Bienvenidos al número de octubre de 2024 de nuestra revista dedicada a todos los amantes de la fotografía, desde los curiosos que recién empiezan hasta aquellos que buscan perfeccionar su técnica. Este mes, les traemos un especial cargado de tips y guías básicas diseñadas para mejorar su comprensión y control de la cámara, explorando temas esenciales como el manejo del ISO, la apertura y la velocidad de obturación.
Sumérjanse en nuestras secciones donde descubrirán consejos prácticos, ejercicios para dominar la luz y trucos para captar escenas impactantes con claridad y estilo Además, les invitamos a deleitarse con nuestras galerías fotográficas, donde artistas visuales comparten su creatividad e inspiración a través de imágenes cautivadoras.
No importa si estás en tus primeros pasos o si eres un profesional en busca de inspiración, esta edición te invita a aprender, explorar y, sobre todo, disfrutar del fascinante mundo de la fotografía ¡Abróchate la cámara y disfruta de cada página!
EDITOR
OCTUBRE2024
Revistade
PhotoWalkDíadeMuertos
2024enelCentroHistórico
FOTOSYTEXTOANDERMASÓ
El pasado 26 de octubre, en la Alameda Central de la Ciudad de México se convirtió en un vibrante escenario para la cuarta edición del PhotoWalk Día de Muertos. Este evento, que reunió a más de 100 fotógrafos y más de 25 modelos, celebró la rica tradición cultural mexicana a través de la belleza y el arte de las Catrinas
Asistentes de diversas partes de la ciudad se unieron para capturar la esencia de esta festividad. Con trajes espectaculares y maquillajes impresionantes, las modelos se transformaron en Catrinas, evocando la mezcla de la vida y la muerte que caracteriza al Día de Muertos. Cada click de cámara contó una historia, y los participantes aprovecharon la oportunidad para expresar su creatividad y pasión por la fotografía.
Este evento no solo reafirma la importancia de la fotografía en la celebración del Día de Muertos, sino que también fortalece la comunidad creativa de la Ciudad de México. Gracias a todos los que asistieron y contribuyeron al éxito de esta edición. ¡Esperamos verlos el próximo año para más momentos memorables!
GuíaBásica:ConociendotuCámara
1.ELEMENTOSPRINCIPALESDEUNACÁMARAFOTOGRÁFICA
Comprender los componentes de una cámara es el primer paso para aprovechar todo su potencial. Aquí te explicamos los elementos más importantes:
Cuerpo: Es la estructura principal de la cámara donde se encuentran todos los controles, la pantalla, los diales y el sensor. En cámaras digitales, el cuerpo alberga el sensor que reemplaza el negativo en la fotografía analógica.
Lente (Objetivo): El lente es uno de los componentes más importantes, ya que captura la luz y la dirige hacia el sensor. Los lentes tienen varias configuraciones, como distancia focal fija o zoom, que afectan el encuadre y el alcance de tus fotografías
Visor: El visor es la ventana donde encuadras y observas la escena antes de tomar la foto. En cámaras réflex, el visor muestra una imagen real de lo que captará la lente En cámaras sin espejo, el visor electrónico proyecta una imagen digital de lo que verá el sensor.
Pantalla LCD: Esta pantalla permite revisar las imágenes y cambiar configuraciones Algunas cámaras tienen pantallas táctiles o ajustables, lo que facilita hacer tomas desde distintos ángulos.
Botones y Diales de Control: Estos botones permiten ajustar rápidamente configuraciones clave como ISO, apertura y velocidad de obturación, incluso antes de disparar.
Ranura para Tarjeta de Memoria: Las cámaras digitales almacenan las imágenes en tarjetas de memoria Asegúrate de tener una tarjeta adecuada en términos de velocidad y capacidad para almacenar las fotos sin problema.
Las cámaras suelen ofrecer varios modos de disparo para adaptarse a diferentes tipos de escenas. Entender estos modos te ayudará a tener un mejor control sobre la calidad y el estilo de tus fotos.
