Itinéraire (Alpha 424)

ITINÉRAIRE QUATUOR VOCE

Vincent Segal Gabriel Sivak Kevin Seddiki Vincent Peirani Kinan Azmeh HAMZA EL DIN

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Tracklist Itinéraire Les Voce BethKlang Vincent Segal Sawah Padi / Putri Cening Ayu Vincent Peirani Méditation & Danse Kevin Seddiki Suite Capoeira Gabriel Sivak Grounded Kinan Azmeh Escalay Hamza El Din

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ITINÉRAIRE

VINCENT SEGAL (*1967)

1 2 3

BETHKLANG I. GUAGANCO II. DUB III. BETHKLANG

4’47 3’50 7’55

KINAN AZMEH (*1976)

4 5 6

IN THE ELEMENT GROUNDED

6’43

KEVIN SEDDIKI (*1981) MÉDITATION DANSE

3’04 8’43

GABRIEL SIVAK (*1979)

7 8 9 10 11 12

SUITE CAPOEIRA I. NANÀ II. CANDOMBLÉ III. BADEN IV. CUIQUEROS

3’46 3’04 2’56 4’20

VINCENT PEIRANI (*1980) SAWAH PADI / PUTRI CENING AYU

14’00

HAMZA EL DIN (1929-2006) ESCALAY (WATER WHEEL)

11’47

TOTAL TIME: 75’03

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QUATUOR VOCE CÉCILE ROUBIN VIOLIN [VIOLIN I TRACKS 7-10] SARAH DAYAN VIOLIN [VIOLIN I TRACKS 1-3, 5-6, 12] GUILLAUME BECKER VIOLA LYDIA SHELLEY CELLO VINCENT SEGAL ARTISTIC DIRECTION VINCENT PEIRANI ACCORDION [TRACK 11] KEVIN SEDDIKI ZARB [TRACKS 5-6] KINAN AZMEH CLARINET [TRACK 4]

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ITINÉRAIRE LES VOCE Après de nombreuses années d’existence sur scène et d’expériences croisées, nourries par des rencontres diverses, nous avons imaginé Itinéraire comme un voyage à seize cordes librement inspiré par le geste précurseur de Béla Bartók et Zoltán Kodály. À l’aube du XXe siècle, ces deux jeunes musiciens aux destins exceptionnels parcouraient les villages d’Europe centrale, recueillant, transcrivant et enregistrant des centaines de mélodies et chants populaires.

Ce travail ethnomusicologique a donné naissance à des chefs-d’œuvre aux couleurs uniques et nouvelles, et nous avons eu l’envie d’apporter notre pierre au grand édifice du répertoire du quatuor à cordes en explorant à nouveau les possibilités de rencontre entre les musiques de tradition orale et l’art du quatuor à cordes.

Ainsi, nous avons choisi cinq merveilleux artistes aux horizons multiples, pour autant de commandes inspirées d’univers musicaux qui leur sont proches : Kinan Azmeh, Vincent Peirani, Kevin Seddiki, Vincent Segal et Gabriel Sivak.

Devant la nouveauté des propositions, nous avons fait appel à l’oreille et au savoirfaire de Vincent Segal, artisan unique du violoncelle, qui nous a accompagnés dans nos recherches instrumentales et musicales.

Au cours de cet Itinéraire, vous ferez étape sur l’Escalay (la roue à eau) d’Hamza El Din, dans un petit clin d’œil à nos illustres aînés du Kronos Quartet.

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After many years of performing, and with a whole range of experiences nurtured by many different new encounters, we have conceived Itinéraire as a journey with sixteen strings, freely inspired by the trailblazing example of Béla Bartók and Zoltán Kodály. At the dawn of the 20th century these two young musicians, their remarkable futures still lying ahead, toured the villages of central Europe, gathering, transcribing and recording hundreds of melodies and folk songs.

This ethnomusicological work gave birth to uniquely coloured new masterpieces, and we want to add our own contribution to the treasury of the string quartet repertoire by exploring afresh the possibilities of interaction between music of the oral tradition and the art of the string quartet.

And so we have chosen five superb artists from a range of diverse backgrounds – Kinan Azmeh, Vincent Peirani, Kevin Seddiki, Vincent Segal and Gabriel Sivak – giving each one a commission inspired by musical worlds with which they have a close relationship.

In view of the novelty of the ideas involved, we have enlisted the acute hearing and expertise of Vincent Segal, a unique practitioner of the cello, who has accompanied us in our instrumental and musical research.

