ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.9 Año 1, Septiembre de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
ILUSTRACIÓN
Frank Frazetta
PINTURA
José Chávez Morado
FOTOGRAFÍA
Annie Leibovits PINTURA Edward Hopper Hopper es uno de los máximos representantes del realismo estadounidense, y no hay nada más americano que su obra, que muestra escenas contemporáneas rurales o urbanas, personajes solitarios, aún rodeados de gente, figuras en silencio que retratan a la perfección este occidente cada vez más deshumanizado. Muchas de las obras de Hopper remiten claramente al cine negro de la época, a las novelas de Raymond Chandler y a las ilustraciones comerciales.
REPORTAJE
El Museo Dolores Olmedo Patiño se encuentra en Xochimilco, en el sur de la Ciudad de México, México. Lleva el nombre de la coleccionista Dolores Olmedo Patiño y se enfoca principalmente a la difusión de la obra de Diego Rivera y Frida Kahlo, resguarda un acervo de aproximadamente 3000 piezas, mismas que periódicamente son rotadas para su exhibición. posterior de la construcción. En el Tzomolco se realizaron varias ceremonias del Fuego Nuevo, un ritual prehispánico a celebrarse cada 52 años que festejaba el renacimiento del sol y la vida. Posteriormente, en este lugar se estableció Apochquiyauhtzin, el último rey xochimilca.
El acervo del museo incluye aproximadamente 600 piezas prehispánicas procedentes de culturas mesoamericanas, como la olmeca, la mixteca, la zapoteca, la totonaca, la maya, la azteca y de las asentadas en la región de Occidente de México. Cuenta con el atractivo adicional de los pavorreales y xoloitzcuintles que pasean por sus patios.
Los orígenes de la Finca la Noria datan del siglo XVI, aunque partes importantes se fueron agregando al conjunto durante los siglos XVII, XVIII y XX. La información registrada menciona que el uso original de esta fue agrícola y que se conoció con el nombre de Rancho de San Juan La Noria. Destaca la Capilla de San Juan Evangelista Tzomolco, una pequeña construcción de uso doméstico, de la cual sólo se conserva la estructura arquitectónica, registrada como monumento histórico. El museo abrió sus puertas por primera vez el 17 de septiembre de 1994.
El museo se encuentra dentro de la Finca La Noria, construcción que data del siglo XVII. Durante la época prehispánica, el lugar donde se ubicó la hacienda fue ocupado por un grupo xochimilca que le dio el nombre de Tzomolco, que en nahuatl significa cerro que se desgaja, asignado en función a la presencia del pequeño cerro en la parte
El museo cuenta con 139 trabajos de Diego Rivera y 25 obras de Frida Kahlo, lo que lo convierte en la colección más grande en México de las obras de ambos. También cuenta con 43 creaciones de Angelina Beloff, varias de Pablo O’Higgins, arte popular mexicano y más de 600 piezas de arte prehispánico. Entre las corrientes principales que se encuentran en el museo están: cubismo, post-impresionismo, primitivismo, simbolismo, surrealismo, realismo mágico y realismo social.
HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Último acceso a las 16:30 horas. Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Av Mexico 5843, La Noria, Xochimilco, 16030 Ciudad de México, CDMX.
EDITORIAL
EDITORIAL
ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
paradojaeditorial@gmail.com
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
C
on gran entusiasmo siempre por el arte que nutre generaciones hacemos un especial de Edward Hopper gran artista plástico del realismo estadounidense con un estilo singular, que hace fácil identificar una de sus obras pictóricas con la soledad y el entorno que hacen de sus personajes deshumanizados pero con un sentido amplio de sus propia introspectiva. Contamos con dos exponentes del arte en México como José Chávez Morado y Gunther Gerzso, con estilos distintos pero que ambos dejaron un legado dentro de la plástica únicos en su género. Hacemos un recuento también de grandes del arte en el diseño y fotografía como Aleksei Brodovich precursor e innovador dentro del arte publicitario con fotografías que se tornaron en iconos visuales que a la fecha se siguen empleando dentro del mundo de la moda, Annie Leibovits fotógrafa estadounidense que ha trabajado la maestría en el retrato de personalidades las cuales represnetativas del arte del siglo XX. Tenemos artistas como el escultor Hans Arp que es sin duda el precursor de la síntesis de la forma y que con la pureza de la misma logra la expresión modernista que pocos lograron con tal precisión. Hacemos notar la gran importancia de Le Corbusier dentro del arte en general de un artista completo que desde su punto de vista con sus características ideológicas y estilos particulares. Retomamos a significativos artistas de otras épocas como Jan Van Eyck que cimentó el arte dentro de una nueva visión del ser humano para dar paso a la expresión pictórica con perspectiva y dimensión que cambió el concepto así como la mentalidad del entorno medieval. Pierre Bonnard pintor que fue parte del movimiento del Japonismo que utilizaron en la publicidad francesa de su tiempo. Publicamos un artículo interesante sobre la copia de la Mona Lisa que se encuentra en el Museo del Prado, la cual es una de las copias más exactas que hay, incluso también la atribuyen a Leonardo Da Vinci, de acuerdo a sus dimensiones, fondo, color, textura, estilo y sobre todo expresión facial con esa enigmática sonrrisa.
Atentamente Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
Taller de pintura para jóvenes con talento
Impartido por Alan Serna Cortés
Jueves ó Sábados 4:00 PM Inscripción $200.°° El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
¿Quieres promocionarte y darte a conocer? somos un excelente medio de difusión
INFORMES:
Coyuca de Benítez, Gro.
paradojaeditorial@gmail.com
Cel.: 78 1110-7112
Cel.: 74 4122 2101
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Aykut Aydogdu
Kevin Sloan
Laura Makabresku
José María Velasco
José Luis López Galván
Georges Seurat
Aykut Aydogdu
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
PINTURA
José Chávez Morado
Sus primeros dibujos fueron una escritura directa de concisión extrema. En sus improvisaciones trataba de aprehender, penetrar y transcribir figuras humanas y paisajes. Ya entonces comenzaron a aparecer en su obra cualidades expresivas que oscilaban entre el lirismo y el humor cáustico, entre lo grotesco y una gran finura. La vitalidad de sus imágenes nunca se privó de sutiles inocencias o de ásperas ironías. Desde entonces se permitió las libertades de cambios extremos, tanto en el sentido de sus imágenes como en el valor formar de líneas y espacios.
