Evolucionarts magazine arts. nov 2015

DANIEL BARRERA

ESTE MES EN LO MEJOR DEL ARTE INTERNACIONAL LA OBRA PLASTICA DE

Masazumi Nishino.

Despina Papadopoulou.

Ana Quimera Grant Cunningham La Chuka.

Ausín

Sainz.

EVOLUCIONARTS OCT 15 32

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Alejadro Oropeza PINTURA

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CONTENIDO DANIEL BARRERA 47

Catacumbas de los Capuchinos

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Masazumi Nishino. 15

Despina Papadopoulou.

Häxan

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Notre Dame

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Danza Macabra

Ana Quimera

105

La Chuka.

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Ausín Sainz.

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91 IC 2118, nebulosa Cabeza de Bruja

Grant Cunningham

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La tumba de Edgar Poe Tal como al fin el tiempo lo transforma en sí mismo, el poeta despierta con su desnuda espada a su edad que no supo descubrir, espantada, que la muerte inundaba su extraña voz de abismo.

Vio la hidra del vulgo, con un vil paroxismo, que en él la antigua lengua nació purificada, creyendo que él bebía esa magia encantada en la onda vergonzosa de un oscuro exorcismo.

Si, hostiles alas nubes y al suelo que lo roe, bajo-relieve suyo no esculpe nuestra mente para adornar la tumba deslumbrante de Poe, que, como bloque intacto de un cataclismo oscuro, este granito al menos detenga eternamente los negros vuelos que alce el Blasfemo futuro.

Stéphan Mallarmé La sombra amenazaba.

La sombra amenazaba ya con su fatal ley a un viejo Afán que mis vértebras ha deshecho; triste por perecer bajo el fúnebre techo sus alas posó en mí. ¡Ay, sala de carey y de ébano, capaz de sobornar a un rey, la Muerte las guirnaldas de gloria ha contrahecho y es mentira tu orgullo para el que satisfecho de fe, vive alejado de la equívoca grey!

Sé que en la inmensidad de esta noche la Tierra arroja un resplandor de misterio que yerra a través de los siglos, cual fúlgido remedio.

El idéntico espacio, anulado o crecido, a los testigos fuegos muestra desde su tedio que en un astro, entre fiestas, un genio se ha encendido

Stéphan Mallarmé.

DIRECTORIO

ALFREDO LEAL G. Direccion General.

ARTURO MEDINA. Direccion.

DAVID BORJA Direccion editorial.

LILIANA ESPERANZA. Direccion internacional.

ALEJANDRO OROPEZA. DANIEL BARRERA. JACOBO SALAZAR. Direccion artistica.

LIXZART. JAIME AYALA. Edicion LOURDEZ FERNANDEZ. ALFREDO LINCH. Diseño.

JOSUE HERNANDEZ. Mercadotecnia.

FRANCICO URICA. DAVID BORJA. Fotografia.

JESUS ROJAS. JOSE CRUZ. Juridico.

SELMA CARMONA. LYA ALVES. ANGIE MARCAS. VERONICA NANNI. JOSE MARIA PORTILLO. SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA. CARLOS PARDO. Colaboradores.

Catacumbas de los Capuchinos

Las Catacumbas de los Capuchinos (también llamadas Catacumbas de los Capuchinos de Palermo) son unas catacumbas ceremoniales, situadas en la ciudad de Palermo (Sicilia), en el sur de Italia.

Las catacumbas están situadas bajo un monasterio de la Orden de los Hermanos Menores Capuchinos, que fue originalmente un cementerio en el siglo XVI, y en el que los monjes excavaron criptas subterráneas.

En el año 1599 los monjes capuchinos enterraron a uno de sus miembros llamado Silvestro de Gubbio en las catacumbas.

Los cuerpos se deshidrataban y se trataban con vinagre, algunos se embalsamaban, y otros se protegían en urnas de cristal. Después les volvían a poner sus ropas.

En sus orígenes las catacumbas estaban destinadas solamente para el sepelio de los frailes, aunque con el paso de los años las familias palermitanas solicitaron que sus familiares fallecidos fueran depositados en las mismas.

