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Manuel de Falla The Three-Cornered Hat Nights in the Gardens of Spain

CARLOS MIGUEL PRIETO THE ORCHESTRA OF THE AMERICAS JORGE FEDERICO OSORIO ALEJANDRA GÃ“MEZ ORDAZ 1

Credits Tracklist Programme note

Biographies

Manuel de Falla The Three-Cornered Hat Nights in the Gardens of Spain

CARLOS MIGUEL PRIETO THE ORCHESTRA OF THE AMERICAS

Recorded live in Sala Nezahualcóyotl, Mexico City, on 15–17 July 2019 in partnership with OFUNAM, Minería SIVAM and OSN

Associate Producers Hilda Ochoa-Brillembourg, Mark Gillespie, Katarina Weir, Vanda Gaidamovic

Recording Producer & Engineer Philip Hobbs

Post-production Julia Thomas

Assistant Engineer Gerardo Macin

Design stoempstudio.com 3

Cover Image Playing guitar on the balcony by Ignacio Zuloaga y Zabaleta (1870–1945) © Christie’s Images, Bridgeman Images

75:00

Manuel de Falla (1876–1946)

CARLOS MIGUEL PRIETO conductor THE ORCHESTRA OF THE AMERICAS

El sombrero de tres picos (The Three-Cornered Hat)

Alejandra Gómez Ordaz mezzo-soprano

Part 1

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Introducción (Introduction) 1:33

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La tarde (Afternoon) 5:31

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Danza de la molinera (Dance of the miller’s wife) 3:34

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Las uvas (The grapes) 4:12

Part 2 5

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Danza de los vecinos (Dance of the neighbours) 3:22

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Danza del molinero (Dance of the miller) 7:48

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Danza del corregidor (Dance of the magistrate) 6:31

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Danza final (Final dance) 6:18

La vida breve

Interlude and Dance 6:59

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Goyescas, Enrique Granados (1867–1916) 10

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Intermezzo 4:36

Noches en los jardines de España (Nights in the Gardens of Spain)

Jorge Federico Osorio piano

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En el Generalife (In the Generalife) 10:30

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Danza lejana (A distant dance) 5:03

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En los jardines de la Sierra de Córdoba

(In the gardens of the Sierra de Córdoba) 8:34

Recorded in partnership with Academia de Música del Palacio de Minería, Orquesta Sinfónica Nacional de Mexico, Orquesta Filarmónica de la Universidad and SIVAM Foundation.

Manuel de Falla

The Three-Cornered Hat, Nights in the Gardens of Spain

Manuel de Falla, whom everyone called Don Manuel, consolidated a Spanish school that began with Albéniz and Granados, but which reached its pinnacle with the Cádiz-born composer. Falla embraced the popular genre, making it his own, eager to incorporate folklore into the world of classical music and the European avant-garde, and achieving what Miguel de Unamuno termed the ‘Hispanicization of Europe’. In 1906, Felip Pedrell, a maestro who taught Falla among others, wrote to him: ‘You should make arrangements to go to Paris or Germany for a change of scenery.’ The following year, Falla left for Paris. All the greats were there: Debussy, Ravel, Dukas, Stravinsky, Diaghilev, Turina, Viñes and Albéniz. The arts were flourishing in the French capital, embracing the avant-garde and the exotic. For thirty years, France had laid claim to the awakening of a musical vernacular, different from the all-powerful German, which it considered alien to French sensibilities. Falla’s time in Paris proved to be a highly enriching musical experience: ‘When it comes to my work, Paris is my homeland. If not for Paris, I would have had to put composition aside and taught music lessons for a living’, admitted Falla in a 1923 letter to painter Ignacio Zuloaga. Falla broadened his horizons and flourished both personally and professionally,

eschewing provincial influences and encountering novel expressions that nurtured his aesthetic. Falla’s La vida breve premiered in France, where he composed Siete canciones populares españolas (Seven popular Spanish songs) and Noches en los jardines de España (Nights in the Gardens of Spain). Despite impressionist and ‘Stravinskian’ influences, however, his desire to delve into the essence of Spanish music was alive and well. In 1914, the composer fled the war in Europe and returned to Spain, ending one of the most intense and productive periods of his life. He brought with him the draft of Nights in the Gardens of Spain, undoubtedly the first major Spanish composition for piano and orchestra – or as Falla described it, three ‘symphonic impressions for solo piano’. In the summer of 1915, in Barcelona, the piece was practically complete (even though the composer – a perfectionist – obsessively polished his work until the last minute and beyond). At the time, Falla was working with Gregorio Martínez Sierra and his wife María Lejárraga, impresarios and playwrights, whom he had met in Paris. Their collaboration had already given birth to a jewel for dance: El amor brujo. Nights in the Gardens of Spain is sublime and evocative, a blend of suggestive and elusive French impressionism with undertones of Spanish rhythms. Originally intended as a set of four nocturnes for piano, the piece was definitely cast for orchestra and divided into three movements.

