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Esta revista de música permite conectar generaciones, recordando y descubriendo música. El conectar generaciones a través de bandas de rock, indie y pop del pasado y presente para llegar al público objetivo, adultos de 40 a 55 años de edad con un estilo retro gráfico y pop art de los años 70. Además permite interactuar con la revista escaneando los códigos de música y tener una experiencia completa.

Redes Sociales eremilianoc emi © REWIND Revista de Música Edición: Diciembre 2023 Diseño y Diagramación: Emiliano Cualchi

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Reportaje

SODA STEREO EN PUNTA ARENAS La historia del show más austral de la banda

Artículo Informativo

ARTISTAS CANCIONES ÁLBUMES +Escuchados

Crónica

NEOMA “Yo siento que puedo ser ese ejemplo para las artistas del futuro”

Entrevista

MUCHACHITO ROTO El disco de Lolabúm que vino a cambiarlo todo

PL AYLIST REWIND

Artículo Reflexión

ENTRE LETRAS Y TRADICIONES Un viaje Gráfico por la Identidad de Perú y Ecuador

Galería

Ritmo y Pasión Instantáneas del Rock Latinoamericano

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SODA STEREO EN PUNTA ARENAS

La historia Aestaba mediados de 1987, Soda Stereo en la cumbre de su carrera. O quizás en la primera de las varias a las que habría de llegar. del show más cumbres El comentario puede ser corroborado la vía histórica, la que contempla todo lo que vino después, ubica y austral de la por destaca, en el relato sobre la carrera la banda, la trascendencia de los hechos. banda de

n tan solo 4 años, de 1982 a 1987, el trío había ascendido de los boliches y pubs bonaerenses de dudosa calidad a las primeras giras continentales, con estadios llenos en Perú, Ecuador y Venezuela, y la intención firme de conquista en México. Chile, a ese punto, había tomado otro alcance impensado. Lo cierto es que la banda ya tenía varios hits debajo del brazo y con Signos, su último LP que había roto las reglas de lo que se creía seguro en la industria musical argentina, arrastraba cada vez más público a lo largo y ancho del continente. Cerati se lucía con su guitarra Jackson azul. Zeta y Charly eran una pared monolítica. Y los teclados de Daniel Sais aceitaban la maquinaria que se llevaba todo por delante. Soda Stereo imantaba a cualquiera que le prestara atención, sin importar las fronteras.

Ohanian Producciones apadrinaba la proyección y en ella, reclutaba la intención de conquista internacional. Aquel crecimiento meteórico, sustentado por la calidad musical de sus discos y con el trabajo incansable y cuasi artesanal de los miembros de la agencia que los nucleaba, había tenido su punto álgido en el Festival de la Canción de Viña del Mar en Febrero del 87. No sólo por la trascendencia y rebote que generaba el evento sino por la extensión de la gira que Soda Stereo había realizado en tierras chilenas. A esas alturas el tour Signos era consagratorio. La conquista era total. Sin embargo en el radar del espectáculo internacional el sur austral era tierra incógnita. Los managers del trío obtendrían de

El que vio la posibilidad fue Rodrigo Utz, hijo del dueño de Radio Minería de Punta Arenas, quien gracias a los contactos que la emisora había realizado durante años tenía una espalda aguantadora para la aventura de llevar a Soda Stereo al sur más extremo del continente. La efervescencia vivida en Chile durante Febrero y Marzo, la repetición constante y pegadiza de canciones como Persiana Americana y Prófugos en los medios locales, y el apoyo empresarial suficiente, convirtieron a la quimera de contratar a la banda número uno en una apuesta segura, confiable y rentable.

Según la idea original y tras un cruce de contratos vía fax, Soda Stereo coordinó presentarse en Punta Arenas el Viernes 29 de Mayo de 1987 para la primera de dos funciones pautadas en el Gimnasio Fiscal, ubicado en el sector norte de la ciudad, hacia la Costanera, y cerca del estrecho de Magallanes. Las entradas se vendieron rápidamente. El punto de venta elegido fue la cafetería Garogha, el gran lugar de encuentro que tenía Punta Arenas por entonces. “La expectativa se notaba a gran escala”, refiere Sayavedra. “La prensa especializada brindó un interés inusitado a nuestra visita a la ciudad porque era la única que íbamos a hacer en Chile durante el resto del año”. De hecho, Ricardo Romero, encargado de las revistas VEA y Super Rock, y parte esencial del andamiaje mediático que sustentó el éxito que Soda tuvo en Chile durante su estadía en el verano anterior, viajó exclusivamente a Punta Arenas para cubrir los shows en el Gimnasio Fiscal.

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parte de la sucursal trasandina de CBS los datos fidedignos de ventas de discos por aquellas latitudes y, si ameritaba el esfuerzo, podría imaginarse una clase de popularidad similar a la de otras partes del continente. Pero Punta Arenas era apenas una mención exótica en algún documental. Los números internacionales de rock eran una rareza.

EXPECTATIVA A GRAN ESCALA

“

Fue una experiencia muy loca”, reflexiona hoy en día Oscar Sayavedra. “Muy loca, extremadamente fría, pero inolvidable”. Sayavedra tiene la particularidad del detalle en su memoria. De la voluntad del encuentro a través de las palabras. En definitiva, de ese intercambio que permite darle forma a las pequeñas historias que hacen al relato completo. Para 1987, Sayavedra se encontraba asociado a Alberto Ohanian y era el encargado del management de Soda Stereo. Bajo su mando el grupo confiaba la posibilidad de expansión, por más que ello supusiera ir a los lugares más recónditos del planeta. No era la excepción.

er.com

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Foto: Twitt

La troupe sodera se presentó en la mañana del Miércoles 27 en el Aeropuerto de Ezeiza. Con sacos largos, botas y gorros, habían sido alertados del frío del sur. El plan era un vuelo relámpago hacia Río Gallegos y en coordinación con una empresa de micros cruzar vía terrestre hacia el lado chileno. Pero como todo plan y cualquier proyección, existen las limitaciones del azar. O de la mala suerte, tal vez. “Cuando llegamos al Aeropuerto se había declarado una huelga de Aerolíneas Argentinas”, comenta Sayavedra. “Nos queríamos morir. Demoramos casi todo el día en poder volar”. Más allá de las disculpas, de los tires y aflojes, y del malhumor reinante, el cansancio ganó a la disputa. La comitiva de Soda Stereo arribaría finalmente a Río Gallegos a la media-

noche de ese mismo Miércoles pero con la imposibilidad de cruzar por micro hacia Punta Arenas. No hubo tutía. Se debió esperar a que se habilitara el paso terrestre al día siguiente. “Nos tuvimos que mover inmediatamente para ver dónde pasábamos la noche”, relata Sayavedra. “No encontramos ningún hotel en la ciudad ya que había una convención de médicos que copó toda la hotelería”. No quedó otra, el staff tuvo que pasar la noche en un motel de parejas para, ya amaneciendo, tomar camino hacia la ciudad trasandina. Finalmente, en la tarde del Jueves 28, el trío llegó a Punta Arenas y se alojó en el céntrico Hotel Savoy. EL CALOR ENTRE EL FRÍO Aquel Sábado 30 de Mayo amaneció soleado. O bueno, algo parecido. “Estábamos en invierno, así que en realidad casi todo el día era de noche”, aclara Sayavedra. “¡Imaginate el frío!”. Como parte del itinerario que se va creando a medida que pasan las horas, y como fuente de inspiración y reconocimiento de los nuevos lugares visitados, los músicos decidieron salir a recorrer el centro de la ciudad mientras la otra parte del staff se dirigía hacia el gimnasio para preparar lo que sería la prueba de sonido. A eso de las 10 de la mañana, Gustavo, Zeta y Charly, junto al tecladista Daniel Sais y al sonidista Adrián Taverna, visitaron Calza Sport, la tienda deportiva que quedaba a dos cuadras de la Plaza de Armas. Entre zapatillas y remeras, shorts y pantalones, la bola del rumor se fue corriendo por la ciudad. “El tema fue que nunca previeron que se iba a pasar la voz de que estaban ahí”, recuerda Andrés. La gente comenzó a agolparse en las afueras esperando ver a sus ídolos. “Tuvieron que cerrar la zapatería y quedar encerrados durante más de una hora porque no podían salir”. Finalmente y ante la insistencia, la policía llegó al rescate del grupo. La histeria colectiva volvía a hacerse notar, tal como aquellas históricas experiencias del verano en Viña del Mar. Ya en las primeras horas de la tarde, y mientras el viento cruzaba el mar de Drake y golpeaba con fuerza ese frío polar que cala ropas y huesos, Soda Stereo se refugiaba en una pequeña casa rodante que serviría como

