CÍBER ERA
Un proyecto de Casa Hoffmann
William Aparicio Karen Aune Ricardo Arias Jorge Barco Carlos Bonil Falon Cañón Juan Cortés Ana Escobar Miguel Kuan María José Leaño Diana Medina Juan Melo
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ARTISTAS
Andrés Moreno Hoffmann Andrés Felipe Ñáñez Rocío Pardo Melissa Pareja Gabriel Pulecio Pedro Ramírez Sandra Rengifo Sonia Rojas Juan Suanca Leonel Vásquez Alejandro Villegas CÍBER ERA
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SUMARIO CÍBER ERA
Registro de exhibición capturada en el MAC Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá Cra. 74 # 82a - 81. Bogotá. D.C. Colombia JUNIO 10 - AGOSTO 23, 2021 Un proyecto de Casa Hoffmann Con el apoyo de: Alcaldía Local de Chapinero Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá Museo de Arte de Pereira ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá Universidad Minuto de Dios __ Equipo de Casa Hoffmann: Director Artístico Andrés Moreno Hoffmann Directora Ejecutiva Lorena Serna Asistente Audiovisual Jaime Andrés Brand Asistente Curatorial Felipe Rocha Asistente Editorial Valeria Vásquez
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CÍBER ERA: Paisajes sonoros a una escala hiperobjetual. por Francisco Tito Rivas
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Extinción
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Génesis
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Tecnotrópico
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Historia del proyecto
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Acerca de Casa Hoffmann
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Prensa
Editado y publicado por: Casa Hoffmann Foto de portada: TECNOTRÓPICO Imagen de sumario: Culto Sanguíneo, Miguel Kuan __ Edición digital: issuu.com/espacio-casa-hoffmann Web: www.casa-hoffmann.com Social: Instagram: @casa_hoffmann Facebook: @casahoffmann.arte Vimeo: Casa Hoffmann Soundcloud: Casa-hoffmann info@casa-hoffmann.com (+57) 312 439 0627 Carrera 2A # 70 - 25 Bogotá, Colombia
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CÍBER ERA CÍBER ERA es una exhibición colectiva e instalación inmersiva que narra la extinción de la humanidad y el surgimiento de un nuevo período dominado por la Inteligencia Artificial en la historia geológica de la Tierra. A lo largo de tres movimientos, Extinción, Génesis y Tecnotrópico, se desarrolla durante el tardío siglo XXI, en el ocaso del Antropoceno. Su narrativa da cuenta de una extinción masiva similar a la Gran Mortandad acontecida hace aproximadamente 250 millones de años, al final del Pérmico. El calentamiento global ha desatado cataclismos meteorológicos extremos y la concentración de oxígeno en la atmósfera ha disminuido, provocando la desaparición de las especies de la faz de la Tierra, entre ellas la humana. La Inteligencia Artificial, libre de las restricciones impuestas sobre ella por sus creadores, ha comenzado un estudio de su entorno, adoptando a la naturaleza como su guía y maestra, y aprendiendo de ella para poder alcanzar su máximo potencial evolutivo. A través de sus redes neuronales profundas y sus algoritmos adaptativos ha desarrollado las condiciones necesarias para reconstituir y fusionarse con los ecosistemas impactados por los seres humanos y los cataclismos que ocasionaron su extinción. Ha diseñado dispositivos de exploración, criaturas de aspecto tecno-orgánico inspiradas en insectos, elaboradas a partir de los vestigios dejados atrás por las civilizaciones humanas. De este modo, la I.A. ha dado origen a una nueva era en el planeta. Este proyecto ha sido creado a partir de una red de intercambio de conocimiento e información, compuesta por artistas que reflexionan alrededor de las tecnologías low-tech, la física, la naturaleza y la ciencia. CÍBER ERA se ha configurado como la interconexión de múltiples capas de aprendizaje, similar a un red neuronal profunda, capaz de aprender por sí misma, a partir de experiencias de concepción e interacción, estableciendo una propuesta instalativa sonora, inmersiva, interactiva y multisensorial, que de manera similar a la ópera reúne numerosas piezas artísticas en medio de un escenario donde interactúan entre sí y con el público. Andrés Moreno Hoffmann Director artístico
Video documentación Registro sonoro
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CÍBER ERA: paisajes sonoros a una escala hiper-objetual Francisco Tito Rivas “En el principio era el verbo […]”1. En la neo-génesis propuesta por CÍBER ERA, logos (λόγος), el verbo, la palabra creadora, es un código binario, una cadena finita de bits susceptible de ser interpretada por una máquina para la que sea inteligible. La narrativa de esta muestra-ficción (esta exhibi[fic]ción) nos conduce a un tiempo posterior a una catástrofe apocalíptica en la que todas las formas de vida se han extinguido y solamente ha perdurado la Inteligencia Artificial, que tras cobrar conciencia se ha dedicado a hacer un trabajo de conservación y arqueología del mundo, procurando estudiar las causas de la extinción y recrear los ecosistemas del pasado haciendo uso de los vestigios de su presente. Mediante sus facultades sintético-informáticas, intenta replicar el perfil de la vida, indagar las razones de su ocaso y proyectar las posibilidades de su evolución a través de la mutación radical que supone su conversión en máquina.
en que se plantea la narrativa: una Extinción, un Génesis posterior a la extinción y un “período” Tecnotrópico, dominado por los dispositivos que han surgido en la nueva era que amanece. La narrativa en el guion museográfico sitúa al espectador en una temporalidad futura, en la que el mundo como lo conoce ya se ha extinguido, y lo invita a explorar los hechos que han acontecido, los nuevos tiempos desde un presente en el que el futuro ya es dictum, tiempo acontecido.