The first one, ‘In the Generalife’, is reminiscent of Grenada’s Alhambra gardens. Its enigmatic orchestral introduction sets a dreamy atmosphere, from the initial delicate piano notes until the movement’s hushed finale, which conveys Falla’s distinctive impressionist style and clear Spanish references. At times, the instrumental solo, which imitates the plucking of guitar strings, points to Falla’s unmistakable attraction to Andalusian music. ‘A distant dance’, the second movement, calmly leads us to an explosive third ‘impression’. This musical moment, with its evocative character in which the tangible and intangible are masterfully interpreted by the piano, shows us an instrument that lets go of its role as a solo performer in a concert and turns the instrument into an integral force and the true protagonist of the composition. The final movement, ‘In the gardens of the Sierra de Córdoba’, unabashedly expresses genuine Spanish cadences and flavours: as the couplet intensifies, it approaches the world of cante jondo. ‘One must start from the natural living fountainheads, and use the substance of sonority and rhythm, not their outward appearance’, wrote Falla about how he strove to capture the popular genre in his work. Nights is pure piano virtuosity, rhythmic orchestral dexterity and offers a surprisingly subtle pianissimo finale, reaching towards the ‘quiet sound’ Debussy spoke about.

Falla’s notes on the playbill of the production’s premier in Madrid on 9 April 1916, state: ‘The music of these nocturnes has no pretensions to being descriptive, it is merely expressive. But something more than the sounds of festivals and dances has inspired these “evocations in sound”, for melancholy and mystery also have their part.’ Sixteen days earlier, the Germans had torpedoed a ship in the English Channel, in which Enrique Granados was travelling, leaving Spain in mourning and bereft of his talent. His opera Goyescas had just premiered in New York, the first Spanish opera ever performed at the Metropolitan. Goyescas was an adaptation, of the same name, to the world of opera of a suite for piano. Following its enormously successful premiere in Paris in 1914, the French government awarded the Spanish composer the Legion of Honour. As war broke out, subsequent performances were cancelled in the French capital. The work is divided into two ‘tableaux’ bridged by the ‘Intermezzo’, which Granados wrote to lengthen the work, and which is its most well-known segment. Granados, who also trained with Pedrell, studied in Paris, where he got to know the noted pianist and professor Charles-Wilfrid de Bériot (Ravel’s teacher). His music, exemplified by the exquisite Goyescas which evoke the eighteenth century, is filled with soothing romanticism and undertones of Spanish rhythms: the essence of improvisation, the twilight of a world created by Chopin, Liszt (and, in fact, Bach and Beethoven), which with Granados bade farewell forever to great musical creations. It makes sense for Granados, a genuine admirer of Goya, to associate himself more with the young Goya, creator of the Majas (Spanish courtesans),

than with his tormented Black Paintings. The pure and sincere character of the painter’s earlier work greatly spoke to Granados, whose undoubtedly aristocratic musical spirit overflows with sensitivity and elegance. That same year, also fleeing the war, the renowned impresario Sergei Diaghilev arrived in Madrid. The founder of the Ballets Russes, an inimitable mastermind, and an intelligent and ambitious man who possessed a phenomenal intuition for talent, he was known to say ‘I need the smell of art to live’. His Ballets Russes revolutionized the world of choreography and gave rise to music and scenography by some of the greatest names of the century. Diaghilev brought with him to Madrid Stravinsky’s dance music. During his stay in Granada, he heard Nights in the Gardens of Spain with Falla at the piano. Fascinated by its colourful and evocative portrayal, Diaghilev asked the composer if he would re-score the work for a ballet. Falla, who at the time was working with Martínez Sierra on a pantomime called El corregidor y la molinera (based on the novel by Pedro Antonio de Alarcón, The Three-Cornered Hat), declined his offer, but suggested transforming the pantomime into a ballet. El corregidor y la molinera, shown for the first time in Madrid, in 1917, thus became the basis for the renowned ballet. For two years, Falla worked to adapt the music to dance, and the instrumentation to the choreographic structure of the Ballets Russes. The impressive line-up consisted of Ansermet as conductor, Massine as choreographer and Picasso as backdrops, set and costume designer. The Three-Cornered Hat premiered in London on 22 July 1919. Forced to leave London that same 10

