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Masques — Sonatas for Violin and Piano Sergei Prokofiev Elsa Grether, David Lively

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Credits Tracklist Programme note

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DE

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Recording

English translations

Brussels, Flagey, Studio 4

Peter Lockwood

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22-25 July 2018 Deutsche Übersetzungen Artistic Direction, recording & mastering

Silvia Berutti-Ronelt

Aline Blondiau

Dedicated to Matthias, Jacqueline and Bernard

Special thanks to Flagey, Aline Blondiau, Jérôme Lejeune and the whole Outhere team, Antoine Vatat and Vatat SAS, Francis Albou and the Prokofiev Association, Mavim and all those whose support and contribution made this recording possible.

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Elsa Grether

Fuga Libera

Editorial Coordinator

Artistic Director

Julien Lepièce

Jérôme Lejeune Photography and cover © Klara Beck Design

Except photography of Sergei Prokofiev in the digipak, Courtesy of

Stoëmp Studio

the Serge Prokofiev family

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Elsa Grether: violin David Lively: piano

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Sergei Prokofiev (1891-1953)

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Sonata No. 2 in D Major for Violin and Piano, Op. 94bis . I. Moderato

8’15

02

. II. Scherzo

5’03

03

. III. Andante

3’53

04

. IV. Allegro con brio

7’25

05

. Masques for Violin and Piano

01

(From Romeo and Juliet, Op. 64), transcription by Jascha Heifetz

2’32

Sonata in D Major for Solo Violin, Op. 115 . I. Moderato

4’58

. II. Andante dolce

3’39

. III. Con brio

3’46

06 07

08

Sonata No. 1 in F Minor for Violin and Piano, Op. 80 . I. Andante assai

6’46

. II. Allegro brusco

6’59

. III. Andante

7’06

12

. IV. Allegrissimo — Andante assai, come prima

7’29

13

. March for Violin and Piano

09 10 11

(From The Love for Three Oranges, Op. 33),

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transcription by Jascha Heifetz

1’46

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Prokofiev’s output may seem paradoxical, although this is hardly the case. We should not be surprised that this magnificent virtuoso pianist should have composed the finest works for strings of the entire 20th century. He wrote not only for the violin, increasing its repertoire with two splendid concertos and two sonatas that are just as exceptional, but also for cello, creating a number of unique masterpieces for the instrument.

This bouquet of works should also include the two string quartets, so different in character and yet marked so clearly with Prokofiev’s imprint. The seven symphonies also contain writing for strings that is particularly luminous and demanding and also shows an exemplary handling of string technique.

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Prokofiev began to consider composing his sonatas for violin and piano towards the end of his time in the West. The pieces all differ considerably in mood, for Prokofiev liked to create works that contrasted strongly with each other: his operas Semyon Kotko and Betrothal in a Monastery were premiered in 1940 and 1941 respectively; these two works are as different from each other as were the sonatas.

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The Sonata in F minor op. 80 was composed between 1938 and 1946 and follows traditional sonata form with two principal themes. Its composition stretched over a long period, partly because world events inspired him to compose such works as the cantata Alexander Nevsky and the 5th Symphony. He seems to have put down the first notes of the sonata onto paper during his final period in the United States; it was during that time that he almost settled there to work in the Disney studios. After having sketched out the first movement, he then abandoned the piece for eight years. When he returned to it, his health was no longer what it had been. His return to Russia had not been as idyllic as he had hoped, and his works were subject to censorship. His wife Lina, a Spanish singer, was suspected of being a spy by the authorities. A separation proved to be inevitable.

The clouds of war also began to appear on the horizon and Stalinism reared its ugly head. The suffering that Prokofiev felt at this time was to shape the new sonata in part; it may well be the reason why he created such an impassioned work that alternates between dramatic exuberance and unspoken anguish. The pianist Lev Oborin, who gave the first performance of the sonata, was clearly too reserved in his playing style; Prokofiev told him “You have to play it in such a way that people jump onto their seats and ask each other ‘has he lost his mind?’”

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Prokofiev did say, however, that the first movement had been inspired by the Grave of Handel’s Sonata in D minor HWV 359 for violin and continuo. This was not the first time that Prokofiev had evinced an interest in baroque music: he had already transcribed and performed a Prelude and Fugue by Buxtehude, a curiosity indeed at a time when the works of Bach himself were just beginning to be rediscovered. It is not surprising, therefore, that the two sonatas for violin and piano are respectfully classical in cut.

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The Andante in F minor first presents a continuo-like bass line, whilst the violin provides a counterpoint of trills. The time signature varies between 3/4 and 4/4. The piano sketches out heavy and worrying bass notes, after which the violin takes the lead with a melody that uses double-stopping. The piano plays a series of anxious harmonies into which the violin enters with a constellation of demisemiquavers that cause the listener to shudder. A short recapitulation is set against a few pizzicato notes in recitative style, and all is extinguished.

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Allegro brusco marcatissimo e pesante. A theme in 2/2, proudly stated in C major, the dominant of F minor, sets the dance-like tone of the movement.

Sonata form is observed faithfully. Groups of three and two crotchets appear in alternation. After a more restrained transition, a new extended theme then appears; its heroic character was a deliberate choice by the composer. An accelerando then introduces a section in which the violin makes use of double and triple stopping. This tragic cavalcade is tempered by an episode marked piĂš tranquillo, after which a recapitulation of the several themes brings this impassioned movement to a close with panache.

