübertroffen darin, auf den Wänden von Villen und Kirchen den Himmel und all seine Heiligkeiten aufgehen zu lassen.

Insgesamt 24 Zimmer und Suiten stehen im Palazzo den Gästen zur Auswahl. In der Grand Canal Suite braucht man erst gar nicht aus dem Bett aufzustehen, um die besten Fotos der Wasserkanäle zu knipsen. Durch das Fenster der Palazzo Chamber Affresco genießt man dagegen den Blick auf die Privatgärten. Eine wohlbehütete Ruheoase in jener Stadt, die sich oft anfühlt wie eine im Selfieblitzlicht überhitzte Ameisenkolonne. Auf der Altana Dachterrasse thront man ohnehin über diesem Gewusel, ob beim Frühstück oder einem Aperitif, bevor es ins hauseigene Restaurant Arva geht.

Unter einem Kronleuchter – so groß, dass er fast eine eigene Postleitzahl benötigt – serviert Chefkoch Matteo Panfilio typisch venezianische Gerichte. Was am Morgen noch im salzigen Wasser der Lagune schwamm, ziert am Abend je nach Saison die Teller im Arva: rote Garnelen, Steinbutt oder Salicornia – der „Spargel des Meeres“. Der Digestif wartet am Tresen vom Red Room. Die Bar ist Lord Byron gewidmet, dem Most Epic Tourist, den Venedig je hatte. Während seinem dreijährigen Aufenthalt schlief sich der englische Poet durch mehr Betten und trank sich durch mehr Flaschen, als es drei Generationen englischer Königshäuser geschafft hätten. Dennoch war er am nächsten Morgen stets nüchtern genug, um ein, zwei Meisterwerke der Weltliteratur zu schreiben. Anders als Lord Byrons bevorzugtes Trinkgefäß – ein mit Silber verzierter Menschenschädel – werden die Cocktails im Red Room im Glas serviert. Abenteuerlich sind sie dennoch: Wer sich zwei Stunden Zeit nimmt, wird durch einen Workshop geführt, bei dem TeilnehmerInnen ihr eigenes Parfum zusammenmischen. Basierend auf dessen Duftnote kreiert die Bar den passenden Drink. Für eine solch fabelhafte Alchemie hätte selbst der lebenslustige Lord seine belle (oder seinen beau) de jour vom Schoß geschoben.

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PEGGY IN VENICE

Moment mal. Was ist eigentlich aus den Guggenheims geworden, die nach Amerika auswanderten? Innerhalb einer Generation stiegen sie durch Bergbau- und Metallgeschäfte zu einer der reichsten Familien in den USA auf. Simons Enkel Benjamin Guggenheim fand seinen Tod auf dem Meeresgrund, als er 1912 mit der Titanic unterging. Bis zuletzt hatte der Millionär Frauen und Kinder in die Rettungsboote verladen und erwartete das Ende gemeinsam mit seinem Privatsekretär in voller Abendgarderobe bei Brandy und Zigarre. Unter seinen Nachkommen befand sich Tochter Peggy. Ihre Erbschaft nutzte die junge Frau, um eine der renommiertesten Kunstsammlungen der Welt anzuhäufen. Ihren Fokus richtete Guggenheim auf provokante Exponate der zu dieser Zeit aufkeimenden Avantgarde, des Surrealismus und Expressionismus. Jackson Pollock, Man Ray und Salvador Dalí hingen bei ihr nicht nur an den Wänden, sondern auf der Couch, um sich mit der Mäzenin über Götter und Welten auszutauschen.

Nachdem der Zweite Weltkrieg die Kunstsammlerin zur Flucht aus ihrer Wahlheimat Paris gezwungen hatte, ließ sie sich nach ihrer Rückkehr in Europa in Venedig nieder.

Als Begrüßungsgeschenk für La Serenissima im Gepäck: die erste öffentliche Ausstellung von Guggenheims Kollektion an der Biennale 1948. Während sechs Jahren hatte Europa in Flammen gestanden, nun kehrte der traditionsreiche Kunstanlass glanzvoll zurück. Und landete dank Peggys zeitgenössischem Touch mitten in der Moderne, wo die Biennale bis heute fest verankert ist. Die Amerikanerin nistete sich in den folgenden Jahren im Palazzo Venier dei Leoni ein. Dort ist inzwischen die Peggy Guggenheim Collection untergebracht – und die Urheberin liegt gemeinsam mit ihren 14 Hunden im Garten begraben.

KEINE KUNSTPAUSE

AMAN VENICE Seit fünf Jahrhunderten fließt das Wasser entlang vom Palazzo Papadopoli. Doch in diesem Sommer wirft das Gebäude während der Biennale di Venezia besonders hohe Wellen. Der Stadtpalast, wo seit 2013 das Fünf-Sterne-Hotel Aman Venice untergebracht ist, schließt sich dem Kunstfestival mit zwei eigenen MultimediaInstallationen an. Zwischen den altehrwürdigen Mauern und privaten Gärten des Hauses schlagen die Werke von Charlotte Colbert und Yasmine Helou die ponte della storia zwischen historischer Opulenz und zeitgenössischem Luxus. aman.ch

Sowohl der Palazzo Papadopoli als auch die Biennale di Venezia wurden einst von zwei Guggenheims wieder wachgeküsst. In diesem Jahr fügen sich die beiden Institutionen Venedigs erstmals zusammen. Die 61. Ausgabe des Festivals findet von Mai bis November statt. 110 eingeladene KünstlerInnen präsentieren ihr Œuvre in den historischen Länderpavillons. Dutzende weitere Ausstellungen sind über die ganze Stadt verteilt – manche so geheimnisvoll versteckt hinter prächtigen Fassaden wie die Gesichter an einem Karneval. So auch im Aman Venice. Die Regisseurin und Multimedia-Künstlerin Charlotte Colbert wurde vom Hotel für eine Residency eingeladen. Mit ihrem Debütfilm „She Will“ wurde die Engländerin am Filmfestival von Locarno mit dem Goldenen Leopard ausgezeichnet. Zuletzt begeisterte ihr Skulpturen-Projekt „Chasing Rainbows“ in New York. Für das Aman Venice plant Colbert eine „immersive Reflexion über die zeitgenössischen Paradoxien Venedigs“. Auch im Hotelgarten blüht dank der italienisch-libanesischen Kuratorin Yasmine Helou Sonderbares. Ihre vierteilige Installation „Possible Landscapes“ will die Grenzen zwischen der Realität und dem Fantastischen aufheben.