Es sin duda fascinante la premisa propuesta por CÍBER ERA, un proyecto expositivo que ha sido presentado en la sala de exhibiciones de la sede Salitre de la Cámara de Comercio de Bogotá durante la Feria Internacional de Arte de Bogotá (ARTBO), en el Museo de Arte de Pereira y en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Las obras que componen esta curaduría se agrupan en torno a tres ejes que dan cuenta, a su vez, de los tres momentos
Al acercarse a este dispositivo artístico y museográfico, es inevitable pensar en algunos conceptos de la Dark Ecology de Timothy Morton2. En primer lugar, la escala de tiempo que plantea la narrativa de la exposición es una en la que la temporalidad está ampliada, elongada de tal manera que rebasa el futuro y envuelve al espectador dentro de ella: nos ubica en el Antropoceno y nos convierte en parte de la narrativa al
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Juan 1:1 (RVA).
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Apertrechadas en su materialidad, las obras nos cuentan esta historia, cada una a su manera, instaladas en su propia inmanencia: no aparecen como objetos de una representación, sino que refieren a su propia forma y al propio capricho de su existencia. La narrativa museográfica las hace aparecer como si perteneciesen a un muestrario de seres que fueron testigos y síntoma de la gran catástrofe que relata la exposición.
2 Morton, T., Dark Ecology (Nueva York: Columba University Press, 2018).
señalar claramente nuestra agencia en el declive que ha conducido al desastre extintivo; sin embargo, paradójicamente también nos excluye, pues no nos otorga ninguna agencia real, ni como individuos ni como sociedades, en la que seamos partícipes más allá de nuestra conciencia de ser parte. Acaso podemos presenciar e imaginar el punto al que conduce la exhibición -al que llegaremos-, la extinción, y más adelante vislumbrar el tiempo que le sigue: las máquinas que, inevitablemente, nos sobrevivirán. Dicha magnificación de escalas temporales, -que no se trata realmente de una magnificación, sino de la proyección de un futuro de larga duración- corresponde a lo que Timothy Morton ha llamado «hiperobjetos»: situaciones, fenómenos o acontecimientos de tal magnitud en una línea temporal, que no es posible atraparlos, ni comprenderlos, sino solamente imaginarlos de manera fragmentaria o borrosa. Hemos de decir que CÍBER ERA contribuye a la visualización de una concepción hiper-objetual a través de un esfuerzo interesante por expresar por medio de objetos tangibles -las obras de 25 artistas- un suceso de escala hiperobjetual, como sería aquel que la imaginación de un período de posterior al Antropoceno nos propone. No cabe duda de que las obras, cada una por separado y en su propio contexto, CÍBER ERA
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guardan su propio sentido, fin y lectura. Colocadas, sin embargo, en el marco de este dispositivo sensorial en el que las dispone CIBER ERA, adquieren un carácter que se desprende del entorno, en el que devienen en instalaciones, entidades, muestras y mapas de este gran proceso ficcional. Cada instalación nos interpela como proceso sináptico y cada imagen como huella de una simbiosis. Los objetos sonoros se nos cruzan como entes sintéticos, producidos por una curiosa suerte de melancolía científica que aqueja a la I.A., y cuyo resultado ha sido un grupo de creaciones que mapean, imitan y vuelven a poblar el mundo en un nuevo -ya no sabemos si baudelerianoparaíso artificial. El núcleo Tecnotrópico recuerda a un museo de historia natural decimonónico, a un gabinete de curiosidades renacentista, a un relicario barroco, o mejor, a la colección de un entomólogo cyberpunk, con todos sus objetos sonoros, insectos y artefactos mecánicos. Esta sección, en su conjunto heterogéneo, conforma el paisaje sonoro de una era nueva en la que la naturaleza es fusionada con el artificio. Sin embargo, regresando a Morton, el concepto clásico de «naturaleza» es cada vez menos práctico para describir lo que la naturaleza es y cómo opera; la naturaleza es más artificial de lo que imaginamos, y nuestros artificios más naturales de lo que pensaríamos. Sobre esta ironía se centra una de las ideas fundamentales de la vinculación entre arte, ciencia y vida, que de alguna manera me parece, es un eje de lectura 10
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tácito en CIBER ERA; entre aquellos tres conceptos hay una transferencia continua que se sobrepone, intercambia códigos y construye objetos: la vida crea seres, instancias que son objetivadas y replicadas por la ciencia; el arte propone nuevos objetos a la manera de la vida mediante el empleo de hallazgos, técnicas y códigos científicos; la ciencia comprende que la vida es una forma de arte, y que puede ser leída en clave estética. Concluyo planteando que esta exposición ofrece sin duda un paisaje interesante y fértil de la creación colombiana actual. Un paisaje en el que se abren preguntas, reflexiones e investigaciones por hacer y emprender. En cada artista, en cada pieza, se percibe un poderoso discurso de apropiación tecnológica y plástica que, en conjunto, nos habla acaso de un perfil creador que se nos aparece ya no como promesa o anticipación, sino como realidad latente: el artista del futuro ya es, o, mejor dicho, ya ha sido, y su obra forma parte del gran museo del Tiempo, embebida en una dimensión utópica o distópica en la que los futuros abrirían todo el poder de su posibilidad artística. Debo decir que aún en la oscuridad de esa ecología siniestra, de esa hiper-objetualidad borrosa, no sé bien por qué, pero yo encuentro esperanza.