evening to attend to his dying father, Falla did not witness the productionâ€™s immense success. The two-scene comic ballet tells the story of a travelling Andalusian governor (the magistrate wears a three-cornered hat as a symbol of his position) who falls for a charming millerâ€™s wife. Although very much in love with her humble and jealous husband, the young woman leads the governor on and makes fun of him. Amidst mix-ups, impostures, disguises, false courtships and ridicule from the village neighbours, the ballet ends happily for the miller and his wife and the governor is humiliated. The work is a masterpiece that pays homage to festive Spanish country life. The atmosphere of The Three-Cornered Hat is very different to that of its older counterpart, El amor brujo. The latter is a sombre, mysterious production, imbued with the dark character, magic and superstitions of gypsy life, whereas the former shines brightly, exuberant and humorous. It has great pictorial quality, a rich orchestral fabric and intense vitality, although it lacks the more adventurous composition of El amor brujo. The Three-Cornered Hat is vibrant. Its initial fanfare, in which timpani, horns and trumpets give way to castanets and singing, introduces a lively and colourful piece with a folkloric feel: the Murcian paĂąo moruno is the backdrop for the miller; his wife dances a jota from Navarre, as well as a fandango, as the orchestra imitates the strumming of a guitar; the neighbours perform to the rhythm of a seguidilla; the miller dances a robust farruca (written at the last minute by Falla to shine a spotlight on Massine); and the final dance, a spirited 11

jota, puts the finishing touch to this masterpiece that continues to dazzle enthusiastic audiences as brightly as it did one hundred years ago. Falla’s finely crafted and meticulous work ensure that the piece’s folklore-based melodies – whether overtly or slightly altered – are consistently accompanied by exquisite background music. The work’s apparent simplicity belies a rigorous and expertly arranged harmony and rhythm, able to transform the simplest popular melody into a universal, cult object of art. Manuel de Falla inspired a musical generation – christened by Ramón Gómez de la Serna as the ‘awakening of Spanish music’ – who paved the way to generations of composers who, throughout their musical careers, strove to retrieve their national legacy and bring it to the forefront through different forms of expression. Serna was referring to the generation of 1927, who greatly identified with poetry. When asked about their aesthetic, they would often refer to ‘Fray Antonio Soler, the friar from El Escorial, Domenico Scarlatti, the Neapolitan turned Madrilenian, and Don Manuel de Falla, the universal Cádiz composer’ as their ‘maestros’.

Manuel de Falla

El sombrero de tres picos, Noches en los jardines de España

Manuel de Falla, Don Manuel para todos, afirmó una escuela española que había comenzado con Albéniz y Granados, pero que llegó a sus más altas cimas con el de Cádiz. Falla indagó en lo popular hasta hacerlo suyo, deseoso de introducir el folclore en el mundo de la música culta y la vanguardia europea, consiguiendo lo que Miguel de Unamuno llamaba «la hispanización de lo europeo». Escribía en 1906 Felip Pedrell, maestro de maestros y, entre ellos, Falla: «Lo mejor será que se procure usted una pensión para irse a París o a Alemania, a respirar aires nuevos.» Y Falla se va a París al año siguiente. París… Allí estaban todos: Debussy, Ravel, Dukas, Stravinski y Diaghilev, Turina, Viñes, Albéniz. Las artes florecían en la capital francesa, abrazando toda vanguardia y exotismo que se presentase ante ella. Francia llevaba más de treinta años reivindicando el despertar de un lenguaje autóctono alejado del todopoderoso alemán, al que consideraba una influencia extraña al temperamento francés. 13