J
osé Chávez Morado (Silao, Guanajuato, México, 4 de enero de 1909 - Silao, Guanajuato, México, 1 de diciembre de 2002) fue un artista plástico mexicano de corriente nacionalista, exponente de la tercera generación de la denominada Escuela Mexicana de Pintura, junto con autores como Juan O'Gorman, Raúl Anguiano y Alfredo Zalce. Fue uno de los artistas militantes de mediados del siglo XX, de ideología comunista y profundas inquietudes sociales, que plasmó tanto en su trabajo en el Taller de Gráfica Popular, como en murales en diversas partes del país. Obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 1974. Entre sus obras más importantes están los murales de la Alhóndiga de Granaditas (Guanajuato) y la antigua Torre de Ciencias de Ciudad Universitaria (Ciudad de México), así como los relieves como la obra mural Pluralismo Político en la fachada del Palacio Legislativo de San Lázaro y la columnaparaguas del Museo Nacional de Antropología (México). Nació en Silao, Guanajuato, el 4 de enero de 1909. Hijo del comerciante José Ignacio Chávez y Luz Morado, nació en el seno de una familia modesta. Huérfano de madre (Luz Morado Cabrera), a muy corta edad trabajó, primero en la compañía de luz (ocupación que perdió por caricaturizar en dibujo a su jefe). En 1925, con deseos de aventura, sólo con lo que llevaba puesto, tomó un tren que iba a Estados Unidos, donde primero se desempeñó como jornalero en las granjas del suroeste. Después se encaminó hacia el norte, viajando por la costa occidental hasta Alaska, ocupándose en la isla de Tonepeck en la pesca e industrialización del salmón. Cada vez con más frecuencia dibujaba a sus compañeros de trabajo. Regresó a Los Ángeles. Barriendo salones y acomodando pupitres pudo tomar clases en la Chouinard School of Arts. En 1930 regresó a Silao. El padre (José Ignacio Chávez Montes de Oca) le pone una tienda, en cuyo mostrador hace dibujos y caricaturas de los personajes más típicos, los cuales pudo vender cuando la tienda quebró y él se instaló en la Ciudad de México. Becado por el gobierno de Guanajuato pudo en 1931 ingresar a la Escuela Central de Artes Plásticas de la Universidad Nacional. Ahí tomó clases de grabado con Francisco Díaz de León, de pintura con Bulmaro Guzmán y de litografía con Emilio Amero. En el Centro Popular de Pintura “Saturnino Herrán” conoció a Leopoldo Méndez, cuyos carteles había quitado de las paredes de la calle para llevárselos a su cuarto. En 1941, con el seudónimo de Juan Brochas colabora con caricaturas en La Voz de México. Con el seudónimo de Chon ilustró el semanario Combate dirigido por Narciso Bassols. Entre febrero y marzo de 1942 publica cuatro números del periódico-cartel El Eje-Le, órgano de los artistas Libres de México. En la recién fundada Escuela de Pintura y Escultura de la SEP da clases de dibujo. En 1945 la misma materia en la Escuela de Artes del Libro y recibe el primer premio en el concurso de grabado auspiciado por el Departamento del Distrito Federal con motivo del XXV aniversario de la Revolución Mexicana. En 1949 realizó un viaje de estudios por Europa y Cuba. En 1951 diseñó escenografía y vestuario para los ballets La manda, El sueño y La presencia, pero en todos esos años no cesó de pintar cuadros y realizar murales de temas y técnicas muy diversas que muchas veces eran novedosas, a la vez que participaba activamente en la vida gremial, en la creación de nuevas escuelas (artesanías, diseño, integración plástica, galerías y museos). A Chávez Morado se debe en gran medida el rescate de la Alhóndiga de Granaditas. Una de sus piezas más célebres es la columna de once metros de alto y tres de diámetro que sostiene el gran paraguas del patio central del Museo Nacional de Antropología. Para esa pieza monumental diseñó el relieve Imagen de México, cuya versión definitiva en bronce fue trabajada contando con la colaboración de su hermano, el escultor Tomás Chávez Morado. En 1966 se establece definitivamente en la ciudad de Guanajuato, donde él y Olga se convierten en apasionados coleccionistas de objetos de barro, madera, papel, telas, vidrio, etc., hechos a mano o a máquina, modelados, forjados, impresos, pintados, cepillados, tejidos, reliquias arqueológicas, libros y hasta plantas. Constantes fueron sus promociones en los más diversos campos de la cultura hasta el fin de su vida. En 1976, en la Galería José Clemente Orozco que el Instituto Nacional de Bellas Artes auspiciaba en la Zona Rosa, José expuso por primera vez una selección de dibujos, para la que eligió el título Apuntes de mi libreta, que en 1979 fueron editados en un libro. En Chávez Morado confluyeron su gusto precoz por la descarga emocional que constituye el dibujo como instrumento primero para descubrir la realidad, y una vigorosa, consciente y renovada tradición que él vino a sorber, casi adolescente, en la Ciudad de México, no sólo a través de las enseñanzas de sabios maestros como Francisco Díaz de León, sino entre el grupo de condiscípulos y los numerosos artistas que a principios de los años treinta demostraban excepcionales y variados talentos como dibujantes.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
PINTURA
Gunther Gerzso Gunther Gerzso fue hijo de Oscar Gerzso, un inmigrante húngaro que falleció algunos meses después del nacimiento de su hijo único con la alemana Dore Wendland. Su madre contrajo segundas nupcias con un joyero alemán. En 1922 la joven familia viajó a Europa afectada por el desorden económico prevaleciente tras la Revolución mexicana. Dos años más tarde regresaron a México, pero el matrimonio pronto se disolvió. La estrechez económica obligó a Dore a enviar a su hijo a Lugano, Suiza en donde se encontró en medio de la colección de pinturas de su tío, el Dr. Hans Wendland, que incluía trabajos de Pierre Bonnard, Rembrandt, Paul Cézanne, Eugéne Delacroix y Tiziano. Siendo un adolescente, Gunther conoció a Paul Klee y más tarde al notable diseñador Nando Tamberlani, quien lo introdujo al mundo del teatro. En 1931 Gunther dejó Europa debido a las dificultades que entonces causaba la Gran Depresión. En la Ciudad de México se dedicó a diseñar bosquejos para escenarios y a escribir obras de teatro, muy influenciado por N. Tamberlani. Luego de dos años, comenzó a trabajar en una productura local de teatro dirigida por Fernando Wagner. En 1935 obtuvo una beca para estudiar en Cleveland Playhouse, donde durante cuatro años diseñó más de 50 escenarios.
Gunther Gerzso (17 de junio de 1915 – 21 de abril de 2000) fue un artista plástico mexicano de ascendencia húngaro-alemana que se destacó como pintor, diseñador de escenarios, escritor y director de teatro y cine, y que formó parte del movimiento artístico conocido como “La Ruptura”.
En las décadas de 1940 y 1950 trabajó como escenografista en la industria cinematográfica de México, Francia y Estados Unidos. G. Gerzso ganó cinco premios “Ariel” como Mejor Diseño de Producción. En aquellos años colaboró con directores como Emilio “El Indio” Fernández, en Un día de vida (1950); con Luis Buñuel, en Susana (1951), Una mujer sin amor (1952) y El río y la muerte (1955); con Yves Allégret, en Les Orgueilleux (1953), y con John Huston, en Under the Volcano (1984). A finales de la década de 1930, comenzó a aficionarse por la pintura. La pasarela constante de bellas actrices y gente interesante en los escenarios fílmicos le dieron gran inspiración. En 1939 Bernard Pfriem convenció a G. Gerzso a participar en la exhibición anual del Museo de Arte de Cleveland, donde expuso dos cuadros. Paulatinamente Gerzso comenzó a considerarse más un pintor que un diseñador. Desde 1944 radicó permanente en la Ciudad de México, junto con su esposa, y se integró al grupo de destacados artistas surrealistas que vivívan refugiados en México en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Ellos eran Benjamin Péret, Leonora Carrington, Remedios Varo, Alice Rahon y Wolfang Paalen. La obra de G. Gerzso muestran su profunda apreciación artística bajo una influencia conjunta de Europa y México.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Sus lienzos al óleo incorporaban aspectos de arte precolombino dentro de un marco surrealista y cubista. Luego el artista fue evolucionando hasta llegar a su famoso arte abstracto. Octavio Paz calificó a G. Gerzso como uno de los grandes pintores de América Latina, quien junto con Carlos Mérida y Rufino Tamayo contrapusieron su trabajo al movimiento ideológicoestético que caracterizaba al muralismo mexicano.9 En 1973 a G. Gerzso le fue otorgada una beca de la Fundación Guggenheim. En 1978 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas lo reconoció con dos “Arieles” honorarios en 1994 y el 2000. El artista falleció el 21 de abril de 2000.
PINTURA
Jan Van Eyck Jan van Eyck pertenecía a una familia de pintores. A menudo se ha relacionado con el pintor Hubert van Eyck, al que se considera su hermano, debido a que se cree que ambos provenían de la misma ciudad, Maaseik. En documentos de la corte borgoñona se menciona a otro hermano, Lambert van Eyck y se tiene la teoría de que pudo haber sido pintor y también que fue quien supervisó el cierre del taller de Jan van Eyck en Brujas. Otro pintor significativo, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck, se cree que era un pariente suyo.
Se desconoce la fecha del nacimiento de Van Eyck. Una tradición que se remonta a Lucas de Heere (1559) y Marcus Van Vaernewijck (1568) fija el lugar de nacimiento de Jan van Eyck en Maaseik, cerca de Maastricht, en la provincia de Limburgo, a orillas del río Mosa y perteneciente a la diócesis de Lieja. Nada se sabe sobre su formación como artista, ni siquiera si fue en Francia o en su tierra natal. Probablemente su formación fue en el campo de la miniatura, de la cual aprendió el amor por los detalles diminutos y por la técnica refinada, que se refleja incluso en las obras pictóricas. Se ha apuntado la posibilidad de que se formase en París, pero lo cierto es que no hay pruebas que lo acrediten. El documento más antiguo que existe de él es de la corte de Juan III de Baviera, príncipe-obispo de Lieja, conde de Holanda y de Zelandia, en La Haya, donde se hicieron pagos a Jan van Eyck entre octubre de 1422 y septiembre de 1424 como pintor de corte, con el rango cortesano de ayuda de cámara, y primero uno y luego dos asistentes. Esto sugiere una fecha de nacimiento en el año 1395, como muy tarde, y de hecho posiblemente antes. La edad que aparenta en su posible autorretrato sugiere a la mayor parte de los estudiosos una fecha más temprana que 1395.