camarín improvisado para el par de presentaciones que realizaría en el Fiscal. “La verdad es que vinimos a Punta Arenas porque nos interesaba un poco mantener el contacto con Chile”, contaba un gélido Gustavo Cerati ante los micrófonos que lo rodeaban. Acomodados en un pequeño sillón y en un escueto simulacro de conferencia de prensa, el grupo pudo agradecer la calidez de un pueblo expectante por el sonido natural del trío. “Estas actuaciones formaban parte de la gira por el interior de Argentina y las incluimos porque en verdad es difícil llegar en otra oportunidad hasta un lugar tan alejado como Punta Arenas, pero en el que hemos recibido el mismo calor que en Argentina o Santiago”.

Foto: Tw it

ter.com

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“¡BUENAS NOCHES, PUNTA ARENAS! ¡BUENAS NOCHES, CHILE!”

i algo caracterizaba a Soda Stereo era su sonido. No solo en estudio, sino potenciado en las actuaciones que tenía frente a su público. Para Andrés el recuerdo quedó patente: “Aquella noche sonaron increíble, tenían un sonido muy potente, con una nitidez fabulosa. Se escuchaba hasta el más mínimo sonido. De hecho, tocaron con sonido amplificación en estéreo, algo que no era común para la época”. Claro, la mano de Adrián Taverna se hacía notar, o mejor dicho: escuchar, incluso sin ser visible. El mito diría que los vidrios del Fiscal estallaron ante la batería de Charly Alberti. Andrés lo confirmaría con sus palabras: “Sí, es así. El techo del gimnasio tenía vidrio en sus cuatro costados. Recuerdo cuando ingresó la batería, en el tema Signos que abría el concierto, empezaron a reventar los vidrios del techo”. La imagen elocuente del poderío gaseoso en los ochenta: los Carabineros chilenos tuvieron que subir a terminar de romper los ventanales para que el sonido pudiera salir libremente del recinto.

Un eslabón lleva a otro. La cadena sigue tomando forma. Pregunto y encuentro respuesta. De mi lado las ganas de conocer, del otro lado esa voz característica con ganas de contar. Me devuelven la inquietud. “¡Claro que recuerdo aquellos recitales en Punta Arenas! ¡Imposible no acordarme!”. Adrián Taverna tiene una facilidad de relato digno de admiración, pero sobre todo un poder de síntesis y contagio de vivencias increíble. Dan ganas, siempre, de escuchar sus anécdotas. “Tuvimos varios inconvenientes para hacer esos shows, desde la Aduana en Ushuaia que fue una locura, hasta el frío en Punta Arenas”. Aquella temperatura superaba el poder de lo curioso y se

transformaba, de hecho, en un problema. “Hemos tocado en muchos lugares inhóspitos, pero el frío que sentimos aquel día no lo sentimos en ningún otro lado, y fue difícil hacer sonar a la banda en el gimnasio. Sin embargo, a la noche, hacía mucho calor en el lugar, y eso fue por la gente, sin dudas. Fueron shows en el lugar más austral, pero de los conciertos más calentitos que vivimos”. Soda Stereo volvía a Chile tras la locura desatada tres meses antes. Volvía, sí, pero casi en silencio, desconociendo que se encontraría nuevamente en una situación similar a la vivida en la Quinta Vergara. El doctor Ramón Lobos, quien integraba la Cruz Roja local, atendió unos 25 casos de histeria y algunos desmayos al interior del recinto antes del inicio de la primera función. Durante el concierto, contuvo otros tantos. 8.000 personas se acercaron finalmente al gimnasio entre las dos funciones, pautadas para las 18.30 y 20.30 horas. Cada concierto tuvo una duración de hora y media.

SETLIST ESCANEA EL CÓDIGO

Pese a esta situación de nervios e histeria colectiva los shows se dieron de forma correcta. De hecho, fueron disfrutables para los propios integrantes de la banda. No hubo agresiones ni inconvenientes dentro del gimnasio, el que, igualmente y a modo de prevención, contaba con una gran cantidad de efectivos policiales.

Soda Stereo dejó una huella indeleble en Punta Arenas con su concierto épico. Aunque nunca regresaron, su actuación dejó una leyenda. Demostraron ser una banda en su apogeo, ofreciendo un espectáculo soberbio que perdura en la memoria.

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“Nunca pensamos en el gran calor humano del público de esta ciudad”, dijo Cerati al término del primero de los dos shows. Sorprendido, claro, porque es en este tipo de eventos, y en este tipo de ciudades, donde uno puede conocer y reconocer hasta dónde llega su propia música. El alcance real de eso a lo que algunos llaman fama. “Parece increíble que uno pueda venir al confín y percatarse de que la gente está realmente muy informada de lo que sucede con el grupo”, remataría Zeta Bosio.

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NEOMA

“Yo siento que puedo ser ese ejemplo para las artistas del futuro” Carla Huiracocha es la directora creativa de Neoma, un alter ego musical que cada vez toma más fuerza a nivel internacional.

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eoma ha cautivado a los amantes de la música alrededor del mundo con sus éxitos de synth pop de ensueño pero enérgicos. En 2017, Neoma alcanzó la cima de las listas ecuatorianas con su increíble sencillo Real. Desde entonces, ha dado conciertos para miles de fanáticos en todo el continente americano. En 2018, Neoma (Carla Huiracocha) se mudó de Cuenca, Ecuador a Denver, Colorado, junto con el productor / bajista Danny Pauta de Nockah y Vondye, para enfocarse en su carrera musical. En junio de 2019, Neoma lanzó Young, su primer sencillo desde Denver.

Su álbum debut, “Real“ fue lanzado en noviembre de 2019

Después del lanzamiento del álbum, Neoma conoció a músicos de Denver para formar una banda en vivo. Levi Double U se encargó de la batería, mientras que Aaron Wey de Civil Engineer se unió a la guitarra. Neoma se embarcó en su primera gira por los Estados Unidos en febrero de 2020. El Real Tour la llevó a través de la costa oeste, incluidas paradas en Seattle, Portland, Los Ángeles y San Francisco. Sin embargo, los shows en SXSW y en Ecuador fueron cancelados debido a la pandemia causada por el COVID- 19. En cuarentena, Neoma comenzó a colaborar con artistas de la escena indie ecuatoriana y músicos que conoció mientras estaba en The Real Tour. Neoma lanzó una serie de singles colaborativos en 2020, incluidos Superstar con La Madre Tirana y Cuando Quieres Jugar Conmigo con Lolabum. Durante Abril del 2021, Neoma llegó a Ecuador con el Tour del Fin del Mundo junto a los artista Derian Diorian y Mauricio Mena, en el visitaron las ciudades de Quito, Guayaquil y Cuenca, todos sus shows fueron un éxito con sold out en todas las localidades.

En 2021, Neoma lanzó dos nuevos sencillos, FIXXIÓN & Might Forgive You / TKM, el primero en ser escrito y grabado con su nueva banda en vivo. Neoma realizó una gira por la costa este de Estados Unidos, incluidas paradas en Chicago, Nueva York y Atlanta. Neoma forma parte de su propio sello discográfico independiente Soundbreaker Records

Los feats en los que ha trabajado Neoma están llenos de nombres reconocidos de la escena indie ecuatoriana, con un pie en Quito y otro en Cuenca: Lolabúm, Pastizales, Alkaloides, La Madre Tirana, Método y Amantina. Su estilo sonoramente pegajoso y sus letras relacionables y profundas, la han llevado también a ser escuchada en varios países. Sus conciertos en Bogotá y Denver (las primeras paradas del tour) agotaron las entradas, prueba de que su público -así sea de nicho- la sigue a donde va. En otras palabras, tiene comunidad.