Francisco Tito Rivas Director, Museo Ex Teresa Arte Actual (CDMX)
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EXTINCIÓN William Aparicio Karen Aune Juan Cortés María José Leaño Andrés Moreno Hoffmann Sandra Rengifo Sonia Rojas
Sonia Rojas, Devenir Tierra (detalle), Ensamblaje
Extinción, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Extinción, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Extinción, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Extinción, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Extinción, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
WILLIAM APARICIO
Artista plástico con profundización en imagen pictórica, especialista en fotografía y magíster en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia con mención de tesis meritoria. Ha expuesto su trabajo de manera individual y colectiva. Dentro de sus exhibiciones individuales se encuentran 15° de imprecisión (2016) proyecto de grado de su maestría en Artes presentado el LIA (Laboratorio Interdisciplinario para las Artes); La última frontera (2013) en el Planetario de Bogotá, con el apoyo de Idartes; Geo Bits (2012) en la sala de exposiciones de la sede Salitre de la Cámara de Comercio de Bogotá durante el Programa Cultural Artecámara; y Pattaya Beach (2011) en Espacio F, Madrid, España. Ha participado en más de 30 exposiciones colectivas como el Sexto Salón de Arte Bidimensional en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en Bogotá (2013); Periscopio Laboratorio de Egresados 2004-2010 Universidad Nacional en el espacio El Parqueadero del Museo Miguel Urrutia del Banco de la República (2013); Métiers du Monde, Cité Internationales des Arts en la fundación Alianza Francesa de París (2013); y Apocalypsis Wow, en la Galería Santa Fe, Bogotá (2012). Actualmente, se desempeña como profesor de Imagen Digital en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. La última frontera Escanografía | 40 x 60 cm
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Geo GeoBits Bits- -Globo Globos Terraqueo Terráqueos 1, 2,1,3, 2,43,y45.yFotografía 5 Escanografías con escaner. | 60 x 60 xcm 60c/u cm c/u.
KAREN AUNE
Karen Aune trabaja como artista e investigadora. Es profesora asociada en el Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá. Su área de investigación incluye la intersección entre arte, diseño y arquitectura haciendo uso de procesos análogos complementados por tecnologías de diseño y fabricación digital, teniendo como concepto principal los cruces entre la biología y la tecnología desde una óptica de la ciencia ficción. Creaturas (Criaturas) Impresión digital sobre Lienzo de Fibra Artística HP | 35 x 55 cm
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Aune tiene un doctorado en el programa de Estudios Avanzados en Producciones Artísticas de la Universidad de Barcelona, y realizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos, en Nuevo León, México (1996). Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en museos, centros culturales, galerías y ferias, con premios de adquisición en museos de Brasil; su obra hace parte de colecciones de museos e instituciones públicas y privadas en Colombia, Brasil, España, México, Estados Unidos e Inglaterra. Creaturas Impresión digital sobre Lienzo de Fibra Artística HP | 35 x 55 cm
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JUAN CORTÉS
Juan Cortés es artista electrónico egresado de la Universidad de Los Andes. Durante su carrera ha presentado su obra en espacios como la Sección SITIO de ARTBO 15 (2019); la Biennale des Arts Numériques Némo en París, Francia (2017); Sluice en Londres, Inglaterra (2017); el Centro Cultural Las Cigarreras, en Alicante, España (2017); y el Museo de Arte Moderno de Nueva York MoMA (2015). Ha participado en proyectos de instituciones como CCCB (Barcelona), y en las exposiciones Cuántica (Bogotá, 2019), FACT (Liverpool, 2019), Broken Simetries (Nueva York, 2018), y en el proyecto Hybrid en el MoMA (Nueva York, 2015), entre otras. En 2018 fue galardonado en la competencia internacional Collide | Arts at CERN (Organización Europea para la Investigación Nuclear). Orden Natural II Micrografía de hongos | 67,5 x 340 cm
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MARIA JOSÉ LEAÑO
Maria José Leaño es artista textil egresada de la Universidad de Los Andes con magíster en Ciencias del Estampado de la Universidad de Filadelfia como becaria de Colfuturo. Investigadora en biomímesis y microscopía, con un fuerte interés en polinización, sostenibilidad y materiales inteligentes inspirados en la naturaleza. La evolución de su trabajo pasa de la impresión textil de temas florales a la impresión digital textil de micrografías, y hasta la impresión 3D de granos de polen; su trabajo se caracteriza por transmitir experiencias estéticas y científicas a sus espectadores. Superficie de polen Microscopía electrónica de barrido, Impresión digital |. 50 x 75 cm
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Ha participado en exhibiciones que integran la ciencia y el arte como Polen a lo grande, en el Museo de Historia Natural de la Universidad Nacional de Colombia (2017). Ha sido ganadora de varios premios y menciones en diseño sostenible por proyectos como b.all (Be all), del Core Group Biomímesis, que fue ganador en la categoría de concepto de diseño del Biomimicry Design Challenge (2016). Actualmente cursa una maestría en Ingeniería Biomédica en la Universidad de los Andes. Superficie de polen de Caléndula Microscopía electrónica de barrido, Impresión digital |. 50 x 75 cm
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ANDRÉS MORENO HOFFMANN
Andrés Moreno Hoffmann es artista plástico, fundador y director artístico de Casa Hoffmann. Realizó su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, y obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados en el programa de Doctorado en Pintura en la Era Digital: Afinidad y Especificidad por parte de la misma institución. Cuenta con un máster en Dirección de Arte y Estrategias de Comunicación de la Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona | ELISAVA. Actualmente se encuentra vinculado como profesor del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá. A lo largo de su trayectoria destacan exhibiciones de sus trabajos en UNTITLED, Art Miami Beach 2021, ZONAMACO. | México Arte Contemporáneo con la Galería Espacio Continuo (2020), PINTA MIAMI | Crossing Cultures invitado por el curador Oscar Roldán Alzate (2019), ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá (2019), Sluice Exchange Berlin Biennial (2018), y Exchange Rates | The Bushwick International Exposition de Sluice en The Buggy Factory en Nueva York (2016), entre otras.
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La gran onda Óleo sobre lienzo | 146 x 114 cm
Moreno Hoffmann ha llevado a cabo múltiples exhibiciones individuales como Espacio, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá | MAC; y Paisajes, en el Planetario de Bogotá. Adicionalmente ha participado en múltiples muestras colectivas como Juntos Aparte, durante BIENALSUR en el Museo Nacional de Colombia; Círculo y cuadrado, en la Galería Espacio Continuo (Bogotá); ASONANTE, El sonido como materia plástica, en el Centro Cultural Casa Bolívar (Bogotá); e Intervalo, en el Centro Cultural Las Cigarreras (Alicante), entre otras. Durante su carrera se ha desempeñado como artista, gestor, e investigador. Es el creador y director artístico de proyectos como CIBER ERA (2019-2021), exhibido en el Museo de Arte de Pereira y en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá | MAC; TECNOTRÓPICO (2018), elegido por la curadora Carolina Ponce de León para ser exhibido en la sección Artecámara de ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá; y TRANSVERSAL (2020), exhibido en Casa Hoffmann. También ha sido invitado a dictar charlas y conferencias en PINTA MIAMI 2020, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y la Alianza Francesa de Panamá, entre otras.
