ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.7 Año 1, Julio de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
PINTURA
Tamara Lempicka
PINTURA
Piet Mondrian
ESCULTURA
Francisco Zúñiga PINTURA Pablo Picasso Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.
REPORTAJE
MUSEO SOMOAYA PLAZA
CARSO
Se ubica en Nuevo Polanco, en la colonia Ampliación Granada. Fue inaugurado el 29 de marzo de 2011 por el Ing. Carlos Slim Helú en compañía de sus hijos y nietos, el entonces presidente Felipe Calderón Hinojosa. A la ceremonia asistieron también el premio Nobel colombiano Gabriel García Márquez, el periodista Larry King, la escritora Guadalupe Loaeza y otros personajes.
El interior del museo está dividido en seis plantas conectadas por ascensores y una rampa perimetral en espiral lo que permite el acceso para sillas de ruedas. El piso superior es el espacio más amplio del recinto; su techo tiene un centro semitransparente que permite la entrada de luz natural. Esta sala no tiene ninguna columna central lo que favorece el tránsito de los visitantes alrededor de las esculturas.
infantil El rincón de Ernesto, un espacio de reflexión y creación y el guardarropa.
Fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero, con la asesoría de Ove Arup y Frank Gehry. Tiene una superficie de 17,000 metros cuadrados.
En el vestíbulo se encuentran obras de gran formato representativas de la colección de Fundación Carlos Slim. La colección del museo está integrada por un extenso repertorio de obras de Antiguos Maestros Europeos que van del siglo XV al XVIII con piezas de El Greco, Sandro Botticelli, il Tintoretto, Pieter Brueghel el Joven, Lucas Cranach el Viejo, Bartolomé Esteban Murillo, Tiziano, El Españoleto, Rubens, Artemisa Gentileshi, entre otros. Cuenta con obras de arte virreinal de Nueva España y otros territorios sudamericanos, así como arte mexicano y latinoamericano de los siglos XIX y XX. También conserva obras de artistas modernos como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Vincent Van Gogh, Auguste Rodin y Salvador Dalí.
Su estructura está conformada por 28 columnas de acero curvado de diferentes diámetros y siete anillos o vigas perimetrales que le proporcionan estabilidad. Tiene una altura de 46 metros.
La obra tuvo un costo aproximado de 47 millones de euros. El estilo del edificio ha sido comparado con el Edificio Selfridges en Birmingham y con el del Museo Guggenheim Bilbao. La fachada asimétrica consiste en un El ingreso a Museo Soumaya Plaza armazón envolvente recubierto por más C a r s o s e r e a l i z a a t r a v é s d e l El Soumaya es considerado uno de los de 16,000 módulos hexagonales de vestíbulo,espacio asimétrico de color museos de arte más completos. aluminio plateado sin más aberturas blanco del que parten la rampa visibles que la puerta de entrada.12 Los periférica que comunica las distintas paneles no se apoyan en el suelo ni se salas y los ascensores. tocan entre sí, por lo que dan la Ahí se localizan también, un auditorio HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. impresión de flotar alrededor del con capacidad para 350 personas, la Último acceso a las 16:30 horas. edificio. Biblioteca Digital Telmex, la biblioteca Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic
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EDITORIAL
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paradojaeditorial@gmail.com
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
H
emos alcanzado la séptima edición de ARTDiseño con más información dentro del arte que es relevante en el entorno internacional con interpretaciones artísticas de fotógrafos que han marcado una época como Man Ray y David LaChapelle estilos distintos pero que ambos son pautas de una expresión singular dentro de la fotografía. En este ejemplar hacemos un reconocimiento a manera de un artículo del artista más significativo del Siglo XX y que marcó diferentes estilos y corrientes artísticas, además de ser el más reconocido y ser ahora el sinónimo de artista, Pablo Picasso, con su historia personal resumida que abarca muchísimo con material para poder elaborar muchos libros que hablen acerca de su obra y vida. Es importante conocer diferentes artistas plásticos con Juan Soriano, Tamara Lempicka, Piet Mondrian y Víctor Vasarely singulares estilos que son un referente actual en el arte contemporáneo, es significativo el proceso artístico del escultor Francisco Zúñiga, costarricense de origen y adoptado como uno de los pintores y escultores más reconocidos mundialmente, valorado por sus representaciones de la mujer indígena u originaria de américa con una magnífica representación característica de su creación. Tomamos siempre en cuenta la creación arquitectónica y es primordial reconocer la obra de arquitecto mexicano Teodoro González de León quien en recientes años falleció dejando un legado en tierras mexicanas como en el extranjero muy particular de su estilo y visión. Conmemoramos el 50 aniversario de la fotografía icónica ya, ganadora del premio de la Associated Press de la niña Kim Phuc, corriendo horrorizada al estar quemada en todo su cuerpo con el bombardeo de napalm en la guerra de Vietnam, foto tomada por Nick Ut el 8 de junio de 1972 y que posteriormente está con su hijo en brazos, ejemplo de el renacer de la vida y la determinación que el humano hace a pesar de construir guerras que se convierten en sus más temibles pesadillas.
Atentamente Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
Taller de pintura para jóvenes con talento
Impartido por Alan Serna Cortés
Jueves ó Sábados 4:00 PM Inscripción $200.°° Coyuca de Benítez, Gro.
El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos
Cel.: 78 1110-7112
Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
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Victoria Obolensky
Octavio Ocampo
Carlos Mérida
Michael Hutter
Mike Dargas
Hannah Yata
Daviad Alfaro Siqueiros
Andrew Wyeth
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PINTURA
Juan Soriano
En el plano anecdótico, se recuerda que, cuando dejaba de tener otra superficie para pintar, lo hacía sobre las puertas de su casa, las cuales después vendía.
