Issuu

CINE INDEPENDIENTE

CINE DE CULTO

PREMIOS DE LA ACADEMIA

CINE DE

CULTO 4

se en

GÉNEROS Cine clásico El periodo del cine clásico de Hollywood fue el periodo en el que se produjeron gran cantidad de títulos cinematográficos que eran altamente reconocidos por la audiencia y altamente remunerados debido a la reciente cotidianidad del cine. El periodo del Pre-code comenzaba a ser abandonado debido a los estragos de la Segunda Guerra Mundial, por lo que de nuevo comenzaba a sexualizarse la producción fílmica en películas comerciales

cuentran normalmente como filmes perdidos. En un género similar se encuentra el cine Z que se caracteriza por ser de peor calidad que el cine B debido a que cuenta con menor presupuesto que éste.21 El director de películas B y Z más reconocido en la historia de la cinematografías es Ed Wood.

Cine camp

Cine B Se le conoce como cine B a aquellas producciones cinematográficas que presentan baja producción debido a la poca inversión económica que se denota en la trama y los efectos especiales. Las películazs B suelen estar enfocadas a la ciencia ficción y la ficción de horror, por lo que frecuentemente están llenas de efectos especiales de baja calidad que marcan la baja producción de la película. Las películas B suelen ser consideradas como películas de culto debido a que suelen ser identificadas bajo el parámetro de la genialidad a partir de la mediocridad (“es tan malo, que es bueno”), además de que no suelen ser comerciales y

Se le conoce como camp a aquella noción estética de la exageración y el afeminamiento que ha caracterizado a diversas corrientes artísticas como el cine, la música y la moda. El camp es un elemento clave en la concepción de la cultura closet anterior a los disturbios de Stonewall en 1969, dedicada a incluir la homosexualidad, el transgénero y el queer a la sociedad heteronormativa. El camp sirvió como método de transgresión para la cultura homosexual, que posteriormente se incorporó a formas de arte masiva que trataban la homosexualidad y que a pesar de su intención original de querer dignificar el LGBT, terminaban ridiculizándolo

Cine de explotacion Se le conoce como cine de explotación o exploitation a aquella producción cinematográfica que se caracteriza por “explotar”, de ahí su nombre, las temáticas o estilo de algún otro film que consiguió un considerable exito comercial o repercusión momentanea. Suelen recrearse en la exibición de temas polémicos u obscenos como la violencia, el sexo explícito, el desnudo, el homoerotismo, el consumo de drogas, el crimen y la muerte.

DIRECTORES Martin Scorsese David Lynch Clint Eastwood Jim Jarmusch JLars Von Trier Wong Kar Wai Quentin Tarantino Tim Burton Woody Allen Stanley Kubrick Christopher Nolan Danny Boyle Richard Kelly Michel Gondry

PELICULAS

FREAKS

THIS IS SPINAL TAP

“Gobble gobble, gob“It’s such a fine line be- ble gobble... We accept tween stupid...and clev- her... One of us, one of er.” us...” “He died in a tragic gardening accident... Authorities said... it’s best to leave it... unsolved.”

HAROLD AND MAUDE

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW

“Hi, my name is Brad Majors...” (Asshole!) “... this is my fiancee, Janet Weiss.” (Slut!)

Harold: “You sure have a way with people.” Maude: “Well, they’re my species!”

PEE-WEE’S BIG ADVENTURE

“I know you are, but what am I? Infinity!” “There’s a lot of things about me you don’t know anything about, Dottie, things you wouldn’t understand, things you couldn’t understand.”

DAZED AND CONFUSED

“That’s what I love about these high school girls, man: I get older, they stay the same age.” SCARFACE

WILLY WONKA AND THE CHOCOLATE FACTORY

“What is this, Wonka, some kind of fun house?” “Why? Having fun

“Shay ‘jello to my wittle wvrend!”

CINE INDEPENDIENTE

CINEASTAS

ticia, así ocurre con uno de los caballos en El tiempo del lobo, entrenado para caer; sin embargo la muerte de otro caballo es real, filmado en un matadero donde se iba a sacrificar, ya que Austria no se permite el maltrato gratuito de animales.

