Polychrome

POLYCHROME

PROKOFIEV STRAUSS RAVEL TOBIAS FELDMANN BORIS KUSNEZOW

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POLYCHROME 1

MAURICE RAVEL (1875-1937) VIOLIN SONATA NO.1 IN A MINOR, M.12, “SONATE POSTHUME” – 1897

14’34

SERGEY PROKOFIEV (1891-1953) VIOLIN SONATA NO.2 IN D MAJOR, OP.94A – 1944

2 I. MODERATO 3 II. SCHERZO 4 III. ANDANTE 5 IV. ALLEGRO CON BRIO - POCO MENO MOSSO - TEMPO PRIMO

7’59 4’48 3’52 7’18

RICHARD STRAUSS (1864-1949) VIOLIN SONATA IN E FLAT MAJOR, OP.18 – 1887

6 7 8

I. ALLEGRO, MA NON TROPPO

11’23

II. IMPROVISATION (ANDANTE CANTABILE)

7’40

III. FINALE (ANDANTE - ALLEGRO)

9’13

TOBIAS FELDMANN VIOLIN

VIOLIN: NICOLÒ GAGLIANO, NAPLES 1769

BORIS KUSNEZOW PIANO 4

POLYCHROM TOBIAS FELDMANN IM INTERVIEW MIT NORBERT HORNIG Ihre Debüt-CD bei Alpha kombiniert Violinsonaten von Maurice Ravel, Richard Strauss und Sergej Prokofjew. Welche Überlegungen haben zu dieser Werkauswahl geführt? Es sind Kompositionen, mit denen ich mich seit längerer Zeit beschäftigt habe und die in der Kombination einfach herausragend sind in ihrem Facettenreichtum. Mir ist es wichtig, eine große Farbpalette zu zeigen. Da gibt es einerseits französisch-impressionistische Musik, dann deutsche Spätromantik, erweitert mit einem Werk eines russischen Komponisten - das fügt noch eine zuweilen modernere und konkretere, weniger blumige Klangsprache hinzu. Es handelt sich also um drei stilistisch sehr unterschiedliche Werke, in denen man auch als Geiger glänzen kann ? Ja, das Programm bietet die Möglichkeit, sich sehr unmittelbar musikalisch auszudrücken und als autonomer Charakter zu positionieren. Gerade wegen der Verschiedenartigkeit der Werke kann man ein breites Spektrum seines geigerischen Könnens wie auch seine musikalische Fantasie zeigen. Das finde ich sehr spannend. Das Programm erlaubt an vielen Stellen Freiheiten und bietet die Möglichkeit, sich als vielseitiger Künstler zu zeigen. Ich möchte den Zuhörer ganz bewusst auf eine Reise mitnehmen und habe deshalb Werke gewählt, die gut als Folge hintereinander hörbar sind, ohne den Eindruck von Gleichförmigkeit zu vermitteln. Was sie verbindet, ist eine sehr unmittelbare Ausdruckskraft und Farbigkeit, die, abhängig von der Kompositionsweise und dem kulturellen Hintergrund, unterschiedlich ausgeprägt ist. Liegt Ihnen eines der drei Werke besonders am Herzen ? Das ist keine leichte Frage, aber wenn ich mich festlegen müsste, dann vielleicht Ravel. Es war mir besonders wichtig, diese „posthume“ Sonate mit ins Programm aufzunehmen. Ich habe das Werk 5

