ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.10 Año 1, Octubre de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
ILUSTRACIÓN
Oleg Shuplyac
PINTURA
Arnold Belkin
PINTURA
Miguel Ángel Avataneo
PINTURA Giorgio de Chirico La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. La arquitectura completa la naturaleza. Fue éste un progreso del intelecto humano en el campo de los descubrimientos metafísicos".
REPORTAJE Casa Guillermo Tovar de Teresa Fundación Carlos Slim, A.C. La Casa Museo cuenta con un acervo de libros, fotos, pinturas y piezas de arte. El espacio museístico consta de un vestíbulo franqueado por un espejo de herencia veneciana fabricado en 1817 en Puebla, la sala de recepciones, el Salón Rojo, el Salón Azul, el comedor, el Pasillo Ajedrezado, la recámara, la biblioteca, el Jardín Victoriano y el patio. Todos los espacios están decorados con pinturas, esculturas, tapices, cortinas y muebles.
Tras ser adquirida junto con toda la colección de obras de arte que posee por Fundación Carlos Slim, la casa ahora funge como la tercera sede del Museo Soumaya. La fachada es atribuida al ingeniero civil Gustavo Peñasco, importante hacedor del último período porfiriano, y el diseño e interiores al arquitecto Manuel Francisco Álvarez. La Casa Museo consta de un vestíbulo franqueado por un espejo de herencia veneciana fabricado en 1817 en Puebla, la sala de recepciones, el Salón Rojo, el Salón Azul, el comedor, el Pasillo
Ajedrezado, la recámara, la biblioteca, el Jardín Victoriano y el patio. Todos los espacios están decorados con pinturas, esculturas, tapices, cortinas y muebles. Su acervo incluye pinturas, grabados de época, esculturas, fotografías inéditas, muebles antiguos y tapices bordados, así como vajillas extranjeras y 20 mil volúmenes de 13 mil títulos, muchos de ellos herencia familiar y también adquisiciones del historiador. Todos estos tesoros y joyas del recinto han sido declarados Patrimonio Artístico de México.
Horarios y costos lunes a domingo de 10:30 a 18:30 hrs. Entrada libre Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic Calle Valladolid 52 Col. Roma CP 06700 Cuauhtémoc, Cuauhtémoc, Ciudad de México Tels.: 55 1103 9800
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
EDITORIAL
EDITORIAL
ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
paradojaeditorial@gmail.com
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez
E
n este número mostramos más de los artistas universales que han dejado obra única y que revela la fuerza interpretativa ante su sociedad, que son un ejemplo de constancia en sus conceptos y finalidad de manera de pensar y lograr trascendencia artística, tales como Pedro Coronel, Arnold Belkin, así como los fotógrafos José Luis Neyra y Clarence John, grandes de la historia como Alberto Giacometti con sus nuevos cánones estéticos, ejemplo arquitectónico mexicano de Javier Senosiain, contamos la historia de William Adolphe Bouguereau, Miguel Ángel Avataneo, y Rafal Olbinski. Contamos con un artículo de dos páginas de los 10 escultores más reconocidos a nivel mundial que ejemplifica el entorno artístico de la escultura contemporánea. Publicamos u artículo interesante de la vida y obra de Giorgio de Chirico, artista que se conoce poco pero que su capacidad creadora creó un estilo y corrientes artísticas que cambiaron el modo en el que se apreciaba el arte. Continuamos con la publicación de artistas de trayectoria así como emergentes que han sobresalido por su talento y únicos en su capacidad de expresión plástica. Retomamos la divulgación de los museos que existen en nuestro país y en el extranjero como el Museo Rijksmuseum de Amsterdam que gusrda grandes tesoros artísticos mundiales y sobre todo representantes del arte flamenco, y el gran legado de la pintura holandesa.
Atentamente Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Aykut Aydogdu
Kristian Zaire
Chie Yoshii Chie Yoshii
Peter Max
Mariusz Lewandowski
Claudio Bravo
Mural de Lucha libre Muarlista Valverde
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
Pedro Coronel
La dramatización de los colores de las antiguas culturas y la recuperación de sus formas y motivos son los elementos básicos del trabajo de Coronel. En sus obras se veía la fuerza de su pensamiento abstracto y su original colorido, que disfrazaban en cierto modo, el contenido dramático de sus obras.
P
edro Coronel Arroyo (Zacatecas, 25 de marzo de 1921-Ciudad de México, 23 de mayo de 1985) fue pintor, escultor, dibujante y grabador. Hermano del pintor zacatecano Rafael Coronel.
Estudió pintura y escultura en La Esmeralda (1940-1945). Durante su estancia en París frecuentó los talleres del pintor Victor Brauner y del escultor Constantin Brâncuş i que influyeron en gran medida su proceso artístico (1945).
