Programa de mano, 56 Muestra Internacional de Cine, 2014

56 Muestra Internacional de Cine

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Cine Club - Universidad de Guanajuato

ÍNDICE

la diosa arrodillada

04

polissía

06

tom en el granero

08

memorias que me contaron

10

historias de caballos y de hombres

12

el gigante egoísta

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se levanta el viento

16

el último elvis

18

vamos a jugar al infierno ninfomanía vol. 1

20 22

qué extraño llamarse federico

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un toque de pecado

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La danza de la realidad

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La diosa arrodillada México, 1947, 104 min.

Dirección: Roberto Gavaldón.

Guión: Roberto Gavaldón y José Revueltas, con la colaboración de Alfredo B. Crevenna y Edmundo Báez, sobre un relato de Ladislas Fodor. Foto en Blanco y Negro: Alex Phillips.

Música: Rodolfo Halffter.

Edición: Charles L. Kimball.

La destructiva pasión amorosa de un industrial por una altiva modelo es la médula de este filme, en el cual Roberto Gavaldón y José Revueltas reelaboran las convenciones del melodrama romántico para adentrarse en los territorios del film noir, orquestando además una encarnación del deseo erótico, insólita en el cine mexicano clásico. Eslabón relevante en el trágico universo fílmico de Gavaldón, la cinta se presenta en el marco de la conmemoración por el centenario del natalicio de María Félix.

Con: María Félix (Raquel Serrano), Arturo de Córdova (Antonio Ituarte), Rosario Granados (Elena), Fortunio Bonanova (Nacho Gutiérrez), Rafael Alcayde (Demetrio), Carlos Martínez Baena (Esteban), Eduardo Casado (licenciado Jiménez). Compañía Productora: Panamerican Films. Producción: Rodolfo Lowenthal. procedencia de la copia: fundación televisa

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Roberto Gavaldón

Filmografía selecta

Ciudad Jiménez, Chihuahua, 1909 – Ciudad de México, 1986

1944 La barraca 1946 La otra

Entró en contacto con el mundo del cine en Los Ángeles, California, ciudad en la cual residía como estudiante de mecánica dental. Después de una intensa labor en Hollywood como asistente de dirección, Gavaldón regresó a México para incorporarse a la naciente industria fílmica mexicana, colaborando con realizadores como Gabriel Soria, quien fuera su mentor. En 1944, con una trayectoria de 50 filmes que lo convirtieron en el mejor asistente de dirección del momento, Gavaldón debutó como realizador con La barraca.

Ganador de tres premios Ariel a la mejor dirección, en su trabajo confluyen un notorio interés por la literatura, un riguroso estilo formal y una obsesión por los destinos trágicos.

Director de muchos de los clásicos indiscutibles de nuestro cine, obtuvo la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico de la Cineteca Nacional en 1986.

1947 La diosa arrodillada 1950 En la palma de tu mano 1951 La noche avanza 1952 El rebozo de Soledad 1959 Macario 1961 Rosa Blanca 1962 Días de otoño 1964 El gallo de oro

Lunes 11 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Auditorio Euquerio Guerrero

56 Muestra Internacional de Cine

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Polissía Polisse, Francia, 2011, 127 min.

Dirección: Maïwenn.

Guión: Maïwenn y Emmanuelle Bercot. Fotografía en color: Pierre Aïm. Música: Stephen Warbeck. Edición: Laure Gardette, Yann Dedet. Con: Karin Viard (Nadine), Joeystarr (Fred), Marina Foïs (Iris), Nicolas Duvauchelle (Mathieu),

La vida diaria de los policías de la Brigada de Protección de Menores transcurre entre la detención preventiva de pedófilos, el arresto de carteristas menores y también la pausa para el almuerzo, donde se cuentan los problemas de pareja.

También están las audiencias de padres maltratadores, el testimonio de los hijos, y la solidaridad entre colegas. Fred, el hipersensible del grupo, tendrá dificultades para soportar la mirada de Mélissa, enviada por el Ministerio del Interior para realizar un libro de fotos sobre la brigada.

Maïwenn (Mélissa), Karole Rocher (Chrys). Compañía productora: Les Productions du Trésor, Arte France Cinéma, Mars Films, Chaocopr Shortcom. Producción: Alain Attal. Distribución: Circo 2.12.

Premios 2011 Premio del Jurado. Festival de Cine de Cannes, Francia.

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Vi un documental sobre la Unidad de Protección de Menores y me afectó profundamente. Lo que escribí estaba basado sólo en hechos que había presenciado o historias que los oficiales me habían contado. Cambié algunos detalles de algunos casos, pero no inventé ninguno. Conocí con precisión lo que hacían todos los días y no quise saltarme ninguna de sus obligaciones diarias: quise mencionar a los pedófilos, el incesto en una familia de clase alta, el entorno adolescente, etc. Por otra parte, me parecía importante mostrar que cuando los policías trabajan en un caso, lo siguen mientras el acusado esté bajo custodia, pero que no necesariamente son informados del veredicto del juicio. Así que decidí que el espectador no supiera que había pasado con los acusados, porque los oficiales tampoco saben lo que les ocurre.