In the course of this Itinéraire, there will be a halt at ‘Escalay’ (‘The Water Wheel’) – by Hamza El Din – with a brief nod in the direction of our illustrious elder brethren, the Kronos Quartet.

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menu Nach vielen Jahren auf dem Podium, die uns sich überschneidende Erfahrungen brachten und durch verschiedenste Begegnungen bereicherten, stellten wir uns Itinéraire als eine Reise mit sechzehn Streichern vor, wobei wir uns von der wegbereitenden Geste Béla Bartóks und Zoltán Kodálys inspirieren ließen. Zu Beginn des 20. Jh. fuhren diese beiden jungen Musiker, die ein außergewöhnliches Schicksal haben sollten, durch die Dörfer Mitteleuropas und sammelten, transkribierten und zeichneten hunderte Melodien und Volkslieder auf.

Aus dieser ethnomusikologischen Arbeit entstanden Meisterwerke mit einzigartigen, neuen Klangfarben, und wir hatten Lust durch eine neuerliche Erforschung der möglichen Begegnungen zwischen der Musik der Oraltradition und der Kunst des Streichquartetts unseren Stein zum großen Gebäude des Streichquartett-Repertoires beizutragen.

So wählten wir fünf wunderbare Künstler aus, die aus vielerlei Horizonten kamen, um ihnen Aufträge zu erteilen, die von ihnen nahestehenden musikalischen Welten inspiriert sein sollten: Kinan Azmeh, Vincent Peirani, Kevin Seddiki, Vincent Segal und Gabriel Sivak.

Angesichts der Neuheit der Vorschläge wandten wir uns ans Gehör und ans Können von Vincent Segal, einem einzigartigen Künstler des Violoncellos, der uns bei unseren instrumentalen und musikalischen Forschungen begleitete.

Im Laufe dieser „Reiseroute“ werden Sie mit einer kleinen Anspielung auf unsere berühmten, älteren Kollegen des Kronos Quartet auch beim Escalay (Wasserrad) von Hamza El Din Halt machen.

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BETHKLANG VINCENT SEGAL Étant violoncelliste « mutant » et privilégiant dans mon travail la forme orale, je voulais écrire pour quatre personnes et dialoguer pour mes modes de jeu personnels avec Sarah, Cécile, Lydia et Guillaume… Le quatuor est une magnifique vie théâtrale et j’aime le caractère extraordinaire des acteurs…

BethKlang serait un peu un regard anthropologique sur la vie en communauté (ville, famille, groupes adolescents, clans culturels), la musique ne signifie rien mais elle est un des feux de la vie humaine. Le son nous entoure, nous arme, nous porte, nous épuise, jusqu’à la fin.

Guaganco nous parle de la musique qui unit, qui aime à réunir, une musique artisanale simple qui utilise des techniques de magiciens pour faire danser, mais pour finir toute cette prestidigitation disparaît et livre les musiciens à la solitude d’un archet sur une corde si fragile.

Dub c’est le rituel de la danse fière, des codes secrets, du style dans les quartiers difficiles, où tout est gris, anonyme. Entre le bruit urbain, la zone, il reste des fleurs du romantisme.

BethKlang c’est un dancing avec de l’obscurité, des lumières froides de tubes fluo dans une très grande ville, des rumeurs infra-basses, des drogues, des visions étranges, des remontées de nostalgie, des formes de rituel ancien mais toujours cette balance entre extase et cauchemar.

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As a cellist who works ‘across the board’, and as I generally favour oral forms in my work, I wanted to write for four people, and to dialogue in my interpersonal games with Sarah, Cécile, Lydia and Guillaume… The quartet is a marvellous form of theatrical life, and I love the singular character of actors…

Think of BethKlang as an anthropological look at life in the community (in a city, a family, groups of adolescents, cultural tribes), where music does not ‘mean’ anything, but is one of the fires of human life. Sound surrounds us, equips us, supports us, exhausts us, right to the end.

Guaganco speaks to us of music that unites, that actively desires to unite us: a simple, craftsmanlike music that uses the techniques employed by magicians to make people dance, but at the end of all these magic tricks it simply disappears, freeing the musicians from their solitary task of moving a bow on a highly vulnerable string.

Dub is the ritual of the dance of pride, of secret codes – of maintaining a sense of style in gritty neighbourhoods, where everything is grey, anonymous. In the middle of the noise of the city, the urban hubbub, there still remain some flowers of romanticism.

BethKlang is a dance hall in a large city: inside it is dark, with cold light from fluorescent tubes and the low hum of talk; there are drugs, strange visions, a sudden surge of nostalgia, forms of ancient ritual – but always this equipoise between ecstasy and nightmare.

