La historia de Ed Gein
Un juego escénico ágil divertido
Acción trepidante con sabor a deja vú
Una historia de amores y desencuentros
Entre el deseo, la mentira y la necesidad de pertenecer
Actor, bailarín, coreógrafo y maestro: un artista que no se detiene
Las mejores opciones para desarrollar al máximo tu talento escénico
Foto: Sergio Guerra
Revisa las obras de teatro que puedes disfrutar en Monterrey
México. 11 de Octubre de 2025. Editor: Amaru Reina.
EN NOMBRE DEL AMOR
Una historia de amores y desencuentros
Pág. 03
CÉSAR ALANÍS: movimiento constante
Pág. 11
MONSTRUO: la historia de Ed Gein
Pág. 29
FRÁGIL, entre el deseo, la mentira y la necesidad de pertenecer
Pág. 07
JUEGO SUCIO, acción trepidante con sabor a deja vú
Pág. 25
EL CABALLERO DE OLMEDO, un juego escénico ágil y divertido
Lo mejor del teatro de Monterrey a tu alcance. Pág.35
Pág. 33
Para repotenciar tu talento artístico
Pág. 37
El regreso de un clásico del melodrama juvenil mexicano
Por Redacción En Escena
Desde el 8 de septiembre, Canal TLNovelas reestrenó una de las producciones más emblemáticas de la televisión mexicana de inicios del nuevo milenio: En nombre del amor, telenovela producida por Carlos Moreno Laguillo para Televisa entre 2008 y 2009 El melodrama, que sustituyó a Piel de otoño en la programación del canal, revive un clásico de la pantalla chica que se ganó un lugar en la memoria colectiva del público, especialmente entre los jóvenes que crecieron con las historias de amor, traición y redención de la época dorada de las telenovelas contemporáneas
Inspirada en la telenovela Cadenas de amargura 1989), escrita por María del Carmen Peña y José Cuauhtémoc Blanco, esta versión actualizó la trama joven sin perder melodrama tradicional
Su combinación tragedia y rivalidad convirtió a En nombre un fenómeno televisivo momento, posicionándola de las producciones su año
Protagonizada por Allisson Lozz y Sebastián Zurita, con la participación antagónica de Leticia Calderón y Altaír Jarabo, la historia se rodeó de un elenco de primer nivel que incluía a Victoria Ruffo, Arturo Peniche, Magda Guzmán, Laura Flores, Alfredo Adame, Víctor Cámara y Luis Hacha, entre otros Todos ellos dieron vida a un relato que exploraba las heridas familiares, las pasiones imposibles y los secretos que definen el destino de varias generaciones.
Una historia de amores rotos y destinos cruzados La trama gira en torno a Paloma Espinoza de los Monteros (Allisson Lozz), una joven marcada por la tragedia que, tras la muerte de sus padres, queda bajo la tutela de sus dos tías Macarena (Victoria Ruffo) y Carlota Espinoza de los Monteros (Leticia Calderón) Dos hermanas unidas por la sangre, pero separadas por el rencor la envidia.
Macarena representa la ternura y la empatía, una mujer amorosa que, pese al dolor, busca transmitir compasión y esperanza; mientras que Carlota encarna la rigidez, el resentimiento y la frustración de quien nunca pudo vivir el amor que deseaba Ambas son el reflejo de dos formas de entender la vida y el amor una desde la entrega, la otra desde la posesión Años atrás, ambas se habían enamorado del mismo hombre: Cristóbal Gamboa (Arturo Peniche) Sin embargo, Carlota, cegada por los celos, manipuló las circunstancias para separar a los amantes, haciéndoles creer que el otro había muerto Macarena pagó el precio del desengaño con silencio y resignación, mientras Cristóbal, creyéndola muerta, abrazó los hábitos y se convirtió en sacerdote El reencuentro entre ambos años después reabre viejas heridas y pone a prueba su fe, mientras Carlota desata una serie de actos crueles para recuperar lo que cree que le pertenece.
En paralelo, Paloma, ahora adolescente, enfrenta su propio conflicto emocional Junto a su mejor amiga Romina Mondragón (Altaír Jarabo), atraviesa los desafíos de la juventud, la amistad y el amor Pero la llegada de Emiliano Sáenz (Sebastián Zurita), un joven apuesto y noble que despierta sentimientos profundos en Paloma, reaviva la vieja historia de rivalidad Romina, acostumbrada a obtener todo lo que desea, se obsesiona con él, repitiendo el ciclo de envidia traición que marcó las generaciones anteriores.
Estrenada originalmente en octubre de 2008 En nombre del amor logró combinar con acierto la estructura del melodrama clásico —centrado en los dilemas morales, el sacrificio la redención— con una puesta en escena contemporánea una narrativa más ágil, adaptada a los nuevos tiempos de la televisión mexicana El guion, lleno de giros inesperados, muertes trágicas y secretos revelados en el momento justo, mantuvo al público al borde del asiento durante sus más de 150 episodios Pero lo que realmente distinguió a esta producción fue su capacidad de emocionar sin caer en el exceso, manteniendo siempre una línea de equilibrio entre lo sentimental lo narrativo.
