Programa de mano, 60 Muestra, 2016

1

CINE CLUB DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO Montserrat Alejandri Oyanguren / Coordinadora Cine Club Felipe de Jesús López Márquez / Asistente de programación y supervisión de foros José Lara Medrano / Asistente administrativo José Delgado Alvarado / Operador de cine José Guillermo Delgado Ramírez / Operador de cine Emilio Ortiz De la Rosa / Apoyo en sede Marcela Santoscoy Y jOSÉ lUIS gONZÁLEZ / Aplicaciones diseño

2 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

60 muestra internacional DE CINE

3

LA CALLE DE LA AMARGURA

04

EL PATRÓN, RADIOGRAFÍA DE UN CRIMEN

06

TAXI TEHERÁN

08

LA ASESINA

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MANDARINAS

12

BUEY NEÓN

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DESDE ALLÁ

16

EL NUEVO NUEVO TESTAMENTO

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AMOR MÍO

20

DESPEGANDO A LA VIDA

22

COSMOS

24

HITCHCOCK / TRUFFAUT

26

La calle de la amargura México-España | 2015 | 99 min. | B15 17 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

La más reciente película de Arturo Ripstein retoma un extraño caso de nota roja para transformarlo en un sombrío sueño surrealista en blanco y negro. Basada en el asesinato accidental de dos luchadores enanos a manos de dos prostitutas que les dieron a beber gotas oftálmicas para dormirlos y después despojarlos de su dinero, la película se aleja de todo sensacionalismo para sumergirse en los rincones más oscuros de la Ciudad de México, donde las luchas cotidianas de estos personajes marginados convergen trágicamente.

Premios y festivales

D: Arturo Ripstein. G: Paz

2015 Premio al Mejor Director

Alicia Garciadiego. F en B/N:

y A la Mejor Dirección Artís-

Alejandro Cantú. E: Arturo

tica. Festival Internacional de Cine de Gijón. España. | Proyección Especial. Mues-

Ripstein y Carlos Puente.

Con: Patricia Reyes Spíndola (Adela), Nora Velázquez

tra Internacional de Arte

(Dora), Sylvia Pasquel (doña

Cinematográfico de Venecia.

Epi), Alejandro Suárez (Max),

Italia. | Sección Oficial de la Sección Masters. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.

Arcelia Ramírez (Zema), Juan Francisco Longoria (Alejandro), Guillermo López (Alberto). CP: Productora 35, FOPROCINE, Wanda Visión, Equipment & Film Design, Alebrije Cine y Video, Cinema Máquina. Prod: Walter Navas y Arturo Ripstein.

4 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Si Las razones del corazón (2011) convertía a Madame Bovary en un culebrón desgarrado, La calle de la amargura transforma una noticia de la sección de sucesos en una tragedia griega. El cine de Ripstein siempre es de ida y vuelta, como sus movimientos de cámara, aunque está predestinado a quedarse en el mismo lugar, replegado sobre sí mismo.

No hay víctimas ni verdugos: los luchadores enanos –que no se quitan la máscara ni para beber, en un detalle de lo más malvado– no inspiran más ternura ni más rechazo que las prostitutas que pretenden saquearlos con una sobredosis de colirio ocular. Lo real muta en esperpento, en pintura negra goyesca, en grotesco fresco de calamidades.

Ripstein, como Buñuel, no juzga, y exhibe, como ya demostró en Profundo carmesí (1996), una especial simpatía por los criminales y los marginados, a los que ve capaces de lo más cruel y de lo más conmovedor (la relación de Adela –Patricia Reyes Spíndola– con su madre es típicamente ripsteiniana). El tosco, delirante patetismo del conjunto no pretende parodiar el cuadro de costumbres, por muy extravagante que resulte, sino de celebrar su humanidad, mecida por los implacables azares del destino. Lo que en un momento parece distanciamiento brechtiano se resquebraja para quedarse en cueros, la carne vieja y llena de lágrimas reclamando la suerte que el oráculo de México Distrito Federal le ha negado.

Podría creerse que Ripstein no sale de su zona de confort, que todo lo que hemos dicho podría servir para definir muchas de sus películas, pero quizás esta calle, que también podría ser la de la vergüenza, es la que se ajusta mejor a su visión de México, a partir de un microcosmos que, atravesado por esa pulsión de muerte tan cara a sus tradiciones, representa la riqueza de su imaginería miserabilista. Aun asfixiado en esos pisos pútridos, en esas escaleras de vecinos en los que abunda la traición y el insulto, en ese desprecio por la vida, en esa claustrofobia que no cesa, Ripstein consigue hacer una película-compendio que es, también, un retrato de un México como estado mental.

Arturo Ripstein Ciudad de México, 1943

Fragmentos de un texto de Sergi Sánchez Caimán Cuadernos de Cine, nÚM. 44, diciembre 2015 Madrid

5

El patrón, radiografía de un crimen Argentina-Venezuela | 2014 | 90 min. | B 18 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Para Hermógenes Saldívar, un trabajador analfabeta que ha migrado a Buenos Aires, las cosas no son nada fáciles. Recién instalado en la capital, espera que ésta lo beneficie con las oportunidades que su provincia natal, Santiago del Estero, nunca le dio. Cuando consigue un trabajo en una carnicería barrial, se encontrará con varias sorpresas desagradables; la principal, un patrón inescrupuloso y violento. Pronto, Hermógenes tendrá que tomar una decisión límite. Basada en un caso verídico ocurrido en la década de los 80, la primera película de ficción del hasta ahora documentalista Sebastián Schindel aborda el tema de la esclavitud contemporánea a partir de un argumento cercano al thriller.

Premios y festivales 2015 Premios al Mejor Actor (Joaquín Fuerriel), Mejor Guión Adaptado y Maquillaje. Premios Sur de la Academia de las Artes y la

D y G: Sebastián Schindel.

E: Andrés Ciambotti, Sebastián Schindel. F en C: Marcelo Jaccarino. M: Lucas Kohan.