Die grünen Anlagen des Aman Venice werden so zu einem begehbaren Traum, dem man mit offenen Augen gegenübertritt.

Den Sbagliato in einer Hand. Das Biennale-Programm in der anderen. Küsschen links, Küsschen rechts. „Bella, du auch hier! Sieht man sich heute Abend an der Lee Ufan Retrospektive?“ – In diesen Tagen wirbelt Venedig noch wilder, noch bunter. Die Kunstszene flirrt über Brücken und durch Gassen wie ein aufgescheuchtes Kaleidoskop aus Schmetterlingen. Wer in diesem Rausch der Sinne etwas Ruhe sucht, findet im Palazzo Papadopoli einen Ort, der seit Jahrhunderten still und stolz die schönen Künste zelebriert.

Und wem das noch immer zu viel Aufregung ist, dem empfehlen wir eine Autofahrt circa sieben Stunden nordwärts.

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„ AU C H W E N N I N Z W I S C H E N W I F I-B OX E N U N D YO GAM AT T E N A N D E R C A L L E T I E P O L O 1 3 6 4 E I N Z U G G E H A LT E N H A B E N , B L E I B T D E R B E S U C H E I N E Z E I T R E I S E .“

Eine Stadt wie ein Kunstwerk, nicht nur während der Biennale.

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TIME Was tun, um seine begrenzte Zeit auf Erden bestmöglich zu nutzen?

Götter anbeten, die astrologischen Mehrdeutigkeiten auf der Co-Star App lesen, manifestieren? Meist fällt doch alles auf das kosmische Timing des Universums zurück, und kommt genau so, wie es muss. Um wenigstens ein bisschen Kontrolle über die Zeit zu haben, erfreuen wir uns an den prachtvollsten Uhren der Saison.

Fotos: NASA 126

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AUDEMARS PIGUET, „Royal Oak Jumbo Extra-Thin Openworked“, aus 18K Gelbgold N°05 / 2026

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VACHERON CONSTANTIN, „Overseas Perpetual Calendar Ultra-Thin“ aus 18K Weißgold 128

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RICHARD MILLE, „RM 55-01 Manual Winding“, aus Titan und weißem Quarz N°05 / 2026

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CARTIER, „Myst de Cartier“, aus Gelbgold 130

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PATEK PHILIPPE, „Celestial Ref. 6105G-00“, aus Weißgold N°05 / 2026

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HERMÈS, „Arceau Samarcande“, aus Weißgold und Saphirglas 132

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ROLEX, „Oyster Perpetual“, aus Roségold mit Zifferblatt aus Dumortierit N°05 / 2026

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OMEGA, „Constellation Observatory“, aus Platingold 134

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JAEGER-LECOULTRE, „Master Control Chronometre Perpetual Calendar“, aus 18K Pinkgold N°05 / 2026

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GUCCI, „Bamboo“, aus Edelstahl 136

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CHANEL, „J12“, aus weißer Keramik und Edelstahl N°05 / 2026

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PIAGET, „Polo Date“, aus Roségold, mit Diamanten 138

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VAN CLEEF & ARPELS, „Midnight Jour Nuit Phase de Lune“, aus 18K Weißgold und Perlmutt N°05 / 2026

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MATERIALPRACHT

INTERIOR DIALOGUE Interview: Michael Rechsteiner Fotos: Fran Parente (Portrait), Ruy Teixeira (Studio) 140

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Zwei Köpfe, eine Vision: Lorenzo Lo Schiavo und Cleo Döbberthin bilden Palma Studio.

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Von der Wand in den Raum: Materialproben im Palma Studio.

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Eierschalen, Kokosfasern, Bonbonpapier? All das kann ein Möbel sein. Vorausgesetzt, Cleo Döbberthin und Lorenzo Lo Schiavo legen daran Hand an.

Die Künstlerin und der Architekt haben in São Paulo das Designatelier Studio Palma gegründet. Ihre Kreationen sind Skulptur, Ausstattung und Experiment; eine Union zwischen Sinn und Sinnlichkeit. Im Interview beantwortet das brasilianische Duo gemeinsam unsere Fragen zu seinem Arbeitsprozess, São Paulos künstlerischen Hotspots und welche entscheidenden Eigenschaften aktuelle Designtrends oftmals vernachlässigen.

FACES: In eurer Arbeit verwendet ihr oft ungewöhnliche Materialien. Ist deren Auswahl eher zufällig – sozusagen glückliche Fügungen – oder das Ergebnis sorgfältiger Recherche?

Studio Palma: Beides eigentlich. Wir weichen oft von traditionellen Techniken ab, die wir studiert haben, oder auf die wir gestoßen sind, und finden Wege, diese an unsere Atelier-Realität anzupassen. So sind wir schließlich dazu gekommen, mit Eierschalenmosaik, Vergoldung, Pergament und so weiter zu arbeiten. Glückliche Zufälle passieren auch, während wir Modelle anfertigen oder im Atelier experimentieren, Materialien mischen und unsere Intuition nutzen, um bestimmte Effekte zu erzielen. So haben wir unsere „Faux-Marmor“-Materialität entwickelt, die wir zum Beispiel bei den B de Bola Tischen verwenden.

F: In eurem Atelier führt ihr auch ein Archiv mit besonderen Materialien. Wie umfangreich ist dieses?

