En la carretera / On the road
Cary Markerink. A7 Afsluitdijk, Amsterdam, 1994. Courtesy of the artist.
Editado por / Published by Producciones de Arte y Pensamiento SL
Robert Frank. US 285 New Mexico, 1955. Courtesy of IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, Valencia.
Editor fundador / Founder Editor Rosa Olivares / editor@exitmedia.net Editora / Editor Clara López / logistica@exitmedia.net Coordinación editorial / Editorial Coordination Ana Folguera / edicion@exitmedia.net Equipo asesor / Advisory Committee Jens Friis, Lola Garrido, Marta Gili, Gerardo Montiel Klint, Sergio Rubira, Urs Stahel, Willem van Zoetendaal, Paul Wombell Redacción / Editorial Staff Jennifer Gómez, Marta Sesé Traducción / Translation Ana Folguera, Caroline Svensen, Sarah Whalley Diseño / Design Adrián y Ureña, S. L. Rediseño / Redesign José María Balguerías, Jaime Narváez Maquetación / Layout José María Balguerías (estudioblg.com) Publicidad / Advertising publi@exitmedia.net T. +34 91 404 97 40 Suscripciones / Subscriptions suscripciones@exitmedia.net Administración / Accounting Lorena Trujillo / ad@exitmedia.net Oficinas, Redacción y Publicidad / Main Offices España: Juan de Iziar, 5 · 28017 Madrid T. +34 91 404 97 40 / F. +34 91 326 00 12 edicion@exitmedia.net · www.exitmedia.net Distribución / Distribution España: Producciones de Arte y Pensamiento T. +34 91 405 84 85 circulacion@exitmedia.net La Rueda info@laruedadistribucion.com Internacional: Francia, Suiza, Benelux, Canadá: DifPop / Pollen 81 rue Romain Rolland · 93260 Les Lilas T. +33 (0) 1 43 62 08 07 info@pollen-diffusion.com México: EXIT La Librería Río Pánuco, 138 Colonia Cuauhtémoc · 06500 Ciudad de México T. +52 (55) 5207 7868 libreria@exitlalibreria.com · www.exitlalibreria.com
Lucie Awards 2015 Mejor revista de fotografía del año Photography Magazine of the Year Kraszna-Krausz Foundation 2003 Mejor publicación de fotografía entre 2000 y 2003 Best Photography’s Publication 2000–03
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GOBIERNO DE ESPAÑA
MINISTERIO DE CULTURA Y DEPORTE
Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
SUMARIO / CONTENTS
Editorial Otra taza de café antes de seguir el viaje Another cup of coffee before continuing the journey
8
Rosa Olivares
Interior. Habitación. Desplazamiento en círculos. Interior. Room. Circular Tracking.
20
Felipe Hernández Cava
Baart & Markerink
34
Catherine Opie
42
Paul Gaffney
52
Pablo López Luz
58
Taiyo Onorato & Nico Krebs
64
Jon Rafman
70
Bruno Serralongue
76
Txema Salvans
82
Eric Tabuchi
92
Tatsuki Masaru
86
Félix Curto 104 Martin Bogren 110 Entrevista con / Interview with 118 Bernard Plossu Ana Folguera
Alejandro Cartagena 130
Walker Evans. Traffic sign, 1973-74. Courtesy of Fundaciรณn Mapfre, Madrid, and The Metropolitan Museum of Art, New York.