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menu Als „mutierender“ Violoncellist, der bei seiner Arbeit die orale Form bevorzugt, wollte ich für vier Personen schreiben und für meine persönlichen Spielweisen mit Sarah, Cécile, Lydia und Guillaume ein Gespräch führen ... Das Quartett hat ein wunderbares, theatralisches Leben, und ich liebe den fabelhaften Charakter der Schauspieler ...

BethKlang ist in gewisser Hinsicht ein anthropologischer Blick auf das Leben in einer Gemeinschaft (Stadt, Familie, Gruppe Jugendlicher, kulturelle Cliquen); die Musik bedeutet nichts, doch ist sie eines der Feuer des menschlichen Lebens. Der Ton umgibt uns, wappnet uns, trägt uns, erschöpft uns bis ans Ende.

Guaganco spricht zu uns von Musik, die Menschen vereint, sie gerne zusammenschließt, eine „kunsthandwerkliche“, einfache Musik, die die Technik der Magier benutzt, um zum Tanz aufzufordern, bis diese Zauberei schließlich verschwindet und die Musiker der Einsamkeit eines Bogens auf einer so fragilen Saite überlässt.

Dub ist das Ritual des stolzen Tanzes, der geheimen Saiten, des Stolzes, Stil zu haben, und das in den schwierigen Stadtvierteln, in denen alles grau und anonym ist.

Zwischen dem städtischen Lärm und dem Vorortegürtel bleiben Blumen der Romantik.

BethKlang ist ein Tanzlokal mit seiner Dunkelheit und dem kalten Licht von Neonröhren in einer sehr großen Stadt, mit infraleisen Geräuschen, Drogen, merkwürdigen Visionen, hochkommender Nostalgie, Formen alter Rituale, doch immer im Gleichgewicht zwischen Ekstase und Albtraum.

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Valerio Contaldo, Leandro Marziotte, Mariana Flores, Hugo Oliveira

SAWAH PADI / PUTRI CENING AYU VINCENT PEIRANI Pour le projet Itinéraire du Quatuor Voce, j’avais envie de m’inspirer d’un continent qui m’est cher: l’Asie, et plus particulièrement d’un pays que j’affectionne énormément : l’Indonésie. J’ai pu prendre le temps de découvrir ce pays à plusieurs reprises et j’y ai fait de nombreuses rencontres : musicales ou tout simplement humaines. À travers cette pièce, je tenais à exprimer ma gratitude et mon profond respect pour ces gens, leur culture.

Sawah Padi (la rizière) / Putri Cening Ayu (Putri fine beauté) est une sorte de petite suite racontant l’histoire de la journée de travail d’une jeune fille balinaise prénommée Putri, en mélangeant plusieurs choses, à savoir de la musique originale inspirée des musiques traditionnelles indonésiennes et une berceuse balinaise.

La pièce pourrait s’articuler en six parties. Une introduction faisant écho à un mode de jeu typique de la musique traditionnelle indonésienne du Gamelan, ici les instruments du quatuor et moi-même imitons les percussions (angklung, kendang) et le soliste de l’orchestre (suling, sorte de flute en bambou). Cela me permet d’introduire de manière très claire la situation géographique et le mood général de la pièce. Commence alors notre première partie qui oscille entre Orient et Extrême-Orient, représentant le réveil de Putri. De là s’articule une nouvelle partie, plus rythmique, qui annonce le chemin de la jeune fille pour aller à son travail. Dans cette partie, il n’y a pas de réelle mélodie, mais juste un moteur plus rythmique que thématique, en perpétuelle évolution, que ce soit au niveau des mélanges des timbres, de l’intensité, de la densité, des dynamiques.

Le solo d’accordéon quant à lui sert de lien entre cette énergie grandissante du ma17

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tin et la préparation au travail dans les champs. Le retour du quatuor marque le début d’une longue partie imaginant différents moments de la journée de travail dans la rizière.

C’est dans cette partie que le thème traditionnel balinais (Putri Cening Ayu) apparaît, tantôt aux cordes, tantôt à l’accordéon. On passe de la composition originale inspirée de musique indonésienne à l’exposition d’un thème traditionnel, en passant par différents états émotionnels, tantôt apaisés, interrogatifs, tourmentés, etc., pour finalement arriver à la dernière partie de la pièce où le thème balinais est joué comme à son origine : une berceuse. La journée de travail est terminée, Putri est enfin rentrée chez elle et sa mère chante pour elle afin de l’endormir au plus vite…

For the Quatuor Voce’s Itinéraire project, I wanted to take my inspiration from Asia, a continent that is dear to me: and more particularly Indonesia, a country for which I have a tremendous affection.

