ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.11 Año 1, Noviembre de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
IPINTURA
David Hockney
FOTOGRAFÍA
Philippe Halsman
GRÁFICA
José Guadalupe Posada
PINTURA Gustav Klimt Klimt utilizó técnicas de lo más variopintas: empleó con profusión el pan de oro, la pintura al temple y el óleo, y plasmó en sus lienzos unos personajes lánguidos que muchas veces muestran una apariencia "flotante" (el artista logró este efecto en gran medida porque casi todos sus modelos posaron a menudo recostados en una cama o en un diván).
REPORTAJE El Museo Diego Rivera Anahuacalli Es un Museo y centro de las artes, ubicado en la Colonia San Pablo de Tepetlapa de la Alcaldía Coyoacán, a 10 minutos en auto del Museo Frida Kahlo, así como del barrio turístico de este distrito. El Anahuacalli (de la voz náhuatl, cuyo significado es “casa rodeada de agua”), es un templo para el arte diseñado por el muralista mexicano Diego Rivera. La extravagante arquitectura del edificio está inspirada en edificaciones prehispánicas, con un estilo único en su tipo, el cual mezcla influencias Maya y Tolteca principalmente, aunque el propio Rivera la definió como una amalgama de estilos Azteca, Maya y “Rivera Tradicional”. El inmueble del Museo Anahuacalli está construido con piedra volcánica labrada, extraída del mismo sitio donde está erguido. De acuerdo a las palabras del museógrafo y poeta tabasqueño Carlos Pellicer, quien diseñó la exposición permanente del lugar por indicación expresa del mismo Rivera, el Anahuacalli responde a la siguiente descripción:
El recinto, destaca por su extensa colección de arte prehispánico, así como por su Espacio Ecológico que alberga flora y fauna endémica. Rivera proyectó la obra arquitectónica con el fin de resguardar su vasto acervo de piezas precolombinas, a la par de exponer en el edificio principal, las más bellas obras de este conjunto. En concordancia, una selección de 2,000 piezas, especialmente bien ejecutadas y conservadas, se encuentran en exhibición desde la apertura del Museo Anahuacalli a público, el 18 de septiembre de 1964.
“Se trata de una creación personal empleando elementos prehispánicos, principalmente de la arquitectura tolteca y algo de la maya: muros en talud, pilastras serpentinas y puertas romboidales. El coronamiento piramidal acentúa el carácter del magnífico edificio. Los techos planos de la planta baja y de los pisos superiores están decorados con mosaicos originales del gran pintor como elemento de integración de la arquitectura. La planta baja está ocupada por lo azteca y lo teotihuacano. Un precioso grupo de esculturas de piedra, figurillas de barro cocido -maquetas de templos - y cerámica de vajilla”.
Diego Rivera planeó el Anahuacalli como un gran escenario para el desarrollo de diversas expresiones del arte tales como teatro, danza, pintura y música, inmersas en una atmósfera cuya arquitectura representa la búsqueda de la esencia de lo mexicano a través de su rico pasado precolombino, a la vez que integrado a los acontecimientos artísticos, intelectuales y educativos de la contemporaneidad. Cada año, en cumplimiento con la voluntad que Rivera manifestó para el Anahuacalli, se presentan en el recinto exposiciones de arte contemporáneo. Estas propuestas, se eligen minuciosamente, pues deben alternar armónicamente con su arquitectura, con el arte precolombino en exhibición, con la naturaleza que lo rodea y con el concepto fundacional y en evolución del Anahuacalli de Diego. El Anahuacalli es una obra que da testimonio de la generosidad de Rivera al erigir una portentosa creación arquitectónica especialmente para compartir su colección de arte prehispánico con el pueblo de México y con el mundo. Gracias a este Museo, hoy, miles de visitantes nacionales y extranjeros pueden adentrarse en el universo creativo que el muralista dejó albergado en este lugar único, para que todo quien asista al recinto disfrute de sus espacios naturales y arquitectónicos, así como del rico acervo de arte mesoamericano legado a México, por el maestro Rivera.
Horarios y costos martes a domingo de 11:00AM–5:30PM. Entrada libre Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic Museo 150, San Pablo Tepetlapa, Coyoacán, 04620 Ciudad de México, CDMX
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EDITORIAL
EDITORIAL
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paradojaeditorial@gmail.com
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez
E
l número once de nuestra Revista ARTDiseño muestra una pequeña reseña del grabador mexicano José Guadalupe Posada, que en el 2 de noviembre es muy correspondido ya que conmemoramos el Día de Muertos en México y que mejor recordar a Posada quién es es que inventó “La Catrina” la muerte mujer bien vestida como crítica a la sociedad de entonces, durante el porfiriato, donde se pretendía vestirse a ala usanza europea. Contamos en este número a grandes artistas que marcaron una época como el pintor Austriaco Gustav Klimt al cual dedicamos dos páginas con algunas de sus obras más reconocidas mundialmente. También hacemos honor al pintor británico David Hockney quien sigue siendo un referente en el arte contemporáneo y que además posee el record de un artista vivo cuya obra pictórica The Splash consiguió un precio de subasta por 27,4 millones de euros. Siempre deseamos promover el arte de artistas mexicanos singulares como Ángel Záraga, quien siempre buscó el nrealismo pictórico en sus obras, como la representación de la cotidianidad de la gente, así como su Ex voto de San Sebastian, admirada por todos. Incluimos diseñadores creadores que son un referente internacional como Kenji Ekuan, Ivan Chermayeff y Tom Geisma, así como los artistas plásticos actuales que son significativos como la pintora Julie Bell, con extraordinaria destreza para alcanzar un realismo de fantasía a la par de quién fue su pareja sentimental Frank Frazetta. Es imprescindible conocer al pintor francés Jean Francois Millet, quien es un ejemplo copiado o emulado por muchos en su tiempo, como Vincent Van Gogh entre otros impresionistas.
Atentamente Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
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Alexandre Jean Dubois Drahonet
Sergio Bustamante / Romance
Leng Jun
Víctor Borrego Mendoza
Francisco Castro Leñero
Lali Casillas Salcedo
Silvia Neiger/Bandas energéticas
Toulouse-Lautrec and Montmarte
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PINTURA
Ángel Zárraga
En 1919, a la edad de 28 años, es seleccionado por la junta directiva del Salón de Otoño de la capital francesa, como jurado calificador. En 1917 se encarga de los decorados de la obra Antonio y Cleopatra de William Shakespeare en el Teatro Antoine de París. Esta es, hasta donde se tiene registro, su única incursión como escenógrafo. ngel Zárraga Argüelles nació en Durango el 16 de agosto de 1886 y falleció en Cuernavaca el 22 de septiembre de 1946. Fue un pintor mexicano poco conocido en su país a pesar de su talento e importancia, debido principalmente a haber pasado más de la mitad de su vida en Europa. Incursionó en el cubismo y el muralismo aunque se le identifica principalmente con el realismo simbólico. Fue miembro fundador de la organización cultural El Ateneo de la Juventud.
