Evolucionarts febrero 2016

ALBERTO BONUS

LO MEJOR DEL ARTE INTERNACIONAL, ESTE MES LA OBRA PLASTICA DE

EVOLUCIONARTS FEB 16 32

Zorica Dora Kljajic.

Veronica Nanni Rodolfo Torres Hego Goevert Juan Sanchez Quenaya Jorge Rosensvaig

ARTES VISUALES, ARQUITECTURA, DANZA, CINE, TEARO, LITERATURA, MUSICA

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Artemundial Worldart es un espacio virtual de arte que reúne artistas de todo el mundo, provenientes de países como Alemania, Argentina, Brasil, Bulgaria, Canadá, Chile, Colombia, Croacia, Cuba, EEUU, España, Francia, Holanda, India, Indonesia, Irán, Italia, Japón, Lituania, México, Perú, Polonia, Portugal, República Dominicana, Rusia, Serbia, Taiwan, Uruguay y Venezuela.

Caleidoscopio infinito en constante crecimiento....

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CONTENIDO FEBRERO 2016

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Museo del Prado.

Zorica Dora Kljajic.

William Morris

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Alberto Bonus El sombrero de trespicos Veronica Nanni

El acorazado Potemkin Rodolfo Torres

La fábula de Orfeo Hego Goevert Jorge Rosensvaig

La Nebulosa del Casco de Thor Juan Sanches Quenaya

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www.evolucionarts .com evolucionarts@evolucionarts.com

G

RAVITACIÓN

LY Is i Vc

os abismos atraen. o vivo en la orilla de tu alma. nclinado hacia ti, ondeo tus pensamientos, ndago el germen de tus actos. agos deseos se remueven en el fondo, onfusos y ondulantes en su lecho de reptiles.

¿V yN N N N AP

De qué se nutre mi contemplación voraz? eo el abismo tú yaces en lo profundo de ti misma. inguna revelación. ada que se parezca al brusco despertar de la conciencia. ada sino el ojo implacable que me devuelve mi descubierta mirada. arciso repulsivo, me contemplo el alma en el fondo de un pozo. veces, el vértigo desvía los ojos de ti. ero siempre vuelvo a escrutar en la sima.

Oy Y MS d Av d

tros, felices, miran un momento tu alma se van. o sigo a la orilla, ensimismado. uchos seres se despeñan a lo lejos. us restos yacen borrosos, isueltos en la satisfacción.

traído por el abismo, ivo la melancólica certeza e que no voy a caer nunca.

J

UAN JOSE

ARREOLA.

DIRECTORIO ALFREDO LEAL G. Direccion General.

ARTURO MEDINA. Direccion.

LILIANA ESPERANZA. Direccion internacional.

ALEJANDRO OROPEZA. DANIEL BARRERA. JACOBO SALAZAR. Direccion artistica.

DAVID BORJA. LIXZART. JAIME AYALA. Edicion LOURDEZ FERNANDEZ. ALFREDO LINCH. Diseño.

JOSUE HERNANDEZ. Mercadotecnia.

FRANCICO URICA. DAVID BORJA. Fotografia.

JESUS ROJAS. JOSE CRUZ. Juridico. .

ANGIE MARCAS. VERONICA NANNI. JOSE MARIA PORTILLO. SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA. CARLOS PARDO. Colaboradores.

L A

LFREDO INCH

ARTES VISUALES

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L

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Esperanza

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A

lejadro Oropeza

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aniel barrera

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Museo del prado.

El Museo Nacional del Prado, en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo, así como uno de los más visitados (el decimoctavo en 2013 entre los museos de arte). Singularmente rico en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX, según el historiador del arte e hispanista Jonathan Brown «pocos se atreverían a poner en duda que es el museo más importante del mundo en pintura europea».

Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, el Greco, Goya (el artista más extensamente representado en el museo), Tiziano, Rubens y El Bosco, de los que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto o Van Dyck, por citar solo algunos de los más relevantes.