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vor etwa zwei Jahren zum ersten Mal gehört, und es hat mich sofort in den Bann gezogen. Ich kann nicht verstehen, warum dieses Stück in so wenigen Konzertprogrammen zu finden ist und bisher so selten aufgenommen wurde. Es ist doch eine überaus fantasievolle, geradezu magische Musik, die zu Unrecht im Schatten der anderen, bekannteren Violinsonaten von Ravel steht. Ravel schrieb seine frühe Sonate, als er noch bei Fauré in Paris studierte. Das Werk ist einsätzig, und ich finde es großartig, wie man hier sofort in eine andere Welt hineingetragen wird. Das Stück ist sehr lyrisch und klingt natürlich impressionistisch, wie typische Klangmalerei. Man kann sich beim Hören gut ein Bild von Monet vorstellen, es stellt sich sofort eine unmittelbar anziehende Atmosphäre ein und man kann sich in diesem Stück ein wenig in Trance spielen. Kann man auch sagen, dass es eine Art „Musik des Übergangs“ ist, wo Spätromantik und Impressionismus auf eine bestimmte Art und Weise zusammenkommen? Ja, alles verschmilzt gewissermaßen miteinander. Formal ist die klassische Tradition noch erkennbar, aber es deutet sich schon die Moderne an, die Struktur verwischt, wie man es auch aus der impressionistischen Kunst kennt. Und auch bei Strauss haben wir es mit einem starken Charakter zu tun, einem noch jungen, überschwänglichen Komponisten ... Aus der Strauss-Sonate klingt „Sturm und Drang“, vieles deutet schon auf die heldenhafte Tondichtung „Don Juan“ hin. Man kann die Entwicklung des Komponisten schon etwas vorausahnen, in vielen Themen und Motiven hat Strauss schon einen deutlichen Fingerabdruck hinterlassen, der auf das Kommende hindeutet. Andererseits gibt es sehr viel Intimität und sensiblen Ausdruck, nicht nur kantabel-improvisierenden zweiten Satz, sondern auch an vielen Stellen der Außensätze. Dadurch entsteht eine schöne Dualität, die wir hervorzuheben versuchen. Aus dieser Musik spricht Leidenschaft, Hingabe und Temperament. Die damals noch frische Liebesbeziehung zu seiner späteren Ehefrau mag diesen romantischen Gestus der Sonate(n) noch gesteigert haben. Es ist ein komplexes, extrem schwärmerisches Stück, das durch den ausgeweiteten Klavierpart sehr symphonisch wirkt. 6

Und welche Welt betreten wir dann in Prokofjews zweiter Violinsonate ? Ursprünglich ist die Sonate für Flöte geschrieben. Als David Oistrach das Stück hörte, war er so begeistert, dass er seinen Freund Prokofjew bat, eine Violinfassung davon anzufertigen. Ein Glücksfall für uns Geiger, denn die Musik passt vorzüglich zum Streichinstrument! Die Sonate lebt sehr von markanten, überraschenden Kontrasten. Da gibt es einerseits diese wuchtigen, kraftvollen und energiegeladenen Elemente, diese Ecken und Kanten. Ganz den Zeichen der Zeit entsprechend, die Sonate entstand ja 1944 während des Zweiten Weltkrieges. Im Gegensatz dazu finden wir lyrische, sensible Passagen, auch sehr schlichte, volkstümliche Melodien etwa im Zwischenteil des zweiten Satzes. Diese Kontraste überzeugend darzustellen, auch mit der notwendigen Kälte an bestimmten Stellen, ist wesentlich für eine adäquate Interpretation der Sonate. Sie sprechen von Kälte ? Ja, deswegen habe ich Prokofjew bewusst in das Programm aufgenommen, die Musik erweitert die Farbpalette des Programms im Sinne des Mottos „polychrom“. Bei der Strauss-Sonate entwickeln sich assoziativ feuerrote Farbbilder, bei Ravel eher blau-grüne Impressionen und bei Prokofjew ist sehr viel schwarz-weiß dabei, eine „kühlere“ Art von Farbe. Alle Sonaten haben einen gewichtigen Klavierpart, der nie nur „Begleitung“ ist. Prokofjew etwa war ein exzellenter Pianist, der auch als Solist auftrat. Welches Gewicht hat der Klavierpart, kann man hier von Gleichberechtigung sprechen ? Natürlich, zum Teil ist das schon rein optisch erkennbar. Wenn man etwa in die Partitur der StraussSonate schaut, sieht man im ersten Moment nur „schwarz“, so viele Noten stehen da. In den Ecksätzen zeigt sich eine Größe, hier ist die Musik im Prinzip symphonisch angelegt durch diese Vollgriffigkeit des Klavierparts. Und dann im zweiten Satz gilt es, diese kleinen perlenden Motive so auszugestalten, dass alles sehr spontan klingt. Der Klavierpart ist hier mindestens ebenbürtig.

