Resound Beethoven Vol.5

SYMPHONY 9 .

RESOUND BEETHOVEN VOL. 5

AIKIN I SELINGER I DAVISLIM I LÓPEZ CHORUS SINE NOMINE

ORCHESTER WIENER AKADEMIE MARTIN HASELBÖCK

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RESOUND BEETHOVEN Mit RESOUND bringen wir Beethovens Orchesterwerke in die Säle und Theater ihrer Wiener Erstaufführungen und in die Konzerträume zurück, in denen sie zu seiner Zeit aufgeführt wurden. Vier der sechs Uraufführungsorte der neun Symphonien sind ebenso noch vorhanden wie die insgesamt acht Wiener Spielstätten, in denen Beethovens Werke zu seinen Lebzeiten gespielt wurden.

Mit Ausnahme der spanischen Reitschule war der Große Redoutensaal der größte für Konzerte verfügbare Konzertraum Wiens. Spätestens seit dem Wiener Kongress war der große Saal auch ein für Beethoven wichtiger Konzertraum, wo einige seiner größten Akademien stattfanden. Auch wenn die eigentliche Uraufführung der Neunten Anfang Mai 1824 im nicht mehr existenten Kärntnertortheater stattfand, wurde sie kurz darauf wegen der großen Nachfrage mit geringfügig verändertem Programm im Redoutensaal wiederholt, wobei der Komponist als Mitveranstalter aufgrund des schlechten Besuches finanzielle Verluste hinnehmen musste.

Das Publikum wohnte den großen symphonischen Konzerten zumeist stehend bei: Beethovens Biograph Anton Schindler spricht von 5000 Zuhörern beim Uraufführungskonzert der 8. Symphonie 1814 und im Zusammenhang mit einem Konzert wiederum im Großen Redoutensaal führt die Wiener Allgemeine musikalische Zeitung 1816 den „nicht sehr rauschenden Beyfall“ darauf zurück, „dass das grosse Gedränge der Zuhörer den freyen Gebrauch der Hände nicht gestattete.“ Im Instrumentarium, der Besetzungsgröße und der Aufstellung des Orchesters folgen wir weitgehend dem Vorbild der Erstaufführung. Bemerkenswert für unsere heutige Musizierpraxis, aber durchaus üblich zur Zeit Beethovens, war die Aufstellung des Chores VOR dem Orchester, eine Tradition die auch auf die simultane Direktion großer Aufführungen durch mehrere Dirigenten zurückgehen dürfte. Obwohl heute mehrfach umgebaut und verändert, vermittelt uns der Große Redoutensaal den Eindruck einer Monumentalaufführung in großer Besetzung.

Martin Haselböck

Markus Grassl

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RESOUND BEETHOVEN RESOUND ramène les œuvres pour orchestre de Beethoven dans les salles et les théâtres de Vienne où eurent lieu leurs premières exécutions publiques et dans les salles de concert où elles furent jouées de son temps. Quatre des six endroits où furent créées ses neuf symphonies existent encore aujourd’hui, ainsi que huit lieux de concert viennois où les œuvres de Beethoven furent exécutées de son vivant. À l’exception de l’École espagnole d’équitation, la grande salle de la Redoute, une des deux salles de bal de la Hofburg, était le plus grand lieu où l’on pouvait donner des concerts à Vienne. Depuis le Congrès de Vienne au plus tard, elle était devenue pour Beethoven également un lieu important où où se déroulèrent quelques-unes de ses principales académies. Même si la véritable création de la Neuvième Symphonie eut lieu début mai 1824 au Theater am Kärntnertor, aujourd’hui disparu, elle fut rejouée peu après, du fait de son grand succès, dans la salle de la Redoute, avec un programme à peine modifié. Cela entraîna des pertes financières pour le compositeur, co-organisateur du concert, le public n’ayant pas été assez nombreux.

Les auditeurs assistaient le plus souvent debout aux grands concerts symphoniques : Anton Schindler, le biographe de Beethoven, parle de 5000 auditeurs lors de la première exécution publique de la Huitième Symphonie, en 1814, et, en 1816, à propos d’un concert dans la grande salle de la Redoute, le Wiener Allgemeine Musikalische Zeitung explique les « applaudissements pas très bruyants » par le fait « que la grande foule ne permettait pas aux auditeurs de se servir librement de leurs mains ».

En ce qui concerne l’instrumentation, la taille de l’orchestre et sa disposition, nous suivons dans une large mesure le modèle de la première exécution publique. Ce qui est étonnant pour notre pratique musicale actuelle, mais qui était tout à fait habituel à l’époque de Beethoven, est que le chœur était placé devant l’orchestre, une tradition qui doit notamment remonter au fait que les grandes exécutions étaient dirigées simultanément par plusieurs chefs. Bien qu’elle ait été plusieurs fois réaménagée et transformée, la grande salle de la Redoute nous restitue l’impression que devait produire une exécution monumentale en grande formation.

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RESOUND BEETHOVEN With RESOUND we restore Beethoven’s orchestral works to the halls and theatres of their Viennese premieres and other concert halls where they were performed in his lifetime. Four of the six places where one or more of the nine symphonies were premiered still exist today, as do eight Viennese venues in all among those in which Beethoven’s works were played during his lifetime.

With the exception of the Spanish Riding School, the Großer Redoutensaal was the largest room available for concerts in Vienna. By the Vienna Congress at the latest, it was also an important concert venue for Beethoven: some of his biggest academies (public concerts) took place there. Although the actual premiere of the Ninth took place in early May 1824 at the Kärntnertortheater, which no longer exists today, the work was repeated in the Redoutensaal shortly afterwards by popular demand, with a slightly modified programme. But the composer, as joint promoter of the concert, finally had to take on financial losses owing to poor attendance.

Audiences mostly stood at large symphonic concerts: Beethoven’s biographer Anton Schindler speaks of 5,000 listeners at the first performance of the Eighth Symphony in 1814, and in 1816, referring to a concert in the Großer Redoutensaal, the Wiener allgemeine musikalische Zeitung attributes the ‘not very loud applause’ to the fact that ‘the great throng of listeners did not permit free use of the hands’.

Our instruments, size of performing forces and orchestral layout largely correspond to those of the premiere. A striking feature for our contemporary musical practice, though it was quite normal in the time of Beethoven, is the positioning of the chorus in front of the orchestra, a tradition that is probably also explained by the fact that large-scale performances were directed simultaneously by several conductors.

Although today’s Großer Redoutensaal has been rebuilt and altered several times since Beethoven’s day, it still conveys the impression of a monumental performance when large forces are employed there.