Á
Ángel Zárraga nació en el seno de una familia acomodada de la provincia mexicana. Su padre, Fernando Zárraga, era médico; y su madre fue Guadalupe Argüelles. Cursó la escuela primaria en el anexo a la Normal de Maestros, en la Ciudad de México, donde se instaló toda la familia para nunca regresar a Durango. El bachillerato lo realizó en la Escuela Nacional Preparatoria de San Ildefonso, también en la Ciudad de México. Desde joven dibujaba y hacía retratos y caricaturas, además de cultivar la poesía. Sus versos y dibujos fueron publicados por primera vez en la Revista Moderna entre 1902 y 1903. Inició la carrera de Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) donde trabó amistad con Diego Rivera. En 1904 partió a Francia donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de París. En el viejo continente se encontró con el impresionismo que, si bien respetaba, iba en contra de la educación tradicional que recibió en México. "Al no estar de acuerdo con lo que se enseña en la Escuela de Bellas Artes de París decide estudiar en la Real Academia de Bruselas, y posteriormente se instala en España (Toledo, Segovia, Zamarramala e Illescas) que presenta para él una modernidad menos agresiva". En 1906 exhibe por primera vez en una muestra colectiva en el Museo del Prado de Madrid. Ese mismo año, Justo Sierra, entonces secretario de Instrucción pública y bellas artes del régimen de Porfirio Díaz, le consigue una pensión de 350 francos mensuales para que continúe su preparación en Europa. El 6 de noviembre de 1907 realiza su primera exposición en México, en la ENBA. La muestra comprendía 20 cuadros hechos en España y cinco realizados en México. A su regreso a Europa en enero de 1908, escribe crónicas para el periódico El liberal, de Madrid. Continúa exponiendo su obra en diversas ciudades europeas como París, Nantes, Venecia y Lieja, entre 1909 y 1910. A finales de ese mismo año, su segunda exposición en México es inaugurada por su padre, Justo Sierra y Antonio Rivas Mercado. A su regreso al viejo continente, se instala definitivamente en París por 35 años. En 1911, participa en el Salón de Otoño al presentar sus obras Ex voto (San Sebastián) y El don (dadiva). Entre 1914 y 1917 incursiona en el cubismo para alejarse de éste entre 1918 y 1919 y regresar al retrato de tipo más realista. Sin embargo, en 1921 su etapa cubista es motivo de una exitosa exposición individual, la cual comprende pinturas que, en su mayoría, ya están en posesión de coleccionistas. A pesar de sus logros en distintos estilos y diferentes temáticas, el mismo artista cuenta en sus escritos que su "salvación" en lo financiero y espiritual fue la obra dedicada a lo religioso y a temas deportivos –sobre todo al fútbol, del que era fanático–; la plasticidad del deporte lo lleva eventualmente al muralismo. En esta última disciplina, se puede destacar el trabajo que realiza, al fresco y encáustica, entre 1921 y 1926 en el Château de Vert-Cœur en Chevreuse, cerca de Versalles y en el Cité Internationale Universitaire de París; también decoró la embajada mexicana en París, donde también fue exhibido en el Salon d'Automne, así como en Nueva York. Debido al derrumbamiento del mercado internacional de arte, pierde a sus patrocinadores y cae en una depresión. Durante la Segunda Guerra Mundial regresó a México en 1941, donde pintó murales en el Club de Banqueros y en la Catedral de Monterrey. Murió después de padecer una neumonía. Un museo de arte contemporáneo en la ciudad de Durango lleva su nombre.
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GRÁFICA
José Guadalupe Posada José Guadalupe Posada Aguilar nació el 2 de febrero de 1852 en la ciudad de Aguascalientes. Poseía un talento natural para el grabado, después de aprender a leer y escribir con su hermano José Cirilo Posada, y superar una empecinada oposición familiar, ingresó a la Academia Municipal de Dibujo de Aguascalientes. Posteriormente, en 1868, entró como aprendiz en el taller litográfico de Trinidad Pedroza. Algunas de sus primeras caricaturas de crítica política fueron publicados en El Jicote, periódico de oposición al gobierno de Jesús Gómez Portugal. Comenzó su carrera haciendo dibujos, copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica. En 1872, Posada y Pedroza deciden instalarse en León, Guanajuato, donde ambos se dedicaron a la litografía comercial. En la ciudad de León, Posada abrió su propio taller y posteriormente trabajó como profesor de litografía en la Escuela
José Guadalupe Posada Aguilar (Aguascalientes, 2 de febrero de 1852 Ciudad de México, 20 de enero de 1913) fue un grabador, ilustrador y caricaturista mexicano. Célebre por sus dibujos de escenas costumbristas, folclóricas, de crítica socio-política y por sus ilustraciones de «calacas» o calaveras, entre ellas La Catrina.