SP: Wir verfügen über ein ständig wachsendes Archiv an Materialien, Formen, Techniken, Tests, Modellen, Bildern, Texten, Büchern, Ephemera, Naturgegenständen und so weiter. In unserem Schaffensprozess geht es vor allem um Verschmelzung, sowohl physisch als auch konzeptionell, und daher bildet unser Archiv den Kern unserer Arbeit. Derzeit forschen wir zu Messing-Patina und Oberflächenbehandlungen und kombinieren diese mit Malerei und Gravur; die Schachteln, die wir dieses Jahr auf der Collectible Brussels präsentiert haben, sind beispielsweise die ersten fertigen Ergebnisse dieser Forschung.

F: Wie entsteht ein neues Objekt bei Palma Studio? Habt ihr eine feste Vorgehensweise mit einer klaren Arbeitsteilung zwischen euch beiden? Oder gibt es zwei Sichtweisen, die langsam ineinander übergehen?

SP: Unsere Arbeitsabläufe variieren stark, die einzige „unumstößliche“ Regel ist, dass ein „Nein“ von einem von uns beiden vorerst endgültig ist, sodass die Verantwortung auf dem anderen lastet, seine Idee zu verteidigen, falls es darauf ankommt, bis beide überzeugt sind. Wenn wir ein Studio-Stück entwerfen, bringen wir in der Regel die unterschiedlichsten Inspirationen ein, die alle N°05 / 2026

Aspekte des fertigen Werks beeinflussen – von der Form über die Materialität bis hin zum Namen. Während dieses Prozesses fügen sich zufällige Dinge, an denen wir gearbeitet oder die wir uns angesehen haben, auf ganz natürliche Weise zusammen – so mystisch das auch klingen mag –, und das Stück beginnt sich auf eine Weise zu offenbaren, die fast unvermeidlich erscheint.

F: Was sind für zwei Kreative mit unterschiedlichem beruflichen Hintergrund – Cleo als Künstlerin, Lorenzo als Architekt – die Vorteile und Herausforderungen bei der Umsetzung einer gemeinsamen Vision?

SP: Uns geht es im Wesentlichen darum, unsere Ideen zu verwirklichen. Sei es in der Architektur, im Innenausbau, bei Möbeln, Skulpturen und so weiter. Wir schenken diesen Etiketten keine große Beachtung, da wir der Meinung sind, dass sie für die Entwicklung der Arbeit keine Rolle spielen. Der wichtigste Aspekt beim Schaffen als Duo ist das Vertrauen, das wir in die Hände und Augen des anderen setzen; der eine schlägt vor und gestaltet, während der andere beurteilt. Das bedeutet, dass wir unsere Ideen teilen, ohne sie zu besitzen und einander erlauben, mit ihnen zu spielen – und genau dann entsteht der interessanteste Teil der Arbeit.

F: Welche Einflüsse prägen euer ästhetisches Empfinden?

Gibt es Überschneidungen, oder unterscheiden sich diese Einflüsse stark voneinander?

SP: Wir schauen wirklich überall hin, von palladianischen Villen bis hin zu DIY-Bastelmagazinen aus den Neunzigerjahren. Diese vielfältige, oder vielleicht eher lückenhafte, Art unserer Recherche verleiht dem Endergebnis Tiefe. Und wie wir bereits sagten, ist es verblüffend, wie wir manchmal ganz unterschiedliche Dinge betrachten und diese dennoch perfekt zusammenpassen.

F: An was für Projekten arbeitet ihr derzeit?

SP: Wir arbeiten aktuell an einem großen Wohnprojekt, das wir fast von Grund auf neu gestalten. Das ist sehr spannend, da es uns ermöglicht, in einer großen Vielfalt an Maßstäben und Nutzungsarten zu gestalten. Vor kurzem haben wir unser erstes Restaurant, Le Freak, entworfen, das kürzlich in São Paulo eröffnet wurde und 143

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Im Palma Studio verwischen die Grenzen zwischen Kunstwerk und Möbelstück.

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Vielleicht ruht hier bereits der nächste grosse Wurf des brasilianischen Designduos.

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„Viele Designentscheidungen orientieren sich heute eher daran, was gut aussieht, als daran, was sich auf Dauer gut anfühlt, wenn man darin wohnt oder es nutzt.“

uns auf weitere Gastronomieprojekte in unserer Pipeden Vereinheitlichung von Designideen und -räumen auf line gespannt macht. der ganzen Welt führt. Viele Designentscheidungen F: Euer Studio befindet sich im Stadtteil Barra Funda in orientieren sich heute eher daran, was gut aussieht, als daran, was sich auf Dauer gut anfühlt, wenn man darin São Paulo, der sich zu einer Brutstätte für kreative wohnt oder es nutzt. Materialien, Farben und KomposiTalente entwickelt hat. Wie beeinflusst diese Gemeinschaft eure Arbeit? tionen werden häufig aufgrund ihrer unmittelbaren SP: Wir sind seit den Anfängen von Palma in Barra Funda visuellen Wirkung auf dem Bildschirm ausgewählt, ansässig und arbeiten aktiv mit anderen Kreativen im anstatt aufgrund ihrer haptischen Qualität, LanglebigViertel zusammen für „Design na Barra Funda“. Das ist keit oder ihrer Beziehung zum Alltag. Was den Menein jährlicher Rundgang an einem Wochenende durch schen derzeit am wichtigsten zu sein scheint, ist WieAteliers, Galerien, Werkstätten und Geschäfte im Vierdererkennbarkeit und das Gefühl, zu einer bestimmten tel, den wir seit 2022 organisieren. Diese vielfältige und ästhetischen Gruppe zu gehören – durch Räume, die wachsende kreative Gemeinschaft, abgesehen vom traschnell und effektiv über Bilder kommunizieren. Es gibt ditionell industriellen Charakter des Viertels, ermögauch ein starkes Verlangen nach Identität, doch paralicht es uns, physisch und persönlich nah an den meisten doxerweise wird diese Identität durch bis zum Überunserer Lieferanten und somit an der Arbeit zu sein, druss geteilte visuelle Codes aufgebaut und nicht durch während diese außerhalb unseres Ateliers entsteht. wirklich persönliche Erzählungen. Prozess, HandwerksF: Welche drei Orte in Barra Funda sollten wir bei einem kunst und die Tiefe der Materialien – allesamt Aspekte, Besuch auf keinen Fall verpassen? die auf einem Foto nicht erkennbar sind – scheinen derSP: „Design na Barra Funda“, das jeweils im November zeit übersehen zu werden. Die Beziehung zwischen stattfindet, ist die perfekte Gelegenheit, die DesignObjekten und ihrer Nutzung, das Altern im Laufe der szene des Viertels kennenzulernen. Die Galerien Mendes Zeit, lokale Produktionskontexte und subtile räumliche Wood DM und Fortes D’Aloia & Gabriel sind ebenfalls Atmosphären erhalten oft weniger Aufmerksamkeit, als ein absolutes Muss. Für Design gibt es außerdem einige sie verdienen. Für uns besteht eine der größten HerausAnlaufstellen wie die Aalvo Gallery, Verniz, RN Antiguiforderungen heute darin, ein Gleichgewicht zwischen dades, Quina Mobilia und viele andere. Das Theatro São Design als Bild und Design als gelebter Erfahrung wiePedro, ein kleines Opernhaus im Viertel, das nach wie derherzustellen und Innenräume zu schaffen, die visuell vor ein volles Programm bietet, ist ein Juwel. Das Nachtansprechend, bedeutungsvoll, langlebig und persönlich sind. leben im Viertel blüht und es entstehen ständig neue Bars und kleine Clubs. Unser Studio und Showroom kön- F: Und zum Schluss: Was braucht ein wirklich wunderbares nen nach Vereinbarung ebenfalls besichtigt werden.