J
uan Soriano vivió con su familia en el número 7 de la calle Antonio Molina en el centro de la ciudad de Guadalajara. Desde la infancia, prefirió el nombre de Juan Soriano, en recuerdo del apellido de su abuela paterna. Desde la edad de doce años, visitaba asiduamente la casa de Chucho Reyes, amigo de su padre, en donde también conoció al arquitecto Luis Barragán y a Roberto Montenegro, y donde tomó su primer contacto con la pintura virreinal de José María de Estrada. A los trece años, conoció a Alfonso Michel, y comenzó sus primeros trazos en el pincel bajo la dirección de Francisco Rodríguez “Caracalla” en Evolución Estudio. A la edad de catorce años participó por primera vez en la exposición colectiva del grupo Pintores Jóvenes de Jalisco, que organizó su fundador Francisco Rodríguez "Caracalla" en el Museo del Estado. A esta muestra pictórica asistieron Lola Álvarez Bravo, José Chávez Morado y María Izquierdo. Cuando recorrían la exposición, que había quedado bajo la vigilancia de Soriano, les atrajeron algunos de los cuadros expuestos, por lo que preguntaron quién era el autor de esas pinturas. El joven Soriano les informó que eran de él. Entonces, aquellos personajes, admirados, le sugirieron que fuera a la Ciudad de México, donde podría mejorar su técnica. Le ofrecieron que ellos mismos lo relacionarían, ya que calificaron su obra como "interesante". Siendo adolescente, en 1935 se afincó en la Ciudad de México para estudiar artes plásticas, motivado por su talento y el aliciente de la compañía de su hermana Martha. Sus mentores fueron grandes exponentes de la plástica mexicana como Emilio Caero y Santos Balmori. Por invitación de este último, se integró a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en la cual permaneció apenas un par de años; sin embargo, a partir de ello se relacionó con conocidos personajes del ámbito cultural, lo cual le permitió ampliar sus horizontes intelectuales y plásticos. Entre estas amistades se cuentan al maestro Alfonso Reyes, Juan Rulfo, Dolores del Río, María Félix, Octavio Paz, Rufino Tamayo, Guadalupe Marín, Xavier Villaurrutia, Elena Garro, Lola Álvarez Bravo, María Asúnsolo, Leonora Carrington, Carlos Pellicer, María Zambrano, Ignacio Retes, Salvador Novo, Frida Kahlo, Carlos Mérida, y Antonio M. Ruiz, El Corcito, entre otros. A principio de la década de los cincuenta, viajó a Europa, ahí, conforme fue madurando su obra, amplió su círculo de amistades internacionales, lo que contribuyó a que su estilo plástico se consolidase. De 1952 a 1956 retornó brevemente al país para retomar sus vínculos con intelectuales mexicanos y colaboró con Octavio Paz, Juan José Arreola, Héctor Mendoza, Juan José Gurrola y Leonora Carrington dentro del grupo de teatro experimental "Poesía en Voz Alta" que tuvo 8 programas en la segunda mitad de la década de los 50 y principio de los 60. Diseñó la escenografía y el vestuario para varias de sus producciones como el sexto programa: Las criadas (1947) de Jean Gennet que se presentó en el Teatro Fábregas en 1963. De 1956 a 1957 se estableció en Roma, Italia, para después, a partir de 1974, cambiar su residencia a París, la cual a la postre visitaría asiduamente, después de volver a afincarse en la ciudad de México. Ahí conoció y trabó amistad con Antonio Saura, Julio Cortázar y Milan Kundera. Su obra se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador. Experimentó con diversos materiales, géneros y estilos; incursionando incluso en el abstraccionismo y la creación de vestuarios y escenografías para teatro.
En reconocimiento a su trayectoria, recibió diversos premios tales como el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes del gobierno de México en 1987,6 la Medalla de Oro del Palacio de Bellas Artes de México, la Condecoración de la Legión de Honor, en Grado de Oficial de Francia, la Mención Honorífica en el Festival Internacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer en Francia, la Orden al Mérito de la República de Polonia y el Premio Velázquez de Artes Plásticas de España. Fue doctor honoris causa por la Universidad de Colima. Fallece el 10 de febrero de 2006 a los 85 años de edad en Ciudad de México. En las fechas posteriores a su fallecimiento, ha trascendido que el gobierno español reconocerá póstumamente el legado y trayectoria del artista, nombrándolo comendador de la Orden de Isabel la Católica.
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PINTURA
Tamara Lempicka
Dejó la vida social y en 1974 se trasladó a Cuernavaca, México. En 1979, Kizette se mudó a este mismo lugar para cuidar de su madre. De Lempicka murió el 18 de marzo de 1980. Siguiendo sus deseos, sus cenizas fueron esparcidas sobre el volcán Popocatépetl. La última obra que pintó fue la cuarta copia de su pintura de San Antonio.
Tamara de Lempicka, también conocida como Tamara Łempicka (pronunciado Uempitsca), nacida Tamara Rosalia Gurwik-Górska, Varsovia, 16 de mayo de 1898, Polonia – Cuernavaca, México, 18 de marzo de 1980, fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa, sobre todo en Francia, y en Estados Unidos con sus retratos y desnudos del estilo art déco. Nació en un ambiente de lujos y abundancia y fue educada en un entorno femenino por su abuela, su madre y su tía. Durante su infancia viajó, tomó lecciones de arte y aprendió idiomas y buenos modales. En 1918, se casó con Tadeusz Łempicki, con quien se mudó a París, y allí continuó sus estudios de pintura. Desde sus primeras obras, Lempicka buscó representar la figura humana. Al respecto comentó Germain Bazin: "Un cuadro de Tamara se representa en general como un bajorrelieve de una sola figura de volúmenes poderosos que llena todo el campo del lienzo, hasta el punto en que, a menudo, la cima de la cabeza está cortada por el borde superior".
Durante los años veinte, Lempicka asistió a clases con Maurice Denis en la Académie Ranson y posteriormente fue discípula del artista francés André Lhote en la Académie de la Grande Chaumière.