Uno de los últimos cuerpos en ser enterrados en las catacumbas fue el de Rosalia Lombardo, que contaba solamente con 2 años de edad, y cuyo cuerpo está prácticamente intacto gracias al magnífico proceso de embalsamamiento al que fue sometido por el professor Alfredo Salafia.

Las catacumbas contienen aproximadamente 8.000 momias, y están divididas en secciones: sacerdotes, niños, vírgenes, monjes, profesionales, hombres, mujeres y ancianos .

Personajes famosos enterradas en las catacumbas.

El Coronel Enea Diguiliano.

Salvatore Manzella, cirujano.

Lorenzo Marabitti, escultor.

El hijo del Rey de Túnez, que se convirtió al catolicismo.

El sitió ha servido de inspiración en programadores de videojuegos, para los escenarios del famoso videojuego Mortal Kombat

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Masazumi

Nishino

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Siempre he estado en el dibujo desde que era pequeño. Mi obra de arte se basa en la caligrafía japonesa, “Ukiyoe Art” y “Japanese Family Crest”. Estoy también en las estaciones del año, cada temporada en Japón tiene una diferencia en el color vivo y se refleja en mi arte. Sabores de la infancia recuerdos de mi arte.

Durante el proceso de creación, el arte me habla, la cosa mas importante para mí es hacer que escuche a la pieza. Estoy constantemente en comunicación con mi arte mientras trabajo. Los materiales para el arte son muy importantes no puedo ser capaz de expresar mi imaginación sin la variedad de materiales que uso en cada pieza. Cuando ven mi obra de arte, pueden ver brochazos dinámicos y el detalle característico en el trabajo. Mi intención es crear una onda, un estilo que emerge del arte y la caligrafía japonesa.

Uso diferentes herramientas y materiales, tales como spray para pintar y papel washi (papel periódico), sin embargo la mayoría de mi trabajo es creado por pinceles japoneses y pintura sumi. La parte superior, hace uso de un lienzo de madera.

Me gusta usar estos lienzos por dos razones, la primera, me gusta el intercambio con la imagen que tengo en mente, y la forma en que el grano de la madera actúa como un marco, e influye en cómo pongo la imagen en la madera.

Y segundo, me gusta cómo la pintura sumi interactúa con las imperfecciones naturales inherentes a este medio.

La pintura sumi, te hace un artista disciplinado, ya que no perdona errores.

Una vez que se hace un trazo del pincel sobre la tela no se puede deshacer. Cada vez que se da un golpe crea un estilo propio. Me gusta esa sensación. nishi

Häxan Häxan (título danés: Heksen; Título Inglés: Las brujas o brujería a través de la Edad) es un 1922 sueco-danesa cine mudo escrita y dirigida por Benjamin Christensen. Basado en parte en el estudio de Christensen del Malleus Maleficarum, una guía alemana del siglo 15 por los inquisidores, Häxan es un estudio de cómo la superstición y de la falta de comprensión de las enfermedades y las enfermedades mentales podrían conducir a la histeria de las cazas de brujas. La película se hizo como un documental, pero contiene secuencias que son comparables a las películas de terror dramatizada.

Con cuidada recreación de Christensen de medievales escenas y el largo período de producción, la película fue el más caro escandinava película muda jamás se ha hecho, con un costo de casi dos millones de coronas suecas. A pesar de que ganó la aclamación en Dinamarca y Suecia, la película fue prohibida en el Estados Unidos y fuertemente censurados en otros países por lo que se consideraron en ese tiempo las representaciones gráficas de la tortura, la desnudez, y la perversión sexual.

Después de encontrar una copia del Malleus Maleficarum en Berlín librería, Christensen pasó dos años-1919-1921-estudiar manuales, ilustraciones y tratados de brujas y la caza de brujas. Se incluye una larga bibliografía en el programa de mano original en el el estreno de la película. Tenía la intención de crear una película completamente nueva en lugar de una adaptación de la ficción literaria, que fue el caso de las películas de ese día. “En principio [sic] Estoy en contra de estas adaptaciones ... Trato de encontrar el camino a seguir para las películas originales.”