En la intimidad de Casa Musa, se levanta una pieza que incomoda por su verdad y seduce por su crudeza: Frágil, dirigida por Ricardo Traviezo una obra que bucea en las contradicciones más punzantes del amor moderno Con las actuaciones de Ludyvina Velarde, Oliver Cantú, Mike Montfort Sofía Moreno, la puesta en escena inspirada en Closer de Patrick Marber nos invita mirar el amor no como un refugio, sino como un campo de batalla donde la ternura la perversión se entrelazan con misma intensidad.
Desde su estreno en 1997 en Londres, Closer fue una disección quirúrgica del deseo y la mentira; Frágil retoma ese bisturí con una mirada contemporánea y profundamente emocional En la adaptación de Traviezo la historia no busca moralizar, sino exponer las pulsiones más incómodas de la intimidad la necesidad de poseer, el miedo al abandono, la adicción al drama y la mentira como lenguaje del amor.
Dan, periodista de obituarios, se enamora de Alice, una joven misteriosa cuya vulnerabilidad es también su poder En su órbita entran Anna, fotógrafa atrapada entre el deseo y la culpa, y Larry, dermatólogo pragmático, brutal en su honestidad
Cuatro cuerpos orbitando en torno la ilusión del amor, pero incapaces de sostener su transparencia Lo que Frágil pone sobre la mesa no es solo el desamor, sino la imposibilidad de amar sin herir.
La propuesta escénica de Traviezo es minimalista precisa Una banca, una luz algunos recursos visuales bastan para reinventar el espacio un parque, una galería, un consultorio, un club nocturno donde el tiempo parece detenerse volver comenzar con cada encuentro Esta austeridad estética no empobrece por el contrario, potencia el foco en actuación en tensión emocional La escena se convierte así en un espejo limpio donde cada gesto, cada respiración y cada silencio adquieren peso simbólico.
El elenco sostiene obra con una fuerza que va más allá del texto Ludyvina Velarde ofrece una Alice cargada de misterio, frágil pero feroz, cuya vulnerabilidad nunca es debilidad sino una forma de resistencia Oliver Cantú encarna Dan con un equilibrio entre el cinismo la ternura, un hombre que confunde el amor con la necesidad de sentirse vivo Mike Montfort (Larry) deslumbra por su crudeza emocional su brutal sinceridad rompe con la hipocresía de los otros personajes, mientras Sofía Moreno dota a Anna de una profunda melancolía, una mujer que fotografía la belleza pero no puede habitarla.
La dirección de Traviezo opta por la honestidad antes que la complacencia Su ritmo es contenido, pero nunca frío; sabe cuándo dejar respirar al público y cuándo someterlo al vértigo del deseo No hay artificios, solo humanidad expuesta Su lectura de Marber no se limita reproducir un drama romántico contemporáneo, sino que lo recontextualiza como una autopsia emocional, donde cada personaje es tanto víctima como victimario.
Lo que más perturba de Frágil es su cercanía con lo real Todos, en algún punto, hemos sido uno de esos personajes: quien miente para ser amado, quien ama para no estar solo, quien traiciona por miedo, quien prefiere destruir antes que aceptar la pérdida Traviezo entiende que el amor, en su forma más honesta, es una contradicción: puede sanar o destruir con misma intensidad.
El resultado es un espectáculo incómodamente bello, de esos que no se limitan contarse sino que se infiltran en el cuerpo del espectador, en su respiración, en su memoria emocional Frágil no se mira desde distancia se habita.
La obra se convierte así en un ejercicio de empatía y exposición simultánea El público experimenta la paradoja de detestar entender los personajes al mismo tiempo, porque todos ellos encarnan los impulsos más reconocibles del alma humana Lo fascinante de Frágil es que no busca conmover por artificio, sino por honestidad brutal No hay moralejas ni castigos, no hay buenos ni malos; hay personas rotas intentando no perderse del todo La emoción nace del realismo con que se muestra el deterioro del amor cuando la sinceridad se convierte en un lujo que nadie se atreve pagar.
Desde los primeros minutos, el público percibe que no hay refugio posible las luces, el silencio, cercanía de los actores, todo conspira para borrar la línea entre escenario y platea Cada palabra pronunciada parece dirigida a alguien específico, como si los personajes nos eligieran al azar para confesar sus miedos, sus deseos su culpa En este sentido, espectador no es un testigo pasivo, sino un cómplice emocional, arrastrado por el vértigo de reconocer su propia voz en los diálogos Porque la incomodidad que propone Frágil no surge del escándalo ni de la provocación gratuita, sino de algo mucho más íntimo
sta es una obra que no se mira para entender los otros, sino para entenderse uno mismo No hay espectadores inocentes todos somos parte del espejo que la puesta en escena levanta Frágil no busca respuestas, sino preguntas que resuenan mucho después de apagadas las luces ¿hasta dónde estamos dispuestos mentir para ser amados? ¿Qué parte de nosotros se quiebra cuando decimos verdad?