Su primera exposición individual (1954) fue en la Galería Proteo,1 Ciudad de México, donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano, Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo que vivió en París su arte mostró, diferentes facetas (dibujos) subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística. En 1983 donó un importante conjunto de obras de su propiedad, tanto creaciones propias como ajenas (Kandinsky, Pablo Picasso, Dalí, Marc Chagall...), para la creación de un museo en Zacatecas. En 1984 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. El 23 de mayo de 1985 a las 18.00 murió a causa de un derrame cerebral a la edad de 62 años. En la nave mayor del Palacio de Bellas Artes, de la Ciudad de México se le rindió homenaje póstumo. Le hicieron la primera guardia de honor, el presidente mexicano Miguel de la Madrid (1982-1988), el secretario de Educación Pública, Miguel González Avelar y el Director General de Bellas Artes Javier Barros. A su cuerpo se le dio cristiana sepultura en el Panteón Francés de San Joaquín. Un año más tarde sus restos fueron trasladados a la ciudad de Zacatecas que le vio nacer, para ser depositados en el patio del museo que lleva su nombre, el día 25 de mayo de 1986. En los años de 1957 y 58 participa en varias exposiciones colectivas, en la ciudad de México, D.F. en 1959, exhibe con el título Los Habitantes, en el salón de la Plástica Mexicana y su cuadro La Lucha obtiene el Primer Premio en el Salón Nacional de Pintura, organizado por el INBA y también participa en la Première Biennale de Paris. Manifestation Biennal et Internationale des Jeunes Artiste en el Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris. En 1960 exhibe en el Museo de Arte Moderno en el Palacio de Bellas Artes. Presentación de Justino Fernández. Dedicada la exposición al crítico de arte Raúl Flores Guerrero. También obtiene el Premio de Pintura José Clemente Orozco y la Mención Honorífica Especial en Escultura, en la Segunda Bienal Interamericana de Pintura, Escultura y Grabado, organizada por el INBA en el Palacio de Bellas Artes. Participa en la exposición Mexican Art from Pre-Columbian Times to the Present Day, expuesta en la Vancouver Art Gallery, Vancouver; en la National Gallery of Canada, Ottawa y en el Montral Museum of Fine Arts, Canadá. Al año siguiente, en 1961 viaja a Europa, reside en París y exhibe en la Galería Le Point Cardial, París. Presentación Octavio Paz. Y participa también en la Sexta Bienal de Sao Paulo, Brasil. Además participa en la Segunda Bienal de Jóvenes Pintores, París. Las obras de Coronel en su monumentalidad, tal parece que el artista se siente más libre pintando telas de grandes dimensiones, que son como pinturas murales buscando un sitio donde descansar. Pedro Coronel fue un entusiasta coleccionista de arte precolombino, primitivo, oriental, grecorromano y medieval así como de arte gráfico. Donó su colección al pueblo de México en el museo que lleva su nombre. Algunos autores han dividido su carrera en las siguientes etapas: naturalista, estructuralista, lírica, cromática y la recuperación de la pintura nativa. Coronel tiene un gran interés por las culturas prehispánicas y primitivas, su trabajo tiene influencia de Tamayo y también existe una preocupación especial por el color. En sus cuadros destacan las texturas y contrapuntos cromáticos. Coronel, con su obra pictórica, se reconoce como un innovador de la plástica mexicana. Su obra se encuentra en museos de todo el mundo y forma parte de la colección de Bellas Artes. Su primera exposición individual (1954) fue en la Galería Proteo, Ciudad de México, donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano, Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo que vivió en París su arte mostró, diferentes facetas (dibujos) subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
Arnold Belkin
En 1975, fue premiado en la II Bienal Latinoamericana de Grabado de San Juan, Puerto Rico y realizó varias exposiciones individuales en Detroit, Houston, Atlanta, Dayton y Phoenix y en San Juan de Puerto Rico. Para la década de los 80, los principales esfuerzos de Belkin se dedicaron al muralismo, teniendo como tema principal el hombre en consonancia con la naturaleza y su lucha contra fuerzas hostiles en la estructura social.
Arnold Belkin nació enCalgary, 9 de diciembre de 1930 – Ciudad de México, 3 de julio de 1992) fue un artista plástico mexicano de origen canadiense. En 1948 se trasladó a México, donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (UNAM). Allí se formó en la tradición muralista, recibiendo influencia de pintores como José Clemente Orozco, Rico Lebrún y Leonard Baskin. Hacia la década de 1960, la obra de Belkin se inclinó hacia la plástica con mayor contenido social, en el contexto de la recién tirunfante Revolución Cubana.
Por esa misma época, pasó a formar parte del movimiento Nueva Presencia, un movimiento artístico de ruptura, que entre otros, integraba a José Luis Cuevas, Francisco Icaza, Rafael Coronel, Ignacio López y el joven poeta Ezequiel Saad Tobis. En 1968 se trasladó a Europa, donde su obra adquirió un nuevo carácter dinámico en contra de lo estático de sus producciones anteriores. Durante la década de los setenta, su obra adquirirá un matiz dominante de ocre, al tiempo que incursionó en la pintura al óleo y la escultura. En 1977 regresó a México, donde retomaría el muralismo (ya abandonado y descalificado por la corriente artística dominante en el país). Fue invitado a realizar murales en la recientemente inaugurada Universidad Autónoma Metropolitana, donde se conservan cinco murales y varias esculturas de su
autoría. Igualmente ejecutó otras piezas en el Colegio Madrid de la Ciudad de México. En 1988 realizó el mural “Descubrimiento y conquista del Nuevo Mundo” en la biblioteca pública Popotla. Los hermanos Serdán. La lucha continúa (1977), de Arnold Belkin. En los murales de Arnold Belkin puede reconocerse la voluntad de un artista por dejar testimonio de la historia pasada y presente. En estos trabajos está el drama de la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, así como también el alba del saber y los anhelos de paz.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
Oleg Shuplyac
Oleg Shuplyak es de origen ucraniano, nació en 1967. En 1991 se graduó de la Universidad Nacional Politécnica de Lviv como arquitecto, sin embargo a los pocos años de terminar la universidad, decidió abandonar su profesión y dedicarse a su pasión: la pintura.
Nació el 23 de septiembre de 1967 en Ternopol, Ucrania. Se formó en el Instituto Politécnico de Lviv, Departamento de Arquitectura. Shuplyak, es un artista eclectico, pinta con óleo, en diferentes estilos, pero sobre todo, es conocido por sus cuadros en los que esconde ilusiones opticas, paisajes con figuras, en los que se esconden retratos, en muchos casos de personajes famosos, facilmente identificables, como William Shakespeare, Charles Darwin, Vincent van Gogh, o John Lennon, entre otros.
Ha expuesto en numerosas ocasiones nacionales e internacionales y es miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania desde 1990. En la actualidad, trabaja y reside en Berezhany en la región de Ternopol. Los efectos e ilusiones visuales que generan las pinturas sin duda es de lo mejor que el arte pictórica puede provocar. Oleg Shuplyak es un artista que centra su obra en retratos peculiares de personalidades famosas. Lo que más llama la atención en su trabajo es la creación de ilusiones ópticas, donde a primera vista podemos observar un paisaje u objetos, pero al mirar con más detalle logramos visualizar el rostro de Dalí, John Lennon, Darwin y muchos personajes más. Desde hace 19 años ha sido miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania, ya que su estilo demuestra su gran talento con el pincel. Al tipo de ilusión óptica que crea Oleg Shuplyak se le conoce como inversión perceptual, efecto que nuestro
cerebro capta gracias a la posición de los objetos dibujados que generan otras formas o figuras. Entre los premios del artista ucraniano se encuentran la Medalla de Oro y diploma “La excelencia en la creación de un estilo de arte único” (2013), premio otorgado por la Fundacion Internacional Patrimonio Cultural (en San Petersburgo); el Segundo Premio de la Exposición Regional de Arte Sacro (1996); y el Primer Lugar en el concurso abierto de Ucrania para el mejor diseño de un logotipo para conmemorar el 200 aniversario de Taras Shevchenko, uno de los fundadores de la literatura moderna ucraniana.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
GRÁFICA
Sergio Aragonés Sergio Aragonés Domenech (n. San Mateo, Castellón, España, 6 de septiembre de 1937) es un dibujante de cómics nacido en España, con nacionalidad mexicana. Dibujante de la revista MAD, es conocido por dibujar pequeños chistes en los márgenes de la revista. También es autor de su propia historieta, Groo, sobre un guerrero no muy inteligente. Groo fue el primer comic book publicado en Estados Unidos por una editorial comercial manteniendo los autores la propiedad legal sobre el personaje. Español de nacimiento, Aragonés dejó su país siendo un bebé debido a la guerra civil española. Primero, su familia se trasladó a Francia y con seis años se estableció en México, donde transcurrió casi toda su vida. Hizo sus primeras actividades profesionales en 1954, aunque continuó estudiando Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), actividad que combinaba con la pantomima (estudiando bajo la dirección del célebre director y mimo Alejandro Jodorowsky). En 1962, Aragonés se fue a Estados Unidos, donde reside hasta hoy. Aragonés siempre fue un apasionado del arte, desde su infancia temprana.