de Instrucción Secundaria, asimismo, realizó litografías y grabados en madera que ilustraban cajetillas de cerillos, documentos y libros. En esa misma ciudad contrajo matrimonio con María de Jesús Vela en 1875. Al año siguiente le compró la imprenta a Trinidad Pedroza. De 1875 a 1888 continuó colaborando para varios periódicos de León, entre ellos La Gacetilla, El Pueblo Caótico y La Educación. En la revista La Patria Ilustrada, dirigida por Arturo Paz, publicó. A finales de 1888 se trasladó a la Ciudad de México, en donde aprendió el oficio de técnicas de grabado en plomo y zinc. Colaboró para el periódico La Patria Ilustrada y la Revista de México hasta los primeros meses de 1888. Comenzó a realizar trabajos con Antonio Vanegas Arroyo, se ha afirmado que trabajaba como su empleado, pero ello no es real, se muestra en la misma fotografía que se conoce a la entrada de su taller, donde se anuncian sus actividades. Las noticias de su vida son más bien personales y aisladas: En enero de 1900, tres periódicos, El Chisme, El Diario del Hogar y El Popular, le dan el pésame por la muerte de su hijo Juan Sabino. En 1908 se anuncia que gana cien pesos en la Lotería. Fueron muchos y muy variados los talleres, imprentas y periódicos en los que trabajó Posada: La Juventud Literaria, de la Revista de México, La Patria Ilustrada y El padre Cobos; Más adelante se integró al grupo de periódicos de Francisco Montes de Oca: El Gil Blas, EL Popular, Argos, El Chisme. Posada emprendió un trabajo que
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le valió la aceptación y admiración popular, por su sentido del humor, propensión a lo dramático y calidad plástica. En su obra, amplia y variada, Posada retrató las creencias y formas de vida cotidiana de los grupos populares, criticando los abusos del gobierno y la explotación del pueblo. Además, ilustró las famosas «calaveras», versos alusivos a la muerte que junto con sus demás ilustraciones, se distribuian en periódicos y hojas sueltas. En 1893 colaboró de manera irregular para el periódico Gil Blas el cual estaba dirigido a la clase pobre del pueblo y de tintes antiporfiristas; Pese a su obra variada y popular el grabador no fue tan reconocido como otros artistas contemporáneos. No fue sino hasta después de su muerte que comenzó la valoración de su estética como verdadero arte popular, y específicamente gracias al reconocimiento de Diego Rivera, quien le dio gran difusión a su obra. Vivió y murió prácticamente en el anonimato y sólo fue reconocido muchos años después. Falleció de alcoholismo en el barrio de Tepito, en la Ciudad de México, a los 61 años de edad, el 20 de enero de 1913 y fue sepultado en una fosa sin identificar en el Panteón de Dolores. Tendría suerte para no vivir los horrores de la Decena Trágica y del régimen de Victoriano Huerta y no viviría para presenciar la entrada triunfal de Villa y Zapata en diciembre de 19142. Describió con originalidad el espíritu del pueblo mexicano desde los asuntos políticos, la vida cotidiana, su terror por el fin de siglo y por el fin del mundo, además de los desastres naturales, las creencias religiosas y la magia. Por su estilo y temática empleados, José Guadalupe Posada, es considerado un artista popular, proveniente del pueblo, que nutrió su obra del imaginario popular mexicano y a quien se dirigió como público.
PINTURA
David Hockney
En octubre de 2006, la National Portrait Gallery de Londres organizó una de las más grandes exhibiciones de los retratos de Hockney con cinco décadas de trabajo, incluyendo 150 pinturas, estampados, dibujos, cuadernos de esbozos y foto-collages. La colección incluía desde sus autorretratos más tempranos a retratos finalizados en el 2005. Esta duró hasta enero de 2007 y fue una de las más exitosas en la historia de la galería. "David Hockney: Just Nature" atrajo un aproximado de 100,000 visitantes en el Kunsthalle Würth en Schwäbisch Hall, Alemania en el 2009.
Nacido en Bradford, el 9 de julio de 1937, es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo británico. Vive en Bridlington, Yorkshire del Este y Kensington, en Londres. Hockney mantiene dos residencias en California donde vivió por temporadas durante 30 años: una en Nichols Canyon, Los Ángeles, y una oficina en Santa Monica Boulevard en West Hollywood. Fue un importante contribuyente del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. El 15 de noviembre de 2018 su obra Retrato de un artista (Piscina con dos figuras) fue vendida por la casa de subastas Christie's en Nueva York por un precio récord de U$90,3 millones de dólares o € 79 millones Una visita a California, lugar en el que vivió de euros; consagrándolo como el artista muchos años, le inspiró a realizar una serie vivo más caro del mundo. de pinturas de albercas utilizando pintura acrílica (relativamente nueva) de colores vibrantes, con un renderizado altamente realista. El artista se mudó a Los Ángeles en 1964, regresó a Londres en 1968, y de 1973 a 1975 vivió en París. Regresó a Los Ángeles en 1978 y alquiló una casa a la orilla de un cañón. Años después adquirió la propiedad y la expandió para incluir su estudio. También tenía una casa de playa de 1,642 pies cuadrados en el 21039 de la Costa Pacífico en Malibú, la cual vendió en 1999 por alrededor de 1.5 millones de dólares. Es el cuarto de cinco hijos de Laura y Kenneth Hockney (él, un objetor de Hockney es abiertamente homosexual, y a Del 26 de octubre de 2013 al 30 de enero, conciencia en la segunda guerra mundial). diferencia de Andy Warhol, de quien se la exhibición "David Hockney: Una Fue educado en la Escuela Primaria de hizo amigo, ha explorado abiertamente la Exhibición más Grande fue presentada en Wellington, Bradford Grammar School, naturaleza del amor gay dentro de sus el M. H. de Young Memorial Museum y se Universidad de Bradford de Arte y en el retratos. Algunas veces representa su mostraron trabajos del artista desde el año Royal College of Art en Londres, donde amor por el hombre a través de sus obras 2002. Se incluyeron retratos hechos en conoció a R. B. Kitaj. Mientras estuvo ahí, como en su pintura de 1961: "Nosotros dos Photoshop, óleos de lienzos múltiples, Hockney dijo haberse sentido en casa y muchachos juntos y apegados" (We Two paisajes de iPad y películas digitales orgulloso de su trabajo. En el Royal College Boys Together Clinging en inglés), filmadas con múltiples cámaras. of Art, Hockney fue incluido en la llamado así por un poema de Walt 'Hockney, Printmaker', curada por Richard exposición Jóvenes contemporáneos, Whitman. En 1963 pintaba hombres juntos, Lloyd de Christie's, fue la primera gran junto con Peter Blake, anunciando la como en su obra "Escena Doméstica, Los exhibición con un enfoque en la carrera de llegada del Arte Pop británico. A él se le Ángeles" donde uno de los hombres se estampados de Hockney. La exhibición se asociaba con este movimiento, pero sus baña mientras el otro le talla la espalda. mantuvo del 5 de febrero al 11 de mayo de recientes obras tenían elementos del En el verano de 1966, mientras daba clases 2014 en la Dulwich Picture Gallery antes de expresionismo abstracto, parecido a en la UCLA, conoció a Peter Schlesinger, irse al The Bowes Museum, en Barnard algunos trabajos de Francis Bacon. en aquel entonces un estudiante de arte Castle. Cuando la RCA le advirtió de que no podían que posó para pinturas y dibujos. permitir que se graduase en 1962, Hockney Hockney tuvo su primera exhibición, per creó el dibujo conocido como "El Diploma" se, en 1963 a la edad de 26 años, y para en forma de protesta. Había rehusado 1970, la Whitechapel Gallery en Londres escribir un ensayo requerido para el habría de realizar su primera gran examen final, argumentando que debía ser retrospectiva. En el 2004, fue incluido en evaluado sobre la base de sus obras el Bienal Whitney, donde sus retratos únicamente. En reconocimiento a su fueron puestos en la galería a la par de talento, la RCA cambió sus reglas y le varios artistas más jóvenes para los cuales entregó su diploma. Hockney era una inspiración.