Fue la retratista más reconocida de su generación entre las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor relevancia del momento. En los años de la posguerra, continuó una vida social frenética, pero tenía menos encargos para los retratos de la sociedad. Su estilo art deco parecía anticuado en el período del modernismo de posguerra y el expresionismo abstracto. Extendió sus temas para incluir bodegones, y en 1960 comenzó a pintar obras abstractas y a usar una espátula en lugar de su suave pincelada. A veces reelaboraba piezas anteriores en su nuevo estilo. Por ejemplo, la nítida y directa Amethyste (1946) se convirtió en Chica rosa con guitarra (1963). Tuvo una exposición en la Galería Ror Volmar en París en mayo y junio de 1961, pero no revivió su éxito anterior.
Influenciada por el cubismo, Lempicka es considerada una de las mayores representantes del estilo art déco en dos continentes. Fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y se la denominó "la baronesa con pincel".
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El barón Kuffner murió en noviembre de 1961. Después de su muerte, Lempicka vendió muchas de sus posesiones e hizo tres viajes alrededor del mundo en barco. En 1963, Lempicka se mudó a Houston, Texas, para estar con Kizette y su familia y se retiró de su vida como artista profesional. Continuó repintando sus trabajos anteriores. Por ejemplo, repitió su conocido Autorretrato en un Bugatti verde”(1929) dos veces entre 1974 y 1979; Autorretrato III fue vendido. El interés por el art déco volvió a surgir a finales de la década de los 1960, por lo que su trabajo se expuso en la Galería Luxemburg en París en 1972 y tuvo buenas críticas.
PINTURA
Piet Mondrian
Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es conocido por sus pinturas no figurativas, a las que llamó compo-siciones, que consisten en formas rectangulares en rojo, amarillo, azul y negro, separadas por gruesas líneas rectas negras; son el resultado de una evolución estilística que se cumplió en el curso de casi 30 años y aún continuó más allá, hasta el final de su vida.
Mondrian nació el 7 de marzo de 1872 en Ámsterdam, en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam, en la que su maestro fue August Allebé. Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya", que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.
En la exhibición en el Hague's Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como El molino rojo y Árboles a la luz de la Luna. Otra pintura, Avond "Tarde" de 1908, que presenta una escena de parvas o niaras en un campo durante el crepúsculo, es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, Avond es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.
Entre 1911 y 1914 estuvo en París, donde recibió la influencia cubista. Luego volvió a Ámsterdam, donde conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista, De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyó un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la "revolución cubista", entre los cuales Mondrian es el pintor más importante. En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo "Cercle et carré" y en 1931 a AbstractionCréation. En 1930 la estilista Lola Prusac crea para la Casa Hermès en París una línea completa de bolsos y equipajes directamente inspirados en las obras de Mondrian con recortes rojos, amarillos y azules. En 1938 se marcha a Londres y en 1940 a Estados Unidos. En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, como se aprecia en Broadway Boogie-Woogie o Victory BoogieWoogie, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos. La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX, trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura y escultura. En efecto, al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los
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colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudia las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa. Buscaba, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y decía que "el propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande". Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.
PINTURA
Gabriel Mocotela Nació enGuadalajara, Jalisco el 7 de agosto de 1954 es un pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico mexicano. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y completa su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1977 funda Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura, y libros de artistas en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. Macotela recibió el reconocimiento del Fonca y se convierte en miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA) durante el periodo 1993-1996.
El arte como propaganda global
A
lguna vez en las exposiciones internacionales cuyo propósito era mostrar al arte nuevo. Todo esto cambió a partir de 1968, cuando la política radical puso al mundo del revés. Ahora, por supuesto, el paisaje político es diferente. La derecha gobierna en Europa y en América, aunque el mundo oficial del arte siga promoviendo en vano ideologías muertas, demostrando lo alejado que está de cualquier contacto con la realidad. Documenta XI que se inauguró en 1955 realizó un resumen histórico de lo que había sucedido en el mundo del arte en los en los años anteriores. Gradualmente, consagra a las estrellas de los años venideros. En ese años estaba dedicado a las colectivas de arte, otro revire nostálgico de los años sesenta. Pero en esta ocasión, muchos de los artistas que trabajan colectivamente pertenecen en su mayoría a los países del Tercer Mundo. De todos los encuentros internacionales, es el más ambicioso o pretencioso, dependiendo de lo que uno considere que es el arte y sus funciones en el mundo.
Pero su impacto en la política mundial, si tiene alguno, es mínimo. En cambio, su influencia en el sucio mundo del capitalista que es el mercado del arte, es inigualable. La cantidad de dinero que se gasta en la producción y en orquestar la cobertura periodística, garantiza la asistencia de cifras récord de visitantes, como los 350,000 desde 1997, cien mil menos que la última Bienal de Venecia. Por supuesto que es controlado desde 1972 por un pequeño grupo de trotamundos endógamo que ha reciclado y ha ampliado las ideas rancias de los setentas hasta darles un proporción descomunal, imponiendose sobre el gusto y el mercenazgo. Hasta un punto que equivale a fascismo cultural de escala social. Continúa la cruzada para desacreditar la cultura occidental y sus formas
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artísticas fundamentales. Esperemos que el director artístico ahora de el nacimiento a la desmarginación de las socielades colonizadas occidentales y revele la riqueza del arte de sus antigus culturas que sin duda es la fuerza de la cultura en la actualidad.
ESCULTURA
Francisco Zúñiga Francisco Zúñiga nació en la ciudad de San José, Costa Rica, el 27 de diciembre de 1912. Su infancia, adolescencia y juventud discurrieron en el hogar y taller de su padre, el maestro escultor e imaginero Manuel María Zúñiga Rodríguez, considerado uno de los mejores del país en esa época, a su vez, nieto de Manuel Rodríguez Cruz, el mejor maestro imaginero costarricense del siglo XIX. Sus estudios primarios los realizó en la escuela pública del cantón de Montes de Oca.