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LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)

SYMPHONY NO.9 IN D MINOR, OP.125 1 2 3 4

I. ALLEGRO MA NON TROPPO, UN POCO MAESTOSO

14’29

II. SCHERZO: MOLTO VIVACE – PRESTO

14’21

III. ADAGIO MOLTO E CANTABILE

13’41

IV. PRESTO; ALLEGRO MOLTO ASSAI (ALLA MARCIA); ANDANTE MAESTOSO; ALLEGRO ENERGICO, SEMPRE BEN MARCATO

23’05

TOTAL TIME: 65'26

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LAURA AIKIN SOPRANO MICHAELA SELINGER MEZZO-SOPRANO STEVE DAVISLIM TENOR JOSÉ ANTONIO LÓPEZ BARITONE CHORUS SINE NOMINE JOHANNES HIEMETSBERGER CHOIRMASTER MARTIN HASELBÖCK CONDUCTOR

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ORCHESTER WIENER AKADEMIE MARTIN HASELBÖCK CONDUCTOR PICCOLO SIEGLINDE GRÖSSINGER FLUTE CHARLES BRINK, MARIE-CELINE LABBÉ OBOE EMMA BLACK, PETER TABORI CLARINET PETER RABL, CHRISTIAN KOELL BASSOON KATALIN SEBELLA, TAKAKO KUNUGI CONTRABASSOON LÁSZLÓ FERIENCSIK HORN HERMANN EBNER, FERENC VARGA, DEBORAH STURMAN, PETER HARSÁNYI TRUMPET MARTIN PATSCHEIDER, CHRISTIAN GRUBER TROMBONE GERHARD SCHNEIDER, JÜRGEN SKLENAR, BERNHARD RAINER TIMPANI PAUL BRAMBÖCK PERCUSSION IVAN BULBITSKI, BERNHARD SZENSZ, XIXI WANG VIOLIN 1 DAVID DRABEK, CYNTHIA ROBERTS, MARKUS HOFFMANN, ANNA-MARIA SMERD, DIANA KIENDL-SAMAROVSKI, ALIONA PIATROUSKAYA, VERONIKA SCHULZ-ECKART, YUTA TAKASE, GERLINDE SONNLEITNER, KIRILL GONCHAROV, AGNES PETERSEN, IRMA NISKANEN VIOLIN 2 PIROSKA BATORI, CHRISTIANE BRUCKMANN-HILLER, MARIA KALUZHSKIKH, KATALIN HOFFMANN, THOMAS TRSEK, JULIA MALY, KATARZYNA BRZOZA, KLAUDIA MATLAK, INIGO MARIO ARANZASTI PARDO, ANNALISA VIRZI, ESTHER BACHKÖNIG, MARIA ROMERO, JA KYOUNG KIM VIOLA PABLO DE PEDRO CANO, WOLFRAM FORTIN, ÉVA POSVANECZ, MARTINA REITER, DANIEL MOSER, AXEL KIRCHER, EDSON SCHEID, MARIE DANIELS CELLO LEONHARD BARTUSSEK, DIETER NEL, GÜNTER SCHAGERL, PAVEL G. SERBIN, THOMAS SPRING, JOSE IGNACIO PERBECH, CORNELIA BURGHARDT DOUBLE BASS WALTER BACHKÖNIG, MARTIN HOFINGER, CIRO VIGILANTE, KRISTOF SZIMAN, JONAS CARLSSON, DAVIDE SALOMONI

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BEETHOVENS 9. SYMPHONIE OP. 125 VON DANIEL TIEMEYER Die 9. Symphonie Ludwig van Beethovens stellt einen Höhepunkt in der Gattungsgeschichte dar. Noch heute wird die Integration des Chores und die Erweiterung des Instrumentalzyklus zur symphonischen Kantate als Durchbrechen kompositorischer und gesellschaftlicher Schranken interpretiert. Die Verwendung von Schillers Worten hat jedoch auch dazu geführt, dass die Symphonie im Laufe ihrer langen Geschichte immer wieder von Ideologien instrumentalisiert wurde. Der Fall der Berliner Mauer wurde allerdings ebenso mit ihren Klängen gefeiert. Als Europahymne ist die „Ode an die Freude“ ein international bekanntes Symbol für Frieden, Freiheit und Menschenrechte geworden.

Die Uraufführung dieses monumentalen Werkes, die am 7. Mai 1824 im Rahmen einer Akademie im Kärntnertortheater stattfand, fiel in eine Zeit, in der das Publikum von Beethoven schon seit längerem keine nennenswerten Kompositionen mehr zu Gehör bekommen hatte.

Der eigenbrötlerische Mann galt gar als „ausgeschrieben“. Diverse Konflikte, nicht zuletzt der sich über Jahre erstreckende Sorgerechtsstreit um seinen Neffen Karl, seine völlige Ertaubung und die rapide Verschlechterung seines Gesundheitszustandes machten die Komposition großer Werke zeitweise unmöglich. Doch Beethovens schöpferischer Geist war noch nicht versiegt, nach den Jahren der Krise und der Sammlung brachte er nun Meisterwerke wie die „Missa solemnis“, die „Diabelli-Variationen“, die letzten Klaviersonaten und Streichquartette und eben die 9. Symphonie hervor.

Den äußeren Anlass zur Komposition bot ein von Beethovens Schüler Ferdinand Ries vermittelter Auftrag der London Philharmonic Society aus dem Frühjahr 1817. Hieraus entstand die 9. Symphonie, die hauptsächlich 1823 komponiert und Anfang 1824 fertiggestellt wurde.

Die Idee, Schillers „Ode an die Freude“ zu vertonen, trug Beethoven bereits 1793 in sich, und so ging der Freudengesang zugleich als Finale wie als politisch-moralisches Bekenntnis 10

und utopisches Vermächtnis in die Symphonie mit ein. Musikalisch stehen dem Vokalfinale drei Instrumentalsätze entgegen – ein formaler Bruch, der nicht immer positiv bewertet wurde. Richard Wagner beispielsweise empfand das Finale qualitativ als nicht gleichwertig gegenüber den ersten Sätzen, Eduard Hanslick hegte in Bezug auf den Schluss ebenfalls ästhetische Zweifel.

Rein formal ist die Verwendung eines Variationssatzes als Finale nicht ungewöhnlich, berühmte Vorbilder finden sich in Beethovens Werk in der 3. Symphonie und in den Klaviersonaten op.

109 und 111. Bereits die Introduktion nimmt mit dem parlando-artigen Cello-Rezitativ dezidiert sprachlichen Charakter an. Eindrucksvoll integriert Beethoven die menschliche Stimme und das Wort als Bedeutungsträger, um die Utopie von Freude und Verbrüderung der Menschheit im Angesicht des göttlichen Schöpfers zu feiern. Eine Vision, die vor dem Hintergrund der Krisen unserer Tage nichts von ihrer Dringlichkeit und Aktualität eingebüßt hat.