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ESCULTURA
La Samotracia
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esde su hallazgo en 1863, la célebre estatua ha tomado forma a través de sucesivas reconstrucciones y restauracioneDesde su hallazgo en 1863, la célebre estatua ha tomado forma a través de sucesivas reconstrucciones y restauraciones. La victoria de Samotracia se puede apreciar tal como puede contemplarse tras la restauración concluida en 2014. Museo del Louvre, París. Hierón de Samotracia, en el santuario de los dioses cabiros, lugar donde se descubrió la Victoria de Samotracia. La Victoria de Samotracia es una de las piezas imprescindibles del Museo del Louvre. Sus imponentes 2,45 metros de mármol no dejan indiferentes a los miles de visitantes que la contemplan cada año. La Victoria de Samotracia ha fascinado a artistas y literatos como una de las más espectaculares y acabadas muestras del arte helenístico. Representa a Niké, la diosa de la victoria, posándose sobre la proa de una nave con tan meditado equilibrio que el mármol parece elevarse a los cielos. El poeta Rainer Maria Rilke vio en esta composición «una imperecedera recreación del viento griego en lo que tiene de vasto y de grandioso». Champoiseau regresó a Samotracia en marzo de 1863 con un equipo de obreros griegos de Adrianópolis.
Instalado en el ciclópeo recinto del santuario de los Grandes Dioses, Champoiseau procedió a excavar, identificando y clasificando mármoles e inscripciones antiguas. Al poco tiempo, los trabajadores descubrieron un hombro del más puro mármol blanco de Paros que asomaba en la falda de la colina. «¡Señor, hemos encontrado a una mujer!», gritaron tras desenterrar un busto. Unos pasos más allá, el propio Champoiseau descubrió el tronco de la estatua, de más de dos metros de altura, cubierto por un manto. Champoiseau acababa de exhumar una de las más extraordinarias obras de la Antigüedad clásica. Junto a esta pieza se hallaron fragmentos de los faldones de un manto, así como de
unas alas, lo que permitió a Champoiseau identificar la figura como una Niké. El 15 de abril de 1863 dirigió una carta al embajador francés en Estambul: «Hoy acabo de encontrar, en mis excavaciones, una estatua de la Victoria alada (o eso parece), de mármol y de proporciones colosales. Por desgracia, no tengo la cabeza ni los brazos, a menos que los encuentre en pedazos en la zona. El resto, la parte entre los pechos y los pies, está casi intacto, y trabajado con una habilidad que no he visto superada en ninguna de las grandes piezas griegas que conozco».
El Arte como lo conocemos y entendemos.
E
l arte (del latín ars, artis, y este calco del La noción de arte continúa sujeta a profundas griego, téchnē es entendido disputas, dado que su definición está abierta generalmente como cualquier a múltiples interpretaciones, que varían actividad o producto realizado con una según la cultura, la época, el movimiento, o la finalidad estética y también comunicativa, sociedad para la cual el término tiene un mediante la cual se expresan ideas, determinado sentido. emociones y, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos, como El vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción, los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales pudiendo designar cualquier actividad y mixtos. humana hecha con esmero y dedicación, o El arte es un componente de la cultura, cualquier conjunto de reglas necesarias para reflejando en su concepción las bases desarrollar de forma óptima una actividad: se En ese contexto, arte sería la generalización económicas y sociales, y la transmisión de habla así de “arte culinario”, “arte médico”, de un concepto expresado desde antaño ideas y valores, inherentes a cualquier cultura “artes marciales”, “artes de arrastre” en la como “bellas artes”, actualmente algo en humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo desuso y reducido a ámbitos académicos y suele considerar que con la aparición del de capacidad, habilidad, talento, experiencia. administrativos. De igual forma, el empleo de Homo sapiens el arte tuvo en principio una Sin embargo, más comúnmente se suele la palabra arte para designar la realización de función ritual, mágica o religiosa (arte considerar al arte como una actividad otras actividades ha venido siendo sustituido paleolítico), pero esa función cambió con la creadora del ser humano, por la cual produce por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este evolución del ser humano, adquiriendo un una serie de objetos (obras de arte) que son artículo se trata de arte entendido como un componente estético y una función social, singulares, y cuya finalidad es principalmente medio de expresión humano de carácter pedagógica, mercantil o simplemente estética. creativo. ornamental.
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ESCULTURA
Antony Gormley Antony Gormley nacido en Londres el 30 de agosto de 1950 es un escultor, escenógrafo, fotógrafo y dibujnte de orígen británico. Sus trabajos más conocidos incluyen el Ángel del Norte, una escultura pública en Gateshead encargada en 1995 y erigida en febrero de 1998, y Another Place, en Crosby Beach cerca de Liverpool. Por encargo de la ciudad de Leeds, diseñó la escultura Hombre ladrillo. También ha realizado una serie de piezas titulada Columna rota con un número consecutivo de elementos. Ejemplo de ello es la piscina municipal de Stavanger, en Noruega, donde se encuentra la Columna rota nº9.
En el transcurso de los últimos veinticinco años, usando su propio cuerpo como sujeto, herramienta y material, Gormley ha revitalizado la imagen humana en la escultura a través de su investigación del cuerpo como un lugar de memoria y transformación. Ha creado algunas de las obras más ambiciosas e icónicas de las últimas dos décadas incluyendo Field, The Angel of the North en Gateshead; Quantum Cloud en el Támesis en Greenwich; y Another Place, ahora permanentemente ubicada en la Playa Crosby, cerca de Liverpool en el Reino Unido. Antony Gormley se hizo acreedor al Premio Turner en 1994, al Premio South Bank de Artes Visuales en 1999 y a la Presea Bernhard Heiliger de Escultura en 2007.
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PINTURA
Gustav Klimt
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acido en la ciudad austríaca de Baumgarten el 14 de julio de 1862, Gustav Klimt sigue siendo en la actualidad uno de los pintores más reconocidosy su obra ha sido definida por muchos críticos de arte como una de las más originales de finales del siglo XIX. Para pintar sus cuadros, Klimt utilizó técnicas de lo más variopintas: empleó con profusión el pan de oro, la pintura al temple y el óleo, y plasmó en sus lienzos unos personajes lánguidos que muchas veces muestran una apariencia "flotante" (el artista logró este efecto en gran medida porque casi todos sus modelos posaron a menudo recostados en una cama o en un diván). Adentrémonos en la vida y la obra este singular artista.
interesada en la promoción de las artes decorativas, y se codeó con artistas, arquitectos y artesanos. Antes de cumplir los 30, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena pero a finales de siglo entra en la Secesión (el modernismo vienés) muy interesada en todas las disciplinas creativas europeas y muy hostil con el arte académico oficial. Por ello perdería cierta seguridad económica. Nunca se casó, pero tuvo bastantes hijos (al menos 14). Las mujeres (preferiblemente pelirrojas) eran musas, amantes y catalizadores del simbolismo de Klimt. Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo (las conocidas como femmes fatales). En este sentido su obra se calificó de «pornográfica» por su lenguaje abiertamente sexual. Por esa época, por cierto, andaba el Dr. Freud por Viena. Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.