Fue entonces cuando Francisco Zúñiga decide trasladarse a México, en 1936, donde estudia arte formalmente en La Escuela de Talla Directa La Esmeralda. En 1938, fue nombrado profesor de una facultad en esta escuela y fue donde se mantuvo hasta que se jubiló en 1970.
contacto con el arte. Surge un grupo de jóvenes artistas que se autodenominaron "La Nueva Sensibilidad" (también se les conocería más tarde como "La Generación de los Treinta"). Desde pequeño, descolló por su habilidad para el dibujo. A los 12 años, modeló su primer bajorrelieve en yeso, un nacimiento, la cual se considera su primera escultura conocida. En 1927, ingresó a un curso de dibujo en la Academia de Bellas Artes de Costa Rica dirigida por el pintor español Tomás Povedano, sin embargo, se mostró disconforme ya que sintió que las rígidas formas académicas impuestas en dicha escuela limitaban su sensibilidad artística. En 1928, el Diario de Costa Rica organizó y auspició una serie de exposiciones de arte, que se suceden hasta 1937, despertando conciencias, vocaciones, el sentimiento nacionalista y a la vez, educando a la población poniéndola en
En 1934, surge otra de sus obras notables, La mujer que duerme. Realiza numerosos trabajos en acuarela, bocetos de esculturas, retratos, paisajes donde se sintetizaba su visión de la campiña costarricense. Utilizó diferentes técnicas de dibujo, tinta china, lápiz, retratando a sus parientes, animales al natural y paisajes. Además, creó una serie de xilografías, que fueron incorporadas al Álbum de Grabados de 1934, que reunió obras de otros artistas costarricenses como Amighetti, Manuel de la Cruz, Teodorico Quirós y Carlos Salazar Herrera. Una año después, en 1935, un grupos de costarricenses se reunió para organizar un concurso para erigir un monumento a la madre. Zúñiga sintió que era la oportunidad para concretar una idea surgida varios meses atrás. El 1 de febrero de 1935, el Diario de Costa Rica anunció que Francisco Zúñiga era el ganador del primer premio del Salón de Escultura en Costa Rica por su obra en piedra llamada "Maternidad", esculpida directamente en un bloque de piedra de andesita traído desde Cartago. El monumento levantó una gran polémica, desatándose una discusión sobre la adjudicación del premio a Zúñiga, aunque finalmente este prevaleció.
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Entre 1938 y 1942, colaboró con el escultor Daniel Gutiérrez Ruiz en obras monumentales de bronce. En 1958 le fue otorgado el primer premio de escultura en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Las obras de Zúñiga se han expuesto ampliamente, tiene muestras en Los Ángeles, San Salvador, San Francisco, Washington DC, Estocolmo y Toronto. Entre los museos que poseen sus obras en sus colecciones permanentes están el San Diego Museum of Art, el Metropolitan Museum of Art y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Museo de Arte Moderno de México, el Museo de Arte Costarricense, el Phoenix Art Museum en Arizona, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, y el Hirshhorn Museum de Washington D. C. Luego de vivir 62 años en México, país del que adquirió la nacionalidad, falleció el 9 de agosto de 1998.
PINTURA
Pablo Picasso
P
ablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881–Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Es considerado desde la génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria.
marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923. Pablo empezó a pintar desde temprana edad; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo, primera pintura al óleo de la que siempre se negó a separarse. En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte, acaecida el 8 de abril de 1973 a los noventa y un años de edad, en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» de la localidad francesa de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone). Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento), fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España), en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (18871895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807. De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su
El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada». «Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.» En Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares. En La Coruña hizo su primera exposición con trece años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" y "Torre de Hércules".
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El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña. Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida. En el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París. En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso,
Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros. En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando, pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo xix. Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y solo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera. Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona, donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.
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En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida. En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influido por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de ToulouseLautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901. También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga. Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas, cuadro alegórico
que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu. Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París.
por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite. Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera), Arlequín apoyado y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés, el Retrato de Mateu Fernández de Soto y el Autorretrato azul. A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo; un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer y La macarra (composición alegórica), propiedad del Museo Picasso de Barcelona.
Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien
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De esa fecha data un Retrato de Germaine que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006. En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación solo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.
Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento. En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis, una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje
desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso. Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín), que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce. La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura. A mediados de mayo pintó Autorretrato: la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar. Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina. Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la
estructura de las superficies. Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes. Aunque Picasso ya trató el tema en un collage de 1928, entre 1933 y 1938 se ubica el Periodo Minotauro de Picasso, en el que esta figura mítica aparece, junto con otros temas clásicos, repetidamente en su obra. Picasso encontró en la mujer torero una forma pictórica de reflejar sus conflictos con Marie-Thérèse y Olga, y en el Minotauro, la bestia consciente de su bestialidad, una personificación de su propio conflicto por dicha situación, su escisión entre el deseo y la responsabilidad moral. El primer número del Minotauro, con una portada de Picasso, apareció en mayo de 1933. Pasó las vacaciones de verano 1933 en Cannes con Olga y Pablo. En septiembre, pintó en Boisgeloup La muerte de un torero.
Se casó con Jacqueline en Vallauris el 2 de marzo de 1961, y en junio se trasladó a Notre-Dame-de-Vie en Mougins (cerca de Cannes). Hizo: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.
De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintados, dibujados y grabados. En agosto, viaja a España con Olga y Pablo, y fue a los toros en Burgos y Madrid. Visitó el Museo de Arte catalán en Barcelona. Hizo las esculturas: Femme au feuillage y Femme à l'orange. En la primavera de 1935, la galería de exposiciones Pierre expone los papiers collés. Grabó Minotauromaquia. Se separó de Olga en junio y en octubre nació Maya Picasso, su hija con Marie-Therese Walter. Hizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la guerra civil española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.