Con: Joaquín Furriel (Hermógenes), Luis Ziembrowski

Ciencias Cinematográficas

(Latuada), Mónica Lairana

de la Argentina. Argentina.

(Gladys), Germán de Silva

| Mayahuel al mejor actor y

(Armando), Guillermo Pfe-

mejor opera prima. Festival

ning (Marcelo Di Giovanni)..

Internacional de Cine en Guadalajara. México.

2014 Premio al Mejor Actor

CP: Cooperativa Estrella Films, Magoya Films, Instituto Nacional de Cine y Artes

(Joaquín Furriel). Festival

Audiovisuales (INCAA), CIC

de Cine Iberoamericano de

Cine. Prod: Nicolás Batlle, Se-

Huelva. España.

bastián Schindel, Fernando Molnar, Daniel Jerozolimski, Alejandra Szeplaki.

6

PC: Cineteca Nacional.

60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

La violencia en este caso no es física y repentina, sino laboral, progresiva y psicológica, y sobre la cual jamás recae un atisbo de condena ni glorificación. Las conclusiones, en todo caso, dependerán de cada espectador, ya que serán consecuencia del encadenamiento de los hechos antes que de la enunciación directa. Basada en la novela homónima del criminólogo Elías Neuman, quien a su vez había partido de un caso real ocurrido en 1984, y dirigida por el hasta ahora documentalista Sebastián Schindel, El patrón, radiografía de un crimen comienza con un abogado involucrándose en el caso del homicidio del dueño de una red de carnicerías perpetrado por uno de sus empleados. A partir de ahí, el filme oscila entre el presente judicial del acusado y la reconstrucción de las situaciones que lo llevaron al banquillo.

Hermógenes Saldívar llega desde Santiago del Estero apenas con lo puesto y su mujer a cuestas. Rápidamente recala en una de las carnicerías de Latuada, donde aprende las claves del oficio. El profesor es su colega interpretado por Germán de Silva, una suerte de grandmaster no sólo del cuchillo, sino también del arte del engaño. Así, le explica los mil y un trucos para maquillar de buenas a las reses que no son tales, reduciéndoles el olor y modificándoles los colores. Los primeros planos de la carne atravesada por el cuchillo confieren al filme una tonalidad entre ominosa y pesadillesca. Sin embargo, El patrón jamás esconde el origen documentalista de su hacedor, con la atención al detalle y al gesto mínimo como normas constantes.

Conocedor de los mecanismos narrativos de un género clásico como el thriller, Schindel ha reconocido en varias entrevistas las influencias de Pablo Trapero y los hermanos Dardenne. Tal como ocurre en el cine post Rosetta (1999) de los belgas, quienes no por casualidad también comenzaron su carrera conjunta en el ámbito documental, El patrón repele cualquier atisbo de alegato directo o bajada de línea: lo social está presente en un contexto claro y amalgamado al nudo argumental policíaco, pero jamás es el centro del relato.

Sebastián Schindel Buenos Aires, Argentina, 1975

Fragmento de un texto de Ezequiel Boetti Página 12 (pagina12.com.ar) Buenos Aires, 27 de febrero de 2015

7

Taxi TEHERÁN TAXI | Irán | 2015 | 82 min. | B 19 de mayo, 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

El director Jafar Panahi maneja un taxi amarillo por las vibrantes calles de Teherán, recogiendo a un grupo diverso de pasajeros en un solo día. Cada hombre, mujer y niño que aborda el vehículo expresa abiertamente su propia visión del mundo, mientras es entrevistado por el director/conductor. Su cámara, colocada en el tablero del auto, logra capturar un pedazo del espíritu de la sociedad iraní, mientras redefine la frontera entre la realidad y la ficción. Al igual que sus dos trabajos anteriores, Esto no es una película (2011) y Pardé (2013), Taxi fue realizada a pesar de la prohibición que el gobierno de Irán a impuesto a Panahi para hacer cine.

Premios y festivales

D, G y Prod: Jafar Panahi.

2015 Oso de Oro y Premio

TESTIMONIOS: Jafar Panahi

FIPRESCI. Festival Interna-

(taxista). CP: Jafar Panahi Film

cional de Cine de Berlín.

Productions. Dist: Caníbal.

Alemania. | Premio del Público. Festival de Cine de Bombay. India. | Selección Oficial. Festival de Cine de Sídney. Australia

8 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

¿Son necesarias y suficientes las condiciones de realización de una obra, es decir el contexto en el que se rueda la película o las condiciones en las que trabaja un cineasta, para justificar un filme? Depende, respondería la mayoría… Y ciertamente depende de cuáles son esas condiciones. Las obras que está ofreciendo estos últimos años el cineasta Jafar Panahi son necesarias para comprender la brutalidad y necedad de un régimen como el de los ayatolás, así como para percibir la complejidad y riqueza de la sociedad civil de ese mismo país. Obras como Esto no es una película (In film nist, 2011), Pardé (2013) o esta última, Taxi, rodadas con la inteligencia suficiente para esquivar las innumerables prohibiciones que pesan sobre el realizador (arresto domiciliario, prohibición de rodar, prohibición de salir del país…) siempre son necesarias para recordarnos que la libertad de expresión no es un lujo compartido por todos.

Y es que la última obra de Panahi es, en el fondo, una reflexión sobre la legalidad, sobre las arbitrarias reglas de la ley y la manera (o justificación) que encontramos para respetarlas o saltárnoslas. Un tema que irriga toda la película, desde el primer debate entre una mujer y un ladrón de bolsos acerca de la pena de muerte hasta la bella discusión entre Panahi y su sobrina sobre las reglas estéticas de una película aceptable por su profesora. En este caso, Panahi decide transformarse en conductor de taxi para esquivar la censura y poder, a la vez, ponerse en contacto con la gente y grabarlos. Para ello, decide instalar una cámara en la parte delantera de su taxi y grabar a los pasajeros que se suban en él. En un claro homenaje a 10 de Abbas Kiarostami, para el que Panahi trabajó como asistente, Taxi propone, sin embargo, una honda reflexión sobre lo original y el artificio, simbolizado por el personaje que trafica con películas descargadas ilegalmente. El resultado es una interesante película que encumbra el principio de incertidumbre torpedeando internamente cualquier discurso, incluido el suyo propio, que pretenda erigirse como absoluto o verdadero.