Interior. Habitación. Desplazamiento en círculos Felipe Hernández Cava
“Vive en casa como un viajero” (Henry David Thoreau)
La carretera fue para mí en un tiempo una carretera imaginaria: la que representaba aquel cartel de cine que durante años tuve sujeto con unas chinchetas en la puerta de mi estudio y que acabé perdiendo en un traslado. Lo había adquirido en los cines Alphaville de Madrid tras asistir a la proyección de Carretera asfaltada en dos direcciones de Monte Hellman, director del que me deslumbraba su capacidad para los sobreentendidos, en una época en que el cine empezaba ya a poblarse de subrayados gruesos, no menos que su destreza para dejar fuera de campo algunas situaciones que yo, como espectador, tenía que recomponer. Cada vez que contemplaba aquel auto enfilando una recta hacia un horizonte infinito habitado solo por la luz del atardecer, evocaba la atmósfera de ese film en el que unos cuantos vimos una película drive-in que parecía dirigida por un aplicado cineasta de la Nouvelle Vague (me sucedió un poco lo mismo con En el curso del tiempo de Wim Wenders, que vino también a percutir en algo que siempre he pensado, y no por esnobismo, aplicado tanto al cine como a la fotografía: que el blanco y negro es más realista que el color). En aquel espacio íntimo de mi casa, que podía habitar confortablemente, más aún cuando cerraba aquella puerta para ahondar en el aislamiento, yo experimen-
taba, en oposición a la promesa de infinitud del cartel, esa felicidad común por lo limitado que Barthes detectó en el singular Nautilus del capitán Nemo y que el semiólogo opuso a los versos de El barco ebrio de Rimbaud, auténtica exaltación de la liberación del yo de todo ámbito constreñidor, pese a haber tenido éste como inspiración precisamente la novela de Julio Verne Veinte mil leguas de viaje submarino. Algunos de mis mayores se habían lanzado unos años antes a la carretera, poseídos por un espíritu similar de escapar a la caverna platónica al que habitó al poeta francés: en este caso, el que fuera destilado por Jack Kerouac en aquel famoso libro, On the road, que venía a proclamar que “el camino es vida”, pero que yo, que ya había sentido a esas alturas el desengaño de esa clase de referentes, experimentado en parte en carne propia, y que a ratos me dejaba poseer por cierto cinismo de salón, había cambiado por otros puntos de vista literarios sobre el viaje menos transformadores, como el de Henry Miller en Una pesadilla con aire acondicionado. Enfrentado por tanto a la carretera como una oportunidad para adquirir conciencia sobre mí o sobre la vida misma, o como una fuente de aprendizaje cuasi mística que me permitiría contactar finalmente con mi alma, me encontraba además con la particularidad de que yo no sabía conducir, lo que me había llevado a experimentar
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CATHERINE OPIE Freeway
Desde 1950 las autopistas han desempeñado un papel fundamental en el desarrollo del área metropolitana de Los Ángeles. A mediados de los años noventa, la artista Catherine Opie encontró ahí un motivo estético a partir del cual trabajar. “Empecé a observar estas formas y pensé: “Son estructuras increíbles. Estuve un año pensando en ello hasta que salí con una cámara y supe lo que quería hacer”. El resultado son planos panorámicos, y un elaborado proceso de platino para producir cuarenta imágenes de una misma tonalidad. El enfoque no es tanto desde el fotoperiodismo, sino desde la reflexión sobre lo que significan las carrete-
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ras: “Las autopistas separan comunidades. Pero yo diría que sobre todo lo que hacen es separar la ciudad de los suburbios…”, asegura Opie. La artista iba temprano los fines de semana para lograr imágenes silenciosas, casi abstractas, en las que no hay presencia humana ni automóviles. Como ella misma afirmaba, la serie tiene una fuerte conexión con las fotografías de las pirámides egipcias tomadas por Maxime Du Camp a principios del s. xix. Así, en pequeño formato, con aire atemporal y casi atávico, Catherine Opie rinde su particular homenaje a lo que ella misma ha llamado: “nuestros monumentos al sur de California”.
Catherine Opie. Untitled #1, Freeway series, 1994. Courtesy of the artist, Regen Projects, Los Angeles and Thomas Dane Gallery, New York.
Since the 1950s the California highway system has played a vital role in the formation and development of the Los Angeles metro area. During the mid-1990s Catherine Opie found there an aesthetic topic to work about. “I’d start watching these shapes and these forms, and I’d just be like, ‘These are really kind of phenomenal structures.’ I thought about that for a good year before I went out with a camera and figured out how I wanted to do it.” The result is based on panoramic shots and a labor-intensive platinum process to produce a series of forty small, matte, tonal images. The point of view is less from photojournalism than from the reflection
about freeways’ meaning: “the freeways separate communities, but I would say that the biggest thing they do is separate the city from the suburb…”, states Opie. The artist photographed early on weekend mornings to get silent and almost abstract images, in which there is neither human presence nor cars. As Opie has noted, the series bears a strong connection to the early photographs of the Egyptian pyramids taken by Maxime Du Camp in the mid-nineteenth century. Thus, in a small format, with a timeless and almost atavistic atmosphere, Catherine Opie pays tribute to what she has called “our monuments to Southern California.”