Modo Manual (M): En este modo, tienes control total sobre los tres parámetros esenciales de la fotografía: apertura, velocidad de obturación e ISO Es ideal para situaciones donde quieres ajustar cada aspecto de la toma y dominar el resultado final, aunque puede ser desafiante para principiantes.
Prioridad de Apertura (A o Av): Este modo permite seleccionar la apertura mientras la cámara ajusta automáticamente la velocidad de obturación. Es útil para lograr efectos específicos de profundidad de campo, como fondos desenfocados en retratos (usando aperturas grandes, como f/2.8) o una escena totalmente enfocada en paisajes (aperturas más pequeñas, como f/11)
Prioridad de Obturación (S o Tv): Aquí eliges la velocidad de obturación, y la cámara ajusta automáticamente la apertura.
Este modo es ideal cuando deseas congelar el movimiento en fotos deportivas (con velocidades rápidas, como 1/1000s) o capturar el movimiento en fotos de larga exposición (velocidades lentas, como 1s o más).
Estos son los cuatro ajustes más importantes que todo fotógrafo debe conocer para controlar la exposición y el estilo de sus fotografías.
ISO: El ISO controla la sensibilidad del sensor a la luz. Cuanto mayor sea el valor de ISO, más brillante será la imagen, pero también aumentará el ruido (o granulado). Para situaciones con mucha luz, un ISO bajo (100-200) es ideal, mientras que en situaciones de poca luz es posible que necesites un ISO más alto (800 o más).
Apertura (f/): La apertura es la abertura dentro del lente que deja entrar la luz. Se mide en "f-stops" (como f/2.8, f/5.6, etc.). Un número de apertura bajo (f/1.8, f/2.8) deja entrar más luz y produce un fondo desenfocado, ideal para retratos. Un número alto (f/11, f/16) permite que toda la escena esté enfocada, lo que es útil en paisajes.
Velocidad de Obturación: Este parámetro determina cuánto tiempo permanece abierto el obturador. Velocidades rápidas (como 1/1000s) congelan el movimiento, mientras que velocidades lentas (como 1/30s) pueden capturar movimiento y son útiles para efectos de larga exposición. Asegúrate de mantener una velocidad adecuada para evitar fotos borrosas al sostener la cámara sin trípode.
Balance de Blancos (WB): El balance de blancos ajusta los colores de una foto para que se vean naturales bajo diferentes tipos de luz. La luz cálida o fría puede afectar los tonos de tus fotos. Los modos preestablecidos (luz de día, nublado, tungsteno, fluorescente) te ayudan a corregir automáticamente estos colores o, si prefieres, puedes ajustar el balance de blancos de forma manual.
¡Practicar con estos elementos en distintos entornos te permitirá comprender cómo funciona tu cámara y mejorar tus habilidades de forma constante!
El universo Apple ha iniciado su semana de anuncios con algo que muchos esperábamos: la presentación del iMac 2024, ahora potenciado por el chip M4. Y aunque parece que la compañía de Cupertino se ha puesto sus mejores galas para presumir, ¿hay tanto nuevo bajo el sol? Pues depende de a quién le preguntemos y de lo que estemos buscando en realidad.
A simple vista, el iMac mantiene su ya conocido diseño, ese que causó tanto furor en la versión anterior con su gama de colores vibrantes. Sí, los tonos de verde, amarillo, naranja, rosa, púrpura, azul y plata están de regreso, pero Apple le ha dado una pequeña vuelta: el color en la parte trasera ahora resalta un poco más, mientras que el frente lo suaviza, dándole un toque sutil. Claro, nada que nos haga saltar de emoción, pero al menos le añade un toque de frescura.