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Ihr Klavierpartner in dieser Aufnahme ist der russische Pianist Boris Kusnezow. Wie haben Sie sich als Duo zusammengefunden ? Ich habe Boris beim Deutschen Musikwettbewerb 2012 kennengelernt, er ist ebenfalls Preisträger. Wir wurden dann eingeladen, im Rahmen der „Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler“ aufzutreten. Da haben wir uns gleich zu einem Duo zusammengetan, weil es auch menschlich zwischen uns gut gepasst hat. So sind wir sehr gut zusammengewachsen über die letzten Jahre und spielen immer wieder zusammen Recitals, aber auch gemeinsam in größeren Kammermusikformationen, und sind dementsprechend ein gut eingespieltes Team. Mann kann also von einer festen Duo-Partnerschaft sprechen ? So kann man es sehen, ja. Warum haben Sie die Jesus-Christus-Kirche in Berlin-Dahlem als Ort für die Aufnahme gewählt ? Die Akustik dort ist einfach phänomenal und gleichzeitig ist es auch ein sagenumwobener Ort. Karajan hat in diesem Raum ja sehr viele Aufnahmen mit den Berliner Philharmonikern gemacht und das nicht ohne Grund! Wir hatten dort ideale Bedingungen. Man verbindet mit diesem Kirchenraum ja eher größere symphonische Aufnahmen, warum gehen auch Kammermusiker gern dorthin ? Tonmeister schwärmen von dem Raum, weil dort eben alles funktioniert. Der Klang schwebt einfach, er ist nicht überfrachtet von Hall, alles ist genau in der Balance und man muss nichts künstlich hinzufügen. Wichtig ist ja, dass man sich im Moment der Aufnahme wohl fühlt. Gerade bei Werken wie der Ravel-Sonate kommt es darauf an, dass sich im Moment der Aufnahme für die Spieler schon akustisch alles gut anfühlt. Und das ist in diesem Raum der Fall. Hier hat man am Ohr schon in etwa das Klangerlebnis, wie es später auch die CD vermittelt.

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Was für eine Geige hören wir auf dieser Aufnahme ? Ich spiele auf einer Violine von Nicolò Gagliano von 1769. Mit dieser Geige habe ich kurz vor der Aufnahme einen musikalischen Partner fürs Leben gefunden, mit dem ich mich so ausdrücken kann, wie ich möchte. Sie hat von allem etwas, einerseits die nötige Brillanz für Mozart oder Beethoven und auch modernere Musik wie ein Bartók-Violinkonzert, andererseits klingt sie auch sehr warm. Für mich perfekt, ein „Allrounder“. Dazu spiele ich bei dieser Aufnahme einen Bogen von Dominique Peccatte.