I’ve had the time and opportunity to discover this country over several visits, and I’ve made many encounters there, not just with its music, but human contacts as well.

Through this piece I wanted to express my gratitude and my profound respect for this people and their culture.

Sawah Padi (The Rice Field) / Putri Cening Ayu (Putri, Slender Beauty): is a sort of little suite narrating the story of a working day in the life of a young Balinese girl called Putri, combining different components: original music inspired by Indonesian traditional music, and a Balinese lullaby.

The piece falls into six sections, preceded by an introduction that echoes the typical performing style of the Indonesian traditional gamelan: here I combine with the string quartet in imitating both its percussion (angklung and kendang) and its solo bamboo 18

flute (suling). That allows me to clearly set out the geographical location and the general mood of the piece, after which our first section begins, oscillating between the East and the Far East, as Putri wakes up. Then a new, more rhythmical section depicts the young girl on her way to work. Here there is no melody as such, just a motoric drive that is more rhythmic than thematic and in a state of perpetual change, either in terms of its sound mix, or its intensity, density or dynamics. The accordion solo serves as a link between that growing morning energy and the preparation for work in the fields. The return to the quartet sound marks the beginning of a long section imagining different moments in the working day in the paddy field. Here the traditional Balinese theme ‘Putri Cening Ayu’ appears, now in the strings, now on the accordion, as we move from the newly composed material inspired by Indonesian music to the exposition of a traditional theme, passing through changing emotional states: e.g. calm, questioning, anguished etc… We finally arrive at the concluding section of the piece, where the Balinese theme is played in its traditional guise, as a lullaby: the working day has ended, Putri is finally back at home, and her mother sings to her, to help her get to sleep as quickly as possible…

Für das Projekt Itinéraire des Quatuor Voce hatte ich Lust, mich von einem Kontinent inspirieren zu lassen, der mir teuer ist, nämlich von Asien und besonders von einem Land, für das ich eine Vorliebe habe: Indonesien. Ich konnte mir die Zeit nehmen, dieses Land mehrmals zu entdecken, und machte dort zahlreiche musikalische oder ganz einfach menschliche Begegnungen.

Mit diesem Stück wollte ich diesen Menschen und ihrer Kultur meine Dankbarkeit und meinen tiefen Respekt ausdrücken.

Sawah Padi (das Reisfeld) / Putri Cening Ayu (Putri, erlesene Schönheit) ist eine Art kleine 19

menu Suite, die den Arbeitstag eines balinesischen Mädchens namens Putri erzählt und dabei mehrere Dinge kombiniert, nämlich Originalmusik, die von den traditionellen indonesischen Musiken inspiriert ist, und ein balinesisches Wiegenlied.

Das Stück könnte in sechs Teile gegliedert werden. Eine Einleitung knüpft an eine Spielweise an, die für die traditionelle indonesische Musik des Gamelans typisch ist: Hier imitieren die Instrumente des Quartetts und ich selbst die Perkussionsinstrumente (Angklung, Kendang) und den Solisten des Orchesters (Suling, eine Art Flöte aus Bambus).

Das ermöglicht mir, die geographische Lage und die allgemeine Stimmung des Stückes sehr deutlich einzuführen. Danach beginnt der erste Teil, der zwischen Orient und dem Fernen Osten hin- und herpendelt und das Erwachen von Putri schildert. Daran schließt ein neuer, rhythmischerer Teil an, der den Weg des Mädchen ankündigt, das zur Arbeit geht. In diesem Teil gibt es keine richtige Melodie, sondern nur einen eher rhythmischen als thematischen Motor, der sich unaufhörlich weiterentwickelt, sei es auf der Ebene der Mischung der Timbres, der Intensität, der Dichte oder der Dynamiken. Das Akkordeonsolo dient seinerseits als Verbindung zwischen dieser wachsenden Energie des Morgens und der Vorbereitung auf die Feldarbeit. Die Rückkehr des Quartetts kennzeichnet den Beginn eines langen Teils, der verschiedene Momente des Arbeitstages im Reisfeld schildert. In diesem Teil taucht das traditionelle balinesische Thema (Putri Cening ayu) manchmal in den Streichern, dann wieder im Akkordeon auf. Von einer Originalkomposition, die von der indonesischen Musik inspiriert ist, geht das Werk zur Exposition eines traditionellen Themas über, wobei es verschiedene emotionale Zustände durchläuft, abwechselnd beruhigt, fragend, gequält usw., um schließlich beim letzten Teil des Stückes anzugelangen, in dem das balinesische Thema gespielt wird, wie es ursprünglich war: als Wiegenlied.