Un vistazo técnico para los geeks
Donde Apple sí ha hecho cambios significativos es en las “tripas” del iMac. Este nuevo modelo llega impulsado por el chip M4, que ya habíamos visto debutar en el iPad Pro. Apple no se corta al presumir de potencia, comparando su iMac 2024 con su viejo modelo de la era del chip M1. Según los datos de la propia compañía, este equipo es un 1.7 veces más rápido en las “tareas del día a día” y promete hasta un 2.1 veces más velocidad en trabajos más intensivos. Claro, estos números pueden sonar imponentes, pero la realidad dependerá de cada usuario y de qué tanto exija a su máquina. Pero, ¿qué significa esto realmente para quienes buscamos velocidad y eficiencia en el uso diario? El M4 trae mejoras importantes en la ejecución de tareas complejas, como la edición de video o el uso de herramientas de inteligencia artificial. De hecho, Apple ha resaltado el potencial del iMac para aprovechar su "Apple Intelligence," una tecnología que todavía está en proceso de despliegue y de la que muchos esperamos resultados concretos, especialmente en la Unión Europea, donde la regulación es más estricta y obliga a Apple a dar información más detallada sobre su tecnología.
Colores, diseño y un cambio... que se hace esperar
En términos de diseño, los fieles a la manzana no verán nada radicalmente nuevo. El panel frontal continúa con una pantalla retina 4.5K de 23,5 pulgadas, con resolución de 4.480 x 2.520 píxeles, 500 nits de brillo y toda la gama cromática alta y el True Tone que muchos ya consideran un estándar en la calidad de imagen de Apple.
En cuanto a puertos, Apple sigue su política de minimalismo selectivo: dependiendo de la configuración elegida, el iMac 2024 ofrece entre dos y cuatro puertos Thunderbolt USB-C 4, algo que puede ser un factor decisivo para los usuarios que buscan versatilidad.
¿Es este el iMac que esperábamos?
A decir verdad, Apple sigue su misma estrategia de mezclar lo nuevo con lo que ya funcionaba. Los colores y diseño del iMac 2024 apelan a la nostalgia y la estética que ha cautivado a tantos, pero no representan un cambio radical. En cambio, las mejoras internas, especialmente con el chip M4, están orientadas a quienes buscan una experiencia más fluida y potente en tareas de alto rendimiento.
Si bien Apple marca la diferencia en temas de diseño y marketing, la verdadera novedad está en la promesa de un mejor desempeño en inteligencia artificial, una jugada que sin duda se pone interesante en la era digital.
La fotografía es mucho más que capturar momentos; es un arte de composición y narrativa visual. Una de las primeras técnicas que aprenden los entusiastas es la famosa "Regla de los Tercios". Aunque suena a cálculo matemático, en realidad, esta regla es sencilla y poderosa, capaz de convertir una foto común en una imagen cautivadora. Vamos a explorar de qué se trata y cómo puedes usarla para que tus fotos hablen por sí solas.
¿Qué es la Regla de los Tercios?
Imagina que divides el encuadre de tu cámara en nueve partes iguales trazando dos líneas horizontales y dos verticales que se cruzan. Así, el cuadro se divide en tercios, generando cuatro puntos de intersección que tienen un propósito clave: ahí es donde se recomienda colocar los elementos más importantes de la imagen. Al centrar el interés en estos puntos, en lugar de en el centro del cuadro, se consigue una composición más equilibrada y agradable para el espectador. Esta regla se utiliza tanto en fotografía como en pintura y cine, ya que ayuda a guiar la mirada y a destacar el sujeto de la imagen sin que se vea forzado o aburrido. Es una técnica que, aunque parece simple, requiere de práctica para dominarla. Pero una vez que lo logras, ¡las posibilidades creativas son infinitas!
¿Por qué funciona?
La magia de la Regla de los Tercios está en su capacidad para generar un equilibrio natural. Estudios de percepción visual indican que el ojo humano tiende a ir hacia esos puntos de intersección, por lo que ubicar ahí a los sujetos de interés hace que la imagen se vea más armónica. Además, esta técnica fomenta el uso del espacio negativo, permitiendo al espectador experimentar una sensación de profundidad y dinamismo. Cuando aplicas la Regla de los Tercios en una foto de paisaje, por ejemplo, puedes ubicar el horizonte en el tercio superior o inferior, según el énfasis que quieras darle al cielo o a la tierra. En un retrato, colocar los ojos de la persona en uno de los puntos de intersección agrega impacto y cercanía a la imagen. Esto le da una vibra más profesional y crea una narrativa visual mucho más atractiva.