Alfonso E. Pérez Sánchez, antiguo director de la institución, afirmaba que «representa a los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable de nuestra historia».

Por crónicas limitaciones de espacio, el museo exhibía una selección de obras de máxima calidad (unas 900), por lo que era definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Con la ampliación de Rafael Moneo, se previó que la selección expuesta crecería en un 50 %, con unas 450 obras más. En julio de 2011, muy avanzada la reorganización de las salas, la exhibición permanente ha sumado unas 300 obras, por lo que el total expuesto llega a 1150.

El inventario de bienes artísticos comprendía, al cierre del ejercicio 2012, 27 509 objetos, desglosados en 7825 pinturas, 8637 dibujos, 5493 grabados y 34 matrices de estampación, 932 esculturas (además de 154 fragmentos), 1101 piezas de artes decorativas, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, 981 fotografías, 4 libros y 155 mapas.12 Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y sus enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y limitada en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.

El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, el Hermitage, el Metropolitan, la National Gallery de Londres, o incluso (a una escala mucho más reducida) el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas las escuelas y épocas. Por el contrario, es una colección intensa y distinguida, formada esencialmente por unos pocos reyes aficionados al arte, donde muchas obras fueron creadas por encargo.

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Z

orica Dora Kljajic. artista plástico Serbia

1 - ¿Cuánto tiempo ha estado creando arte?

El arte es mi vida! Mientras que puedo recordar. Mi padre era pintor ... Creo que fue determinado camino para mí por destany.

2 - ¿Cuáles son sus metas y objetivos en este campo?

Soy diseñador gráfico de profesión principal, pero el arte es mi vida. Tengo que crear ya que tengo que respirar y quiero compartir la magia de la creación con la gente! Mi “objetivo” es ... para contribuir aunque sea un poco y hacer de este mundo más hermoso y mejor.

3 - ¿Tiene su entorno afecta su obra de arte? ¡Mucho! Yo vivo en un lugar muy duro, Serbia. Es muy difícil ser artista en un depresivo y destructiva, lugar oscuro. Mi arte es mi manera de “escapar” a “otra dimensión” y superar todos!

4 - ¿Qué artistas han sido tus influencias?

Sigo mis interiores, las emociones más profundas, reflejada por ejemplo ambiente duro vivo ......... ..painting y dibujos las “cosas que no podemos ver”! Adoro Paul Klee. Genio. También fue profesor de la primera escuela de diseño Bauhaus, Alemania / 1919 /. Así, Diseño y pintura juntos son mi combinación favorita en el arte, seguro!

5 - ¿Hay algo especial acerca de su arte que le gustaría compartir?

Utilizo mucho la psicología analiza en mis dibujos. La psicología es mi segundo gran amor! Mi pasatiempo favorito. Yo amo a obeserve personas y tsituations vida a mi alrededor. Yo sí creo en el arte con profunda dimensión intelectual.

6 - ¿Son sus obras de arte especial para ti?

Sí. Mucho ! Mi arte es mi vida, la vivienda, la respiración ... ..my alegría! Los títulos de mis obras de arte va a ilustrar todo lo que he dicho en mis respuestas anteriores.

- 1. “Búsqueda de los Milagros” - 2. “La realidad desenmascarar” - 3. “Divergente Weaving” - 4. “La ignorancia va a matar” - 5. “En el Salón de los suspiros y temblorosos labios”, inspirado en la novela “Rayuela” de Julio Cortázar 7 - ¿Es usted un artista de tiempo completo?

Sí ... .. mejor dicho .... Artista vida plena!

8 - ¿Qué técnicas se utilizan?

Mi técnica favorita es dibujar con tinta y agua! Técnica combinada, con pastel seco y collage.acrilico y oleo

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William Morris Nació en Walthamsow, cerca de Londres. Perteneciente a una familia acomodada, en 1848 inició su educación en el Marlborough College y la completó en el Exeter College de la Universidad de Oxford, donde estudió arquitectura, arte y religión. En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría sobre él una influencia duradera, y a artistas como Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown y Philip Webb.