5 Claves

Para Entender el Buen Momento Musical que Vive Neoma

Neoma lanzó su segundo álbum a la par de su gira internacional el pasado mayo. El nivel de éxito de la artista cuencana se puede medir en función de los artistas con los que ha trabajado, en función de su público y de las ciudades donde la escuchan.

En Spotify, Ciudad de México se posiciona como la ciudad en la que más la escuchan, seguida de Quito, Guayaquil, Bogotá y Lima, en ese orden. Además, Spotify Colombia la eligió recientemente como “artista Radar del mes”. Esto, entre otras cosas, implica ser la imagen de portada de la playlist “Radar Andinos”, la cual difunde artistas novedosxs de Venezuela, Colombia, Perú y Ecuador, entre sus más de 15.000 seguidores.

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Neoma es una de las voces femeninas -y no femeninasmás interesantes de la escena ecuatoriana (al menos para quien escribe estas líneas). Con tan solo 21 años, la cantautora, compositora y productora cuencana radicada en Denver (EE.UU) cuenta con dos álbumes de estudio publicados: Real (2019), y una de las gratas sorpresas de este año, Hyperreal. Su segundo álbum fue lanzado a la par de su gira internacional el pasado mayo. El tour empezó en su hogar, Denver, en un show en el que Neoma presentó las canciones de Hyperreal de manera inédita. Posteriormente pasó por Bogotá (el concierto en Medellín se canceló por problemas con el venue), hasta llegar a Ecuador el 13 de mayo, fecha en la que se presentó en Riobamba. Ya en la tierra madre, Neoma visitó Quito, Ambato, Montañita y Cuenca, en un tour lleno de apariciones de artistas con los que ha trabajado esta reina del pop independiente. En su concierto en Quito, se presentaron Pedro Bomfin, Paula García y Derian Dorian. Y es que el nivel de éxito de Neoma se puede medir en función de los artistas con los que ha trabajado, en función de su público, y también en función de las ciudades donde la escuchan y en las que se presenta. Así que vamos por partes.

Foto: Juan S. Jaramillo

En marzo de este año abrió el concierto de The Marías en Denver. Ya sabes, The Marías, esa banda indie pop, fundada por una puertorriqueña y un californiano, que sacó un tema junto a Bad Bunny en su último álbum. Carla Huiracocha, como se llama cuando no es Neoma, es tajante al momento de analizar las razones de su éxito. A continuación, cinco claves para entender el buen momento musical que vive esta joven artista:

2. Llenarse de influencias bacanes Unx gran artista no se hace de la nada. Neoma mantiene una personalidad musical muy marcada en cuanto a géneros y gustos. Entre las influencias que marcan el sonido de Hyperreal, Neoma menciona específicamente a artistas de la comunidad LGBT+: Arca, Soffie, Pablo Vittar, Lady Gaga. Estas influencias, asegura, no son solo sonoras, sino que le han permitido explorar en sus canciones temas acerca de su sexualidad, sus relaciones personales y las distintas formas de amor y desamor. 3. Mantenerse cercana a su comunidad

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1 Mantenerse real y honesta en sus composiciones

«Me quiero deshacer de muchas de las emociones que el patriarcado te dice que están mal sentir» “Hacer tu música de una forma honesta y con amor al arte y pasión, te va a llevar a donde quieras ir”, dice Neoma, antes de aclarar que ella está donde está -en parte- gracias a su equipo de producción. Esa honestidad se puede ver reflejada en los riesgos que toma al momento de componer. Hyperreal es, en diferentes facetas, un atrevimiento. Por el lado musical, Neoma mezcla en este álbum elementos de la música pop ochentera, entre sonidos de synthpop y música disco, y los combina con elementos del hyperpop, una corriente musical totalmente contemporánea. La honestidad también se hace presente en su faceta

como escritora. En las canciones de Hyperreal se habla desde una voz profunda, introspectiva y también crítica. El tema “Condena”, el primero del disco, profundiza en cómo es crecer siendo mujer y artista en una ciudad conservadora como Cuenca. Aquí, explica Neoma, se encuentra “el núcleo de la furia” que desata las demás emociones presentes en el disco. En el resto de canciones otros temas que se topan son el desamor, los celos, la envidia y el apego. “Me quiero deshacer de estas cosas. Me quiero deshacer de muchas de las emociones que el patriarcado te dice que están mal sentir”, confiesa.

Uno de los retos que enfrenta Neoma es el de ser una artista “ausente”, por su situación de persona migrante en Estados Unidos. Sin embargo, como mencioné anteriormente, Neoma tiene comunidad. Y eso, se ha visto, es algo clave para que proyectos musicales despeguen en Ecuador y en el mundo. Y para lograrlo son clave las redes sociales. Gracias a ellas, cuenta Neoma, puede sentir a esa comunidad y comunicarse con ella de manera fácil. “Yo sé quiénes son esos fans, me sé su nombre de usuario”, confiesa entre risas. Twitter, por ejemplo, es una red social donde Neoma es muy activa y arroja comentarios o pensamientos cotidianos, generando una cercanía con sus seguidorxs. Otra manera de mantenerse cercana a su gente es a través de los medios locales y las giras. “Trato de venir de gira lo más que puedo, trato de colaborar full con artistas locales y comunicarme con los medios ecuatorianos cada que saco un tema” (Y esto es algo que nos consta).

4. No cerrarse a otros públicos El concierto en Bogotá, cuenta Neoma, le dejó ver que esta comunidad de fans que la siguen es transfronteriza. Según ella, la idea de tocar en Colombia era la de darse a conocer. Sin embargo, una vez allí, se dieron cuenta de que entre las 150 personas que asistieron a Tejo Tumerqué (el venue donde tocaron) muchos eran fans de peso. “Me sorprendió”, confiesa. “Yo no pensé que la gente iba a estar coreando las canciones, comprando merch, tomándose fotos».

Pero no es una decisión gratuita. Desde hace cinco años que Neoma vive en Denver junto a su pareja, el productor Danny Pauta. Y de vivir como inmigrante, con idiomas e identidades entrecruzadas, surgió la necesidad de expresarse en ambos idiomas. “Hago música en inglés porque es parte de mi identidad”, dice. Y esto, comenta, ha causado que también más gente de Denver y EE.UU la conozca, ya que, de cierta manera, el público migrante y latino se siente identificado con el uso del spanglish como lengua principal en sus canciones.

“Yo no fui a la universidad. Nunca estudié música. Pero siempre estoy educándome” 5. Autoformación y disciplina

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Esto también se ve reflejado en sus composiciones. Uno de los riesgos más grandes, nos cuenta, fue el hacer música en inglés. Decisión creativa que, en realidad, ya estaba presente en Real.

“Yo no fui a la universidad. Nunca estudié música. Pero siempre estoy educándome”, dice Carla. Esta revelación resulta sorpresiva, ya que además cuenta que “un statement del disco es que yo produje la mayoría de las canciones”. Clases de bajo, de canto y producción musical son parte del trabajo invertido en el proyecto. Además, Carla forma parte de The Mañanas, una banda multinacional de Denver, en la que ella participa tocando el bajo y Danny Pauta es uno de los principales compositores. También ha sido importante, cuenta Neoma, mantener un nivel alto de exigencia y profesionalismo. Para ella, el ser mujer y artista conlleva muchas presiones y exigencias que en algunos contextos masculinos no existen. La presión estética, por ejemplo.

Foto: Juan S. Jaramillo «Siento que las mujeres siempre hemos sido secundarias en la música».

“Un statement del disco es que yo produje la mayoría de las canciones”

Sin embargo, Neoma le ha dado la vuelta a esas imposiciones. Ella misma exige a su banda (todos varones) mantener una estética impecable que vaya de la mano con el concepto visual del proyecto. “Para mí ver mi nombre en una canción… Que diga “compuesta, escrita por,” es importante. Porque siento que las mujeres siempre hemos sido secundarias en la música. Siempre es el productor, el ingeniero, al que se le da prioridad, cuando hay muchas mujeres increíbles detrás”.