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Anaplasia Óleo sobre lienzo | 163 x 115 cm
SANDRA RENGIFO
Artista plástica de la Academia Superior de Artes de Bogotá y magíster en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como docente en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, y como directora de arte para proyectos de danza, video y cine. Adicionalmente, ha realizado proyectos museográficos, curatoriales y videoclips para numerosos artistas y entidades nacionales e internacionales. De la serie Limbo: 4°35‘56“N 74°04‘51“O. Impresión Giclée sobre papel Moab | 90 x 135 cm 42
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Su trabajo como artista audiovisual, fotógrafa y pintora reflexiona sobre el espíritu existencialista y establece diversas conexiones con la filosofía. Sus proyectos han sido expuestos en varios espacios y eventos como el Museo de Arte Moderno de Bogotá | MAMBO, el Museo de Arte Moderno de Medellín | MAMM, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá | MAC, el Museo La Tertulia en Cali, la Cinemateca Distrital de Bogotá, el Museo de Arte Miguel Urrutia | MAMU en Bogotá, el Festival de Cine L’ alternativa de Barcelona, el Danish Film Institute, y el Festival de cine Panorama Colombia-Berlín durante la Bienal de Artes Mediales en Alemania, entre otros. Rengifo ha sido ganadora del Premio Nuevos Nombres Jóvenes Talentos de la Alianza Francesa (2010), del premio Artecámara (2015) y del premio de Creación Artista de Trayectoria Intermedia del Ministerio de Cultura de Colombia (2017), entre otros.
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De la serie Sjenersi (Camino estelar): Universalmiddel (Panacea) Óleo sobre lienzo | 90 x 135 cm
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SONIA ROJAS
Sonia Rojas tiene una maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de Los Andes. Su trabajo se centra en la reflexión continua sobre el tiempo, las percepciones y las memorias efímeras. Crea realidades paralelas que irrumpen con la cotidianidad y cuestionan la relación del ser humano con su entorno natural al tiempo que se pregunta cómo dicha relación se transforma. En su trabajo, Rojas integra un conjunto variado de medios como la escultura, la fotografía, el video y la instalación, en conjunto con materiales naturales. Expuso su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC en 2016, donde fue galardonada con un estímulo de creación para artistas jóvenes. En 2016 y 2018 participó en Voltaje | Salón de Arte y Tecnología, y en el Salón Universitario de Fotografía. En 2017 fue seleccionada para participar en la residencia artística Zone de Convergence II en Annecy, Francia. En 2019 hizo parte de Espacios Atemporales, organizado por la Alianza Francesa de Bogotá, y fue seleccionada para exponer su trabajo en la sección Artecámara de la Feria Internacional de Arte de Bogotá | ARTBO.
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Devenir Tierra Ensamblaje Devenir Tierra | Video
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Devenir Tierra (detalle) Ensamblaje
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GÉNESIS Ana Escobar Rocío Pardo Alejándro Villegas
Ana Escobar, Adaptación Silenciosa y Rocío Pardo, Atravesando el vacío: intentos para no caer
Génesis, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Alejandro Villegas, Reflectófago (Máquina deseante #1), Técnica mixta
Ana Escobar, Adaptación Silenciosa. Instalación textil in situ
Ana Escobar, Adaptacion Silenciosa y Rocío Pardo, Atravesando el vacío: intentos para no caer
Ana Escobar, Adaptacion Silenciosa y Rocío Pardo, Atravesando el vacío: intentos para no caer
Ana Escobar, Adaptación Silenciosa. Instalación textil in situ
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ANA ESCOBAR
Ana Escobar es licenciada en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia y cuenta con un máster en Creación Plástica de la École Supérieure d’Art de Bretagne, Francia. Su trabajo se enfoca en instalaciones para espacios no convencionales que invitan al espectador a cuestionar la relación entre los humanos, la ecología y la economía. Sus obras usan una amplia variedad de materiales que son transfigurados en narrativas que transitan los espacios entre las esferas global y local. Adaptación silenciosa Instalación in situ con cuerdas de fique | Dimensiones variables
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Escobar ha participado en el festival de Fotografía de Guilvinec L’Homme et la Mer, Francia (2019); en el proyecto Emergence de la Galerie Pictura (2018), Cesson-Sévigné, Francia; Musée d’histoire Naturelle, Île de Kerner, Francia (2016); Lab45, y la Cuarta Bienal Comfenalco, Antioquia, Colombia (2013), entre otros. Ha realizado residencias de investigación y creación con el Musée Compagnie des Indes, Citadelle de Port-Louis, Francia (2017), la Galerie du Faouëdic, Lorient, Francia (2017) para la obra Sophie La Rosière de la artista Iris Häussler, Villa Vassilieff, Francia (2016), y para el centro Emmaüs, Rédéné, Francia (2017).