En tu infancia participaste en programas como Caja de Juguetes ¿Qué recuerdas de esa experiencia en televisión?
Participar en Caja de Juguetes fue una experiencia muy significativa, ya que era la primera vez que actuaba para televisión Aprendí trabajar con un equipo de adultos siendo apenas un niño a escuchar, a ser paciente y a esperar, especialmente durante llamadas que podían durar días completos También aprendí a reaccionar con agilidad ante las improvisaciones de “los juguetes”, quienes eran todos adultos con mucha experiencia.
Lo que más recuerdo es la diversión genuina que tenían los adultos, como si fueran niños, y la importancia de transmitir un mensaje positivo a todos los niños que nos veían Supongo que fue en ese momento cuando comprendí la gran responsabilidad de ser una voz a través de los medios de comunicación y de utilizar esa plataforma para impactar de manera positiva tantas personas.
¿Cómo influyó tu formación en la Facultad de Artes Escénicas y tu paso por Broadway Dance Center en tu estilo como actor bailarín?
Creo que mi formación actoral, especialmente en cuanto a bases, práctica, aprendizaje de errores, confianza y seguridad, se la debo completamente a la maestra Lety Cruz y a la Facultad de Artes Escénicas (FAE)
Años después, tuve la oportunidad de estudiar en Broadway Dance Center (BDC), en Nueva York, y fue ahí donde comprendí que no había una diferencia esencial entre los artistas de distintos países Esa realización se convirtió en mi mayor motivación
Llegar hasta ahí fue un proceso difícil, por lo que cada clase se convirtió en una oportunidad para entregar toda mi energía y pasión Durante el aprendizaje, naturalmente me comparaba con otros estudiantes, y me sorprendía darme cuenta de que, en tan poco tiempo, mi nivel no estaba tan alejado del de alumnos con años de experiencia con los mejores maestros o que incluso residían en la ciudad
Esa experiencia me permitió sentirme más competente, adquirir un conocimiento más profundo de mi cuerpo y desarrollar herramientas que puedo aplicar cualquier personaje como actor bailarín.
Cuando hablo de “mi casa”, me refiero al lugar en el que “YO SOY”, en donde me siento pleno, realizado y feliz Y puedo experimentar esa sensación tanto actuando como bailando Por lo tanto, no hay un único lenguaje que considere “mi casa” el teatro, el cine, la televisión y la danza forman parte de mí y de ese espacio donde me siento completamente gusto.
Has trabajado en proyectos muy variados teatro, cine, televisión, danza… ¿Hay alguno de estos lenguajes que sientas más como “tu casa”?
Participaste como bailarín en conciertos de artistas como Gloria Trevi, Alicia Villarreal e Imelda Tuñón ¿Cómo es trabajar en espectáculos de esa magnitud?
La sensación de estar frente a miles de personas, haciendo lo que amas siendo parte de algo que genera alegría y emoción en el público, es indescriptible Trabajar en espectáculos de esa magnitud implica una gran responsabilidad y atención constante Es fundamental estar presente y concentrado en todo momento, ya que siempre hay cambios imprevistos, incluso durante la presentación, que requieren adaptarse rápidamente a nuevas indicaciones ajustes Creo firmemente que todo espectáculo, sin importar su tamaño, merece nuestro compromiso al 100% en términos de concentración, disposición y entrega Lo que diferencia a estos grandes shows es, principalmente, la magnitud del espacio y la cantidad de público, lo que hace que la experiencia sea aún más intensa y emocionante.
¿Qué diferencias encuentras entre interpretar un personaje en teatro hacerlo en cine?
En cuanto a la interpretación, considero que no hay una diferencia esencial entre teatro y cine, ya que ambos requieren concentración, transformación, conexión, estudio y expresión tanto corporal como verbal
Lo que sí varía es la intensidad de las acciones, la voz y las expresiones.
En teatro, estas deben ser más amplias y exageradas para que incluso la persona en la última fila pueda percibir el mensaje que queremos transmitir En cine, en cambio, la interpretación es más natural, ya que el micrófono y la cámara capturan todos los detalles: las expresiones, la voz, los sonidos e incluso las emociones en primer plano.
Tu personaje en Tímido y Furioso te valió el Premio En Escena 2024 a Mejor Actor Coestelar ¿Qué significó para ti ese reconocimiento?
Este reconocimiento llegó en un momento clave de mi vida y me brindó mucha claridad para el siguiente paso que iba a dar: regresar a la Ciudad de México Fue la señal que necesitaba para dar ese cambio
Para mí, significó un mensaje de aliento “Vas por buen camino, la gente reconoce valora tu trabajo Sigue apostando, aceptando retos, atreviéndote, moviéndote, creando y trabajando con pasión ”
Has estado en giras internacionales con My Little Pony ¿Qué te dejó esa experiencia como artista?