Jan van Eyck (o Johannes de Eyck, Maaseik, c.1390-Brujas, 9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo xv y el más célebre de los Primitivos flamencos. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo xv se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica. Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado en llamar prerrenacimiento.
Sus primeros pasos artísticos se dieron en el mundo de la miniatura, en la época dominada por la tradición tardogótica francesa. De este primer período sólo quedan las miniaturas del Libro de Horas de Turín. Su datación y comitente no quedan claros. Se ha apuntado la posibilidad de que lo encargara el duque Guillermo IV de Baviera antes de 1417. Sin embargo, generalmente se entiende que fueron ejecutadas en La Haya para el conde de Holanda, Juan de Baviera entre 1422 y 1424. La mayor parte de las miniaturas que contenía fueron destruidas por el fuego en 1904, aunque existen fotografías, pero otra parte del manuscrito se conserva en el Museo civico d'arte antica de Turín. En los mejores folios del libro miniado, atribuidos por Hulin de Loo al «maestro G» (posiblemente, Jan van Eyck), las figuras están ya plenamente integradas en un espacio realista, con una luz que unifica la representación y delinea con gran precisión y detalles diminutos la sala y las ocupaciones de los personajes. Queda claro que Van Eyck se planteaba, como Masaccio, el problema de la realidad: pero mientras el italiano hacía una síntesis que acogía la sola esencia de las cosas, preocupándose de colocarla en un espacio con perspectiva unitaria y racional, el flamenco procedía en lugar de ello analizando con lucidez y atención los singulares objetos como se presentan ante nuestros sentidos. La asombrosa habilidad técnica de Van Eyck y la precisión en los detalles, reproducidos cuidadosamente, fueron muy admiradas por sus contemporáneos. La obra de Van Eyck ha sido abundantemente copiada por los pintores y los iluminadores. Sus compatriotas todavía le seguían considerando el rey de los pintores en el siglo xvi. De este modo ejerció enorme influencia en el arte flamenco y europeo en general. Se considera como su principal discípulo a Petrus Cristus, aunque no se sabe si formó
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
o no parte de su taller. Entre sus directos herederos podemos mencionar a Gérard David , Hugo van der Goes y Konrad Witz, e incluso en Hans Memling, Martin Schongauer, o (aunque ya sea netamente renacentista) el Mabuse. También se vieron influidos por él los italianos como Antonello da Messina y Colantonio. Van der Weyden sigue su estilo realista, si bien añadiendo un mayor dramatismo. Su renombre internacional, por otro lado, se certifica en la historiografía italiana del siglo xv, donde se encuentra información sobre Van Eyck, relatada, entre otros, por Ciriaco d'Ancona, Facio, Filarete y Giovanni Santi. Fue el único maestro nórdico de la época cuya fama y prestigio se mantuvieron en los siglos siguientes, al punto de surgir el mito de que había sido el creador de la pintura al óleo.
GRÁFICA
Irving Herrera Nace en Huajuapan de León, Oaxaca, México, 1984. Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales, especialidad en Gráfica, Facultad de Escuela de Bellas Artes de la UABJO – 2010. Carrera de Instructoría en Artes Plásticas, especialidad en Pintura, Antigua Escuela de Bellas Artes de la UABJO 2007. «Una animalidad antigua habita los personajes de Irving Herrera: ANIMALIDAD Y ABSTRACIÓN «Una animalidad antigua habita los personajes de Irving Herrera: es el punto en que se anudan Naturaleza y Cultura. Solo el mito, en el que se actualiza el pasado de la especie, provee las claves donde ambos órdenes conviven reconciliados en un maridaje sin fisuras, que al mostrarse en pleno pronuncia nuestro alejamiento de aquel origen. La modernidad se caracteriza –es una de sus definiciones- por la clausura de aquella unión primaria por la mediación técnica del mundo de la vida. Pero ese origen vuelve como un atavismo que activa la carnalidad, último reducto biológico de la especie. Es por ello que el erotismo puja con la muerte: a veces, la animalidad es repuesta en
estado de calavera; Herrera releva así la tradición mexicana de la gráfica popular, leída ya no en clave política o sacrificial sino vital. La muerte que nos habita convoca como contracara el erotismo, la carnalidad plena, en la que alardea la potencia muda de los cuerpos que ofrecen su gallardía contundente al ojo, y vuelve real la ensoñación. Herrera, al hacer de un arte reproductible como el grabado su ámbito de postulación de aquel universo olvidado, repone los dilemas sobre su función en un presente que reniega de su pecado matriz: la enunciación de nuestro origen natural perdido replica el mito romántico de la originalidad singular de la obra de arte a la que pretende no reproductible.
Es allí donde hinca el diente su obra: ambas mitologías se desleen en las naturalezas vivas con que Herrera postula el mundo de la seriación. El mundo es ahora pura serie, los rostros se vuelven multitud, la carne es triste y gozante en su pluralidad manifiesta. Hay en él un desafío en el que se conjugan estado de naturaleza e ironía salvaje: la de aquel que tras el lente –sus personajes siempre miran a una cámara imaginaria- disecciona los secretos más íntimos de la carne sexuada que persisten bajo la forma no expurgada del mito. Guillermo David -.Curador del Museo Nacional del Grabado, Buenos Aires, ARGENTINA.
Aristóteles, el arte y la felicidad
A
ristóteles sintetizó, transformó y desarrolló las ideas estéticas de su maestro Platón y fue el primer filósofo en enunciar sus investigaciones en este sentido sistemáticamente. Asumió la idea de arte de la que se servían los griegos de modo intuitivo, pero estableció una definición, convirtiéndola en verdadero concepto. Para Aristóteles el arte es una actividad humana, lo que lo distingue de la naturaleza. Reside en el proceso de producción y no en lo producido: los productos del arte pueden ser o no ser; los de la naturaleza surgen de la necesidad. Cada arte es una producción, pero no cada producción es un arte: solo lo es la producción consciente basada en el conocimiento. La basada en el instinto, la experiencia o la práctica no es arte. Según esta definición, para Aristóteles eran artes no solo las que hoy conocemos como Bellas Artes, también la artesanía, la zapatería o la construcción de barcos, y también al conocimiento que las posibilita, base de la producción, lo llama arte. El concepto de arte de Aristóteles no era estático sino dinámico, pues daba más importancia al proceso de producción que al
producto acabado. Hace hincapié en su factor intelectual, en los conocimientos indispensables para crear una obra, porque no hay arte sin reglas generales. El concepto aristotélico de arte se mantuvo durante casi 2000 años. Solo moderadamente se comenzó a entender el arte únicamente como arte bello y, en segundo término, más bien como producto y no como proceso de actividad. Más importante que lo representado, sus formas y colores, es su composición y armonía. No importan los objetos particulares que el artista imita, sino el nuevo
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
conjunto que con ellos crea. Ese conjunto no se evalúa comparándolo con la realidad, sino tomando en cuenta su estructura interna y su resultado. Arte y naturaleza proporcionan formas distintas de placer. En la primera, los objetos mismos actúan sobre nosotros y el placer que obtenemos de ellos se debe a que reconocemos su semejanza con las cosas reales y contemplamos la maestría del artista. La función del arte no se limita al placer, pero este es un elemento importante, no solo en su sentido sensorial, también en el intelectual más profundo. Los placeres intelectuales prevalecen en poesía y música y los sensoriales en artes plásticas.
ESCULTURA
Hans Arp Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra francoprusiana, cuando la zona era conocida como Alsacia-Lorena, después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas determinaron que su nombre sería Jean y no Hans.
Arp visitó la ciudad de Nueva York en 1949 para presentar una exposición individual en la Galería Buchholz. En 1950, se le ofreció el realizar un relieve para el Graduate Center de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts y se le encargó el mural del edificio de la Unesco en París. En 1954 Arp ganó el Gran Premio de escultura de la Bienal de Venecia.
En 1904, después de asistir a la Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo, fue a París, en donde publicó por primera vez sus poesías. Desde 1905 hasta 1907 estudió en la Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar y en 1908 regresó a París en donde asistió a la Académie Julian.
Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1915 se mudó a Suiza, para aprovechar la neutralidad suiza. Arp más tarde contó la historia de cómo, cuando le notificaron que debía presentarse a la embajada alemana, evitó ser reclutado para el ejército: tomó el papeleo que le dieron y, en el primer espacio, escribió la fecha. Después puso la fecha en todo el resto de espacios en blanco, luego trazó una línea por debajo y cuidadosamente las sumó. Entonces se quitó toda la ropa y marchó con los papeles en la mano. Le dijeron que se marchara a casa.
En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda Abstracción-Creación, trabajando con este grupo parisino y editando en la revista Transition. A partir de los años 1930 y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zúrich hasta el final de la guerra.