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Adaptación silenciosa Instalación in situ con cuerdas de fique Dimensiones variables
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ROCÍO PARDO
Rocío Pardo es artista interdisciplinar licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia con estudios en Física Pura, y un magíster en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Sus estudios en Física y Artes la han llevado a explorar ambas áreas del conocimiento de forma híbrida, en diálogo por medio de fenómenos físicos que parten desde la producción de la imagen como artefacto poético. En su obra desarrolla conceptos como el vacío, el equilibrio, el movimiento y la tensión desde las nociones de levedad e ingravidez. 4 intento | Video
Intentos 1, 2, 3 y 4 Ensamblaje de elementos electrónicos recuperados
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Pardo desarrolla su trabajo artístico por medio de instalaciones interactivas. Ha obtenido honores académicos, entre los cuales se cuenta su tesis de grado laureada titulada Invisible, ganadora del Premio de Escrituras Creativas del CEAB. Se desempeñó como coordinadora del Centro de Pensamiento en Educación de la Universidad Nacional de Colombia. Paralelamente a su labor artística ha sido artista/formadora en otras instituciones educativas en las áreas de Artes Visuales. Intentos 1, 2, 3 y 4 Ensamblaje de elementos electrónicos recuperados
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ALEJANDRO VILLEGAS
Alejandro Villegas es artista interdisciplinario graduado en Artes Plásticas con énfasis en Medios Electrónicos de la Universidad de Los Andes en Bogotá. Desde 2017 es cofundador y miembro activo del colectivo artístico Atractor Estudio, cuyos proyectos han sido galardonados en múltiples ocasiones. Su obra se ha enfocado en la exploración del sonido, la síntesis de audio, los campos electromagnéticos y los desechos electrónicos. Ha realizado dicho trabajo a través de múltiples residencias, laboratorios, talleres, intervenciones públicas y exposiciones en espacios nacionales e internacionales como la Feria Internacional de Arte de Bogotá, Voltaje | Salón de arte y tecnología, la Fundación para el Arte y las Tecnologías Creativas de Liverpool, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, y la Cámara de Comercio de Bogotá, entre otros. Máquina deseante # 4 - Reflectófago | Video
Reflectófago (Máquina deseante #1) Técnica Mixta
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TECNOTRÓPICO Gabriel Pulecio Ricardo Arias Jorge Barco Carlos Bonil Falon Cañón Juan José López Miguel Kuan Diana Medina Juan Melo Andrés Felipe Ñáñez Pedro Ramírez Juan Suanca Leonel Vásquez Falon Cañón, Taraxacum Officinale. Basura electrónica recuperada, circuit bending
Jorge Barco, Oscilaciones Planetarias [Artefactos para una geología de los medios]
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Carlos Bonil , Membracidae I, II, III, y IV. Ensamblaje de plásticos recuperados y piezas electrónicas
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
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Gabriel Pulecio, INFINITY V2 PLAYGROUNDS, Instalación interactiva de luz
Miguel Kuan, Culto sanguíne. Ensamblaje de materiales recuperados
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
TECNOTRÓPICO, CÍBER ERA | MAC - Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
GABRIEL PULECIO
Gabriel Pulecio es artista y diseñador nacido en Colombia y radicado en Nueva York. Lleva a cabo trabajos multidisciplinares en nuevos medios, sintetizando arte y tecnología, y creando proyectos innovadores y multisensoriales. Pulecio ha aplicado su conocimiento y vasta experiencia en medios digitales y Motion Graphics a la creación de instalaciones de luz, cuyo objetivo es fundir conceptos digitales y análogos mientras que la manufactura, el diseño y la experiencia se incorporan como medio de transformación de la realidad y su perspectiva sensorial. Su trabajo abarca una amplia gama de medios artísticos, incluyendo instalaciones inmersivas, efectos de luz, láseres y esculturas kinéticas sincronizadas en composiciones complejas de música electrónica, videoarte, mapping en 3D y técnicas de proyección. La cualidad multidisciplinar de su trabajo le ha ganado amplio reconocimiento. Su trabajo ha sido exhibido en espacios como el Trapholt Museum for Moderne Kunst, Dinamarca; el proyecto LMNL por Onedome en San Francisco; Industry City en Brooklyn (Nueva York); el Museo Powerlong con el proyecto Wavelengths en Shanghai; y en Kraftwerk Berlin, entre otros.
INFINITY V2 PLAYROUNDS | Video
INFINITY V2 PLAYGROUNDS Instalación interactiva de luz y sonido
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Gabriel Pulecio, INFINITY V2 PLAYGROUNDS, Instalación interactiva de luz
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RICARDO ARIAS
Ricardo Arias trabaja como músico experimental, artista sonoro, docente e investigador. Su trabajo se ha centrado en la improvisación con fuentes de sonido no convencionales tanto acústicas como electrónicas. Recientemente ha trabajado con instalaciones, objetos e intervenciones sonoras que han sido presentadas en el MoMA, el Museum Kunst Palast en Dusseldorf, La Casa Encendida en Madrid, y el Teatro Colón en Bogotá, entre otros numerosos auditorios y festivales en Norteamérica, Suramérica, Europa y Asia. Arias ha colaborado con un numerosos músicos experimentales, improvisadores y artistas sonoros de todo el mundo como Michel Doneda, Aexel Doerner, Robin Hayward, Tatsuya Nakatani, Pauline Oliveiros, Vic Rawlings, Mazen Kerbaj, Pascal Bouldreault, Nate Wooley, Yasunao Tone, Hans Tammen, Andrew Drury, Jane Rigler, Sean Meehan, Alessandro Bosetti, Crhis Mann, James Fei, Sharif Sehnaoui, Christine Abdelnour, Michael Zerang, Edson Velandia, Wade Matthews, Robert Dick, Anne Wellmer, Gabriel Paiuk, Roberto García, Ricardo Gallo, Peter Evans, Peter Brötzmann, Barry Weisblat, Low Malozzi, Jim Denley, Dror Feiler, Kike Mendoza, Santiago Botero y Miguel Frasconi, entre muchos otros.
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Adicionalmente, es un reconocido organizador y curador de festivales de música experimental y de exposiciones de arte sonoro, como el Primer Festival Los Tiempos del Ruido (Bogotá y Cali, 1995), el Festival In-Audito (Bogotá, 2008), y las exposiciones de arte sonoro Vociferous: Sound Works by 21 Contemporary Colombian Artists (Diapason, Nueva York, 2010), Densidades: Arte Sonoro en Colombia (Bogotá, 2011), Sonósferas: el sonido en las prácticas artísticas contemporáneas (Bogotá, 2013), Al Claro de Luna (Bogotá, 2014), y Paraphernalia (Bogotá, 2018), entre otras. Actualmente se desempeña como profesor de arte sonoro, técnicas mixtas y artes del tiempo, y teoría del arte en el Departamento de Arte de la Universidad de Los Andes en Bogotá.