Esa fue mi primera gira internacional, y me dejó un gran mensaje: “Sí, puedes sí, estás haciendo lo que amas en otros países sí, los sueños se hacen realidad”
Trabajar con una compañía tan grande como Tycoon GOU y participar en giras internacionales fue un verdadero sueño La experiencia me brindó aprendizaje, nuevos amigos, compañerismo, tolerancia y un gran crecimiento en todos los aspectos También me dejó con muchas más ganas de seguir avanzando, de enfrentar nuevos retos y de continuar agradeciendo por la salud, la energía y la pasión que me permiten disfrutar plenamente de lo que hago.
¿Qué importancia tiene la danza en tu trabajo actoral?
Esta pregunta me gusta mucho, ya que la danza ha sido fundamental en mi trabajo como actor Me ha dado un valor agregado al conocer mejor mi cuerpo, comprender mis límites y explorar sus posibilidades en la interpretación de distintos personajes Gracias a la danza puedo expresar emociones y acciones de maneras que quizá un actor sin esta formación no podría, controlar mis movimientos con precisión, mantener el ritmo y aportar propuestas coreográficas que enriquecen la escena Cada gesto y movimiento se convierte en una herramienta más para comunicar conectar con el público.
Eres también coreógrafo de televisión y espectáculos ¿Cómo enfrentas el reto creativo de crear para otros cuerpos?
Sí, es algo que realmente disfruto Creo que el reto principal está en tomar la música que se me proporciona, escucharla y hacerla mía, para luego crear considerando las capacidades y dificultades de quienes van a interpretarla Lo más complejo es lograr que los bailarines se sientan cómodos y disfruten la coreografía, sin preocuparse demasiado por recordar cada paso.
Crear coreografías para distintos eventos o proyectos siempre es emocionante porque cada situación es diferente El proceso de creación en sí ya no lo percibo como un reto, ya que aprendí escuchar mi cuerpo dejar que se mueva de manera natural con la música, permitiendo que ambos se conviertan en uno Si el resultado orgánico resulta muy complejo para quien lo va ejecutar, es sencillo simplificar adaptar los movimientos al nivel adecuado.
Creo que la clave está en sentir la música, liberar el cuerpo y permitir que los movimientos fluyan de manera auténtica, hasta el punto en que veces siento que no soy yo quien los está realizando, sino que surgen de la conexión entre música cuerpo.
Has sido maestro de teatro musical en varias instituciones ¿Qué te aporta la docencia como artista?
Solo de recordarlo, me dan ganas de regresar a las aulas Creo que la docencia aporta mucho a un artista, pero sobre todo aprendizaje Enseñar nos brinda tolerancia, diferentes formas de pensar y de enfrentar situaciones, y nuevas maneras de resolver conflictos o problemas.
Aunque uno sea el maestro, siempre se aprende de los alumnos Cada estudiante ofrece infinitas posibilidades de mostrar emociones, crear historias y comunicar mensajes Por ejemplo, en un salón con 30 alumnos, si cada uno te enseña algo, ya has aprendido 30 cosas nuevas, y casi siempre son mucho más Conocer tantas formas de vivir y de hacer las cosas nos abre la mente, nos hace más empáticos y nos ayuda a ser más respetuosos con cada detalle en nuestro trabajo como artistas.
También nos ayuda conectar con lo más profundo de nuestro artista interior, porque al enseñar, surge lo mejor de nosotros mismos Muchas veces somos el primer contacto que los alumnos tienen con el arte, e incluso el único ejemplo que tienen frente a ellos; por eso sentimos una gran responsabilidad de que esa experiencia sea positiva, inspiradora y les despierte el mismo amor y respeto por el arte que nosotros sentimos.
Esto nos hace sentir responsables de transmitir pasión y amor por el arte, con el objetivo de inspirar más personas a sumarse la experiencia artística.
En el cortometraje Nacer de Nuevo hiciste el personaje principal ¿Qué desafíos tuviste como actor de cine en ese proyecto? El cortometraje
“Nacer de Nuevo” me hizo crecer mucho como actor
Creo que fue el primero en el que interpreté al personaje principal y que además incluía una escena muy importante y fuerte encontraba a mi madre tirada en el suelo, pensando que había muerto
Era una escena cargada de muchas emociones, en la que tenía que llegar al llanto dentro de mi personaje, un joven drogadicto
¿Qué te dejó la experiencia de ser asistente de casting en Los Habitantes?
Poder conocer el trabajo y el talento de tantos artistas dispuestos a aportar años de experiencia y conocimiento en un instante, en una idea ajena o en un texto nuevo, fue una experiencia enriquecedora Me permitió desarrollar la habilidad de observar los más mínimos detalles de cada personaje y de cada intérprete, así como su creatividad y el valor agregado que aportan a la interpretación, para finalmente tomar decisiones que beneficiaran al largometraje
Otro desafío fue que, al interpretar a un drogadicto, tuve que investigar y aprender sobre los comportamientos y reacciones a las diferentes drogas que consumía el personaje, para poder representarlas de manera realista sin experimentarlas directamente.