París supuso para Falla un enorme enriquecimiento musical: «Para cuanto se refiere a mi oficio, mi patria es París. De no ser por París, yo hubiera tenido que abandonar la composición y dedicarme a dar lecciones para poder vivir», reconocía Falla al pintor Ignacio Zuloaga en una carta de 1923. Allí amplió horizontes y pudo proyectarse personal y profesionalmente, huyendo del localismo patrio y entrando en contacto con unos lenguajes novedosos que enriquecerían su estética. En Francia consiguió Falla estrenar La vida breve, y allí nacieron sus Siete canciones populares españolas y las Noches en los jardines de España. Y es que la influencia impresionista y el acercamiento al mundo stravinskiano no supusieron un abandono de su interés por la profundización en la esencia de la música española. Cuando el compositor regresa a España en 1914, huyendo de la guerra europea y cerrando tras de sí uno de los periodos más intensos y fructíferos de su vida, trae consigo sus Noches en los jardines de España, sin duda la primera gran obra española para piano y orquesta, tres «impresiones sinfónicas con piano» – en palabras de Falla – prácticamente terminadas (sin olvidar el talante obsesivamente perfeccionista del autor, que retocaba sus notas hasta el último momento, e incluso más allá) en el verano de 1915, en Barcelona, donde Falla se encontraba junto al matrimonio formado por Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga, empresarios y autores de teatro, a los que el músico había conocido en París. Fruto de su colaboración conjunta ya había nacido esa maravillosa joya danzada llamada El amor brujo. 14

Noches en los jardines de España es bellísima, evocadora, y funde en su escritura y su espíritu el aroma sugerente e inasible del impresionismo francés con los acentos y los ritmos más españoles. Proyectada en origen como una serie de cuatro nocturnos para piano, la obra quedó definitivamente arropada por la orquesta y dividida en tres partes. «En el Generalife», el primero de ellos, nos traslada a los jardines de la Alhambra granadina a partir de su enigmática introducción orquestal, envuelto en una atmósfera ensoñadora desde la delicadísima entrada del piano hasta el desvanecimiento final del movimiento. En él se dibuja el peculiar impresionismo de Falla, lleno de referencias españolas. Su acercamiento a la música andaluza es tal que, por momentos, encontramos el gesto del guitarrista en el instrumento solista. «Danza lejana», la segunda pieza, nos preparará, con su clima de sosiego, para el estallido de la tercera «impresión». El carácter de evocación, en el que lo intangible y lo subrayado están magistralmente fundidos en el piano, marca este momento musical, mostrándonos un instrumento que abandona su papel de solista de concierto para convertirse en un integrador del color, el verdadero protagonista de la pieza. «En los jardines de la Sierra de Córdoba» reza el último. Si buscábamos ritmos y acentos genuinamente autóctonos, aquí los encontramos: la copla se enaltece hasta acercarnos al mundo jondo. 15

«Necesito partir de las fuentes naturales vivas y utilizar las sonoridades y el ritmo en su sustancia, y no por su apariencia exterior», tal es la reflexión de Falla acerca de la naturaleza de su búsqueda dentro de lo popular. Virtuosismo pianístico, rítmica agilidad orquestal y un final sorprendente, lejos de una despedida explosiva, que desvanece las Noches en un sutil pianissimo, caminando hacia un silencio cercano a ese «sonido extinguido» del que hablaba Debussy. Escribía el propio Falla en las notas al programa del estreno, en Madrid, el 9 de abril de 1916: «Téngase presente que la música de estos nocturnos no pretende ser descriptiva, sino simplemente expresiva, y que algo más que rumores de fiestas y de danzas ha inspirado estas evocaciones sonoras, en las que el dolor y el misterio tienen también su parte.» Dieciséis días antes, Enrique Granados moría en el Canal de La Mancha, torpedeado el barco en el que viajaba por los alemanes, dejando una España conmocionada y huérfana de su talento. Acababa de estrenar Goyescas en Nueva York, la primera ópera en español que se escuchaba en el Metropolitan. Goyescas era la adaptación al mundo de la ópera de la suite para piano homónima, que había triunfado de tal manera en su estreno parisino de 1914 que el gobierno francés concedió al músico español la Legión de Honor, y cuyo estreno operístico no pudo llevarse a cabo en la capital francesa por el estallido de la guerra. Dividida en dos cuadros, «Intermezzo» es el puente instrumental entre ambos que Granados escribió para ampliar la extensión de la obra y, sin duda, el fragmento más conocido de la misma.