También fue en estos años cuando conoció a Jane Burden, una joven de clase obrera cuyo pelo cobrizo y piel pálida eran considerados por Morris y sus amigos como la máxima expresión de la belleza femenina, por lo que la eligieron como modelo para numerosas obras.

Morris y Burden se casaron en 1859.

Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.

Tras culminar sus estudios, comenzó a trabajar en 1856 en la firma de arquitectura de G.E. Street. Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden. En los años siguientes (1857-62) se convirtió en pintor profesional. Con su experiencia en arte y arquitectura fundó, en 1861, junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial que él personalmente financiaba. Mediante esta empresa, Morris creó un “revival” cultural en la Inglaterra victoriana que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.

Este movimiento atrajo a gente de todo el mundo y en 1875 la compañía pasa a llamarse Morris and Co., con Morris como único propietario. Durante gran parte de su vida, Morris se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales abominando de las modernas formas de producción en masa. En 1883 se incorporó a la Federación Socialdemócrata (el partido obrero de Inglaterra). Posteriormente, en 1885, se escindió junto con una parte de él y organizaron la Liga Socialista, donde militaban socialistas no marxistas (jacobinos, cristianos y anarquistas).

William Morris fundó en 1891 Kelmscott Press donde produjo trabajos originales (The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc), así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida la edición de los Cuentos de Canterbury, de Chaucer, ilustrada por Burne-Jones e impresa en Kelmscott Press en 1896. Morris estudió al detalle el arte del período medieval y por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros que editaba se basaran en los trabajos de Peter Löslein y Bernhard Maler que trabajaron para el impresor y diseñador de tipos de Augsburgo Erhard Ratdolt (1474-84).

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A

lberto Bonus

1Desde cuándo te dedicas al arte?

ME DEDICO DESDE EL AÑO 2009, DE FORMA PERMANENTE E INEVITABLE POR SUERTE! 2Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

MI OBJETIVO PRINCIPAL ES SEGUIR CRECIENDO Y EVOLUCIONANDO COMO ARTISTA. 3De qué manera afecta el entorno en tu obra?

CREO QUE INEVITABLEMENTE LO EXTERNO Y LO INTERNO TAMBIEN, TIENEN SU INFLUENCIA EN LA OBRA, INCLUSIVE DE MANERA INCONSCIENTE. 4Qué artistas han sido tus referentes?

NO SABRÍA DECIRTE CUÁLES SERÍAN MIS REFERENTES, PERO HAY MUCHOS ARTISTAS QUE TE PROVOCAN ADMIRACIÓN. ESCHER, CARAVAGGIO, LEONARDO, LUCIAN FREUD, ETC. 5Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

LOS MOMENTOS EN QUE UNO TRABAJA EN LA OBRA , SON LOS MEJORES PARA DISFRUTAR Y SI ADEMÁS LOGRAS ESA CONECCIÓN ENTRE TU IDEA Y LA REALIZACIÓN DE LA MISMA. ESE INSTANTE INEXPLICABLE DE EMOCIÓN. PODER CREAR ALGO QUE ANTES NO EXISTÍA, QUE ME CONMUEVE, ESO AGRADEZCO Y COMPARTO! 6Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

CON EL TIEMPO APRENDI QUE TODAS SON IMPORTANTES, UNA OBRA ME PERMITIO CREAR LA SIGUIENTE, LO MÁS IMPORTANTE ES EL CAMINO, SEGUIR AVANZANDO. 7Eres artista de tiempo completo?

ESE ES MI OBJETIVO, ESTOY TRABAJANDO LO MEJOR QUE PUEDO PARA LOGRARLO 8Què tècnicas utilizas?