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Pablo López Luz. San Diego – Tijuana IX, Frontera USA – México, 2015. Courtesy of the artist.
Pablo López Luz. Tijuana – San Diego County VI, Frontera México – USA, 2014. Courtesy of the artist.
Jon Rafman. Rv888, Norway, Nine Eyes of Google Street View series, 2010. Courtesy of the artist.
Jon Rafman. Unknown Road, Thaba-Tseka, Lesotho, Africa, Nine Eyes of Google Street View series, 2013. Courtesy of the artist.
Tatsuki Masaru. Denshokumaru; Driver Mr. Shimizu, Behind a Wheel, Tokyo, Decotora series, 2005. Courtesy of the artist.
Tatsuki Masaru. Decotora series, 2005. Courtesy of the artist.
MARTIN BOGREN Tractor boys
La carretera como el lugar donde se aprende y se entrena la masculinidad. En la región de Skane, Suecia, algunos chicos adolescentes se reúnen por las noches montados en sus coches para conducir a gran velocidad, en círculos, mezclando el polvo con el olor a aceite y a goma quemada. Algunos van acompañados por sus novias, se ríen, socializan, e incluso duermen. El coche se convierte así en un espacio donde realizar un rito de paso, donde ejercitar códigos de comportamiento. Tractor boys es la aproximación de Martin Bogren a la edad donde se empiezan a fijar los relatos identitarios. The road as the place where masculinity is learnt and trained. In the region of Skane, Sweden, some teenage boys gather at night in their cars to drive at high speed, in circles, mixing the dust with the smell of oil and burnt rubber. Some are accompanied by their girlfriends; they laugh, socialize, and even sleep. The car thus becomes a space where to perform a rite of passage, where to exercise codes of behavior. Tractor boys is the approach of Martin Bogren to the age where identity narratives begin to be fixed.
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Martin Bogren. Tractor boys, 2013. Courtesy of the artist.
Alejandro Cartagena. Carpoolers 37, Carpoolers series, 2011-12. Courtesy of the artist.
Alejandro Cartagena. Carpoolers 05, Carpoolers series, 2011-12. Courtesy of the artist.
referencias históricas y culturales, sus fotografías crean mundos múltiples y complejos dentro del mismo marco. Su trabajo se incluyó en Photography Is Magic (Aperture, 2015), y su primer libro, Archipelago, se publicó en 2015. Jon Rafman. Montreal, Canadá, 1981. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad McGill en Montreal y recibió un Máster en Bellas Artes de School of the Art Institute of Chicago. Las recientes exposiciones individuales de Rafman incluyen The Mental Traveller, Fondazione Modena Arti Visive (2018), Dream Journal 16 ‘ – 17’, Sprueth Magers Berlin (2017), I Have Ten Thousand Compound Eyes and Each is Named Suffering, Stedelijk Museum, Amsterdam (2016), Westfälischer Kunstverein, Munster (2016), Musée d’art Contemporain de Montréal (2015), y The Zabludowicz Collection, Londres (2015). Txema Salvans. Barcelona, España, 1971. Alternó estudios de biología y fotografía. Estudió en el ICP en Nueva York gracias a una beca. En 2005 ganó el concurso PhotoEspaña al mejor libro de fotografía con Nice to meet you, un proyecto en el que, a través de invitaciones de extraños, accede a diferentes grupos familiares de toda la geografía española. El resultado final es un libro que recuerda las escenas de un álbum familiar, donde todos los personajes están vinculados como si fuera una sola familia. Más tarde, en 2013, con su serie, The Waiting Game ganó el concurso del Libro Iberoamericano de Editorial RM. Jörg Sasse. Düsseldorf, Alemania, 1962. Utiliza fotografías que le han sido entregadas por amigos, o que ha encontrado o comprado, las cuales transforma a través de un cuidado proceso de tratamiento digital, eliminación, limpieza y cambio de colores hasta que las imágenes son irreconocibles. Su trabajo pone de manifiesto la conexión entre la idea clásica de que la obra de arte es una expresión de originalidad personal y las posibilidades de las nuevas tecnologías. Bruno Serralongue. Châtellerault, Francia, 1968. Bruno Serralongue siente una enorme fascinación por las comunidades formadas por personas marginadas. Serralongue se involucra con aquellos cuyas acciones políticas a menudo reciben una atención fugaz por parte de los medios de comunicación. Si una historia despierta su interés, Serralongue pasará tiempo con las comunidades involucradas. Su método de trabajo es lento: no desarrolla más de dos o tres series por año y todavía trabaja con carrete. Un aspecto central del trabajo de Serralongue es su enfoque del tiempo. En lugar del espectáculo inmediato del evento, se centra en las repercusiones que este tiene a largo plazo. Stephen Shore. Nueva York, EE. UU., 1947. A la edad de catorce años presentó sus primeros trabajos a Edward Steichen, y a la edad de treinta tuvo una exposición en