Zuhause?

F: Wie würdet ihr die aktuelle Entwicklung im Bereich SP: Aufrichtige Absicht und Achtsamkeit. Eine gewisse Möbel- und Inneneinrichtung beschreiben? Was ist den Besessenheit hilft meist auch. Das Haus von Jorge Menschen am wichtigsten? Was wird derzeit eher überAmado in Salvador, die Wohnung von Yves Saint Lausehen? rent und Pierre Bergé in der Rue de Babylone, das SP: Wir haben den Eindruck, dass die aktuelle Richtung im Palais Stoclet in Brüssel, Eduardo Longos Casa Bola in Design stark von der visuellen Logik der sozialen Medien São Paulo, das Studiolo des Herzogs von Urbino in Gubbio, um nur einige zu nennen, sind allesamt Beispiele geprägt ist. Plattformen wie Instagram und Pinterest haben die Verbreitung von Referenzen derart beschleufür Orte, die sorgfältig gestaltet und unter Berücknigt, dass sich Designtrends mittlerweile fast augensichtigung der oben genannten Prinzipien komponiert wurden. blicklich weltweit verbreiten, was zu einer zunehmenN°05 / 2026

STUDIO PALMA Vier Palmas, ein Studio: Auf Portugiesisch bedeutet Palma die Innenfläche der Hand.

Mit diesen bearbeiten Cleo Döbberthin und Lorenzo Lo Schiavo ungewöhnliche Materialien zu außergewöhnlichen Objekten.

Ob Bronze oder Briefmarke, das Designduo aus São Paulo gestaltet daraus Räume, Möbel und Gebrauchsgegenstände.

Dabei verschmelzen die Sensibilitäten des Architekten und der Künstlerin zu einer gemeinsamen Vision, die Praktikabilität und Sinnlichkeit miteinander vereint. palmapalma.com.br

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Photography: Jean François Verganti Styling: Marie Revelut Make-up: Silene Tonello Hair: Miki Sato Model: Lucie Roche @ Marilyn Agency

SOUL ALLURE FIERCE SPIRIT

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Top, Hose und Halskette von CHANEL. Mantel von PAULINA JAUSS .

Strümpfe von FALKE.

Look von HERMÈS.

Kleid von DSQUARED2.

Mantel von NEWSPEAK.

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Kleid und Schuhe von FENDI. Mantel von SONGZIO. Strümpfe von FALKE.

Kleid von EMANUEL UNGARO. Top von CHAMBRE DE FAN. Mantel von VORIAGH.

Top und Hose von ISSEY MIYAKE. Schuhe und Tasche von CHRISTIAN LOUBOUTIN.

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Overall von PAULINA JAUSS. Sonnenbrille von ANDY WOLF. Armreif von TULSI.

Kleid und Tasche von ELIE SAAB. Mantel von KENTROY YEARWOOD.

Look von LOUIS VUITTON.

HUNTER-GATHERER

RARE WARE Lindiwe Suttle Müller-Westernhagen bewahrt ihre Alaïa-Sammlung in einem alten Klosterschrank auf.

Michael Kardamakis führt das größte Helmut-Lang-Archiv der Welt aus einem Altbau voller Kleiderstangen.

Und Martina Lohoff sammelt ihr Old Céline unter dem Dach, nah am Himmel. Drei der wichtigsten deutschen ModesammlerInnen im Interview.

Interviews: Mona Bergers 158

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Spot on! Lindiwe Suttle Müller-Westernhagen in Dolce & Gabbana (FS92). © Ronald Dick

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LINDIWE SUTTLE MÜLLER-WESTERNHAGEN

„Einige meiner Archivstücke habe ich schon in der ,Fondation Azzedine Alaïa‘ gesehen.“

FACES: Du bist 2010 nach Berlin gezogen und hast zeitgleich begonnen, Alaïa zu sammeln. Gibt es einen Zusammenhang?