Jafar Panahi Mianeh, Irán, 1960

Fragmentos de un texto de Aurélien Le Genissel Dirigido por… nÚM. 459, octubre 2015 Barcelona

9

La asesina Nie yinniang | Taiwán-China-Hong Kong-Francia | 2015 | 120 min. | B 20 de mayo / 17:00, 19:15 y 2130 hrs.

China, siglo IX. A la edad de diez años, Nie Yinniang, hija de un general, es secuestrada por una monja para ser entrenada en artes marciales. Después de varios años se convierte en una extraordinaria asesina encargada de eliminar a los gobernadores corruptos de la región. Después de fallar una importante misión, su maestra le encomienda regresar a su lugar de origen para asesinar a un prominente blanco que la obligará a decidir entre el amor y la ancestral disciplina que ha regido su vida. Extraída de una novela de la lejana época de la dinastía Tang, La asesina adapta con total libertad los típicos relatos de la tradición genérica del wuxia.

Premios y festivales 2015 Premio al Mejor Director y Premio Soundtrack. Festival de Cannes. Francia 2016 Nominada al Premio a la Mejor Película en Lengua no Inglesa. Pre-

D: Hou Hsiao-hsien. G: Hou Hsiao-hsien y T’ien wen Chu. E: Huang Chih-Chia y Ching-Song Liao.

F en C: Ching-Song Liao.

M: Giong Lim. Con: Shu Qi (Nie Yinniang), Chang Chen (Tian Ji’an), Satoshi Tsumabuki

mios de la Academia Británica

(el pulidor de los espejos).

de Cine y Televisión (BAFTA).

CP: Central Motion Pictures,

Reino Unido.

China Dream Film Culture Industry, Media Asian Films, Spot Films. Prod: Chen Yi-Qi, Gou Tai-Chiang, Hou Hsiaohsien, Peter Lam. Dist: ND Mantarraya.

10 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

No hay aquí exhibicionistas combates coreografiados, no hay guerreros que vuelen por las copas de los árboles, ni tampoco borbotones de sangre al ralentí. A Hou Hsiaohsien, cineasta interesado en filmar lo real, en capturar con su cámara las sutiles interacciones de las personas con su entorno, no le interesa esa faceta acrobática del género (las escenas de combate se construyen con escasísimos y fugaces planos, se montan con la sequedad cortante de una navaja y apenas interrumpen el flujo de la narración), pero del género sí toma prestado, en cambio, algunos arquetipos (la joven asesina, la monja que la adiestra en las artes marciales, la misteriosa guerrera enmascarada, el hechicero…) y también la tipología de ciertas tramas (el encargo criminal que debe ejecutar la protagonista, la intriga palaciega..), de tal manera que desde luego no estamos ante un wuxia canónico, pero tampoco ante un vaciado completo de sus convenciones.

El cineasta busca simplemente su propio y silencioso camino en medio de una serie de códigos y restricciones explícitamente asumidos como tales. De igual manera que la “asesina Yinniang” se busca a sí misma convirtiéndose en una sombra apenas visible, que se desliza silenciosamente entre sedosos cortinajes mientras espía conversaciones ajenas, encaramándose a lo alto de las arquitecturas o caminando inadvertida entre los árboles del bosque, Hou Hsiaohsien lleva a cabo una búsqueda paralela al devenir casi invisible para los actores durante el rodaje, emplazando su cámara en exteriores para filmar a distancia las conversaciones que transcurren en interiores y conquistando, finalmente, su propia libertad creativa para reformular el género.

De nada valdrá pues ceder a la tentación –más bien etnocéntrica– de despreciar la ciertamente elíptica y lacunar estructura narrativa del filme (lo que implica renunciar a entender el elusivo relato tan minuciosamente construido por el cineasta) para defender la propuesta únicamente por sus apabullantes virtudes plásticas, nada puede ser más erróneo que esa premisa ante un filme que nos plantea apasionantes interrogantes formales.

Hou Hsiao-hsien Meixian, China, 1947

Fragmentos de un texto de Carlos F. Heredero Caimán Cuadernos de Cine núm. 43, noviembre 2015 MADRID

11

Mandarinas Mandariinid | Estonia-Georgia | 2013 | 87 min. | B 21 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Mandarinas, que formaría un jugoso programa doble con Letters to Max (Eric Baudelaire, 2014), se devora en ochenta minutos. La amplitud polisémica de esta metáfora hecha película, en la que cada elemento se desliga de su etimología sin abandonarla para abrazar nuevas identidades, exige superar una sencillez argumental aparente para desentrañar su extraordinaria complejidad. A partir de un planteamiento metonímico, Zaza Urushadze concentra la guerra por la independencia de Abjasia, librada contra Georgia en 1992 y 1993,

Premios

D y G: Zaza Urushadze.

2015 Nominación a

F en C: Rein Kotov. M: Niaz

la Mejor Película en

Diasamidze. E: Alexander

Lengua no Inglesa. Premios Óscar de la Academia de

Kuranov. Con: Lembit Ulfsak (Ivo), Elmo Nüganen (Mar-

Artes y Ciencias Cinemato-

gus), Giorgi Nakashidze

gráficas. Estados Unidos.

(Ahmed), Misha Meskhi (Nika),

2014 Premio Especial

Raivo Trass (Juhan).

Espíritu de Libertad.

CP: Allfilm, Georgian Film.

Festival de Cine de Jerusa-

Prod: Ivo Felt, Tatjana Mül-

lén, Israel. | Premio de

beier, Artur Veeber,

la Competencia Internacio-

Zaza Urushadze.

nal. Festival Internacional

Dist: MIRADA DISTRIBUCIÓN,

de Cine de Bari. Italia.