Arp fue miembro fundador del movimiento dadaísta en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, se estableció en el grupo del dadaísmo de Colonia. Sin embargo, en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París. De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte».
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
En 1958 se presentó una muestra retrospectiva de sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la que siguió una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, en 1962. El Musée d'Art moderne et contemporain de Estrasburgo, conserva muchas de sus pinturas y esculturas. Arp murió en la ciudad suiza de Basilea.
PINTURA
Edward Hopper
N
acido en Nyack, una pequeña ciudad a orillas del río Hudson en una familia burguesa, Hopper entró en 1900 en la New York School of Art. En ese instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte estadounidense de principios de los años cincuenta: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.
En 1918 se convirtió en uno de los primeros integrantes del Whitney Studio Club, el centro más dinámico para los artistas independientes de la época. Entre 1915 y 1923 abandonó temporalmente la pintura, dedicándose a nuevas formas expresivas como el grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, con los que obtuvo numerosos premios y reconocimientos, incluso alguno de la prestigiosa National Academy.
Sin embargo, los contactos que resultaron fundamentales para su formación y para su desarrollo como pintor son tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que lo animó a estudiar y a copiar lo que veía en los museos; Kenneth H. Miller, que lo educó en el gusto por una pintura nítida y limpia, organizada en una composición espacial ordenada y Robert Henri, que contribuyó a liberar el arte de la época del peso de las normas académicas, ofreciendo de ese modo un ejemplo activo al joven Hopper.
Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las sombras, por la descripción de los interiores, que aprende en Degas y que perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero en 1910 a París y a España, y por el tema central de la soledad. Mientras en Europa se consolidaban el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor español anterior a todos los mencionados: Goya, cuyas obras ve en el Museo del Prado. Tras conseguir su título, Hopper obtuvo su primer trabajo como ilustrador publicitario en la C. Phillips & Company. En 1906, viajó a Europa por primera vez. En París, experimentó con un lenguaje formal cercano al de los impresionistas. Después, en 1907, viajó a Londres, Berlín y Bruselas. El estilo personal e inconfundible de Hopper, formado por elecciones expresivas precisas, comenzó a forjarse en 1909, durante una segunda estancia en París de seis meses, llegando también a pintar en Saint-Germain y Fontainebleau.
Regresó definitivamente a los Estados Unidos, donde se estableció y permaneció hasta su muerte. En esos momentos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar temas en relación con la vida cotidiana estadounidense, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana. Entre los temas que aborda, abundan sobre todo las representaciones de imágenes urbanas de Nueva York y de los acantilados y playas de la cercana Nueva Inglaterra.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
El éxito conseguido con una exposición de acuarelas (1923) y otra de lienzos (1924) hicieron de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban escenas estadounidenses. Como es por ejemplo Habitación en Nueva York. Su evocadora vocación artística evolucionó hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos. A través de imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio real y metafísico a la vez, Hopper consigue proyectar en el espectador un sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está fuertemente inmerso, por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente «artificiales», y por una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad. Algunos ejemplos de este tipo de obras son Nighthawks o Despacho en una ciudad pequeña (1953).
autorretrato al óleo alrededor de 1930. Aunque Josephine posó para muchas de sus pinturas, se sentó para un solo retrato formal al óleo de su marido; Jo Painting (1936).
En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950.
Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.
Para 1923, la lenta subida de Hopper finalmente produjo un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison, artista y exalumna de Robert Henri, durante un viaje de pintura de verano en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era baja, abierta, gregaria, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, callado, introspectivo y conservador. Se casaron un año después. Ella comentó: "A veces hablar con Eddie es como tirar una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo". Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giraron en torno a su apartamento libre en la ciudad y sus veranos en South Truro en Cape Cod. Ella manejó su carrera y sus entrevistas, fue su modelo principal y su compañera de vida.
El artista había demostrado su habilidad para transferir su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural estadounidense. Según la curadora del Museo de Bellas Artes de Boston, Carol Troyen, "a Hopper realmente le gustó la forma en que estas casas, con sus torres y torres y porches y techos de mansarda y adornos proyectan sombras maravillosas. Siempre dijo que su cosa favorita era pintar la luz del sol al lado de una casa." A los cuarenta y uno, Hopper recibió más reconocimiento por su trabajo. Continuó albergando amargura por su carrera, luego rechazó apariciones y premios. Con su estabilidad financiera asegurada por ventas constantes, Hopper viviría una vida simple y estable y continuaría creando arte en su estilo personal durante cuatro décadas más. Su Two on the Aisle (1927) se vendió por un récord personal de 1,500 dólares, lo que le permitió a Hopper comprar un automóvil, que solía hacer excursiones a áreas remotas de Nueva Inglaterra. En 1929, produjo Chop Suey y Railroad Sunset. Al año siguiente, el mecenas de arte Stephen Clark donó House by the Railroad (1925) al Museo de Arte Moderno, la primera pintura al óleo que adquirió para su colección. Hopper pintó su último
Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas Gloucester de Hopper fueron admitidas en una exhibición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof, fue comprada por el museo para su colección permanente por la suma de 100 dólares. Los críticos generalmente deliraron sobre su trabajo; uno dijo: "¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observe lo que se puede hacer con el tema más hogareño".
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
A Hopper le fue mejor que a muchos otros artistas durante la Gran Depresión. Su estatura aumentó notablemente en 1931 cuando los principales museos, incluido el Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Museo Metropolitano de Arte, pagaron miles de dólares por sus obras. Vendió 30 pinturas ese año, incluidas 13 acuarelas. Al año siguiente participó en el primer Whitney Annual, y continuó exhibiendo en cada anual en el museo por el resto de su vida. En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio a Hopper su primera retrospectiva a gran escala. En 1930, los Hoppers alquilaron una cabaña en South Truro, en Cape Cod. Regresaron todos los veranos por el resto de sus vidas, y construyeron una casa de verano allí en 1934. Desde allí, viajarían en
El buen arte es la expresión exterior de la vida interior del artista, y su vida interior resultará en su visión personal del mundo. Ninguna cantidad de invención talentosa puede reemplazar el elemento esencial de la imaginación. Una de las debilidades de las pinturas mucho más abstractas es el intento de sustituir las invenciones del intelecto humano por una concepción imaginativa privada. La vida interior de un ser humano es un campo vasto y variado y no se ocupa solo de estimulantes disposiciones de color, forma y diseño. El término vida de un ser humano no debe ser usado como despectivo, ya que implica toda la existencia y la competencia del arte es reaccionar y no huir de él. Edward Hopper, "Statement." Publicado como parte de "Statements by Four Artists" en Reality, vol. 1, no. 1 (spring 1953). El boceto manuscrito por Hopper es reproducido en Levin, Edward Hopper: An Intimate Biography, p. 461.
automóvil a otras áreas cuando Hopper necesitaba buscar material fresco para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas temporadas en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont, donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del Río Blanco. Estas escenas son atípicas entre las obras maduras de Hopper, ya que la mayoría son paisajes "puros", desprovistos de arquitectura o figuras humanas. First Branch of the White River (1938), ahora en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el más conocido de los paisajes de Hopper en Vermont. Hopper fue muy productivo durante la década de 1930 y principios de 1940, produciendo entre muchas obras importantes New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). A finales de la década de 1940, sin embargo, sufrió un período de relativa inactividad. Admitió: "Ojalá pudiera pintar más. Me canso de leer e ir al cine". Durante las
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
siguientes dos décadas, su salud vaciló y tuvo varias cirugías de próstata y otros problemas médicos. Pero, en la década de 1950 y principios de la década de 1960, creó varias obras importantes más, incluida la First Row Orchestra (1951); tanto como Morning Sun y Hotel by a Railroad, ambos en 1952; e Intermission en 1963. Hopper murió en su estudio cerca de Washington Square Park en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días más tarde en la parcela de su familia en el Oak Hill Cementery en Nyack, Nueva York, el lugar donde nació. Su mujer falleció diez meses más tarde y fue enterrada junto a él. Su mujer legó su colección conjunta de más de tres mil obras al Museo Whitney de Arte Estadounidense. Otras obras significativas de Hopper se encuentran en el Museum of Modern Art en Nueva York, el centro de arte Des Moines y el Art Institute of Chicago.
Leonardo y la copia de Mona Lisa. Nuevos planteamientos sobre la práctica del taller vinciano.