Lindiwe Suttle Müller-Westernhagen: Tatsächlich, mein Mann – Marius Müller-Westernhagen - sagte damals zu mir, er kenne den perfekten Designer für mich. Mir war Alaïa natürlich aus „Clueless“ – „It’s an Alaïa!“ – bekannt, aber tiefer hatte ich mich mit den Designs nicht auseinandergesetzt. Mein erste Errungenschaft war nichts Extravagantes; ein einfacher schwarzer Blazer. Doch der Schnitt und das Material begeistern mich bis heute. Was bei Azzedine Alaïa zudem häufig vergessen wird: Er war ein afrikanischer Designer. Oft wird er als Pariser bezeichnet, aber er war auch Afrikaner. Wie er aufwuchs, was er sah, welche Farben ihm begegneten und auch die Kultur, in der er lebte – es steckt in allem, was er kreierte.

F: Heute besitzt du Hunderte seiner Entwürfe. Sammelst du eine bestimmte Ära?

LSMW: Meine Lieblingsstücke stammen aus der Zeit, als Alaïa noch in seinen Anfängen war – den frühen Neunzigern und davor; besonders die Kollektionen von ’86, ’87. Er hatte zuvor mit Thierry Mugler gearbeitet, der ihm selbst zum eigenen Label riet. Viel seiner Handwerkstechnik stammte aus der Zeit; zudem prägte ihn bereits das Kabarett „Crazy Horse“. Durch die enge Zusammenarbeit mit den Tänzerinnen muss er seine Ideen für Drapierungen und Formen geschärft haben.

Die Art, wie er mit Korsetts arbeitete, passt zu jedem Körper. Es ist sowieso das Gefühl beim Tragen, worum es bei seinen Kreationen geht.

F: Warum? Was haben dir seine Entwürfe beigebracht?

LSMW: Selbstbewusstsein. Eigentlich paradox: Es handelt sich „nur“ um Kleidung; Dinge, in die wir unsere Körper hüllen. Doch die Entwürfe von Alaïa bringen mich dazu, meine Schultern zurück zu nehmen und meinen Kopf aufrecht zu halten. Ich genieße die Momente, in denen ich seine Kreationen trage. Natürlich habe ich schon versucht, Stücke aufzusparen. Aber dann frage ich mich jedes Mal: Wofür eigentlich? Es gibt dieses außergewöhnliche Kostüm vom Laufsteg, das aus fünf Einzelstücken und einer Krone besteht. Auch das habe ich N°05 / 2026

Linke Seite: Fünfteiliges Kostüm (FS92) und Heels, alles von Azzedine Alaïa. © Ronald Dick Rechte Seite: Nicht mehr clueless: Im Set von Azzedine Alaïa (HW90), Heels mit Herz von Dior. © Ronald Dick

schon ausgeführt, obwohl es schwer fällt, darin zu laufen.

F: Auch zu deiner Hochzeit trugst du ein Kleid von Alaïa.

LSMW: Eigentlich wollte ich in einem schwarzen Kleid von Comme des Garçons heiraten, aber das lag außer Reichweite. Stattdessen kaufte ich einen weißen Anzug von Alexander McQueen, stolperte danach aber noch auf Ebay über ein Kleid aus Hemdstoff von Alaïa – und bestellte es. Als es schließlich vor mir lag, sah es nicht nach viel aus. Doch die Raffungen und Nähte, die Streben des Korsetts, machten daraus eine märchenhafte Robe. Erst als sie am Körper saß, konnte man die Kreation verstehen.

F: Sammelst du neben Alaïa noch weitere DesignerInnen?

LSMW: Ich habe einige Runway-Looks von Alexander McQueen, auch frühes Dolce & Gabbana. Eine richtige Sammlung kommt sonst nur mit Cowboystiefeln zusammen. Ich besitze rund 50 Paar; old-school RodeoBoots aus Texas. Der Prozess des Einlaufens ist für mich eine Wertschätzung des Handwerks – und lässt sie in gewisser Weise zu einem Teil von mir werden.

Auch sie machen etwas mit der Haltung: Ich habe ein weiches Paar, das mich fast schweben lässt; in einem robusteren Exemplar marschiere ich eher.

F: Im letzten Jahr brachtest du das Kinderbuch „Naya“ raus. Spielt auch hier Mode eine Rolle?

LSMW: In „Naya“ geht es um ein Mädchen, das aufgrund ihrer Haare gemobbt wird. Für Lesungen bin ich viel in Kindergärten und Schulen unterwegs – und hier nimmt Mode einen wichtigen Platz ein. Für die Besuche leihe ich mir oft Designs aus einem Berliner Privatarchiv; zuletzt ein Kleid mit Schwimmring-Detail von Moschino.

Einmal trug ich verrückte Schuhe und ein Mädchen sagte: „Sie sind magisch.“ Mode schafft eine neue Ebene der Fantasie.

F: Wie malst du dir die Zukunft deines Privatarchivs von Alaïa aus?

LSMW: Ich bin in der Marie-Kondō-Ära angekommen – und sollte mich von einigen Stücken trennen. Vorher wäre noch eine Ausstellung interessant. Einige meiner Archivstücke habe ich schon in der „Fondation Azzedine Alaïa“ gesehen, aber auch über Paris hinaus könnte Nachfrage bestehen, die Kreationen aus der Nähe zu erleben.

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MICHAEL KARDAMAKIS

„Ich mag die Widersprüche, für die Helmut Lang steht.“

FACES: Was ist deine erste Erinnerung an Mode?

Michael Kardamakis: In meiner Jugend war ich Teil der Emo-Subkultur in dem Vorort von Athen, in dem ich aufwuchs. Dabei ging es viel um den richtigen Look.

Mein erstes Sammelobjekt wiederum waren Vinyls, deren Cover ich auf Shirts drucken ließ. Da die Musik von nischigen US-Bands stammte, die ihre Platten noch im Wohnzimmer aufnahmen, gab es keinen offiziellen Merch. Sie definierten einen Sound, bevor er groß wurde.

Damit ähnelte es schon dem, was ich heute tue – nach dem Original zu suchen; sozusagen der rarsten Version von dem, was Teil des heutigen Narratives ist.

F: Unter dem Namen „Endyma“ führst du heute das größte Helmut-Lang-Archiv der Welt in Berlin. Wie kam es dazu?