Condor MediA

2013 Premio del Público y Premio al Mejor Director.

Festival Internacional de Cine de Varsovia. Polonia.

12 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

y la problemática derivada de la atomización de la URSS, en una pequeña casa rural situada a escasa distancia del frente bélico. Allí, Ivo, y su vecino Margus, descendientes de estonios emigrados a mediados del siglo XIX, se esfuerzan por seguir con sus vidas, el primero fabricando cajas para las mandarinas que el segundo recolecta. Un incidente entre un comando caucásico y una milicia georgiana termina con un reguero de muertes y dos heridos graves, un mercenario checheno musulmán y un soldado georgiano cristiano, a los que auxiliarán.

Sobre esa premisa, esgrimiendo una limpieza narrativa pulida de aspavientos retóricos, Urushadze teje un lienzo simbólico en el que la fotografía de la nieta de Ivo adquiere connotaciones geopolíticas, una cinta de casete se convierte en testigo de la memoria compartida y una cosecha de cítricos refleja la pérdida de una generación.

Con una cuidadísima selección de encuadres capaz de transformar paisajes idílicos o cortinas de ganchillo en instantáneas penitenciarias, Mandarinas condena el sinsentido militarista sin dejar de constatar una dificultad conyugal que demanda respeto mutuo y conservación de la humanidad en situaciones extremas para aspirar a la reconciliación. La rima visual de alcance metafísico que une el principio y el final demuestra que, aunque «el cine es una gran mentira» (Ivo dixit) también puede ser un instrumento para la verdad.

Zaza Urushadze Tiflis, Georgia, 1965

Fragmentos de un texto de Enric Albero Caimán Cuadernos de Cine, núm. 38, mayo de 2015 Madrid

13

Buey neón Boi Neon | Brasil-Uruguay-Países Bajos | 2015 | 101 min. | C 22 de mayo, 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Por las mañanas, Iremar prepara a los bueyes para las vaquejadas (especie de rodeo tradicional brasileño) y rastrea los alrededores de su casa en busca de maniquíes o telas para sus diseños en las tardes. Galega conduce el camión que los transporta durante el día y se viste con los diseños de Iremar por las noches para bailar sensualmente para los hombres de la región. Cacá, hija de Galega, aprende a trabajar con los bueyes en las vaquejadas pero sueña con tener un caballo. En su segunda película de ficción, y la primera con un elenco de actores profesionales, Gabriel Mascaro se sirve de su experiencia en el campo del documental para combinar lo observacional con lo dramático en un retrato de la cambiante región del nordeste de Brasil.

Premios y festivales 2015 Premio Especial del Jurado de la sección Orizzonti. Muestra Internacional

D y G: Gabriel Mascaro.

F en C: Diego García.

M: Carlos Montenegro, Otávio Santos. E: Fernando

de Arte Cinematográfico de

Epstein. Con: Juliano Cazarré

Venecia. Italia. | Mención es-

(Iremar), Maeve Jinkings

pecial de sección Platform.

(Galega), Aline Santana

Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro. Brasil. | Premio

(Cacá), Carlos Pessoa (Zé), Vinicius de Oliveira (Júnior), Josinaldo Alves (Mário), Samya de Lavor (Geise). CP: Desvia Filmes, Malbicho Cine,

FIPRESCI. Festival de Cine

Viking Film. Prod: Marleen

de Hamburgo. Alemania. |

Slot, Rachel Ellis.

Selección Oficial. Festival

PC: Cineteca Nacional.

Internacional de Cine de Gijón. España.

14 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

No cabe duda de que un país tan vasto como Brasil necesitaba de la atenta mirada de Mascaro para explorar sus infinitas posibilidades fílmicas. Y es así por dos motivos.

En primer lugar, como venimos apuntando, por su capacidad de extraer el máximo del paisaje recurriendo a los elementos fílmicos que mejor se ajustan a su orografía.

Vuelca su maestría al servicio de la historia y del entorno donde sucede. En segundo lugar, porque Mascaro es un narrador tremendamente avispado. Desprendiéndose de artificios narrativos o del pasado de sus personajes, consigue crear una trama centrada en el presente, en lo que ocurre aquí y ahora. Las películas de Mascaro son cintas de descubrimiento activo. El personaje y su historia se definen escena a escena, desde la primera a la última. Mascaro se interesa menos por la evolución arquetípica de tramas y mucho más por el retrato cinematográfico de un momento, de unas gentes, de un lugar. Y aunque pueda parecer lo contrario, esto nos regala personajes interesantísimos, llenos de matices y con un mundo interior por descubrir.

A todo ello, el director aporta la sensualidad de su planteamiento. Su pausa contribuye a la contemplación de las personas que pueblan sus cintas y la plasticidad de sus planos crea imágenes de poderosa belleza. Volviendo a comparar Buey neón con su anterior obra, ya en Ventos de agosto nos demostraba su capacidad de crear lienzos y composiciones arrebatadoras, especialmente en las escenas de sexo.

Tras ofrecernos aquella maravillosa escena entre los dos jóvenes protagonistas de su anterior historia haciendo el amor sobre un camión lleno de cocos, Mascaro nos vuelve a regalar otra de las mejores escenas de sexo del cine actual. Esta vez utiliza un escenario mucho más austero, pero el valor reside en el uso de la luz, que nos recuerda a las composiciones de Caravaggio, potenciando en plano fijo los reflejos y las sombras en los cuerpos desnudos. En conjunto, una verdadera delicia para todos los sentidos que coloca a Mascaro como una de las voces más interesantes del panorama fílmico actual. Sólo queda esperar a que este díptico se convierta en trilogía y el director de Recife nos deleite con un nuevo acercamiento a otro lugar de su país.