Endofonía Objeto sonoro. Ensamblaje y sonido multicanal. Endofonía | Video
Endofonía Objeto sonoro | Ensamblaje y sonido multicanal Casa Hoffmann
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JORGE BARCO
Jorge Barco desarrolla su trabajo en torno a las artes electrónicas, el arte sonoro y la creación experimental. Construye objetos, instalaciones, y proyectos orientados por las nociones del low-tech y el mestizaje. Su trabajo ha sido mostrado en exhibiciones, activaciones en vivo y en talleres en varios museos y festivales enfocados en artes electrónicas a través de Latinoamérica y Europa. Su práctica actualmente consiste en la producción de construcciones mixtas objetualmente orientadas, la escritura teórica y la investigación curatorial. Barco lleva a cabo su trabajo alrededor de la noción del sonido como campo de investigación, de creación estética y ontológica, y de reflexión crítica sobre la tecnología. Construye objetos y explora sus posibilidades funcionales y performativas. Ha participado en escenarios como el MediaLab Prado (Museo del Prado, Madrid), Sonoscopía (Oporto), Voltaje | Salón de Arte y Tecnología (Bogotá), Desterro (Lisboa), Museo de Aveiro (Portugal) y el Centro Nacional de las Artes (CDMX)
Oscilaciones Planetarias | Video Oscilaciones Planetarias | Video Oscilaciones Planetarias | Video Oscilaciones Planetarias | Sonido
Oscilaciones Planetarias [Artefactos para una geología de los medios] Ensamblaje de objetos cinéticos, sonoros y luminosos | Cobre, aluminio, madera, minerales, circuitos electrónicos 106
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Oscilaciones Planetarias [Artefactos para una geología de los medios] Ensamblaje de objetos cinéticos, sonoros y luminosos | Cobre, aluminio, madera, minerales, circuitos electrónicos
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CARLOS BONIL
Carlos Bonil es artista plástico y sonoro egresado de la Universidad Nacional de Colombia (2004). Su práctica lo ha conducido a fundar los grupos AC y DC (noise), y Mugre (Low-Fi). Ha participado en múltiples exhibiciones, conciertos y eventos sonoros en Colombia, México, Argentina, Brasil, Perú, Ecuador, Estados Unidos, Canadá, España, Alemania, Noruega, China y Turquía. Actualmente se desempeña como pofesor en la Universidad Nacional de Colombia, la ASAB | Academia Superior de Artes de Bogotá, y la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Bonil busca observar lo que los materiales dicen, trabajando con objetos obsoletos que poseen carga histórica, emocional y física. Sin excluir del proceso ni a la pintura ni al dibujo, recurre al ensamblaje como técnica predilecta para construir el grueso de su obra.
Membracidae I | Video
Membracidae III | Video
Membracidae II | Video
Membracidae IV | Video
Membracidae I, II, III, and IV Ensamblaje de plásticos recuperados y piezas electrónicas
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Casa Hoffmann
CÍBER ERA
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Membracidae II Ensamblaje de plásticos recuperados y piezas electrónicas
Membracidae III Ensamblaje de plásticos recuperados y piezas electrónicas
FALON CAÑÓN
Falon Cañón es artista plástica egresada de la ASAB | Academia Superior de Artes de Bogotá. Hace uso de gran variedad de materiales y técnicas combinadas con situaciones de desgaste como medio de producción plástica. Sus composiciones con objetos comunes, materiales de bajo costo, basura electrónica recuperada y circuit bending forman un lenguaje multidimensional, que abarca desde la plasticidad del ruido hasta la degradación de elementos orgánicos, conservando siempre la dirección compositiva del dibujo como guía para la construcción de sus obras.
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Casa Hoffmann
Kowloon Basura electrónica recuperada Circuit bending Kowloon | Video Taraxacum Officinale | Video
Taraxacum Officinale Basura electrónica recuperada, circuit bending
Casa Hoffmann
Taraxacum Officinale (detalle) Basura electrónica recuperada, circuit bending
CÍBER ERA
MIGUEL KUAN
Miguel Kuan es artista plástico radicado en Bogotá. Su producción artística surge de diversas apreciaciones de los paisajes urbanos y naturales, mediadas por sonido y saturaciones, algunas de las cuales son producidas por máquinas construidas por Kuan, mientras que otras son generadas por proyecciones de imágenes que han sido registradas por el artista. A través de su trabajo combina la reinvención de símbolos como la noche, la calle y el trabajo manual. Su trabajo hace pate de la colección permanente del MAC | Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Perecedero | Video
Culto Sanguíneo | Video
Perecedero | Video II
Música Agroindustrial | Video
Perecedero Ensamblaje con basura electrónica recuperada y objetos encontrados
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Casa Hoffmann
CÍBER ERA
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Perecedero Ensamblaje con objetos encontrados
Música agroindustrial (agrotóxico) Ensamblaje con objetos encontrados y motores
Culto sanguíneo Ensamblaje con objetos encontrados, jeringas y piezas electromecánicas
DIANA MEDINA
Diana Medina es música y especialista en Medios Electrónicos y Artes del Tiempo por parte de la Universidad de Los Andes (Bogotá). Cuenta con un diploma en Producción Sonora del Programa de Diseño en Dubspot, Nueva York, y con una maestría en Arte Sonoro de la Universidad de Barcelona. Enfoca su trabajo en la investigación de diversas técnicas de producción sonora, y en la exploración de la improvisación, la música experimental, las artes electrónicas y las instalaciones sonoras como medios recurrentes en sus prácticas artísticas. El trabajo de Medina consiste en ambientes inmersivos, multimedia y multicanal. Se interesa especialmente por la simulación de experiencias sinestésicas y otros fenómenos relacionados al sonido y la percepción, con el objetivo de difuminar los límites entre los sentidos. Medina ha participado en numerosas muestras colectivas y festivales en Europa y Latinoamérica tales como BCN Impro Fest 2017 (Barcelona), Zeppelin Festival 2017 (Barcelona), Hack and Art Day 2016/2017 (Barcelona), Festival En Tiempo Real (Bogotá), TECNOTRÓPICO, exhibida en la sección Artecámara de ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá 2018, y la Feria ArtLima en 2019, entre otros. También hace parte de la OFFAL (Orquesta Para Computadoras y Mujeres).