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TOBIAS FELDMANN, VIOLINE Tobias Feldmann zählt nicht zuletzt durch seine zahlreichen Preise bei den größten Musikwettbewerben weltweit zu den vielversprechendsten Musikerpersönlichkeiten seiner Generation. Zu seinen bisher erzielten Auszeichnungen gehören u.a. Preise beim renommierten Königin Elisabeth Wettbewerb 2015 in Brüssel, beim Internationalen Joseph Joachim Wettbewerb 2012 und der Gewinn des Deutschen Musikwettbewerbs. Der Absolvent der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ überzeugte solistisch bereits mit zahlreichen internationalen Orchestern, wie dem Utah Symphony Orchestra, dem Münchener Kammerorchester, Las Vegas Philharmonic, Brussels Philharmonic und der NDR Radiophilharmonie Hannover. Zu seinen Partnern am Dirigentenpult gehörten dabei u.a. Gilbert Varga, Hannu Lintu, Donato Cabrera, Paul Meyer und Marin Alsop. In Vertretung für Christian Tetzlaff debütierte er 2015 solistisch mit dem Bundesjugendorchester unter KarlHeinz Steffens mit Bartóks 2. Violinkonzert. Mit Mendelssohns Violinkonzert e-Moll feierte er außerdem 2016 sein solistisches Debüt in der Philharmonie Berlin. Neben seiner solistischen Tätigkeit widmet er sich außerdem leidenschaftlich und vielseitig der Kammermusik: er gastiert inzwischen regelmäßig in verschiedensten Formationen bei bedeutenden Festivals wie der Schubertiade Hohenems, dem Rheingau Musik Festival und dem Schleswig-Holstein Musikfestival. 2014 erschien seine erste CD mit Werken von Beethoven, Ysaÿe, Bartók und Waxman, die auf Anhieb großes Lob bei der internationalen Kritik und Presse fand. In den kommenden Jahren sind weitere CD-Aufnahmen mit Alpha Classics (Outhere Music) geplant. Tobias Feldmann spielt auf einer Violine von Nicolò Gagliano aus dem Jahre 1769. www.tobias-feldmann.com

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BORIS KUSNEZOW, KLAVIER 2009 gelang dem Pianisten Boris Kusnezow mit dem Gewinn des Deutschen Musikwettbewerbs der große Durchbruch. Kurz darauf feierte er sein Debüt in der Carnegie Hall und erhielt hervorragende Kritiken von der New York Times: „most impressive interpretation“. Der in Moskau geborene Pianist begann seine musikalische Ausbildung an der renommierten Gnessin Akademie. Seit seinem achten Lebensjahr lebt er in Deutschland und absolvierte sein Studium bei Prof. Bernd Goetzke in Hannover. Wichtige Meilensteine seiner pianistischen Laufbahn sind erste Preise bei internationalen Wettbewerben, das Fellowship des renommierten britischen Borletti-Buitoni Trusts, Stipendien der Deutschen Stiftung Musikleben und der Studienstiftung des deutschen Volkes sowie zahlreiche CD-Aufnahmen. Neben dem solistischen Spiel entwickelte sich die Kammermusik und Liedbegleitung zu einer besonderen Leidenschaft des Pianisten. Inzwischen konzertiert Boris Kusnezow mit verschiedenen Kammermusikensembles und namhaften Solisten weltweit. In Deutschland trat er unter anderem in der Laeiszhalle Hamburg, im Konzerthaus am Gendarmenmarkt, im Prinzregententheater und im Gasteig München sowie in der Berliner Philharmonie auf. Boris Kusnezow lebt in Hannover und unterrichtet dort an der Hochschule für Musik, Theater und Medien. www.boriskusnezow.com

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POLYCHROME ENTRETIEN AVEC TOBIAS FELDMANN PAR NORBERT HORNIG Votre premier CD chez Alpha réunit des sonates pour violon de Maurice Ravel, de Richard Strauss et de Serge Prokofiev. Selon quels critères les avez-vous choisies ? Ce sont des œuvres sur lesquelles je travaille depuis longtemps et qui sont d’une richesse remarquable. Il me semblait important de faire entendre une large palette de couleurs. On a donc de la musique française impressionniste, de la musique allemande de la fin du romantisme et une œuvre d’un compositeur russe, au langage parfois moderne et concret, moins fleuri. Il y a donc trois œuvres stylistiquement très différentes. L’instrumentiste peut-il y briller ? Oui, le programme offre la possibilité de s’exprimer musicalement de façon très immédiate et d’y dévoiler sa personnalité. En raison précisément de la diversité des œuvres, l’artiste peut y faire la démonstration de la diversité de ses compétences violonistiques ainsi que de son imagination musicale. Je trouve cela très exaltant. Le programme permet de nombreuses libertés et offre la possibilité de montrer ses différentes facettes artistiques. Afin que l’auditeur se sente emmené en voyage, j’ai choisi des œuvres qui peuvent être écoutées à la suite l’une de l’autre sans qu’une impression d’uniformité s’en dégage. Ce qui les relie sont des couleurs et une expressivité très directe, qui, selon la technique et le contexte culturel de la composition, s’expriment de façons très différentes. L’une des trois œuvres vous tient-elle particulièrement à cœur ? Ce n’est pas une question facile ! Si je devais vraiment choisir, je dirais la sonate de Ravel. Il était particulièrement important pour moi d’intégrer cette sonate « posthume » au programme. Je l’ai découverte il y a deux ans, et je suis immédiatement tombé sous le charme. Je ne m’explique pas pourquoi cette œuvre se trouve si rarement au programme des concerts et a été si peu 12