Cómo aplicar la Regla de los Tercios en tus fotos
Hoy en día, la mayoría de las cámaras y teléfonos inteligentes vienen con una opción para activar la cuadrícula, lo que facilita la aplicación de esta regla. Una vez que activas la cuadrícula, es cuestión de alinear los elementos clave en esos puntos de intersección o a lo largo de las líneas para mejorar la composición.
1.
Retratos: Coloca los ojos de la persona en una de las líneas superiores para crear cercanía.
3.
Paisajes: Si el cielo es el protagonista, sitúa el horizonte en el tercio inferior; si es la tierra, en el superior.
2. Objetos en movimiento: Cuando capturas algo en movimiento, deja más espacio en la dirección hacia donde se dirige, creando una sensación de continuidad.
¿Siempre hay que seguir la Regla de los Tercios?
La regla de los tercios es una excelente guía, pero como todo en el arte, puede romperse cuando la composición lo requiere. Muchos fotógrafos experimentados la usan solo como base, adaptándola a su estilo o al mensaje que quieren transmitir. De hecho, al entenderla bien, es posible crear composiciones poderosas al ignorarla en los momentos correctos, buscando asimetrías o centrar el interés en el medio, si la situación lo demanda.
Para los amantes de la fotografía, dominar esta técnica es como adquirir un superpoder: mejora cada toma y te ayuda a contar historias de una manera que cautiva a la audiencia.
STREET PHOTOGRAPHY: CAPTURANDO LA VIDA EN CADA ESQUINA DE LA CIUDAD
PORBRUNOCORTÉS
La street photography, o fotografía de calle, es más que una técnica fotográfica: es una ventana a la vida cotidiana, a la esencia humana que se esconde en las calles, parques y rincones de las ciudades Con un enfoque sincero y sin poses, esta forma de fotografía busca inmortalizar momentos únicos en la relación entre las personas y su entorno urbano, mostrándonos lo extraordinario en lo aparentemente ordinario
¿Qué hace especial a la street photography?
La magia de la fotografía de calle radica en su autenticidad
A diferencia de la fotografía de estudio o la de eventos, el street photography captura escenas espontáneas, sin guiones ni preparativos Aquí no hay un "detrás de cámaras" ni retoques elaborados; lo que vemos es un reflejo directo de la vida real Los fotógrafos de calle buscan esos segundos en los que una expresión, una sombra o una interacción entre personas revela una historia que pasa desapercibida a simple vista
En esta búsqueda por retratar la esencia humana en un entorno urbano, el fotógrafo necesita sensibilidad, rapidez y, en muchos casos, una buena dosis de invisibilidad para no alterar la naturalidad del momento Los detalles en las calles, las expresiones de la gente, el caos y la calma que coexisten en la ciudad se vuelven protagonistas de cada imagen
¿Qué se necesita para hacer street photography?
Cámara y configuración sencilla: Aunque cualquier cámara es válida, muchos prefieren equipos compactos y discretos, ya que la idea es no llamar la atención para capturar escenas naturales
2
1 Paciencia y observación: La fotografía de calle no siempre se trata de encontrar una escena perfecta; es más bien un ejercicio de espera Los fotógrafos deben observar y anticipar los movimientos, las interacciones y las reacciones, dejando que el entorno hable por sí mismo
3
Respeto por los sujetos: Aunque se busca la espontaneidad, la ética es fundamental en el street photography Capturar a alguien sin permiso puede ser controversial; muchos fotógrafos optan por mantener distancia o evitar retratar rostros reconocibles, enfocándose en siluetas, sombras o escenas amplias
4
Conexión con el entorno: Cada ciudad tiene su propio ritmo y carácter Los fotógrafos de calle deben conectarse con el lugar, ya sea un barrio popular, un parque o una esquina transitada. Conocer el espacio permite encontrar esas historias que parecen escondidas en los detalles
¿Por qué es tan popular?