Der Arbeitstag ist beendet, Putri ist endlich nach Hause zurückgekehrt und ihre Mutter singt für sie, damit sie so schnell wie möglich einschläft ...

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MÉDITATION & DANSE KEVIN SEDDIKI Guitariste de formation, j’ai découvert le zarb, percussion iranienne, auprès de la famille Chemirani il y a maintenant presque 20 ans. Ce qui au début n’était qu’une envie de mieux comprendre certains rythmes et leur conception m’a finalement littéralement pris au jeu, et le zarb (aussi appelé tombak) est très rapidement devenu mon deuxième instrument. Aussi, lorsque le Quatuor Voce m’a sollicité pour l’écriture de ces pièces, j’ai eu l’envie de voir comment cordes et peau pouvaient dialoguer.

Ainsi, la pièce Danse, en sept temps, est assez directement inspirée de musique turque, grecque et iranienne, puis se développe peu à peu vers un langage plus vertical, en résonance avec l’autre pièce, Méditation. Cette dernière a suivi un tout autre chemin dans le processus de composition et s’est construite autour de la mélodie. Ce n’est plus un rythme en sept temps mais l’intervalle de septième qui est au centre de ce prélude itinérant, que j’ai d’abord abordé comme une étude pour guitare. Nous avons ensuite cherché avec le quatuor différentes textures et timbres.

Ce travail avec un ensemble d’une telle qualité, ces quatre qui ne font qu’un dès les premières notes, a été pour moi une expérience incroyable à tous niveaux, et m’apparaît aujourd’hui plutôt comme le début de quelque chose. À suivre, donc…

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I trained as a guitarist, and first learnt about the zarb, an Iranian percussion instrument, from the Chemirani family, nearly twenty years ago. What began as a wish to improve my understanding of certain rhythms and their underlying ideas finally led me to play the instrument myself, and the zarb (also known as the tombak) very quickly became my second instrument. When the Quatuor Voce asked me to write these pieces, I wanted to see how strings and drumskin could dialogue with each other.

And so my piece Danse (Dance), in 7-time, is directly inspired by Turkish, Greek and Iranian music, gradually developing as it goes on towards a more vertical musical language, in alignment with the other piece, Meditation. This latter piece followed a completely different path in its compositional process, being constructed around the melody. Instead of a rhythm in 7-time, the interval of a seventh is the central focus of this ‘itinerant’ prelude, originally planned as a study for the guitar. Then together with the Quartet we tried out different textures and timbres.

Working with this ensemble of such high calibre – four artists who become one from their very first notes – was an incredible experience for me on all levels, and today I have the feeling it might well be the beginning of something.

So, to be continued…

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menu Als ausgebildeter Gitarrist entdeckte ich vor fast 20 Jahren den Zarb, ein iranisches Perkussionsinstrument, bei der Familie Chemirani. Hatte ich anfangs nur Lust, bestimmte Rhythmen und ihre Grundkonzeption besser zu verstehen, so bin ich buchstäblich auf den Geschmack gekommen, so dass der (auch Tombak genannte) Zarb sehr rasch zu meinem zweiten Instrument wurde. Als mich das Quatuor Voce bat, diese Stücke zu schreiben, hatte ich daher Lust zu sehen, wie Saiten und Haut miteinander ins Gespräch kommen können.

So ist das Stück Danse (Tanz) mit seinem siebenzeitigen Rhythmus direkt von der türkischen, griechischen und iranischen Musik inspiriert, entwickelt sich dann allmählich im Einklang mit dem anderen Stück, Meditation, auf eine vertikalere Sprache hin. Diese Meditation ist beim Kompositionsprozess einem ganz anderen Weg gefolgt und hat sich rund um die Melodie aufgebaut. Hier handelt es sich nicht mehr um einen 7zeitigen Rhythmus, sondern um das Intervall einer Septime, die im Zentrum dieses „Wanderpräludiums“ steht, das ich zunächst als eine Etüde für Gitarre begonnen habe. Danach suchten wir mit dem Quartett verschiedene Gewebeformen und Timbres.

Die Arbeit mit diesem Ensemble, das solch hohe Qualität erreicht, mit diesen vier Menschen, die gleich ab den ersten Noten eine Einheit bilden, war für mich in jeder Hinsicht eine unglaubliche Erfahrung, und scheint mir heute ein Beginn zu sein.

Fortsetzung folgt somit ...