Gabriel Mascaro Recife, Brasil, 1983

Fragmentos de un texto de Víctor Blanes Picó El antepenúltimo mohicano (elantepenultimomohicano.com) CÁCERES, 10 de septiembre de 2015

15

Desde allá Venezuela-México | 2015 | 93 min. | B15 23 de mayo, 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Armando, un técnico dental de 50 años, ofrece dinero a jóvenes para llevarlos a su casa y observarlos desde una estricta distancia. Al mismo tiempo, seguimos su trato con un hombre mayor, con quien parece haber tenido una relación traumática en el pasado. El encuentro violento con un ladrón callejero, el adolescente Elder, despierta en Armando una fuerte atracción. Seducido en un principio por el dinero, Elder sigue frecuentando a Armando hasta que una inesperada intimidad nace entre ellos. Rodada en las calles de Caracas, Venezuela, Desde allá, la opera prima de Lorenzo Vigas es el primer filme de América Latina en ganar el León de Oro en la Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia.

Premios y festivales 2015 León de Oro. Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia.

Italia. | Premios al Mejor

D: Lorenzo Vigas. G: Lorenzo Vigas basado en una idea original de él mismo y Guillermo Arriaga. F en C: Sergio Armstrong y Carlos

Actor (Alfredo Castro) y Me-

Luis Rodríguez. E: Isabela

jor Guión. Festival Interna-

Monteiro de Castro. Con:

cional de Cine de Tesalónica.

Grecia. | Selección Oficial.

Alfredo Castro (Armando), Luis Silva (Elder), Jericó

Sección Horizontes del

Montilla (Amelia), Catherina

Festival Internacional

Cardozo (María), Jorge Luis

de Cine de San Sebastián.

Bosque (Fernando), Greymer

España.

Acosta (Palma), Auffer Camacho (Mermelada). CP: Factor RH Producciones, Lucia Films, Malandro Films. Prod: Guillermo Arriaga, Rodolfo Cova, Michel Franco y Loren-

16

zo Vigas. Dist: Caníbal.

60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Una Caracas convulsionada es el escenario escogido por Lorenzo Vigas para presentarnos una historia poco convencional y rica en matices. Desde allá, título del debut cinematográfico de este director venezolano, se trata de una obra desgarradora, dotada de una inusitada fuerza y un prisma novedoso, que lejos de centrarse exclusivamente en la complejidad de una relación plagada de incongruencias, baches emocionales y presión social, nos revela la continuidad actual de una amplia serie de estigmas sociales alusivos a la homosexualidad masculina en Latinoamérica, el poso de los traumas más arraigados en la personalidad o la imprevisibilidad asociada a muchas de las reacciones humanas. Su valentía, su crudeza y su excelente puesta en escena han llevado a esta obra a hacerse con el León de Oro en la última Muestra de Venecia, así como recibir una cálida acogida en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Compartiendo valor, escenario y una aguda radiografía social, recuerda en su verismo descarnado a la fantástica Pelo malo (2013) de Mariana Rondón, que se llenó el bolsillo de merecidos premios hace dos años.

Dos son los protagonistas: el serio e imperturbable Armando –interpretado por Alfredo Castro, al que también hemos visto este año en la fantástica película chilena El club–, un cincuentón poseedor de un laboratorio de prótesis dentales, y Elder –gran actuación de Luis Silva–, un muchacho callejero que forma parte de una pequeña banda de delincuentes juveniles. El punto de vista del director es totalmente neutral, casi gélido a la hora de ahondar en el conflicto dramático y por ello, hace que tengamos que trabajar y buscar tras la elipsis de información el germen de los problemas y de la soledad de ambos, así como de diversos giros argumentales que se suceden, dosificados con agudeza.

Desde allá es una película desgarradora, dura y que nos muestra la parte más árida de la vida, los duelos internos que los personajes esconden bajo la piel, tras una capa de exagerada virilidad en un caso, o de semblante imperturbable y rechazo del contacto físico en el otro.

Lorenzo Vigas Mérida, Venezuela, 1967

Fragmentos de un texto de Andrea Núñez-Torrón Stock El Antepenúltimo Mohicano (elantepenultimomohicano.com) CÁCERES, 9 de diciembre de 2015

17

El nuevo nuevo testamento Le tout nouveau testament | Bélgica-Francia-Luxemburgo | 2015 | 113 min. | b15 24 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs

Dios es una especie de cretino que vive en Bruselas y dedica sus días a matar el aburrimiento conjurando desastres naturales a través de su computadora personal; por si fuera poco es cobarde y su conducta con su familia es deplorable. Para rebelarse contra él, su hija Ea entra en sus archivos y anuncia a los habitantes del mundo el día en que morirán, lo que provocará un caos que Él deberá remediar de alguna manera. En esta innovadora comedia fantástica, Jaco Van Dormael, director de películas como El octavo día y Mr. Nobody, ofrece un giro sardónico a la historia cristiana de la creación, en la que de paso trata temas como el machismo, el miedo o la soledad.

Premios y festivales

D: Jaco Van Dormael. G: Jaco

2016 Nominación al GLOBO DE

Van Dormael, Thomas Gunzig.

ORO a la Mejor Película en

F en C: Christophe Beaucarne.

Lengua Extranjera. ASOCIA-

M: An Pierle. E: Hervé De Luze.

CIÓN DE PRENSA EXTRANJERA DE

Con: Pili Groyne (Ea), Benoît

HOLLYWOOD. Estados Unidos.

Poelvoorde (Dios), Catherine

2015 Mejor Película Cómica.

Deneuve (Martine), François

Austin Fantastic Fest. Estados

Damiens (François), Yolande

Unidos. Ganadora al Premio

Moreau (La esposa de Dios),

a Mejor Actriz (Pili Groyne).

Laura Verlinden (Aurélie),

Festival Internacional de

Serge Larivière (Marc). CP:

Cine Fantástico de Cataluña.

Terra Incognita Films, Climax

Sitges. España.

Films, Aprés Déluge. Prod:

2016 Selección Oficial en

Jaco Van Dormael, Olivier

el Festival Internacional

Rausin, Daniel Marquet. Dist:

de Cine de Palm Springs.

ND Mantarraya.

Estados Unidos.