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Y Neoma es consciente de que lo que haga como artista mujer trasciende más allá de ella misma.“Yo siento que puedo ser ese ejemplo para las artistas del futuro”, dice en tono orgulloso.

En definitiva, el momento que atraviesa Neoma es fruto de un gran esfuerzo creativo y un trabajo en equipo liderado por una voz firme. Su música es de esas ali-

neaciones poco probables, cuando se juntan talento, buen gusto, inteligencia y sensibilidad. Hyperreal cumple bien su función de segundo disco. Explota las cualidades que Neoma ya mostró en Real (como sus letras e identidad sonora bien definidas) y las canaliza hacia nuevas posibilidades, a través de sonidos cada vez más experimentales y sofisticados. Es una declaración sobre la calidad y capacidad creativa de Neoma y una promesa de que la artista seguirá empujando hacia arriba.

Temas imperdibles del álbum: Hyperreal, Condena, Nada, FIXXIÓN y Muse.

Tanto el álbum Hyperreal, como el tour, reflejan un gran trabajo y esfuerzo de Neoma por seguir sumando a su proyecto musical. Además, se encuentra en un punto clave para la carrera de cualquier artista: el momento en que deja de ser emergente y se convierte en un proyecto consolidado.

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Un Viaje Gráfico por la Identidada de Perú y Ecuador

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ENTRE LETRAS Y TRADICIONES

INTRODUCCIÓN

En la encrucijada de la cultura, el arte, y la creatividad visual, el diseño editorial se convierte en un reflejo vívido de la identidad cultural de un país. Como estudiantes de Ecuador y Perú, nos sumergimos en un viaje de exploración a través de las páginas, tipografías y colores que narran la historia y expresan las

tradiciones arraigadas de nuestras naciones. Este artículo busca analizar y comparar cómo el arte, el folclore y la iconografía tradicional de Perú y Ecuador influyen en el diseño editorial, explorando los matices que definen la identidad cultural de cada país.

Arte, Folklore y Diseño: Un Vínculo Indisoluble

capacidad de la cultura para evolucionar sin perder su esencia.

El arte y el folclore son los cimientos sobre los cuales se construye la identidad cultural. En Perú, esta identidad es moldeada por la rica herencia incaica y la posterior influencia española. En el diseño editorial, vemos cómo estas dos fuerzas convergen de manera armoniosa y a veces contrastante. Los patrones geométricos que se desprenden de la arquitectura incaica, con su simetría y profundidad, se convierten en elementos prominentes en libros y revistas peruanas. Este juego de líneas y formas crea una sensación de conexión con el pasado, una conexión palpable en cada página.

La riqueza cultural de Perú y Ecuador se manifiesta de manera fascinante en sus expresiones artísticas y creativas. Como estudiantes de diseño editorial, nos aventuramos en un viaje profundo para explorar cómo el arte, el folclore y la

En Ecuador, la historia y la identidad cultural se expresan a través del folklore y la conexión con las raíces indígenas. Las formas orgánicas y colores vibrantes en el diseño editorial reflejan la diversidad de tradiciones y la riqueza de la naturaleza ecuatoriana. Las ilustraciones en revistas y libros a menudo representan las coloridas máscaras de las festividades o capturan la

La tipografía, por su parte, actúa como un puente entre la elegancia de las letras españolas y la estructura geométrica heredada de la cultura inca. Las letras estilizadas se convierten en portadoras de una identidad única que fusiona las raíces históricas con la modernidad. Este equilibrio entre lo antiguo y lo nuevo en el diseño editorial peruano resalta la Aprendizaje Colaborativo Internacional en línea

iconografía tradicional de Perú y Ecuador influyen en esta disciplina, convirtiéndola en un reflejo vibrante de la identidad cultural de ambas naciones. Este análisis, que se extiende a través de las páginas, colores y tipografías, busca descifrar los matices que definen la rica historia, tradiciones y valores estéticos de nuestros países.

esencia de la flora y fauna andina. Cada página se convierte en una ventana que celebra la autenticidad cultural del país.

Historia Plasmada en Páginas: Libros que Cuentan Historias Los libros, como portadores de historias, desempeñan un papel crucial en la exploración de la identidad cultural. En Perú, “Los Comentarios Reales” de Inca Garcilaso de la Vega se erige como un monumento literario que no solo narra la historia, sino que también refleja la grandeza cultural incaica. El diseño editorial de esta obra incorpora elementos gráficos inspirados en la iconografía incaica. Los patrones geométricos que adornan las páginas se asemejan a los que se encuentran en los textiles incaicos, creando una conexión visual con la riqueza cultural del pasado.

Tipografía como Voz de la Cultura: La Palabra como Arte La tipografía, más allá de ser simplemente un medio de comunicación, se convierte en una expresión de la identidad cultural. En Perú, las tipografías utilizadas en el diseño editorial a menudo incorporan elementos geométricos inspirados en la arquitectura incaica. Estas letras no son solo caracteres; son símbolos de una conexión profunda con la historia. La elección de la tipografía se convierte en un acto de preservación cultural, llevando consigo la herencia de civilizaciones pasadas a través de cada letra impresa. En Ecuador, las tipografías reflejan la conexión íntima con la naturaleza. Las formas curvas y suaves, inspiradas en la flora y fauna andina, se entrelazan con el diseño editorial. Cada letra es una expresión de la conexión profunda con el entorno, recordando a quienes la leen la importancia de la armonía entre la humanidad y la naturaleza.

Contrastando con esta obra clásica, “La Ciudad y los Perros” de Mario Vargas Llosa, un exponente de la literatura contemporánea peruana, ilustra la capacidad del diseño editorial para evolucionar. Las páginas de esta novela a menudo incorporan elementos gráficos que evocan la tradición incaica de manera sutil pero significativa. La

tipografía, con su elegancia, se convierte en un enlace entre la narrativa moderna y las raíces históricas. En Ecuador, la literatura también sirve como un medio para explorar la identidad cultural. “La Fiesta del Chivo” de Vargas Llosa y “Huasipungo” de Jorge Icaza son ejemplos significativos. El diseño editorial de estas obras incorpora elementos folklóricos, como máscaras y representaciones artísticas de la biodiversidad ecuatoriana. Cada página se convierte en un lienzo que captura la realidad social y cultural del país, utilizando la creatividad visual para enriquecer la experiencia de lectura. Revistas como Espejos Culturales: Reflejando la Actualidad con Identidad Las revistas contemporáneas son espejos que reflejan la actualidad y la identidad cultural en constante evolución. En Perú, “Caretas” ha sido un faro de la narrativa cultural, explorando la diversidad de temas con una perspectiva única. Su diseño editorial, lleno de ilustraciones inspiradas en la iconografía

Explorando la Identidad a Través de más Facetas del Diseño Editorial

preincaica, establece un diálogo visual entre lo contemporáneo y lo ancestral. Cada página se convierte en un lienzo donde se entrelazan las líneas del tiempo. En Ecuador, “Vistazo” es un testigo de la evolución cultural del país. Su diseño editorial, lleno de colores vivos y fotografías que capturan la belleza natural, refleja la identidad ecléctica de la nación. Las páginas de esta revista se convierten en una ventana a la diversidad cultural, donde la tipografía y las imágenes se combinan para contar historias de la realidad ecuatoriana. Cada artículo es una obra de arte en sí misma, representando la complejidad y riqueza cultural del país.