Die Uraufführung der Symphonie wurde zu einem großen Triumph für den 54-jährigen Beethoven. Die Atmosphäre von Anspannung und Hektik lässt sich noch heute aus den Konversationsheften entnehmen. Glücklicherweise ist genau der Band erhalten geblieben, in dem der Neffe Karl und Anton Schindler dem Komponisten von dem Andrang beim Ticketverkauf, dem chaotischen Ablauf der Proben und schließlich von dem Erfolg berichten: „Ich habe nie im Leben“, schreibt Schindler, „so einen wüthenden u doch herzlichen Applaus gehört als heute. […] der Empfang war mehr als kaiserlich – denn 4 Mahl stürmte das Volk los. zuletzt wurde Vivat gerufen.“ Die Aufführung wurde von Michael Umlauf geleitet, während sich Beethoven als eine Art „Nebendirigent“ ebenfalls auf der Bühne befand. Der Violinist Joseph Böhm erinnerte sich an die rührenden Szenen, als man ihn immer darauf hinweisen musste, „wenn es an der Zeit war, dem Publikum für den gespendeten Beifall zu danken“ – ein beredtes Zeugnis für die Isolation, unter der Beethoven aufgrund seiner Taubheit litt. Die Skizzen zur 10. Symphonie konnte Beethoven nicht mehr vollenden. Die Neunte mit ihrem Chorfinale wurde zu seinem symphonischen Vermächtnis.

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LAURA AIKIN SOPRAN Die amerikanische Sängerin Laura Aikin begann ihre Karriere im Ensemble der Berliner Staatsoper Unter den Linden. Seitdem tritt sie an den großen Opern- und Konzertbühnen in Europa und den USA auf und arbeitet mit Dirigenten wie Barenboim, Jacobs und WelserMöst zusammen. Auch bei den Salzburger Festspielen ist Aikin ein gern gesehener Gast, wo sie u.a. als Königin der Nacht in Mozarts „Zauberflöte“ und als Badi’at in der Uraufführung von Henzes „L’Upupa“ zu hören war. Das Repertoire der Sopranistin, deren Stimmumfang mehr als drei Oktaven umfasst, reicht vom Barock bis zu zeitgenössischen Werken und ist auf vielen hochgelobten Aufnahmen dokumentiert. Zu den Höhepunkten der Saison 2015/16 gehören Aithra in Strauss’ „Die ägyptische Helena“ an der Deutschen Oper Berlin sowie eine Neuproduktion von Janáčeks „Věc Makropulos“ an der Wiener Staatsoper.

MICHAELA SELINGER MEZZOSOPRAN Die gebürtige Österreicherin Michaela Selinger ist sowohl auf den Opernbühnen als auch auf den Konzertpodien weltweit gefragt. Sie studierte in Linz, Wien und Basel und debütierte am Grand Théâtre de Genève. Von 2005 bis 2010 war sie Ensemblemitglied der Wiener Staatsoper und danach vielfach am Essener Aalto-Theater zu erleben; Gastauftritte führten sie u.a. nach Rom, Moskau, Bogotá und Tokyo. Zum umfangreichen Repertoire der Mezzosopranistin gehören Zerlina aus Mozarts „Don Giovanni“ und Octavian aus dem „Rosenkavalier“ von Strauss, ihre Paraderolle. Selingers Interpretation der Magdalene aus Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“ sowie ihre Mélisande aus „Pelléas et Mélisande“ von Debussy sind auf DVD dokumentiert. Ihre CD-Einspielung von Dvořáks „Stabat Mater“ mit Herreweghe wurde mehrfach ausgezeichnet.

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STEVE DAVISLIM TENOR Steve Davislim studierte Gesang in Melbourne und Zürich und bewährte sich zunächst als langjähriges Ensemblemitglied am Opernhaus Zürich. Dort sang er Partien wie Almaviva in „Il barbiere di Siviglia“ von Rossini und den Steuermann in Wagners „Der fliegende Holländer“.

Internationale Gastspiele führten den australischen Tenor von der Dresdner Semperoper über den Covent Garden in London bis zur Metropolitan Opera in New York. Er konzertierte mit herausragenden Orchestern und Dirigenten, darunter Harnoncourt, Davis und Hengelbrock, und war bei Festivals wie den Salzburger Festspielen und dem Lucerne Festival zu erleben. Ein besonderer Höhepunkt seiner Karriere war der Auftritt als Idomeneo bei der Eröffnungspremiere der Mailänder Scala 2005.

Zu seinen zahlreichen CD-Einspielungen gehören u.a. Mozarts „Requiem“ mit Thielemann und Kantaten von Bach mit Gardiner.

JOSÉ ANTONIO LÓPEZ BARITON José Antonio López ist auf den bedeutenden Bühnen in ganz Europa zu Hause und arbeitete mit namhaften Dirigenten wie Pollini, Maazel und Marriner zusammen. Er studierte in Valencia und sang seitdem u.a. im Wiener Musikverein, im Prinzregententheater in München, im Teatro Real in Madrid und in der Halle aux Grains in Toulouse. Außerdem trat er bei Festspielen wie dem OsterKlang in Wien und dem Festival Casals in Puerto Rico auf. Zu seinen vielfältigen Opernpartien gehören u.a. Guglielmo in Mozarts „Così fan tutte“, Figaro in Rossinis „Il barbiere di Siviglia“, Malatesta in „Don Pasquale“ von Donizetti und Giorgio Germont in Verdis „La traviata“. Das Konzertrepertoire des gebürtigen Spaniers reicht von den Bach-Passionen über Schubert, Beethoven und Mahler bis hin zu Schönbergs „Gurre-Liedern“, die er auch auf CD aufgenommen hat.

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CHORUS SINE NOMINE Der Chorus sine nomine, gegründet 1991 von seinem Leiter Johannes Hiemetsberger, zählt zu den führenden Vokalensembles in Österreich. Besonders durch seine eigens konzipierten, teils szenischen Konzertformen zeichnet sich der „Chor ohne Namen“ aus, darunter „CRY“, „The Power of Heaven“ und „tuuli“. Herzensanliegen des Ensembles ist die Pflege von A-cappella-Musik in ihrer ganzen Vielfalt. Daneben realisiert es aber auch zahlreiche Chor-Orchester-Programme größter stilistischer Bandbreite von Bach bis Bernstein, wobei es mit renommierten Klangkörpern wie den Wiener Symphonikern, dem L’Orfeo Barockorchester, dem Ensemble Sarband und dem Tonkünstler-Orchester Niederösterreich zusammenarbeitet.

Es gastiert bei namhaften Festivals und Veranstaltern im In- und Ausland und ist Preisträger vieler bedeutender Chorwettbewerbe, u.a. Let the Peoples Sing und Florilège Vocal de Tours.

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MARTIN HASELBÖCK Geboren 1954 in eine Wiener Musikerfamilie, Studien in Wien und Paris.

Als Organist Solist unter Claudio Abbado, Lorin Maazel, Wolfgang Sawallisch u.v.a., weltweite Konzerttourneen, Zusammenarbeit mit den Komponisten Ernst Krenek, György Ligeti, Alfred Schnittke u.v.a., zahlreiche Einspielungen, so die Gesamtwerke für Orgel von Mozart und Liszt.

Professor an der Musikuniversität Wien.