Gustav Klimt, el más célebre artista austriaco de esos tiempos (la fama de Schiele sería póstuma) y a la vez el más refinado, complejo y hermético. Eran años en los que Viena estaba empezando su decadencia como capital artística mundial, pero Klimtbrilló por su estilo entre el Simbolismo y el Art Nouveau. Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo pictórico absolutamente ecléctico y cada vez están más cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un valor expresivo de la línea que anuncia el expresionismo posterior. Nació en la época dorada del Imperio austrohúngaro (la edad de oro de la seguridad burguesa), que cuidaba ante todo a sus artistas. Se formó en Viena, muy
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En su vida privada vestía con sandalias y túnica. Se obsesionaba artísticamente con las mujeres que posaban para él y acabaría teniendo aventuras con muchas de ellas, desde damas de la alta sociedad a prostitutas. Tras su muerte por neumonía hubo 14 demandas de pensiones alimenticias. En 1888, gracias a sus trabajos en el auditorio del Teatro Burg, en Viena, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del mismísimo emperador Francisco José I, y se convirtió en miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena. Estos galardones contribuyeron a mejorar notablemente la economía del artista, que pudo tener un tren de vida más holgado tras la muerte de su padre y de su hermano Ernst en 1892. La muerte de su hermano, unida a la separación de su compañero Franz Matsch, marcaría un cambio definitivo en el estilo de Klimt, que se sumergió a partir de entonces en el simbolismo y el impresionismo.
En 1894, la Universidad de Viena encargó a Klimt unas pinturas para decorar el techo del Aula Magna. Pero las obras que Klimt concibió para este proyecto, Filosofía, Medicina y Jurisprudencia, recibieron numerosas críticas e incluso muchos tacharon el enfoque del artista de pornográfico. Abrumada por la avalancha de protestas que provocaron las pinturas, la universidad se inclinó por no exponerlas y Klimt decidió a partir de entonces no volver a aceptar encargos (por desgracia, estas obras fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial). Siguiendo con su estilo provocador, Klimt pintó en 1899 la obra Nuda Veritas (Verdad desnuda), la cual iba dirigida como un dardo a sus críticos más conservadores. Respecto a este tema, el poeta alemán Schiller le diría lo siguiente: "Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo". En 1902, Klimt presentó uno de sus trabajos más famosos en la XIV exposición del Movimiento Secesionista vienés: El friso de Beethoven.
El friso, con el cual Klimt quería rendir un sentido homenaje a la obra del compositor alemán, daba la bienvenida a todos los visitantes que cruzaban la entrada del pabellón. Con sus treinta y cuatro metros de ancho y dos de alto, el monumental friso no contó con el beneplácito del público, que consideró la obra "desagradable". De hecho, la exposición acabaría siendo un fracaso. El friso no volvió a ser expuesto al público hasta 1986 y hoy en día se puede visitar en el Pabellón de la Secesión en Viena. La influencia de los mosaicos bizantinos que el artista había podido contemplar durante un viaje a la ciudad italiana de Rávena se reveló fundamental en la obra de Klimt, que haría de la figura femenina, la sensualidad y los dorados los elementos principales de su estilo. Sería a partir de una obra de inspiración bíblica, Judith y la cabeza de Holfernes, pintada en 1901, cuando el dorado empezaría a predominar en la mayor parte de sus pinturas. Con este cuadro, el artista inició su etapa artística más conocida, en la que decoraba todas sus obras con pan de oro, lo que lo acabaría convirtiendo en uno de los máximos exponentes del art nouveau.
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A partir de entonces, los motivos más importantes para el artista fueron la sexualidad, la feminidad, el amor y la muerte. Aparte de ornamentar sus cuadros con pan de oro, Klimt también lo hizo con finas láminas de plata, algo que se puede apreciar en su obra Serpientes de agua, de 1904. Aquella época fue muy prolífica para el artista austríaco, y durante esos años realizó algunas de sus obras más famosas e icónicas, como son el retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y, sobre todo, El Beso (1908), la obra por la que es mundialmente conocido.
PINTURA
Jean François Millet
Jean-François Millet (Gruchy, Gréville-Hague; 4 de octubre de 1814 - Barbizon, Sena y Marne; 20 de enero de 1875) fue un pintor francés realista que nació en una familia campesina.
S
e preparó con un pintor local de Cherburgo y luego estudió en París en 1837 con Delaroche. Influido por Daumier, trabajó un estilo pastoral con toques socialistas que siguió desarrollando en el pueblo de Barbizon, en el bosque de Fontainebleau, donde se instaló en 1849 con Theodore Rousseau, Narcisse Díaz y otros. Los miembros de este grupo, conocido como la Escuela de Barbizon e influidos por Corot, los paisajistas holandeses del siglo XVII y Constable, fueron los precursores del impresionismo. Se destaca por sus escenas de granjeros, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y naturalista. Murió en Barbizon en 1875. Millet fue el pintor frances realista primogénito de Jean-Louis-Nicolas y AiméeHenriette-Adélaïde Henry Millet, miembros de la comunidad campesina en la aldea de Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía. Bajo la guía de dos sacerdotes de aldea, Millet aprendió latín y los autores modernos, antes de que lo enviaran a Cherburgo en 1833 para estudiar con un retratista llamado Paul Dumouchel. Para el año 1835 estudiaba a tiempo completo con Lucien-Théophile Langlois, un pupilo del barón Gros, en Cherburgo. Langlois y otros lo apoyaron económicamente para que pudiera trasladarse a París en 1837, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Paul Delaroche. En 1839 acabó su aprendizaje y lo primero que presentó al Salón fue rechazado.