MK: Während meines Studiums der Kunstgeschichte setzte ich mich stärker mit Mode auseinander – und experimentierte mit dem Weiterverkauf. Darunter waren auch Stücke von Helmut Lang; wahrscheinlich hatte ich von ihm gelesen. Mir wurde schnell klar, dass ich mit seinen Designs gute Geschäfte machen konnte.

Mein Interesse war anfangs eher kommerziell. Das war in den 2010er-Jahren; da waren die Neunziger in der Masse nicht angesagt. Ich war Niemand aus dem Nichts, aber ich fand etwas, das die Modebranche schon wieder interessierte. Aus dem Shop wurde ein Archiv, als vermehrt Anfragen von DesignerInnen kamen. Sie brauchten die Stücke nur kurz, da machte das Verleihen mehr Sinn. So konnte ich die Sammlung aufbauen.

F: Von Gucci über Bottega Veneta bis hin zu Phoebe Philo – die großen Luxushäuser suchen bei dir Inspiration.

Welcher Besuch hat deine Arbeit besonders geprägt?

MK: Es gab damals kein Playbook, wie man ein Modearchiv führt. Ich fragte mich oft: Was ist richtig? Was ist falsch? Mein erster hoher Besuch war Peter Hawkings in seiner Zeit bei Tom Ford. Mit ihm zu arbeiten war einzigartig; er hat eine besondere Präsenz. Fast obsessiv bemerkte er all diese kleinen Details, die ich bis dahin gar nicht sah. Sprach über Stoffe und Schnitte…

Wie ein Design symmetrisch wird, sobald man es trägt.

Es war zwar meine Sammlung, aber er schätzte sie mehr. Ihn zu beobachten, zu sehen, wie er mit der Kleidung interagierte, schärfte mein Verständnis von 162

Linke Seite: Über kurz oder (Helmut) lang: Die heiligen Hallen. © Endyma Rechte Seite: Selbst ein Minimalist ist Michael Kardamakis, der Gründer von „Endyma“. © Andreas Schmidt

Archivarbeit. Der Fortschritt von „Endyma“ ist auch ein Ergebnis davon, wie sich BesucherInnen mit Objekten auseinandersetzen.

F: Was ist das Alleinstellungsmerkmal von „Endyma“ als Modearchiv?

MK: Ich bin an Alltagskleidung interessiert. Das beinhaltet sehr Kompliziertes, das recht normal aussieht, aber auch Normales, das ungewöhnlich hergestellt wurde.

Unsere Designs von Helmut Lang stammen aus der Zeit unter seiner Leitung, also Mitte der Achtziger bis 2005.

Wir besitzen etwas über 3'000 Entwürfe von ihm. Seine Arbeit definiert unser Archiv, aber wir expandieren auch in andere Richtungen. Belgische DesignerInnen aus den Achtzigern, Neunzigern – mehr Drama, mehr Edge; auch japanische Entwürfe aus der Zeit – viel Farbe, ungewöhnliche Texturen. Dann italienische Brands aus den Siebzigern, Achtzigern, die das Konzept von Ready-to-wear geprägt haben, beispielsweise frühes Giorgio Armani. Wie Helmut Lang liebte er Alltagskleidung, verlieh ihr aber mehr Tiefe. Auch Militär-Ausstattung, ebenso Street- und Clubwear. Es geht um Stücke, mit denen sich Menschen identifizieren können.

F: Was fasziniert dich aus heutiger Sicht an den Designs von Helmut Lang?

MK: Ich mag seinen Ansatz – die Besessenheit vom Klassizismus. Diese Kombination aus Kühnheit und dem Selbstvertrauen eines Visionärs. Jemand, der nicht Teil der Branche war, jemand, der keine Modeausbildung hatte; der etwas aus reinster Zweckmäßigkeit tat.

Gleichzeitig war er auch ein bisschen ahnungslos, fast naiv. Ich mag die Widersprüche, für die das Label steht.

F: Kürzlich zog auch das Archiv des deutsch-griechischen Designers Kostas Murkudis ein.

MK: Kostas kenne ich noch aus Athen – sein Archiv ist eine permanente Leihgabe. Es zeigt seine ersten Kollektionen. Davor war mir sein Effekt auf Helmut Lang [von 1985 bis 1993 war Kostas Murkudis dessen Assistent] nicht so bewusst. Die Arbeit von Kostas ist detaillierter, komplizierter; etwa Designs aus Ikea-Tüten oder mit Stoffen aus Glas. Es gibt viel, gerade im Kontext, zu entdecken. Das macht sowieso ein Archiv aus: das größere Bild zu sehen; unabhängig von einzelnen Saisons.

Eine Entwicklung, Evolution sichtbar zu machen.

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MARTINA LOHOFF

„Mit den Entwürfen von Phoebe Philo lernte ich, mich immer wieder neu zu entdecken.“

FACES: Erinnerst du dich an deinen ersten dramatischen Sammelmoment?

Martina Lohoff: Eigentlich fing alles 2001 mit der Pferde-Kollektion von Stella McCartney für Chloé an. Als ich endlich den Rock ergattert hatte, bemerkte ich beim Tragen einen Wasserfleck. Zurück Zuhause wusch ich ihn aus. Als ich nach einer Stunde wieder ins Badezimmer kam, war die Farbe des Motivs komplett verlaufen. Ein schrecklicher Moment! Ich wusste nicht, was ich tun sollte – und recherchierte nach der weltbesten Reinigung; Madame Paulette in New York.

Nach ein paar Wochen kam der Rock in einem kleinen Schrankkoffer zurück; er sah aus wie neu.

Auch Phoebe Philo designte für Chloé, was ich jedoch erst später realisierte. Damit verfolgte ich sie schon vor ihrer Zeit bei Céline.

F: Heute zählst du zu den bekanntesten AnhängerInnen von Phoebe Philos Céline weltweit. Wie begann alles?