Als Dirigent Gründer und Leiter des Orchesters Wiener Akademie, Music Director des Musica Angelica Baroque Orchestra Los Angeles. Gefragter Gastdirigent bedeutender Orchester in Berlin, Madrid, Philadelphia, Sankt Petersburg, Sydney, San Francisco u.v.a. Dirigent von Opernneuproduktionen bei bedeutenden Festivals.

Aufführungen und Einspielungen der Orchesterwerke von Beethoven und Liszt in authentischer Besetzung und Instrumentarium in den historischen Konzerträumen.

Schöpfer und Produzent neuartiger Musiktheaterproduktionen mit Partnern wie John Malkovich, Michael Sturminger und Virgil Widrich (Infernal Comedy, Casanova Variations, Black Cat ). Als Dirigent dieser Produktionen in den vergangenen Jahren mehr als 150 Aufführungen an 75 Spielorten. www.haselboeck.org

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ORCHESTER WIENER AKADEMIE ­− 1985 von Martin Haselböck gegründet ­− Originalklangorchester mit Repertoire von Barock bis zur Moderne („Musik im Klang ihrer Zeit“) ­− Konzertzyklus im Wiener Musikverein seit 1991 ­− Internationale Konzerttourneen, Orchestrerresidenzen bei bedeutenden Festivals ­− Zusammenarbeit mit Cecilia Bartoli, Thomas Hampson, Isabelle Faust, Ronald Brautigam, Anna Prohaska, Jonas Kaufmann u.v.a ­− Mehr als 150 vielfach preisgekrönte CDs und DVDs. Gesamteinspielungen mit Werken von Schubert, Bach, Beethoven und Liszt (RESOUND) sowie mit Schwerpunkt Barock in Wien (Musica Imperialis) ­− Opernorchester bei Festivals in Wien, Salzburg, Göttingen, Schwetzingen, Reinsberg in Neuproduktionen mit Werken von Händel, Mozart, Beethoven, Weber u.v.a. ­− Seit 2009 Zusammenarbeit mit John Malkovich in Musiktheaterproduktionen (The Infernal Comedy, The Giacomo Variations) ­− Als Orchester Protagonist des Spielfilms „Casanova Variations“ von Michael Sturminger www.wienerakademie.at resound.wienerakademie.at facebook.com/orchesterwienerakademie

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ORIGINALSCHAUPLATZ GROSSER REDOUTENSAAL ­− 1744 bis 1748 an der Stelle des 1705 erbauten Hoftheaters unter Maria Theresia durch Jean-Nicolas Jadot errichtet ­− 1759 Umbau der beiden Säle vor den Hochzeitsfeierlichkeiten von Joseph II. mit Isabella von Parma ­− 1788 Erweiterung der Balkone des großen Saales zur Galerie ­− ca. 1780 bis 1810 Große Redouten mit speziell komponierter Tanzmusik von Mozart, Beethoven, Hummel, u.a. ­− 1800 bis 1870 bedeutender Konzertraum Wiens mit zahlreichen Erst- und Uraufführungen unter Dirigenten wie Beethoven, Liszt, Nicolai ­− 1992 Brand und anschließender Wiederaufbau ­− Ab 1993 Pressezentrum der Regierung, steht auch für Konzerte, Theaterund Opernaufführungen sowie Ballveranstaltungen zur Verfügung „Wenn wird denn das Concert? Abends?

Im Redouten Saal?

Das ist noch besser, und vortheilhafter als im Theater.

Der Effect ist ganz anders in der Redoute als im Theater.“ Beethovens Konversationshefte, Bd 6, S. 207

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BEETHOVEN, NEUVIÈME SYMPHONIE, OP. 125 PAR DANIEL TIEMEYER La Neuvième Symphonie de Ludwig van Beethoven constitue un sommet dans l’histoire du genre.

Aujourd’hui encore, on considère l’intégration du chœur et l’élargissement du cycle instrumental vers la cantate symphonique comme représentant une rupture avec des barrières musicales et sociales.

L’emploi des vers de Schiller a néanmoins eu aussi pour conséquence que cette symphonie, tout au long de son histoire, a été régulièrement instrumentalisée à des fins idéologiques. Mais on l’a également entendue pour célébrer la chute du mur de Berlin. Hymne de l’Europe, l’« Ode à la joie » est devenue un symbole international de la paix, de la liberté et des droits de l’homme.

La création de cette œuvre monumentale eut lieu le 7 mai 1824, dans le cadre d’une académie musicale au Kärntnertortheater, à une époque où il y avait longtemps que le public n’avait plus entendu d’œuvre importante de Beethoven. On disait le musicien excentrique déjà « fini ». Plusieurs conflits, notamment la dispute pour la garde de son neveu Karl, qui durait depuis plusieurs années, sa surdité complète et la détérioration rapide de son état de santé l’avaient mis temporairement hors d’état de composer des œuvres d’une certaine ampleur. Mais l’esprit créateur de Beethoven n’avait pas encore dit son dernier mot, et voici qu’après des années de crise et de concentration, il produisait des chefs-d’œuvre comme la Missa solemnis, les Variations Diabelli, les dernières sonates pour piano et les derniers quatuors à cordes – et la Neuvième Symphonie.

L’occasion concrète qui conduisit à sa composition fut une commande de la London Philharmonic Society, remontant au printemps 1817, que lui avait procurée Ferdinand Ries, un de ses élèves. Le résultat fut la Neuvième Symphonie, principalement composée en 1823 et achevée au début de l’année 1824. Depuis 1793 déjà, Beethoven avait l’idée de mettre en musique l’« Ode à la joie » de Schiller et ce chant d’exultation fut ainsi inscrit dans la symphonie à la fois comme finale et comme profession de foi politique et morale, voire comme testament utopique. Du point de vue musical, le finale vocal s’oppose à trois mouvements instrumentaux – une rupture formelle qui n’a pas toujours 23

fait l’objet de commentaires positifs. Richard Wagner, par exemple, trouvait que le finale n’était pas de la même qualité que les premiers mouvements, et Eduard Hanslick avait lui aussi des doutes esthétiques à l’égard du dernier mouvement.

Formellement, l’utilisation d’un mouvement à variations comme finale n’avait rien d’inhabituel, on en trouve des précédents fameux dans l’œuvre de Beethoven, dans sa Troisième Symphonie et dans ses sonates pour piano op. 109 et op. 111. Dès l’introduction, avec son récitatif de violoncelle, presque en style parlando, la musique prend nettement un caractère de discours parlé. Beethoven intègre de manière impressionnante la voix humaine et les mots, porteurs de signification, pour célébrer l’utopie de la joie et de la fraternité de l’humanité face au créateur divin. Dans le contexte des crises actuelles, c’est là une vision qui n’a rien perdu de son urgence ni de son actualité.