Identidad a Través del Color: Páginas que Respiran Vida

El diseño editorial, además de los El uso del color en el diseño editorial ofrece aspectos mencionados, también abarca una perspectiva única sobre la identidad otros ámbitos que reflejan la identidad cultural. En Perú, los colores pueden estar cultural de un país. La disposición inspirados en la paleta de la cultura inca, con de las imágenes, la elección del tonos tierra y vibrantes. Ecuador, en cambio, papel, la estructura de las páginas tiende a abrazar una paleta más diversa que y hasta la forma en que se refleja la riqueza de su entorno natural y su presentan los colores en una patrimonio cultural. publicación son elementos que revelan la esencia de una Explorar cómo el color se incorpora en el diseño cultura. editorial revela no solo preferencias estéticas, sino también la relación emocional de cada país con su En Perú, la disposición de propia identidad. Mientras que Perú puede transmitir las imágenes en revistas una sensación de arraigo a través de tonos más terrosos, y libros a menudo Ecuador busca la vitalidad y la diversidad en cada matiz. sigue patrones que rememoran la simetría y la estructura de las edificaciones inca

Aprendizaje Colaborativo Internacional en línea

Comparación en la Representación Visual de la Naturaleza Un elemento clave que distingue el diseño editorial en Perú y Ecuador es la representación visual de la naturaleza. Mientras que ambos países comparten una riqueza biológica extraordinaria, sus enfoques en el diseño editorial difieren. En el contexto peruano, la naturaleza se percibe a menudo a través de la lente de la historia incaica. Libros y revistas muestran ilustraciones de la flora y fauna que tienen raíces profundas en la mitología incaica. Las representaciones de animales y plantas a menudo están imbuidas de simbolismo, conectando la vida moderna con la rica herencia cultural.

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Por otro lado, en Ecuador, la representación visual de la naturaleza tiende a ser más literal y centrada en la biodiversidad. El diseño editorial destaca las fotografías vibrantes de la flora y fauna andina, capturando la esencia misma de la diversidad biológica del país. La conexión con la naturaleza se expresa de manera más directa, reflejando la posición de Ecuador como uno de los países más biodiversos del mundo. Esta diferencia en la representación visual destaca la manera en que el diseño editorial no solo refleja la naturaleza circundante, sino también la forma en que cada país interpreta y se relaciona con su entorno.

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Comparación en la Interpretación del Folclore en el Diseño Editorial El folclore, como tesoro cultural, se manifiesta de manera única en el diseño editorial de Perú y Ecuador. La manera en que se integran las tradiciones folklóricas en libros y revistas revela la importancia de preservar y celebrar la herencia cultural. En Perú, el diseño editorial a menudo incorpora elementos gráficos inspirados en danzas y rituales folklóricos. Las ilustraciones de trajes tradicionales y movimientos de baile adornan las páginas, transportando al lector a las celebraciones y festivales que han perdurado a lo largo del tiempo. Cada línea y forma se convierte en una expresión visual de la vitalidad de las tradiciones. En Ecuador, el folclore se representa de manera más diversa, abarcando las distintas etnias y regiones del país. El diseño editorial refleja la variedad de danzas, música y festivales que caracterizan la riqueza cultural ecuatoriana. Cada página se convierte en una invitación a explorar las múltiples capas del folclore, donde la diversidad de expresiones culturales se entrelaza en un mosaico vibrante.

Esta comparación resalta cómo el diseño editorial no solo refleja el folclore como una entidad estática, sino que también evoluciona y se adapta, reflejando la dinámica y diversidad de las tradiciones culturales. Comparación en el Uso de la Tecnología en el Diseño Editorial El avance tecnológico ha transformado la forma en que concebimos el diseño editorial en el siglo XXI. Es interesante explorar cómo Perú y Ecuador adoptan y adaptan la tecnología en sus creaciones editoriales. En Perú, el diseño editorial a menudo abraza las posibilidades de la realidad aumentada y otras tecnologías interactivas. Libros y revistas incorporan códigos QR que llevan a los lectores a contenido multimedia, ampliando la experiencia más allá de las páginas impresas. Este enfoque innovador permite una exploración más profunda de la cultura peruana, fusionando lo tradicional con lo contemporáneo.

Aprendizaje Colaborativo Internacional en línea

En Ecuador, la tecnología se utiliza de manera similar, pero con un énfasis especial en la preservación digital de las tradiciones orales. Proyectos que documentan danzas, leyendas y canciones tradicionales se integran en el diseño editorial, permitiendo que las voces y expresiones del folclore ecuatoriano sean accesibles en el mundo digital. Esto no solo amplifica la difusión cultural sino que también contribuye a la preservación de las tradiciones en el contexto moderno. Esta comparación destaca cómo, aunque ambos países adoptan la tecnología en el diseño editorial, su aplicación puede variar en función de las prioridades y enfoques culturales específicos.

A través de este análisis, queda claro que el diseño editorial es mucho más que una mera expresión estética; es un reflejo tangible de la identidad cultural de Perú y Ecuador. La identidad no se limita a las páginas de un libro o las portadas de una revista; es una corriente que fluye a través del tiempo, adaptándose y fusionándose con nuevas influencias. Perú y Ecuador, a pesar de sus diferencias geográficas y contextos históricos, comparten un compromiso profundo con la preservación y celebración de su identidad cultural. A medida que exploramos el arte, el folklore y la tipografía de estas naciones, nos damos cuenta de que el diseño editorial es más que una expresión estética; es un acto de amor hacia la historia, las tradiciones y los valores que dan forma a una nación.

REWIND | REPORTAJE

Conclusiones: Celebrando la Diversidad a través del Diseño

Este viaje a través de las páginas y tipografías revela que la identidad cultural es dinámica, una amalgama de pasado y presente que se plasma en cada trazo y palabra. Perú y Ecuador, a través del arte, el folclore y el diseño editorial, nos muestran que la verdadera riqueza cultural reside en la capacidad de evolucionar sin perder de vista sus raíces. En cada libro y revista, en cada letra y forma, encontramos una celebración de la diversidad y la autenticidad que define a estas naciones sudamericanas.

Aprendizaje Colaborativo Internacional en línea

La música tiene el poder de elevar el estado de ánimo inmediatamente, actuando como la salida más terapéutica en la mundanidad del día a día. Todo el mundo tiene una paleta musical única. Sin embargo, navegar por los amplios géneros puede resultar desalentador y llevar una eternidad. Gracias a servicios de streaming como Spotify, los oyentes de todo el mundo pueden elegir entre las listas de reproducción de la plataforma, que abarcan desde pop, rock, country y rap hasta jazz y blues. A lo largo de los años, un puñado de artistas musicales han batido varios récords en Spotify gracias a sus fans. Con más de 109 millones de oyentes mensuales, The Weeknd es el cantante más escuchado de Spotify. Al cantante canadiense le sigue muy cerca Taylor Swift con 100 millones de oyentes mensuales y el puertorriqueño Bad Bunny con 80 millones.