Una anécdota cuenta que en una ocasión sus padres lo dejaron solo en un cuarto con una caja de lápices de pintar, y cuando estos volvieron, Sergio había cubierto todas las paredes con cientos de dibujos. Reside en Ojai, California, Estados Unidos. ergio ha trabajado para algunas otras revistas; sin embargo, en la década de los 90 comenzó a colaborar con la editorial Bongo Comics, quien se encarga de editar los cómics de Los Simpson, apareciendo en algunos de sus impresos, dibujando con
su característico estilo a los personajes de la serie. A partir del número 50 de "Bart Simpson", publicado en octubre de 2009, Sergio se incorpora a la plantilla de Bongo Comics y participa en las distintas colecciones de la editorial. Además ha hecho sus propias novelas gráficas como "Día de los muertos", "Sergio Aragonés destruye DC" o "Sergio Aragonés destruye Marvel", en las que parodia las famosas compañías de cómics y a la festividad mexicana.
Arte Conceptual y Posconceptual. La Idea como Arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus
E
n el arte conceptual la idea o conceptoprima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso –notas, bocetos, maquetas, diálogos– al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. La verdadera obra de arte es la idea. El arte conceptual es un arte crítico y corrosivo, pone énfasis en lo mental, en la ideación de las obras, relegando en importancia su realización material o sensible. Junto a este reduccionismo de lo manual, existe en las obras de arte conceptual una hipervaloración del trabajo de arte, como una actividad reflexiva, tanto mental como experiencial. Los artistas conceptuales abogan por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte y al mismo tiempo, muchos de ellos intentaban imbricar su actividad artística en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales, por oposición a la producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y funcionales al establishment cultural. Palabras clave.- concepto, obra, arte, objeto, crítica, estética, semiótica.
El arte Conceptual rompe con la historiografía del arte como historia de los estilos y con la historia del arte como historia de la percepción visual y señala el fracaso de la hegemonía del arte moderno americano y sus posturas críticas reduccionistas y autoreflexivas. Se trata de visiones formalistas del arte en las que se desarrollaba la noción de “visualidad pura”, que, desde la abstracción (pospictórica), derivaría hacia el Minimalismo. Desde el fin del Informalismo y los inicios del Pop; se da un progresivo fenómeno de desmaterialización del objeto artístico, en donde la obra física se convierte en mero residuo documental de la verdadera obra de arte: la experiencia misma, la idea, el concepto que subyace al objeto, en una suerte de desmaterialización del objeto artístico.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
El hecho de que, en el Arte Conceptual, la visualidad ya no fuera indispensable para que una obra de arte fuera arte, puso en crisis el discurso de la crítica, hasta ese momento hegemónico, y supuso el punto de ruptura entre modernismo y Posmodernismo.
ESCULTURA
Alberto Giacometti Escultor y pintor suizo, Alberto Giacometti representó como nadie la soledad y el aislamiento del ser humano en el siglo XX. Sus típicas esculturas de una delgadez extrema son muy reconocibles y admiradas como una excelente vuelta al arte figurativo. Giacometti nació en un ambiente artístico. Su padre, Giovanni fue un pintor impresionista. El chaval se inició en el dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra y después se trasladó al París vanguardista, donde entró en contacto con los cubistas, y más tarde con el grupo surrealista, que lo acogió en los años 30. Es ahí donde Giacometti empieza a trabajar en dos de sus obsesiones: el simbolismo de los objetos y la reducción de la materia. Esto último se debe a una especie de leyenda ocurrida en el París
de 1938, cuando tenía 37 años. El escultor se despidió de su amiga modelo Isabel Lambert y la observó alejarse en medio de la noche hacia el boulevard Saint-Michel. Giacometti vio cómo se hacía cada vez más pequeña, pero sin perder intensidad y conservando intacta su propia identidad. Ahí lo tuvo claro: su objetivo era llegar allá donde la forma humana empieza a disolverse pero sin desparecer totalmente. En los 40 empieza así su periodo figurativo: figuras humanas alargadas, extremadamente delgadas y de una superficie rugosa, áspera. Son seres humanos de tamaño natural, solos o en grupo, de extremidades muy largas, que parecen hechos sólo de piel y huesos. Estas figuras en bronce también se pueden ver como un exacto reflejo de las experiencias ocurridas en la II Guerra Mundial. Sartre lo definió como «el artista existencialista perfecto», «a mitad de camino entre el ser y la nada».
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
Giorgio de Chirico
G
iorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) fue un pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico pintura metafísica.
De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras más realistas, con un éxito modesto.