Maïwenn

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Maïwenn

Filmografía

Sena-Saint Denis, Francia, 1976

2006 Pardonnez-moi 2008 Le Bal des actrices

Es hija de la actriz franco-argelina Catherine Belkhodja. Desde temprana edad tuvo una tormentosa relación de abusos y golpes por parte de sus padres, por lo que decidió omitir su apellido casi desde su debut como actriz, en 1981 en la cinta L’Année prochaine... si tout va bien, dirigida por Jean-Loup Hubert. Se establece como un rostro conocido entre las actrices jóvenes francesas, y en 1991, a los quince años, conoce a Luc Besson, con quien contrae matrimonio. Cinco años después su divorcio del cineasta la sume en una depresión que la aleja de las pantallas durante un tiempo. En 2006 emprende la realización del filme autobiográfico Pardonnez-moi, por la que obtuvo las nominaciones al premio César de la academia del cine francés a mejor actriz y mejor opera prima. Su segundo largometraje como directora, Le Bal des actrices, le brindó el prestigioso premio francés Henri-Langlois, en la categoría de revelación. Polissía se estrenó en el festival de Cannes del 2011.

2011 Polisse (Polissía)

Martes 12 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Auditorio Euquerio Guerrero

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Tom en el granero Tom à la ferme, Canadá-Francia, 2013, 102 min.

Dirección y Edición: Xavier Dolan.

Guión: Xavier Dolan, basado en la pieza teatral homónima de Michel Marc Bouchard.

Fotografía en color: André Turpin. Música: Gabriel Yared. Con: Xavier Dolan (Tom), Pierre-Yves Cardinal (Francis), Lise Roy (Agathe), Evelyne Brochu (Sara).

Sumido en una profunda angustia tras la pérdida de su novio en un accidente, Tom viaja de Montreal hasta la casa de campo de la familia del fallecido, donde se entera de que ni la madre ni el hermano de éste sabían de su homosexualidad. Mientras que la atormentada mujer recibe la visita con perplejidad, el hermano ve una amenaza y decide asegurarse de que ella jamás se entere de la “otra vida” de su hijo. Xavier Dolan adapta la obra teatral homónima de Michel Marc Bouchard, descrita como una pieza de queer noir.

Compañía productora: Sons of Manual, MK2 Productions.

Producción: Xavier Dolan, Charles Gillibert y Nathanaël Karmitz. Distribución: Caníbal.

Premios 2013 Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional.

Muestra Internacional del Arte Cinematográfico de Venecia. Italia.

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Con mis películas anteriores quise mostrar cómo la noción de pareja cambia durante los años de la adolescencia y en la vida adulta, y cómo se deteriora con el tiempo. En su conjunto, las tres películas lograron formar una trilogía sobre el amor no correspondido. Pero cuando adquirí los derechos de la obra de Michel Marc Bouchard, mi objetivo era claro: intentar algo nuevo. Otro género, otro estilo de escritura. Mantuve esto en mente cada segundo que filmamos, editamos, o mezclamos. Inevitablemente, resultó ser una gran oportunidad para comprender la importancia de la variedad en la trayectoria de un cineasta. Sentí la alegría de explorar los géneros, el cumplimiento de su gramática y los principios específicos. Pensar más, hacer menos, trabajar más duro.

Xavier Dolan

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Xavier Dolan

Filmografía selecta

Montreal, Quebec, Canadá, 1989

2009 J’ai tué ma mère 2010 Les amours imaginaires

Su carrera en el cine inició desde temprana edad participando como actor en películas, series de televisión y comerciales. En 2009 se robó la atención internacional con su primer largometraje, J’ai tué ma mère, que presentó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes. La historia tiene tientes autobiográficos y la escribió cuando tenía sólo diecisiete años. Sus dos siguientes filmes también fueron ovacionados por la crítica y premiados en diversos festivales.

Desde el año 2000 ha trabajado como actor de doblaje en la traducción de producciones internacionales al francés. En 2013 dirigió el video musical College Boy para la banda Indochine. Actualmente vive entre París y Montreal.

(Los amores imaginarios) 2012 Laurence Anyways 2013 Tom à la ferme (Tom en el granero) 2014 Mommy

Miércoles 13 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Auditorio Euquerio Guerrero

56 Muestra Internacional de Cine

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memorias que me Contaron a memória que me contam, Brasil-Chile-Argentina, 2012, 100 min.

Dirección: Lúcia Murat. Guión: Lúcia Murat y Tatiana Salem Levy. Fotografía en Color: Guillermo Nieto. Música: Diego Fontecilla. Edición: Mair Tavares.

Con: Irene Ravache (Irene), Simone Spoladore (Ana), Franco Nero (Paolo). Clarisse Abujamra (Zézé), Hamilton Vaz Pereira

Drama irónico sobre las utopías derrotadas de la historia reciente, Memorias que me contaron retoma el terrorismo, la liberación sexual, la identidad política y la construcción de los mitos en los tiempos de la dictadura que gobernó Brasil de 1964 a 1985. Ante la muerte inminente de Ana, ícono de la izquierda y ex guerrillera, en un hospital, sus antiguos compañeros de lucha se reúnen para acompañarla en los últimos momentos. Su reencuentro da pie a una serie de reflexiones y recuerdos sobre el pasado.

(Henrique), Mário José Paz (Doctor. Guillermo), Miguel Thiré (Eduardo). Compañía productora: Taiga Filmes, Ceneca Producciones, Cepa Audiovisual.

Producción: Adrián Solar, Felicitas Raffo Julia Solomonoff y Lúcia Murat. Procedencia de la Copia: Cineteca Nacional.