N°

ARTISTA

OYENTES

N°

ARTISTA

OYENTES

N°

ARTISTA

OYENTES

THE WEEKND

109,88 M

NICKI MINAJ

64,86 M

METRO BOOMIN

53,82 M

TAYLOR SWIFT

100,08 M

EMINEM

64,41 M

KHALID

52,92 M

BAD BUNNY

80,20 M

BRUNO MARS

61,94 M

LADY GAGA

52,73 M

ED SHEERAN

77,37 M

SZA

61,78 M

FUTURE

52,28 M

DUA LIPA

77,33 M

HARRY STYLES

60,60 M

J BALVIN

52,07 M

DRAKE

76,14 M

SAM SMITH

58,02 M

KATY PERRY

51,44 M

RIHANNA

74,63 M

IMAGINE DRAGONS

57,63 M

ADELE

50,80 M

TRAVIS SCOTT

73,97 M

KANYE WEST

57,12 M

SELENA GOMEZ

52,20 M

DAVID GUETTA

72,50 M

OLIVIA RODRIGO

57,07 M

ELTON JOHN

48,48 M

BILLIE EILISH

72,29 M

MAROON 5

56,77 M

PESO PLUMA

48,46 M

JUSTIN BIEBER

72,20 M

MARSHMELLO

56,45 M

ONEREPUBLIC

48,40 M

MILEY CYRUS

68,68 M

DOJA CAT

55,60 M

RAUW ALEJANDRO

47,78 M

POST MALONE

66,33 M

LANA DEL REY

55,52 M

CHRIS BROWN

47,72 M

CALVIN HARRIS

66,28 M

21 SAVAGE

55,29 M

KENDRICK LAMAR

47,60 M

ARIANA GRANDE

66,22 M

DADDY YANKEE

55,18 M

QUEEN

47,21 M

SHAKIRA

65,94 M

KAROL G

54,47 M

MYKE TOWERS

47,18 M

COLDPLAY

65,86 M

BEYONCÉ

54,10 M

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ARTISTAS CANCIONES ÁLBUMES

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+Escuchados

TOP 50 Artistas más Escuchados en Spotify

El álbum «Un Verano Sin Ti», del rapero puertorriqueño Bad Bunny, es el álbum más escuchado de todos los tiempos en Spotify con más de 14 mil millones de reproducciones. Por su parte, la cantante anglo-albanesa Dua Lipa posee el álbum femenino (Dua Lipa (Complete Edition)) más escuchado con 11 300 millones de reproducciones. La plataforma de streaming confirmó el 10 de julio (2023) que el artista puertorriqueño — que fue nombrado artista del año de Spotify en 2022 por tercera vez consecutiva— que Un Verano Sin Ti se había convertido en el álbum más reproducido de todos los tiempos en la historia de Spotify. Anteriormente, ÷ (Divide), de Ed Sheeran, era el álbum más reproducido de Spotify.

Álbum

Reproducciones

Bad Bunny

Un Verano Sin Ti

14 235 527 995

Ed Sheeran

÷ (Deluxe)

13 759 389 302

The Weeknd

Starboy (Deluxe)

11 586 303 678

Post Malone

Hollywood's Bleeding

11 433 905 637

Dua Lipa

Dua Lipa (Complete Edition)

11 345 579 965

Post Malone

beerbongs & bentleys

11 114 317 518 11 111 376 795

Dua Lipa

Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

The Weeknd

After Hours (Deluxe)

10 688 155 269

Olivia Rodrigo

SOUR

10 389 880 399

10.

Billie Eilish

WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?

10 119 933 483

11.

Ed Sheeran

x (Wembley Edition)

10 022 398 383

12.

XXXTENTACION

? (Deluxe)

9 877 293 096

13.

Justin Bieber

Purpose (Deluxe)

9 351 255 518

14.

Drake

Scorpion

9 333 162 931

15.

Bad Bunny

YHLQMDLG

8 802 466 669

16.

Drake

Views

8 749 379 049

17.

Post Malone

Stoney (Complete Edition)

8 415 082 515

18.

The Weeknd

Beauty Behind The Madness

8 321 436 111

19.

Harry Styles

Fine Line

8 272 205 218

20.

Billie Eilish

dont smile at me (Expanded Edition)

8 215 120 215

21.

Juice WRLD

Goodbye & Good Riddance

8 136 433 830

22.

Sam Smith

In The Lonely Hour (Drowning Shadows Edition)

7 929 541 378

23.

Travis Scott

ASTROWORLD

7 806 239 326

24.

Lewis Capaldi

Divinely Uninspired To A Hellish Extent

7 571 421 194

25.

XXXTENTACION

7 502 218 667

26.

Arctic Monkeys

7 490 906 134

27.

Taylor Swift

Lover

7 285 111 738

28.

Justin Bieber

Justice (The Complete Edition)

7 163 311 242

29.

Imagine Dragons

Evolve

7 134 978 827

30.

Ariana Grande

thank u, next

7 128 394 701

31.

Pop Smoke

Shoot For The Stars Aim For The Moon (Deluxe)

7 006 163 829

32.

Kendrick Lamar

DAMN.

6 998 365 526

33.

Shawn Mendes

Shawn Mendes (Deluxe)

6 910 997 555

34.

Doja Cat

Planet Her (Deluxe)

6 812 716 786

35.

Bruno Mars

Doo-Wops & Hooligans

6 800 168 349

36.

Taylor Swift

1989 (Deluxe)

6 715 533 767

37.

The Kid LAROI

F*CK LOVE 3+: OVER YOU

6 691 046 193

38.

Twenty One Pilots

Blurryface

6 459 001 144

39.

Taylor Swift

Midnights (The Til Dawn Edition)

6 416 601 116

40.

Drake

More Life

6 408 057 732 6 367 916 291

41.

Harry Styles

Harry's House

42.

Shawn Mendes

Illuminate (Deluxe)

6 271 721 032

43.

Imagine Dragons

Night Visions (Deluxe)

6 246 304 934

44.

Rihanna

ANTI (Deluxe)

6 161 258 131

reputation (Big Machine Radio Release Special) Born To Die – Paradise Edition (Special Version)

6 028 590 180 5 957 901 298

45.

Taylor Swift

46.

Lana Del Rey

47.

Adele

48.

Eminem

The Eminem Edition)

49. 50.

Show

REWIND | ARTÍCULO INF.

TOP 50 Álbumes más Escuchados en Spotify

Artista 1.

6 076 759 362

(Expanded

5 928 276 355

Adele

5 924 042 117

Lin-Manuel Miranda

Hamilton (Original Broadway Cast Recording)

5 895 573 389

TOP 65 Canciones más Escuchadas de Spotify

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Hasta la fecha, más de cuarenta canciones han superado las 2000 millones de reproducciones en Spotify y únicamente dos han superado la barrera de los 3000 millones: «Blinding Lights» de The Weeknd (3765 millones de reproducciones) y «Shape of You» de Ed Sheeran (3604 millones de reproducciones).

Escucha el Top Completo

Millones de Reproducciones

Precisamente, el tema «Blinding Lights» del canante canadiense The Weeknd es, hasta la fecha, la canción más escuchada en la historia de Spotify con 3765 millones de reproducciones. Por su parte, «Dance Monkey» de la cantautora australiana Tones and I, es la canción femenina más reproducida. La cantante anglo-albanesa Dua Lipa es la artista femenina con más canciones en el top 100, con cuatro entradas. La canción más antigua del top 100 es «Bohemian Rhapsody» de Queen (1975), mientras que la más reciente es «As It Was» de Harry Styles (2022).

TOP 1

3765

Canción

Artista/s

Reproducciones

Fecha de lanzamiento

"Blinding Lights"

The Weeknd

3765 M

29 de noviembre de 2019

"Shape of You"

Ed Sheeran

3604 M

6 de enero de 2017

"Someone You Loved"

Lewis Capaldi

2942 M

8 de noviembre de 2018

"Dance Monkey"

Tones and I

2889 M

may 10, 2019

"Sunflower"

Post Malone y Swae Lee

2878 M

18 de octubre de 2018

"One Dance"

Drake ft. Wizkid y Kyla

2756 M

5 de abril de 2016

"Rockstar"

Post Malone ft. 21 Savage

2755 M

15 de septiembre de 2017

"Stay"

The Kid Laroi y Justin Bieber

2722 M

9 de julio de 2021

"Believer"

Imagine Dragons

2640 M

1 de febrero de 2017

10.

"Starboy"

The Weeknd ft. Daft Punk

2635 M

21 de septiembre de 2016

11.

"Closer"

The Chainsmokers ft. Halsey

2619 M

29 de julio de 2016

12.

"As It Was"

Harry Styles

2617 M

1 de abril de 2022

13.

"Heat Waves"

Glass Animals

2615 M

29 de junio de 2020

14.

"Perfect"

Ed Sheeran

2607 M

3 de marzo de 2017

15.

"Señorita"

Shawn Mendes y Camila Cabello

2514 M

21 de junio de 2019

16.

"Say You Won't Let Go"

James Arthur

2458 M

9 de septiembre de 2016

17.

"Lovely"

Billie Eilish y Khalid

2407 M

19 de abril de 2018

18.

"Watermelon Sugar"

Harry Styles

2367 M

13 de diciembre de 2019

19.

"Sweater Weather"

The Neighbourhood

2342 M

28 de marzo de 2012

20.

"Don't Start Now"

Dua Lipa

2338 M

1 de noviembre de 2019

21.

"Bad Guy"

Billie Eilish

2336 M

29 de marzo de 2019

22.

"Lucid Dreams"

Juice WRLD

2317 M

4 de mayo de 2018

23.