En 1837, una bolsa de estudios permitió a Millet trasladarse a París donde asistió a la escuela de Bellas Artes. Allí perfeccionó sus conocimientos en el taller del pintor historia Paul Delaroche. Más adelante estableció amistad con Constant Troyon, Narcisse Díaz, Charles Jacque, y Théodore Rousseau, artistas que, como Millet, serían relacionados con la escuela de Barbizon; todos ellos le ayudaron y tuvieron un papel determinante en la decisión de abandonar definitivamente aquella ciudad "lúgubre y caótica" según sus propias palabras, que nunca le había agradado; aparte de sus costumbres campesinas y su carácter rudo, no congeniaba con el tipo de vida parisiense y regresa a Cherburgo para comenzar una carrera como retratista. Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la influencia de Honoré Daumier, cuyo dibujo de figuras influiría en las posteriores representaciones que Millet hizo de sujetos campesinos, de quienes aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes; y Alfred Sensier, un burócrata gubernamental que se convertiría en un defensor de por vida, y con el tiempo, el biógrafo del artista. En 1847 obtuvo su primer éxito en el Salón, con el cuadro Edipo bajado del árbol, y en 1848 el gobierno compró su Ahechador. Término con el que se denominaba a un
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grupo de pintores que en torno a 1818 se agrupan en el pueblo francés del mismo nombre y sus alrededores cerca del bosque de Fontainebleau. También se conoce como Escuela de Fontainebleau y su producción está considerada como la más vigorosa corriente paisajística de la Francia del siglo XIX. Elabora con notable precisión una pintura al aire libre, bajo la minuciosa observación de ambientes naturales y rechaza la composición académica y neoclásica. De factura suelta, son en su mayoría paisajes de llanuras, árboles y bosques. Los pintores más representativos son Jean- Camille Corot, aunque el organizador, dirigente del grupo y teórico es Theodore Rousseau. Entre otras figuras que destacan cabe señalar a Jules Dupré, con una obra caracterizada por el empleo sombrío de la luz, y a Jean Francois Millet, auténtico renovador por su temática peculiar, exaltadora del mundo campesino y de los trabajadores rurales. En 1849 Millet pintó Segadores, un encargo del Estado. En el Salón de aquel año expuso Pastora sentada al borde del bosque, un óleo muy pequeño que marcó su alejamiento de los previos temas pastorales idealizados, en favor de un enfoque más realista y personal. En junio de 1849 llegó a Barbizon, con Catherine y sus hijos, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad.
FOTOGRAFÍA
Philippe Halsman Nació el 2 de mayo de 1906 en la ciudad letona de Riga, en el seno de una familia judía. Estudió ingeniería en Dresde. En 1928 fue acusado públicamente de parricidio; su padre que tenía por nombre Morduch cayó y murió durante una excursión campestre en los alpes austríacos, sin embargo la gente de los alrededores no dudó en acusarlo de haber cometido asesinato, influidas por su origen judío y del antisemitismo existente y a falta de otras pruebas. Sería llevado a juicio y condenado a cuatro años de cárcel y de no ser por la presión de un destacado grupo de intelectuales, entre los que se encontraban Sigmund Freud, Thomas Mann y Albert Einstein, hubiera pasado entre rejas más tiempo de los dos años que estuvo. Después se instaló en París donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. En 1940, comenzada la Segunda Guerra Mundial y ante la inminente llegada del ejército alemán marchó a los Estados Unidos con ayuda de Albert Einstein, donde alcanzaría fama mundial, llegando a realizar más de cien portadas para la revista Life. En 1947 obtuvo la nacionalidad estadounidense. Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del jumping style o jumpology, a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae.
La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras. Por su cámara pasaron desde pensadores, como Albert Einstein, hasta políticos, como Richard Nixon, pasando por artistas de la talla de Marlon Brando, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Frank Sinatra o Cary Grant y su adorado amigo Salvador Dalí, con el que trabajó conjuntamente durante muchos años en composiciones de carácter fantástico y surrealista. Las fotografías que hiciera en 1952 a Marilyn Monroe en una pose en la que aparecía «acorralada en un rincón» alcanzaron gran difusión.
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Además de su serie de saltos, entre sus trabajos más originales se encuentra una entrevista fotográfica al cómico francés Fernandel. Puesto que Halsman no hablaba francés y tampoco Fernandel inglés, a Halsman se le ocurrió que el cómico respondiera a una batería de preguntas sobre Estados Unidos por medio de la expresión facial. El resultado del experimento fue un libro desenfadado titulado The Frenchman.
DISEÑO
Kenji Ekuan Kenji Ekuan (Tokio, 11 de septiembre de 1929-Tokio, 8 de febrero de 2015) fue un diseñador japonés, mejor conocido por diseñar el dispensador de salsa de soja Kikkoman. Este evento lo llevó inicialmente a seguir los pasos del Padre, y a realizar estudios para convertirse en monje, pero, profundamente impresionado por el estado que estaba en Japón después del final de la guerra, e inspirado por la tecnología y la cultura estadounidense, con la que tuvo la oportunidad de enfrentarse durante el período occupazionista, decidió inscribirse en la Universidad de las artes, Tokio, con la ambición de crear objetos cotidianos utilizable por cualquier persona Nacido en Tokio en 1929, Kenji Ekuan se mudó a la edad de 1 año a Hawái con su familia, antes de regresar a Japón seis años más tarde, donde realizó sus estudios en la prestigiosa Academia Naval de Etajima. En 1945, a la edad de 16 años, fue testigo del bombardeo atómico de Hiroshima durante el cual su hermana menor perdió la vida. Su padre, un monje budista, murió de radiación unos años más tarde. Se graduó en 1955 y continuó sus estudios de posgrado en el Art Center College of Design en Pasadena, California. En 1957, fundó GK Industrial Design Associates, que más tarde cambió su nombre a GK Design Group,
convirtiéndose en la empresa de consultoría de diseño más grande de Japón. En 1970 se convirtió en Presidente de la Asociación de Diseñadores Industriales de Japón, más tarde se convirtió en miembro del Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial en 1971, donde también se desempeñó como vicepresidente (1973 - 1975) y presidente (1975 - 1977). Durante sus sesenta años de carrera, Ekuan diseñó varios productos importantes en el campo de la comunicación, el transporte y el diseño ambiental. Entre sus proyectos más conocidos se encuentran el tren de alta velocidad Komachi de la línea Akita Shinkansen, los trenes Narita Express y
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el Yamaha V-Max. Su obra más famosa, sin embargo, sigue siendo el dispensador de salsa de soja de Kikkoman, diseñado en 1961 en memoria de su madre que solía verter la salsa de una incómoda botella de medio litro. La característica botella se vende en más de setenta países de todo el mundo, así como ser preservado y exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Por sus obras Ekuan recibió varios honores, incluyendo el CIADI Colin King Grand Prix, el Premio Internacional de diseño, la Medalla Blue Ribbon, el Sir Misha Black Award y la Orden del Sol Naciente. Murió en Tokio a la edad de 85 años debido a una insuficiencia cardíaca.
DISEÑO
Ivan Chermayeff & Tom Geisma Hace 60 años, Ivan Chermayeff y Tom Geismar se unieron y el mundo del diseño nunca ha sido el mismo. Su compañía Chermayeff & Geismar & Haviv ha diseñado algunos de los logotipos más duraderos y definitorios de la era moderna. Nacido en Londres en 1932, Ivan Chermayeff acabó sus estudios en la Universidad de Harvard y se graduó en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale. Diseñador, artista, arquitecto e ilustrador por excelencia, realizó trabajos en Estados Unidos, Europa, la Unión Soviética y el Japón. Inicialmente se dedicaron a realizar experimentos en diseño tipográfico pero también a encarar proyectos comerciales. Uno de sus experimentos más famoso fue el libro titulado “Wacthing Words Move“, en el que las letras se rediseñaron para sugerir su significado tanto en términos gráficos como literales.