Christensen obtuvo financiación de la gran productora sueca Svensk Filmindustri, prefiriendo lo largo de los estudios de cine danés locales, para que pudiera mantener la libertad artística completa. Él utilizó el dinero para comprar y renovar el estudio de cine Astra en Hellerup, Dinamarca.

Rodar luego corrió desde febrero hasta octubre de 1921. Christensen y el director de fotografía Johan Ankerstjerne filmaron sólo por la noche o en un conjunto cerrado para mantener el tono oscuro de la película. Post-producción requiere otro año antes de que la película se estrenó a finales de 1922. El coste total para Svensk Film, incluyendo la remodelación del Astra Film Studio, alcanzado entre 1,5 y 2 millones de coronas, lo que hace Häxan la película muda escandinava más cara de la historia.

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Los desprotegidos, los vulnerables y profundamente heridos, es el tema central de mi arte. Trabaje como enfernera durante varios años....Hasta tres años despues decidi, tomar mi nuevo camino.

Sere muy clara y poco drastica al lado oscuro de ser notada, porque con demaciada frecuencia,esta ausente, y pemanecera cerrado, si la vision de las cosas verdaderas, que nadie quiere ver en realidad Me gustaria referirme a als lesiones externas e internas, el daño que causa a las personas, solo se inflingen asi mismos del sin culpables y una vez mas se estan produciendo como un diario constante y en secreto , en secrteto de uno contra el otro.

El espectador de mis obras requiere de la contemplacion necesaria interior y la reflexion, para poder reflexionar sobre si mismo.

Despina Papadopoulou.

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Notre Dame

Nació en Cleveland, Ohio. Estudió arquitectura e hizo después un máster de historia de la arqui-

La Catedral de Nuestra Señora (Cathédrale Notre Dame) es una iglesia de culto católico, sede episcopal de París, la capital de Francia.

Se trata de uno de los edificios más señeros y primitivos de cuantos se construyeron en estilo Gótico. Se empezó su edificación en el año 1163 y se terminó en el año 1345. Dedicada a María, madre de Jesucristo, se sitúa en la pequeña Isla de la Cité, rodeada por las aguas del río Sena. Es de uno de los monumentos más populares de la capital francesa Pese a la poca calidad constructiva del subsuelo, esta ubicación posee un largo historial dedicado al culto religioso. Los celtas habían celebrado aquí sus ceremonias donde, más tarde, los romanos erigirían un templo al dios Júpiter.

También en este lugar existió la primera iglesia cristiana de París, la Basílica de Saint-Etienne, proyectada por Childeberto I alrededor del año 528 d. C. En sustitución de esta obra surgió una iglesia románica que permanecerá hasta 1163, cuando comienza la construcción de la catedral actual.

Ya en 1160, y como resultado del ascenso centralizador de París, el obispo Maurice de Sully consideró la existente iglesia (de San Esteban) poco digna de los nuevos valores. El Gótico inicial, con sus innovaciones técnicas que permiten formas hasta entonces imposibles, es la respuesta a la demanda de un nuevo concepto de prestigio en el dominio ciudadano. Durante el reinado de Luis VII, y bajo su apoyo, este proyecto fue bendecido financieramente por todas las clases sociales. Así, y teniendo en cuenta la grandeza del proyecto, el programa siguió velozmente y sin interrupciones que pudieran ocurrir por falta de medios económicos (algo común, en la época, en construcciones de gran envergadura).

La construcción se inicia en 1163 reflejando influjos de la Abadía de Saint Denis, subsistiendo aún dudas en cuanto a la identidad de quien habría «colocado» la primera piedra, el obispo Sully o el papa Alejandro III. A lo largo del proceso (la construcción, incluyendo modificaciones, duró hasta mediados del siglo XIV) fueron varios los arquitectos que participaron en el proyecto, esclareciendo este factor las diferencias estilísticas presentes en el edificio En 1182 el coro ya prestaba servicios religiosos y, durante la transición entre los siglos, se concluyó la nave. Al inicio del siglo XIII arrancan las obras de la fachada oeste con sus dos torres, extendiéndose a mediados del mismo siglo. Los brazos del transepto (de orientación norte-sur) fueron edificados de 1250 a 1267 bajo supervisión de Jean de Chelles y Pierre de Montreuil. Simultáneamente se levantan otras catedrales a su alrededor en un estilo más avanzado dentro del Gótico; la Catedral de Chartres, la Catedral de Reims y la Catedral de Amiens..