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SUITE CAPOEIRA GABRIEL SIVAK Suite Capoeira est une pièce écrite en quatre mouvements en hommage à la capoeira et au Brésil. Un voyage qui commence sur les rives du fleuve Amazone et descend jusqu’au cœur de Rio de Janeiro. D’origine africaine, ancrée dans le nord du Brésil, la capoeira est à la fois une danse, une lutte et une façon de vivre.

Le premier mouvement, Nanà, rend hommage au joueur de berimbau (instrument qui accompagne la pratique de la capoeira), Nanà Vasconcelos. Cette pièce est construite sur un ostinato légèrement décalé en pizzicati sur lequel se déploie une mélodie qui évoque l’âme de l’Amazonie et se transforme progressivement jusqu’à la coda dans une sorte d’élévation spirituelle. Le mouvement contient des modes de jeu qui évoquent le berimbau, et de courtes citations variées et transformées dans un jeu de miroirs et de juxtapositions.

Le deuxième mouvement est inspiré d’une danse ternaire d’origine africaine. Le candomblé est l’une des religions afro-brésiliennes pratiquées au Brésil. Les dieux du candomblé, sont chacun associés à un élément naturel (eau, forêt, feu, éclair, etc.). Ce mouvement est composé de trois parties qui évoluent en se superposant et se densifient jusqu’à l’éclatement final.

Baden, le troisième mouvement, évoque la figure de Baden Powell, guitariste brésilien d’origine africaine, dans une musique atmosphérique et colorée, construite sur une variation mélodique du premier mouvement.

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Cuiqueros, la quatrième pièce, est une samba, rythme originaire de Rio de Janeiro. La cuica est un instrument à percussion qui imite le son d’un singe, d’où le titre. Partant des modes de jeu particuliers tels que celui du tambour ou les pizzicati derrière le chevalet, l’introduction est inspirée d’une batucada (rythmes joués par des instruments de percussion lors du carnaval). Tout en utilisant la richesse des polyrythmies et des syncopes de la samba, cette pièce est de caractère festif et joyeux.

Vers la fin et comme une coda de la Suite, on retrouve un ostinato typique de la capoeira qui vient clôturer l’œuvre et fermer le cycle avec une rythmique viscérale et percutante.

Suite Capoeira is a piece in four movements composed in homage to the capoeira, and to Brazil: a journey that begins in the Amazon basin, and descends into the heart of Rio de Janeiro. The capoeira – African in origin, but rooted in northern Brazil – is not just a dance, but also a martial art, even a way of life.

The first movement, Nanà, pays tribute to Nanà Vasconcelos, the great master of the berimbau (the instrument that accompanies the action of the capoeira). The piece is based on an ostinato slightly out of sync, played pizzicato, with a melody above it conjuring up the spirit of Amazonia: a melody that progressively develops, right up to the final coda, into a state of spiritual elevation. This movement contains playing styles evoking the sound of the berimbau, with brief quotations that are varied and developed in a game of mirror effects and juxtapositions.

The second movement is inspired by a dance in triple time of African origin. The candomblé is one of the Afro-Brazilian religions practised in Brazil. The gods of the candomblé are each associated with a natural element (water, the forest, fire, lightning, and so on).

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This movement is in three sections that develop, overlap, and become increasingly dense until the final explosion.

Baden, the third movement, evokes the figure of Baden Powell, the Brazilian guitarist of African heritage, in music that is colourful and atmospheric, based on a melodic variation of the first movement.

Cuiqueros, the fourth piece, is a samba, a dance rhythm native to Rio de Janeiro. The cuica is a percussion instrument that imitates the sound of a monkey, hence its name.

Beginning with unusual playing techniques such as drumming, and pizzicati behind the bridge, the introduction is inspired by a ‘batucada’ (the rhythms played by percussion instruments during carnival). Exploiting the wealth of the samba’s polyrhythms and syncopations, this piece is jubilantly festive.

Towards the end, as a coda to the whole Suite, there is an ostinato passage typical of the capoeira to round off the work, ending the cycle with a visceral and powerful rhythmic pulse.

Suite Capoeira ist ein 4sätziges Stück, das zu Ehren des Capoeira und Brasiliens geschrieben wurde. Eine Reise, die mit den Flüssen des Amazonas beginnt und bis ins Herz von Rio de Janeiro hinabsteigt. Der Capoeira ist afrikanischen Ursprungs, im Norden Brasiliens verankert und sowohl ein Tanz, als auch eine Kampfkunst und eine Lebensart.