L
a comisariada por Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos en el Gabinete de Documentación Técnica del Museo Nacional del Prado, es fruto de una ambiciosa investigación que el Museo Nacional del Prado desarrolla en paralelo y en colaboración con otras instituciones internacionales como el Musée du Louvre, el Laboratorio de Arqueología Molecular de la Universidad de la Sorbona o la National Gallery de Londres. La reunión de un selecto conjunto de obras pintadas por discípulos y seguidores de Leonardo da Vinci en esta exposición, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, es una oportunidad única para mostrar al público los resultados de los últimos estudios dedicados al círculo más cercano al artista y para reflexionar al mismo tiempo sobre los métodos de enseñanza y de producción de pinturas en el marco de los talleres italianos durante la transición del siglo XV al XVI. Desde que se presentara al público la investigación sobre la copia de Mona Lisa conservada en el Museo Nacional del Prado, la obra ha pasado a formar parte de la mayoría de los catálogos e investigaciones centradas en Leonardo da Vinci y sus colaboradores. Alentados por los estudios que acompañaron a la exposición “La Sainte Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci” (Musée du Louvre, 2012) y los presentados en algunos de los actos que acompañaron al año Leonardo en 2019, los análisis más recientes sobre los dibujos, los tratados y la técnica pictórica del maestro y de su círculo más próximo, han ayudado a seguir avanzando en la compresión del pensamiento pictórico de da Vinci y de las obras salidas de su ámbito. Teniendo como eje articulador la copia de Mona Lisa y la información proporcionada por las imágenes científicas proporcionadas por nuevos dispositivos de análisis, el Prado profundiza sobre la figura poco convencional de Leonardo como maestro y otros temas del Renacimiento: la importancia de la idea, el concepto de original, la función y los tipos de copias y derivados de los prototipos creados por los grandes maestros. Las pinturas expuestas, que tienen su origen en dibujos y pinturas del artista, además, ayudan a comprender cómo el bagaje teórico de Leonardo fue asimilado por sus discípulos y contribuyen a dar sentido a muchas de las ideas y observaciones reflejadas en sus notas.
La exposición se asienta en la nueva orientación y el significado que han adquirido los estudios sobre Leonardo da Vinci a raíz de las exposiciones dedicadas al artista en el Louvre en 2012 y en 2019, los análisis científicos llevados a cabo en Madrid y Los Ángeles sobre sus copias y la reflectografía infrarroja de la versión Ganay del Salvator Mundi; en el avance, a la luz de los recientes resultados, en la caracterización de las copias y obras realizadas en la bottega vinciana en vida del maestro y autorizadas por él, pues no todas responden a los mismos propósitos ni están hechas con el mismo objetivo; y en el examen científico de la obra del Museo Nacional del Prado con la ayuda de tecnologías puestas a punto recientemente.
Mona Lisa 1507 - 1516. Óleo sobre tabla de madera de nogal, 76,3 x 57 cm
Comisaria: Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos en el Gabinete de Documentación Técnica del Museo Nacional del Prado
Análisis posteriores permitieron detectar que el repinte era posterior a 1750 y que debajo se conservaba el paisaje original en buen estado, aunque inacabado en algunas zonas, lo que pudo ser la causa de su enmascaramiento.
H
asta fechas recientes esta pintura era considerada como una más de las muchas versiones existentes del célebre cuadro homónimo de Leonardo da Vinci conservado en el Museo del Louvre, del que se diferenciaba ante todo por el fondo negro, la menor calidad del dibujo y la ausencia del característico sfumato leonardesco. Procede de la colección real, donde probablemente se registra ya en 1666 en la Galería del Mediodía del Alcázar como una mujer de mano de Leonardo Abince. El estudio técnico y la restauración realizados entre 2011 y 2012 han revelado, sin embargo, que se trata de la copia de la Gioconda más temprana conocida hasta el momento y uno de los testimonios más significativos de los procedimientos del taller de Leonardo. La existencia del paisaje bajo el fondo oscuro se detectó a través de una reflectografía infrarroja y una radiografía.
Los materiales utilizados son de gran calidad y su factura es muy cuidada, a pesar de la inferior calidad respecto al original. Pero su mayor interés reside en que, desde el dibujo preparatorio y hasta casi los últimos estadios se repite el proceso creativo del original. Las dimensiones de ambas figuras son idénticas y fueron quizá calcadas partiendo del mismo cartón. La prueba más evidente de que las dos obras fueron realizadas al mismo tiempo es que cada una de las correcciones del dibujo subyacente original se repite en la versión del Prado, lo que demuestra que su autor tuvo en cuenta elementos que Leonardo dibujó en las capas subyacentes pero no incluyó en la superficie. Solo alguien que trabajase junto al pintor sería testigo de los ajustes que este introdujera en la obra en curso. Formalmente son iguales, pero la tabla del Prado está lejos de la calidad y la factura de la del Museo del Louvre. Los paisajes del fondo participan del mismo aspecto evanescente, pero el recuperado en la copia está inacabado. En él se observan formaciones rocosas que el maestro dibujó en Milán hacia 1508-11 y que se hallan bajo la superficie del prototipo. Esto apoya la hipótesis de que la obra del Prado representaría un momento anterior a la finalización del original, que Leonardo modificó cuando el copista ya no podía verlo, o que su tabla se quedaría en Milán cuando Leonardo viajó a Roma en 1513 y no pudo seguir trabajando en ella. Todos estos elementos apuntan a un miembro del taller de Leonardo, próximo a Salai o a Francesco Melzi, los alumnos más cercanos al maestro y que tenían acceso directo a sus dibujos de paisaje.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
PINTURA
Andrey Remnev Andrey Remnev se pasó la juventud copiando a los antiguos maestros en los museos de Moscú. Su obra, profundamente rusa pero universal a la vez se inspira en toda la historia del arte de su país, desde los constructivistas a los iconos medievales rusos, y también la historia del arte universal consigue con ello una pintura atemporal y mágica. Andrey nació cerca de esa Moscú soviética de los años 60. En un entorno semi-rural, pudo ver la ciudad desde su ventana todos los días y al mismo tiempo visitar el monasterio de San Andrónico de Moscú, donde mamó la antigua pintura rusa de los siglos XV al XVII, entre la que destacaba la de Andrey Rublev (1360–1427).
temas religiosos en 2000-2010 y al mismo tiempo en sus pinturas
(1360–1427). Pasó su juventud en los museos de Moscú copiando a los grandes clásicos. Como cualquiera de estos iconos rusos, su obra es decorativa, muy colorida, monumental y encierra un profundo simbolismo. Además sus técnicas copian a las de los antiguos maestros, creando pigmentos con témpera de huevo y colocando después pintura al óleo. Una de las características de su arte es la evidente semejanza con las composiciones de los iconos rusos, pero también del constructivismo de los años veinte y esta extraña pero poderosa mezcla hizo de su estilo algo muy reconocible. Remnev es admirado en todo el mundo.
Remnev se graduó de la Escuela de Artes de Moscú y de la prestigiosa Academia Surikov. Luego se formó en Alemania, trabajó en Francia, Suiza y Chipre. En 1996 comenzó un estudio de ocho años de iconografía bajo la guía del pintor de iconos Fr. Vyacheslav (Savinykh) en el monasterio de Andronikov. Siguió trabajando en
Desde su ventana veía todos los días el monasterio Monasterio SpasoAndronikov. En su museo copió los mejores ejemplos de la antigua pintura rusa de los siglos XV al XVII, entre la que destacaba la de Andrey Rublev
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Descubre, durante sus estudios, muchas técnicas en las obras de los antiguos maestros, que considera más avanzadas que las utilizadas hoy por los artistas. Aprende la delicadeza del dibujo de los griegos antiguos, la originalidad y la brusquedad de la composición de los maestros japoneses del grabado.
FOTOGRAFÍA
Christian Vizl
Yael Martínez
Marco Antonio Cruz
Emmanuel Lubezki Pedro Valtierra
Maya Goded
Niña de la Motaña, Guerrero/ Carlos Alberto Carbajal Arcos.
Flor Garduño
Películas más extrañas de la cinematografía mundial
The Cabin in the Woods
Cómo ser John Malkovichua
La Danza de la realidad
THX 1138
La Máscara
El almuerzo desnudo
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
DISEÑO
Alekséi Brodóvich Alekséi Brodóvich (Ogolitchi, 1 de mayo de 1898 - Le Thor, 15 de abril de 1971) fue un fotógrafo y diseñador ruso afincado en Estados Unidos tras la Revolución Rusa. Se le reconoce por su dirección artística de la revista Harper's Bazaar y por ser instructor de otros fotógrafos significados como Richard Avedon, Hiro, Garry Winogrand o Irving Penn.