La première exécution publique de la symphonie fut un grand triomphe pour Beethoven, alors âgé de cinquante-quatre ans. On peut sentir aujourd’hui encore l’atmosphère de tension et d’excitation qui entoura la création grâce aux cahiers de conversations du compositeur. Par chance, en effet, on a précisément conservé le volume dans lequel le neveu Karl et Anton Schindler lui parlent de la foule qui se presse pour acheter des billets, du déroulement chaotique des répétitions et finalement du succès : « Jamais de ma vie », écrit Schindler, « je n’ai entendu des applaudissements aussi frénétiques et en même temps aussi chaleureux qu’aujourd’hui. […] l’accueil a été plus qu’impérial – car le peuple a explosé à quatre reprises. Pour finir, on a crié des Vivat. » L’interprétation était dirigée par Michael Umlauf, Beethoven se trouvant également sur la scène comme une sorte de « chef d’orchestre en second ». Le violoniste Joseph Böhm garda en mémoire ces moments émouvants où il fallut à chaque fois lui signaler « qu’il était temps de remercier le public pour ses applaudissements » – un témoignage éloquent de l’isolement dont souffrait Beethoven à cause de sa surdité. Il ne put mener à bien les esquisses pour une dixième symphonie. La Neuvième Symphonie, avec son finale pour chœur, demeura son testament symphonique.

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LAURA AIKIN SOPRANO La chanteuse américaine Laura Aikin a commencé sa carrière comme membre de l’ensemble du Staatsoper Unter den Linden de Berlin. Depuis, elle chante dans les grandes salles de concert et d’opéra en Europe et aux USA et travaille avec des chefs d’orchestre comme Daniel Barenboim, René Jacobs et Franz Welser-Möst. Elle est régulièrement invitée au Festival de Salzbourg où elle a chanté, entre autres, la Reine de la Nuit dans La Flûte enchantée de Mozart et le rôle de Badi’at lors de la création de L’Upupa de Henze. Le répertoire de la soprano, dont la tessiture s’étend sur plus de trois octaves, va du baroque à des œuvres contemporaines.

Ses nombreux enregistrements ont reçu de grands éloges. Parmi les grands moments de la saison 2015-2016, mentionnons le rôle d’Aithra dans Die ägyptische Helena de Richard Strauss au Deutsche Oper de Berlin ainsi qu’une nouvelle production de Věc Makropoulos de Janáček au Wiener Staatsoper.

MICHAELA SELINGER MEZZO-SOPRANO Née en Autriche, Michaela Selinger chante dans le monde entier, sur les scènes d’opéra comme dans les salles de concert. Elle a suivi ses études à Linz, Vienne et Bâle, et fait ses débuts au Grand Théâtre de Genève. De 2005 à 2010, elle a fait partie de l’ensemble du Wiener Staatsoper. Par la suite, elle a régulièrement chanté à l'Aalto-Theater d’Essen et a été invitée à Rome, Moscou, Bogotá et Tokyo, entre autres. Son vaste répertoire comprend notamment le rôle de la Zerline dans Don Giovanni de Mozart et celui d'Octavian dans Le Chevalier à la rose de Strauss, son rôle fétiche. On peut admirer sur DVD son interprétation de Magdalene dans Les Maîtres chanteurs de Nuremberg de Wagner et de Mélisande dans Pelléas et Mélisande de Debussy. Son enregistrement du Stabat Mater de Dvořák sous la direction de Philippe Herreweghe a reçu plusieurs récompenses.

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STEVE DAVISLIM TÉNOR Après avoir suivi des études de chant à Melbourne et à Zurich, Steve Davislim a commencé à s’imposer en étant membre de l’ensemble de l’Opéra de Zurich pendant plusieurs années. Il y a chanté des rôles comme celui d'Almaviva dans le Barbier de Séville de Rossini et celui du pilote dans Le Vaisseau fantôme de Wagner. Des tournées internationales ont conduit le ténor australien du Semperoper de Dresde à Covent Garden, à Londres, et au Metropolitan Opera de New York. Il a donné des concerts avec des orchestres et des chefs d’orchestre de grande réputation, comme Nikolaus Harnoncourt, Colin Davis ou Thomas Hengelbrock. On a pu l’entendre lors de plusieurs festivals, dont ceux de Salzbourg et de Lucerne. Un moment fort dans sa carrière a été l’invitation à chanter le rôle titre dans Idomeneo de Mozart pour l’ouverture de la saison à la Scala de Milan en 2005. Parmi ses nombreux enregistrements, mentionnons le Requiem de Mozart sous la direction de Christian Thielemann et des cantates de Bach sous celle de John Eliot Gardiner.

JOSÉ ANTONIO LÓPEZ BARYTON Né en Espagne, José Antonio López est un habitué des principales scènes européennes et a travaillé avec des chefs d’orchestre aussi célèbres que Maurizio Pollini, Lorin Maazel et Neville Marriner. Il a fait ses études à Valence et depuis, il a chanté notamment au Wiener Musikverein, au Prinzregententheater de Munich, au Teatro Real de Madrid et à la Halle aux Grains de Toulouse. Il a été l'invité de festivals comme celui de l’OsterKlang à Vienne et le Festival Casals à Puerto Rico. Les nombreux rôles d’opéra de son répertoire comprennent Guglielmo dans Così fan tutte de Mozart, Figaro dans Le Barbier de Séville de Rossini, Malatesta dans Don Pasquale de Donizetti et Giorgio Germont dans La Traviata de Verdi. Son répertoire de concert va des Passions de Bach et des œuvres de Schubert, Beethoven et Mahler jusqu’aux Gurre-Lieder de Schoenberg, qu’il a enregistrés en CD. 26

CHORUS SINE NOMINE Fondé en 1991 par son chef, Johannes Hiemetsberger, le Chorus sine nomine compte parmi les principaux ensembles vocaux d’Autriche. Ce « Chœur sans nom » se caractérise en particulier par des formes scéniques de concert conçues exprès pour lui, comme CRY, The Power of Heaven ou tuuli. Ce qui lui tient le plus à cœur est de cultiver la musique a cappella dans toute sa variété.

Il donne par ailleurs de nombreux concerts avec chœur et orchestre d’une grande diversité stylistique, allant de Bach à Bernstein, travaillant avec des orchestres fameux comme les Wiener Symphoniker, l’orchestre baroque L’Orfeo, l’ensemble Sarband et l’orchestre Tonkünstler de Basse-Autriche.

Il est invité en Autriche et à l’étranger par des festivals et des organisateurs de concerts renommés.

Il a remporté de nombreux concours de chœur importants, entre autres Let the Peoples Sing et le Florilège Vocal de Tours.

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MARTIN HASELBÖCK Né en 1954 dans une famille musicienne viennoise, il a fait ses études à Vienne et à Paris.

Comme organiste, il a joué en soliste lors de tournées de concerts dans le monde entier sous la direction de Claudio Abbado, Lorin Maazel et Wolfgang Sawallisch, entre autres.

Il a travaillé notamment avec les compositeurs Ernst Krenek, György Ligeti, Alfred Schnittke, et réalisé de nombreux enregistrements, comme l’intégrale de l’œuvre d’orgue de Mozart et de Liszt.

Il est professeur à l’Université de musique de Vienne.