Premios: 2013 Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine

Soy un poco como el personaje de Irene Ravache en la película: una cineasta que lidia con la pérdida creando. Hace 30 años que hago películas y en ningún momento de mi vida he dicho que «voy a hacer un filme sobre la dictadura», sin embargo, es algo que ha surgido por necesidad. Tuve la idea de hacer Memorias que me contaron hace mucho tiempo con base en un grupo de amigos que habían luchado contra la dictadura y tenían en Vera Sílvia Magalhães, en quien se inspira el personaje de Ana, un punto de encuentro. Mi película parte de hechos y situaciones reales vividas o atestiguadas por nosotros, pero en el proceso de recrearlas hay una entera libertad.

Lúcia Murat

de Moscú. Rusia.

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Lúcia Murat

Filmografía selecta

Río de Janeiro, Brasil, 1949

1988 Que Bom Te Ver Viva 1997 Doces Poderes

Fue miembro de la guerrilla socialista en los tiempos más duros de la dictadura brasileña. Su experiencia en prisión, donde fue recluida y torturada en esos años, ha influenciado su trabajo cinematográfico. Debutó en 1988 con el semidocumental Que Bom Te Ver Viva, que tuvo su premier internacional en el Festival de Toronto. Con su película Quase Dois Irmaos, sobre los conflictos entre la clase media y los sectores populares, obtuvo varios premios internacionales, entre ellos el de mejor dirección en el Festival de Río, Brasil y el de mejor película en el Festival de Mar del Plata, Argentina. Memorias que me contaron ha sido parte de las selecciones oficiales de más de diez festivales de todo el mundo.

2004 Quase Dois Irmaos 2006 Olhar Estrangeiro, documental.

2012 memorias que me contaron

Jueves 14 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Auditorio Euquerio Guerrero

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Historias de caballos y hombres Hross í oss, Islandia-Alemania, 2013, 80 min.

Dirección y Guión: Benedikt Erlingsson. Fotografía en color: Bergsteinn Björgúlfsson. Música: Davíð Þór Jónsson. Edición: David Alexander Corno. Con: Ingvar Eggert Sigurðsson, Charlotte Bøving, Steinn Ármann, Helgi Björnsson. Compañía productora: Hrossabrestur.

Con hermosas vistas del paisaje islandés, el debut como director de Benedikt Erlingsson es una exploración sobre lo que hay de humano en los caballos y lo que hay de caballo en los humanos. Situado en una comunidad rural, donde los equinos son una parte crucial de la interacción social, el filme permite al espectador conocer el mundo de sus personajes humanos a través de los ojos expresivos de los animales, en un ensamble coral que mezcla comedia y tragedia en cada una de las historias que lo componen.

Producción: Friðrik Þór Friðriksson. Distribución: Alfhaville Cinema.

Premios 2013 Premio Kutxa-Nuev@s Director@s. Festival Internacional de Cine

Como el escritor y director de este proyecto, soy, en primer lugar, un propietario de caballos islandeses y he estado profundamente involucrado en la cultura ecuestre toda mi vida. Los caballos a menudo reflejan a sus dueños, y contando estas historias de hombres y caballos, sus luchas juntos y el lazo místico entre ellos, espero arrojar nueva luz sobre la actual batalla entre el hombre y la naturaleza.

Benedikt Erlingsson

de Donostia-San Sebastián.

España. | Premio del público a mejor película nórdica y premio FIPRESCI. Festival de Cine de Gotemburgo. Suecia. Mejor director. Festival Internacional de Cine de Tokio. Japón.

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Benedikt Erlingsson

Filmografía

Islandia, 1969

2007 Takk fyrir hjálpið,

Es una de las figuras más destacadas del teatro en Islandia. Ha recibido varios Grima (los premios islandeses de teatro) por su trabajo como director, autor y actor, y es muy conocido en su país por haber actuado en la serie televisiva Fóstbræður (1997-2001), que ganó numerosos Edda (los premios islandeses de cine y TV). También ha participado como actor en varias películas como El jefe de todo esto (Direktøren for det hele, 2006) de Lars von Trier. Historias de caballos y hombres es su primer largometraje, reconocido en diversos festivales internacionales.

2008 Naglinn, cortometraje

cortometraje 2013 Hross í oss (Historias de caballos y hombres)

Viernes 15 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Auditorio Euquerio Guerrero

56 Muestra Internacional de Cine

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El gigante egoísta The Selfish Giant, Reino Unido, 2013, 91 min.

Dirección: Clio Barnard.

Guión: Clio Barnard, basada en el cuento homónimo de Oscar Wilde. Fotografía en Color: Mike Eley. Música: Harry Escott.

Edición: Nick Fenton. Con: Conner Chapman (Arbor), Shaun Thomas (Swifty), Ralph Ineson (Johnny

Basada en el clásico de la literatura infantil El gigante egoísta, de Oscar Wilde, esta adaptación homónima cuenta la historia de la amistad entre un par de adolescentes desarraigados, habitantes de un entorno marginal. El día que Arbor y su mejor amigo Swifty, dos chicos de 14 años excluidos del colegio y aislados de su comunidad, conocen a Kitten, un chatarrero, empiezan a robar chatarra para él. Pero cuando Arbor comienza emular a Kitten las cosas toman un rumbo distinto.