"Maximilian Vox" y en 1928 es nombrado director artístico de los grandes almacenes "Trois Quartiers". Se dedicó también a la ilustración de libros en París y Londres y fue cofundador de la asociación Le Cercle. En París conoció a Picasso, Jean Cocteau, Matisse y André Derain. En 1930 emigra a Estados Unidos donde trabaja como director del departamento artístico de publicidad de la Philadelphia Museum School of Industrial Arts, hoy llamada Universidad de la Artes (UArts), donde creó un laboratorio de dibujo en 1936. En 1932 fundó la asociación de Ingeniería de Diseño en Filadelfia. Revolucionó el diseño influido por la Escuela de la Bauhaus, el Dadaísmo y el Constructivismo.
Nació en Ogolitchi, que es una población en el Raión de Petrykaw de la actual Bielorrusia. Pertenecía a una familia aristocrática, estudió en un instituto de San Petersburgo y posteriormente en la Academia Militar en 1914. Durante la Primera Guerra Mundial combate en un regimiento de húsares en Rumanía y Austria, pero al estallar la Revolución Rusa en 1917, se integra en el ejército blanco por lo que tendría que exiliarse.
En 1934 fue nombrado director artístico de la revista Harper's Bazaar y junto a su director Carmel Snow y a Martin Munkácsi ofrecieron una revista con un diseño renovado. Estuvo trabajando en la revista casi 25 años, hasta 1958. Paralelamente, impartió clases y conferencias en diversas instituciones. Entre ellas se encuentran la Cooper Union, la Universidad de Nueva York, el Instituto Pratt de Clinton Hill, la Universidad de las Artes de Filadelfia o la New School for Social Research.
n 1920 se instaló en París con su esposa Nina, que falleció en 1959 y con la que tuvo un hijo. Al llegar tuvo diversos trabajos como pintor de edificios o pintor de escenarios para ballets rusos en la ciudad, al mismo tiempo estuvo estudiando pintura y artes industriales. En 1924 obtuvo un premio en un concurso de pósteres y en 1925 obtuvo cinco medallas en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París. Pronto encontró trabajo como diseñador en la agencia publicitaria
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Además entre los alumnos que tuvo se encuentran fotógrafos tan destacados como Richard Avedon, Hiro, Garry Winogrand o Irving Penn. En 1954 se le otorgó el premio Robert Levitt de la Sociedad Americana de Fotógrafos de Revistas y en 1987 tuvo el reconocimiento de la AIGA (Asociación profesional para el diseño). n 1967 se retiró a Oppède-les-Vieux y dos años después se trasladó a Le Thor, donde falleció en 1971.
ARQUITECTURA
Le Corbusier Charles-Édouard Jeanneret-Gris, más conocido a partir de la década de 1920 como Le Corbusier, La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel, Suiza; 6 de octubre de 1887Roquebrune-Cap-Martin, Alpes marítimos, Francia; 27 de agosto de 1965, fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, urbanista, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en 1930. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto, Richard Neutra, Ludwig Mies van der Rohe y Theo van Doesburg y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior. El 15 de marzo de 2016, parte de la «Obra arquitectónica de Le Corbusier – Contribución excepcional al Movimiento Moderno» fue inscrito como Patrimonio de la Humanidad, en la categoría de bien cultural, un amplio conjunto transnacional —en siete países: Alemania, Argentina, Bélgica, Francia, India, Japón y Suiza— que comporta la protección de 17 sitios individuales. En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, la Villa Fallet, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevaban su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en su Obra Completa. Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación se trasladó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la
oficina de Peter Behrens, donde coincidió con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaban ahí en esa época, aunque probablemente no a la vez. El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía, Turquía, Grecia e Italia, y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París. En 1920 editó la revista L'Esprit Nouveau junto al pintor Amédée Ozenfant, publicación donde ambos sentaron las bases del Purismo. En esta revista, Jeanneret comenzó a firmar algunos de sus artículos con el pseudónimo de Le Corbusier. Plan Voisin para París (1925) En 1922, Le Corbusier comenzó a trabajar con su primo Pierre Jeanneret en su despacho de arquitectura en la rue de Sèvres, asociación que mantuvieron hasta 1940 y que luego retomarían para los proyectos en la India. Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales.
Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, fue su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine (Ciudad Contemporánea) en 1922, así como su Plan Voisin para París (1925). En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas, dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar: «Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río», aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata, se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, es más, el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas. Los temas de estas conferencias fueron publicados en 1930 en el libro Precisiones.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
En Brasil proyectó la embajada de Francia en Brasilia y el Edificio Gustavo Capanema (Río de Janeiro), este último con la colaboración de los arquitectos locales Lucio Costa y Oscar Niemeyer. Difundió también sus ideas urbanas a través de los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) donde también participó con los arquitectos y urbanistas (delegados de la URSS) Moisei Ginzburg y El Lisitski; y difundió sus ideas también con uno de los documentos más importantes de la modernidad, la Carta de Atenas. Sin embargo, fue únicamente en Chandigarh, India, proyecto que realizó junto a Pierre Jeanneret, Jane Drew y Maxwell Fry donde pudo hacerlas realidad. Su relación con el mar fue intensa pero a la vez aciaga y finalmente letal. En 1938 quedó atrapado por la hélice de un yate que le produjo una profunda cicatriz en su pierna derecha. En 1952 construyó en RoquebruneCap-Martin, en la Costa Azul francesa, una cabaña minúscula en la que pasó siempre que pudo todos los veranos del resto de su vida. De ella llegó a decir: “Tengo un castillo en la Costa Azul que tiene 3,66 x 3,66 metros. Una puerta minúscula, una escalera exigua y el acceso a una cabaña incrustada debajo de los viñedos. Solamente el sitio es grandioso, un golfo soberbio con acantilados abruptos”. El 27 de agosto de 1965, desobedeciendo las indicaciones de su médico, Le Corbusier fue a nadar mientras pasaba sus vacaciones en su cabaña en Roquebrune-Cap-Martin, en el Mediterráneo francés. Fue encontrado muerto por unos pescadores, presumiblemente de un ataque al corazón. Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.
FOTOGRAFÍA
Annie Leibovits Es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un teniente coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente. En la secundaria Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la guerra de Vietnam. Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón. De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson.