The Andante in F major is like an oasis in the desert, with Prokofiev allowing his lyrical side full expression. A caressingly muted theme in 4/4 is given animation

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by the limpid flow of the piano. A second theme in triplets provides a soothing contrast before the recapitulation; an eloquent coda enlivens the coda before silence returns once more. All in all, a free adaptation of song form.

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The final Allegrissimo is as impassioned as it is rich in contrasts. It is built around the rondo form. The returning theme, which initially alternates bars in 5/8, 7/8 and 8/8 repeats a short motif unrestrainedly seven times; this is brought to a halt by a decisive chord on the violin. A sample of chaos that has been tamed remarkably well! The dialogue between violin and piano is incandescent. An unexpected return to the atmosphere of the first movement appears, thanks to a particularly beautiful melodic theme. After a final appearance of the refrain, the movement comes to a close in cyclic fashion, with the principal themes of the various movements all reappearing, including the shuddering scales of the opening Andante. All is then extinguished in a fevered and interrogatory silence.

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This Sonata op. 80 was first performed by David Oistrakh, its dedicatee, and Lev Oborin in Moscow on 23 October 1946.

The Sonata in D major op. 94bis was in fact completed before the previous sonata. It exists in two forms, having first been composed as a duo for flute and piano. The flautist NicolaĂŻ Charkovski and the pianist Sviatoslav Richter gave the piece its premiere on 7 December 1943. Oistrakh was present at the concert and, carried away by the music, he asked his friend Prokofiev to create a version of the work for violin. Oistrakh and Oborin gave the first performance of the new version of the piece some six months later. Oistrakh demonstrated various techniques particular to the violin that Prokofiev studied and then adapted before putting them to use. The piano part remained unchanged from the first version. Unlike the Sonata op. 80, this Sonata in D major was composed

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relatively quickly, although it too is made up of four movements that are strictly classical in cut. This Sonata, like its companion work, is characterised by a vigorous dynamism that is full of contrast. Its tone, however, is more soothing and more voluble. A somewhat bucolic and supple atmosphere originally lent by the flute hovers underneath the violin’s line. The dramas of life and the war are not to be heard. “I wanted this Sonata to have a classical sonority, clear and transparent”, stated Prokofiev. Its transcription for violin changed nothing of this, although the titles of the movements are slightly different depending of the version being performed.

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Andantino (Moderato). This is marked in 4/4 and is constructed upon two highly melodic themes. The first is in D and its wonderful setting recalls the liquid delivery of the flute. The second is in A has a somewhat martial air with its dotted rhythms. Themes in duple and triple time are brought into action against each other and introduce a development section that is almost humorous and that refers to the rhythms of military marches. A short recapitulation brings back the themes that have already been heard before the movement comes to a pianissimo conclusion.

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The Allegro presto (Scherzo) that follows is actually a lively scherzo in A minor.

It is one of the wilder movements, rhythmically speaking, that Prokofiev liked to introduce into his works; another such movement is the scherzo of his first violin concerto. A dance-like mood is extremely evident in the two themes that unfold over an incisive piano accompaniment. The trio in 2/4 in the centre of the movement is in total contrast: it creates a brief folkloric diversion before the return of the scherzo proper.

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As in his op. 84, the Andante in F is the calm at the heart of the storm. A smoothly romantic mood persists throughout its two themes that are passed nonchalantly from the violin to the piano in true concertante style. A subdued shiver arrives to ruffle the tranquillity before the two themes quietly return.

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An Allegro con brio in 4/4, full of humour, concludes the work with a virtuoso duel between the two soloists. The first theme, divided into two parts, is a pretext for an elegant succession of exchanges between the two instruments. A sudden poco meno mosso seems to let the piano take the lead in a seemingly martial episode. The main theme returns; a more poetic development then provides a few moments of bucolic charm before an incandescent final display of virtuosity.

The Sonata op. 94bis was first performed by David Oïstrakh and Lev Oborin at the Moscow Conservatory on 17 June 1944.

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The Sonata for solo violin in D major op. 115 was Prokofiev’s last composition for a stringed instrument. It contains surprising contrasts in which subtle rhythmic tension is blended with delicate lyricism; this is a primary characteristic of Prokofiev’s melodic style. The music sounds extremely Russian thanks to the vigour and the sensuality of its themes. The work came to be composed in unusual circumstances: Prokofiev had been invited to the finals of the violin competition of the Moscow Conservatory in May 1947, during which the contestants had to perform Bach’s Partita No. 3 in E major in unison. Inspired by the occasion, he then decided to write a piece that could also be performed collectively or as a solo piece. The Sonata op. 115 was swiftly conceived and composed, without a dedication. It was first performed, however, only in 1959, six years after Prokofiev’s death. The sonata has three movements, fast, slow, fast, in the Italian style.

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The first movement, Moderato, makes use of the traditional ABA form, in which two characteristic themes are brought into dialogue. The first of these is incisive and virtuoso in style and is continued by a much more flowing passage that is reminiscent of Bach. The second is more lyrical and displays a typically Russian rhetoric, with slashing and powerful marcato chords on the four strings. After a development rich in unexpected modulations, the principal themes reappear in an inventive recapitulation that leads to a passionate coda with an irresistible upward surge.

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The second movement, Andante dolce, is undoubtedly the most original. It consists of a theme of eight measures that are then followed by five variations whose inspiration is as rich as it is varied. The second variation in 12/8 cannot help but evoke the shadow of Paganini. The fourth, fiercely virtuoso, is in the style of a perpetuum mobile. Each of them presents the technical and expressive possibilities of the violin, making use also of pizzicati and double stopping, as we hear in the last variation. One unusual detail is that the theme as well as the variations end with the return of the same melodic phrase.