18 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Imagínense a Dios como un bastardo lleno de ira que vive en Bruselas y se emociona viendo sufrir a sus criaturas; y a Ea, su hija de 10 años como la segunda salvadora de la humanidad, ya que su hermano JC se retiró para convertirse en una pequeña estatuilla. Jaco Van Dormael viene a confirmar su título como el loco rey filósofo de los directores belgas. Recientemente se le vio explorando la naturaleza del tiempo en el filme de ciencia ficción Mr. Nobody (2009), y aparentemente se sintió preparado para enfrentar un tema más serio como lo es la manera en la cual Dios mal administra el mundo. El nuevo nuevo testamento no decepciona, sino todo lo contrario, es una comedia irresistible para reír a carcajadas y sentirse bien, sin los empalagosos matices de El octavo día (The Eighth Day, 1996), que presenta a un joven con síndrome de Down.

En estos tiempos de sensibilidad religiosa existe un riesgo considerable de que la premisa ofenda a cierto sector de la audiencia. En realidad, la fantasía de un Dios violento correteando alrededor de un apartamento y maltratando a su mujer e hija es tan estratosfericamente descabellada que posee el veneno característico de alguna rutina de Monty Python. Dicho esto, cuando el filme hace la milenaria pregunta sobre por qué existe el mal en el mundo, deposita la culpa completa y totalmente en el “mero mero”. Se nos presenta una imagen de Él mismo rociando una maqueta de Bruselas (su primera creación) con una manguera, prendiéndole fuego a edificios y haciendo que los trenes choquen contra las construcciones; todo esto provocando en el creador una todopoderosa satisfacción.

Dios también se emociona cuando se sienta a escribir sus miles de leyes de la molestia (una especie de Ley de Murphy). Cada ley es rápidamente ilustrada en pantalla y cada una resulta una gran puntada. Todo se tornará en su contra, cuando tenga que perseguir a su hija Ea (Pili Groyne) a través de las calles de Bruselas en su afán de detener su campaña a favor de la humanidad.

Jaco Van Dormael Bruselas, Bélgica, 1957

Fragmentos de un texto de Deborah Young The Hollywood Reporter (Thehollywoodreporter.com) 18 de Mayo de 2015 Trad. Octavio Muñoz

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Amor mío Mon roi | Francia | 2015 | 124 min. | B15 25 de mayo / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs.

Tras un grave accidente de esquí, Tony entra en un centro de rehabilitación. Allí, dependiente del personal médico y de los medicamentos contra el dolor, se toma tiempo para recordar la tumultuosa historia de amor que vivió con Georgio. ¿Quién es ese hombre al que adora? ¿Cómo pudo ceder a esa pasión sofocante y destructiva? En su cuarto largometraje como realizadora, la otrora top model Maïwenn continúa su línea de relatos sentimentales con escenarios de una crudeza peculiar, esta vez a partir de una tormentosa historia de amor e intrigas al mejor estilo del cine de su compatriota François Ozon.

Premios y festivales

D: Maïwenn. G: Étienne Comar

2015 Premio a la

y Maïwenn. F en C: Claire

Mejor Actriz. Festival Inter-

Mathon. M: Stephen War-

nacional de Cine de Cannes.

beck. E: Simon Jacquet. Con:

Francia. | Selección Oficial.

Vincent Cassel (Georgio

Festival Internacional de Cine de Hamburgo. Alemania.

Milevski), Emmanuelle Bercot (Tony), Louis Garrel (Solal), Isild Le Besco (Babeth), Chrystèle Saint Louis Augustin (Agnès), Patrick Raynal (Denis Jézéquel), Yann Goven (Jean).

CP: Les Productions du Trésor, StudioCanal, France 2 Cinéma. Prod: Alain Attal.

Dist: Caníbal.

20 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Con su intenso furor realista impregnado de momentos torrenciales y su tendencia a la exploración de las heridas más violentas de la vida cotidiana, el cine de Maïwenn no deja indiferente a nadie. Con Amor mío, la francesa ha dado un paso más al densificar su enfoque (siempre tan eléctrico) mediante una disección candente de los vínculos más íntimos de dos personajes durante diez años de vida “en común”. Un viaje sin concesiones y cargado de bandazos por los rincones más oscuros del deseo, centrado en los amores tóxicos de un manipulador perverso extremadamente seductor y de una mujer en busca de un ideal pero que relaciona inconscientemente los sentimientos con el sufrimiento. Pero aquí el bondage y los golpes no son necesarios para expresar el dolor más intenso, puesto que el dominio se ejerce mediante un juego envenenado exaltado por la cámara, muy libre y sin embargo controlada, de la cineasta.

Tony acaba de llegar en silla de ruedas con los ligamentos de la rodilla rotos a un centro de rehabilitación. Pero su cuerpo está aún más herido que su alma. Y sin embargo todo parecía tan idílico diez años atrás, cuando conoció a Georgio, un hombre guapo, activo, refinado, buen conversador, acomodado, con un humor muy fino y amante de los golpes de efecto extraordinarios. A pesar de ser consciente del lado embaucador del personaje, Tony se deja fascinar fácilmente, sobre todo por su profunda inseguridad en sí misma y su incapacidad para defenderse a pesar de las apariencias (es abogada). Pero las sorpresas darán un giro desagradable durante su embarazo, cuando cae en una depresión antes del parto y esto refuerza la influencia psicológica que Georgio ejerce sobre ella.

Maïwenn dibuja este desgraciado destino de mujer sin renunciar a sus valores y a su búsqueda absolutista de la sinceridad, que se manifiesta mediante largas secuencias donde lo mejor roza a veces el exceso. Con un guión muy riguroso de la realizadora y de Etienne Comar que comprime y dilata el tiempo con habilidad, Amor mío ofrece por fin a Vincent Cassel un papel sutil a la altura de su talento, mientras que Emmanuelle Bercot sacrifica todo su cuerpo y su alma para encarnar a un personaje muy complejo.