En ese periodo se postuló para trabajar como fotógrafa autónoma en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor, Jann Wenner, quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de su publicación. Dos años más tarde, Leibovitz fue ascendida a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo diez años y en el que realizó ciento cuarenta y dos cubiertas. En 1975 se le encargó la tarea de documentar la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas '75, que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos y Canadá. Dos años más tarde, las oficinas centrales de Rolling Stone se mudaron a Nueva York, por lo que Leibovitz abandonó la ciudad de San Francisco tras vivir diez años allí. La llegada a Nueva York estuvo acompañada de diversos problemas, entre ellos su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína. El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Ella le prometió que una de estas imágenes
ilustraría la portada de la revista, aunque los editores no querían que su esposa, Yō ko Ono, fuera retratada junto a él. La idea de Annie era recrear la imagen de la carátula del álbum Double fantasy del propio Lennon. Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por su admirador, Mark David Chapman, quien le disparó cuatro veces a la entrada de su edificio en Nueva York. Finalmente, la fotografía que Rolling Stone publicó el 22 de enero de 1981 en su tapa —sin titulares— fue aquella en que Lennon aparece desnudo y acurrucado junto a su esposa completamente vestida. Desde 1983, Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. En 1993 demandó a la compañía cinematográfica Paramount Pictures por infringir los derechos de autor de una fotografía suya. La imagen, que adornó la portada de Vanity Fair dos años antes, era aquella donde aparece la actriz Demi Moore desnuda mostrando su embarazo. Paramount había hecho una parodia de esa fotografía para promocionar su película para Leibovitz en un glaciar de Islandia. Ella cómica Naked veía al actor Leslie Nielsen realizó un fotomontaje para lograr que el «embarazado» y posando exactamente célebre oso polar Knut apareciera junto a como Demi. Annie perdió la demanda DiCaprio sentado sobre el hielo. cuando la corte consideró que la parodia de El elenco completo de la serie de televisión su fotografía era de uso legítimo. Los Soprano se reunió por última vez en la Desde 1995, Leibovitz tiene la misión de sesión fotográfica que Leibovitz realizó para retratar a los actores y actrices que aparecen Vanity Fair. El reportaje, publicado en abril de en The Hollywood Issue, una edición que 2007, se debió al término de la serie en junio Vanity Fair publica en marzo de cada año con de aquel año. retratos de los actores más destacados de En julio de 2007, Annie debió fotografiar a Hollywood. veintiuna celebridades (actores, cantantes, En mayo de 2006, Vanity Fair editó por modelos, empresarios, deportistas, políticos primera vez un número especial dedicado al y religiosos) para adornar las veinte cubiertas cuidado del medio ambiente: The green diferentes que Vanity Fair publicó en su issue. La fotografía que adornó la portada de especial The Africa issue, cuya edición estuvo este número estuvo a cargo de Leibovitz, a cargo del cantante Bono. quien retrató a los actores Julia Roberts y George Clooney junto a los activistas A fines de 2007, Leibovitz tuvo acceso ecológicos Robert F. Kennedy Jr. y Al Gore. exclusivo a los estudios de filmación de la Para esta imagen, Annie se inspiró en la película Indiana Jones y el reino de la calavera fotografía Ballet society, tomada por Irving de cristal, donde pudo retratar a sus Penn en 1948. En la edición del año siguiente, protagonistas y a sus directores. Estas se fue el actor Leonardo DiCaprio quien posó convirtieron en las primeras imágenes de la película antes de su estreno en mayo de 2008 y fueron publicadas por Vanity Fair en su edición de febrero de ese año. El 14 de febrero de 2008, Vanity Fair recopiló sus más destacados retratos de celebridades para la exhibición Vanity Fair portraitsphotographs 1913-2008, que fue montada en la Galería Nacional de Retratos de Londres. Annie fue una de las que participó en la muestra.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
ILUSTRACIÓN
Frank Frazetta
Frank Frazetta (Brooklyn, Nueva York, 9 de febrero de 1928 - 10 de mayo de 2010)1 fue un pintor, historietista e ilustrador estadounidense, especializado en ciencia ficción y fantasía. Sus diseños marcaron época en series como Conan y Mad Max y fueron copiados por ilustradores de género en todo el mundo. A la edad de ocho años, ante la insistencia de sus profesores, sus padres lo matricularon en la Brooklyn Academy of Fine Arts, a la que acudió durante ocho años. Su talento era tal que su profesor, Michael Falanga, quiso llevárselo a Europa para que prosiguiera sus estudios. Sin embargo Falanga murió en 1944, por lo que su plan nunca se llevó a cabo. Publicó sus primeras historias en comicbooks (The Snowman) en 1944 a la temprana edad de 16 años. Más tarde hizo series para DC Comics ("The Shining Knight" en Adventure Comics), ME ("White Indian" en Durango Kid), las cubiertas ahora clásicas de Buck Rogers, y también fue negro de Dan Barry en la serie Flash Gordon. Los años posteriores supusieron una consolidación en su labor artística Se alejó, sin embargo, del arte para meterse en el mundo del béisbol, pero sin produciendo una serie de libros que frutos, y decidió volver al cómic a fondo recogen lo mejor de su arte. tras trabajar unos años con Al Capp. En los años 60 tuvo que empezar de nuevo, logrando entre 1965 y 1973, con Warren Publishing, otra explosión creativa que ha dejado una amplia huella en muchos de los ilustradores de Ciencia ficción actuales (Jeff Jones, Berni Wrightson, Michael Whelan, Don Maitz, Boris Vallejo, etc.) quienes fueron llevados, inspirados o instruidos en pintar en este estilo "Frazetta" tan nuevo y dinámico. Trabajó de cartelista en las películas ¿Qué tal, Pussycat?, Tras la pista del zorro, El baile de los vampiros y Ruta suicida, entre otras.
Frank Frazetta murió el 10 de mayo de 2010, a la edad de 82 años, víctima de un derrame cerebral. En los años 60 tuvo que empezar de nuevo, logrando entre 1965 y 1973, con Warren Publishing, otra explosión creativa que ha dejado una amplia huella en muchos de los ilustradores de Ciencia ficción actuales (Jeff Jones, Berni Wrightson, Michael Whelan, Don Maitz, Boris Vallejo, etc.) quienes fueron llevados, inspirados o instruidos en pintar en este estilo "Frazetta" tan nuevo y dinámico. Trabajó de cartelista en las películas ¿Qué tal, Pussycat?, Tras la pista del zorro, El baile de los vampiros y Ruta suicida, entre otras. Los años posteriores supusieron una consolidación en su labor artística produciendo una serie de libros que recogen lo mejor de su arte. Frank Frazetta murió el 10 de mayo de 2010, a la edad de 82 años, víctima de un derrame cerebral.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
PINTURA
Pierre Bonnard
Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, isla de Francia, 3 de octubre de 1867 - Le Cannet, Provenza, 23 de enero de 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística. Se le suele considerar líder del movimiento de los Nabis, grupo del que también formaron parte Paul Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, KerXavier Roussel o Félix Vallotton. Todos fueron influidos por Paul Gauguin y el japonismo. La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta, al menos en alguna de sus variantes.
Su padre trabajaba en el Ministerio de Asuntos Belicistas (Defensa). A pesar de que le encantaban la filosofía y la literatura, estudió derecho en la Universidad de París después de educarse en colegios de prestigio pagados por su padre. En 1887 decidió dedicarse a la pintura y siguió cursos en la Academia Julian y la Escuela de Bellas Artes de París, momento en que conoce a los artistas con los que impulsaría el movimiento nabi. En 1899 se consagra como artista publicitario (con un anuncio de champán) y conoce a una muchacha de origen humilde llamada Maria Boursin, que cambia su nombre a Marthe de Méligny para parecer más aristocrática. Bonnard se casa con ella y tuvieron dos hijos: Charles, químico, y Andrée, música.
elabora escenas subjetivas, con encuadres y colorido nada casuales. Al contrario de lo habitual hasta entonces, elige tonos cálidos para los fondos y fríos para los elementos en primer término, alterando en cierta medida la percepción de las distancias. En 1910 Bonnard dejó París por el sur de Francia. Vivió en Francia y el Norte de África. Su longevidad le permitió conocer la etapa del Cubismo y del Surrealismo, aunque no se aproximó a ninguna de ambas estéticas.
La trayectoria pictórica de Bonnard se fue decantando hacia el naturalismo y el simbolismo movido por su interés por la magia y las ciencias ocultas. En 1900, el marchante Ambroise Vollard publica su primer libro de artista, el poemario Parallèlement, de Paul Verlaine, con ilustraciones de Bonnard. Su mayor originalidad radica en los abundantes desnudos femeninos, con alusiones lésbicas, para los que el pintor tomó fotografías de su entorno íntimo. La edición fue un fracaso comercial, pero Vollard siguió apoyando al artista. Su especialidad en interiores reposados, con figuras femeninas en actos cotidianos como el aseo y la lectura, explica que su pintura fuese llamada «intimista». Aunque las texturas esfumadas pueden recordar al Impresionismo, Bonnard no plasma la realidad inmediata y fugaz, sino que
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Como casi todos los maestros franceses de la época, carecía de presencia en los museos españoles hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que posee el Retrato de Misia Godebska (1908), futura esposa del pintor catalán Sert. Posteriormente, el Museo Reina Sofía sumó otro retrato de Bonnard, de 1906, donde posan Misia y su esposo entonces, Thadée Natanson. La Colección Carmen ThyssenBornemisza cuenta con otros cuatro cuadros suyos: El establo (Vaca en la cuadra), El Sena en Vernon, El camino encajonado y Claro de sol. La Colección Juan Abelló cuenta con tres pinturas.
PINTURA
Gottfried Helnwein Gottfried Helnwein (8 de octubre de 1948, Viena) pintor, fotógrafo y artista de performance austro-irlandés maestro del reconocimiento sorpresivo. Helnwein estudió en la Universidad de Artes Plásticas en Viena (Akademie der Bildenden Kunste, Wien). Le fue otorgado el premio de Master Class (Meisterschulpreis) en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, el premio Kardinal-Konig y el premio TheodorKorner.
Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de esto, su trabajo suele ser considerado provocativo y controvertido. Helnwein ha trabajado como pintor, dibujante, muralista, fotógrafo, escultor y artista de performance, utilizando una gran variedad de técnicas y medios. También es conocido por su diseño de vestuario y escenografía teatral, tanto de ballet como de ópera. Entre ellas cabe mencionar Staatsoper Hamburg, Volksbuhne Berlin y la Ópera de Los Ángeles.