INDEPENDIENTES Wes Anderson

David Lynch

Uno de esos personajes que tiene la capacidad de no dejar indiferente, puedes amar o puedes odiar sus películas, pero siempre te impactará de alguna manera, te puede parecer el mayor farsante de la historia del humor, o un genio. Joel e Ethan Coen

Tarantino ha creado un estilo propio y único, que combina los estilos de sus géneros favoritos, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns de Sergio Leone. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a éstas, pero aun así sus películas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación. Michael Hanek

Las películas de los hermanos Coen combinan el humor seco con la ironía fina y visuales escandalosas. Prefieren no poner los créditos de presentación al principio de la película. Los hermanos Coen son algunos de los directores contemporáneos que han mostrado afecto por las comedias de los años 30 y 40 (“Screwball comedies”), y han incorporado algunos de sus elementos introduciendo variantes ingeniosas y sutiles y en ocasiones colocando a excéntricos personajes habladores .Su estilo de caracterización crea un mundo en el cual incluso personajes con poca participación, y que hablan poco, parecen tener exagerados rasgos o características. Quentin Tarantino

La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa. Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión. La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro. El director defiende que al espectador de cine le impresiona más la muerte de un animal que la de una persona, pues da por hecho que la muerte de la persona es ficticia. Para conseguir mayor impacto, en muchas de sus películas incluye escenas en las que aparece la muerte de un animal. En la mayoría de los casos es fic-

David Lynch se ha especializado en construir películas donde la plasticidad, lo etéreo y lo propiamente pesadillezco se establece como el eje narrativo de historias cuyos personajes pierden todo contacto con la realidad y terminan enfrentados ante un otro que no es más que el otro-otro-de-sí mismo. Es esta particularidad del cine de Lynch: plástico, discontinuo, inquietante, con trazos de obra experimental, unido a relatos donde se mezcla lo real con lo fantástico de la mente de sus personajes, lo que le asigna un lugar muy único y especial en el paisaje cinematográfico de los últimos 30 años, si tomamos como Cabeza borradora (Erasehead, 1977), su primera obra, el origen de esta nueva estética y de historias que dan para mucho ensayo psicoanalítico a lo Lacan o psicosocial a lo Foucault. Y es que el cine de Lynch es de una intensidad que estremece. Jason Reitman A Reitman le gusta tratar problemas actuales en sus películas. En Gracias por fumar trató el tema tan perjudicial de los cigarrillos para la salud, en Juno el embarazo adolescente y en Up in the air la reseción económica que se vivió en 2009.

GENEROS EL CINE CLASE B Es muy probable que los cineastas se hayan animado a realizar sus producciones cuando surgieron las películas de cine clase B. La gran depresión de 1929 hizo que disminuyera considerablemente la concurrencia a las salas, por lo que los estudios comenzaron a presentar un doble programa. Las películas clase B eran realizadas con muy bajos presupuestos, con un rodaje muy breve (algunas en solo unos días), con actores prácticamente desconocidos (o estrellas en decadencia) y con una duración que oscilaba entre los 80 y los 90 minutos. Estaban destinadas a completar el programa. Para los estudios, la producción de estas películas significaba una inversión menor, y al mismo tiempo permitía que muchos realizadores y productores desafiaran e innovaran en muchos aspectos que eran imposibles de desarrollar en una producción clase A.

EL CINE INDEPENDIENTE HOY Las compañías fundadas por los cineastas independientes crecieron y se transformaron en la actual industria del cine, que ha creado un gran sistema comercial y un esquematizado sistema de producción del cual intenta apartarse el cine independiente actual. Sin embargo, el término cine independiente ha sido explotado como un “género” por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son incontables los festivales de cine independiente, como el Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards. Cinépolis ha lanzado un programa de cine independiente en el cual se han podido ver desde Grizzly Man hasta Una verdad incómoda, pasando por El perro mongol, Y tú qué sabes, Ayurveda. La primera producción de carácter independiente que logró ser distribuida por una de las grandes fue Easy Rider (1969), distribuida por Universal. Se convirtió en un éxito de taquilla superando el presupuesto invertido. Las producciones independientes han estado siempre alejadas de las “grandes” superproducciones de Hollywood; se podría decir que Europa es el continente más involucrado en este tipo de cine. Incluso el término suele aplicarse a determinadas películas producidas en países donde no existe una industria cinematográfica propiamente dicha. Movimientos cinematográficos como Dogma 95 y Cineo han sido de gran ayuda para la producción cinematográfica basada en la revolución digital. Cineo se ha fundamentado en el Pentálogo Cineo y ha facilitado el trabajo a los productores cinematográficos modernos.