El diseño no es lo que un considerable número de diseñadores piensa que es… el diseño no es arte. El diseño no es extremadamente significativo…el diseño no siempre es mejor que nada. El diseño es la solución a problemas reales, importantes o insignificantes; los problemas del diseño no son problemas de los diseñadores, son los problemas del cliente. Por tanto, el diseño debe surgir de una comprensión razonable de estos problemas, sus metas y aspiraciones.
Gracias a su autoexigencia y disciplina, rápidamente se convirtieron en una de las mejores del mundo gracias a la calidad de sus trabajos trabajando para firmas de todo el mundo como Armani Exchange, Chase Bank, National Geographic, NBC, Univisión, Artear, Time Warner Cable, Mobil, Showtime y la Universidad de Nueva York, entre otras. La primera gran marca del estudio, el octágono azul que identificaba al Chase Manhattan Bank, era una forma simple que podía esculpirse en las paredes de los edificios, imprimirse en tamaño reducido en tarjetas personales, o a gran escala en anuncios publicitarios en periódicos y vía pública. Las marcas en las que trabajan ahora, en cambio, se usan sobre todo en dispositivos móviles, en iconos en los browsers o en animaciones en videos de Internet. Los avances tecnológicos también impactaron en la profesión del diseño, ampliando las capacidades gráficas y de animación del software. Sin embargo, el enfoque para diseñar permaneció invariable.
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El primer paso consiste en entender el problema del cliente, qué lo distingue de la competencia, hacia dónde se dirige y cuál es la identidad visual que quiere lograr. Cuando se le pregunta por la esencia del trabajo que realizan, Ivan Chermayeff es concreto al responder: “El diseño es una operación de servicio, no un arte. Tiene connotaciones artísticas y debe ser original porque, si no lo es, tampoco resultará memorable”. Y sostiene, además, que el diseño de símbolos, logotipos y visualizaciones icónicas de cualquier compañía exige dos requisitos fundamentales: ser apropiado y simple. “Apropiado para que responda al concepto del cliente y de su industria. Una marca de moda, por ejemplo, exige elegancia; y una deportiva, dinamismo. Y simple para que la gente común lo entienda, lo aprecie y, sobre todo, lo recuerde.”
FOTOGRAFÍA
Juan Manuel McGrath
Katsumi Asaba
Gan Hosoya
Marco Antonio Cruz
Lola Álvarez Bravo
Nacho López
Escenas de películas sobre pinturas relevantes
La mejor oferta / 2013
Big eyes / 2014
La mujer de la perla / 2003
La dama de oro / 2015
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Titanic / 1999
Thomas Crown affair / 1968
EXPOSICIONES
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EXPOSICIONES
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ARQUITECTURA
Zhaoqing Song Zhaoqing Song. En 1992, se graduó en Arquitectura, por la Universidad de Arquitectura y Tecnología de Xi’an, y recibió una licenciatura. En 1995, se graduó en Diseño Arquitectónico e Investigación Teórica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Tsinghua, y recibió una maestría. En 1995-2001, fue Arquitecto Principal de Nikken Design International. Desde 2001, ha sido el fundador y arquitecto jefe de Shanghai Lacime Architects. Algunos de sus trabajos incluyen.Qin Ⅱ Dynasty Relics Museum. Xi'an, China (2010). Zhongxing Meihua Village. Shanghai, China (2004 - 2010). Cifi Headquarters. Shanghai, China (2016). Greenland Epoch Gate. Yiwu, China (2018). Dajia Villa. Suzhou, China (2019).
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PINTURA
Julie Bell Julie Bell (Beaumont, Texas, 1958) es una pintora y exculturista estadounidense. Gracias a su poderoso aspecto físico, Julie ha sido también modelo para las pinturas de su marido, el conocido ilustrador de fantasía épica Boris Vallejo. Julie ha ilustrado portadas de cerca de 100 libros y revistas sobre fantasía y ciencia ficción desde 1990. Ella y su marido han hecho trabajos publicitarios para empresas como Nike, Coca-Cola y Toyota. Aunque es más conocida por sus obras de fantasía heroica también hace pinturas hiperrealistas de animales salvajes. Julie ha hecho una gran contribución al género de fantasía y ciencia ficción. Su obra ha aparecido en cientos de portadas de libros, cómics, cromos y varios coleccionables. Su trabajo se puede ver también en todo el mundo en las principales campañas publicitarias, portadas de álbumes, carteles y coleccionables de todo tipo. A principios de la década de 1990, ilustró portadas pintadas para videojuegos y las trading cards más vendidas para los superhéroes
de Marvel y DC Comics. También diseñó la galardonada serie de esculturas Dragons of Destiny, la serie de dagas Mistress of the Dragon's Realm, así como la serie de esculturas Temptation Rides, producida por The Franklin Mint. Además, diseñó la portada de los álbumes Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose de Meat Loaf, y su primer sencillo It's All Coming Back to Me Now, Hang Cool Teddy Bear y Crossroads.
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FOTOGRAFÍA
Los míticos colibrís de México
Texto y fotos: Enrique Gutiérrez San Miguel Cuentan los ancianos mayas sabios que cuando los dioses crearon todas las cosas de la tierra, a cada animal, a cada árbol y a cada piedra le encargaron un trabajo, pero cuando terminaron se dieron cuenta que a nadie le habían encargado llevar los deseos y pensamientos de un lugar a otro. Como ya no tenían barro ni maíz para hacer otro animal, tomaron una piedra de jade y tallaron una flecha. Era una flecha muy chiquita y cuando estuvo lista, soplaron sobre ella y la flechita salió volando. Los dioses habían creado al ‘x ts’unu’um’, el colibrí. El colibrí era tan frágil y ligero que podía acercarse a las flores más delicadas sin mover uno solo de sus pétalos, además sus plumas brillaban bajo el sol como gotas de lluvia y reflejaban todos los colores.