En 1982 la Universidad de Ciencias Aplicadas le ofrece a Helnwein una docencia, la cual rechaza. En 1985 Rudolf Hausner recomienda a Helnwein como su sucesor para el puesto de profesor de máster class de pintura en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, sin embargo Helnwein se muda de Viena a Alemania. La película “Helnwein”, producida por la televisión Nacional de Alemania y Austria, recibe el premio de AdolfGrimme como mejor Documental para televisión. También recibe los premios Eduard-Rhein y Goldenen Kader. Además de su obra realista realizada durante este periodo, Helnwein empieza a desarrollar estilos abstractos y expresivos de pintar. En 1990 empieza a centrarse en fotografías de cámara digital e imágenes generadas por computadora, las cuales combina con técnicas clásicas de pintura al óleo. En 1994 diseña el escenario del teatro, el vestuario y el maquillaje para Macbeth. Una producción del Teatro de Coreografía de Johann Kresnik en Volksbuhne Berlín. A la obra de teatro se le fue otorgado el Premio Obra de Teatro de Berlín. En 1997 se muda a Irlanda. Trabaja con el grupo alemán Rammstein en la sesión de fotos para el álbum Sehnsucht. En este mismo año el Museo del Estado de Rusia en San Petersburgo organiza
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
una exposición retrospectiva y publica una monografía del artista. En 2000 el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Arte del condado de Los Angeles y otros museos americanos exponen las obras de Helnwein. En el 2001 diseña la escenografía y el vestuario para Hamburgische Staatsoper, la ópera de Ígor Stravinski (The Rake's Progress). En 2002 establece su taller en Los Ángeles. Estrena el Documental de Helnwein Novena Noche de Noviembre (Nenuter November Nacht) en el Museo de Tolerancia, Centro de Simon Wiesenthal en Los Ángeles. Colabora con Marilyn Manson en el proyecto multimedia La Era Dorada del Grotesco. También hace vídeos y proyectos de cine con el actor Sean Penn. En el 2004 hace la exposición El Niño en el Museo de Bellas Artes en San Francisco. Colabora con Maximilian Schell para la ópera de Richard Strauss Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) en Los Ángeles. Helnwein recibe su ciudadanía Irlandesa. Gottfried Helnwein vive en Irlanda y en Los Ángeles.
Museo de Arte Moderno de San Francisco
instalación arquitectónica diseñada por el arquitecto suizo Mario Botta. Imitando al preeminente Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York, el museo re-marcó su propia sigla como "SFMoMA". El Museo de Arte Moderno de San Francisco (en inglés, San Francisco Museum of Modern Art, o SFMOMA) es un gran museo de arte moderno y un monumento de la ciudad de San Francisco. El museo abrió en 1935 gracia a su fundadora Grace L. Mc Cann Morley (directora también entre 1935 y 1958) como Museo de Arte de San Francisco, siendo el primer museo en la costa Oeste dedicado exclusivamente al arte del siglo XX. En su 60.º aniversario, el museo ocupaba los pisos superiores del Edificio Memorial de los Veteranos de Guerra en el Centro Cívico. Bajo la dirección de Henry T. Hopkins (1974-1986) el museo adquirió reputación internacional. En una gran transformación y expansión, en 1995 el museo se trasladó a su ubicación actual, 151 Third Street, junto a Yerba Buena Gardens en el distrito SOMA y de su icónica
En 2008, el museo comenzó la construcción de una azotea jardín, añadiendo 1340. El jardín al aire libre está diseñado para ser una galería sin techo y se espera que abra en la primavera de 2009. Anualmente, el museo alberga más de veinte exposiciones y más de trescientos programas educativos. El museo tiene en su colección importantes obras de Jackson Pollock, Richard Diebenkorn, Paul Klee, Marcel Duchamp y Ansel Adams, entre otros. La famosa serie de cine Arte en Cine se inició en SFMOMA en 1946 por el cineasta Frank Stauffacher. Recientemente, el museo sufrió cambios en su presencia en la web, añadiendo un blog donde los visitantes y el personal puede discutir sobre el museo o el arte en general. También está disponible en línea una
biblioteca digital a fin de que a la colección permanente se pueda acceder y ser vista desde cualquier parte del mundo. El 14 de junio de 2008, el museo revisó su política pública de fotografías, para permitir que se fotografiasen las colecciones permanentes y exposiciones especiales. El St Regis Museum Tower, W Hotel San Francisco y el edificio PacBell se encuentran justo al lado del museo.
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
Todos los Martes a las 12 AM www.econciencia.com/radio
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Museo de Arte Moderno de Nueva York
E
l Museum of Modern Art, más conocido por su acrónimo MoMA, es un museo de arte situado en el Midtown de Manhattan (Nueva York, Estados Unidos), en la intersección de las calles 11 Oeste y 53, y entre la Quinta y la Sexta Avenida. Entre sus obras destacan piezas como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie-Woogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas estadounidenses como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. Aunque su envergadura y proyección internacional llevan a pensar que el MoMA es un museo público, realmente es una entidad privada; si bien sin ánimo de lucro. Fue fundado por las filántropas estadounidenses Lillie P. Bliss, Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller, para «ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo». Abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929. El museo es uno de los más grandes del país. En octubre de 2019 el museo, tras unos meses de cierre, abrió de nuevo sus puertas añadiendo nuevas salas y ampliando las ya existentes.
El Museo se fundó como entidad pública, beneficiándose de numerosas donaciones de sus miembros y de empresas, siendo un ejemplo para otros museos de su clase, ampliando las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras galerías. Es considerado uno de los santuarios del arte impresionista y surrealista del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras.
Aviñón, así como el cuadro La persistencia de la memoria de Salvador Dalí, entre otros de Marc Chagall, Kandinsky, Mondrian, Henri Matisse, etc. Tiene un Jardín de Esculturas con obras Auguste Rodin, Alexander Calder, Louise Nevelson, Pablo Serrano y Aristide Maillol, además de una sala de cine. En 1997, el arquitecto japonés Yoshio Taniguchi superó a otros diez arquitectos internacionales al ganar el concurso para ejecutar el nuevo diseño del museo.
El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos. Ha sido escenario de muchas exposiciones entre ellas "El arte del montaje" en 1962 donde la artista Lady GaGa expuso su proyecto "Nanas". Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, gran parte del público de aquella época despreciaba el cubismo y el arte abstracto, porque chocaban con las líneas directrices que hasta ese momento marcaban la pauta del "verdadero arte".
Después de cuatro años de reformas, en 2004 fue inaugurado el nuevo MoMA, con casi el doble de espacio. En 2012 ha sido el primer museo del mundo en adquirir el código fuente de videojuegos al considerarlos arte, entre ellos, PacMan (1980) y Tetris (1984).
De las primeras vanguardias del siglo XX, el MoMA conserva obras clave de Pablo Picasso, como Las señoritas de
La colección también incluye obras de leyendas de diseño del mundo como Livio Castiglioni, Achille Castiglioni, Pier Giacomo Castiglioni.
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
MoMA
más complejas (como las esculturas de gran escala de Richard Serra), incorporar nuevas voces y personajes dentro de su narrativa de la historia del arte, poner la lupa sobre regiones subrepresentadas, e integrar nuevos formatos a su colección, como el arte digital.
La colección de este museo, exhibe parte de las obras más famosas de la historia. Una de las características del MoMA es su gran apuesta por el arte estadounidense, ya que en la época en la cual el museo fue inaugurado, ese tipo de pinturas representaban total vanguardia y oposición contra el arte clásico. Este museo se caracteriza porque además de mostrar cuadros, cuenta con exposiciones de distintas disciplinas: diseño grafico, arquitectura y fotografía. Además cuenta con un conocido restaurante, el "The Modern", que se especializa en la cocina contemporánea y tiene dos estrellas Michelin. Unas de sus más grandes atracciones son: el jardín esculturas y la sala de cine. Este es el primer y único museo hasta ahora en considerar los videojuegos como arte, entre estos, los juegos Pacman y Tetris. Fiel a su espíritu interdisciplinario y a su misión por coleccionar el arte de su tiempo, el MoMA llegó al siglo XXI con nuevas misiones: exhibir obras cada vez
ARTDiseño ART
No. 8 Año 1, Agosto de 2022
Calle 53 entre la 5ª y la 6ª avenida. Horario De sábado a jueves: de 10:30 a 17:30 horas. Viernes: de 10:30 a 20:00 horas. Precio Adultos: 25 US$ (496 MXN) Estudiantes: 14 US$ (277,70 MXN) Mayores de 65: 18 US$ (357,10 MXN) Menores de 16 años: entrada gratuita. Viernes de 16:00 a 20:00 horas entrada gratuita. Entrada gratuita con New York Pass. Entrada al MoMA 25 US$ (496 MXN) Transporte Metro: Fifth Avenue/53 Street, líneas E y V. Autobús: líneas M1, M2, M3, M4 y M5.