FESTIVZAL DE SUNDANCE

El festival surgió de una idea de Robert Redford en 1980. Quería dar una oportunidad a jóvenes creadores ajenos todavía a la gran industria de Hollywood. En un principio Sundance fue un instituto de cinematografía, pero pronto vio la necesidad de mostrar al público los trabajos que realizaban los jóvenes creadores, por lo que en 1983 Redford creó el Festival de Cine de Sundance, que es ahora el festival de cine independiente más importante del mundo. El nombre del festival (“Sundance”) está inspirado en el personaje que el propio Robert Redford interpretó en 1969 en Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and The Sundance Kid (Butch fue interpretado por Paul Newman).

FESTIVAL DE SUNDANCE 2013

The Spectacular Now (Dir. James Ponsolot)

Stoker (Dir. Chan-wook Park)

Lovelace (Dirs. Rob Epstein & Jeffrey Friedman)

14 14

HISTORIA La primera ceremonia fue presentada el 16 de mayo de 1929, en un almuerzo privado en el hotel Hollywood Roosevelt, con una audiencia de cerca de 270 personas. La fiesta llevada a cabo después de la ceremonia tuvo lugar en el hotel Mayfair.4 El costo de los boletos para los invitados a la ceremonia fue de cinco dólares. Quince estatuillas fueron entregadas, premiando artistas, directores y otras personalidades de la industria del cine por sus trabajos, estrenados entre 1927 y 1928. El origen del nombre Oscar es aún muy debatido. En una biografía de la actriz Bette Davis se afirma que la estatuilla fue nombrada como tal en honor a su primer esposo, Oscar Nelson;7 una de las primeras menciones de la estatuilla como «el Óscar» se remonta a 1934, en un artículo realizado por la revista TIME sobre la sexta ceremonia de premiación.8 En 1932, Walt Disney citó haber agradecido a la Academia por el Óscar que ganó en dicho año. Una versión muy extendida acerca del nombre de la estatuilla tuvo origen en 1931, cuando la secretaria ejecutiva de la Academia, Margaret Herrick, vio por primera vez el premio e hizo una referencia con su tío Óscar (sobrenombre para su primo Oscar Pierce). El columnista Sidney Skolsky, quien estuvo presente cuando Margaret Herrick nombró la estatuilla, adoptó el nombre en uno de sus artículos el cual rezaba: «los empleados han nombrado afectuosamente su famosa estatuilla como Óscar.10 Finalmente, en 1939, el premio fue llamado oficialmente Óscar por la AMPAS. Otra versión acerca del origen del nombre se originó con Eleanor Lilleberg, secretaria ejecutiva de Louis B. Mayer, quien al ver la estatuilla exclamo: ¡se parece al rey Óscar II!.

PELICULAS Alas

Es una película muda del director de cine estadounidense William A. Wellman. Casablanca Es una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (‘todos vienen al café de Rick’) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar

de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis. Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. La vuelta al mundo en 80 días La película deja buenas vibraciones, no se si tantas como para recibir el máximo galardón académico, pero las suficientes para reconocer que es un meritorio trabajo de Michael Anderson como director, de Lionel Lindon. como responsable de una excelente fotografía que hermosea aún mas un mundo que, a pesar de nuestras iniquidades era y sigue siendo hermoso, y de la batuta directora de Victor Young dando ritmo y compás a una partitura mas que notable. La novicia rebelde Es una película que atrapa al espectador. Llena de mensajes como: luchar por nuestros sueños, que en la vida no hay que eludir los problemas sino que es mejor afrontarlos, que el amor es el camino para ser mejores, etc. Los más emotivos momentos de la película son con Julie Andrews y los niños quienes se comprometen en sus roles, los bordan y finalmente hacen de este un filme inolvidable. Paseando a Miss Daisy Es un entrañable relato sobre como se desarrolla la amistad hacia alguien que en principio no se acepta, pues representa lo que no somos capaces de hacer por nosotros mismos, pero acaba siendo una de las pocas alegrías que nos quedan. Morgan Freeman, en otra memorable actuación, no conduce un coche, si no que su Cadillac es una máquina del tiempo que nos mostrará el viaje que quizás algun dia nosotros mismos realicemos, y ojalá tengamos a alguien como él al lado. Ver a Miss Daisy consumirse emociona, como ver al chófer llegar al mismo estadio que Miss Daisy cuando empieza la historia.

15 15