En la mayoría de los casos, durante el último casting, uno ya se guía principalmente por el perfil del personaje, ya que el talento de los aspirantes queda demostrado desde las primeras pruebas
Creo que esos fueron los desafíos más grandes de este proyecto, que al final me dejó únicamente experiencias positivas y mucho aprendizaje.
Reconocer todo ese trabajo y formación de tantos años me hizo apreciar la gran cantidad de talento que existe en México Sin embargo, aunque hay artistas con un nivel impresionante en todo el país, la política cultural que ofrece oportunidades de crecimiento económico importante para los artistas sigue estando lamentablemente centralizada en la Ciudad de México.
Has dado voz personajes de videojuegos en los 90 ¿Volverías al doblaje?
El doblaje es algo que me cautivó desde la primera vez que lo hice Darle voz a un personaje animado ha sido una de las experiencias más increíbles de mi carrera, ya que utilizar únicamente la voz para proyectar lo que una imagen quiere transmitir me parece impresionante Es una forma de actuación muy divertida y, al mismo tiempo, profundamente significativa: darle voz a personajes creados por el ser humano o a cuerpos de otras nacionalidades, y poder transmitir mensajes a través de ellos, es sin duda algo mágico.
Por supuesto que volvería a hacerlo de hecho, es una de mis metas corto plazo.
¿Qué te atrae de proyectos independientes como La Vida Galante Orgasmos?
Me atrae la oportunidad de trabajar con diferentes directores y coreógrafos, y de aprender de cada uno de ellos También me motiva el hecho de mantenerme vigente y ser parte de nuevos proyectos, conocer elencos distintos y compartir con compañeros artistas Me atraen las historias nuevas y los retos que cada montaje implica.
Algo interesante de La Vida Galante era la vinculación de la obra con una banda musical tan importante y reconocida en el país, lo que hacía que el público se emocionara y conectara aún más con los personajes En el caso de Orgasmos, lo emocionante era que, como grupo, estábamos abordando temas “tabú” con un enfoque divertido sexy… ¿a quién no le gusta algo así?
¿Cuál ha sido el personaje más complejo que has interpretado hasta ahora por qué?
Creo que todo personaje tiene un grado de dificultad, pero sin duda el más complejo que he interpretado hasta ahora ha sido el Vaquero Galáctico, tanto en lo técnico como en lo emocional La obra en sí ya era un reto se trataba de una historia real mezclada con fantasía y ficción, lo que hacía que el texto no fuera coloquial, además de ser muy extenso y con numerosos monólogos, cuatro de ellos míos Mi personaje contenía, su vez, cuatro personajes distintos que debía diferenciar únicamente con mi voz y mi cuerpo, ya que el vestuario era el mismo Uno de ellos, por ejemplo, debía moverse y trasladarse como un robot, y ahí la danza fue clave para sostener la interpretación
A esto se sumaba el peso emocional interpretaba a un joven desaparecido cuya familia nos acompañaba en cada función Transformarme en él y contar su historia implicaba una gran responsabilidad y un fuerte impacto personal, pues cada línea me conmovía profundamente y me dejaba un nudo en la garganta
El montaje también incluía escenas de combate y requería conocimientos básicos de artes marciales, por lo que recibimos algunas clases Además, demandaba una gran preparación física el proceso de maquillaje duraba alrededor de dos horas, cubriendo todo el torso, brazos, manos rostro Debía usar lentes oscuros que limitaban mi visión —al punto de casi caerme del proscenio en una función— portar una pistola de salvas cargada, con la que debía realizar tres disparos en momentos clave Eso me mantenía en constante tensión, no solo por la precisión de la acción, sino también porque debía recargar el arma rápidamente fuera de escena, todo esto sin quitarme los lentes
Otro reto fue la falta de trabajo de mesa ensayos, ya que me integré a una compañía que llevaba años representando la obra dentro y fuera de México Por lo tanto, ya estaban definidos tanto los trazos escénicos como las coreografías de peleas, pero los tiempos de preparación fueron muy cortos, lo que hacía más difícil acoplarme Además, prácticamente nunca salía de escena, salvo en esas breves ocasiones para recargar el arma
Por todos estos factores —y algunos otros que ya no recuerdo con claridad el Vaquero Galáctico ha sido el personaje más complejo que he interpretado en mi carrera.
En obras como Los Payasos o Érase una vez en mayo tuviste roles muy físicos ¿Cómo te preparas físicamente para cada montaje?