Maïwenn Le Besco Les Lilas, Francia, 1976

Fragmentos de un texto de Fabien Lemercier Cineuropa (cineuropa.org) Cannes, 17 de mayo de 2015

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despegando a la vida Þrestir | Islandia-Dinamarca-Croacia | 2015 | 99 min. | C 26 de mayo, 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Relato iniciático sobre un chico de 16 años quien tras haber vivido con su madre en Reikiavik, Islandia, es enviado de vuelta a la remota región de los Fiordos Occidentales para vivir con su padre. Allí tendrá que encontrar su camino mientras se rencuentra con sus antiguos amigos de la infancia y lidia con la difícil relación padre-hijo. Con una puesta en escena apoyada en silencios y miradas, esta película nos transporta a ese momento de aislamiento personal y desconcierto en el que nuevas emociones empiezan a tiranizar la existencia de cualquier adolescente.

Premios y festivales

D y G: Rúnar Rúnarsson. F en

2015 Concha de Oro. Festival

C: Sophia Olsson. M: Kjartan

Internacional de Cine Donostia – San Sebastián.

España. | Hugo de Plata (Sección Nuevos Directores).

Sveinsson. E: Jacob Secher Schulsinger. Con: Atli Óskar Fjalarsson (Ari), Ingvar Eggert Sigurðsson (Gunnar),

Festival Internacional de

Kristbjörg Kjeld (abuela),

Cine de Chicago. Estados

Rade Serbedzija (Tomislav),

Unidos. | Premio del Jurado

Rakel Björk Björnsdóttir

a la Mejor Película y Premio

(Lára), Valgeir Skagfjörð

al Mejor Guión. Muestra

(Bassi), Elín Árnadóttir (Ma-

Internacional de Cine de São

ría), Pálmi Gestsson (Diddi).

Paulo. Brasil | Premio a la Expresión Artística. Festival Internacional de Cine de Tesalónica. Grecia.

CP: Nimbus Film Productions, Nimbus Iceland. Prod: Mikkel Jersin y Rúnar Rúnarsson.

Dist: Alfhaville Cinema.

22 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Las aves cantoras que aluden al título [Gorriones, en el original] no aparecen en el segundo largometraje del director islandés, Rúnar Rúnarsson; e incluso si están revoloteando fuera del encuadre, no parecen sentirse muy animadas.

Una sensibilidad silenciosa está a la orden del día en esta mesurada y conmovedora mini bildungsroman, en la que vemos a Rúnarsson transferir la exactitud observacional y el majestuoso sentido del espacio que distinguió su contundente debut del 2011, Volcano.

El abovedado y blanco techo de una iglesia es la primera cosa que vemos en Despegando a la vida, antes de que la cámara se mueva hacia abajo para revelar un coro de jóvenes con túnicas blancas, rostros de ángel y voces cristalinas, en plena canción. Como una representación simbólica del título de la película, la imagen parece bastante obvia, aunque pronto descubrimos que la historia de Rúnarsson cuenta con una amplia gama de personajes esperando tomar vuelo. Del mismo modo que Volcano contaba la historia de un hombre en busca de autorrealizarse después de su jubilación, aquí el arco de crecimiento personal no se limita a nuestro protagonista adolescente.

Rúnarsson construye este escenario de abatimiento familiar con simpatía por los códigos sociales en formación de los adolescentes de hormonas agitadas, así como con un ojo agudo para los rituales domésticos, a menudo usando la abrumadora geografía de su entorno para poner énfasis en la pequeñez interior de la vida cotidiana. Una conmovedora y reverberante banda sonora del multiinstrumentista e integrante de Sigur Rós, Kjartan Sveinsson, es un atractivo más en este sentido.

Cuando la película se aleja inquietantemente de la normalidad, en vez de explorar las distorsiones perjudiciales y las perversiones del deseo tendidas debajo de la apacible superficie de una pequeña comunidad, se vuelve más penetrante emocionalmente. El previsible conflicto padre-hijo, por otra parte, se ve agravado por las frustraciones compartidas, a medida que la independencia de cada uno de los personajes es frenada por circunstancias personales y económicas, particularmente humillantes en una región aún determinada por ideales toscos de masculinidad.

Rúnar Rúnarsson Reikiavik, Islandia, 1977

Fragmentos de un texto de Guy Lodge Variety (variety.com) Los Ángeles, 24 de septiembre de 2015

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Cosmos Francia-Portugal | 2015 | 103 min. | B15 27 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs.

Después de que Witold reprueba sus exámenes de derecho y Fuchs renuncia a su trabajo, ambos deciden pasar unas vacaciones en una casa para huéspedes. Ahí conocen a los integrantes de una exótica familia, hasta que una serie de hechos extraños comienzan a tener lugar. Andrzej uławski regresa a la dirección después de 15 años de ausencia con esta adaptación de la novela homónima de Witold Gombrowicz. Cosmos traslada los complejos y fascinantes juegos de palabras del escritor polaco a una especie de farsa existencial de tintes delirantes.

Premios y festivales 2015 Premio a Mejor Director.

Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza

D y G: Andrzej Zuławski, basado en la novela homónima de Witold Gombrowicz.

F en C: André Szankowski.

M: Andrzej Korzynski. E: Julia Gregory. Con: Sabine Azéma (madame Woytis), Jean-François Balmer (Leon), Jonathan Genet (Witold), Johan Libéreau (Fuchs), Victoria Guerra (Lena), Clémentine Pons (Catherette), Andy Gillet (Lucien), Ricardo Pereira (Tólo), António Simão (cura).

CP: Leopardo Filmes, Alfama Films. Prod: Paulo Branco.

Dist: interior xiii.

24 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

«¿Por qué razón si hemos salido del caos no podemos nunca entrar en contacto con él? Apenas fijamos en algo nuestros ojos y ya, bajo nuestra mirada, surge el orden… las formas…». Así escribió Witold Gombrowicz hace medio siglo en su novela Cosmos, y Andrzej uławski ha tomado sus palabras como un reto personal. Nunca un extraño para empujar los límites del control, el director polaco de Posesión (Possession, 1981) y otras excentricidades ha adaptado la novela de Gombrowicz para su primera película en 15 años. La historia –un estudiante de leyes fracasado, Witold, y su amigo van de vacaciones y entran en el torbellino de una familia– no se desarrolla tanto como se hace pedazos y se vuelve a construir, refractada por la demente y obsesiva perspectiva del estudiante.