EN PINTURA: ESTOY TRABAJANDO CON AERÓGRAFO EN DIBUJO: CON GRAFITO, Y LAPIZ PASTEL EN GRABADO: SERIGRAFIA, XILOGRAFIA Y LITOGRAFIA EN ESCULTURA: CON METAL

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E

l sombrero de tres picos

El sombrero de tres picos es un ballet del compositor español Manuel de Falla y coreografía de Léonide Massine basado en la novela homónima del escritor decimonónico Pedro Antonio de Alarcón. Se estrenó el 22 de julio de 1919 en el Alhambra Theatre de Londres bajo la batuta de Ernest Ansermet y decorados y figurines de Pablo Picasso. Los intérpretes principales fueron el propio Léonide Massine como el molinero (cuya intervención estelar será la interpretación de la farruca) y Tamara Karsávina en el papel de la molinera. La jota final es uno de los números más conocidos de la obra, ejemplo de estilización del folclore tanto en el baile (en el que todavía prevalece coreográficamente el elemento ruso) como en la música del maestro Falla.

En la historia de la danza teatral del siglo XX, ‘El sombrero de tres picos’ de Pedro Antonio de Alarcón puede reclamar un lugar tan significativo como el de la Petrushka de Ígor Stravinski[cita requerida]. Ambas obras fueron producidas por el gran empresario Serguéi Diáguilev y representadas por sus Ballets Rusos. Las dos rompen con las primitivas tradiciones temáticas que poblaban el género de princesas, apariciones y cisnes. Pero todavía más importante, quizás, es su visión de la burguesía con una cierta simpatía. En este sentido, en El sombrero... se reflejan las actitudes y aspiraciones de la Andalucía rural.

Tras su estreno en Londres, la obra tuvo un rotundo éxito, elogiándose la acertada síntesis de música, baile, drama y decorado.

Una primera versión de la obra, llamada El corregidor y la molinera, fue representada en 1917 en el Teatro Eslava de Madrid en forma de pantomima en dos partes. Más tarde, Diáguilev conoció a Falla y lo convenció de la necesidad de retocar la obra con la intención de dotarla de mayor estructura teatral; el autor modificó su obra para adaptarla al género de la danza, eliminando gran parte de los elementos descriptivos (incluso irónicos) y expandiendo las partes bailables.1 El ballet está basado en un cuento folclórico que comparte el espíritu de Beaumarchais, su brío y su profundo respeto por los recursos y el espíritu del segundo estrato de la sociedad.

Tras el estreno del ballet, Falla compuso dos suites orquestales con el mismo título, la n.º 1 y la n.º 2, que se suelen representar más que el propio ballet. En ellas, retiró algunos fragmentos vocales y de transición que contenía la obra original.

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V

eronica Nanni Artista Italiana de Belluno, Veneto. Professionista expositora dal 2000.

Internazionale d’Arte Mostre, neo-espressionista e figurativo, in diversi paesi come Francia(Parigi Montmartre) , Italia (Roma), Spagna (Barcelona), Grecia (Atenas), Bruxelles, Olanda, Messico (Playa del Carmen e Cancun) e Argentina (Buenos Aires), come la partecipazione à diversi eventi d’ arte .

Come col Associazioni partecipano en eventi, expositione e donazione de differente opere figurativa per luoghi e associazioni diversi.

In Francia Mediterraneo Montpellier – Muestra di 48 opere in Garcia Lorca, Perpignan diferente galerie e Parigi- Associazioni Aurore e Coallia.

Membro attivo con il movimento ‘CENTO PER IL MONDO ARTISTI’ con il Ministero Orlando Serppietri ispettore dei Beni Culturali. Cerreto Laziale (Rm).

TRAYECTORIA ARTISTICA Desde lo mas profundo de mi sentir...

La expresion de lo que siente mi alma y ven mis ojos A mis Tesoros......mis hijos, Quique,Verito, Gaby(Futura artista plàstica) y Oscarin; a mi adorado padre, mi lider que en paz descanse, a mi madre con orgullo y amor, como tambien a todos mis hermosos hermanos.