enregistrée ! C’est une musique pleine de fantaisie, presque magique, qui reste à tort dans l’ombre de l’autre sonate pour violon de Ravel, plus connue. Ravel écrivit sa première sonate, en un mouvement, alors qu’il étudiait encore auprès de Fauré à Paris. Je la trouve magnifique, elle nous transporte immédiatement dans un autre monde. Elle est lyrique et impressionniste, comme une peinture sonore. En l’écoutant, on peut facilement s’imaginer une œuvre de Monet, une atmosphère séduisante se dessine immédiatement. Elle nous met presque en transe. Peut-on aussi dire qu’il s’agit d’un art musical « de la transition », où romantisme tardif et impressionnisme se rejoignent ? Oui, en un sens, tout est mêlé. Formellement, la tradition classique est encore reconnaissable, mais la modernité s’esquisse déjà, la structure s’efface, comme c’est le cas dans l’art impressionniste. Avec Strauss aussi, nous avons affaire à un caractère fort, à un compositeur encore jeune et exubérant… La sonate de Strauss est très Sturm und Drang, elle annonce déjà le poème symphonique héroïque Don Juan. On peut y pressentir le futur développement du compositeur : dans de nombreux thèmes et motifs, Strauss a laissé une empreinte claire qui annonce l’avenir. D’autre part, on y trouve beaucoup d’intimité et d’expression sensible, non seulement dans le deuxième mouvement improvisé, mais aussi dans de nombreux endroits des mouvements extérieurs. Cela crée une belle dualité, que nous essayons de mettre en valeur. Dans cette musique, la passion, la dévotion et le tempérament s’expriment. La relation amoureuse encore récente avec sa future femme peut avoir accru cette expression romantique de la sonate. C’est une œuvre complexe, très exaltée, à laquelle la généreuse partie de piano confère un effet très symphonique. Quel univers pénétrons-nous avec la deuxième sonate de Prokofiev ? À l’origine, la sonate fut écrite pour flûte. Lorsque David Oistrakh entendit la pièce, il en fut tellement enthousiasmé qu’il demanda à son ami Prokofiev de lui écrire une version pour violon. Une chance pour nous les violonistes : la musique convient on ne peut mieux à l’instrument à 13

cordes ! La sonate comporte beaucoup de contrastes forts, surprenants : il y a d’une part ces éléments massifs, puissants et énergiques, carrés, qui correspondent à l’air du temps, la sonate ayant été écrite en 1944, durant la Seconde Guerre mondiale. D’autre part, nous y trouvons des moments lyriques et sensibles, des mélodies très simples, populaires, comme dans le passage intermédiaire du deuxième mouvement. Représenter ces contrastes de façon convaincante, avec la froideur nécessaire en certains endroits, est essentiel pour une interprétation adéquate de la sonate. Vous parlez de froideur ? Oui, et c’est la raison pour laquelle j’ai désiré intégrer Prokofiev au programme : la musique étend la palette des couleurs vers une plus large polychromie. Avec Strauss, je pense plutôt à un rouge feu, avec Ravel à un bleu-vert et avec Prokofiev à du noir et blanc très marqué, à un art plus « froid » de la couleur. Toutes ces sonates ont une partie de clavier importante, qui n’est pas seulement un accompagnement. Prokofiev était un excellent pianiste, qui se produisait également en soliste. Peut-on parler ici d’égalité entre les parties de violon et de piano ? Naturellement, et cela s’observe déjà visuellement. Quand on regarde la partition de la sonate de Strauss, on ne voit d’abord que du « noir », il y a tant de notes ! Les mouvements extérieurs ont de la grandeur ; la densité de la partie de piano produit un effet symphonique. Dans le deuxième mouvement, il y a ces petits motifs pétillants qu’il faut développer de façon à ce que cela sonne très spontané. Ici, la partie de piano est au moins égale à celle du violon. Pour cet enregistrement, votre partenaire est le pianiste russe Boris Kusnezow. Comment en êtes-vous venus à jouer ensemble ? J’ai rencontré Boris en 2012 au Deutscher Musikwettbewerb, dont il avait également été lauréat. Nous avons ensuite été invités à nous produire dans le cadre de la « Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler » (Sélection fédérale de concerts pour les jeunes artistes). Là, nous avons 14