En tant que chef d’orchestre, il a fondé l’Orchester Wiener Akademie, qu’il dirige.

Il est directeur musical de l’orchestre Musica Angelica Baroque de Los Angeles et chef invité de plusieurs orchestres importants à Berlin, Madrid, Philadelphie, Saint-Pétersburg, Sydney, San Francisco, etc. Il a dirigé de nouvelles productions d’opéras dans des festivals de renom.

Il a interprété et enregistré dans des lieux de concerts historiques des œuvres pour orchestre de Beethoven et de Liszt avec une formation orchestrale dont la composition et les instruments correspondent aux données historiques.

Il est le créateur et le producteur de spectacles de théâtre et de musique d’un genre nouveau, avec des partenaires comme John Malkovich, Michael Sturminger et Virgil Widrich (Infernal Comedy, Casanova Variations, Black Cat ). Ces spectacles, dont il est le chef d’orchestre, ont eu au cours de ces dernières années plus de 150 représentations dans 75 lieux différents. www.haselboeck.org

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ORCHESTER WIENER AKADEMIE ­− Fondé en 1985 par Martin Haselböck ­− L’orchestre joue sur instruments d’époques, son répertoire comprend la musique des époques baroque et moderne (« musique dans la sonorité de son temps ») ­− Il donne des cycles de concerts au Musikverein de Vienne depuis 1991 ­− Il a fait des tournées de concerts internationales et est orchestre en résidence dans d’importants festivals ­− Il a joué avec des partenaires comme Cecilia Bartoli, Thomas Hampson, Isabelle Faust, Ronald Brautigam, Anna Prohaska, Jonas Kaufmann, et bien d’autres encore ­− L’Orchester Wiener Akademie a reçu plus de 150 récompenses pour ses enregistrements (CD et DVD), qui comprennent des œuvres de Schubert, Bach, Beethoven et Liszt (« RESOUND ») ainsi que des disques centrés sur la musique baroque à Vienne (Musica Imperialis). ­− Il a participé à des productions nouvelles d’opéras de Haendel, Mozart, Beethoven et Weber, entre autres, lors de festivals à Vienne, Salzbourg, Göttingen, Schwetzingen ou Reinsberg. ­− Depuis 2009, il travaille avec John Malkovich dans des spectacles de théâtre et de musique (The Infernal Comedy, The Giacomo Variations) ­− Il a été l’orchestre-protagoniste du film Casanova Variations de Michael Sturminger www.wienerakademie.at resound.wienerakademie.at facebook.com/orchesterwienerakademie

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LIEU HISTORIQUE : LA GRANDE SALLE DE LA REDOUTE ­− de 1744 à 1748 : édification par Jean-Nicolas Jadot, sous le règne de l’impératrice Marie-Thérèse, à la place du théâtre de cour construit en 1705.

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1759 : transformations des deux salles avant les fêtes en l’honneur des noces de Joseph II avec Isabelle de Parme.

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1788 : agrandissement des balcons de la grande salle qui deviennent une galerie.

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de 1800 à 1870 : importante salle de concert de Vienne, on y donne de nombreuses créations dirigées par des musiciens comme Beethoven, Liszt, Nicolai.

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1992 : incendie suivi d’une reconstruction.

de 1780 environ jusqu’en 1810 : on y donne de grands bals avec des musiques de danse composées exprès par Mozart, Beethoven, Hummel et d’autres compositeurs.

depuis 1993 : centre de presse du gouvernement, la salle sert aussi pour des concerts, des représentations de pièces de théâtre ou d’opéras ainsi que pour des bals. « Quand aura lieu le concert? le soir? dans la salle de la Redoute?

C'est encore mieux et plus avantageux qu'au théâtre.

L'effet est tout à fait différent dans la Redoute qu'au théâtre. » Cahiers de conversations de Beethoven, vol. 6, p. 207

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BEETHOVEN’S NINTH SYMPHONY OP.125

BY DANIEL TIEMEYER The Ninth Symphony of Ludwig van Beethoven represents a highpoint in the history of the genre.

Even today, the integration of the chorus and the expansion of the instrumental cycle in the direction of the symphonic cantata are regarded as having broken through compositional and social barriers.

However, the use of Schiller’s words has also led to repeated instrumentalisation of the symphony by ideologies in the course of its long history. The fall of the Berlin Wall was also celebrated to the strains of this music. And, in its guise as the anthem of the European Union, the ‘Ode to Joy’ has become an internationally known symbol of peace, freedom and human rights.

The premiere of this monumental work, which took place on 7 May 1824 as part of an ‘academy’ (concert) at the Kärntnertortheater, came at a time when Beethoven’s public had not heard any significant compositions by him for some time. It was even thought that the eccentric loner had ‘written himself out’. Various conflicts, not least the longstanding custody battle over his nephew Karl, his now total deafness and the rapid deterioration of his state of health, made the composition of large-scale works impossible at times. But Beethoven’s creative spirit had not yet dried up. After the years of crisis and contemplation, he brought forth masterpieces such as the Missa solemnis, the Diabelli Variations, the late piano sonatas and string quartets, and the Ninth Symphony.

The stimulus for the composition was the commission, brokered by Beethoven’s pupil Ferdinand Ries in the spring of 1817, of a work for the Philharmonic Society of London. This eventually led to the Ninth Symphony, composed mainly in 1823 and completed in 1824. Beethoven had already had the idea of setting Schiller’s ‘Ode to Joy’ as early as 1793, and the text was therefore included in the symphony as at once a finale, a political and moral credo and a utopian legacy. In musical terms, the vocal finale is pitted against three instrumental movements – a formal rupture that has not always 31

been positively evaluated. Richard Wagner, for example, felt the finale was not equal in quality to the first movement. Eduard Hanslick also harboured aesthetic doubts about this conclusion.

From a purely formal viewpoint, the use of a set of variations as a finale is not uncommon, and famous examples in Beethoven’s output are to be found in the Third Symphony and the Piano Sonatas opp.109 and 111. Already the introduction takes on a decidedly speech-like character with the parlando cello recitative. Beethoven impressively integrates the human voice and the word as signifiers in order to celebrate the utopia of joy and the brotherhood of humankind before the divine Creator. A vision that, against the background of our contemporary crises, has lost none of its urgency and topicality.

The symphony’s premiere was a great triumph for the fifty-four-year-old Beethoven. The atmosphere of tension and hustle and bustle can still be gathered from the composer’s Conversation Books.

Fortunately, the very volume has been preserved in which the composer’s nephew Karl and Anton Schindler tell him about the rush to buy tickets, the chaotic progress of the rehearsals and finally the work’s success: ‘Never in my life’, wrote Schindler, ‘have I heard more frenetic and yet heartfelt applause than today. . . The reception was more than imperial – for the people burst out into a storm four times. At the last there were cries of “Vivat!”’ The performance was conducted by Michael Umlauf, while Beethoven was also on the platform as a kind of ‘associate conductor’. The violinist Joseph Böhm recalled the moving scenes as the composer had repeatedly to be shown ‘when it was time to acknowledge the applause bestowed by the audience’ – an eloquent testimony to the isolation from which Beethoven suffered on account of his deafness. The composer was unable to complete his sketches for a tenth symphony. The Ninth with its choral finale became his symphonic legacy.