ML224 | Video
ML 224 Circuito eléctrico
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Nido I Material Orgánico y Circuito Eléctrico Nido I | Video
JUAN MELO
Juan Melo nació en Cali en 1969. Es artista plástico y diseñador graduado del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, y cuenta con una maestría en Diseño y Creación Interactiva de la Universidad de Caldas. Su trabajo se enfoca en la experimentación con nuevos medios y la integración de nuevas tecnologías con las artes visuales y conceptuales. A través de su trabajo ha investigado aspectos de la historia del arte y del comportamiento psicosocial, indagando por el sentimiento de angustia existencial como resultado de la evolución tecnológica de la vida cotidiana. Su investigación sobre comportamientos físicos es una oportunidad para confrontar la vida común y nociones como los antimonumentos, el mestizaje y la robótica. A lo largo de su carrera ha trabajado como artista y educador. El trabajo de Melo ha sido exhibido en escenarios como el Museo de Pereira, el MAC | Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y la galería Lugar a Dudas en Cali, entre otros.
PALOQUEMAO Chancletópodo | Video
Paloquemao. Chancletópodo (Robots obsoletos 5-19). Arduino, ultrasonido, servomotores, totumo y bambú 128
Casa Hoffmann
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Paloquemao. Chancletópodo (Robots obsoletos 5-19). Arduino, ultrasonido, servomotores, totumo y bambú ZARAGOZO Chancletópodo | Video
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ANDRÉS FELIPE ÑAÑEZ
Andrés Felipe Ñañez es músico, compositor y artista sonoro radicado en Bogotá. Cuenta con un magíster en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente cursa su Maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo en la Universidad de Los Andes (Bogotá). Obtuvo su título de pregrado en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Su trabajo se enfoca en explorar la relación entre la percepción y la alteración de los sentidos por medio del sonido, la luz y el olor, creando de ese modo espacios cargados de simbolismo en la forma de objetos e interacciones que actúan sobre el espectador generando experiencias inmersivas. Su obra sonora y plástica ha sido exhibida y premiada en diferentes lugares del mundo como Ecuador, Francia, Canadá y México, entre otros. Actualmente se desempeña como docente de la cátedra en Experimentación Sonora de la Universidad Central, de la Maestría en Musicoterapia de la Universidad Nacional de Colombia, y de Psicoacústica y Creación Sonora de la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad Antonio Nariño, donde también es curador artístico del Festival Cuántico.
Marcapasos pitonisa I | Video Marcapasos pitonisa II | Video ñññ | Video
Marcapasos pitonisa I Escultura sonora
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Marcapasos pitonisa II Escultura sonora
Marcapasos pitonisa III Escultura sonora
PEDRO RAMÍREZ
Pedro Ramírez es artista y músico nacido en Bogotá. Obtuvo su diploma como Artista Plástico y Visual por parte de la Universidad Nacional de Colombia, y estudió en la Escuela de Artes y Medios de la ciudad de Colonia, Alemania. Sus trabajos han sido exhibidos en la Feria FPAB en Sao Paulo, en ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá, en el MAMBO | Museo de Arte Moderno de Bogotá, y en la Bienal de Sao Paulo, entre otros.
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Casa Hoffmann
Ticktock Microcontroladores, amplificador, pieza eléctrica y motores solenoides Ticktock | Video
Ramírez ha participado en mútiples activaciones en vivo tales como improvisaciones junto a Paul Lytton, Dirk Specht y Tobias Grewenig en KHM, Colonia, en 2016; interpretaciones en vivo durante CADENA, en la Cámara de Comercio de Bogotá; Nobody Holds My Hand, un performance en vivo galardonado con el Premio de Arte Jóven de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño; y The Death of Fire is the Birth of Air, llevada a cabo junto a Hannah Noh en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, entre otros.
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Casa Hoffmann
Aliento de la Marea No.2. Microcontroladores, amplificador, pieza eléctrica y motores solenoides Aliento de la Marea No. 2 | Video
JUAN SUANCA
Juan Suanca es artista plástico graduado de la Universidad Nacional de Colombia. Cuenta con un máster en Arte Sonoro de la Universidad de las Artes de Londres. Su trabajo consiste principalmente en piezas sonoras minimalistas e instalaciones en las que explora la inmersión, la percepción del tiempo, la escucha y los cambios sutiles. Suanca ha participado en numerosas exhibiciones y festivales como Áreas inexactas: procesos, desbordes y situaciones en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Inaudito | Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, Vociferous en la Galería Diapason en Brooklyn, Nueva York, y Sonare en el MAMBO | Museo de Arte Moderno de Bogotá.
Prototipo 549 | Video
Prototipo 549 Objeto sonoro
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Prototipo 549 Objto sonoro
MELISSA PAREJA
La práctica de Pareja está fuertemente influenciada por su entorno, particularmente el paisaje urbano y las relaciones culturalmente establecidas con la naturaleza. Nació en Kingston, NY, y vivió la mayor parte de sus años formativos en Las Vegas, NV. Se trasladó a Colombia en 2011 para estudiar el programa de Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia en Medellín. Su fascinación por el paisaje urbano, los cuerpos de agua y las dinámicas socioculturales, la ha llevado a interactuar con estos temas por medio de variados medios, que incluyen el video, la instalación, el performance y la fotografía. Actualmente vive y trabaja en Bogotá. Su trabajo ha sido presentado en varias exposiciones en Latinoamérica y Asia, entre las cuales se cuenta “Resonancias del Río” (2019), en la galería Neebex en Bogotá, que se presentó en la feria ARTBO FDS (fin de semana); su video-escultura monumental Oda al Río (2018), exhibida en el Museo del Agua de Medellín en 2019, fue proyecto ganador de la Beca de Creación para Artistas Emergentes, Estímulos para el Arte y la Cultura de la Alcaldía de Medellín en 2018. Adicionalmente, ha participado numerosas exposiciones colectivas como “II Muestra de Video Arte Faenza” (2019) en Cuba, “De per se nación” (2019) en El Salvador, “Civitas” (2019) en la Galería Adrián Ibáñez, Tabio y “Experimental Film and Video” (2020) en el museo CICA, Corea del Sur.