"Thinking Out Loud"

Ed Sheeran

2305 M

20 de junio de 2014

24.

"God's Plan"

Drake

2283 M

19 de enero de 2018

25.

"Photograph"

Ed Sheeran

2270 M

20 de junio de 2014

26.

"Something Just Like This"

The Chainsmokers y Coldplay

2242 M

22 de febrero de 2017

27.

"Bohemian Rhapsody"

Queen

2231 M

31 de octubre de 1975

28.

"Shallow"

Lady Gaga y Bradley Cooper

2189 M

27 de septiembre de 2018

29.

"Take Me to Church"

Hozier

2175 M

13 de septiembre de 2013

30.

"Circles"

Post Malone

2171 M

30 de agosto de 2019

31.

"Love Yourself"

Justin Bieber

2153 M

9 de noviembre de 2015

32.

"All of Me"

John Legend

2115 M

12 de agosto de 2013

33.

"Thunder"

Imagine Dragons

2091 M

27 de abril de 2017

REWIND | ARTÍCULO INF.

N°

REWIND | ARTÍCULO INF.

34.

"SAD!"

XXXTentacion

2074 M

1 de marzo de 2018

35.

"7 Rings"

Ariana Grande

2062 M

18 de enero de 2019

36.

"Riptide"

Vance Joy

2061 M

21 de mayo de 13

37.

"goosebumps"

Travis Scott ft. Kendrick Lamar

2059 M

2 de septiembre de 2016

38.

"Counting Stars"

OneRepublic

2056 M

25 de marzo de 2013

39.

"Stressed Out"

Twenty One Pilots

2022 M

28 de abril de 2015

40.

"Wake Me Up"

Avicii

2010 M

17 de junio de 2013

41.

"Jocelyn Flores"

2008 M

31 de octubre de 2017

42.

"Can't Hold Us"

XXXTentacion Macklemore & Ryan Lewis ft. Ray Dalton

1999 M

16 de agosto de 2011

43.

"The Hills"

The Weeknd

1983 M

27 de mayo de 2015

44.

"Let Her Go"

Passenger

1962 M

24 de julio de 2012

45.

"Humble"

Kendrick Lamar

1958 M

30 de marzo de 2017

46.

"XO Tour Llif3"

Lil Uzi Vert

1945 M

24 de marzo de 2017

47.

"Havana"

Camila Cabello ft. Young Thug

1934 M

3 de agosto de 2017

48.

"One Kiss"

Calvin Harris y Dua Lipa

1931 M

6 de abril de 2018

49.

"New Rules"

Dua Lipa

1925 M

2 de junio de 2017

50.

"Happier"

Marshmello y Bastille

1923 M

17 de agosto de 2018

51.

"Good 4 U"

Olivia Rodrigo

1920 M

14 de mayo de 2021

52.

"Sicko Mode"

Travis Scott ft. Drake

1915 M

3 de agosto de 2018

53.

"Drivers License"

Olivia Rodrigo

1894 M

8 de enero de 2021

54.

"Demons"

Imagine Dragons

1882 M

4 de septiembre de 2012

55.

"Treat You Better"

Shawn Mendes

1881 M

3 de junio de 2016

56.

"Let Me Love You"

DJ Snake ft. Justin Bieber

1880 M

5 de agosto de 2016

57.

"Another Love"

Tom Odell

1878 M

24 de junio de 2013

58.

"Lose Yourself"

Eminem

1867 M

28 de octubre de 2002

59.

"Sorry"

Justin Bieber

1858 M

22 de octubre de 2015

60.

"Mr. Brightside"

The Killers

1841 M

7 de junio de 2004

61.

"Industry Baby"

Lil Nas X ft. Jack Harlow

1841 M

23 de julio de 2021

62.

"Stay with Me"

Sam Smith

1841 M

14 de abril de 2014

63.

"Levitating"

Dua Lipa ft. DaBaby

1840 M

1 de octubre de 2020

64.

"No Role Modelz"

J. Cole

1840 M

4 de agosto de 2014

65.

"Do I Wanna Know?"

Arctic Monkeys

1830 M

19 de junio de 2013

REWIND | ARTÍCULO INF.

MUCHACHITO ROTO El disco de Lolabúm que vino a cambiarlo todo

REWIND | ENTREVISTA

Con su quinta producción, el proyecto que comanda Pedro Bonfim consigue un disco que es digno hijo de su tiempo y que rinde tributo a sonidos que suelen pasarse por alto.

a música de Lolabúm se midiera con un cuadro estadístico, de esos que presentan el final del año fiscal en una empresa, la línea sería ascendente. Es decir, todo estaría marchando bien. Eso es lo primero que se piensa sobre Muchachito roto, el más reciente disco de la banda quiteña. El disco de Lolabúm es un trabajo que vino a cambiarlo todo. Y en el chart, la flecha que asciende es la mejor metáfora para graficar lo que ha venido pasando con Lolabúm. Porque ya son cinco discos y, siempre, el que acaba de salir es evidencia de cómo la propuesta va mejorando de un álbum a otro. Tristes Trópicos —2018— es más compacto y tiene un sonido más pulcro y claro que El Cielo —2016.

ÁLBUMES ESCANEA EL CÓDIGO

REWIND | ENTREVISTA

Verte antes de fin de año y O clarividencia —2020— son los discos pandémicos que reflejan un caos estructural y profundo, junto a un sonido experimental y noisy que muy pocos músicos se han atrevido a conjurar en este lugar.

Hoy, 2023, es el turno de doblar la apuesta EL Cielo

Verte Antes de Fin de Año

Tristes Trópicos

0 Clarividencia

Fecha de publicación 17 de marzo de 2023, o sea, piscis. Producido y mezclado por Ernesto Karolys en el Centro Histórico de Kitu en 2022. Este disco es un tributo a la música ecuatoriana que nos formó. Casi todas las canciones tienen samples o referencias a temazos que nos marcaron como consumidores de los sonidos nacionales. Vamos desde Polibio Mayorga, que no puede faltar, Eduardo Zurita, Los Hermanos Diablo, Biorn Borg, Bondo, Tierra Canela, Kiruba, Neoma, hasta Macho Muchacho y Midfug. Esta ha sido una manera de decirle gracias a toda la gente que hace, ha hecho y hará música en este pedazo de tierra al que le pusimos el nombre de una línea imaginaria, o sea, Ecuador. Nos cambiaron la vida. Nos dieron un sentido, un camino, inspiración y compañía, entonces, gracias siempre. No estoy solo porque tengo historia y esta cumbia dice que siempre te quiero, forever I love you. Menciona Pedro Bonfim.

En Muchachito roto hay una especie de idea unitaria — quizás sea una trampa, una ficción—, que permite pensar en su vocalista, Pedro Bonfim, como ese mismo ser que se supone está descompuesto pero que acepta, con gozo, su estado. Por eso la portada tiene una foto de Pedro Bonfim —tomada por Rigoberto Lequerica— donde se lo ve como ese muchachito roto, pero feliz celebrando lo que es, en la playa. En el fondo, Muchachito roto no es un disco triste, pese a que tiene cierta saudade —el uso de esta palabra en portugués no es aleatorio. Es decir, hay una especie de nostalgia feliz, en medio de una paradoja, que también hace pensar en esa frase que se le atribuye a Alexander von Humboldt sobre los ecuatorianos, esa por la que los habitantes de este país son extraños y raros porque “se alegran con música triste”

REWIND | ENTREVISTA

Este disco es una versión de esta frase donde todo eso intenso, contundente y personal también puede ser motivo de celebración.

Y esto explica mucho de lo que sucede en este trabajo, que tiene la producción y mezcla de Ernesto Karolys —conocido en el ambiente musical como el Ruso. Aquí manda la reiteración: lo que sucede con ciertos versos, sonidos, instrumentos y estilos. Bossanova y cumbia están en un mismo nivel —esos géneros que son dejados de lado y que aquí se actualizan—, las guitarras acústicas tienen mucha más presencia. Portugués y español son los idiomas que pueblan las canciones.