Siempre he creído que una de las herramientas principales que tengo como actor y bailarín es mi cuerpo Por ello, y aunado a que considero que el ejercicio es increíble y nos beneficia de muchas maneras, nunca dejo de trabajarlo Trato de ir al gimnasio al menos cinco días la semana además, sigo tomando clases de baile, pilates y, veces, yoga De acuerdo con el montaje, me preparo con anticipación en base a lo que requiere el show Por ejemplo, en “Érase una vez en mayo”, donde mi personaje tenía números dancísticos contemporáneos, me preparé varios meses enfocándome en ese estilo de danza para perfeccionar las coreografías y ciertos detalles En “Los Payasos”, la preparación era más sobre la corporalidad de un personaje pandillero, lo cual se puede estudiar de diferentes maneras: viendo películas, videos o entrevistando y conociendo personas con esas características.
¿Cómo equilibras el trabajo en escena con tu rol como coreógrafo y conductor en Gente Regia?
Es una gran pregunta A veces queremos hacer todo, aceptar todos los proyectos y estar en todas partes, pero la vida no nos da el tiempo Creo que la experiencia te lleva a aprender a elegir los proyectos que más te beneficien, que te gusten y que se ajusten a tus tiempos, para así poder encontrar un equilibrio organizar tus actividades de la mejor manera y cumplir con cada compromiso como actor, bailarín, conductor, coreógrafo, docente y demás.
Creo que la clave está en ser organizado, mantener una agenda actualizada y saber comunicar con tiempo cualquier situación para llegar acuerdos en caso de no poder asistir a algún ensayo o actividad que pueda resolverse hablando Programar todo con antelación, ser claros y también saber decir que no a ciertos proyectos te da tranquilidad y equilibrio en la vida.
¿Qué papel juega Monterrey en tu identidad artística?
Monterrey juega un papel fundamental en mi identidad artística, ya que ahí se encuentra parte de mi familia, mis amigos y muchas de las influencias que han marcado mi vida, así como la Facultad de Artes Escénicas y diversos proyectos artísticos de la ciudad.
La disciplina es un valor que adquirí gracias a la identidad regiomontana la cultura del trabajo de la región Este valor lo fui aplicando en distintos proyectos y con colegas de diferentes partes del país aunque no es exclusivo del norte, lo conocí, lo desarrollé como fortaleza y lo he puesto en práctica constantemente.
Existen también otros valores y fortalezas que forman parte de mi identidad artística, que no necesariamente están ligados a mi lugar de procedencia, sino las decisiones que he tomado como artista y creador escénico Estas decisiones me han llevado a dar pasos de fe, a tener muy claros mis objetivos y a caminar con determinación hacia ellos.
¿Qué consejos le darías a quienes están empezando en las artes escénicas en México?
Que se preparen mucho, que estudien y nunca dejen de actualizarse con clases, cursos y talleres Si pueden, a la par, llevar un trabajo de algo que también disfruten, que les guste y que vaya de la mano con el arte y, a la vez, les dé estabilidad económica, háganlo pero no pierdan el enfoque de lo que realmente quieren alcanzar Las cosas suceden porque nosotros hacemos que sucedan.
Si es lo que quieren hacer, háganlo, pero prepárense: busquen, escuchen, asistan, aprendan y apoyen a su comunidad No juzguen mejor compartan su conocimiento cuando tengan la oportunidad con quienes vienen detrás de ustedes No tomen nada personal y no compitan Nunca quiten el dedo del renglón siempre hay trabajo para todos, pero debemos movernos, estar presentes y estar listos para cuando se presente la oportunidad.
Además de estar en constante crecimiento y preparación artística, creo firmemente que nunca deben dejar de relacionarse compartir con otros artistas Al final, muchas oportunidades llegan a través de personas que te conocen directa o indirectamente Ten siempre paciencia y fe de que lo vas lograr.
¿Qué proyectos tienes en puerta para 2025 qué te emociona de ellos?
Tengo en puerta varios proyectos en la Ciudad de México Uno de ellos es Zafira (Teatro Cabaret), junto a la inigualable Niurka, que estrenaremos a mediados de octubre del presente año También, el 23 del mismo mes, estrenamos "Damas de Horror el Musical", el nuevo proyecto escrito y dirigido por Valeria Macías, con música original de Samuel Gómez En esta puesta en escena estará también Mario de la Garza como director vocal un servidor como director coreográfico Estamos muy contentos y emocionados de presentarles este gran proyecto Por otro lado, estoy en conversaciones con Rennier Piñero, director de La leyenda de Rudel —la ópera que cerrará la temporada de la Compañía Nacional de Ópera en Bellas Artes— en la cual comenzaré ensayos con el equipo de actores también a finales de octubre.
También me entusiasma el equipo de trabajo de los proyectos en los que actualmente participo Lo que más me emociona de todo esto es haberme cambiado de ciudad y conocer artistas que, como yo, viven por y para el arte, así como todo lo que ha implicado este proceso de cambio y adaptación.
Si pudieras definir quién eres como artista en una sola palabra, ¿cuál sería esa palabra?