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The final movement, Con brio, is a joyful rondo or, more precisely, a rondo-sonata; its principal theme is a vigorous mazurka with a clearly indicated rhythms and has a somewhat mechanical character that is a characteristic of Prokofiev’s music. Five contrasting episodes, supple and melodic alternating with violent and passionate, appear between the statements of the rondo theme. Episodes 1 and 3 (evolving in thirds) are identical, as are episodes 2 and 4. A dizzy allegro precipitato keeps them apart. The mazurka theme returns — after several journeys to distant keys — in the luminous clarity of D major; this gives rise to a dazzling virtuoso cadenza that is a variation of the earlier precipitato as well as a reminiscence of the first movement.

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In short, this music is far removed from the Parisian pungencies composed by the young Prokofiev in the 1920s, but much closer to the luxurious phrases of his Romeo and Juliet and also, if we look closely, to the Peter and the Wolf that he had composed eleven years earlier.

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The two short works that complete this disc are transcriptions made by Jascha Heifetz; the great works from which they were drawn were to be the subject of many adaptations, the earliest of which were made by Prokofiev himself.

Prokofiev’s ballet Romeo and Juliet was first performed in Brno in 1938; Masks is an excerpt from the second scene of act I: a mischievous little march announces Romeo, Mercutio and Benvolio’s arrival at the ball. Not having been invited, they appear masked.

The Love for Three Oranges was first performed in Chicago in 1921. The March recorded here is extremely familiar to audiences; it appears at the end of the first scene of Act II, when the poor hypochondriac prince is led against his will to an event that all hope will make him laugh. The laughter that eventuates, however, is caused by something very different.

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Francis Albou (Association Serge Prokofiev, Reims)

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Avec Prokofiev, nous ne sommes pas à un paradoxe près ! Nul ne s’étonnera que ce fabuleux virtuose du clavier ait laissé à la postérité parmi les plus belles compositions pour cordes de tout le XXe siècle. Le violon, bien sûr, dont le répertoire s’est enrichi de deux splendides concertos et de deux sonates tout aussi exceptionnelles. Mais également le violoncelle, pour lequel Prokofiev a produit de singuliers chefs-d’œuvre. De cette gerbe fastueuse, on ne saurait omettre les deux quatuors, si différents et pourtant si marqués de la griffe du maître. Quant aux sept symphonies, elles arborent une écriture pour cordes particulièrement lumineuse et virtuose, techniquement exemplaire.

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C’est à la fin du séjour occidental que Prokofiev songea à écrire ses sonates pour violon et piano. Elles sont fort différentes par leur esprit. Prokofiev aimait à concevoir des ouvrages contrastés. En 1940 et 1941, il donnait deux opéras aussi différents que peuvent l’être les sonates, Semyon Kotko et Les Fiançailles au couvent.

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La Première Sonate en fa mineur opus 80 fut écrite entre 1938 et 1946. Elle obéit à la structure traditionnelle de la sonate bithématique. Sa gestation fut longue. Il est vrai que les événements du monde imposèrent alors d’autres inspirations au compositeur, comme on peut l’entendre dans la cantate Nevsky ou dans la Cinquième Symphonie. Sans doute jeta-t-il sur le papier les premières notes de sa sonate en fa lors de son ultime séjour aux ÉtatsUnis. Séjour qui le vit presque s’y établir afin de travailler dans les studios de Walt Disney. Après l’ébauche du premier mouvement, une interruption de huit ans… Mais lorsqu’il revint à son manuscrit, sa santé n’était plus ce qu’elle était. Le retour en Russie ne fut pas aussi idyllique qu’il l’avait espéré.

La censure veillait… Sa femme Lina, une cantatrice espagnole, était suspecte aux yeux des autorités. N’était-elle pas une espionne ? La séparation s’avérait inévitable… Puis la guerre se dessinait à l’horizon et le stalinisme déployait son lugubre manteau… Les stigmates de cette sombre période allaient modeler en partie la nouvelle sonate. Est-ce la raison pour laquelle Prokofiev en fit une page brûlante qui oscille entre exubérance dramatique et angoisse inavouée ?

Toujours est-il qu’il expliquait au pianiste Lev Oborine, l’un des créateurs de l’opus 80, sans doute trop réservé dans son jeu : « Cela doit sonner de telle sorte que les gens sautent sur leur siège en se disant : a-t-il perdu la tête ? »

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Prokofiev raconta pourtant que le premier mouvement lui avait été inspiré par le Grave de la Sonate pour violon et continuo en ré mineur (HWV 359) de Haendel. Ce n’est pas la première fois que le compositeur portait un intérêt à la musique baroque. On sait qu’il avait transcrit et joué en concert un Prélude et Fugue de Buxtehude… Quelle curiosité en un temps où l’on commençait tout juste à redécouvrir Bach ! Rien d’étonnant à ce que les deux sonates pour violon et piano observent un respectueux classicisme.

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L’Andante en fa mineur pose d’abord une basse à la manière d’un continuo que le violon contrepointe d’amples trilles. Le rythme est noté 3/4 et 4/4. De lourdes et inquiétantes basses au piano se dessinent… puis le violon s’impose avec une mélodie en doubles cordes. Le piano tisse alors une série d’accords anxieux sur lesquels le violon fuse en une constellation de triples croches qui donne le frisson… Brève réexposition contrepointée de quelques pizzicatos recitativo, puis tout s’éteint…

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Allegro brusco marcatissimo e pesante. Un thème à 2/2, fièrement énoncé en do (dominante de fa mineur), donne le ton, celui de la danse. La forme sonate y est fidèlement respectée. Alternent alors des groupes de trois et deux noires.