Jones), Sean Gilder (Kitten), Ian Burfield (Mick Brazil).

Compañía productora: BFI Film Fund, Film4, Moonspun Films.

Producción: Katherine Butler, Lizzie Francke y Tracy O’Riordan.

Distribución: Caníbal.

Premios más destacados 2013 Label Europa Cinemas.

Festival de Cannes, Francia. | Caballo de bronce. Festival de

El gigante egoísta es un cuento de hadas victoriano sobre las heridas del amor, una fábula acerca de niños excluidos que contiene algo tremendamente verdadero en su interior. Cuando hice el documental The Arbor, pude ver a muchos niños marginados, no sólo de la escuela, sino de la sociedad, y cómo de alguna manera son satanizados. El gigante egoísta, de Oscar Wilde, es el libro favorito de mi hijo y por eso decidí basarme en él para contar esta historia.

Esta película nace del enojo que me hace sentir la situación de estos muchachos y lo que no se ha hecho por ellos. Se ha vuelto algo muy importante para mí.

Clio Barnard

Cine de Estocolmo, Suecia.

2014 Mejor actor británico debutante (Conner Chapman y Shaun Thomas). Festival de Cine de Londres. Reino Unido.

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Clio Barnard

Filmografía

Santa Bárbara, california, Estados Unidos, 1965

2002 Random Acts of Intimacy, cortomatraje para

Aunque nació en Estados Unidos, ha vivido prácticamente toda su vida en el Reino Unido. Su trabajo como artista la ha llevado a exponer en importantes galerías de todo el mundo, como el Museo Nacional Británico de Arte Moderno (Tate Britain) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

The Arbor, su opera prima, sobre la vida de la dramaturga británica Andrea Dunbar, fue reconocida en un gran número de festivales internacionales, entre ellos el Festival de Londres y el Festival Punto de Vista de Navarra, España. El gigante egoísta es su primer largometraje de ficción.

la televisión 2003 Flood (cortometraje) 2010 The Arbor (documental) 2013 El gigante egoísta

Sábado 16 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Teatro Principal

56 Muestra Internacional de Cine

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Se levanta el viento Kaze tachinu, Japón, 2013, 126 min.

Dirección y Guión: Hayao Miyazaki, basado en su historieta homónima, inspirada a su vez en una novela de Tatsuo Hori. Fotografía en color: Atsushi Okui. Música: Jir Horikoshi. Edición: Takeshi Seyama. voces originales: Hideaki Anno (Jir Horikoshi), Miori Takimoto (Naoko Satomi), Hide-

Un joven apasionado de la aviación, cuya vista le impide ser piloto, se convirtió en el creador de los aviones con los cuales Japón peleó en la Segunda Guerra Mundial. Inspirada en la historia verdadera de Jir Horikoshi, el maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki construyó un filme (anunciado como el último de su carrera) en el cual su acostumbrada visión fantástica aterriza en las duras condiciones de un país en pie de guerra. Todo ello con un realismo poco común en su obra.

toshi Nishijima (Honjo), Stephen Alpert (Castorp), Morio Kazama (Satomi), Keiko Takeshita (Mamá de Jiro). Compañía productora: Studio Ghibli, Nippon Television Network, Dentsu, Hakuhodo DYMP, Walt Disney Japan. Producción: Toshio Suzuki. Distribución: Zima Entertainment.

Premios más destacados 2014 Premio Annie al mejor guión de un largometraje de animación (Hayao Miyazaki). Asociación

Crecimos durante cierto periodo con sentimientos muy complejos sobre la Segunda Guerra Mundial, y el avión “Zero” simboliza nuestra psique colectiva. Japón entró a una guerra con una arrogancia insensata, causando dolor en toda Asia oriental y acarreando a sí mismo su propia destrucción. Dentro de esta humillante historia, los “Zero” representan una de las pocas cosas de las que los japoneses podemos estar orgullosos. Fue el genio extraordinario de Jir Horikoshi quien lo convirtió en el avión de combate más perfecto de su tiempo. Lo último que yo querría hacer es considerar su extraordinario talento como parte del patriotismo desmedido y el complejo de inferioridad de toda una generación. Al hacer este filme, espero haber reivindicado su legado.

Hayao Miyazaki

Internacional de Películas Animadas. California, Estados Unidos.

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Hayao Miyazaki

Filmografía

Bunky , Tokio, Japón, 1941

1979 Rupan sansei: Kariosutoro no shiro (El castillo

Tras graduarse de la carrera de ciencias políticas en 1963, se unió al estudio de animación Toei, donde colaboró con el director Isao Takahata con el sueño de convertirse en autor de manga. Su debut cinematográfico llegó con la cinta El castillo de Cagliostro, pero su estilo se definió un lustro después,cuando escribió y dirigió Nausicaä. Guerreros del viento, primer filme producido por Studio Ghibli. Comenzó entonces su travesía por la animación, logrando fama internacional con el largometraje El viaje de Chihiro, que rompió todos los récords de taquilla en Japón y obtuvo galardones como el Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2002 y el Óscar a mejor largometraje animado en 2003. En 2005 la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia reconoció su trayectoria con el León de Oro honorario. Miyazaki ha publicado varios ensayos, dibujos y poemas, además de haber diseñado el Museo de Ghibli, que abrió sus puertas en Mitaka, Tokio.

de Cagliostro) 1984 Kaze no tani no Naushica (Nausicaä. Guerreros del viento) 1988 Tonari no Tótoro (Mi vecino Totoro) 1989 Majo no takky bin (Kiki: entregas a domicilio) 1992 Kurenai no buta (Porco Rosso) 1997 Mononoke hime (La princesa Mononoke) 2001 Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro) 2004 Hauru no ugoku shiro (El increíble castillo vagabundo) 2008 Gake no ue no Ponyo (El secreto de la sirenita)

Domingo 17 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Teatro Principal

2013 Kaze tachinu (El viento se levanta)

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El último Elvis Argentina-Estados Unidos, 2012, 91 min.