La leyenda dice que si te encuentras con esta ave es porque alguien te manda buenos deseos y amor. Si te desean un bien, él te trae el deseo; aunque también puede advertirte de un mal deseo. Si un colibrí vuela alrededor de tu cabeza, no lo toques, él tomará tu deseo y lo llevará a los otros; piensa bien y desea cosas buenas para todos. Por algo pasa el colibrí por tu camino… En otra parte de Mesoamérica, los mexicas consideraban a los colibríes como la personificación de los guerreros muertos en batalla o en la piedra de los sacrificios y pensaban que quienes habían fallecido así pasaban a formar parte de una especie de cortejo que, durante cuatro años, acompañaba al Sol, “Huitzilopochtli”, en su diario caminar hacia el Cenit, a mediodía y tras cumplir esa honrosa misión, retornaban a la tierra convertidos en una de esas diminutas aves, “Huitzili´s”, cuyo colorido plumaje de tonos metálicos
Los hombres trataron de atraparlo para adornarse con sus bellas plumas, pero los dioses se enojaron y ordenaron: “si alguien lo atrapa, será castigado”. Es por eso que nunca nadie ha visto un colibrí en una jaula ni en la mano de un hombre. Así, el misterioso y delicado pajarito ha podido realizar tranquilo su trabajo y llevar de aquí para allá los pensamientos de los hombres.
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brillaba, según se pensaba: por la cercanía que había tenido durante ese tiempo con el mismo Dios-Sol. En el estado de Guerrero existen alrededor de 60 variaciones del ejemplar Eupherusa Poliocerca, también conocida como Colibrí Cola Blanca. Se trata de un Colibrí bastante local y distintivo de tamaño mediano que se encuentra en laderas de la sierra madre del sur en Guerrero; mide de 10 a 11 cm y pesa entre 4.5 y 5.2 gramos, además bate sus alas a la impresionante velocidad de 80 veces por segundo. Tristemente se estima que los colibrís se están extinguiendo paulatinamente debido, como casi siempre sucede, al crecimiento urbano en grandes zonas del país donde se ha destruido el hábitat de estas diminutas aves, haciendo que un 20% de éstas hayan desaparecido del territorio nacional, según estimaciones de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM.
La expulsión del paraíso Luis Vargas Santa Cruz Óleos de gran formato realizados durante la pandemia. 23 de septiembre de 2022 La Nave Taller Estudio Fotográfico Rancho Viejo, Tlanehuayócan. Veracruz
Por primera vez Xalapa alberga una nueva colección creada durante la pandemia. El encierro obligado, en palabras del artista, significó la oportunidad para explorar temas personales y universales.
Taller de pintura para jóvenes con talento ¿Quieres promocionarte y darte a conocer? somos un excelente medio de difusión Impartido por Alan Serna Cortés
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Todos los Martes a las 12 AM www.econciencia.com/radio
Museo Guggenheim Bilbao
E
l Museo Guggenheim Bilbao (en euskera, Guggenheim Bilbao Museoa; en inglés, Guggenheim Museum Bilbao) es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry y localizado en la villa de Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos vinculados en régimen de franquicia o colaboración con la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España. Las negociaciones para la construcción del museo entre las autoridades públicas de la comunidad autónoma del País Vasco y los directivos de la Fundación Guggenheim comenzaron en febrero de 1991. El acuerdo se firmó a finales de ese año, seleccionándose el arquitecto y el emplazamiento del edificio a mediados de 1992. Desde su inauguración en 1997, el museo ha recibido una media superior al millón de visitantes anuales, causando un impacto extraordinario en la economía y la sociedad vasca, impulsando el turismo en la región y promoviendo la revitalización de múltiples espacios públicos y privados en la villa, además de mejorar la imagen de la ciudad. Todo este fenómeno, bautizado por los medios de comunicación como «efecto Guggenheim» o «efecto Bilbao», ha puesto de relieve la importancia del turismo cultural, y ha generado un efecto de emulación en otros países, con desiguales resultados.
La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio. Cuenta con una superficie total de 24.000 m, de los cuales 10.540 m están reservados para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías, siendo el museo con más metros expositivos del Estado. Se ubica a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, junto al puente de La Salve, que está rodeado por una torre hueca. Tanto el edificio como su colección permanente pertenecen a las autoridades vascas. El 3 de diciembre de 2014 el patronato del Museo Guggenheim Bilbao aprobó renovar por otros 20 años la colaboración con la Fundación Solomon R. Guggenheim de Nueva York, suscrita en 1994 y cuya vigencia vencía el 31 de diciembre. Durante el mes de octubre de 2017 y hasta el día 18, fecha de inauguración de la pinacoteca, el museo celebró su XX aniversario con diversas actividades.Diseñado por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry, fue abierto al público en 1997 y alberga exposiciones de arte de obras pertenecientes a la fundación Guggenheim y exposiciones itinerantes. Muy pronto el edificio se reveló como uno de los más espectaculares edificios deconstructivistas.
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Museo Guggenheim Bilbao
E
l diseño del museo y su construcción siguen el estilo y métodos de Frank Gehry. Como muchos de sus trabajos anteriores la estructura principal está radicalmente esculpida siguiendo contornos casi orgánicos. El museo afirma no contener una sola superficie plana en toda su estructura. Parte del edificio es cruzado por un puente elevado y el exterior está recubierto por placas de titanio y por una piedra caliza que fue muy difícil de encontrar (al final se logró encontrar en Huéscar, Granada) de un color similar a la que se utilizó para construir la Universidad de Deusto. El edificio visto desde el río aparenta tener la forma de un barco rindiendo homenaje a la ciudad portuaria en la que se inscribe. Sus paneles brillantes se asemejan a las escamas de un pez recordándonos las influencias de formas orgánicas presentes en muchos de los trabajos de Gehry. Visto desde arriba, sin embargo, el edificio posee la forma de una flor. Para su diseño el equipo de Gehry utilizó intensamente simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para mantener el edificio, consiguiendo unas formas que hubieran sido imposibles de realizar unas pocas décadas antes.
Frank Gehry recibió el pedido de este museo poco después de que su proyecto del Auditorio Walt Disney fuera cancelado cuando aún solo era una idea. Este hecho hizo que inspirase el Museo Guggenheim en su auditorio ideado, compartiendo ambos proyectos un planteamiento muy similar. Las formas blandas presentes en el museo comienzan con el Museo de Vitra y evolucionaron en otras obras.
Mientras que el museo domina las vistas de la zona desde el nivel del río, su aspecto desde el nivel superior de la calle es mucho más modesto por lo que no desentona con su entorno de edificios más tradicionales.
Gehry realizó docenas de maquetas donde fue probando las posibles formas del edificio. Todas ellas están hechas a mano, y desde julio de 1995 se exponen en la exposición “Peggy Guggenheim”, situada en un palacete de Venecia. Gehry no trabajó con ordenador, pero sí su equipo, cuyos miembros digitalizaron las maquetas de su jefe mediante una adaptación de un programa informático, Catia, de Dassault Systèmes. La adaptación a la arquitectura de este programa conllevó enormes gastos, los cuales fueron afrontados por la Fundación Guggenheim.
Museo Guggenheim Bilbao Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao De martes a Domingo De 10:00 a 19:00 hrs
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