Si tuviera que definirme como artista en una sola palabra, sería “intenso”, porque soy muy disciplinado, le pongo todo mi corazón y vivo cada proyecto con pasión, entrega y la máxima dedicación y profesionalismo.
En una era donde el cine de acción parece moldeado por algoritmos y fórmulas prefabricadas, Juego sucio (Play Dirty 2025) llega como un recordatorio de que todavía existen directores capaces de imprimir carácter, ritmo y humor sin sacrificar el oficio narrativo Shane Black —uno de los nombres más influyentes del género desde los años ochenta— regresa con una cinta que combina su sello autoral con la crudeza moral del universo creado por Donald Westlake, autor de las novelas sobre el icónico Parker El resultado es un neo noir en clave contemporánea, donde la violencia se viste de ingenio y el cinismo se convierte en la única forma posible de redención.
Black, junto a Chuck Mondry y Anthony Bagarozzi reescribe a su manera el mito del antihéroe americano Parker, interpretado con una contención magnética por Mark Wahlberg no es un héroe, ni siquiera un delincuente con principios Es un profesional del crimen que actúa bajo un código de honor tan inquebrantable como anacrónico Frente a él, Rosa Salazar da vida a Zen, una figura ambigua, feroz y carismática, que se mueve entre el deseo y la traición con la naturalidad de quien ha entendido que en el juego del poder solo gana quien se atreve romper las reglas La química entre ambos no busca el romance, sino el enfrentamiento un duelo constante entre la lealtad la supervivencia.
La película abre con un atraco perfectamente coreografiado, un escenario que condensa en pocos minutos el universo moral del film: dinero, violencia, lealtades quebradas y la inevitable traición Desde ahí, Juego sucio despliega una estructura que recuerda a los clásicos de los setenta —The Getaway Charley Varrick o incluso French Connection— pero filtrados por el humor ácido y el diálogo afilado característicos de Shane Black
Cada escena está marcada por su habilidad para alternar la tensión con el sarcasmo, el peligro con el absurdo.
El guion, como en las mejores obras de Black (Entre besos y tiros, Dos tipos peligrosos), está sostenido por un ritmo impecable y una mirada irónica sobre la masculinidad y el fracaso Parker y Zen son espejos deformados uno del otro ambos persiguen algo que no pueden poseer —él, la justicia ella, la libertad— y en esa búsqueda se revelan sus fracturas más íntimas Juego sucio no trata del robo perfecto, sino de la imposibilidad de escapar del propio pasado.
En el plano técnico, la cinta se beneficia del trabajo de Philippe Rousselot habitual colaborador de Black, cuya fotografía alterna con elegancia los tonos metálicos de las urbes modernas con la luz cálida de los paisajes tropicales donde se esconde el mítico tesoro Sin embargo, la dependencia de efectos digitales resta verosimilitud a ciertas secuencias —particularmente la del descarrilamiento— que podrían haber alcanzado una potencia más visceral con recursos prácticos Pese a ello, la dirección mantiene un equilibrio admirable entre lo clásico y lo contemporáneo, recordando que Black entiende el género como un ejercicio de estilo antes que como un catálogo de explosiones.
La música de Alan Silvestri aporta un aire de sofisticación retro, con guiños a las bandas sonoras de los thrillers de los años noventa Su partitura acompaña la acción sin subrayarla, construyendo atmósferas que oscilan entre la melancolía y el vértigo En conjunto, el film se siente como una película que podría haber existido hace treinta años, pero que al mismo tiempo dialoga con las ansiedades del presente: la desconfianza, el exceso de control y la deshumanización del dinero como único fin.
Más allá de su envoltorio de acción, Juego sucio es una reflexión sobre la corrupción emocional En el mundo de Parker y Zen, no existen héroes ni villanos, sino sobrevivientes atrapados en una red de ambiciones cruzadas El crimen, como el amor o la venganza, es solo una excusa para revelar la condición humana.
Shane Black demuestra, una vez más, que su cine es una maquinaria precisa de ironía y desencanto Su mirada combina la brutalidad del noir con un humor autocrítico que roza lo filosófico: los personajes saben que están condenados, pero aún así avanzan, quizá porque en el fondo la derrota tiene más dignidad que el éxito vacío.
Con Juego sucio, Black no solo reivindica la figura del director artesanal en la era de las plataformas, sino que confirma que el buen cine de acción sigue dependiendo de algo que ningún algoritmo puede replicar: la inteligencia, la ironía la emoción.
Juego sucio está disponible en Amazon Prime Video Una cinta donde cada bala, cada traición y cada silencio resuenan con la precisión de un crimen cometido en nombre del estilo.