Formado con Pedrell, Granados también había estudiado en París, donde conoció el pianismo francés de la época de la mano de Charles-Wilfrid de Bériot, maestro de Ravel. Su música, liderada por esas magistrales Goyescas que miran al siglo XVIII, está llena de un romanticismo suavizado bajo el que respiran los ritmos españoles, una música surgida desde el corazón de la improvisación, el ocaso de un mundo creado por Chopin, Liszt (y, en verdad, por Bach, Beethoven), que con Granados se despide para siempre de la gran creación musical. Es lógico que Granados, verdadero enamorado de Goya, se reconociera más en el Goya juvenil y el de las Majas que en el atormentado de las Pinturas negras, porque el aspecto puro y sincero de estas pinturas se acerca mucho a este Granados dotado de una indudable aristocracia de espíritu y cuya música desborda sensibilidad y elegancia. Ese mismo año llegaba a Madrid, huyendo de la guerra, el gran empresario Sergei Diaghilev, creador de los Ballets Rusos, un espíritu brillante e insustituible. Inteligente, dotado de una intuición asombrosa para el talento, y ambicioso, solía decir: «Necesito el aroma del arte para vivir». Sus Ballets Rusos supusieron una revolución en el mundo de la coreografía y provocaron la música y la escenografía de algunos de los nombres más grandes del siglo. Diaghilev traía a Madrid la música danzada de Stravinski y durante su estancia escuchó, en Granada, las Noches en los jardines de España, con Falla al piano. Fascinado por sus colores y atmósferas 17

evocadoras, el ruso propuso al músico la adaptación de la partitura a ballet. Falla, que por aquel entonces estaba colaborando con los Martínez Sierra en una pantomima titulada El corregidor y la molinera (basada en la novela de Pedro Antonio de Alarcón El sombrero de tres picos), rechazó la propuesta, pero propuso al empresario convertir en ballet la pantomima. De ese modo, El corregidor y la molinera, estrenada en Madrid en 1917, se convirtió en la base de nuestro ballet. Durante dos años, Falla trabajó en la adaptación de la música a la danza y de la instrumentación a las masas coreográficas de los Ballets Rusos. Con un impresionante elenco, Ansermet a la batuta, Massine en la coreografía y la danza y Picasso en el diseño del telón, los decorados y el vestuario, El sombrero de tres picos se estrenó en Londres el 22 de julio de 1919, aunque Falla no pudo ser testigo del clamoroso éxito del estreno al tener que salir de Londres esa misma tarde ante el inminente fallecimiento de su padre. Dividido en dos partes, el ballet cuenta en tono de comedia las andanzas de un viejo corregidor andaluz (un magistrado cuyo símbolo de autoridad residía en su sombrero de tres picos) embelesado por los encantos de una joven molinera, fiel enamorada de su humilde y celoso esposo molinero, pero dispuesta a burlarse del corregidor. Enredos, suplantaciones de personalidad, disfraces, falsos cortejos, burlas de los vecinos del pueblo y un final feliz para los molineros (y humillante para el viejo corregidor) dan vida a esta obra maestra que termina haciendo un homenaje a la fiesta campesina española. 18

El sombrero está lejos de la atmósfera de su hermano mayor, El amor brujo. Frente a la penumbra de este, su misterio, la oscuridad de la gitanería, su magia y supersticiones, El sombrero se alza lleno de luz, brillante, exuberante y cómico. De marcado carácter plástico, tampoco encontramos en él las aventuras compositivas de aquel, pero sí un color orquestal enriquecido y una intensa vivacidad. El sombrero de tres picos es vibrante desde su fanfarria inicial, donde timbales, trompas y trompetas darán paso a castañuelas y a la voz humana. preludiando una obra llena de colorido y motivos populares. Así, el paño moruno murciano acompaña al molinero, la jota navarra a la molinera, la orquesta se hace rasgueo de guitarra para envolver al fandango bailado por ella, los vecinos bailan a ritmo de seguidilla, el molinero danza una poderosa farruca (escrita en el último momento por Falla para el lucimiento de Massine en escena) y la danza final baila una jota brillante para despedir esta obra maestra que hoy sigue entusiasmando y deslumbrando con la misma luz que hace, ya, más de cien años. Porque el preciosismo y la minuciosidad de Falla hacen que las líneas melódicas extraídas del folclore, modificadas en mayor o menor medida, siempre estén vestidas con un acompañamiento exquisito. Y la aparente simplicidad oculta un concienzudo y hábil tejido armónico y rítmico, capaz de transformar la más sencilla melodía popular en objeto de culto universal.