Après une transition plus contenue, un nouveau motif extrêmement étendu se fait jour. Son caractère « héroïque » est voulu par l’auteur. Puis un accelerando permet au violon de chanter sur deux et trois cordes. La tragique chevauchée est tempérée par un épisode più tranquillo avant qu’une réexposition des différents thèmes ne conclue avec panache cette page enflammée.

L’Andante en fa majeur est la véritable oasis de la sonate. Le Prokofiev lyrique s’y déploie à plaisir. Un caressant motif à 4 temps, avec sourdine, est animé

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par le ruissellement limpide du piano. Un second thème en triolets vient apporter un contraste apaisant avant que ne s’inscrive la réexposition qu’une coda volubile égaiera avant le retour au silence. En somme, une forme lied librement revisitée…

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L’Allegrissimo final est aussi passionné que contrasté. Il s’articule autour de la forme rondo. Le refrain, qui fait alterner en son début des mesures à 5/8, 7/8 et 8/8, répète à sept reprises un bref motif débridé qui se brise sur un accord conclusif du violon. Une sorte de chaos remarquablement dompté ! Le dialogue violon-piano y est incandescent. Un retour inattendu vers l’atmosphère du premier mouvement se dessine, grâce à un motif mélodique d’une grande beauté. Après une réapparition variée du refrain, le final s’achève de manière cyclique, faisant réapparaître les principaux thèmes des différents mouvements, dont les frémissantes gammes du premier Andante. Puis tout s’éteint dans un fébrile silence interrogatif.

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La Sonate opus 80 fut créée le 23 octobre 1946 à Moscou par David Oïstrakh, le dédicataire, et Lev Oborine.

La Seconde Sonate en ré majeur opus 94bis fut en fait achevée la première.

Elle revêt deux identités. La première est un duo pour flûte et piano. Le flûtiste Nikolaï Charkovski et le pianiste Sviatoslav Richter en donnèrent la première le 7 décembre 1943. Oïstrakh était présent. Ébloui par la musique, il demanda à son ami Prokofiev d’en écrire une version pour violon. Six mois plus tard, Oïstrakh et Oborine créaient la nouvelle partition. Le grand violoniste participa à la réalisation de quelques tournures purement violonistiques que le compositeur étudia, corrigea, avant de les adopter… La partie de piano est

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identique dans les deux rédactions. À la différence de l’opus 80, la sonate en ré majeur connut une prompte gestation. Comme sa sœur, elle adopte une structure en quatre mouvements d’un strict classicisme. Comme elle, un vigoureux dynamisme riche de contrastes caractérise son discours. Mais le ton est plus apaisé, plus volubile. Une atmosphère volontiers bucolique héritée de la flûte plane souplement sous le chant du violon. Les drames de la vie, la guerre ne s’y font point sentir. « Je voulais que cette sonate ait une sonorité classique, claire et transparente », précisait l’auteur. La transcription pour le violon ne modifiera rien… L’intitulé des mouvements varie cependant légèrement d’une version à l’autre.

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Andantino (Moderato). C’est un mouvement de forme sonate à 4 temps bâti sur deux thèmes très mélodiques. Le premier, en ré, merveilleusement dessiné, rappelle la fluidité de la flûte. Le second, en la, est un rien plus martial avec ses rythmes pointés. Motifs binaires et ternaires vont alors s’opposer, annonçant un développement central presque drôle, faisant appel à des rythmes de marche militaire… Puis une brève récapitulation rappelle les motifs entendus avant une conclusion pianissimo.

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L’Allegro presto (Scherzo) qui suit est en fait un scherzo très allant en la mineur. Il compte parmi ces pages un rien farouches, d’allure rythmique, que Prokofiev aimait à disséminer dans ses ouvrages, tel le scherzo du Premier Concerto pour violon. L’atmosphère de la danse est palpable dans les deux thèmes qui se déploient sur un accompagnement pianistique incisif. Le trio central à 2/4, très contrasté, vient créer une brève diversion folklorique, très slave, avant le retour du scherzo.

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Comme dans l’opus 84, l’Andante en fa est le moment de calme de la sonate.

Un suave climat romantique s’étire tout au long de ses deux thèmes qui passent nonchalamment du violon au piano dans un pur esprit concertant. À peine un sourd frémissement viendra animer la méditation avant le paisible retour des thèmes.

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Un Allegro con brio à 4/4, plein d’humour, conclut l’ouvrage par une sorte de duel virtuose entre les deux solistes. Le premier thème, scindé en deux éléments, est prétexte à un pimpant jeu de passes entre les deux instruments. Puis un subit poco meno mosso semble donner la parole au piano en un épisode faussement belliqueux. Après un retour du thème principal, un développement plus poétique offre quelques instants de charme bucolique avant l’incandescent bouquet final.

La Sonate opus 94bis fut créée au Conservatoire de Moscou le 17 juin 1944 par David Oïstrakh et Lev Oborine.