En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972
En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.
En 1973, a la edad de noventa y un años, murió debido a un edema pulmonar en su casa de Mougins, Francia. Sin embargo, las autoridades locales no le permitieron ser enterrado en la mansión y su esposa Jacqueline decidió enterrarlo en el castillo de Vauvenargues, también propiedad de Picasso, donde ella también sería enterrada años más tarde.
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FOTOGRAFÍA
Foto cumple 50 años, Kim Phuc quemada por el bombardeo de napalm, años despues con su hijo en brazos / Foto Nick Ut 1972
Pedro Valtierra
Tina Modotti
Lola Álvarez Bravo
Gio Badillo
Philip Halsman/Alfred Hitckokl
Nacho López
Películas sobre la vida de artistas plásticos
Goya’s Ghosts Stellan Skarsgard
Pollock Ed Harris
Modigliani Andy García
El tormento y el Extasis
Coling Firth
Lautrec Regis Royer
Lust for life Kirk Douglas
Frida Salma Hayek
Little Ashes Robert Pattinson
Sobreviviendo a Picasso
Girl with a Pearl Earring
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Charlton Heston
Anthony Hopkins
Gaugin Vincent Cassel
Leonardo Aidan Turner
DISEÑO
Víctor Vasarely
En 1982, 154 serigrafías especialmente creados fueron llevados al espacio por el astronauta Jean-Loup Chrétien, a bordo de la nave espacial soviética Salyut 7 y más tarde vendido para el beneficio de la UNESCO.
Vasarely nació en Pécs y creció en Pöstyén y Budapest, donde en 1925 comenzó estudios de medicina en la Universidad de Budapest. En 1927 abandonó la medicina para aprender la pintura académica tradicional en la Podolini privado Volkmann Academia. En 1928/1929, se matriculó en Mű hely Sándor Bortnyik's (literalmente, "taller", en la existencia hasta 1938), a continuación, ampliamente reconocido como el centro de estudios de la Bauhaus en Budapest. En Budapest, trabajó en una empresa de rodamientos de bolas en la contabilidad y el diseño de carteles publicitarios. Victor Vasarely se convirtió en un diseñador gráfico y artista de carteles durante la década de 1930, que combina los patrones e imágenes orgánicas entre sí. Obras de arte al aire libre Vasarely en la iglesia de Palos en Pécs. Logotipo de la Renault Creado por el hijo de Vasarely en 1972
El 5 de junio de 1970, Vasarely, abrió su primer museo dedicado más de 500 1 9 5 5 - 1 9 6 5 : p l a n é t a i r e F o l c l o r e , obras en un palacio renacentista en permutaciones y el arte de serie: El 2 de Gordes (cerrado en 1996). Una de las marzo de 1959, Vasarely, patentó su principales fue el segundo Fundación método de plastiques une. Las Vasarely en Aix-en-Provence, un museo p e r m u t a c i o n e s d e l a s f o r m a s ubicado en una estructura separada, geométricas se cortan de un cuadrado especialmente diseñado por Vasarely. de color y se han reorganizado. Fuera Fue inaugurado en 1976 por el de este alfabeto plástico, que comenzó presidente francés Georges Pompidou. el arte de serie, una permutación infinita L a m e n t a b l e m e n t e e l m u s e o s e Y como consultor creativo en las de formas y colores, elaborados por sus encuentra en mal estado, algunas de las agencias de publicidad Havas, Draeger y asistentes. (El proceso creativo es piezas expuestas han sido dañados por D e v a m b e z ( 1 9 3 0 - 1 9 3 5 ) . S u s p r o d u c i d a p o r i n s t r u m e n t o s una fuga de agua desde el techo. interacciones con otros artistas durante n o r m a l i z a d o s y l o s a g e n t e s Además, en 1976 su gran cinemática este tiempo eran limitadas. Jugó con la i m p e r s o n a l e s q u e c u e s t i o n a l a objeto Georges Pompidou fue instalado idea de la apertura de una institución singularidad de una obra de arte). En en el Centro Pompidou de París y el modelo del Mű hely Sándor Bortnyik y 1963, Vasarely presentó su paleta al Museo Vasarely, ubicado en su lugar de desarrollado un material de enseñanza público bajo el nombre de planetaire nacimiento en Pécs, Hungría, se estableció con una donación importante para ella. Después de haber vivido en su Folclore. de obras de Vasarely.En 1987, el mayoría en hoteles baratos, se estableció en 1942/1944 en Saint-Céré 1965 -: Hommage à l'Hexagone, Vega: El segundo museo de Vasarely húngaro se homenaje a la serie de hexágono está estableció en el Palacio Zichy en en el departamento de Lot. compuesto de transformaciones sin fin Budapest, con más de 400 obras. de muescas y el alivio de añadir las variaciones de color, la creación de un móvil perpetuo de ilusión óptica. En 1965, Vasarely se incluyó en el Museum of Modern Art exhibition "El Ojo de Respuesta", creado bajo la dirección de William C. Seitz. Su serie Vega juega con las redes esférica hinchazón crear una ilusión óptica de volumen. En octubre de 1967, el diseñador Will Burtin Vasarely invitó a hacer una presentación a la Visión Burtin '67 de la conferencia, celebrada en la Universidad de Nueva York. Vasarely dejó Hungría y se estableció en París en 1930 trabajando como artista gráfico. Aquí desarrolla su primer mayor trabajo, cebra, que se considera la primera obra del op art. Desarrolló un modelo propio del arte abstracto geométrico utilizando diverso materiales pero usando un número mínimo de formas y colores.