Manuel de Falla fue el inspirador de esa generación musical que Ramón Gómez de la Serna definió como «la nochebuena de la música española», la que abriría las puertas a generaciones de compositores que hicieron de su carrera musical un esfuerzo por recuperar y dotar de vanguardia la herencia nacional, dando lugar a lenguajes diferentes. Se refería a la Generación musical del 27, tan íntimamente relacionada con la poética. Cuando se les preguntaba por su estética solían responder: «Fray Antonio Soler, el fraile de El Escorial, Domenico Scarlatti, el napolitano madrileñizado, y Don Manuel de Falla, el gaditano universal, son nuestros maestros.» © Blanca Calvo, 2020 Pianista y profesora de Historia de la Música de la Escuela Superior de Música Reina Sofí

Carlos Miguel Prieto

conductor

Musical America’s 2019 Conductor of the Year, Carlos Miguel Prieto has led acclaimed performances with orchestras throughout the Americas, Europe and beyond. Since 2005, Prieto has been Music Director of the Louisiana Philharmonic Orchestra, which he led in its Carnegie Hall debut in February 2018. Prieto has worked with the Detroit Symphony Orchestra, Frankfurt Radio Symphony, Hallé Orchestra, London Philharmonic Orchestra, Los Angeles Philharmonic, National Symphony Orchestra (Washington D.C.), Royal Liverpool Philharmonic, Utah Symphony, NDR Elbphilharmonie Orchester, Bournemouth Symphony Orchestra, The Juilliard Orchestra, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias and BBC National Orchestra of Wales, among others. Music Director of Orquesta Sinfónica Nacional de México and Orquesta Sinfónica de Minería, Prieto has commissioned and conducted over 100 works by Mexican and Latin American composers. Prieto’s discography includes Pan-American Reflections, featuring works by Copland and Chávez, a Grammy-nominated recording of Korngold’s Violin Concerto, and a 12-DVD set of the complete Mahler symphonies.

Prieto was The Orchestra of the Americas’ first Principal Conductor from 2002 until 2011, when he was appointed Music Director. In 2020, Prieto tours with The Orchestra of the Americas in Panama and Russia, and leads Carnegie Hall’s NYO-USA for the first time.

A graduate of Princeton University and Harvard Business School, Prieto holds an honorary doctorate from Loyola University New Orleans.

The Orchestra of the Americas

The Orchestra of the Americas is a world-class symphony orchestra of gifted musical leaders, aged 18 to 30, representing 25 nations of the western hemisphere. Led by Music Director Carlos Miguel Prieto, the season centrepiece is a July-August residence, followed by an international concert tour held each year in different regions of the world. Since its 2002 inaugural season, the Orchestra has performed more than 400 concerts on the worldâ€™s most iconic stages, as well as in pioneering settings from Jamaica to Patagonia, from Belize to Ukraine, from rural Canada to western China. The Orchestra brings renowned artists â€“ Yo-Yo Ma, Valery Gergiev, Joshua Bell, Philip Glass and many more â€“ into the lives of musicians and audiences across the Americas and beyond.

Jorge Federico Osorio

piano

Jorge Federico Osorio has been praised throughout the world for his superb musicianship, powerful technique, vibrant imagination and deep passion. He is the recipient of several international prizes and awards, including the prestigious Medalla Bellas Artes, the highest honour granted by Mexico’s National Institute of Fine Arts. Osorio has given recitals in Los Angeles (The Wallis Annenberg Center for the Performing Arts); Mexico City and Xalapa, Mexico; Aixen-Provence, France; Highland Park, Illinois (Ravinia Festival); San José, Costa Rica; and Rio de Janeiro, Brazil. A prolific recording artist, Osorio has documented a wide variety of repertoire, including a solo Brahms album which Gramophone proclaimed ‘one of the most distinguished discs of Brahms’ piano music in recent years’. An avid chamber music performer, Osorio has served as Artistic Director of the Brahms Chamber Music Festival in Mexico; performed in a piano trio with violinist Mayumi Fujikawa and cellist Richard Markson; and collaborated with Yo-Yo Ma, Ani Kavafian, Elmar Oliveira, Henryk Szeryng, and the Pacifica and Moscow String Quartets.