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Daniel

Barrera El trabajo de Daniel Barrera.

Este trabajo es complejo, tanto técnicamente como conceptualmente, el recorre un camino espiritual, atrevido y reflexivo, con una lógica interna la cual cobra sentido en la medida que uno contempla al mundo, el mundo humano, el mundo de los sentidos y de los atormentados, Daniel Barrera a tenido buenos maestro, como lo fue su abuelo Fidel Rubio quien lo pusiera a pintar casi sin preguntar si eso es lo que Barrera quería, este abuelo, por cierto sabio en su influencia fue discípulo de José Bardasano, es curiosa la liga histórica que el hereda, pues el maestro de su abuelo, fue un gran pintor reconocido precozmente, fue rechazado en la Escuela de Artes y Oficios de San Fernando, en España, posteriormente fue un ilustrador sobresaliente de la guerra civil española, estos antecedentes dejan ver un espíritu revolucionario y contestatario, inconforme, listo para generar cambios y alterar conciencias. Heredero de una técnica peculiar que engloba el clasicismo y la ilustración, Barrera, vuelve a degradar los métodos con su gusto por el comic y la historieta contemporánea, cosa que según el mismo autor: pudiera haber desarrollado más. De alguna forma el ser pintor es circunstancial, cosa que a mi parecer resulta totalmente favorable. Como un supuesto niño genio a trasgredido su medio, a consternado a sus maestros, desde la preparatoria a su vida adulta, es capaz de hablar de las cosas mas profundas de la condición humana, como los vicios, las penas, el dolor y la muerte. Constantemente trae a cuente en sus cuadros, los senderos de la redención del alma. Casi gótico, desolado, permite al hiperrealismo filtrarse en sus retratos.

Personajes que comienzan a ser celebres, de alguna forma, gracias a su trabajo. Misticismo y esoterismo se concilian con la imagen fotográfica.

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Nos ofrece retratos de espíritus atormentados, como si un lejano expresionismo se manifestara a través de su mirada. Es a pesar de todo, un cínico, un filosofo incomprendido, muestra de eso es su participación en el grupo PUERKKO, su humor y ligereza lo hace versátil, no se toma en serio, pues sabe que la humildad y la generosidad amplían brechas de conocimiento y aventura, su paso por el legendario e infame grupo PUERKKO, del cual yo soy fundador desde hace mas de 10 años, me han permitido conocerlo solo un poco, como persona, personaje y artista, es interesante como puede ser un maestro, pues es de esas personas que te detienen para decir en un momento preciso, no seas arrogante, cosa que en este mundo, es la fruta común y vulgar, el ego, la soberbia, la envidia son vicios absurdos que solo hacen ver a los famosos como niños con puchero, es decir no hay persona atrás de la personalidad.

Su experiencia en la vida lo hace comulgar con los interese de Caspar David Friedrich, en cuanto a su nostalgia y tragedia ensimismada. En cuanto a su autorretrato con mascara antigases y corazón de bestia en las manos, nos remite a performances al estilo de Ron Athey, rodeado de sangre y pecado, Athey conformador del grupo ¨Christian Death¨ participo de esta banda de culto y a su vez fue organizador de eventos performaticos provocadores, junto con enfermos del VIH mostraba como se sobreponen a la muerte sus compañeros de una manera espectacular y bizarra, se abren la piel con navajas, se sacan la sangre de las venas para después aventarla al suelo o al publico, quieren trascender a partir de su debilidad, si retomamos el aspecto religioso donde el ente creativo a martirizado su templo, su cuerpo, Ron Athey enfermo, era un representante del dolor contemporáneo, a diferencia de Ron, Daniel es un ente sensible que no permitió que el dolor lo gobernara pero si sintió a la muerte y su aliento en el cuello, los suspiros de una sociedad perdida, decadente. Es casi el fin del mundo, de la vida, todos queremos vivir rápido, enajenados por líderes confusos, sean rockeros, actores o cualquier victima mesiánica. Estamos en un Apocalipsis. ¿Como volver a tener esperanzas en la humanidad si la humanidad es el cáncer del mundo?. Hay quienes tienen conciencia y han sido iniciados por las luces del conocimiento y la virtud. Me viene a la mente los votos de silencio de Andri Rublev en la película de Andrey Tarkovsky , Daniel Barrera es un ermitaño contemporáneo, lidia con los deberes sociales, incluso los padece como otros tantos creadores solitarios, con su aislamiento rectifican las fallas del ser humano. Esta es la verdadera relación entre arte y vida, la renuncia a los vicios, a la sociedad, es decir, la soledad. Un performance silencioso, aleccionante.