En la era de las redes sociales, la fotografía de calle ha ganado una gran popularidad Su estilo cercano y auténtico conecta con audiencias que buscan algo más allá de las imágenes posadas o altamente editadas Además, muchos fotógrafos comparten sus trabajos en plataformas como Instagram y Flickr, donde el street photography se ha convertido en un género de culto que inspira a otros a salir a las calles y encontrar su propio estilo
Para algunos, esta técnica es una forma de documentar el mundo; para otros, es una exploración artística de la vida urbana En ambos casos, el street photography transforma lo cotidiano en arte, inmortalizando la vida tal como es, sin adornos ni filtros
Historias contadas en un instante
La fotografía de calle captura momentos que, de otro modo, desaparecerían sin dejar rastro Un vendedor ambulante en plena jornada, una pareja intercambiando miradas en una banca del parque, o el reflejo de un edificio en un charco de agua son instantes que, aunque fugaces, se vuelven eternos a través del lente
Este tipo de fotografía también tiene un valor histórico Con el paso de los años, las imágenes de street photography se convierten en documentos de cómo vivían, vestían y se comportaban las personas en diferentes épocas y ciudades del mundo
La importancia del respeto y la ética
El street photography plantea preguntas éticas sobre la privacidad y el consentimiento Los fotógrafos experimentados se esfuerzan por capturar imágenes que respeten a sus sujetos y, en muchos casos, eligen enfoques que permiten ver la humanidad sin invadir la intimidad. Muchos incluso han optado por técnicas en las que las personas son siluetas o parte de un fondo abstracto, centrándose más en la atmósfera y el entorno que en los individuos
Conclusión
La fotografía de calle no solo es un testimonio de la vida urbana, sino un arte de observación Para quienes se adentran en este estilo, la calle se convierte en un escenario lleno de posibilidades, donde cada esquina, sombra y gesto cuenta una historia esperando ser capturada No hace falta un gran equipo ni escenarios espectaculares, solo la mirada curiosa de quien ve en lo ordinario una forma de arte
MARCHA ZOMBIE
POR OLIVER GARCÍA
POR OLIVER GARCÍA
POR OLIVER GARCÍA
POR OLIVER GARCÍA
LIGHTPAINTING: LA TÉCNICA QUE CONVIERTE LA FOTOGRAFÍA EN UN LIENZO DE LUZ
Y CREATIVIDAD
La fotografía es un arte de capturar instantes, pero ¿qué pasa cuando esos instantes se extienden? El resultado puede ser sorprendente, y una de las técnicas que mejor lo demuestra es el Lightpainting, también conocido como "pintura con luz". A través de esta técnica, los fotógrafos crean efectos visuales impresionantes en sus imágenes, convirtiendo sus cámaras en pinceles y la luz en el medio perfecto para pintar
¿Qué es el Lightpainting?
El Lightpainting consiste en utilizar una fuente de luz en un entorno oscuro mientras la cámara realiza una exposición prolongada En otras palabras, mientras la cámara permanece abierta, el fotógrafo "dibuja" o ilumina zonas específicas usando linternas, LEDs, luces de colores o incluso fuegos artificiales. Al finalizar la exposición, el sensor de la cámara habrá captado todo el recorrido de la luz, creando patrones que parecen salidos de un mundo onírico
Esta técnica, que mezcla fotografía y performance, permite dar rienda suelta a la creatividad, creando formas y colores que parecen flotar en el aire Los resultados pueden variar desde simples líneas luminosas hasta intrincados dibujos que parecen levitar en la imagen
¿Cómo hacer Lightpainting?
Para hacer Lightpainting, los fotógrafos siguen una serie de pasos básicos, aunque cada artista tiene su propio estilo y método:
1
Elige un entorno oscuro: Al reducir la cantidad de luz ambiental, se asegura que la cámara capte únicamente la luz que se está "pintando"
3
2 Utiliza una fuente de luz adecuada: Desde una linterna hasta luces de colores o varillas de LED, cualquier fuente de luz puede servir Lo importante es mantener el control sobre el movimiento para crear el efecto deseado.