De Chirico publicó en 1925 la novela Su padre era un barone siciliano, "Hebdómeros", de la cual el poeta John perteneciente a una blasonada familia de Ashbery ha dicho que se trata origen griego, los Kyriko; su madre era probablemente de una de las mayores greco-genovesa, nacida en Esmirna.2 obras literarias del surrealismo. Estudió arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1906, donde El pintor falleció el 20 de noviembre de ingresó a la Academia de Bellas Artes de 1978, a los 90 años. Múnich. Allí entró en contacto con las A principios de este período, los modelos obras de los filósofos Nietzsche y Arthur eran paisajes urbanos inspirados en las La pintura metafísica de Giorgio de Chirico Schopenhauer, además de estudiar las ciudades mediterráneas. Gradualmente, la se considera uno de los mayores obras de Arnold Böcklin y Max Klinger. atención del pintor se fue desplazando antecedentes del movimiento surrealista. hacia estudios de cuartos atiborrados de En su estancia en Alemania recibió la objetos, a veces habitados por maniquíes. influencia de autores simbolistas y de la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer. Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le Ya en París (1911), comienza a realizar ayudó a presentarlo al grupo que más obras de imágenes muy sorprendentes, tarde se dedicaría al surrealismo. En 1922, basadas en representar espacios urbanos, Yves Tanguy escribió que quedó tan en los que predominan los elementos impresionado al ver una obra de De Chirico arquitectónicos y la proyección de en un escaparate de una galería, que sombras y en las que la presencia humana entonces decidió convertirse en artista, suele estar ausente. Además de esta regla aun sin haber tocado un pincel en su vida. arquitectónica, también hay Otros artistas que han reconocido la representaciones de interiores, influencia de Giorgio de Chirico son Max generalmente abiertos al exterior, donde Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. suele situar maniquíes y en algunas Volvió a Italia en el verano de 1909 para ocasiones otras obras (la representación pasar seis meses en Milán. A principios de Se considera a De Chirico una de las de otras obras dentro de la propia obra, 1910 se mudó a Florencia nuevamente, mayores influencias sobre el movimiento que es una característica propia del donde pintó "El enigma de una tarde de surrealista. surrealismo, ya está presente en el autor). otoño", la primera de sus obras de la serie Así logra crear en sus obras un espacio "Plaza metafísica", después de una extraño, atemporal, donde parece que se experiencia personal en Piazza Santa puede encontrar la calma y el silencio. Las Croce. imágenes representadas en el espacio pictórico se sacan de contexto y se En Florencia pintó también "El enigma del representan con un tamaño antinatural y oráculo". Al año siguiente, De Chirico pasó algunos días en Turín, de camino a París, y quedó impresionado por lo que llamó "el aspecto metafísico de Turín" que se apreciaba en la arquitectura de sus arcadas y plazas. De Chirico vivió en París hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial. Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contribuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa. Tras su obra Piazza souvenir de Italia (1925), pese a conservar parte de su estilo, su obra cambia hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de su obra lo aleja cada vez de la metafísica, por lo que recibe la crítica de numerosos artistas surrealistas decepcionados con él.
En 1958 De Chirico realizó la obra Caballos de carrera. Su gusto por los corceles brotó cuando vio un alazán en un cartel publicitario. Para el pintor la experiencia era similar a la aparición de una deidad antigua. En el lienzo aparece en primer plano una dinámica pareja de caballos, protagonistas de la escena. En la disposición de imágenes, se ve arquitectura de fondo: es una torre medieval, una fortaleza, porque para el pintor fue fundamental el sentido arquitectónico en sus composiciones, tomando en cuenta las leyes de la perspectiva. "La arquitectura completa la naturaleza. Fue éste un progreso del intelecto humano en el campo de los descubrimientos metafísicos".
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
FOTOGRAFÍA
José Luis Neyra
Obtuvo el Premio en Primera Bienal de Fotografía del INBAL en 1980 y la Medalla al Mérito Fotográfico 2016 por el INAH; falleció a los 89 años.
J
osé Luis Neyra Torres (1930-2019), uno de los grandes fotógrafos mexicanos del siglo XX y fundador del Consejo Mexicano de Fotografía, falleció hoy 6 de noviembre a los 89 años. Apasionado artista de la lente que se caracterizó por su espontaneidad. Su trabajo se ha calificado como “fotografía espontánea”. No creía en las escenas acomodadas con luz, sino en las del momento “¡Claro! Que uno debe actuar rápido. Son momentos que no deben perderse si uno carece de suerte, osadía y presteza”, decía el artista de la lente. Inició su carrera fotográfica en 1961. Fue miembro del Club Fotográfico de México de 1964 a 1967 y posteriormente fundó el Grupo 35.6 x 6, del cual fue integrante entre 1968 y 1970. También fue parte de los fundadores del Consejo Mexicano de Fotografía en 1977, en el que participó en la organización del Primer Coloquio Latinoamericano de Fotografía. Incursionó en el cine como correalizador de la película Teotihuacan (1970). Presentó exposiciones individuales y colectivas desde 1964, tanto en México como en países de América y Europa. Entre otras, la Primera Muestra de Fotografía Latinoamericana Contemporánea, muestra itinerante que se llegó a países de América y Europa durante los años 1978-79. Asimismo, sus imágenes fueron apreciadas en Japón, en el 2nd International Photographic Salón, así como en India, China y Alemania, país que lo recibió en la Feria del Libro de Frankfurt.
También expuso en espacios de la Ciudad de México, como el Museo de Arte Carrillo Gil, la Casa del Lago, Centro de la Imagen y el Museo del Palacio de Bellas Artes. Su obra se publicó en diarios: Excélsior, El Heraldo y Ovaciones; las revistas Artes Visuales del Museo de Arte Moderno, Luna Cornea y en varias revistas de la UNAM; el Fondo de Cultura Económica publicó Al paso del tiempo (1987). Entre los reconocimientos que obtuvo están una mención en el Salón Nuevos Valores del INBAL en 1976; el Premio del jurado de selección y del jurado popular en el Primer Concurso Internacional de Fotografía El niño y la estructura, en Caracas, Venezuela, en 1979; y el Premio en la Primera Bienal de Fotografía del INBAL en 1980. En 2016 le fue concedida la Medalla al Mérito Fotográfico durante el XVII Encuentro Nacional de Fototecas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Las 10 mejores esculturas y escultores del mundo La escultura es una de las bellas artes, en la cual, el artista o escultor puede exteriorizar sus emociones, conocimientos y conceptos a través de diversas técnicas. El escultor puede modelar en barro, tallar en piedra, madera u otros materiales para crear volúmenes, los cuales serán exhibidos en un espacio; público o privado. La finalidad de una escultura puede variar, ya que ésta; al igual que las otras ramas del arte, se desarrolla primordialmente bajo la subjetividad del artista. Algunas obras poseen un trasfondo más filosófico, psicológico y/o emocional, mientras que otras obras son hechas en homenaje a personajes y/o sucesos históricos. Belleza, historia y perfección a través de una de las bellas artes, la escultura… 1. Bruno Walpoth – Soledad Reconocido escultor italiano. Realiza sus esculturas tallando en madera bajo la influencia del: ‘Gótico Tardío’ y el ‘Renacimiento temprano’. Fue aprendiz del escultor Vincenzo Mussner – Ortisei. Posteriormente fue profesor de escultura en la academia “Der Bildende Künste” en Munich. Por otro lado, es uno de los fundadores del grupo escultórico “Trisma” junto a Willy y Walter Moroder. ¿Su gran inspiración?, el cuerpo y los gestos humanos. Los ‘meditabundos’ personajes de sus esculturas, a través de sus poses y mirada taciturna, denotan cierta introspección, soledad, fragilidad y nostalgia. 