Solo el tiempo nos dará cuenta de la luz que este artista nos puede ofrecer, pues a pesar de todo la confianza que adquiere Daniel Barrera se debe a su ética, ese pequeño ruido de perfección que puede quebrantar el autoestima de cualquier artista. Solo nos queda esperar que este espíritu se fortalezca para irradiar la luz para quienes disfrutan sin prejuicios de experimentar una acción sangrienta o ver un cuadro venerable en la pared de una habitación.

Iván Villaseñor.Artista Plástico, Profesor de la ENPEG Esmeralda.

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Artemundial Worldart es un espacio virtual de arte que reúne artistas de todo el mundo, provenientes de países como Alemania, Argentina, Brasil, Bulgaria, Canadá, Chile, Colombia, Croacia, Cuba, EEUU, España, Francia, Holanda, India, Indonesia, Irán, Italia, Japón, Lituania, México, Perú, Polonia, Portugal, República Dominicana, Rusia, Serbia, Taiwan, Uruguay y Venezuela.

Caleidoscopio infinito en constante crecimiento....

Arte para todos.

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Ausín Sainz SEMBLANZA

2005 Crearte, feria de Arte, Alba de Tormes, Salamanca.

Reliquias Planeta Tierra, CIDECOR, Palacio Isla, Burgos.

2004 Premio CAJA ESPAÑA Itinerante. Escultura 2003, Salamanca, Ponferrada, Burgos, Palencia, Valladolid.

Crearte, Feria de Arte, Alba de Tormes, Salamanca.

2003 Pintura sobre pintura, Casino, Salamanca.

Premio CAJA ESPAÑA Itinerante, Escultura 2003, León.

Crearte, feria de Arte, Alba de Tormes, Salamanca.

2002 Crearte, feria de Arte, Alba de Tormes, Salamanca.

Premios 2012 Retrato y detalle LightUp, 1º premio.

II Concurso Portada los Cuentos de la Granja, Canónigos, 1º premio.

9º Concurso fotográfico El Camino del Cid. 2º premio.

2º Concurso Fotográfico FPH 2012, Mención honorífica.

Madrid Process-room 012 enero, selección serie Viva España.

Bienal Banderolas Betanzos 2012, Selección.

2011 Artistas sin fronteras 2011, 1º Premio.

II Concurso de fotografía PradoRey 2011, 3º premio.

6º Concurso Internacional de fotografía CalzArte-Cuidad de Elda, selección.

2010 Navelina 2010, 1º premio de Fotografía.

PH74 Contemporany Photography. Gallery & Magazine, 1º premio y portada mes de marzo.

2009 Recreaciones: Visiones de lo cotidiano, Premio y Publicación “El Duende” mes de abril.

2008 Yuglo, Premio artes plásticas 2008.

2004 I Bienal Deporte y Arte, 3º Premio, Diputación de Burgos.

2003 Premio Caja España, Escultura, selección, Caja España.

2002 X amor al arte, selección, ALDEASA.

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1999-2001 Especialidad de Escultura, Facultad de Bellas Artes, Salamanca.

1997-1999 Especialidad de Pintura, Facultad de Bellas Artes, Salamanca.