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La Sonate pour violon seul en ré majeur opus 115 est la dernière composition pour cordes de Prokofiev. Elle réserve de surprenants contrastes où une subtile tension rythmique se mêle à un lyrisme délicat, tout à fait représentatif de l’inspiration mélodique du compositeur. Elle sonne très russe par la vigueur et la sensualité des thèmes. Sa gestation est assez cocasse. En mai 1947, Prokofiev fut invité à la finale du concours de violon du Conservatoire de Moscou. À la fin de l’épreuve, les candidats jouèrent à l’unisson la Troisième Partita en mi majeur de Johann Sebastian Bach. Séduit, le compositeur envisagea alors une œuvre semblable pouvant également se prêter à ce jeu collectif… ou non ! La Sonate opus 115 – dépourvue de dédicace – fut alors

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rapidement conçue. Mais elle ne serait créée qu’en 1959, six ans après la mort de Prokofiev.

Trois mouvements, à l’italienne… vif, lent, vif.

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Le premier, Moderato, est de facture ternaire tout à fait traditionnelle. Il fait dialoguer deux motifs caractéristiques. Le premier, incisif et virtuose, se prolonge par un épisode nettement plus fluide, rappelant l’écriture de Bach. Le second, lyrique, affiche une rhétorique typiquement russe, lacérée de puissants accords marcato sur quatre cordes. Après un développement riche en modulations imprévues, les thèmes essentiels réapparaissent dans une réexposition inventive conduisant à une brûlante coda d’une irrésistible envolée.

Le second, Andante dolce, est sans doute le plus inspiré. Il consiste en un thème de huit mesures suivi de cinq variations à l’inspiration aussi riche que variée. La seconde, à 12/8, n’est pas sans éveiller nos souvenirs de Paganini.

La quatrième, farouchement virtuose, tisse une ondulation continue façon perpetuum mobile. Chacune d’elles exprime les possibilités techniques et expressives du violon, où ne sont omis ni les pizzicatos ni les doubles cordes, comme en témoigne la dernière variation. Détail singulier, thème et variations s’achèvent par le retour de la même incise mélodique.

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Le final, Con brio, est un joyeux rondo ou, plus précisément un rondo-sonate, qui développe un refrain aux élans mécaniques, bien dans la veine du compositeur. Ce refrain est une vigoureuse mazurka au rythme fermement dessiné.

Entre ses apparitions, cinq couplets dessinent des épisodes très contrastés, alternativement souples et mélodiques, violents et passionnés. Les couplets 1

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et 3 (évoluant en tierces), de même que 2 et 4, sont identiques. Un vertigineux allegro precipitato les sépare. Après plusieurs périples dans des tonalités éloignées, le refrain-mazurka fait son retour, dans la lumineuse clarté de ré majeur, donnant lieu à une éblouissante cadence de virtuosité qui est une variante du precipitato précédent et un rappel du premier mouvement.

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En somme, une musique fort éloignée des âpretés parisiennes du jeune Prokofiev des années 1920, mais bien proche des somptueux drapés de Roméo et Juliette et aussi, à y regarder de près… d’un certain Pierre et le loup conçu onze années auparavant.

Les deux courtes pages qui complètent ce disque sont des transcriptions réalisées par le grand violoniste Jascha Heifetz. Ces pièces célèbres firent l’objet de multiples adaptations, dont les premières sont de Prokofiev lui-même.

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Masques est tirée de la seconde scène de l’acte I du ballet Romeo et Juliette et fut créée à Brno en 1938. C’est une petite marche espiègle qui annonce l’arrivée au bal de Roméo, Mercutio et Benvolio. N’y étant pas conviés, ils se présentent masqués…

Très célèbre, la Marche de L’Amour des trois oranges est tirée du fameux opéra donné à Chicago en 1921. Elle marque la fin du premier tableau de l’acte II, où le pauvre prince hypocondriaque est conduit malgré lui à un divertissement censé le divertir… Mais le rire tant espéré lui viendra d’un tout autre événement...

Francis Albou (Association Serge Prokofiev, Reims) Fuga Libera

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Bei Prokofjew kommt es auf einen Widerspruch mehr oder weniger nicht mehr an! Niemand wird sich darüber wundern, dass dieser fabelhafte Klaviervirtuose der Nachwelt Kompositionen für Streichinstrumente hinterließ, die zu den schönsten des 20. Jh. zählen; darunter natürlich Werke für die Violine, deren Repertoire er mit zwei prächtigen Konzerten und zwei ebenso außergewöhnlichen Sonaten bereicherte, aber auch für Cello, für das Prokofjew einzigartige Meisterwerke schrieb. Unter diesen wunderbaren Werken sind die zwei Quartette nicht zu vergessen, die so unterschiedlich sind und doch beide die Handschrift des Meisters erkennen lassen. Was die sieben Symphonien betrifft, so weisen sie für die Streicher eine besonders strahlende, virtuose, technisch beispielhafte Kompositionsweise auf.

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Prokofjew dachte am Ende seines Aufenthalts im Westen daran, seine Sonaten für Violine und Klavier zu schreiben. Sie unterscheiden sich durch ihren Geist stark voneinander. Prokofjew entwarf gern kontrastreiche Werke. In den Jahren 1940 und 1941 schrieb er zwei Opern, die ebenso verschieden voneinander sind wie die Sonaten: Semjon Kotko und Die Verlobung im Kloster.

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Die erste Sonate in f-Moll op. 80 wurde zwischen 1938 und 1946 geschrieben.