2. Matteo Pugliese / Dimensiones Escultor oriundo de Milán. Desde los 12 años desarrolló y fortaleció su amor y pasión por el dibujo, escultura y el arte en general. Profesional en Literatura Moderna. Su primera obra fue expuesta de manera individual en Milán en el año 2001. Hoy en día, sus obras son expuestas en diversas galerías en: Hong Kong, Londres, Nueva York, Roma, etc. Sus esculturas son hechas en bronce y los protagonistas de sus esculturas son hombres que parecen estar atrapados en las paredes. Tal vez buscan escapar, ocultarse, investigar o espiar. No se sabe con certeza qué es lo que el artista quiere expresar, pero sin duda alguna, el resultado es increíble. 3. Peter Jansen / Movimientos Peter Jansen estudió Física y Filosofía. Al descubrir su pasión por el arte y la escultura, decidió dedicarse a ello. Sus obras se basan primordialmente en capturar los movimientos que hacen las personas en un determinado tiempo y lugar. Paciencia, perfección y dinamismo son sinónimos de esta obra de arte. 4. Ron Mueck / Hiperrealismo Escultor Australiano que desde muy niño sentía atracción por el arte de darle vida a muñecos inertes. Sin necesidad de una formación artística, moldeaba figuras desde pequeño. Este arte de moldear; la escultura, es lo que se convirtió en su vocación con el paso del tiempo. Vocación que ha desempeñado de manera profesional, tanto en el cine como en la televisión y la publicidad. Ron, al igual que los anteriormente mencionados escultores, se siente inspirado por el cuerpo humano; sin embargo, su valor agregado es que se especializa en el hiperrealismo. Sus obras, las cuales también poseen una gran escala, generan gran impacto en cualquier persona que las ve. Esto gracias a la esencia del ser humano: Sucio, fuerte, frágil, solitario, temeroso y demás, que capturó el artista. 5. Expansión / Escultura / Paige Bradley Escultora estadounidense, fascinada por el mundo del arte, la naturaleza y su relación con el ser humano. Comenzó su carrera artística dibujando desnudos a la edad de diez años. A los quince ya estaba estudiando en los campus universitarios mientras que a los diecisiete años realizó su primer tallado en bronce. Su fuente de inspiración es ella misma desde una perspectiva espiritual y social. Su relación con el mundo, con los demás y con ella misma. “No necesito viajar por el planeta ni contratar bailarines para encontrar una musa. Mi viaje individual es la inspiración suficiente”, señala Paige. Esta es increíble escultura de una mujer desnuda, sentada en posición de flor de loto y con grietas en el cuerpo de las que emana una poderosa luz desde sus ‘entrañas. Esta obra no sólo es una de las más famosas del mundo, sino que también marcó un antes y un después en el trabajo de Paige. Representa el renacer de su arte por un arte contemporáneo.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
6. Los zapatos en el Paseo del Danubio / Escultura / Gyula Pauer Escultor, artista escénico y conceptual, es un destacado escultor húngaro de la ‘Neo-Avantgarde’. Graduado de la academia de Bellas Artes de Budapest. Realiza sus obras a través de las técnicas del collage, el plástico espacial, entre otras. Ha ganado diversos premios y es aclamado por el ‘minimal art’, ‘pop art’ y el ‘arte conceptual’. Esta escultura es un homenaje a los judíos que fueron asesinados durante la segunda Guerra Mundial. Como mencionamos al inicio, la escultura sirve también para homenajes y representaciones históricas. Esto se ve reflejado a través de la obra de Gyula, la cual hace referencia al momento en el que se les pedía a los judíos que se retiren los zapatos para ser fusilados posteriormente.
7. Los Kelpies / Escultura / Andrew Scott Escultor escocés cuyo trabajo lo realiza en acero galvanizado, fibra de vidrio y bronce fundido. Sus trabajos representan una fusión de las técnicas clásicas como el dibuja con la fabricación contemporánea. Scott busca que sus esculturas tengan un sentido y aporten narrativamente al espacio en el que se encuentran. Tal es el caso de esta obra; ‘Los Kelpies’, construidas con acero laminado e inoxidable. Esta maravillosa escultura cuenta con una escala de 30 metros de altura y 300 toneladas de peso. Dicha escultura hace alusión a los seres mitológicos de la cultura celta. Según Scott, éstos son seres malignos que ocultan su verdadero espíritu a través de la imagen de 2 inofensivos caballos. 8. Les Voyageurs / Escultura / Bruno Catalano Bruno Catalano es un escultor Marroquí que empezó trabajando con arcilla. Después pasó a estudiar en un taller de modelado y dibujo en Marcella. Actualmente posee una excelente reputación, tanto a nivel nacional como internacional, pues sus esculturas son exhibidas en Francia, China, Suiza, Estados Unidos, Bélgica y demás. Experto en el arte surrealista. Sus esculturas hechas con bronce muestran a personas que se encuentran incompletas, esto genera una ilusión óptica haciendo parecer que las figuras se encuentran levitando. El nombre de las esculturas, ‘Les Voyageurs’ / ‘Los viajeros’, se debe a que los personajes se sostienen sólo por una maleta. 9. Non Violence / Escultura / Fredrik Reuterswärd Pintor y escultor sueco. Estudió con Fernand Léger en París y fue docente de pintura en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo. Reconocido por su escultura ‘Non Violence’ expuesta en los exteriores de la sede de las Naciones Unidas en Nueva York. El revólver Magnum 357 con un barril anudado y el hocico apuntando hacia arriba que representa esta escultura, simboliza la muerte de John Lennon en 1978, cuando un joven lo asesinó de un disparo. Este homenaje forma parte de un proyecto llamado “No Violencia” que promueve el cambio social a través de programas sin fines de lucro. 10. La Araña Maman / Escultura / Louise Bourgeois Innovador escultor con influencias de Vanguardia, Surrealismo, Expresionismo Abstracto y el Posminimalismo. Pero además de sus influencias, este artista posee una esencia única que se ve reflejada a través de sus esculturas. Realiza desde dibujo, pintura, grabado y performance pero se hizo conocido por sus esculturas. Esculturas que usualmente aluden a su tortuosa infancia, la cual fue marcada por las infidelidades de su padre hacia su cariñosa y frágil madre. Y es justamente a su madre a quien representa esta, poco convencional, escultura.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
DISEÑO
Storm Elvin Thorgerson Storm Elvin Thorgerson (Potters Bar, Hertfordshire, Inglaterra, 28 de febrero de 1944 – 18 de abril de 2013) fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y sencillos. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd y, en particular, la realizada para su álbum The Dark Side of the Moon. También trabajó con otros grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Scorpions, Genesis, Europe, Dream Theater, The Cranberries, The Mars Volta, Muse y Biffy Clyro. La mayor parte de sus diseños tienen elementos propios del surrealismo, extrayendo elementos de su contexto habitual, deformando realidades a través de montajes visuales o ubicándolos en inmensos espacios oníricos. Estas escenas impactantes y directas fueron especialmente valoradas en el negocio discográfico lo que permitió que, a través de Hipgnosis o bien individualmente, Thorgerson diseñara las portadas de algunos de los más importantes trabajos discográficos desde los años 60 hasta nuestros días.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
FOTOGRAFÍA
Juan Rulfo
Alexia Sinclair
Francisco Mata Rosas
Manuel Álvarez Bravo
Steve McCurry
Elsa Medina
Escenas de películas ciencia ficción de la cinematografía
Blade Runner / 1982
Odisea 2001 / 1968
Matrix / 1999
Star Wars / 1977
Regreso al futuro / 1985
Desafío Total / 1990
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
Rafal Olbinski Rafal Olbinski nació en Kielce (Polonia) donde se formó en el Departamento de Arquitectura del Colegio Politécnico de Varsovia. En 1982 emigró a los Estados Unidos, donde muy pronto se estableció como un prominente pintor, ilustrador y diseñador. Por su obra ha recibido más de cien importantes premios incluyendo las medallas de Oro y Plata del Club de Directores de Arte de Nueva York y también las medallas de Oro y Plata de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York y Los Angeles.