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ARQUITECTURA
Teodoro González de León Nació el 29 de mayo de 1926 en la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. De 1942 a 1947 trabajó con Carlos Obregón Santacilia, Carlos Lazo Barreiro y Mario Pani Darqui. Participó en el anteproyecto de la Ciudad Universitaria de la UNAM con los arquitectos Armando Franco y Enrique del Moral. Gracias a una beca del Gobierno francés, trabajó durante 18 meses en el taller de Le Corbusier en Francia, a partir de 1947, en donde colaboró como residente en la Unité d'Habitation de Marsella. La mayor parte de su obra se concentra en Ciudad de México, realizada durante décadas en conjunto con Abraham Zabludovsky (1924–2003), conservando ambos despachos importantes y colaborando en sociedad a nivel práctico. Arquitecto de renombre internacional fue congruente con una amplia visión del movimiento moderno, convencido de la estética de la abstracción. Autor de obras de gran tamaño muchas de ellas en Ciudad de México, famoso por el uso del concreto cincelado en enormes bloques minimalistas que le impusieron un sello característico en todas sus obras. Algunos autores lo denominan brutalista. Fundador de una corriente de pensamiento arquitectónico consumada en México basada en la honestidad del material, la simpleza en la composición y la abstracción. Su obra hace una genuina referencia involuntaria a obras de arquitectura prehispánica como Teotihuacán y Monte Albán. Estuvo casado con la poeta, traductora, editora y crítica literaria uruguayo-mexicana Ulalume González de León, con quien tuvo tres hijos.
Su personalidad arquitectónica es conocida como sello distintivo en Ciudad de México con la utilización de grandes bloques de concreto cincelado, la gran escala y el minimalismo en su obra arquitectónica. El Auditorio Nacional, el Museo Tamayo y el Conjunto Urbano Reforma 222 son algunas de sus obras más importantes e icónicas. Su experiencia arquitectónica en la ciudad le convenció de que “La Ciudad de México es complejísima, sucia, corrupta, pero de una intensidad inigualable. Puedes visitar ciudades europeas bellísimas que son pequeños cementerios de calles vacías”. Teodoro González de León no solo fue reconocido en México, sino también a nivel internacional. Tuvo el nombramiento de miembro honorario del American Institute of Architects, la Academia de Artes, la Academia Internacional de Arquitectura y del Colegio Nacional. Murió en su casa en Ciudad de México la madrugada del 16 de septiembre de 2016, sus restos fueron depositados en el Panteón Francés.
PRINCIPALES OBRAS Casa Catán, P. de la Reforma 2135 (1953) CDMX Conjunto Habitacional José Clemente Orozco (1957) en Guadalajara, Jalisco. Programa de desarrollo urbano en Barra de Navidad, Jalisco, (1958). Unidad Habitacional Vallejo-La Patera (1970) en colaboración con el Arq. Abraham Zabludovsky. Deportivo Tlalli en Tlalnepantla de Baz, Estado de México, (1972). Parque Tomas Garrido, Villahermosa, Tabasco. Oficinas Centrales del Infonavit (1975). Unidad H. Ex-Hacienda de En Medio (1976). El Colegio de México (1976). Universidad Pedagógica Nacional de México, en colaboración con Abraham Zabludovsky (1978). Museo Tamayo Arte Contemporáneo junto con Abraham Zabludovsky (1981). Palacio de Justicia Federal, que se encuentra a un costado del Congreso de la Unión. Ampliación de las Oficinas Centrales del Banco Nacional de México, (1989). Remodelación del Auditorio Nacional, en colaboración con Abraham Zabludovsky (1992). Fondo de Cultura Económica (1992). Embajada de México en Alemania (2000). Centro Cultural Bella Época (2006). El tres torres Reforma 222 (2008). Conjunto Arcos Bosques Corporativo, que incluye la Torre Arcos Bosques I (1996) y la Torres Arcos Bosques II (2008). Museo Universitario Arte Contemporáneo, ubicado en el Centro Cultural Universitario de la Ciudad Universitaria de la UNAM (2008). Querétaro Centro de Congresos (2010). Torre Virreyes (2014). Universidad Autónoma de Coahuila, campus Arteaga (2014). Torre Manacar (2017).
FOTOGRAFÍA
Man Ray
Artista visual estadounidense que pasó su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista. Trabajó en varios medios pero se consideraba a sí mismo sobre todo pintor. Fue conocido en el mundo artísticopor su fotografía avant-garde.
Durante su larga carrera artística, procuró que no se conocieran apenas detalles de su vida o familia, incluso llegando a negar que tuviera otro nombre que no fuera Man Ray. Nació como Emmanuel Radnitzky en Filadelfia, Pensilvania el 27 de agosto de 1890 siendo el hijo mayor de un matrimonio de inmigrantes judíos. Tuvo un hermano y dos hermanas menores y su padre era sastre. A principios de 1912 la familia cambió el apellido a Ray para evitar la discriminación y antisemitismo y entonces Emmanuel, familiarmente llamado 'Manny', cambió también su nombre a Man y comenzó a usar Man Ray como nombre. Tanto Man como sus hermanos ayudaban a su padre en la sastrería desde niños y su madre completaba los ingresos familiares realizando trabajos de patchwork, colchas hechas de retazos de tela. Man Ray siempre deseó desvincularse de sus orígenes familiares pero claramente la técnica y materiales de sastrería están presentes en su obra desde el principio. Los historiadores del arte notan las similitudes de sus collages con el patchwork. Mason Klein, conservador del Museo Judío de Nueva York, sugiere que el artista pudo ser "el primer artista judío de vanguardia".
Mostró habilidad artística y técnica desde niño, y mientras iba a la escuela, visitaba frecuentemente museos locales, donde estudió las obras de los antiguos maestros. Tras graduarse en el instituto, se le ofreció una beca para estudiar arquitectura, pero la rechazó decidido a seguir camino como artista. Sus padres quedaron un poco decepcionados con su decisión, pero le ayudaron a convertir en estudio un par de habitaciones en la casa familiar. Durante los siguientes cuatro años buscó trabajo como pintor. En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy of Design. El trabajo superviviente de esta época muestra que seguía el estilo académico del siglo XIX mientras sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.