immédiatement formé un duo, parce que nous nous entendions également très bien sur le plan personnel. Au cours des dernières années, notre jeu s’est bien consolidé et nous donnons toujours des récitals, tout en nous impliquant ensemble dans des formations plus larges de musique de chambre. Nous formons une bonne équipe ! Peut-on parler d’un partenariat solide ? Oui, on peut le voir ainsi ! Pourquoi avez-vous choisi l’église Jésus-Christ à Berlin-Dahlem pour enregistrer ? L’acoustique y est tout simplement phénoménale, mais c’est aussi un lieu mythique. Karajan y a réalisé de très nombreux enregistrements avec le Philharmonique de Berlin, et non sans raison ! Nous y avons trouvé des conditions idéales. On y réalise surtout des enregistrements symphoniques ; pourquoi les musiciens de chambre aiment-ils aussi ce lieu ? Les ingénieurs du son adorent cette église, parce que tout y fonctionne. Le son se transmet facilement, il n’est pas surchargé par la salle, tout est équilibré et rien ne doit être ajouté artificiellement. Il est important de se sentir bien au moment de l’enregistrement, et en particulier dans l’acoustique. Surtout avec des œuvres telles que la sonate de Ravel ! C’est le cas ici. On a déjà une idée du son du CD. Quel est l’instrument que nous entendons sur cet enregistrement ? Je joue d’un violon de Nicolò Gagliano de 1769. Avec ce violon, j’ai trouvé peu avant l’enregistrement un partenaire musical pour la vie, avec lequel je peux m’exprimer comme je veux. Il a tout, à la fois l’éclat nécessaire pour Mozart et Beethoven et pour la musique plus moderne, comme un concerto de Bartók, par exemple, mais il a en même temps un son très chaud. Il est parfait pour moi ! Pour l’enregistrement, je joue avec un archet de Dominique Peccatte.

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TOBIAS FELDMANN, VIOLON Tobias Feldmann est considéré comme l’un des musiciens les plus prometteurs de sa génération, notamment grâce aux nombreux prix remportés lors de différents concours. Parmi eux, citons le prestigieux Concours Reine Élisabeth en 2015, le Concours international Joseph Joachim en 2012 ainsi qu’un premier prix au Deutscher Musikwettbewerb, également en 2012. Diplômé de la Hochschule für Musik Hanns Eisler, ses prestations en soliste avec de nombreux orchestres internationaux attirent l’attention, notamment avec l’Orchestre symphonique de l’Utah, l’Orchestre de chambre de Munich, l’Orchestre philharmonique de Las Vegas, le Brussels Philharmonic et la NDR Radiophilharmonie de Hannovre. Il se produit avec des chefs d’orchestre tels que Gilbert Varga, Hannu Lintu, Donato Cabrera, Paul Meyer et Marin Alsop. En 2015, il remplace Christian Tetzlaff au pupitre solo du 2e concerto de Bartók avec l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne sous la baguette de Karl-Heinz Steffens. En 2016, il donne pour la première fois le concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn à la Philharmonie de Berlin. Outre son travail de soliste, il est également passionné de musique de chambre : il se produit régulièrement avec différents ensembles dans de prestigieux festivals, comme les Schubertiades d’Hohenems, le festival du Rheingau et le festival du Schleswig-Holstein. En 2014, il réalise son premier album consacré à des œuvres de Beethoven, Ysaÿe, Bartók et Waxman, qui remporte immédiatement les éloges de la presse internationale. D’autres enregistrements pour Alpha Classics (Outhere Music) sont prévus pour les prochaines années. Tobias Feldmann joue d’un violon de Nicolò Gagliano de 1769. www.tobias-feldmann.com