Sie folgt der traditionellen Struktur einer bithematischen Sonate. Ihre Entstehungszeit zog sich lange hin. Allerdings erforderten die Ereignisse der Zeit andere Inspirationen von ihm, wie etwa die Kantate Alexander Newski oder die 5. Symphonie. Sicher warf er die ersten Noten seiner Sonate in f bei seinem letzten Aufenthalt in den Vereinigten Staaten aufs Papier. Während dieses Aufenthalts hätte er sich beinahe dort niedergelassen, um in den Studios von Walt Disney zu arbeiten. Nach der Skizze des 1. Satzes unterbrach er die Arbeit für acht Jahre ... Doch als er auf das Manuskript zurückgreift, ist seine Gesundheit nicht mehr dieselbe. Die Rückkehr nach Russland war nicht so idyllisch, wie er gehofft hatte. Die Zensur war wachsam ... Seine Frau Lina (eine spanische Sängerin) war in den Augen der Behörden verdächtig. War sie nicht vielleicht eine Spionin? Die Trennung wurde unvermeidlich ... Dann zeichnete sich der Krieg am Horizont ab und der Stalinismus breitete seinen düsteren Mantel aus ... Die Stigmata dieser dunklen Zeit wirkten sich teilweise auf die neue Sonate aus. Ist das der Grund, aus dem Prokofjew daraus ein leidenschaftliches Werk machte, das zwischen dramatischer Überschwänglichkeit und nicht eingestandener Angst schwankt. Jedenfalls erklärte er dem Pianisten Lev Oborin, einem der Künstler, der das Opus 80 uraufführte und dessen Spiel wahrscheinlich zu zurückhaltend war: „Es muss so klingen, dass die Leute auf ihre Sitze springen und sagen: Hat er den Verstand verloren? ...“

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Dabei erzählte Prokofjew, dass er zum ersten Satz vom „Grave“ der Sonate für Violine und Continuo in d-Moll (HWV 359) von Händel inspiriert wurde. Es war nicht das erste Mal, dass Prokofjew Interesse an der Barockmusik zeigte.

Bekanntlich transkribierte und spielte er in Konzerten ein Präludium und Fuge von Buxtehude ... Eine Rarität in einer Zeit, in der man gerade erst begann, Bach neu zu entdecken! Es ist also nicht erstaunlich, dass die beiden Sonaten für Violine und Klavier respektvoll klassisch bleiben.

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Das Andante in f-Moll stellt zunächst einen Bass in Art eines Continuos vor, zu dem die Violine einen Kontrapunkt aus reichlichen Trillern spielt. Der Rhythmus ist im 3/4- und 4/4-Takt notiert. Schwere, beunruhigende Bässe zeichnen sich im Klavier ab ... dann setzt sich die Violine mit einer Melodie in Doppelgriffen durch. Das Klavier webt daraufhin eine Reihe banger Akkorde, über denen die Violine in einer Konstellation aus Zweiunddreißigsteln hervorsprudelt, dass es einem kalt über den Rücken läuft ... Eine kurze kontrapunktierte Reprise mit ein paar Pizzicati recitativo, dann erlischt alles ...

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Allegro brusco marcatissimo e pesante. Ein Thema im 2/2-Takt, das stolz in C (der Dominante von f-Moll) gespielt wird, gibt den Ton an, nämlich den eines Tanzes. Die Sonatenform wird treu eingehalten. Darauf wechseln Gruppen von drei und zwei Viertelnoten ab. Nach einem beherrschteren Übergang, tritt ein neues, äußerst ausgedehntes Motiv zutage. Sein „heroischer“ Charakter ist vom Autor beabsichtigt. Dann erlaubt ein accelerando der Violine, auf zwei und drei Saiten zu singen. Der tragische Ritt wird durch eine più-tranquillo-Episode gemäßigt, bevor eine Reprise der verschiedenen Themen diesen leidenschaftlichen Satz mit Beherztheit endet.

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Das Andante in F-Dur ist eine wahre Oase der Sonate. Hier entfaltet sich der lyrische Prokofjew mit Vergnügen. Ein zärtliches Thema im Vierertakt mit Dämpfer wird durch das klare Rieseln des Klaviers beseelt. Ein zweites Thema in Triolen bringt einen beruhigenden Kontrast vor der Reprise, die eine zungenfertige Coda vor der Rückkehr zur Stille auflockert. Alles in allem eine frei nachempfundene Liedform ...

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Das abschließende Allegrissimo ist ebenso leidenschaftlich wie kontrastreich.

Es ist rund um eine Rondoform aufgebaut. Der Refrain, bei dessen Beginn 5/8-, 7/8- und 8/8-Takte miteinander abwechseln wiederholt in sieben Reprisen ein kurzes, entfesseltes Motiv das an einem abschließenden Akkord der Geige zerbricht. Eine Art Chaos, das in beachtenswerter Art gezügelt wird! Der Dialog zwischen Violine und Klavier ist dort glühend. Eine unerwartete Rückkehr zur Stimmung des ersten Satzes zeichnet sich dank eines melodischen Motivs von großer Schönheit ab. Nach einem variierten Wiederauftauchen des Refrains endet das Finale zyklisch, indem es die Hauptthemen der verschiedenen Sätze wieder zu Gehör bringt, darunter die bebenden Tonleitern des ersten Andantes. Dann erlischt alles in einer fiebrigen, fragenden Stille.

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Die Sonate op. 80 wurde am 23. Oktober 1946 in Moskau vom Widmungsempfänger David Oistrach und Lev Oborin uraufgeführt.