el Metropolitan Museum. Shore es considerado un maestro de la fotografía documental en color. Su obra abarca desde la representación de objetos hasta escenas banales. Sus obras más conocidas, American Surfaces y Uncommon Places, materializan la idea del viaje por carretera, realizado durante los viajes del artista a través de diferentes provincias estadounidenses y canadienses, dando como resultado una extensa serie de imágenes de paisajes, calles y ciudades. Amy Stein. Washington DC, EE. UU., 1970. Su trabajo explora nuestro aislamiento progresivo de la comunidad, la cultura y el medio ambiente. El proyecto Stranded, sobre un motorista cuyo coche se había roto, fue una reacción a la falta de respuesta del gobierno a la inundación de Nueva Orleans en 2005 y contempla el efecto que esto tuvo en la psique estadounidense. El automóvil funciona así como un símbolo del destino y como la representación literal de la frustración. Invierte la tradición de
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exposures: Matthew Porter uses experiments from old and new technologies to explore possibilities in image construction and manipulation. Full of historical and cultural references, his photographs create multiple and complex worlds within the same frame. His work was included in Photography Is Magic (Aperture, 2015), and his first book, Archipelago, was published in 2015. Jon Rafman. Montreal, Canada, 1981. He studied Philosophy and Literature at McGill University in Montreal and received an MFA from the School of the Art Institute of Chicago. Rafman’s recent solo exhibitions include The Mental Traveller, Fondazione Modena Arti Visive (2018), Dream Journal 16’ – 17’, Sprueth Magers Berlin (2017), I Have Ten Thousand Compound Eyes and Each is Named Suffering, Stedelijk Museum, Amsterdam (2016), Westfälischer Kunstverein, Munster (2016), Musée d’art Contemporain de Montréal (2015), and The Zabludowicz Collection, London (2015). Txema Salvans. Barcelona, Spain, 1971. He alternated biology and photography studies. He studied at the ICP in New York due to scholarship. In 2005 he won the PhotoEspaña contest for the best Spanish photography book by Nice to meet you, a project where, through invitations from strangers, he accesses different family groups from all over the Spanish geography. The final result is a book that recalls the scenes of a family album, where all the characters are linked as if it were one family. Later, in 2013, with his series, The Waiting Game won the Ibero-American Book contest of Editorial RM. Jörg Sasse. Düsseldorf, Germany, 1962. He uses photography that have been given to him by friends, or that he has found or bought, which he transforms though a delicate and detailed process of digital imaging, eliminatin, cleaning and changing colours until the pictures are unrecognisable. HIs work is a manifestation of the nexus between the classical idea of that the work of art is an expresión of personal originality and the posssibilities of new technologies. Bruno Serralongue. Châtellerault, France, 1968. Bruno Serralongue is fascinated by the communities formed by people on the marginsSerralongue engages with those whose political actions frequently outlast the fleeting attention of the world’s news media. If a story piques his interest, Serralongue will spend time with these diverse communities. He works slowly—developing no more than two or three series per year and still shoots on film. Central to Serralongue’s work is his approach to time. Instead of the immediate spectacle of the event, he touches upon the boundless complexity of context. Stephen Shore. New York, USA, 1947. At the age of fourteen he presented his first works to Edward Steichen, and at the age of twnty he had an exhibition at the Metropolitan Museum. Shore is considered a paradigmatic master of colour documentary photography. His work ranges from rendering of objects to banal scenes. His best known works—American Surfaces and Uncommon Places—materialise the idea of the road trip, made during the artist’s journeys through different American and Canadian provinces, in which he produced a Gallery of pictures of landscapes, streets and cities. Amy Stein. Washington DC, USA, 1970. Her work explores our evolving isolation from community, culture and the environment. Stranded—photographs of motorist whose car had broken— was reaction to her government’s lack of response to the 2005 flooding New Orleans and contemplates the effect this had on the American psyche. The car works as symbol of destiny and as a literal representation of the personal breakdowns on the road to that promise. She inverts the road photography tradition of Frank, Shore
la fotografía de carreteras de Frank, Shore y Sterfeld, capturando la experiencia estadounidense a través del viaje interrumpido.