1987-1992 Licenciatura en Diseño Gráfico y Audiovisuales, Facultad de Bellas Artes, Salamanca.

1989-1992 Graduación en Dibujo Publicitario, Artes Aplicadas y Oficios Artísticos, Salamanca.

Exposiciones individuales 2013 Negro Confianza, Galeria La Casa Rosa.

Málaga.

Verde Pasión II, Consulado del Mar. Burgos.

Verde Pasión I, Palacio de Pimentel. Valladolid.

2012 Viva España II, Palacio Garcigrande, Salamanca.

Muro, Espacio expositivo Biblioteca Pública, Ávila.

2011 Animales humanizados, humanos animalizados, Centro de Arte Contemporáneo MedinaceliDEARTE, Soria.

Vita somnium breve, La sala de Blas, Archidona, Málaga.

I’m not a Nobody, Sala Ochavada, Ayuntamiento de Archidona, Málaga.

Señalética VIP (area for cows), Intervención Urbana, Pilatus, Suiza.

Animales humanizados, humanos animalizados II, Intervención Urbana, Check Point Charlie, Berlín.

2010 Jugueteando, Sala Consulado del Mar, Burgos.

Pequeñas obras, Torreón de los Guzmanes, Ávila.

Animales humanizados, humanos animalizados I, Intervención Urbana, DASSAU, Munich.

Intervención intervenida, Rebecca Rohgst Home Sweet Home, Intervención Urbana, FACYL, Salamanca.

2009 Columna (Paraísos prohibidos -Especulación-), Biblioteca Pública, Ávila.

Sueños y pesadillas, vivir su vida, (Homenaje a Godard), TRIBALL, Madrid.

Mujer divino tesoro, Eliminación violencia machista. Intervención Urb. Salamanca.

Feminicidio, ciudad de Juárez, Intervención Urbana, México DF. Sex. Intervención Urbana en cabinas telefónicas, Londres.

Multa ignoecendo fit potens potentior, Intervención Urbana, Londres.

Pest, Intervención Urbana, Edimburgo.

2008 Más mirar, más ver, Mass-media, Espacio código UBU, Burgos.

Danza Macabra La Danza de la muerte o Danza macabra es un género artístico tardo-medieval cuya tema era la universalidad de la muerte. Se trata de un diálogo en verso y por tanto representable, en que una Alegoría, personificación alegórica de la Muerte, como un esqueleto humano, llama a personas de distinta posición social o en diferentes etapas en la vida para bailar alrededor de una tumba.

Típicamente estas figuras eran el Papa, el Obispo, el Emperador, el Sacristán, el Labrador, etc. La muerte les recuerda que los goces mundanos tienen su fin y que todos han de morir. Se cree que .las danzas macabras eran de hecho bailadas representadas teatralmente en el siglo XIV La Danza general de la MuerSu influencia se deja notar en Este macabro espectáculo se te escrita en castellano se autores españoles posteriores, desarrolló en toda la literaconserva en un manuscrito de como la Barca de la Gloria, de tura europea, procedente de la Biblioteca de El Escorial, Gil Vicente, Diálogo de MerFrancia. El tema de la muerte fue compuesta a principios curio y Carón de Alfonso de dominó la Baja Edad Media del siglo XV. Consta de más Valdés, Farsa llamada Danza y frente a ella no había resigde seiscientos versos dodede la Muerte de Juan de Penación cristiana, sino terror draza, La farsa de la Muerte ante la pérdida de los placeres casílabos en coplas de arte mayor en que van desfilando y de Diego Sánchez de Badaterrenales. Presenta, por un lamentándose todas las figujoz, Las Cortes de la Muerte lado, una intención religiosa: ras representativas de los tres de Luis Hurtado de Mendoza recordar que los goces del y Coloquio de la Muerte con mundo son perecederos y que estamentos sociales medievales (nobleza, clero y plebe) todas las edades y estados, hay que estar preparado para sucesivamente invitados por de Sebastián de Horozco. En morir cristianamente; por otro la Muerte a unirse a su danza. el capítulo XI de la segunda lado, una intención satírica al parte de El Quijote, Don Quihacer que todos caigan muerEl hombre medieval estaba jote y Sancho encuentran a tos, con independencia de familiarizado con la idea de la una compañía de cómicos que su edad o su posición social, muerte y la convirtió en motirepresentan Las Cortes de la dado el poder igualatorio de la vo artístico. Las danzas de la Muerte, un auto sacramental muerte. También tuvo expremuerte se representaban en de Lope de Vega. Finalmente, sión artística, mereciendo semana santa. Son alegorías en el Barroco se encuentran destacarse los grabados que de este tema en el que aparelas últimas referencias en los hicieron Hans Holbein el Viejo cen personas de todas clases autos de Calderón de la Bar(publicados en 1538) y Heinsociales y económicas bailanca y en los Sueños (1627) de rich Aldegrever (1541). Ya en do con esqueletos, personifiQuevedo. el siglo XIX, el caricaturista cando el tópico literario de La Thomas Rowlandson lanzó muerte igualadora. otra versión grabada de tono más humorístico.