ML: Ich verliebte mich 2013 in die Birkenstocks mit Fell von Céline. Sie haben etwas Bizarres, fast Hässliches.

Für den Kauf nahm ich Kontakt mit der Boutique in Florenz auf, wo mich schließlich Riccardo, bald ein Freund, empfing. Die E-Mail, mit der alles begann, habe ich noch heute. Es sind vor allem emotionale Erinnerungen, die ich mit dem Label verbinde. So wurde es etwa zur Tradition, dass meine Mutter, Schwester und ich ihn bis zu fünfmal im Jahr besuchten. Er hatte einen guten Draht nach Paris; konnte uns fast alle Designs besorgen. Mit den Entwürfen von Phoebe Philo lernte ich, mich immer wieder neu zu entdecken. Ihr Stil ist schlicht – und dann auch wieder das komplette Gegenteil.

F: Warum sammelst du gerade das sogenannte Old Céline oder Céline mit Akzent, also Designs aus der Ära von Phoebe Philo, 2009 bis 2017?

ML: Es gab diesen einen Schlüsselmoment; sozusagen zwischen Vergangenheit und Zukunft. Als langjährige Kundin lud mich Céline drei Tage nach Paris ein – mit Business-Class-Flug, Chauffeur und Hotel, sogar Lunch mit der CEO. Alles war wunderbar; die Crux war nur: es war die erste Show von Hedi Slimane; die erste nach Phoebe Philo. Uns wurde nahegelegt, Looks von ihm zu N°05 / 2026

Linke Seite: Céline, nicht von der Stange. © Martina Lohoff / The Archive Rechte Seite: Martina Lohoff kurz vor der Céline-Show (HW18).

Die Tasche war ein Geschenk. © Martina Lohoff / The Archive

tragen. Doch wir alle erschienen, auch weil wir nicht anders konnten, trotzdem in Entwürfen von ihr. Jede von uns Gästinnen war in ihrem Wesen so unterschiedlich. Von außen konnte man nicht erkennen, was genau wir teilten. Da realisierte ich, was die Kollektionen von Phoebe Philo taten: Sie ließen jeder Einzelnen genug Raum, ihr Selbst individuell zu entfalten; niemals verkleidet zu wirken. In diesem Moment begann meine „Obsession“ für ihre Entwürfe. Es gab nichts mehr nach vorne, indem ich mich noch hätte sehen können.

F: Über deine Resale-Plattform TheArchiveDotCom sourcst du Old Céline auch für KundInnen.

ML: Ich hätte nie gedacht, dass aus meiner Leidenschaft ein Business werden könnte. Privat besitze ich derzeit rund 40 Stücke, weitere 200 bis 250 Designs biete ich zum Weiterverkauf für Pop-Ups & Co. an.

Nachdem Phoebe Philo das französische Modehaus verlassen hatte, half ich anderen Fans an ihre Designs zu kommen. Riccardo beschaffte letzte Lagerbestände. Ich suchte über Céline-Outlets und Vintage-Plattformen wie Vestiaire Collective. Dann folgte eine Anfrage für ein Pop-Up in Paris und plötzlich berichtete die New York Times über mich. Alles ging Schlag auf Schlag! Über die Jahre habe ich enge Beziehungen zu PrivatarchivarInnen aufgebaut: Heute melden sich SammlerInnen von Amerika bis Asien bei mir, wenn sie etwas verkaufen möchten.

F: Im Jahr 2024 launchte Phoebe Philo ihr eigenes Label.

Wie hast du den Neubeginn erlebt?

ML: Ein unglaublicher Moment! Einen Tag vor dem Launch bekam ich sogar einen Anruf von Meta. Das Team von Phoebe Philo wollte, dass ich als eine der Ersten auf Instagram teile, wann die neue Website online geht. Ich saß hier in Dortmund und konnte es kaum glauben. Natürlich war ich auch gespannt, was es mit Old Céline und der Community machen würde, dass plötzlich wieder neue Entwürfe von Phoebe Philo auf den Markt kamen. Überraschenderweise gab es an dem Tag besonders viele Anfragen über TheArchiveDotCom. Meine private Sammlung habe ich natürlich auch um Stücke ihres eigenen Labels ergänzt.

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CASA

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BODEGA MINIMALISTA

Klare Linien und scharfe Kanten treffen auf wilde Natur.

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Wenn die Natur spektakuläre Steine produziert, braucht man keine Skulpturen mehr zu kaufen.

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Man nehme viel Stein, ein bisschen Wein – und schon entsteht die perfekte Residenz.

Casa San Francisco steht nicht etwa im Norden der amerikanischen Westküste, sondern am Rande von San Miguel de Allende, einer Kleinstadt im mexikanischen Bundesstaat Guanajuato.

Das ausladende Wohnhaus versprüht trotz Moderne reichlich Wärme. Statt Nachbarhäuser erspäht man beim Blick nach draußen nichts als wilde Natur und Weinreben.

Text: Josefine Zürcher Fotos: Cesar Belio

In diesem Haus gibt es wohl keinen einzigen kalten Farbton.

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So ein Wohnzimmer beruhigt schneller als jede Yogastunde.

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„ E I N PA R A D E B E I S P I E L , W I E M A N D I E R E I C H E H I S T O R I E EINES ORTES MIT HOCHMODERNER ARCHITEKTUR NICHT NUR KO M B I N I E R T, S O N D E R N Z U P E R F E K T E R H A R M O N I E F Ü H R T.“

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Casa San Francisco mag zwischen den Weinreben unscheinbar aussehen, ist aber ein echtes Paradies für alle, die sich nach schlichtem Design sehnen.

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„ B E I M P R O J E K T C A S A S A N F R A N C I S C O WA R E S W I C H T I G , D E N W E I N B AU Z U I N T E G R I E R E N .“

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„ DE R MONO C H R OM E L O OK AU S HOL Z U N D S T E I N B E R U H I G T DA S AU G E .“

Die perfekte mexikanische Kulisse.