En 1914 se casó con Adon Lacroix (Donna Lecoeur, 1887-1975), una poetisa belga. Se separaron en 1919 y se divorciaron formalmente en 1937. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915, con pinturas de influencia cubista. Poco después, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, funda el movimiento dadá neoyorquino. En 1918 trabajó con aerógrafos por primera vez sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.). Pero para Ray, tal experimentación no era rival para las salvajes y caóticas calles neoyorquinas: "Dadá no puede vivir en Nueva York. Toda Nueva York es dadá y no tolerará un rival.”
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FOTOGRAFÍA
David LaChapelle David LaChapelle (Hartford, Connecticut, 11 de marzo de 1963) es un fotógrafo y director estadounidense. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini y bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía. A los 15 años se mudó a Nueva York. Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en la discoteca Studio 54, donde limpiaba las mesas de grandes celebridades y artistas, como Liza Minnelli. Más tarde, su padre lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte. Solo había 30 estudiantes en su curso, por lo que la enseñanza impartida fue excepcional. La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando
Andy Warhol lo impulsó a publicar sus fotografías “Interview”. "Andy Warhol corresponde perfectamente a su época", comenta el fotógrafo. "Sin duda es un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso y aprendí mucho con él, pero pertenecemos a dos generaciones diferentes y tenemos ideas diferentes. El arte más valioso hoy es aquel que logra clarificar el tiempo en que vivimos, y es lo que intento hacer." Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras y fantásticas, han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ, solo por nombrar algunas. Su estilo es singular y reconocible, trabaja con planos abiertos, escenas frescas y extremadamente coloridas dejando ver su estilo pop-art. Sus tomas tienen un trabajo minuciosos y detallista, trabajando con el aspecto físico del personaje llevándolo casi a la caricatura. "Trato de hacer fotografías que no haya visto nunca antes" asegura LaChapelle. Talentoso creativo, juega con escenas ficticias y grotescas, en su mayoría
artificiales y cuenta con una excelente producción, las imágenes en general son en el momento de la toma, con poca posproducción. También podemos ver en sus trabajos la crítica a la sociedad en la que vivimos llena de excesos y vanidad. Su incondicional dedicación a la originalidad es leyenda dentro del mundo de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas publicitarias para una variedad de clientes que incluyen L’Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka,Cervecería Cuahtemoc Moctezuma y la campaña Got Milk?. David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas de la talla de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna, Kylie Minogue, Karol G y Travis Scott. Una de sus más recurrentes musas es Amanda Lepore, con quien ha creado imágenes en las que se nota un peculiar sentido del humor, incluyendo desnudos. Sumado a la fotografía, LaChapelle dirige videos musicales para selectos artistas, tales como The Dandy Warhols (not if you were the last junkie on earth), Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Moby (Natural Blues,) Macy Gray, Blink 182, Elton John, Christina Aguilera ("Dirrty") y The Vines. Se planeó que dirigiese el videoclip de "Sorry" de Madonna, pero lo planteó con un toque de sordidez similar a "Dirrty", y Madonna finalmente eligió a otro director que diese un toque más optimista. Su video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de
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la industria de los videos musicales durante el año 2000, al mostrar a Moby como un anciano y a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como "Mejor Video del Año" en los MTV Europe Music Awards, gracias al voto popular de más de 7 millones de televidentes. Siendo solo el tercer video a cargo de David LaChapelle, fue nominado también en los MTV Video Music Awards en la categoría "Mejor Video Masculino" y por "Mejor Video Visionario" en los VH-1/Vogue Fashion Awards. En una entrevista para la revista “American Photo”. En el 2012 David LaChapelle se alejó de la fotografía de moda, Últimamente su obsesión son las naturalezas muertas: así se vio en la barroca exposición “Earth Laughs In Flowers” y ahora en “Still Life” que se exhibe en Nueva York hasta enero de 2013. El 24 de agosto de fue anunciado que Miley Cyrus sería la portada del nuevo álbum fotográfico del artista, "Lost and Found", mostrando la imagen en la cual la cantante aparece como un hada desnuda acompañada de varias rosas y un maquillaje vistoso, sorprendiendo al gran público.
GRÁFICA
Alberto Durero Alberto Durero, hijo de un orfebre húngaro que se estableció en Núremberg, es el máximo representante del Renacimiento en Alemania. Este Autorretrato lo pintó en 1498, un año trascendente para su carrera: es el mismo año en el que publicó su famosa serie de grabados del Apocalipsis, entallada en xilografía sobre planchas de boj. Había vuelto de su primer viaje a Italia, lo que se nota en el estilo de este cuadro: se observa influencia de la escuela veneciana y lombarda, en particular, de Giovanni Bellini. Prácticamente nada se sabe de la historia de este Autorretrato antes de 1636, cuando fue entregado por el ayuntamiento de Núremberg al conde de Arundel como regalo para Carlos I de Inglaterra, junto con un retrato del padre del artista a los 70 años de edad (National Gallery de Londres), cuya autoría se ha discutido y que ahora se
Una copia poco conocida, y de calidad bastante buena, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia Durero se representa como un gentilhombre de la nobleza, vigoroso y joven, con una altivez casi arrogante. Está vestido elegantemente, muy escotado, con el cabello y la barba muy cuidados, anticipando en cierta manera los retratos de Bartolommeo Veneto. El atuendo no es sólo reflejo de una personalidad refinada, sino que también patentiza el bienestar económico del artista; la cenefa del escote parece bordada con hilo de oro y los guantes de piel gris (de cabritilla) eran un artículo de lujo en aquella época. Ningún artista medieval se representó a sí mismo con tal elegancia.