Der erste Satz Nanà ist eine Hommage auf den großen Berimbauspieler (ein Instrument, das zur Begleitung des Capoeira dient) Nanà Vasconcelos. Das Stück baut auf einem leicht versetzten Ostinato mit Pizzicati auf, über dem sich eine Melodie entfaltet, die an die Seele Amazoniens erinnert und sich langsam bis zur Coda in einer Art spirituellen Erhebung verändert. Dieser Satz enthält Spielarten, die an den Berimbau erinnern, und 29

menu kurze Zitate, die in einem Spiel mit Spiegeleffekten und Gegenüberstellungen variiert und verändert werden.

Der zweite Satz ist von einem dreizeitigen Tanz afrikanischen Ursprungs inspiriert. Der Candomblé ist eine der afrobrasilianischen Religionen Brasiliens. Jeder der Götter des Candomblé wird mit einem Naturelement in Verbindung gebracht (Wasser, Wald, Feuer, Blitz usw.). Dieser Satz besteht aus drei Teilen, die sich entwickeln, überlagern und verdichten, bis sie am Schluss auseinanderbrechen.

Baden, der dritte Satz, spielt mit atmosphärischer, farbenfroher Musik, die auf einer melodischen Variation des ersten Satzes aufbaut, auf die Person von Baden Powell an, dem brasilianischen Gitarristen afrikanischer Herkunft.

Cuiqueros, der vierte Satz, ist eine Samba, ein aus Rio de Janeiro stammender Rhythmus.

Die Cuíca ist ein Perkussionsinstrument, die die Laute eines Affen nachahmt, und daher kommt auch der Titel. Ausgehend von besonderen Spielweisen, wie das Trommeln oder Pizzicati hinter dem Steg, ist die Einleitung von einer „Batucada“ (Rhythmen, die von Perkussionsinstrumenten beim Karneval gespielt werden) inspiriert. Das Stück verwendet den Reichtum der Polyrhythmik sowie Synkopen der Samba und hat einen festlichen, fröhlichen Charakter.

Gegen Ende und als Coda der Suite findet man das typische Ostinato des Capoeira wieder, der das Werk beendet und den Zyklus mit einem tiefsitzenden, schlagenden Rhythmus abschließt.

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GROUNDED KINAN AZMEH J’ai commencé à travailler à cette pièce pour le Quatuor Voce à la fin de 2017, mais elle n’a trouvé sa forme définitive et son titre qu’après un bref voyage que j’ai fait le 1er janvier 2018 à Damas, ma ville natale, où je n’étais pas retourné depuis 2012. Le trajet en voiture de la frontière libanaise jusqu’à chez mes parents à Damas a été un mélange d’amour, de colère et de tristesse. Mais le sentiment le plus fort au cours de ces 48 heures chez moi a été de me sentir relié à la terre : c’est ma patrie, et personne ne me l’enlèvera.

I started working on this piece for the Quatuor Voce in late 2017, but the piece took its final shape and title after a short trip I made on 1 January 2018 to Damascus, my hometown, which I had not visited since 2012. The drive from the Lebanese border to my parents’ place in Damascus evoked a mixture of love, anger and sadness, and yet the most overwhelming feeling during these 48 hours at home was a sense of being grounded: This is my home, and no one is going to take it away from me.

Ich begann an diesem Stück für das Quatuor-Voce gegen Ende 2017 zu arbeiten, doch das Werk nahm seine endgültige Form und den Titel nach einer kurzen Fahrt an, die ich am 1. Januar 2018 nach Damaskus unternahm, meiner Heimatstadt, in der ich seit 2012 nicht mehr gewesen war. Die Fahrt von der libanesischen Grenze zum Haus meiner Eltern in Damaskus war eine Mischung aus Liebe, Zorn und Traurigkeit, doch das überwältigendste Gefühl während dieser 48 Stunden zu Hause war das Gefühl, dort verwurzelt zu sein: Das ist mein Heim und niemand wird es mir je wegnehmen können.

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ESCALAY HAMZA EL DIN Escalay représente la mise en marche de la roue à eau et son cycle infini. Notre système musical est afro-arabe : nous sommes une passerelle, musicale et culturelle, entre l’Afrique et le Moyen-Orient. Je voulais que le quatuor à cordes représente le son de mon instrument, l’oud. Le quatuor interprète le son du grincement des rouages, des pas du bœuf et de l’eau qui coule du pot en terre cuite.

Escalay depicts the waterwheel being set in motion, and its perpetual cycle. Our musical system is Afro-Arab: we are a musical and cultural bridge between Africa and the Middle East. I wanted the string quartet to represent the sound of my instrument, the oud. The quartet imitates the grinding sound of the gearwheels, the tread of the oxen, and the water as it pours out from the earthenware pot.