4
Configura la cámara en larga exposición: Se recomienda ajustar la cámara en modo manual, con tiempos de exposición largos (10 segundos o más, dependiendo de la complejidad del dibujo)
5
Dibuja o ilumina durante la exposición: Aquí es donde entra en juego la creatividad El fotógrafo mueve la luz a su gusto, creando formas abstractas, palabras o figuras Es un proceso de ensayo y error, ya que pequeños cambios en la dirección o intensidad de la luz pueden producir resultados muy distintos
Experimenta con colores y movimiento: Algunos artistas utilizan filtros de colores o incluso varias fuentes de luz para añadir profundidad y variación cromática a la imagen
¿Por qué el Lightpainting es tan popular?
Además de ser una técnica visualmente atractiva, el Lightpainting permite a los fotógrafos expresar ideas y emociones de formas únicas, alejándose de los estilos tradicionales de fotografía Gracias a las cámaras digitales, que permiten visualizar los resultados al instante, esta técnica se ha vuelto más accesible y popular en los últimos años, apareciendo en todo, desde publicidad hasta arte experimental
El Lightpainting también se ha vuelto una práctica colaborativa, ya que en muchos casos se requiere más de una persona para manejar la cámara y la luz Esto ha llevado a que fotógrafos de todo el mundo se reúnan para crear obras colaborativas, compartiendo técnicas y estilos
¿Dónde se puede ver el Lightpainting en acción?
Hoy en día, el Lightpainting es protagonista en las redes sociales, donde artistas y aficionados publican sus creaciones en plataformas como Instagram y TikTok Además, muchos fotógrafos especializados en esta técnica ofrecen talleres y demostraciones en vivo, en las que el público puede experimentar de primera mano la magia de pintar con luz
Además de su atractivo estético, el Lightpainting ha sido utilizado en campañas publicitarias y hasta en sesiones de retratos, dando un toque surrealista y creativo a las imágenes.
Incluso existen competencias internacionales de Lightpainting, en las que fotógrafos de todo el mundo presentan sus mejores creaciones en un espectáculo de luz y color
Un arte sin límites
El Lightpainting nos recuerda que la fotografía no tiene por qué limitarse a capturar lo visible Con un poco de creatividad y una fuente de luz, esta técnica permite a los fotógrafos explorar nuevas formas de expresión, abriendo un mundo de posibilidades donde la imaginación es la única regla
Elequipo
BRUNOCORTÉS ANDERMASÓ
FOTOGRAFO
ILIANMUÑOZ
OLIVERGARCÍA
FOTOGRAFO
Queridoslectores,
Así concluimos este número de octubre de 2024 de nuestra revista, llena de inspiración y pasión por la fotografía. Esperamos que hayan disfrutado de las guías, tips y las impresionantes galerías que hemos compartido con ustedes Cada imagen y cada palabra están pensadas para motivar y enriquecer su viaje creativo. Recientemente, celebramos el PhotoWalk Día de Muertos, un evento que reunió a más de 100 fotógrafos y 25 modelos, creando un espacio único para capturar la magia de nuestras tradiciones. La energía y la creatividad que se vivieron en el Centro Histórico son el reflejo de la rica comunidad fotográfica que nos rodea. Les invitamos a seguir siendo parte de esta celebración del arte visual y a unirse a nosotros en futuros eventos. No olviden que su talento y sus historias son siempre bienvenidos. Si son fotógrafos y desean participar en nuestra próxima edición, no duden en enviarnos sus trabajos y propuestas. Queremos seguir compartiendo la diversidad y la creatividad que florece en cada uno de ustedes. Manténganse atentos a nuestras redes sociales y al anuncio del próximo número, donde continuaremos explorando el fascinante mundo de la fotografía. ¡Gracias por acompañarnos en este viaje visual! Nos vemos en la próxima edición.