and Sterfeld, by capturing the American experience through the interrupted journey.
Onorato Taiyo y Nico Krebs. Taiyo Onorato (Zurich, Suiza, 1979) vive en Bovec, Eslovenia y Berlín, Alemania. Nico Krebs (Winterthur, Suiza, 1979) vive en Vyhne, Eslovaquia y Berlín, Alemania. Taiyo Onorato y Nico Krebs estudiaron fotografía en la Zurich University for the Arts y trabajan juntos desde 2003. Onorato y Krebs transforman los paisajes grandilocuentes en escenarios absurdos y lúdicos, una transformación de la realidad que parece auténtica a la vista. Utilizando códigos del arte contemporáneo como la ilusión óptica y el humor, reinventan la fotografía documental y el concepto de cuaderno de viaje.
Onorato Taiyo and Nico Krebs. Taiyo Onorato (Zurich, Switzerland, 1979) lives in Bovec, Slovenia and Berlin, Germany. Nico Krebs (Winterthur, Switzerland, 1979) lives in Vyhne, Slovakia and Berlin, Germany. Taiyo Onorato & Nico Krebs studied Photography at the Zurich University for the Arts and work together since 2003. Onorato and Krebs transform the usual impressive landscapes into absurd and playful scenarios along the way, a transformation of reality that seems authentic to the eye. Using the codes of contemporary art, illusion and humor, they reinvent documentary photography and the legendary traveler’s notebook.
Eric Tabuchi. París, Francia, 1959. Después de estudiar sociología, Eric Tabuchi comenzó su carrera como fotógrafo. Desde 2007 ha publicado varios libros: Hyper Trophy, Twentysix abandoned gasoline stations, Alphabet truck, publicada por Florence Loewy Edition y Atlas of Forms (Poursuite Editions). En 2017 comienza Atlas of the Regions Natural, proyecto que pretende desarrollar en los próximos años.
Jörg Sasse. 7988, 2002. Courtesy of the artist.
Beatrix Von Conta. Kaiserslautern, Alemania, 1949. Se estableció en Francia en 1975 y ahora vive cerca de Romans-sur-Isère en la región de Drôme. Durante los últimos veinticinco años ha investigado sobre el paisaje contemporáneo en diferentes formas y enfoques, sin nostalgia, interesándose sobre todo por pequeños detalles y por procesos de transformación. Su enfoque distante pero sensible invita al espectador a tomar conciencia de la fragilidad infinita del territorio y sus distintas dimensiones. Recientemente ha publicado en la editorial Loco / París la obra retrospectiva Glissement de terrain, que reúne los diferentes proyectos que ha desarrollado a lo largo de veinte años en el ámbito de la representación del territorio y la naturaleza.
Eric Tabuchi. Paris, France, 1959. After studying sociology Eric Tabuchi began his photographic work. From 2007, he publishes several books—Hyper Trophy, Twentysix abandoned gasoline stations, Alphabet truck—at Florence Loewy Edition and Atlas of Forms at Poursuite Editions. In 2017, he begins the Atlas of the Regions Natural, project which he intends to lead in the next years. Beatrix Von Conta. Kaiserslautern, Germany, 1949. She settled in France in 1975 and now lives near Romans-sur-Isère in the Drôme region. For the past 25 years she has explored contemporary landscapes in different forms and approaches, without nostalgia, interested in minute or striking signs of an ongoing transformation. Her distant but sensitive approach invites the viewer to become aware of the infinite fragility of a territory and its landscapes. Recently published by Loco/Paris, the retrospective book Glissement de terrain presents photographs resulting from twenty years of research on the urban or natural landscape and presents an essential work in this field.
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