De esta forma se expresa la idea de Durero de enaltecerse, pretendiendo ser algo más que un mero artesano, dado que en aquel tiempo, los artistas tenían una imagen poco estimada al ser tenidos por simples artesanos. Durero quería hacer ver al mundo que el artista era un oficio con contenido intelectual y nada despreciable, que merecía destacar entre otras profesiones a las que se comparaba, como las de ebanista, zapatero, sastre, etc. Aun cuando Durero pinta toda su ropa fina y muy detallada, su rostro no está idealizado: tiene los párpados ligeramente caídos y prominente nariz. Durero se pintó tal cual era. Aun así, su cabello parece dorado y brilla; un acercamiento a éste nos revela que está pintado con extremo detallismo y maestría, como si hubiera sido pintado cabello por cabello. Durero fue el primer pintor occidental que se representó a sí mismo en varios autorretratos, a lo largo de su vida. Gracias a ellos, se puede ver la evolución humana del artista.
considera copia de un original perdido. En 1645 el grabador Wenzel Hollar publicó en Amberes un grabado del Autorretrato al aguafuerte; esta estampación muestra la efigie en posición invertida ya que Hollar la grabó tal cual en la matriz. Cuando Carlos I fue juzgado y decapitado en 1649, sus bienes se vendieron en almoneda y el autorretrato de Durero fue adquirido (junto con el retrato de su padre) por David Murray, sastre del difunto rey. El embajador español en Londres, Alonso de Cárdenas, compró a Murray el autorretrato por encargo del noble y coleccionista Luis de Haro, quien a su vez se lo regaló al rey Felipe IV en 1654. El cuadro permaneció en la colección real española hasta su ingreso en 1827 en el Museo del Prado, inaugurado ocho años antes.
ARTDiseño ART
No. 7 Año 1, Julio de 2022
Hermoso y fantástico mural de la artísta plástica Ana Barreto ubicado en Barra vieja, San Andrés, Playa Encantada, en Acapulco Guerrero, México.
En el Hotel Boutique, Art y Spa ubicado en Barra Vieja en Acapulco, Guerrero, México ha apostado por el arte en sus murales realizados por artistas mujeres guerrerenses con gran calidad en sus murales que hacen de el lugar más relevante entre su vegetación e instalaciones para hacer de la estancia de los huéspedes un experiencia sensacional. Ana Barreto ha desarrollado un mural espectacular en el techo del área de recepción que abarca 45 m2 con la representación de un cielo con hermosas nubes así como diversas aves características de la región como gaviotas, garzas, pericos, etc, dando la ambientación magnífica con relación al hotel.
Otras artistas que han representado sus cualidades pictóricas son Elisa Rank y Annia Barraza que hacen que el arte sea parte del entorno natural del hotel a cargo de Yolanda Trujillo ya conocida por su buen gusto y calidad en un habiente diseñado por ella que realza el inmobiliario rústico y tradicional.
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
Todos los Martes a las 12 AM www.econciencia.com/radio
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No. 7 Año 1, Julio de 2022
Museo de Arte Moderno de París
L
ocalizado en el ala este del Palais de Tokyo y construido para la Exposición Internacional de París de 1937, el museo fue inaugurado en 1961. Las colecciones del museo comprenden más de 8000 obras que ilustran varias tendencias del arte del siglo XX. Destacan exhibiciones sobre los principales movimientos y artistas del panorama europeo del siglo XX, pero también monográficos y exposiciones temáticas que presentan las principales tendencias del arte actual. De igual modo, el museo alberga muestras temporales cada seis semanas. Las colecciones del museo incluyen, entre otras, obras de Pablo Picasso, Henri Matisse, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Georges Rouault, Fernand Léger, Georges Braque, Francis Picabia, Amedeo Modigliani, Giorgio de Chirico, Kees van Dongen, Pierre Bonnard, Chaïm Soutine, André Derain, Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, Robert y Sonia Delaunay, František Kupka, Juan Gris, Hans Bellmer, René Iché, Jean Fautrier, Jean Arp, Alberto Giacometti, Yves Klein, Andrey Lekarski y Pierre Soulages.
(Naturaleza muerta con candelabros) de Fernand Léger, un conjunto valorado en 100 millones de euros (123 millones de dólares). Una ventana había sido destrozada, e imágenes de CCTV mostraban a un hombre enmascarado robando los cuadros.El hombre, quien se cree que actuó solo, retiró cuidadosamente las pinturas de sus marcos, que dejó atrás. El caso está siendo investigado por la Brigada de Represión del Bandidaje, unidad especializada de la policía francesa. No está claro por qué los sistemas de alarma del museo no pudieron detectar el robo, ya que el personal sólo se dio cuenta de lo acontecido al llegar al museo, poco antes de las 7 de la mañana. Como consecuencia de los hechos, el museo no abrió sus puertas a lo largo del día del suceso, alegando "motivos técnicos".
El 20 de mayo de 2010, el museo informó del robo nocturno de cinco pinturas de su colección. Las obras sustraídas fueron Le pigeon aux petits pois (La paloma con guisantes) de Pablo Picasso, La Pastorale de Henri Matisse, L'Olivier Près de l'Estaque (El olivo cerca del estanque) de Georges Braque, La Femme à l'Éventail (La mujer del abanico) de Amedeo Modigliani y Nature Morte aux Chandeliers
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No. 7 Año 1, Julio de 2022
El robo en el museo parisino siguió al robo por un valor de 162 millones de dólares de obras maestras de Cezanne, Degas, Van Gogh y Monet en la Fundación E.G. Bührle en Zúrich en febrero de 2008, y podría ser uno de las mayores sustracciones de obras de arte de la historia en valor, habiendo sido descrito como el "robo del siglo". El subastador francés y presidente de la Association du Palais de Tokyo, Pierre Cornette de Saint-Cyr, declaró sobre lo sucedido: "Las cinco pinturas son invendibles, de modo que, señores ladrones, ustedes son imbéciles; devuélvanlas.” El 30 de enero de 2017, fue juzgado en París, el autor del robo, aunque hasta esa fecha las obras seguían sin aparecer.