Dirección: Armando Bo. Guión: Armando Bo y Nicolás Giacobone. Fotografía en color: Javier Juliá. Música: Sebastián Escofet.

Edición: Patricio Pena. Con: John Mc Inerny (Elvis/ Carlos Gutiérrez), Griselda Siciliani (Alejandra Olemberg), Compañía productora: Anonymous Content, K&S Films,

Carlos Gutiérrez, Elvis, es un cantante separado que tiene una pequeña hija, Lisa Marie, a quien no ve muy seguido. Siempre vivió su vida como si fuese la reencarnación de Elvis Presley, negando a Carlos y su realidad. Sin embargo, está por cumplir los años que su ídolo tenía al morir y su futuro se muestra vacío. Una situación inesperada lo obliga a hacerse cargo de su hija. En esos días Carlos logra conocerse como padre y Lisa Marie aprende a aceptarlo tal cual es. Pero el destino le presenta una decisión difícil.

Rebolucion, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Producción: Steve Golin, Hugo Sigman, Patricio Álvarez Casado, Víctor Bo, Armando Bo. Procedencia de la copia: Cineteca Nacional.

Premios más destacados 2012 Mejor película. Sección

La película no necesita a Elvis. La película habla de Carlos Gutiérrez, que tiene una familia, y de sus sueños. Está contada desde el punto de vista del personaje; es un tipo que cree que es Elvis, y es ahí donde está lo interesante. Para encontrar a Carlos tuve que meterme donde no me tenía que meter, darme cuenta de que la película no tenía que ser obvia ni bizarra. Lograr credibilidad, desactivar la imagen del traje que queda gracioso, anular el bizarro. El filme mismo se encargó de elegir al actor.

Armando Bo

Horizontes Latinos. Festival Internacional de Donostia-San Sebastián, España.

2013 Mejor Opera Prima. Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña, España.

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Armando Bo

Filmografía

Buenos Aires, Argentina, 1978

2012 El último Elvis

Pertenece a la tercera generación de una familia de cineastas, trabajando en cine y publicidad desde los 17 años. Estudió cine en varias instituciones de renombre en Nueva York, además de historia del arte en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. En 2005 fundó su propia empresa, Rebolución, junto a Patricio Álvarez, hoy una de las más importantes productoras de comerciales de Iberoamérica, con la que consiguió convertirse en uno de los directores publicitarios más requeridos del mundo, ganando más de 50 premios internacionales como realizador de publicidad. En 2009 coescribió Biutiful con Alejandro González Iñárritu y Nicolás Giacobone, que fue nominada al Óscar como mejor película en lengua extranjera. Su primer largometraje, El último Elvis, participó en la sección oficial del Festival Sundance, Estados Unidos, en 2012.

Lunes 18 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Teatro Principal

56 Muestra Internacional de Cine

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Vamos a jugar al infierno Jigoku de naze warui, Japón, 2013, 126 min.

Dirección, Guión y Música: Shion Sono. Fotografía en color: Hideo Yamamoto. Edición: Jun’ichi It . Con: Jun Kunimura (Muto), Ikegami (Shinichi Tsutsumi), Fumi Nikaid (Himizu), Hiroki Hasegawa (Hirata), Gen Hoshino (Kouji). Compañía productora: Bitters End, Gansis, King Record

Los Fuck Bombers, un grupo de jóvenes que ansían filmar la mejor película de la historia, tendrán su oportunidad al involucrarse en un enfrentamiento añejo entre dos clanes de yakuzas. Con un guión realizado hace 20 años, Shion Sono hace un homenaje a los entrañables rodajes en 35 mm, al legendario Bruce Lee, al clásico filme Cinema Paradiso, al cine amateur y al cine de yakuzas con una explosiva mezcla de comedia gore y falso documental. El filme resulta una evocación a la lucha juvenil por cumplir sus sueños.

Co., T-Joy. Producción: Takuyuki Matsuno y Tsuyoshi Suzuki.

Distribución: Interior 13 Cine.

Premios 2013 Premio del público.

Festival Internacional de Cine de Montreal.

Canadá. | Premio del público.

Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Premio a mejor actriz de reparto (Fumi Nikaid ) y mejor talento nuevo (Gen Hoshino). Festival

Cuando alcanzas cierto nivel de madurez en tu trayectoria, comienzas a interesarte en lo que instintivamente te atraía cuando eras más joven. Si eres honesto contigo mismo es posible que realices más películas del tipo de las que querías hacer. Yo quería crear algo puramente interesante. Esta película es acerca de los problemas que enfrenté como aspirante a cineasta e incluye episodios de mi propia vida, como la escena donde un montón de chicos se divierten en el parque y tratan de golpear al estilo de Bruce Lee como una compañía de cine. Ahora todos están hablando del traje amarillo como un elemento de Tarantino, y esto ha sido una tristeza para mí. La idea original era hacer referencia al traje de Bruce Lee y ahora todos piensan en Tarantino.