Mis primeras obras en el 2000 se desarrollaron en Buenos Aires, Argentina. Teniendo un significado importante para mi e influenciada al pintar de noche bajo la luz de la Luna, llena de emociones y mùsica interna, llena de sueños e ilusiones, de creencias y de sentires...de amores y desamores...abrazada y añorada.. siempre como compañero su mate al sentido arìstico...ahi nacio Luna BsAs bajo la luz de la Luna...

Las primeras pinturas importantes entre las que se destacaron, fueron: “El Sagitario Quirón”, mitad hombre (inteligente, intelectual y sabio), la otra mitad animal (con su total libertad, brioso y desbocado) desarrollado en Mar del Plata Provincia de BsAs, “La mezcla de razas, México-Argentina”, indígena Azteca con su compañero Gaucho en la Pampa de la Argentina.

Aquí ya planteo el primer termino de imágenes con influencias definidas...

Frecuentaba ya en BsAs un enigmático lugar, el “Ateneo”, donde con fondo de piano y violín, tocaban a mi sentir.

Visiones disueltas, a veces elongadas en el espacio, casi emanados de la misma imaginación mágica brotan los desnudos de provocación, como muestra mi obra “Wilma” y “Pensando en ella”, que en este último caso la femeneidad se funde en lo masculino.

Mi libertad de todo es posible, desde el manejo de lo imprevisto y necesidades internas. Me permite dar testimonio de una impronta a mi espíritu creativo.

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El lenguaje de estas tantas obras, realiza una subversión, para instalar nuevos modos de comunicación. De esta manera imprimo un ritmo particular a mi trayectoria artística en la que afirmo”La belleza sutil será verdadera ó no será”.

Por lo mismo demuestro que las concepciones apriorísticas de toda comunicación son susceptibles de ser alteradas, disueltas y transformadas.

Es permeable al Torrente de contenidos que surgen desde lo más primario, impulsando por los sentidos.

Como si la pintura tuviese vida propia, autónoma de mi ser, que la deja ser. “No sé como va a comenzar” suelo pensar, “Ni siquiera sé como va a terminar”, mientras dejo descansar la obra en proceso.

Campos de colores, fantasmas y formas se organizan precipitadamente.

Es el gesto del pincel que trabaja obsesivo liberando trazos, lineamientos, esfumados, cuerpos articulados y tallados sutilmente y hasta diría yo muy sensuales.

Los personajes crecen como voces que se van haciendo escuchar desde el fondo de la tela, enfrentando nuevas historias de realidades e irrealidades ambiguas en escenarios abstractos, tal caso de mi obra « Quiron, Pensando en ella y Piti ».

Sin embargo, la conciencia guarda la llave de los valores del inconsciente que viene a habitar la obra.

Reconozco lo que se me impone cerca del mar, han sido las ideas que ocuparon el sutrato emotivo mío en los últimos tiempos, como el vivir lejos de mis adorados hijos en paises distintos y tratar de comprender, entender y tratar de aprender lenguas y culturas tan diversas, asi como tambien la vivencia del Huracan mas debastador Wilma en Cancun, todo mi sentir profundo fue tocado con las mismas vivencias y una de ellas fue la perdida mas dolorosa inimaginable de un hijo, asi tambien como el amanecer amando profandaemente a mis hijos y a la misma vida y porque no hasta a el mismo amor.

Tuve la oportunidad y agradezco el gran apoyo que me brindaron para exhibir mis obras; grandes personalidades en el ambito del Arte en diferentes lugares, paises mayormente considerados como los mas importantes en el ambito de Arte (Italia y Francia).

Esta se ha hecho realidad dia a dia gracias a la emocion, sentimiento, apoyo que me da el gran amor de mi vida...