Este disco también habla de una ruptura. Un ecuaboi que debe convertirse en un cry man, pero para lograrlo, debe romperse. Nace, cresce, escola, namoro, termino, amigo, amigos, faculdade, trabalo, promoção, aceitação, trabalo, expandir, trabalo, expandir, trabalo, expandir, superação, supremacia. Algo así. Este es un Disco de 11 Canciones en el que Conviven la Fiesta, la Melancolía y lo Pop

Se grabó entre marzo y agosto de 2022. Es un disco que se estaba haciendo cuando hubo un paro nacional. Y se grabó en el estudio del Ruso, en pleno centro histórico de Quito. Muchachito roto es un disco impresionante, absolutamente contemporáneo, que se conjuga en tiempo presente, a pesar de mirar atrás.

Ese Proceso Orgánico

Pedro Bonfim dice que siempre hay una canción que sirve como faro, como luz, que cataliza el sentido de un nuevo disco. Para Muchachito roto, esa canción fue Nidi —el segundo tema del disco. Una composición que armó con Martín “Techo” Erazo —el otro miembro de la actual Lolabúm— luego de grabar el video musical de Penitas del disco O clarividencia, en 2020. “La hicimos en su casa —donde se grabó el video—, entre las nueve y once de la noche. Fue muy rápido y no estábamos pensando en sacar nada en ese momento. Ni siquiera había salido O Clarividencia, pero la pasamos muy bien haciéndola, porque fue una cosa de hacer melodías chéveres, con letras como un juego y fue muy divertido”, dice Bonfim.

Pero lo de este Disco es Casi Providencial

Las canciones de Muchachito roto salieron rápido, lo que no es igual a decir que salieron con facilidad. El proceso fue casi el de crear un personaje como narrador de muchas canciones —ese muchachito roto que a veces se llama Bonfim— y divertirse en el camino. Una diversión desde cierta ingenuidad.

De no Saber lo que se Estaba Armando

Y todo se fue dando. Las canciones aparecieron. Fueron varias. La guitarra al frente y unos demos que Pedro subió a una cuenta de soundcloud secreta y de acceso privado. Ese santo grial para los fanáticos de Lolabúm. Una de esas veces, mientras escuchaba esos demos con Felipe Lizarzaburu —el Felipe de La Máquina Camaleón— que cayó en cuenta de que ya tenía algo en sus manos con unidad. “Me dijo ‘está buenazo el disco’ y yo como que me dije ¿disco? Y me quedé pensando en eso y al día siguiente estaba en mi casa, y me pregunté quién era esta persona que está cantando estas canciones, y como que se me vino ahí que sí, que ya tenía un disco”, cuenta Bonfim.

REWIND | ENTREVISTA

Esa naturalidad generó una serie de temas que aparecieron uno detrás de otro, como si Pedro Bonfim estuviera conectado con algún tipo de sensibilidad propia de este tiempo. Como ya venía pasando.

Un Disco que Debía ser Grabado en Estudio en el Centro Histórico de Quito En junio de 2022 el disco ya tenía tres meses cocinándose en el estudio del Ruso Karolys. Habían empezado a trabajar en él en marzo, con Salgo en la tele. Pero la canción tomó mucho tiempo. No porque no supieran qué hacer, sino porque —en esa forma orgánica para que todo saliera— productor y músico empezaron a conocerse, a hablar, a encontrar ese punto en común.

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Pedro y el Ruso sabían de la existencia del otro, pero había una distancia, quizás por ser parte de distintas generaciones, quizás por las ideas que existen dentro de una escena independiente ecuatoriana, la que parece no encontrar manera de congeniar varias formas de pensar la música. “Este medio se presta también para los prejuicios —dice Pedro Bonfim—, entonces, como que tenía un poco de recelo de acercarme a él”. En una reunión, por algún gesto azaroso, Pedro Bonfim y el Ruso Karolys terminaron sentados uno al lado del otro. “Ahí como que comenzamos a hablar y me cayó inmediatamente bien. Fue una cosa como que ‘wow, en este man puedo confiar’ y fue justo cuando había decidido hacer el disco”, dice Bonfim. Cuando salían del lugar, Pedro le preguntó a Karolys si estaría interesado en producir lo nuevo y le dijo que sí. De esa manera se empezó a producir ese intercambio de perspectivas en el estudio. Salgo en la tele se hizo casi en tres meses —como esa especie de primera jugada en el ajedrez, para ver lo que tiene para ofrecer quien está al frente.. De ahí, entre junio y agosto, el disco se terminó de cocinar. Las sensibilidades de ambos supieron juntarse y eso se nota en Muchachito roto. Así que entre el bossa —una de las mitades de Bonfim aparece de manera directa, ya que su padre es brasileño—, la cumbia —con la figura de Polibio Mayorga a la cabeza— y el gesto de convertir al pop en algo menos sintetizado, el disco fue saliendo. También con cierta sonoridad propia de la música de hoy, del género urbano. Porque la voz de Pedro está en primer plano, es lo que más se escucha y se reconoce.

Las Letras se Escuchan, Pedro se Centra en Cantar como no lo ha Hecho en los Otros Discos

Así sea en Nidi, cuando canta “Yo soy tu tamagotchi, te extraño cada noche / dame de comer que sino me muero”. O en Shorty 2 —ft Menino Gutto—, en la que dice: “te quiero tanto shory, mi vida es un relajo / mira lo que dejaste, mi corazón twerkeando”.

“Y al tocar la tierra, mi ángel malo dice tonto, pelele bonfim / que más abajo de esto no se cae y tú ni cuenta”

Es probable que ese personaje del muchachito roto tenga su instante más alto en Alegrías computables —una de las mejores canciones del cancionero nacional que se ha podido componer y grabar. Cuando se identifica como el mismo cantante y define un estado de ánimo Esa paradoja entre la necesidad de presencia, de estar con alguien y de encontrar un lugar de pertenencia se mezcla con la melancolía fiestera. Aquí, el dolor ha sido apropiado por el festejo. Si algo duele, todavía hay vida. “Siento que estaba como muy metido en un universo para escribir así como Bad Bunny se permite hacerlo, algo así como jugar”, sintetiza Bonfim.

Pero eso no es algo que solo vino de él. Hace poco, un amigo de Colombia le dijo que sentía que en Ecuador no hay miedo de hacer pop. Pero un pop particular, un neo pop ecuatoriano que entiende mejor lo que es el pop de ahora. “Ese pop que para mi generación es el reguetón”, dice. Muchachito roto no es un disco de reguetón. Pero lo entiende, lo visita, reconoce sus sonoridades. Se apropia de algunos detalles, de cómo todo debe sonar, tener su espacio, su momento. No es reguetón, pero al mismo tiempo sí lo es. “Justo veía que alguien puso en Twitter: ‘Los Lolabúm se hicieron reguetoneros, y me da chiste porque somos reguetoneros en un disco donde está una canción como Alegrías Computables o una como Crymen —se pronuncia “crimen”—. Entonces, sí siento que es reguetonero”, dice Pedro Bonfim. Esto significa que Lolabúm ha entendido el tiempo que le toca vivir y canta en él. Felipe, de la Máquina Camaleón, le contó que se había subido a un taxi y que sonaba La noche de anoche, de Bad Bunny y Rosalía. Y que todo salía por un parlante dañado, pero la voz sonaba con absoluta claridad. “Eso me dejó pensando muchísimo, y claro, supe que así quería que fuera el disco, con la voz como lo súper principal”, termina Pedro Bonfim.

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Y en el ejercicio de crear nuevos discursos y versos que suenen contemporáneos —las letras de Muchachito roto solo pudieron ser creadas en este tiempo; no antes, ni después—, el disco da muchas veces en el clavo. En esta idea de festejo por todo aquello que no es lo correcto, que no funciona como debería, pero que es.

En el camino no solo eso fue posible. Lolabúm ha lanzado el mejor disco de su carrera y una de las mejores producciones que se han hecho en el país. Y eso no es poca cosa. Solo fue cuestión de reconocer el momento en el que estamos todos, ser una especie de reflejo de la actualidad.

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