Shion Sono

de Cine de Yokohama. Japón.

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Shion Sono

Filmografía

Toyokawa, Japón, 1961

(T.i. título internacional) 1990 Jitensha toiki

Antes de convertirse en cineasta, Shion Sono debutó como poeta a los 17 años, apareciendo algunos de sus escritos en publicaciones como Eureka y The Modern Poem Book. Su incursión en el séptimo arte comenzó con películas de 8 mm cuando se matriculó en la Universidad Housei. En 1985 exhibió su cortometraje I Am Shion Sono!!!, un ensayo fílmico a partir de su propia obra poética, en la prestigiosa competencia Pia Film Festival (el Sundance de Japón). Su opera prima Bycycle Sighs (1990) fue bien recibida por la crítica y tuvo gran éxito en taquilla. En 2001 presentó la cinta que lo posicionó a nivel internacional: El club del suicidio, a partir de la cual se convirtió en referente del cine fantástico oriental con temáticas basadas en la crítica social. Con Vamos a jugar al infierno, su cambio de temática es evidente, inclinándose por una combinación de comedia y su ya conocido estilo de violencia extrema.

(t.i. Bicycle Sighs) 1998 Dankon: The Man 2001 Jisatsu sakuru (El club del suicidio) 2005 Noriko no shokutaku (t.i.Noriko’s Dinner Table) 2007 Ekusute (t.i. Hair Extensions) 2008 Ai no mukidashi (t.i. Love Exposure) 2010 Tsumetai nettaigyo (Pez mortal) 2011 Koi no tsumi (El romance y la culpa) 2011 Himizu (Topo) 2013 vamos a jugar al infierno

Martes 19 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Teatro Principal

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Ninfomanía Vol.1 Nymphomaniac, Vol. 1, Dinamarca-alemaniafrancia-bélgica-reino unido, 2013, 118 min.

Dirección y Guión: Lars von Trier. Fotografía en color: Manuel Alberto Claro. Edición: Molly Malene Stensgaard. Con: Charlotte Gainsbourg (Joe), Stellan Skarsgård (Seligman), Stacy Martin (Joe, joven), Shia LaBeouf (Jerôme), Christian Slater (padre de Joe), Jamie

Un encantador soltero, de nombre Seligman, encuentra a una mujer golpeada y abandonada en la calle. Al llevarla a su casa para cuidar de sus heridas, conoce su historia. Ella es Joe. A lo largo de sus 50 años, ha vivido una erótica pero agridulce vida a causa de un autodiagnosticado caso de ninfomanía que le ha costado empleos, relaciones y su propia felicidad. Primera parte de un binomio fílmico en el cual el siempre polémico Lars von Trier retrata sin restricciones un extremo de la sexualidad femenina.

Bell (K), Uma Thurman (señora H), Willem Dafoe (L). Compañía productora: Zentropa Entertainments. Producción: Louise Vesth.

Distribución: Zima Entertainment.

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Yo no veo la película como un manifiesto sobre la relación de las mujeres con el sexo. Para mí, se trata del retrato de una mujer excepcional, en el sentido de que no nos representa a todas. Tampoco me parece bien definirla como una película feminista o antifeminista, como he oído últimamente. La película habla de la fuerza de esta mujer, pero también de su vulnerabilidad. Es un retrato individual y no creo que haya que ir más allá.

Charlotte Gainsbourg

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Filmografía selecta

Lars von Trier

1984 The Element of Crime

Kongens Lyngby, Dinamarca, 1956

(El elemento del crimen) 1988 Medea

Director y guionista, es uno de los autores cinematográficos más significativos de los últimos años, principalmente por ser uno de los líderes del movimiento Dogma, agrupación artística que defiende la pureza cinematográfica frente a cualquier artificio que contamine la naturaleza del cine.

Con influencias de Tarkovski, Godard, Dreyer y Lynch, estudió cine en Copenhague, graduándose en 1983. Las películas de Lars von Trier han ganado premios en todo el mundo, pero es en el Festival de Cannes donde ha conseguido sus mayores logros, como el Gran Premio del Jurado por Rompiendo las olas en 1996, la Palma de Oro en el año 2000 por Bailando en la oscuridad y premios de actuación para Charlotte Gainsbourg y Kirsten Dunst por los filmes Anticristo y Melancolía, respectivamente.

1996 Breaking the Waves (Rompiendo las olas) 1998 The Idiots (Los idiotas) 2000 Dancer in the Dark (Bailando en la oscuridad) 2003 Dogville 2006 The Boss of It All (El jefe de todo esto) 2009 Antichrist (Anticristo) 2011 Melancholia (Melancolía) 2013 Nymphomaniac (Ninfomanía, volúmenes 1 y 2)

Miércoles 20 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Teatro Principal

56 Muestra Internacional de Cine

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Qué extraño llamarse Federico Che strano chiamarsi Federico!: Scola raconta Fellini, Italia, 2013, 93 min.

Dirección: Ettore Scola.

Guión: Ettore Scola, Paola Scola y Silvia Scola. Fotografía en color: Luciano Tovoli.

Música: Andrea Guerra.