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Platz für ausgelassene Dinner-Partys gibt es mehr als genug.

CASA SAN FRANCISCO Wo stellt man ein Ferienhaus hin, wenn man in der glücklichen Lage ist, eines bauen zu lassen? San Miguel de Allende ist keine schlechte Wahl. Seit 2008 gehört die mexikanische Stadt zum UNESCO-Welterbe. Für KulturfreundInnen ist also schon einmal gesorgt. Wer den Abend mit einem Gläschen Wein ausklingen lassen will, hat ebenfalls Glück: Die Gründung von San Miguel de Allende – ursprünglich San Miguel el Grande genannt – im 16. Jahrhundert fiel mit der Einführung des Weinanbaus in Mexiko durch Franziskanermönche zusammen. Beim Projekt Casa San Francisco war es also wichtig, den Weinbau zu integrieren. Die Räume des Hauses wurden in fünf Volumen unterteilt. die sich zu verschiedenen Landschaftsbereichen hin öffnen und einen freien Blick auf die Weinberge und die umgebende Natur bieten. Ein Eingangsbereich

mit doppelter Deckenhöhe dient als Übergangsraum zwischen Außen- und Innenbereich. Drinnen bleibt das Haus schlicht. Holz und Stein harmonieren in Farbe und Textur.

Die vorherrschenden Materialien sind lokal gewonnener Stein aus einem nahe gelegenen Steinbruch, unpolierter Marmor für die Böden und von Hand aufgetragene Kalkfarbe, die die natürliche Farbe des Steins ergänzt. Dadurch entstand ein monochromer Look, der das Auge beruhigt statt überlädt. Bei der Innenausstattung wurden aufgrund ihrer Schlichtheit Möbel aus Eichenholz gewählt, und die Beleuchtung entspricht der Lichttemperatur in Klöstern aus dem 16. Jahrhundert. Casa San Francisco ist so ein Paradebeispiel, wie man die reiche Historie eines Ortes mit hochmoderner Architektur nicht nur kombiniert, sondern zu perfekter Harmonie führt.

JORGE GARIBAY ARQUITECTOS Das Team von Jorge Garibay Arquitectos rund um den mexikanischen Architekten Jorge Garibay möchte Räume schaffen, die mit Kraft der Einfachheit arbeiten und Emotionen nicht zu kurz kommen lassen. Bei jedem Projekt wird darum eine intensive Beziehung zu den Menschen, ihrer Identität, ihren Bedürfnissen und Einschränkungen gepflegt, damit Wohnträume entstehen, in denen man sich zu hundert Prozent zuhause fühlt. ...........................................................................................................................................................................@arqjorgegaribay

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17.4., BLOOM PARTY, WIEN

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UNTIL YOU CAN’T DANCE

Text: Lisa Hollogschwandtner Fotos: Konrad Braun, Ambra Licuta Fashion, Culture – und ein neues Kapitel. Am 17.

April feierte ODË Studios gemeinsam mit No Panic Coffee und brachte Menschen, Perspektiven und Momente zusammen.

Die Idee dahinter ist so einfach wie relevant: weniger kaufen, besser wählen. ODË versteht Mode als etwas Bestehendes – Pieces mit Geschichte, die bewusst weitergetragen werden.

Initiiert von Mergim Shabani und Berat Zeka entstand ein Nachmittag, der mühelos in Abend und Nacht überging – der mit einem Drink begann und mit neuen Kontakten, einem besonderen Fundstück und einem Song endete, der einen noch auf dem Heimweg begleitete.

Im Fokus: Ehrliche Verbindungen und offener Austausch, Menschen in Wien zusammenzubringen, die sich sonst vielleicht nicht begegnen würden. Für die erste Edition lieferte Mete Selis (Döner Veltliner) das Food-Konzept, DJ Massi Anwar den Sound, während pre-loved und VintagePieces von Mergim Shabani und Sophia Stolz den inhaltlichen Rahmen setzten. Die Vision: ODË weiterdenken – als Space, in dem Grenzen verschwimmen. Ein Vorbild: Colette.

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Highlight: 20 Grad in Wien, Spicy Margaritas, Beats von Massi Anwar – so geht Frühling.

Fazit: Ein Nachmittag, der zum Abend wurde, voller Begegnungen zwischen Menschen, die sich sonst vielleicht nie getroffen hätten. More to come.

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1 David Bosagne 2 Gesprächsstoff: FACES. 3 Mergim Shabani & Sophia Stolz 4 Mode feiern, die Bestand hat – das ist die Mission von ODË.

5 Sarah Bola 6 Berat Zeka

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7 Döner Veltliner – türkische Küche neu interpretiert.

8 Tiefe Gespräche, kreativer Austausch – bis nach Einbruch der Dunkelheit.

9 Mele Selis 10 Markus Zeuner 11 Mergim Shabani & Tanju Köse

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WTF

23:58:35 Es ist ein Running Gag, doch keiner lacht mehr. Die Doomsday Clock wurde mal wieder um ein paar Sekunden vorgeschoben.

Das heißt: Der Welt läuft die Zeit davon. Sie läuft nicht nur davon, sie reitet auf einem Rennpferd, das Überschallraketen trägt. Mit der Doomsday Clock messen WissenschaftlerInnen symbolisch, wie kurz die Menschheit vor dem Untergang steht. Zum Zeitpunkt seiner Einführung 1947 zeigte der Ticker sieben Minuten vor Mitternacht an. Seither haben wir es zunehmend eilig.

Dass die Zeiger nun um vier weitere Sekunden nach vorne auf 23:58:35 gesprungen sind, begründen die Verantwortlichen unter anderem mit den schnellen Fortschritten der künstlichen Intelligenz und der bisherigen Untätigkeit, die neue Technik mit Schutzmassnahmen zu flankieren. Heute stellt dir Claude deine Einkaufsliste zusammen.

Und morgen spielt er vielleicht schon gegen andere KIs Schiffe versenken mit echten Atombomben. Tic toc, gute Nacht.

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