Varias piezas musicales (sobre todo del siglo XIX) se vieron influenciadas por la temática de la Danza de la Muerte. Una de las más destacadas es la Danse macabre de Camille Saint-Saëns. En ese poema sinfónico un violín solista tocado alegóricamente por la muerte lleva la voz cantante imponiéndose sobre el resto de instrumentos, representación de los mortales.

La composición de Franz Liszt traducida del alemán (Totentanz) al francés como Danse macabre no comparte con la temática sino el nombre, pues la obra son unas variaciones del tema medieval del Dies Irae para orquesta y piano concertante.

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ANA QUIMERA 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Al arte en sí, recientemente, unos 10 o 12 años.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Mejorar, siempre mejorar.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

No afecta mucho, en realidad mi obra es más sobre lo que me gusta hacer a mí, no tanto representar el ambiente en donde vivo, o con quienes convivo.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Todo lo que alguna vez he visto en internet, la tele o el cine han sido mis referentes. Pero si hablamos de los clásicos, diría que me encanta Caravaggio.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Nada especialmente, solo tal vez difundir, que lo que hago, lo hago con mucho placer y que todos deberían poder dedicarse a eso que tanto les gusta.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

En realidad creo que todas han sido especiales de alguna forma, a fin de cuentas son lo que ha sobrevivido a una cruenta batalla de bocetaje metal y físico. Son el resultado de mucho trabajo y tiempo... pero tampoco estoy especialmente encariñada con ninguna.

7- Eres artista de tiempo completo?

Claro, y espero poder seguir así hasta que la muerte nos separe.

8- Qué técnicas utilizas?

Lo que sea que se me ponga enfrente, que sea buena en ello ya es otra cosa, pero puedo decir que es como regresar al kínder con tu caja de crayones. Después de todo ahí empezó el desmadre…

https://www.facebook.com/quimera.negra

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SUCURSAL RIO RHIN - 13 Col. Cuautemoc Mexico D.F. https://www.facebook.com/optica.yocalidf

Grant Cunningham 1 - ¿Cuánto tiempo ha estado creando arte?

He estado creando arte desde que pude recoger un lápiz para dejar mi huella en el mundo .

2 - ¿Cuáles son sus metas y / u objetivos en este campo ?

Hace mucho tiempo he renunciado a la presión de la fortuna o la fama de ilustraciones . Yo sólo pretendo crear un mapa de lo que he visto en este mundo.

3 - ¿su entorno afecta su obra de arte ?

Puedo crear obras digitales en el metro o crear en un ambiente de discoteca ruidosa. Mi preferido es en la noche , a solas , con una iluminación mínima, vino y música . Debo tener música.

4 - ¿Qué artistas han sido tus influencias?

Cualquier artista que ha tomado el camino impopular entre su trabajo y mantenido su visión artística . Joe Coleman fue una gran influencia temprana , Otto Dix . Cualquier artista que no ha renunciado a la pintura lo feo.

5 - ¿Hay algo especial acerca de su arte que le gustaría compartir?

No es “miedo”. Si se ve tan temible que el espectador es un cobarde a sus propias vulnerabilidades. Mi arte es, en última instancia acerca de la supervivencia de uno mismo y de las circunstancias.