El acorazado Potemkin El acorazado Potemkin es una película basada en hechos reales, acaecidos en el puerto de Odesa (Imperio ruso) durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del acorazado Potemkin, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer alimentos en mal estado, deciden sublevarse. Con muchas imágenes expresivas en forma de álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en 1925, la primera década después de la Revolución rusa, constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film está compuesto de cinco episodios: Hombres y gusanos (Люди и черви) Drama en el Golfo Tendra (Драма на Тендре) El muerto clama (Мёртвый взывает) La escalera de Odesa (Одесская лестница) Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

El propio Eisenstein lo explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y patetismo (pathos) en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film: La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), mientras que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción generan en el espectador una emoción que lo lleva a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

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odolfo Torres

Artista plástico Uruguayo 1.Desde cuándo te dedicas al arte?

Cuando era escolar en el taller de Washington BIMBO Amaro....hice mis primeras cosas, después durante mi vida lo fui mezclando con lo cotidiano dándole algunos tiempos de atención, hasta que en 1990 lo encaré de manera más concreta y ya formó parte innoviable de mi vida..

2. Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Formar parte de un todo socio cultural como una pieza más de la vida presente de mi lugar...con mi hacer, al que quiero cada día darle mayor idoneidad y expresión..

3. De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Sólo el hecho de ser parte del mismo....lo que desde ya me hace orgulloso de serlo, pero creo que son caminos individuales los que llevan a un crecer personal y colectivo, al poder aportar mejores cosas al mismo.

4. Qué artistas han sido tus referentes?

Hugo Nantes, Luis Arias, Pablo Picasso, Nelson Romero, Antoni Miró, no solo por arte sino por su ser desde el arte...

5. Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Trato de que cada una de ellas me represente de alguna manera....

6. Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Siempre la última....porque ella me da señales de lo que vendrá...

7. Eres artista de tiempo completo?

Doy talleres en escuela de educación pública, estoy además en una ONG RBC Ituzaingó de Villa Ituzaingó donde trabajo en el área de la rehabilitación en salud mental con talleres.

8. Què tècnicas utilizas?

El collage solamente.

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La fábula de Orfeo

La fábula de Orfeo (título original en italiano: La favola d’Orfeo) es una opera compuesta por un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven. Se trata de una de las primeras obras que se cataloga como ópera. Fue compuesta para los carnavales en Mantua. Fue estrenada en la Accademia degl’Invaghiti en Mantua en febrero de 1607 y el 24 de febrero del mismo año en el Teatro de la corte de Mantua. Fue publicada en Venecia en 1609. En el siglo XX fue reestrenada en una versión en concierto en París en 1904.

En España se vio por primera vez el 23 de junio de 1955 en Barcelona, en el Jardí dels Tarongers de la Casa Bartomeu.

En Florencia en el año 1600 se celebra la boda entre María de Médicis y Enrique IV de Francia.

A esta boda asisten Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y pariente de la esposa, y su corte.

Allí asistieron a la representación de Euridice de Jacopo Peri.

Supuestamente, entre los asistentes se encontraba Claudio Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la obra de Peri, Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina..

‘La fábula de Orfeo o, abreviadamente, el Orfeo, destaca por su poder dramático y su animada orquestación. Monteverdi utilizó una plétora de instrumentos, poco usual para la época: violas, violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, dos órganos pequeños. El Orfeo es uno de los primeros ejemplos de la asignación específica de ciertos instrumentos a ciertas partes; a pesar de que los compositores de la Escuela de Venecia venían ejecutando esta práctica por casi dos décadas, con diferentes niveles de precisión, la instrumentación de esta obra es particularmente explícita. Monteverdi junta la monodia acompañada con coros, conjuntos vocales renacentistas y con una orquesta de cuarenta instrumentos. Por tanto, esta obra, comparada con las de Peri y Caccini, que habían sido los pioneros de la Camerata fiorentina, es mucho más destacable tanto por su variedad como por su continuidad y por su interés musical. Para Peri y para Caccini, la ópera era, ante todo, literatura, por lo que la instrumentación no era tan importante.

Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo renacentista tardío y el barroco temprano, y los compositores vanguardistas como Monteverdi, combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes como Florencia, Venecia o Ferrara.