En 1994 fue galardonado con el Oscar Internacional por ‘El Poster más Memorable del Mundo’ y el Premio Savignac en París. El mismo año recibió la distinción Revista Creativa a la Mejor Ilustración Británica en Londres. En 1995 su afiche, fruto de un concurso por invitación sancionado por un jurado a cargo del Alcalde Rudolph Giuliani, fue elegido como el Poster Oficial de ‘Nueva York, Ciudad Capital del Mundo’. Olbinski ha diseñado las tapas de muchas revistas de primera línea como Newsweek, Time, Business Week, Atlantic Monthly, Playboy, Omni, The New York Times, New Yorker y Der Spiegel, entre otras.
Sus obras han sido adquiridas por colecciones como The Library of Congress Print Collection in Washington, D.C.; Carnegie Foundation in New York; Republic New York Corporation; Searle Corporation; Browne and Co. y The National Arts Club in New York, así como también fue reconocido con numerosas distinciones. Aquí pueden ver algunas de sus obras, que nos invitan a un mundo de sueño y fantasía.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
ARQUITECTURA
Javier Senosiain Arquitecto mexicano exponente de la denominada Arquitectura Orgánica. Egresado de la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Desarrolla una arquitectura acorde al entorno donde se establece. Sus principales influencias son Frank Lloyd Wright, Friedensreich Hundertwasser, Antoni Gaudí, Rudolph Steiner, la naturaleza y el arte popular mexicano. Ha combinado el ejercicio profesional con la docencia y la investigación. Egresó con mención honorífica de la entonces Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1972. Desde entonces imparte clases de Taller del Diseño y Teoría de la Arquitectura en la facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. De 1989 a 1991 ocupó el cargo de secretario académico de dicha facultad. En el año 2006 la Facultad de Arquitectura de la UNAM le otorga la “Cátedra Federico Mariscal”. En el campo de la investigación experimentación, ha profundizado en investigación del ferrocemento, también realizado estructuras neumáticas para utilización como cimbra temporal en elaboración de casas.
y la ha su la
En la práctica profesional ha desarrollado proyectos y construcciones de edificios de oficinas, casas habitación, plantas industriales y turismo. Los trabajos de su primer período están caracterizados por una fuerte presencia volumétrica con color en tonos y gamas cuya raíz parte de Luis Barragán. En la casa “Pirámide Levitando” su volumen trapezoidal de color naranja está suspendido sobre el paisaje anclándola al terreno y permitiendo que el terreno se deslice bajo ella
y su área verde se incremente con el jardín en el que se convierte su azotea; la integración del verde y las vistas de la casa, los colores de muros, tragaluz, tiro de la chimenea, etc. Esta búsqueda colorista también se aprecia en los edificios “Pareja Prismática” y los Laboratorios en Celaya “Oasis Productor”. El siguiente paso que su lenguaje arquitectónico da es en 1984 con la Casa orgánica, donde la idea embrionaria toma forma en una cáscara de cacahuate: dos amplios espacios ovales iluminados unidos por un espacio en penumbras bajo y estrecho. Un espacio para convivir, con estancia, comedor y cocina, y otro para dormir con habitación y baño. Moldeando los muros, pisos, techos y ventanas como si fueran una vasija de barro se creó un espacio adaptado al hombre donde se resolvían sus necesidades de confort y en armonía con las formas de la naturaleza. Sus construcciones poseen desde su concepción una integración al espacio exterior. En este concepto radica también un enfoque diferente, más allá de lo racional funcional de cómo debe habitarse una casa, de cómo las actividades que se desarrollan en ella deben estar acunadas por las formas de la casa misma, esto se refleja en el diseño de baños, estancias, cocinas, etc. Estancia comedor. Naucalpan, Edo. de Méx, Méx. 1984. Casa Orgánica. Javier Senosiain. Para los acabados de sus hábitats orgánicos utiliza materiales como piedras, pedacería de azulejos, mármol, madera, espejos, entre muchos otros. “La ballena mexicana”. Javier Senosiain. Estructura Neumática sobre la que se espreo el Poliuretano. Naucalpan, Edo. de Méx, Méx. 1992. Posteriormente en “La Ballena Mexicana” y la “Casa Flor” con una cimbra neumática y el espreado de poliuretano se lograron volúmenes continuos resultado de la búsqueda del espacio natural del hombre, sus raíces históricas y culturales, así como las tradiciones constructivas de la plástica mexicana.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
En el Conjunto Nido de Quetzalcóatl trabajó con las irregularidades de un terreno muy accidentado con cuevas y cañadas que resultaron ser desafiantes pero inspiradoras para Senosiain. El proyecto consiste en la construcción de diez departamentos. Las áreas verdes y los espacios abiertos se respetaron para mantener las características naturales del lugar integrando los departamentos al relieve con una volumetría que recuerda el cuerpo de una serpiente. Junto a ese conjunto se realiza el Parque Quetzalcóatl, de 19 hectáreas donde la arquitectura y el paisaje se funden.
FOTOGRAFÍA
Clarence John Laughlin Clarence John Laughlin, fotógrafo estadounidense nacido en 1905 en Lake Charles, Luisiana, conocido por sus fotografías surrealistas del sur de los Estados Unidos. Su infancia inestable, herencia meridional y su interés en la literatura influenciaron su trabajo de manera sustantiva. Tras perder todo en una fallida empresa productora de arroz en 1910, su familia se vio obligada a trasladarse a Nueva Orleans, donde el padre de Laughlin encontró trabajo en una fábrica. Laughlin era un niño introvertido con pocos amigos y una relación cercana con su padre, que cultivó y alentó su amor de por vida hacia la literatura, y cuya muerte en 1918 le devastó.