6 - son tus obras de arte especial para ti? (¿Puedes nombrar 5 de ellos) Mi pintura más preciada es “a través de un fino velo”, pintado después de mi gato familiarizado fallecido después de 22 años. Yo prefiero la compañía de los gatos casi todos los días a humano, y este era un compañero muy especial para mí. Esta pintura estará en mi familia para siempre.

“Usted no es mi amigo” que lamentablemente terminó en las manos de un buen amigo que es socio psicótico desarrolló un odio de mí que era tan fuerte que no podía mirar a mi arte en su casa.

Ahora residen en el armario si no han sido destruidos o vendidos. “Causa y afectar” que pudo haber corrido la misma suerte ya que el comprador era un amigo de la pintura anterior mencionado. “The Ride Home” es probablemente mi pintura más personal y fue el más difícil de pintar ... para volver a ese lugar era terrible. En un show en Calgary mecenas reído de ella, pensando que era una pintura muy gracioso ... que tenía que salir a la calle o el riesgo de aniquilarlo con mi ira. “Comportamiento Antisocial” ... una de mis primeras piezas “artista serio”. Voy a revisar que la pluma y la tinta trabajo y admirar el detalle. “Freak” ... esto fue pintado durante el famoso Icestorm Quebec después de que había caído y roto mi muñeca y estaba en dilaudid para el dolor. Los bebés en el tarro representan a mí mismo y mi gemelo muerto. Si se mira de cerca la alta figura de la izquierda tiene clavijas en el mismo de la muñeca.

7 - ¿eres un artista de tiempo completo?

Yo se desanimó con el mundo del arte y que me digan que mi trabajo era “demasiado miedo” para las masas. Actualmente estoy en un descanso de 8 meses a partir de la creación de una nueva pintura o dibujo y se reanudará cuando los rendimientos de fuego. Siempre lo hace.

8 - ¿Qué técnicas se utilizan?

Soy autodidacta y no tienen ninguna técnica específica que uso. Tiendo a destruir mis pinceles y mi presupuesto principal para el arte se destina a la compra de uno nuevo.

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IC 2118, nebulosa Cabeza de Bruja

IC 2118, también conocida como nebulosa Cabeza de Bruja o NGC 1909, es una muy tenue nebulosa de reflexión. Se cree que es un antiguo remanente de supernova o una nube de gas iluminado por la cercana supergigante azul Rigel (β Ori). Se encuentra en la constelación de Eridanus, muy cerca a Orión, a unos 1.000 años luz de la Tierra. La naturaleza de las partículas de polvo que reflejan la luz azul más que la luz roja, es un factor el que IC 2118 sea de color azul. Las observaciones de radio muestran sustancial las emisiones de monóxido de carbono a lo largo de partes de IC 2118 un indicador de la presencia de nubes moleculares y de formación estelar en la nebulosa. De hecho, los candidatos a pre-estrellas de secuencia principal y algunos ejemplos clásicos de estrellas T Tauri se han encontrado en lo profundo de la nebulosa.

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Mónica Marcela Rodríguez Nieves (La Chuka) 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Desde hace 3 años 2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

Ser reconocida, primero nacional, y después internacionalmente, como artista mujer, mostrando aunque suene muy egoísta de mis parte: mis deseos, frustraciones, fantasías, etc. plasmados en mis obras.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Creo que en cierto modo incomodidad o incompatibilidad. Porque la mayoría de las veces son imágenes violentas, pero en otros casos afectan empatía por sentires indentificados con la situación.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Gustav Klimt, James Jean, Audrey Kawasaki, Egon Schiele, Goya, Caravaggio.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

La experiencia egoísta de ver mi mundo.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Fin de año, And so begins the new year, Anatomy humana, El despertar, Veneno 7- Eres artista de tiempo completo?

No siempre, ya que trabajo de freelance.

8- Qué técnicas utilizas?

Muy escasa la técnica tradicional (lápiz y bolígrafo) y ahora utilizo por economía y espacio el dibujo digital.

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ALFREDO LINCH ARTES VISUALES

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