Puede considerarse como una obra maestra de la historia de la música, porque consolida la ópera, que se desarrollaría mucho más durante el Barroco. Actualmente es una de las óperas más antiguas del repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 72 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 29.ª en Italia y la primera de Monteverdi, con 55 representaciones.

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ego Goevert.

Contra el rígido y precipitado análisis e interpretación del arte abstracto

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obre este tema, artistas más reflexivos ya han hecho sus declaraciones. No obstante, me gustaría hacer algunos comentarios aquí.

Cuando se planta un jardín de flores con algunas rosas, unos tulipanes y violetas, nunca nadie le preguntará, qué se supone que es esto?

Casi todo el mundo podrá disfrutar de la vista, con los colores y las formas de los pétalos, su aroma. n el arte abstracto, con pinturas úsica, danza, arte, son otras formas de la capaciabstractas, obviamente es difedad humana de expresarnos. Idioma es sólo otra de rente. estas formas. No todo lo que se expresa a través de la A menudo preguntan muy rápidamúsica, danza, pintura, puede ser transferido a la lengua mente, “Qué significa esto?” antes impresa o hablada (como un sistema sensorial fonétide darle a una pintura la oportunidad co-estructural). debe ser observada durante un tiem- En muestras de arte, a menudo los visitantes dan una po y en silencio. (El silencio debe ser inesperada interpretación de la obra y a menudo - de una difícil de soportar!) manera sutil – me piden que esté totalmente de acuerdo La predisposición de mirar un cuadro con su interpretación. sin buscarle ningún sentido – al me- Después de numerosas conversaciones con los asistennos sin la urgencia por encontrarle tes a inauguraciones, he llegado a la siguiente concluun significado - está disponible sólo sión: en unos pocos espectadores.

En general, mucha gente realmente consulta a los arA primera vista una pintura es lo que tistas, en última instancia, como una terapia para sus es: una pintura - y habla por sí sola!! problemas emocionales, de lo contrario ellos no interpre“¿Por qué las personas no pueden tarían las obras de forma tan rígida y apresuradamente simplemente disfrutar de la estética como sucede con frecuencia, e insisten en su interpretapura en una pintura?”, me sigo preción. guntando.

Esto también refiere a aferrarse a en un determinado estiEn mi opinión el rol del artista, no es lo de arte o un determinado artista. el de interpretar su arte. Su misión Claro, casi todo el mundo interpreta el arte abstracto es ‘producir’ arte. según sus ‘estructuras mentales’, ‘ejemplos ‘ que el/ella Por supuesto, las asociaciones heconocen! (Creo que es por ello que el conocido ‘-test de chas por los artistas el o ella, le dan Rorschach’ funciona tan bien en diagnóstico psicológiun ‘significado’ a una obra durante co). Pero el punto es que no veo la necesidad de hacerlo el proceso de pintura o no, pero el de una forma rígida y apresurada. Incluso está muy mal artista debe estar consciente de ello cuando a un interlocutor no le permiten terminar de expre- necesita que sus asociaciones, sar sus propios pensamientos!!! sean interpretadas del mismo modo Así que mi ensayo está destinado a suplicar por ser más por el espectador. relajados, tolerantes, y sin prejuicios - si es posible.

A menudo me lleva meses antes de Cuando me pidieron dar una interpretación de mi arte, me que pueda pintar un cuadro. Negustaría citar a Mick Jagger, quien dijo: cesito recargar mis baterías Debo “No soy un bibliotecario de mi arte. Creo que es una buehacer nuevas experiencias y obser- na cosa no estar demasiado involucrado en lo que has vaciones. Tengo que pensar, sentir! hecho.”

Esto se conoce como ‘inspiración’.

La Inspiración (no siempre) cae del Gracias por tomarse su tiempo para leer esto!

Atentamente cielo, en realidad!

HEGO Ingresando en una exposición de pinturas, en pocos segundos se le da un significado, o una interpretación.