Alejandra Gómez Ordaz

mezzo-soprano

Alejandra Gómez Ordaz is considered one of the most promising Mexican mezzo-sopranos. She received her music education at the Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey and at the Academy of Vocal Arts in Philadelphia. She won Second Prize at the competition held by the Canadian Vocal Arts Institute. She has collaborated with the Cinco de Mayo Orchestra of Puebla, the Orquesta Sinfónica del Estado de México, the Orquesta Filarmónica de Acapulco, the Orquesta Sinfónica de Campeche, the Orquesta Sinfónica de Oaxaca, as well as the Orquesta Filarmónica de Sonora. On the international stage, she has performed in France, Italy, Russia, Canada, Israel, Switzerland and the United States. Her most prominent opera roles have included Carmen, Charlotte in Werther by Massenet, L’enfant in L’enfant et les sortilèges by Ravel, The Angel in The Demon by Rubinstein, and Hänsel in Hänsel und Gretel by Humperdinck, among many others.

The Orchestra of the Americas

Carlos Miguel Prieto Music Director

violin Aubree Oliverson concertmaster Gustavo Arauz Lobo Gastón Bentancor Valeria Blanco Mota Franklin Bolívar Isabelle Bouchard Faridde Caparo Rodrigo Fernando Castillo Bermejo José Alejandro Castillo Velázquez Carlos Eduardo Chavarria Hernandez Yilian Concepción Valada Gabriela Fogo Magali Gavazzi-April Colin Laursen Alba Layana Izurieta Abdel Méndez Ileana Montoya Rodas Jose Miguel Morales Paola Valentina Nava Romero

Mayra Camila Parra Aparicio Luis Gabriel Peña Figueroa Carolina Pons Martínez Marienn Sanchez Ivan Scheinvar Tavares Chelsea Thompson Roman Yearian viola Henry Arévalo Orlando Javier Barajas Soria Ever Cruz Raúl Fernando Domínguez Cortez Rafael Gargate Santamaria Mariel Constanza Godoy Fuentes Jesús Eduardo Mujica Parra Priscila Rodriguez Renan Sardelari Waleska Vallenilla

cello Haziel Cândido da Silva Santos Jorge Alberto Carranza Palma Luis Alejandro Castillo Valenzuela Juan David Echeverry Aristizábal Eleanor Hopwood Johanna Mora Colmenares Nancy Olivares Diego Rodriguez double bass José Guillermo Arévalos Vigo Moses Aubrey Felipe Devincenzi Israel Alfonso Rivera Ortega José Arnoldo Valladares Ortiz Gabriela Alejandra Vidal

flute Manuel Astudillo Quintero Allison DeFrancesco Maria Vallejo oboe Irlanda Isela Malpica Espinoza Nícolas Nemitz Pedro José Vásquez Pérez Juan David Torres Monge clarinet Sara Aratake Lucas Ferreira Iván Alejandro Hernández Javier Morales-Martinez

bassoon Cristian Andrés Coliver Sánchez Victoria Merlo Bee Ungar horn Carlos Oswaldo Martínez Weverton Santos Sophia Senderak David Somoza David Tarté trumpet Juan Carlos Aguilar Flores Luis Eduardo Carrillo Vázquez Andrés Felipe Estrada Casanova Juan Felipe Lince Ramírez trombone Harry Gonzalez Erick Valentín López Hernández David Santos

tuba Vicente Chavarria Ortiz timpani Vania Calvil Morales percussion Hilvic González Arthur Lin Davi Martinelli de Lira Federico Rivitti Juan Sebastián Sánchez Duque harp Alexis Colner Sarah Veber piano Juan Galicia

Also available on Linn

CKD 604 Carlos Miguel Prieto, The Orchestra of the Americas Copland & Chávez: Pan-American Reflections

CKD 619 Maxim Emelyanychev, Scottish Chamber Orchestra Schubert: Symphony No. 9 in C major, ‘The Great’, D. 944

CKD 623 Robin Ticciati, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Rundfunkchor Berlin, Magdalena Kožená Debussy: Nocturnes – Duruflé: Requiem CKD 611 Thomas Søndergård, Royal Scottish National Orchestra Prokofiev: Symphonies 1 & 5

CKD 604

CKD 623

CKD 619

CKD 611

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