A pesar de que dejó la escuela secundaria en 1920 después de haber terminado apenas su primer año, Laughlin era un hombre educado y altamente alfabetizado. Su extenso vocabulario y su amor al lenguaje son evidentes en los elaborados subtítulos que más tarde escribió para acompañar sus fotografías. Inicialmente aspiró a ser escritor y escribió muchos poemas e historias en el estilo del simbolismo francés, la mayoría de las cuales permanecieron inéditas. Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió por sí mismo cómo usar una simple cámara con visor de 2 por 2 Comenzó a trabajar como fotógrafo independiente de arquitectura y posteriormente fue empleado por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de Estados Unidos. Disgustado con las limitaciones del trabajo con el gobierno, Laughlin eventualmente dejó Vogue después de un conflicto con el entonces
editor Edward Steichen. A partir de entonces trabajó casi exclusivamente en proyectos personales, utilizando una amplia gama de estilos y técnicas fotográficas, desde simples abstracciones geométricas de rasgos arquitectónicos hasta alegorías elaboradas, utilizando modelos, trajes y accesorios. Durante este período, una de sus modelos favoritas fue Dody Weston Thompson, que se convirtió en una notable fotógrafa por derecho propio.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer verdadero fotógrafo surrealista en los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, reflejando la influencia de Eugène Atget y otros fotógrafos que trataron de capturar paisajes urbanos desaparecidos. El libro más conocido de Laughlin, "Ghosts Along the Mississippi", fue publicado por primera vez en 1948. Murió en 1985.
PINTURA
Miguel Ángel Avataneo Miguel Angel Avataneo nació en 1962 en San Cristóbal, provincia de Santa Fé, Argentina. Su pintura icono gráfica delega el estilo clasicismo influenciado por la pintura francesa del siglo XVIII, así como también por los pintores italianos. Lienzos con representaciones femeninas pintadas con esmero por el artista argentino Miguel Angel Avataneo. En su obra pictórica representa escenas con diferentes modelos, en las cuales resalta la belleza y feminidad de cada una de ellas. En su obra simboliza y distingue a las hermosas mujeres, pinturas producidas en un realismo sorprendente. Avataneo trabaja la técnica al óleo sobre lienzo, sus tonalidades son semejantes a la realidad. A sus pinturas artísticas les adjunta, caballos, perros, bodegones y telas, detalles impecables fundamentados en representaciones de un arte maravilloso.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
PINTURA
William Adolphe Bouguereau Bouguereau nació en 1825 en La Rochelle en la costa oeste de Francia, en la región de Poitou-Charentes. Hijo de Théodore Bouguereau, de origen inglés, y Marie Marguérite Bonnin, AdolpheWilliam fue el segundo de los cuatro hijos de una familia de orientación calvinista, sin embargo a la edad de cinco años fue bautizado en la fe católica. Su padre tenía una modesta vinatería suficiente para mantener un nivel pequeño-burgués. En 1832 la familia se mudó a Saint-Martin, en la isla de Ré con la intención de abrir un nuevo negocio que no llegaría a prosperar. William, inicialmente inscrito en la escuela local, donde al parecer solía llenar de dibujos sus libros y cuadernos, fue enviado a vivir con su tío Eugène, de 27 años, joven cura en la iglesia de SaintÉtienne en Mortagne sur Gironde, y que posiblemente estimuló su sensibilidad e inquietudes artísticas.
Afridita 1879
familiar, un comercio de aceite de oliva, y llevar la contabilidad de un taller vecino. A condición de que no descuidara sus obligaciones y no se convirtiera en 'artista', su padre finalmente lo dejó inscribirse en la escuela municipal de arte, donde fue admitido en las clases avanzadas de Jean-Paul Alaux, dos horas diarias. Sus grandes aptitudes le permitieron entrar en la prestigiosa École des Beaux-Arts de París, a pesar de la inicial oposición paterna y gracias al apoyo de su tío, cuya ayuda le permitió pasar tres meses en Mortagne pintando retratos de personalidades de Saintonge, y ahorrar 900 francos. Gracias a una carta de recomendación de Alaux, obtuvo empleo en el estudio de pintura de Picot
en París, donde, según su propio testimonio, trabajó como un esclavo sin apenas tiempo para dormir. Finalmente, en el mes de abril de 1846, William fue aceptado en la École des Beaux-Arts. En 1850 ganó el Grand Prix de Rome y con ello una beca para estudiar en Roma. Los ganadores del Grand Prix eran enviados a la Villa Médici. Durante tres años y cuatro meses viajó por Italia pintando copias de obras maestras. De vuelta en París, consiguió una segunda medalla en el Salón de 1854. Su popularidad y prestigio académicos crecieron rápidamente. En 1857 el emperador Napoleón III le encargó un retrato de sí mismo y de la emperatriz, así como la pintura histórica Napoléon III visitando las inundaciones de Tarascon. El 8 de enero de 1876, Bouguereau fue elegido miembro de la Academia francesa de Bellas Artes. En 1881 el gobierno francés entregó el control administrativo del Salón a los artistas, como resultado de ello se fundó la Sociedad de Artistas Franceses y Bouguereau fue elegido el primer presidente del capítulo de pintura. En 1903 fue nombrado "Gran Oficial" de la Legión de Honor y se le invitó a participar en la conmemoración del centenario de la Villa Médici. En esa época recibía invitaciones de toda Europa, que a petición del pintor su esposa Elizabeth rechazaba sistemáticamente para poder atenderle: a finales de 1903 su precaria salud ya le impedía escribir o pintar. Murió de un problema cardíaco, en su casa de La Rochelle, la noche del 19 de agosto de 1905.
En 1839, Eugène decidió enviar a su sobrino a la escuela de Pons a estudiar arte clásico, religión e historia antigua, entre otras materias. Más tarde, con 16 años, Bouguereau tomó clases de dibujo con Louis Sage, discípulo de Ingres. En 1841, la familia volvió a reunirse para trasladarse a Burdeos, donde el incipiente pintor tuvo que hacerse cargo de la contabilidad del nuevo negocio
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Miguel Ángel Sotelo Expone su Colección en La Escuela Nacional de Estudios Superiores Unidad de la UNAM
La exposición "Juegos de Guerra, una mirada desde lo contemporáneo ante el olvido" del artista plástico guerrerense Miguel Ángel Sotelo con 28 piezas de 1.20 x 1.20 mts con sus respectivos códigos QR de las mismas dimensiones. Temas sobre la guerra, presentes desde siempre en la historia del hombre y que se repiten a traves de los siglos. Muestra una instalación interactiva, como un juego de dominó, y que se jugará mientras dure la exhibición, haciendo que la composición de las piezas cambie diariamente. En la exposición el público tendrá acceso a los códigos QR a través de sus celulares, y podrán enlazar, de acuerdo a cada código escaneado, un video, una imagen o un documento histórico, en algún sitio en Internet, referentes a la barbarie de la guerra, a la bomba atómica por ejemplo, a la violencia que el ser humano se ha enfrentado desde hace mucho tiempo.