Edición: Raimondo Crociani.

Con: Tommaso Lazotti (Fellini, joven), Maurizio De Santis (Fellini, anciano), Giacomo

Ettore Scola fue un amigo cercano de Federico Fellini. Ambos se conocieron colaborando en diarios humorísticos. Más tarde, ya convertidos en cineastas, gustaban de visitarse mutuamente en los sets mientras rodaban. Desde la perspectiva de amigo, Scola se acerca al universo felliniano a través de la recreación de episodios de la vida del director, filmados en los estudios Cinecittà, así como de inéditos materiales de archivo. El resultado es un filme que trasciende el simple homenaje.

Lazotti (Ettore Scola, niño), Giulio Forges Davanzati (Ettore Scola), Ernesto D’Argenio (Marcello Mastroianni), Emiliano De Martino (Ruggero Maccari). Compañía productora: Payper Moon, Palomar, Cinecittà Luce, Direzione Generale de Cinema. Producción: Guido Simonetti. Procedencia de la copia: Cineteca Nacional.

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Prometí no volver a hacer una película hasta ver a Berlusconi tras las rejas. Pese a que no se da por vencido, los duros golpes que ha recibido y, sobre todo, el vigésimo aniversario luctuoso de Federico, me animaron a realizar esta película, que es una especie de retrato cubista que incluye materiales inéditos, pedazos de filmes, recreaciones y entrevistas. Recurrí a mis propios recuerdos, como nuestra pasión en común por el dibujo, la amistad que tuvimos con Marcello Mastroianni, nuestras vivencias en los premios Óscar o las aventuras en los estudios Cinecittà. Para mí, Federico era como un Pinocho que no se transformó en un niño de verdad, sino que vivió libre de toda atadura, venciendo incluso a la muerte.

Ettore Scola

Cine Club - Universidad de Guanajuato

Ettore Scola

Filmografía selecta

Trevico, avellino, Italia, 1931

1976 Brutti, sporchi e cattivi

Caballero de la Orden de la Gran Cruz al Mérito por parte de la República Italiana, estudió leyes en la Universidad de Roma, pero nunca ejerció. En su lugar, se dedicó a la caricatura satírica y la creación de chistes y artículos de crítica política en algunos diarios y revistas romanas, donde conoció a Federico Fellini, por entonces escritor en el cine neorrealista.

Fue a mediados de la década de los 50 cuando se incorporó como guionista a la industria fílmica italiana, escribiendo el argumento de comedias protagonizadas por personalidades como Alberto Sordi. Hablemos de mujeres (1964) fue su primera película como director. Autor de muchos clásicos del cine europeo, Scola transformó las convenciones de la “comedia a la italiana” para crear un universo fílmico en el cual sus personajes se ven envueltos emocionalmente en el torbellino social y político de su tiempo.

1977 Una giornata particolare

(Sucios, feos y malos) (Un día especial) 1981 Passione d’amore (Pasión de amor) 1982 La nuit de Varennes (La noche de Varennes) 1983 Le bal (El baile) 1987 La familia 1988 Splendor 1998 La cena 2001 Concorrenza sleale (Enemigo, querido enemigo) 2003 Gente di Roma (Gente de Roma) 2013 Che strano chiamarsi Federico!: Scola raconta Fellini (Qué extraño llamarse Federico)

Jueves 21 / 17:00, 19:00 y 21:00 hrs. / Teatro Principal

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Un toque de pecado Thian zu ding, China, 2013, 125 min.

Dirección y Guión: Jia Zhangke.

Fotografía en color: Yu Likwai.

Música: Lim Giong. Edición: Lin Xudong y Matthieu Laclau. Con: Zhao Tao (Yu Xiao), Jiang Wu (Dahai), Luo Lanshan (Hui Xiao), Vivien Li (Li Meng), Wang Baoqiang (San Zhou). Compañía productora: Xstream Pictures, Shanghai

Brillante disertación sobre la corrupción en la China actual, esta cinta se inspira en cuatro espeluznantes sucesos verídicos que forzaron a la economía más creciente del mundo a revisar sus propios cimientos. Los protagonistas habitan en distintas partes de China y sus destinos están enmarcados por la tragedia. La sed de justicia, el instinto de supervivencia, la necesidad de reencontrar la dignidad perdida o la crueldad llevada al límite serán sus fuerzas motoras.

Film Group, Office Kitano. Producción: Shozo Ichiyama.

WDistribución: zatmeni distribición.

Premios 2013 Mejor guión. Festival de Cine de Cannes, Francia. I Premio Georges Delerue para el compositor Lim Giong.

Festival Internacional de Cine de Ghent. Bélgica. I Caballo Dorado a la mejor música original (Lim Giong) y edición (Lin Xudong y

China es un país en constante y muy rápida transformación. Pareciera que el país es más próspero que nunca. Sin embargo, muchos ciudadanos enfrentan crisis personales a causa del desigual reparto de la riqueza, por las diferencias cada vez más abismales entre pobres y ricos. Y es a través de la violencia que los menos afortunados de mi país tratan de recuperar la dignidad que perdieron ante este frenesí. Por razones que no puedo explicar, los cuatro protagonistas del filme y los incidentes que les ocurren me remiten a las películas de artes marciales de King Hu. De hecho, la estructura del filme se inspira en este género. También es una cinta que trata de encontrar los lazos que nos unen en esta modernidad apabullante.