Escalay stellt die Ingangsetzung des Wasserrads und seinen unendlichen Zyklus dar. Unser Musiksystem ist afroarabisch: Wir sind eine musikalische und kulturelle Brücke zwischen Afrika und dem Mittleren Osten. Ich wollte, dass das Streichquartett den Ton meines Instruments, der Oud, wiedergibt. Das Quartett interpretiert den Ton des Knarrens der Räder, der Schritte des Ochsen und des Wassers, das aus dem tönernen Topf fließt.

En figure de proue du centre-ville, se situe le TAP - Théâtre Auditorium de Poitiers, dont l’architecture est signée Joao Carrilho da Graça. Sa salle de théâtre de 720 places et son auditorium de 1020 places constituent deux outils d’excellence au service d’une programmation pluridisciplinaire qui fait une large place à toutes les musiques.

L’exceptionnelle acoustique de l’auditorium est désormais reconnue comme l’une des meilleures d’Europe. Depuis sa création, le TAP accueille une série d’enregistrements discographiques, réalisés par les orchestres associés (Orchestre de Chambre NouvelleAquitaine, Orchestre des Champs-Élysées et Ars Nova ensemble instrumental), de prestigieux solistes et ensembles de musique de chambre, dont Anne Queffélec, Quatuor Modigliani, Anne Gastinel & Quatuor Diotima, Bertrand Chamayou, Rémi Geniet, Thomas Enhco, Jean Rondeau, Amandine Beyer & Gli Incogniti…

The TAP - Theatre Auditorium of Poitiers has been designed by Joao Carrilho da Graça and is located like a figurehead of the city. Its 720 seats theatre hall and its 1020 seats auditorium allow it to feature the cultural season’s programs of the Scène Nationale.

The Auditorium’s exceptional acoustics are already known for being among the best in Europe. Since its creation, the Scène Nationale de Poitiers has been hosting a series of recordings by associated orchestras (Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine, Orchestre des Champs-Élysées and Ars Nova), as well as prestigious soloists and chamber music ensembles such as Anne Queffélec, Quatuor Modigliani, Anne Gastinel & Quatuor Diotima, Bertrand Chamayou, Rémi Geniet, Thomas Enhco, Jean Rondeau, Amandine Beyer & Gli Incogniti…

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ITINÉRAIRE, UNE HISTOIRE COMMUNE DE RACINES ET DE PASSIONS… Ouverts au monde qui les entoure, les Voce vous invitent à partager leur univers avec cet album, Itinéraire, un voyage à 16 cordes du Brésil à l’Indonésie en passant par l’Iran, Cuba et l’Égypte, où l’histoire rencontre le présent, où la curiosité apprivoise le monde et la diversité de ses racines. Comme un clin d’œil au partenariat né en 2014 entre le quatuor voce et Monceau Assurances, un groupe mutualistes aux origines multiples.

Solidement ancré en Loir-et-Cher depuis bientôt deux siècles, Monceau Assurances trouve également une partie de ses racines dans l’Algérie du début du XXème siècle et a dès lors tissé des liens très forts avec l’Afrique francophone. Une double culture assumée qui s’accompagne de valeurs proches de celles du Quatuor Voce : partage, culture, connaissance et respect de l’autre, passion, détermination, éthique.

Le groupe a choisi naturellement d’apporter son soutien au registre si particulier de ce quatuor talentueux et espère que vous vous laisserez emporter et séduire autant que nous en découvrant les voyages, multiples et riches, de cet « itinéraire » loin d’être tout tracé…. Qu’il éveille en vous de nouvelles envies de découverte et de partage.

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ÉGALEMENT DISPONIBLES

Recorded in February 2018 at TAP-Théâtre Auditorium Poitiers HUGUES DESCHAUX RECORDING PRODUCER, EDITING & MASTERING

ALPHA 204

VINCENT SEGAL ARTISTIC DIRECTION JOHN THORNLEY ENGLISH TRANSLATION SILVIA BERUTTI-RONELT GERMAN TRANSLATION VALÉRIE LAGARDE DESIGN & ARTWORK KEVIN SEDDIKI INSIDE PHOTOS COVER IMAGE

© PLAINPICTURE/AWL/ANDREW WATSON ALPHA 214

Avec le soutien du TAP-Théâtre Auditorium de Poitiers

ALPHA CLASSICS DIDIER MARTIN DIRECTOR LOUISE BUREL PRODUCTION AMÉLIE BOCCON-GIBOD EDITORIAL COORDINATOR ALPHA 424 p Alpha Classics / Outhere Music France 2018 © Alpha Classics / Outhere Music France 2018

ALPHA 268

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