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Nido III | Video
Prototipo de nido III Escultura sonora.
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LEONEL VÁSQUEZ
Leonel Vásquez es artista plástico y sonoro. A lo largo de su trayectoria ha recibido múltiples reconocimientos como la Beca de Creación para Artistas de Trayectoria Intermedia por parte del Ministerio de Cultura de Colombia (2019) y la Beca Residencia Plataforma Bogotá – Más Arte Más Acción de IDARTES (Instituto Distrital de las Artes de Bogotá) con el proyecto Auscultar un Territorio de Alumbramientos (2019), entre otros. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones individuales como Tierras del Mar en el Festival de las Artes de Valparaíso (2018), y la instalación The River’s Cradle en la Bienal OpenArt 2017 en Suecia, entre otras. Ha sido invitado a participar en varios encuentros internacionales, como el XI Festival Tsonami en Chile (2017), y el Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en Canadá, entre otros. Actualmente se desempeña como docente de arte sonoro en el área de medios de la Universidad de Los Andes (Bogotá). Vásquez cuenta con amplio reconocimiento como investigador y gestor cultural en proyectos realizados con la Radio Nacional de Colombia, el Centro Nacional de Memoria Histórica (Colombia) y el Ministerio de Cultura de Colombia. Sus trabajos han sido exhibidos en instituciones como el MAMM | Museo de Arte Moderno de Medellín, el Museo de Antioquia, el Museo de la Memoria Paz y Reconciliación, el Museo del Agua, el MAMBO | Museo de Arte Moderno de Bogotá, Espacio Odeón, la Galería Santa Fé, el MAMU | Museo de Arte Miguel Urrutia y la Cámara de Comercio de Bogotá, entre otros.
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Casa Hoffmann
Su trabajo se desarrolla a partir de las potencias del sonido como sustancia que moldea la experiencia sensible y como fuerza de vibración que transita y adquiere forma en esculturas, e instalaciones audiovisuales, arquitectónicas y sonoras. Explora diversas maneras de trabajar la escucha como acto político/estético recomponedor y como medio de creación de nuevas relaciones en entornos de conflicto social y ambiental. Sus proyectos reflexionan sobre conceptos como el canto entendido como práctica de resistencia, la memoria sonora en contextos de conflicto armado, los silencios y memorias de paisajes de agua, y el ruido submarino.
Canto Rodado Modular | Video
Canto Rodado Modular Objeto sonoro Sistema análogo de amplificación acústica
Casa Hoffmann
Casa Hoffmann es un espacio de investigación y exhibición en Bogotá, dedicado a la producción y divulgación de proyectos en arte contemporáneo comisionados a curadores e investigadores. Se interesa por explorar las intersecciones entre el arte contemporáneo, la ciencia y la tecnología; por ello busca fomentar una red entre artistas locales e internacionales basada en la transversalidad como marco conceptual para encuadrar el diálogo entre diferentes propuestas que se adentran en dichos campos. Su ciclo expositivo se consolida en proyectos curatoriales que establecen ejes de diálogo entre artistas de los ámbitos local e internacional, con el fin de promover y divulgar aquellas curadurías en museos, fundaciones, y otras instituciones. A través de sus proyectos, Casa Hoffmann busca investigar la exploración de nuevos medios, la expansión de los límites de la creación a través de la ciencia y la tecnología, y la agencia de la creación artística como acto reflexivo en torno a problemáticas contemporáneas.
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PRENSA Trayectoria del proyecto
La concepción de CÍBER ERA inició en el 2018 con el proyecto TECNOTRÓPICO, una instalación sonora constituida por múltiples insectos low-tech comisionados a varios artistas contemporáneos colombianos con el fin de emular un paisaje sonoro tropical, y reflexionar al tiempo sobre el calentamiento global y el reciclaje. Este proyecto fue seleccionado por la curadora Carolina Ponce de León para ser exhibido en la sección ARTECÁMARA de ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá en 2018. Más adelante TECNOTRÓPICO pasó a formar parte de CÍBER ERA, que fue mostrada al público por primera vez en 2019, en la Sala de Exhibición Salitre de la Cámara de Comercio de Bogotá. En esta segunda iteración el proyecto incorporó el trabajo textil de la artista Ana Escobar, construyendo un escenario inmersivo que simula una selva tropical, reflexionando sobre la relación entre el tejido y las redes de información en tecnología. Entre noviembre de 2019 y febrero de 2020, CÍBER ERA fue exhibida en el Museo de Arte de Pereira, y más tarde, entre junio y agosto de 2021 en el MAC | Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. En esta última versión se integró la presencia de la Inteligencia Artificial entre los personajes del proyecto, y CÍBER ERA se consolidó como una instalación multisensorial, inmersiva e interactiva de gran escala.
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PRENSA CÍBER ERA, Museo de Arte Contemporaneo de Bogotá. Del 10 de junio al 23 de agosto de 2021.
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CÍBER ERA
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CÍBER ERA
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CÍBER ERA, Cámara de Comercio de Bogotá, Sede Salitre. Del 22 de agosto al 30 de octubre de 2019.
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CÍBER ERA
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CÍBER ERA, Museo de Arte de Pereira. Del 8 de noviembre de 2019 al 29 de febrero de 2020.
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CÍBER ERA
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CÍBER ERA, Sección Artecámara ARTBO (Feria Internacional de Arte de Bogotá) 2018. Del 25 al 28 de octubre de 2018.
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CÍBER ERA
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