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LAURA AIKIN

SOPRANO

The American singer Laura Aikin began her career in the ensemble of the Staatsoper Unter den Linden in Berlin. Since then, she has appeared in the major opera houses and concert halls in Europe and the USA and has worked with conductors such as Barenboim, Jacobs and Welser-Möst.

She is also a welcome guest at the Salzburg Festival, where her roles have included Queen of the Night in Mozart’s Die Zauberflöte and Badi’at in the premiere of Henze’s L’Upupa. The repertoire of this soprano with a range of more than three octaves ranges from Baroque to contemporary works and is documented on many highly praised recordings. Among the highlights of her 2015/16 season were Aithra in Strauss’s Die ägyptische Helena at the Deutsche Oper Berlin and a new production of Janáček’s Věc Makropulos at the Vienna State Opera.

MICHAELA SELINGER

MEZZO-SOPRANO

Michaela Selinger, a native of Austria, is in demand on operatic stages and concert platforms all over the world. She studied in Linz, Vienna and Basel and made her debut at the Grand Théâtre de Genève. From 2005 to 2010 she was an ensemble member of the Viennese Staatsoper and subsequently appeared regularly at the Aalto Theater in Essen. Guest performances have taken her notably to Rome, Moscow, Bogotá and Tokyo. The mezzo-soprano’s extensive repertoire includes Zerlina in Mozart’s Don Giovanni and Octavian in Strauss’s Der Rosenkavalier, her signature roles.

Michala Selinger’s interpretation of Magdalene in Wagner’s Die Meistersinger von Nürnberg and her Mélisande in Debussy’s Pelléas et Mélisande are available on DVD. Her CD of Dvořák’s Stabat Mater with Herreweghe has received several awards.

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STEVE DAVISLIM

TENOR

Steve Davislim studied singing in Melbourne and Zurich and initially proved his mettle as a longstanding member of the ensemble at the Zurich Opera House. There he sang parts such as Almaviva in Rossini’s Il barbiere di Siviglia and Steuermann in Wagner’s Der fliegende Holländer.

International guest appearances took the Australian tenor from the Dresden Semperoper by way of the Royal Opera House Covent Garden to the Metropolitan Opera in New York. He has performed with outstanding orchestras and conductors, including Harnoncourt, Davis and Hengelbrock, and has sung at such festivals as Salzburg and Lucerne. A special highlight of his career was his appearance as Idomeneo at the opening premiere of the La Scala 2005 season in Milan. His numerous CD recordings include Mozart’s Requiem with Thielemann and Bach cantatas with Gardiner.

JOSÉ ANTONIO LÓPEZ

BARITONE

José Antonio López is at home on the leading platforms throughout Europe and has collaborated with renowned conductors such as Pollini, Maazel and Marriner. He studied in Valencia and since then has sung at the Vienna Musikverein, the Prinzregententheater in Munich, the Teatro Real in Madrid and La Halle aux Grains in Toulouse, among other notable venues. He has also performed at festivals such as OsterKlang in Vienna and the Casals Festival in Puerto Rico. His varied operatic roles include Guglielmo in Mozart’s Così fan tutte, Figaro in Rossini’s Il barbiere di Siviglia, Malatesta in Donizetti’s Don Pasquale and Giorgio Germont in Verdi’s La traviata. The concert repertoire of the Spanish-born singer ranges from the Bach Passions, Schubert, Beethoven and Mahler to Schoenberg’s Gurre-Lieder, which he has also recorded on CD.

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CHORUS SINE NOMINE Founded in 1991 by its director Johannes Hiemetsberger, the Chorus sine nomine is one of the leading vocal ensembles in Austria. This ‘Choir without a name’ is noted for its specially conceived, sometimes staged concert forms, such as ‘CRY’, ‘The Power of Heaven’ and ‘tuuli’. Closest to the heart of the ensemble is the cultivation of a cappella music in all its diversity. But it also performs numerous choral/orchestral programmes of a wide stylistic range, from Bach to Bernstein, in collaboration with renowned ensembles such as the Wiener Symphoniker, L’Orfeo Barockorchester, Ensemble Sarband and the Tonkünstler-Orchester Niederösterreich. It is a guest at well-known festivals and concert series both in Austria and abroad and has won prizes at many major choral competitions, including Let the Peoples Sing and Florilège Vocal de Tours.

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MARTIN HASELBĂ–CK Born in 1954 into a musical family in Vienna, studied in Vienna and Paris.

As an organist, soloist under Claudio Abbado, Lorin Maazel, Wolfgang Sawallisch and many others; worldwide concert tours. Collaboration with the composers Ernst Krenek, GyĂśrgy Ligeti, Alfred Schnittke and many others; numerous recordings, including the complete organ works of Mozart, Liszt. Professor at the University of Music and Performing Arts, Vienna.

As a conductor, founder and director of the Wiener Akademie Orchestra, Music Director of Musica Angelica Baroque Orchestra of Los Angeles. Sought-after guest conductor with leading orchestras in Berlin, Madrid, Philadelphia, St Petersburg, Sydney, San Francisco. Conductor of new operatic productions at major festivals.

Performances and recordings of orchestral works by Beethoven and Liszt with authentic forces and instrumentarium in the historical concert halls.

Creator and producer of innovative music theatre productions with partners such as John Malkovich, Michael Sturminger, and Virgil Widrich (Infernal Comedy, Casanova Variations, Black Cat ). More than 150 performances in 75 venues as conductor of these productions in recent years. www.haselboeck.org

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ORCHESTER WIENER AKADEMIE

− Founded in 1985 by Martin Haselböck − Orchestra aiming to produce the original sound of repertory from the Baroque to modern times (‘Music in the sound of its own time’)

− Concert series at the Vienna Musikverein since 1991 − International concert tours, orchestral residencies at leading festivals − Collaborations with Cecilia Bartoli, Thomas Hampson, Isabelle Faust, Ronald Brautigam, Anna Prohaska, Jonas Kaufmann and many others

− More than 150 multi-award-winning CDs and DVDs. Complete recorded cycles of works

by Schubert, Bach, Beethoven and Liszt (RESOUND), and with Baroque music from Vienna (Musica Imperialis)

− Appearances as opera orchestra at festivals in Vienna, Salzburg, Göttingen, Schwetzingen, Reinsberg, in new productions of works by Handel, Mozart, Beethoven, Weber, etc.