Die zweite Sonate in D-Dur op. 94bis wurde eigentlich als erste vollendet. Sie hat zwei Erscheinungsformen. Die erste ist ein Duo für Flöte und Klavier. Der Flötist Nicolai Charkovsky und der Pianist Swjatoslaw Richter interpretierten die Uraufführung am 7. Dezember 1943. Oistrach war anwesend. Von der Musik fasziniert, bat er seinen Freund Prokofjew eine Fassung für Violine zu schreiben. Sechs Monate danach fand die Uraufführung der neuen Sonate Fuga Libera

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mit Oistrach und Oborin statt. Der große Geiger nahm an der Komposition einiger rein geigerischen Wendungen teil, die sich der Komponist ansah und korrigierte, bevor er sie akzeptierte ... Der Klavierpart ist in beiden Fassungen identisch. Im Gegensatz zu Opus 80 entstand die Sonate in D-Dur rasch.

Wie ihre Schwester hat sie einen viersätzigen, streng klassischen Aufbau, wie bei ihr kennzeichnet eine kräftige Dynamik mit vielen Kontrasten den Diskurs. Doch der Ton ist ruhiger, redseliger. Eine absichtlich bukolische, von der Panflöte übernommene Stimmung schwebt leicht unter dem Gesang der Violine. Weder die Dramen des Lebens noch der Krieg sind darin zu spüren. „Ich wollte, dass diese Sonate einen klassischen, klaren und transparenten Klang hat“, erklärte der Komponist. Die Transkription für Violine ändert daran nichts ... Die Bezeichnung der Sätze jedoch ist von einer Fassung zur anderen nicht ganz die Gleiche.

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Andantino (Moderato). Es handelt sich um einen Satz in Sonatenhauptsatzform in einem Vierertakt, der auf zwei sehr melodischen Themen aufbaut. Das erste in D-Dur ist wunderbar angelegt und erinnert an das fließende Spiel der Flöte. Das zweite in A-Dur ist mit seinen punktierten Rhythmen etwas martialischer. Danach stehen einander binäre und ternäre Motive gegenüber und künden eine zentrale Durchführung an, die fast lustig ist und Rhythmen von Militärmärschen einsetzt... Vor dem Schluss im Pianissimo ruft eine kurze Reprise die Motive in Erinnerung.

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Das darauffolgende Allegro presto (Scherzo) ist eigentlich ein sehr schwungvolles Scherzo in a-Moll. Es zählt zu den etwas heftigen, rhythmischen Momenten, die Prokofjew gern in seinen Werken verstreute wie zum Beispiel das Scherzo im ersten Violinkonzert. Der Tanzcharakter ist in den ersten zwei

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Themen spürbar, die sich über einer beißenden Begleitung des Klaviers entfalten. Das zentrale Trio im 2/4-Takt bildet dazu einen starken Kontrast und bringt vor der Rückkehr zum Scherzo eine kurze volkstümliche, sehr slawische Abwechslung.

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Wie beim Opus 84 bringt das Andante in F der Sonate einen Moment der Ruhe.

Eine liebliche romantische Stimmung herrscht während der zwei Themen, die in einem rein konzertanten Geist lässig von der Violine zum Klavier übergehen.

Ein dumpfes Schauern belebt die Meditation vor der friedlichen Rückkehr der Themen kaum.

Ein humorvolles Allegro con brio im 4/4-Takt beschließt das Werk mit einer Art virtuosem Duell zwischen den beiden Solisten. Das erste, in zwei Elemente unterteilte Thema ist Vorwand für ein frisches Passspiel zwischen den beiden Instrumenten. Dann scheint ein plötzliches meno mosso in einer nur anscheinend kampflustigen Episode dem Klavier das Wort zu erteilen. Nach einer Rückkehr zum Hauptthema bringt eine poetischere Durchführung einige Augenblicke von bukolischem Charme vor dem sprühenden, krönenden Abschluss.

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Die Sonate op. 94 bis wurde am 17. Juni 1944 am Moskauer Konservatorium von David Oistrach und Lew Oborin uraufgeführt.

Die Sonate für Violine Solo in D-Dur op. 115 ist Prokofjews letzte Komposition für Streicher. Sie hat überraschende Kontraste, bei denen sich eine subtile rhythmische Spannung mit einer zarten Lyrik mischt, die für die melodische Inspiration des Komponisten repräsentativ ist. Durch die Kraft und die Sinnlichkeit ihrer Themen klingt die Sonate sehr russisch. Ihre Entstehung war Fuga Libera

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ziemlich witzig. Im Mai 1947 wurde Prokofjew zum Finale des Violinwettbewerbs am Konservatorium von Moskau eingeladen. Am Ende des Wettbewerbs spielten die Kandidaten unisono die 3. Partita in E-Dur von J.S. Bach. Der Komponist war davon hingerissen und plante ein ähnliches Werk, das eben falls für ein gemeinsames Spiel geeignet sein könnte ... oder auch nicht! Die Sonate op. 115 – die keine Widmung hat – wurde schnell konzipiert. Doch ihre Uraufführung erfolgte erst 1959 sechs Jahre nach Prokofjews Tod. Sie besteht nach italienischer Art aus drei Sätzen ... lebhaft, langsam, lebhaft.

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Der erste Satz, Moderato, ist von vollkommen traditioneller Bauart. Zwei charakteristische Motive stehen darin miteinander im Dialog. Das erste ist beißend und virtuos setzt sich durch eine deutich fließender Episode fort, die an Bach erinnert. Das zweite, lyrische zeigt eine typisch russische Rhetorik, die aber von kräftigen marcato-Akkorden über vier Saiten zerrissen wird. Nach einer Durchführung mit vielen unerwarteten Modulationen kehren die wichtigen Themen in einer einfallsreichen Reprise zurück, die zu einer feurigen Coda und ihrem unwiderstehlichen Höhenflug führt.