Taller de pintura para jóvenes con talento ¿Quieres promocionarte y darte a conocer? somos un excelente medio de difusión Impartido por Alan Serna Cortés
Jueves ó Sábados 4:00 PM Inscripción $200.°° Coyuca de Benítez, Gro.
Cel.: 78 1110-7112
INFORMES: paradojaeditorial@gmail.com
Cel.: 74 4122 2101 ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Todos los Martes a las 12 AM www.econciencia.com/radio
Museo Nacional de Ámsterdam
E
l Rijksmuseum (en español: Museo del Reino) o Museo Nacional de Ámsterdam se encuentra ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. Está dedicado al arte, la artesanía y la historia. Posee la más famosa colección de pinturas del Siglo de Oro neerlandés así como una rica colección de arte asiático y egipcio. El Rijksmuseum alberga obras significativas de casi todos los grandes maestros neerlandeses de los siglos XV al XVII: Geertgen tot Sint Jans, Lucas van Leyden, Hendrick Goltzius, Frans Hals, Jan Vermeer, Ferdinand Bol, Nicolaes Maes, Guerrit Dou, Jacob Ruysdael, y un repertorio generoso del maestro Rembrandt van Rijn. Cuenta también con pintores de otros países, como Fra Angélico, Piero di Cosimo, Paolo Veronese, Hugo van der Goes, Peter Paul Rubens y Francisco de Goya, así como con numerosos dibujos y grabados, porcelanas orientales, mobiliario y demás artes decorativas, pintura moderna (Van Gogh, Mondrian, Karel Appel) y objetos de diseño del siglo XX. De todas formas, el principal atractivo del museo radica en las 22 pinturas de Rembrandt, entre las que se cuentan: La
ronda de noche, La novia judía, El árbol de Jesé, La muerte de los inocentes y varios paisajes de los antiguos Países Bajos. Sometido a unas largas y difíciles obras de reforma con un coste de 375 millones de euros, el museo reabrió sus puertas en abril de 2013. Este museo fue fundado en 1800, promovido por el financiero Alexander Gorel. Abrió el 31 de mayo del mismo año, siguiendo el ejemplo del Louvre. Su primera sede fue el Palacio de Frederik Hendrik en Huis ten Bosch, cerca de La Haya, y exhibía las colecciones de los estatúders neerlandeses. Por aquella época se le conocía como la Galería Nacional de Arte (Nationale KunstGallerij). En 1808 fue trasladado a Ámsterdam por orden del rey Luis Napoleón, hermano de Napoleón Bonaparte. La colección se instaló en una sala grande y dos salas pequeñas del Palacio Real. Al principio se limitaba a los fondos procedentes de La Haya, y luego varios cuadros pertenecientes a la ciudad de acogida, tales como La ronda de noche, se convirtieron en parte de la colección. Durante todo el siglo XIX el museo cambió de ubicación varias veces y se fue ampliando la colección. Se adquirieron 63 obras de una colección de Róterdam y más de 587 obras a fines de 1814.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
Finalmente, el 13 de marzo de 1885 se trasladó a su actual ubicación, un edificio construido por el arquitecto holandés Pierre Cuypers, quien combinó elementos góticos y renacentistas y lo decoró ricamente con referencias a la historia del arte neerlandés. El edificio ocupa un destacado lugar en la Museumplein (Plaza de los museos), cerca del Museo van Gogh y el Museo Stedelijk. Como dato singular, el edificio está atravesado por un pasadizo para peatones y ciclistas, como si todo el bloque fuese una puerta de acceso a la ciudad; ello entrañó dificultades extremas cuando el museo se renovó en 2003-13.
Sala del Pabellón Phillips, que exhibió las obras maestras del museo durante la reforma del edificio principal. En el futuro dicho pabellón albergará muestras temporales. Fachada vista desde la base. Desde 2003 y hasta 2012, el museo sufrió profundas obras de restauración y renovación bajo la dirección de dos arquitectos españoles, Cruz y Ortiz, ganadores de un concurso internacional fallado en 2001. El proyecto de reforma se vio envuelto en cierta controversia
Rijksmuseum
porque los ciclistas, numerosos en la ciudad, denunciaron obstáculos en el paso peatonal que solían cruzar, y que dividía en dos el museo mediante un arco. Se tuvo que modificar el proyecto original. Finalmente, con una solución pactada en 2009, el acceso principal al museo se realiza a través de la gran galería donde podrán estar peatones y ciclistas: estos circulan por la superficie, y los visitantes descienden al hall situado en un nivel subterráneo. El proyecto creó una nueva y única entrada y un gran hall central situado en el subsuelo, debajo del paso peatonal de acceso libre. Este nuevo recinto permitió unir mejor las dos alas del edificio, y se realzó con una gigantesca lámpara en forma de jaula, que por el día alumbra hacia abajo y por la noche proyecta luces hacia una vidriera superior, visible desde el citado paso peatonal. La reforma del edificio incluyó además la recuperación de muchas de las antiguas decoraciones interiores, antes cubiertas con sucesivas capas de pintura, y además se cambiaron los suelos de los patios.
ARTDiseño ART
No. 10 Año 1, Octubre de 2022
La reinauguración se esperaba para la primavera de 2013 y finalmente tuvo lugar en abril de dicho año, con la presencia de la reina Beatriz de los Países Bajos pocos días antes de su abdicación. En el periodo 2005-13 el 95% del conjunto estuvo cerrado por las reformas, y durante todo este proceso únicamente algunas pinturas de las colecciones permanentes se siguieron exhibiendo en una sala especial (llamada Las obras maestras) en el recién restaurado Pabellón Phillips. Esta circunstancia permitió que parte del fondo permanente del museo se repartiese en exposiciones temporales de diversos países. Tras la reubicación de las colecciones en el edificio renovado, el Pabellón Phillips está siendo sometido a trabajos de reforma y se destinará a exposiciones temporales.
Museumstraat 1, 1071 XX Amsterdam, Netherlands Entrada adulto € 20,00 Abierto diariamente de: 9:00 a 17:00 hrs