Con Monstruo La historia de Ed Gein Ryan Murphy completa su tríptico del horror real con la historia del asesino que dio origen a las más perturbadoras pesadillas cinematográficas del siglo XX Si Monstruo La historia de Jeffrey Dahmer se adentraba en la banalidad del mal Monstruos Lyle Erik Menendez exploraba el crimen desde el trauma familiar, esta tercera entrega se propone narrar la génesis del “monstruo original”: el hombre cuya sombra se extiende sobre Psicosis, La matanza de Texas, El silencio de los inocentes o Trastornado Deranged Sin embargo, lo que podría haber sido un lúcido estudio sobre cómo el horror engendra ficción se diluye en un collage excesivo, brillante por momentos, pero carente de verdadera profundidad.
Murphy y su equipo de guionistas intentan construir un relato total el Ed Gein real, el Ed Gein imaginado y el Ed Gein que el cine fabricó para sí mismo En teoría, esa multiplicidad prometía una experiencia meta narrativa fascinante —un análisis sobre cómo la cultura pop transforma la atrocidad en mito— pero en la práctica el resultado termina siendo una maraña de subtramas que compiten entre sí y nunca encuentran una síntesis emocional o intelectual sólida.
La serie oscila entre la crónica criminal, la biografía psicológica y la relectura cinéfila, pero ninguna de esas líneas alcanza su plenitud El intento de entrelazar la relación ficticia de Gein con su confidente Adeline Watkins con la recreación de los rodajes de Psicosis o La matanza de Texas da lugar a una narrativa fragmentada que pierde tensión y foco En su afán de abarcarlo todo, Monstruo La historia de Ed Gein termina por vaciar de sentido su propio tema: la relación entre el mal la
A nivel visual, la serie conserva el sello estético de Murphy una puesta en escena impecable, llena de contrastes entre el puritanismo de la América profunda y el horror doméstico que se esconde bajo su superficie La fotografía, con su paleta terrosa y luces frías, evoca la sordidez de los años cincuenta con una belleza incómoda Sin embargo, esa sofisticación formal se convierte en una trampa la violencia deja de ser perturbadora para volverse decorativa
La repetición de imágenes grotescas —los cuerpos desmembrados, los objetos hechos con restos humanos, los símbolos religiosos deformados— pierde impacto por saturación
Lo que podría haber sido una mirada crítica sobre la estetización del horror se convierte, irónicamente, en su propio ejemplo.
La mayor contradicción de la serie reside en su tono Murphy, que en otras obras como American Horror Story o Dahmer ha logrado equilibrar el morbo con la crítica social, aquí parece entregarse al espectáculo de la abyección Cada episodio insiste en la misma fórmula shock, sangre, flashback, y un intento de redención que nunca llega El resultado no es tanto terror como fatiga La fascinación inicial por el monstruo se transforma en indiferencia, y lo que debería ser reflexión se vuelve rutina.
Y, sin embargo, sería injusto negar los méritos interpretativos
Charlie Hunnam encarna a Gein con un registro contenido, alejado del histrionismo, construyendo un personaje que da más miedo cuando calla que cuando actúa Su mirada vacía, su fragilidad física y la ternura casi infantil con la que recuerda a su madre (una imponente Laurie Metcalf, que eleva cada escena con su sola presencia) hacen de Gein una figura patética antes que demoníaca Leslie Manville Vicky Krieps completan un elenco que sostiene el relato incluso cuando el guion se pierde en su propia maraña.
esbozado entre secuencias de necrofilia estilizada y homenajes visuales a Hitchcock, Hooper y Demme que, aunque bien intencionados, rozan la parodia.
En última instancia, Monstruo La historia de Ed Gein es más una reflexión fallida sobre el poder corrosivo de la ficción que un verdadero relato sobre el mal La serie no logra decidir si quiere comprender al monstruo o perpetuarlo, termina atrapada en el mismo dilema que denuncia la fascinación por la violencia como forma de entretenimiento.
La serie intenta también abordar la genealogía del miedo en la cultura norteamericana cómo la represión sexual, la educación religiosa extrema los traumas de posguerra engendraron una generación de monstruos Ese es, quizá, su aspecto más interesante: la idea de que Ed Gein no fue un accidente, sino un síntoma El horror no nace del vacío, sino de un sistema que lo alimenta Pero este planteamiento queda apenas
Ryan Murphy ha demostrado ser un arquitecto del exceso, un creador que entiende el horror como espejo cultural Pero aquí, ese espejo está empañado por la ambición desmedida Lo que queda es un producto visualmente deslumbrante pero emocionalmente hueco, donde las referencias cinéfilas sustituyen a la introspección, y la tragedia real se diluye en una colección de imágenes impactantes sin resonancia.
Aun así, Monstruo: La historia de Ed Gein deja una enseñanza involuntaria: el verdadero horror no está en los crímenes del asesino de Plainfield, sino en la mirada que insiste en revivirlos una y otra vez, incapaz de soltar al monstruo porque en él encuentra su propio reflejo.
Monstruo La historia de Ed Gein — Estreno el 3 de octubre en Netflix Una serie que pretende diseccionar al carnicero de Plainfield, pero termina revelando algo aún más inquietante la obsesión de Hollywood por alimentar su maquinaria con los cuerpos del horror real.