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Der zweite Satz, Andante dolce, inspirierte den Komponisten zweifellos am meisten. Er besteht aus einem Thema aus acht Takten, auf das fünf ebenso einfallsreiche wie verschiedenartige Variationen folgen. Die zweite im 12/8-Takt lässt Erinnerungen an Paganini aufkommen. Die vierte, unbeugsam virtuose erzeugt ein kontinuierliches Wogen in der Art eines perpetuum mobile. Jede davon drückt technische und expressive Möglichkeiten der Violine aus, unter denen weder Pizzicati, noch Doppelgriffe fehlen, wie die letzte Variation zeigt.

Ein eigenartiges Detail besteht darin, dass Thema und Variationen mit der Rückkehr zum selben melodischen Einschub enden.

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Das Finale, Con brio, ist ein fröhliches Rondo oder genauer gesagt eine RondoSonate, die einen Refrain mit mechanischen Triebkräften entwickelt, wie sie der künstlerischen Ader des Komponisten ganz entsprechen. Dieser Refrain ist eine kräftige Mazurka mit einem fest umrissenen Rhythmus. Dazwischen bilden fünf Strophen sehr kontrastierende Episoden, die abwechselnd biegsam und melodisch oder heftig und leidenschaftlich sind. Die (in Terzen aufgebaute) 1. und 3. Strophe sowie die 2. und 4. sind identisch. Ein atemberaubendes allegro precipitato trennt sie. Nach einigen Umwegen in sehr entfernte Tonarten kehrt der Mazurka-Refrain im hellen D-Dur zurück und führt zu einer faszinierend virtuosen Kadenz, die eine Variante des vorangehenden precipitato und eine Erinnerung an den ersten Satz ist.

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Alles in Allem handelt es sich um eine Musik, die von der Pariser Herbheit des jungen Prokofjew der 20er Jahre weit entfernt ist, doch mit den prächtigen Faltenwürfen von Romeo und Julia, und wenn man genau hinsieht, auch mit dem elf Jahre zuvor entstandenen Peter und der Wolf Ähnlichkeiten aufweist.

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Die beiden kurzen Werke, mit denen diese CD endet, sind Transkriptionen, die vom großen Geiger Jascha Heifetz stammen. Von diesen berühmten Stücken gibt es zahlreiche Bearbeitungen, deren erste von Prokofjew selbst stammen. „Masken“ ist der zweiten Szene des 1. Akts des Balletts Romeo und Julia entnommen und wurde 1938 in Brünn uraufgeführt. Es handelt sich um einen kurzen, schelmischen Marsch, der Romeos, Mercutios und Benvolios Ankunft auf dem Ball ankündigt. Da sie nicht eingeladen sind, kommen sie maskiert ...

Der sehr berühmte Marsch Die Liebe zu den drei Orangen stammt aus der berühmten Oper, die 1921 in Chicago uraufgeführt wurde. Er befindet sich am Fuga Libera

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Ende des ersten Bildes des 2. Akts, in dem der arme hypochondrische Prinz gegen seinen Willen zu einer Unterhaltung geführt wird, die ihn amüsieren soll ... doch in das so sehr erhoffte Lachen bricht er bei einem ganz anderen Ereignis aus ...

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Francis Albou (Sergej-Prokofjew-Verein, Reims)

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Elsa Grether

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BIO

“This is easily my favourite solo recital in quite some while.” Gramophone, C. Gardner (about Kaleidoscope) French violinist Elsa Grether is regularly invited to prestigious festivals in France and abroad (New-York Carnegie Weill Hall, Folle Journée de Nantes, Printemps des Arts de Monte-Carlo, Flâneries musicales de Reims, Festival de Rocamadour, Menton Festival, Festival de Sully, Festival des Abbayes en Lorraine, Musique sacrée de Perpignan, Festival Berlioz, Pâques à Fontevraud, Flagey and Bozar in Brussels, Musiques en été in Geneva, Palazzetto Bru Zane…).

As a soloist with orchestra, she has played concertos from Bach to Beethoven, Brahms, Tchaikovsky, Sibelius, Prokofiev…

Her 3 previous CDs Poème mystique, French Resonance with pianists Ferenc Vizi and François Dumont and Kaleidoscope for solo violin (Fuga Libera/Outhere) all received unanimous acclaim: 5 Diapasons, 4 stars in Classica Magazine, 5 from Pizzicato as well as excellent reviews from Gramophone Magazine.

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www.elsagrether.com

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David Lively

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BIO

“Lively is today’s great Prokofieff interpreter.” Le Monde Thanks to his unique cultural background, the Franco-American pianist David Lively is known for his original personality on the music scene. His career is multi-faceted, having more than eighty concertos at his command and has made rarely performed grand romantic scores his specialty. Invited to international festivals, appearing with the great orchestras, conducted by the likes of Simon Rattle, Colin Davis, Michael Gielen, Rafael Kubelik and Jerzy Semkow, he has just recently released a cd of American music, a panorama from the 19th to the 21st century entitled I Got Rhythm to public and critical acclaim: “Exceptionally talented keyboardist… one of the best interpreters of the music of Elliott Carter, Aaron Copland and Charles Ives.” Le Figaro Simultaneously, a recording of the two Chopin concertos in his own historically reconstructed chamber version with the Cambini-Paris Quartet on a Erard of 1836 will be released.

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For even more great music visit www.outhere-music.com/en/labels/fugalibera

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