Una farsa existencial es una manera de describir la película, aunque eso es en parte la respuesta enérgica de uławski a la marca narrativa y las travesuras verbales del libro. El realizador coloca a todo su reparto principalmente en la casa y sus alrededores, y aparentemente les dijo a todos que actuaran enérgicamente usando todo su potencial. Intentando unir los puntos entre eventos misteriosos, Witold (Jonathan Genet) es un torbellino de confusión semiótica y sexual; jugando con él, Victoria Guerra como Lena es aún mejor y más precisa en estos cambios resbaladizos. Presidiendo como una gran dama de los extremos está Sabine Azéma, la matriarca. El padre (Jean-François Balmer) arroja sinsentidos, y luego está la ingenua segunda hija (Clémentine Pons).

El vértigo y el juego de palabras del texto no siempre se traducen precisamente en la película, pero ese no parece ser el punto: en homenaje a uno de sus escritores favoritos, uławski abraza plenamente la malicia de Gombrowicz, con resultados que se balancean a través de la pantalla.

Andrzej zuławski Leópolis, Polonia (actual Ucrania), 1940

Fragmentos de un texto de Nicolas Rapold filmcomment, vol. 52, núm. 1 enero / febrero de 2016 nueva york Trad. Israel Ruiz Arreola

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Hitchcock/Truffaut Estados Unidos-Francia | 2015 | 79 min. | A 28 de mayo / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs

Tras ocho días de entrevistas en Hollywood, y casi cuatro años de trabajo, en 1966 se publicó El cine según Hitchcock, un texto elaborado a raíz de las conversaciones entre el denominado «maestro del suspenso» y el joven autor y cineasta François Truffaut. Este libro de entrevistas, doblemente importante para la historia del cine no sólo por plantear una reconsideración de la figura de Hitchcock como director, sino también por ser un texto fundamental para el desarrollo de las teorías de auteur, es ya todo un hito. Sirviéndose de los testimonios de realizadores contemporáneos como Wes Anderson, Martin Scorsese o Peter Bogdanovich, Kent Jones se propone reevaluar la vigencia de uno de los directores más influyentes de la historia.

Premios y festivales 2015 Premio al Mejor

D: Kent Jones. G: Serge Toubiana. F en C: Nick

Documental. Festival Inter-

Bentgen, Daniel Cowen, Eric

nacional de Cine de Denver.

Gautier, Mihai M laimare Jr.,

Estados Unidos. | Selección

Lisa Rinzler, Genta Tamaki.

Oficial. Festival de Cannes.

M: Jeremiah Bornfield. E:

Francia. | Selección Oficial

Rachel Reichman. testimonios:

de la sección Perlas. Festival

Mathieu Amalric, Martin

Internacional de Cine de San

Scorsese, Wes Anderson,

Sebastián. España.

Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, David Fincher.

CP: Arte France, Artline Films, Cohen Media Group.

Prod: Charles S. Cohen, Olivier Mille. dist: Zima entertainment.

26 60 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

La cinta de Kent Jones, Hitchcock/Truffaut reconstruye la campaña de Truffaut por «liberar a Hitchcock de su reputación como cineasta de entretenimiento» y hacer que se le reconociera como artista; pero han pasado 50 años desde entonces y, además de contar la historia, Jones tiene que replantear el caso en el presente. Para Jones, De entre los muertos (Vértigo, 1958) y Psicosis (Psycho, 1960), dos de las películas estrenadas más recientemente en el momento en que fueron realizadas las entrevistas, ayudan a definir un punto de inflexión en la historia del cine estadounidense, separando la edad del sistema de estudios –que había empezado a consolidarse en los días de [Cecil B.] DeMille y se estaba ya agrietando cuando se estrenó De entre los muertos– de esa era menos coherente que Psicosis –esencialmente una producción independiente– ayudaría a introducir.

Desde el inicio, Jones pone el énfasis en el trabajo –en la realización de cine, pero también en la producción de libros. Una de las primeras secuencias empieza con el audio de Hitchcock reflexionando sobre por qué algunas escenas perduran a lo largo de las décadas, reproducido sobre la escena en cuestión, el climático asesinato de Sabotaje (Sabotage, 1936), para luego pasar a mostrar la misma escena dividida en planos en el libro, con la voz en off de David Fincher hablando sobre su valor educativo. El libro, producto de cuatro años de trabajo por parte de Truffaut y su intérprete y coeditora Helen Scott, es justamente tratado como un objeto estético, un punto de referencia para la ilustración libro-película que, tristemente, rara vez es alcanzada hoy.

La elección de clips que hace Jones es excelente, dándole al periodo mudo el reconocimiento que merece. A menudo privados de su contexto narrativo, estos clips demuestran el poder de las imágenes para comunicar sin él. La película está brillantemente editada por Rachel Reichman, que presta una atención al detalle digna del director sobre el que trabaja, apoyando implícitamente la tesis de Jones.

Ken Jones Misuri, Estados Unidos, 1964

Fragmentos de un texto de Henry K. Miller Sight & Sound. Vol 26, núm 3, marzo de 2016, Londres, Trad. Jorge Domingo

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DIRECTORIO DR. LUIS FELIPE GUERRERO AGRIPINO RECTOR GENERAL DR. HÉCTOR EFRAÍN RODRÍGUEZ DE LA ROSA SECRETARIO GENERAL DR. JOSÉ LUIS LUCIO MARTÍNEZ SECRETARIO ACADÉMICO MTRO. JORGE ALBERTO ROMERO HIDALGO SECRETARIO DE GESTIÓN Y DESARROLLO DRA. SARA JULSRUD LÓPEZ DIRECTORA DE EXTENSIÓN CULTURAL