Jia Zhangke

Matthieu Laclau). Festival de Cine Caballo Dorado, Taipei. Taiwán.

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Filmografía selecta

Jia Zhangke

(T.i. título internacional)

Fenyang, China, 1970

1997 Xiao Wu 2000 Zhantai (T.i. Plataforma)

Perteneciente a la “Sexta Generación” de cineastas chinos egresados de la Academia de Cine de Pekín, filmó su opera prima, Xiao Wu, en 1997. Considerado uno de los cineastas jóvenes más importantes en el panorama del cine mundial, tanto en el documental como en la ficción, su cinta Still Life (2006) obtuvo el León de Oro en la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia. En el panorama del cine chino, Jia Zhangke es reconocido como una figura relevante en cuanto a su desarrollo artístico y la lucha contra la censura oficial.

2001 Gong gong cháng suo (T.i. In Public), documental 2002 Ren xiao yao (T.i. Unknown Pleasures) 2004 Shijie (t.i. The World) 2006 Sanxia haoren (T.i. Still Life) 2007 Wuyong (t.i. Useless), documental 2008 Er shi si cheng ji (T.i. 24 City) 2010 Hai shang chuan qi (T.i.

I Wish I Knew), documental 2013 Thian zhu ding (Un toque de pecado)

Viernes 22 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Euquerio Guerrero

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LA DANZA DE LA REALIDAD Chile-Francia-México, 2013, 130 min.

Dirección: Alejandro Jodorowsky. Guión: Alejandro Jodorowsky, basado en su libro autobiográfico homónimo.

Fotografía en color: JeanMarie Dreujou. Música: Jonathan handelsman, Adán Jodorowsky.

Edición: Maryline Montieux.

Con: Brontis Jodorowsky

Con el estilo que lo ha llevado a ser una de las figuras más reconocidas del cine fantástico, Alejandro Jodorowsky pone en escena los recuerdos de su infancia en el pequeño pueblo de Tocopilla, Chile, donde pese a las presiones de su riguroso padre, un comunista recalcitrante, y la abnegación de una madre amorosa pero débil tuvo que abrirse camino en medio de una sociedad que no siempre entendió sus orígenes. A través de este filme, en el que actúan tres de sus hijos, Jodorowsky intenta reconciliarse con su pasado.

(Jaime), Pamela Flores (Sara), Jeremías Herskovits (Alejandro Jodorowsky, niño), Alejandro Jodorowsky (él mismo).

Compañía productora: Caméra One, Le Soleil Films. Producción: Moisés Cosío, Michel Seydoux, Alejandro Jodorowsky. distriución: caníbal.

Premios: 2013 Espejo de Plata a la mejor película. Festival Filmes del Sur de Oslo. Noruega.

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Aunque llevara tanto tiempo sin dirigir, yo no dejo de pensar en el cine. Es un arte para el que sé que tengo talento. Lo conozco. Lo domino. Cada día veo al menos una película. No he hecho películas durante estos años porque no quería venderme. He visto a tantos amigos, algunos jóvenes, que se han vendido a la industria cinematográfica... Y han producido películas que para mí son vergonzosas.

Esas películas sobre serial killers, sobre hombres que matan a mujeres. ¿Y por qué matan a mujeres?, ¿por qué no un asesino que mate ovejas? Me parecería más simpático ¡O que mate Big Macs! Y esas invasiones de monstruos... Si fueran invasiones de melocotones en almíbar, estaría mucho mejor. Algunos le dan al publico litros de Coca-Cola, yo prefiero darle un poco de LSD. Alejandro Jodorowsky

Cine Club - Universidad de Guanajuato

Filmografía selecta

Alejandro Jodorowsky

1968 Fando y Lis

Tocopilla, Chile, 1929

1970 El Topo 1973 La montaña sagrada

Tras fundar un grupo de pantomima, escribir piezas teatrales y publicar poesía en su adolescencia, abandonó Chile en 1953 para probar suerte en París, donde estudió pantomima con Étienne Decroux y, más tarde, se unió a la compañía de teatro de Marcel Marceau. Fue por entonces que dirigió su primera película, el mediometraje La Cravate (1957), aclamado por Jean Cocteau. Entre 1960 y 1974 residió en México, donde al mismo tiempo que se adentraba en el psicoanálisis y el misticismo, continuó haciendo teatro y dirigió, no con poca polémica, sus legendarios largometrajes Fando y Lis, El topo y La montaña sagrada, considerados rápidamente como filmes de culto. Después de 23 años sin presentar una película, tras el escaso éxito comercial de El ladrón del arcoíris, su anterior filme, Jodorowsky vuelve a las pantallas con su película más personal hasta ahora: La danza de la realidad.

1980 Tusk 1987 Santa sangre 1990 The Rainbow Thief (El ladrón del arcoíris) 2013 La danza de la realidad

Sábado 23 / 17:00, 19:15 y 21:30 hrs. / Teatro Principal

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CINE CLUB DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO Montserrat Alejandri Oyanguren / Coordinadora Cine Club Felipe de Jesús López Márquez / Asistente de programación y supervisión de foros José Lara Medrano / Asistente administrativo José Delgado Alvarado / Operador de cine José Guillermo Delgado Ramírez / Operador de cine Monserrat Flores Gámez / Apoyo programación (Servicio social)