− Since 2009, collaboration with John Malkovich in music theatre productions (The Infernal Comedy, The Giacomo Variations)

− Orchestral protagonist of Michael Sturminger’s feature film Casanova Variations www.wienerakademie.at resound.wienerakademie.at facebook.com/orchesterwienerakademie

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ORIGINAL VENUE: GROSSER REDOUTENSAAL

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1744-1748 During the reign of Maria Theresa, Jean-Nicolas Jadot builds the Redoutensäle (ballrooms) on the site of the court theatre, dating from 1705

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1759 Both ballrooms are converted before the festivities for the wedding of Joseph II to Isabella of Parma

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1788 Extension of the balconies of the large ballroom to form a gallery c.1780-1810 Large-scale masked balls with specially composed dance music by Mozart, Beethoven, Hummel and others

­− 1800-70 Important Viennese concert hall with many world and local premieres under such conductors as Beethoven, Liszt, Nicolai

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1992 The Redoutensäle are renovated following a fire from 1993 Press centre for the Hofburg administration, also available for concerts, theatrical and operatic performances, and balls 'When will the concert be? In the evening?

In the Redoutensaal?

That's even better and more favourable than the theatre.

The effect in the Redoutensaal is quite different from the theatre.'

Beethovens Konversationshefte (Conversation books), vol. 6, p.207

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TEXTES CHANTÉS SUNG TEXTS GESUNGENE TEXTE

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4 AN DIE FREUDE

Friedrich von Schiller

O Freunde, nicht diese Töne!

Sondern lasst uns angenehmere anstimmen, und freudenvollere.

Freude!

Freude!

Freude, schöner Götterfunken, Tochter aus Elysium, Wir betreten feuertrunken, Himmlische, dein Heiligtum!

Deine Zauber binden wieder, Was die Mode streng geteilt; Alle Menschen werden Brüder, Wo dein sanfter Flügel weilt.

Wem der grosse Wurf gelungen, Eines Freundes Freund zu sein; Wer ein holdes Weib errungen, Mische seinen Jubel ein!

Ja, wer auch nur eine Seele Sein nennt auf dem Erdenrund!

Und wer’s nie gekonnt, der stehle Weinend sich aus diesem Bund.

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ODE A LA JOIE

ODE TO JOY

Ô amis, pas de ces accents !

Laissez-nous en entonner de plus agréables, Et de plus joyeux !

O friends, not these sounds, Rather let us strike up More pleasing and joyful ones!

Joie !

Joie !

Joy! Joy!

Joie, belle étincelle divine, Fille de l’Élysée, Nous entrons l’âme enivrée Dans ton temple glorieux.

Ton magique attrait resserre Ce que la mode en vain détruit ; Tous les hommes deviennent frères Où ton aile nous conduit.

Joy, lovely divine spark, Daughter from Elysium, Drunk with ardour we approach, O heavenly one, your sanctuary.

Your magic reunites What custom sternly separated; All men shall be brothers Wherever your gentle wings tarry.

Si le sort comblant ton âme, D’un ami t’a fait l’ami, Si tu as conquis l’amour d’une noble femme, Mêle ton exultation à la nôtre !

Viens, même si tu n’aimas qu’une heure, Qu’un seul être sous les cieux !

Mais vous que nul amour n’effleure, En pleurant, quittez ce chœur.

He who has the great luck Of being a friend to a friend, Whosoever has won a dear wife, Let him mingle his joy with ours!

Yes, and he too who has one spirit On the face of the earth to call his own!

And he who cannot do so, let him steal Weeping from this assembly.

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› MENU Freude trinken alle Wesen An den Brüsten der Natur, Alle Guten, alle Bösen Folgen ihrer Rosenspur.

Küsse gab sie uns und Reben, Einen Freund, geprüft im Tod; Wollust ward dem Wurm gegeben, Und der Cherub steht vor Gott.

Froh, wie seine Sonnen fliegen, Durch des Himmels prächt’gen Plan, Laufet, Brüder, eure Bahn, Freudig, wie ein Held zum Siegen!

Seid umschlungen, Millionen!

Diesen Kuss der ganzen Welt!

Brüder, überm Sternenzelt Muss ein lieber Vater wohnen.

Ihr stürzt nieder, Millionen?

Ahnest du den Schöpfer, Welt?

Such’ ihn überm Sternenzelt! Über Sternen muß er wohnen.

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› MENU Tous les êtres boivent la joie En pressant le sein de la nature, Tous, bons et méchants, Suivent les roses sur ses traces.

Elle nous donne baisers et vendanges, Et nous offre l’ami à l’épreuve de la mort ; L’ivresse s’empare du vermisseau Et le chérubin apparaît devant Dieu.

All creation drinks joy From the breasts of nature, All the good and all the bad Follows in her rosy path.

Kisses she gave to us and wine, And a friend tried in death; Even to a worm ecstasy is granted, Even the cherubs stand before God.

Heureux, tels les soleils qui volent Dans le plan resplendissant des cieux, Parcourez, frères, votre course, Joyeux comme un héros volant à la victoire!

Just as gladly as His suns fly Through the mighty path of heaven, So, brothers, run your course Joyfully, like a hero off to victory!

Qu’ils s’enlacent, tous les êtres !

Ce baiser au monde entier !

Frères, au-dessus de la tente céleste Doit régner un tendre père.

Vous prosternez-vous, millions d’êtres ?

Pressens-tu ce créateur, Monde ?

Cherche-le au-dessus de la tente céleste !

Au-delà des étoiles, il demeure nécessairement.

You millions, I embrace you!

This kiss is for all the world!

Brothers, above the starry canopy There must dwell a loving Father.

Do you fall in worship, you millions?

World, do you know your Creator?

Seek Him in the heavens!

Above the stars must He dwell.

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RECORDED LIVE ON 26 & 27 SEPTEMBER 2015 AT GROSSER REDOUTENSAAL, HOFBURG, VIENNA ERICH HOFMANN recording supervisor/producers BENEDIKT DAVID & INA NIKOLOW balance engineers HANNES ROIS recording assistant STEPHAN REH musikproduktion mastering and mixdown ORCHESTER WIENER AKADEMIE MARTIN HASELBÖCK artistic director LINDA WIESINGER orchestra manager MUSIKKONZEPT CHRISTOPH HASELBÖCK production RESOUND BEETHOVEN SCIENTIFIC BOARD BIRGIT LODES, MARKUS GRASSL, KLAUS ARINGER, STEFAN WEINZIERL CHARLES JOHNSTON english translation LAURENT CANTAGREL french translation GAËLLE LÖCHNER graphic design & cover concept MANFRED LANGER photos (p.3, 21, 36) FABRIZIA COSTA photo (laura aikin p.13) RUTH EHRMANN photo (michaela selinger p.13) ROSA FRANK photo (steve davislim p.14) IGOR CORTADELLAS photo (josé antonio lópez p.14) MORITZ WUSTINGER photo (chorus sine nomine p.17) ALPHA CLASSICS DIDIER MARTIN director LOUISE BUREL production AMÉLIE BOCCON-GIBOD editorial coordinator ALPHA 476 ORCHESTER WIENER AKADEMIE & ALPHA CLASSICS / OUTHERE MUSIC FRANCE 2016 © ALPHA CLASSICS / OUTHERE MUSIC FRANCE 2017

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