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Academia de Arte Jose Salazar

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Rosensvaig Artista plástico Colombiano 1Desde cuándo te dedicas al arte?

Mi primer profesor de pintura lo tuve a los cinco años, edad en la que comencé a tener interés en crear, en usar colores para poder transmitir emociones que a mi manera de ver desde siempre han estado en mi.

2Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

La meta más importante es, seguir pintando por siempre.

3De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Pinto la luz y las vivencias del lugar donde nací…el Caribe Colombiano. Su magia…..la fantasía que habita en su gente.

4Qué artistas han sido tus referentes?

David Manzur, Gustav Klimt 5Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Si. No sé si pintar es una de las más puras formas de egoísmo. Tal vez una de las más finas y eventualmente una de las mas aflictivas….pienso del pintar…no solo en el sentido de la ocupación misma cuando uno está pintando, sino mas en el sentido de pintar como acción de producir algo que va a quedar. La pintura si queremos puede convertirse en algo sencillo y al mismo tiempo ser tan individual, tan asustadoramente personal.

Mi pintura no puede ser solo formal. Tiene que tener cierta verdad( o contenido lo llaman otros, personalidad, atmosfera)para que valga la pena. Mis grupos de mujeres lo tienen: eso, una cierta honestidad que viene de hacer lo que a mí me interesa, me gusta, lo que a mí se me ocurre, lo que tiene que ver con lo que pienso y veo; así….solo de esa manera…quedan los cuadros con algo verdadero Mi pintura no es un problema de luz. Mis pinturas no son unos cuadros en donde la luz este presente con sombras, con luces que entren por un lado y salgan por otro….mis cuadros en ese sentido son planos.

Existe otra luz otras sombras que son las que salen individualmente de cada color.

6Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

La más especial y las más importante es siempre la que estoy pintando.

7Eres artista de tiempo completo?

Soy arquitecto y pintor. Esto último es mi único trabajo. Pinto 12 horas diarias.

8Què tècnicas utilizas?

Pinto con óleos…lápices.

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La Nebulosa del Casco de Thor NGC 2359 es una nebulosa de emisión en la constelación de Canis Major situada a algo más de 8 grados de Sirio (α Canis Majoris).

Su inusual forma, semejante al casco de un guerrero vikingo, ha llevado a que sea conocida también como Nebulosa del Casco de Thor. Puede ser observada, en cielos oscuros, con telescopios pequeños a 47x con la ayuda de filtros del tipo Oxígeno III. La estrella que se encuentra en el interior de la burbuja, denominada WR 7 (HD 56925), posee magnitud aparente 11,5. Es una estrella de Wolf-Rayet y es la fuente que ilumina esta nebulosa de Wolf-Rayet. La nebulosidad es el resultado de la interacción entre el viento estelar procedente de la caliente estrella y la materia interestelar. El viento comprime la materia interestelar produciéndose una burbuja de gas en torno a la estrella. La masa de la burbuja se estima en unas 20 masas solares.1 Aunque de naturaleza similar a la Nebulosa Burbuja (NGC 7635), la interacción con una nube molecular vecina parece haber contribuido a moldear la compleja forma de la nebulosa

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uan Sanchez Quenaya

Artista plástico peruano 1Desde cuándo te dedicas al arte?

Desde los 13 años, profesionalmente desde los 23.

2Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

Tener una individual en una galería importante en el extranjero.

3De qué manera afecta el entorno en tu obra?

La ignorancia, la indiferencia con la cultura viva, la moda ,el consumismo y el dinero.

4Qué artistas han sido tus referentes?

Goya, Vincent Van Gogh, Jean Michel Basquiat, Andy Warhol, Anselm Kiefer entre otros.

5Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Claro.

6Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas son importantes para mí, pero los collages me encantan más 7Eres artista de tiempo completo?

Si 8Què tècnicas utilizas?

Oleo, acrílico, témpera, esmalte, collage, de todo, veo u objeto cotidiano y lo intervengo. (Técnica mixta)

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