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BORIS KUSNEZOW, PIANO C’est en 2009 que le pianiste Boris Kusnezow accède à une reconnaissance internationale, lorsqu’il remporte le premier prix du Deutscher Musikwettbewerb. Peu après, il fait ses débuts au Carnegie Hall, que le New York Times qualifie d’« interprétation très impressionnante ». Né à Moscou, Boris Kusnezow commence sa formation musicale à la célèbre Académie de musique Gnessine. Il vit en Allemagne depuis l’âge de 8 ans et y poursuit ses études avec le professeur Bernd Goetzke à Hanovre. Il est premier lauréat de concours internationaux, obtient une bourse du Borletti-Buitoni Trust anglais, d’autres de la Deutsche Stiftung Musikleben et de la Studienstiftung des Deutschen Volkes et réalise de nombreux enregistrements : tout cela constitue des étapes importantes dans sa carrière. Outre pour le répertoire solo, le pianiste développe un intérêt nourri pour la musique de chambre et l’accompagnement du lied. Ainsi, Boris Kusnezow donne des concerts dans le monde entier avec différents ensembles de musique de chambre ainsi qu’avec des solistes reconnus. En Allemagne, il se produit à la Laeiszhalle de Hambourg, au Konzerthaus de Berlin, au Prinzregententheater et au Gasteig de Munich ainsi qu’à la Philharmonie de Berlin. Boris Kusnezow vit à Hanovre et y enseigne à la Hochschule für Musik, Theater und Medien. www.boriskusnezow.com

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POLYCHROME AN INTERVIEW WITH TOBIAS FELDMANN BY NORBERT HORNIG

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Your debut release with Alpha features violin sonatas by Ravel, Prokofiev and Richard Strauss. What made you choose these particular sonatas? I’ve worked on these pieces for some time, and in combination they display an almost unparalleled richness and diversity. Having a broad tonal palette was deeply important to me, so adding a touch of the Russian tradition to the mix of French Impressionism and German Romanticism toned down the lushness and made it a shade more modern, less abstract. You might say, then, that these three pieces, though stylistically very different, have one thing in common: they give the violinist a chance to shine. Undoubtedly. This program leaves a lot of space both for direct expression and for developing a distinctive performance identity. In fact, it’s precisely this diversity that allows you to present the depth of your technique and the breadth of your imagination. As a performer, I find that very exciting: there’s a lot of musical freedom within the programme, and plenty of opportunities for presenting your skills as a multifaceted artist. I explicitly aimed at taking the listener on a journey, and so I chose pieces which can be heard in sequence without evoking a sense of monotony. The immediacy of expression and colour is common to all the pieces, but is expressed very differently depending on the composer’s musical idiom and cultural background. Do you have a particular favourite? That’s not an easy question. If I had to choose just one, then maybe the Ravel. Including the posthumous Violin Sonata No. 1 meant a great deal to me. I heard it for the first time about two years ago and was instantly smitten. I simply don’t understand why there are so few concert performances or recordings — after all, it’s a deeply imaginative piece, magical almost, and it’s 19

unfair to consign it to a life in the shadow of Ravel’s second, more famous violin sonata. This earlier sonata was composed while Ravel was still studying with Fauré in Paris. It’s a one-movement piece, and what I love about it is how it instantly transports you to another world. It’s very lyrical, and, as you might expect, impressionist, like a true tone-poem. As a listener, it’s easy to imagine yourself in a Monet painting — it has this immediate allure right from the beginning — and can entrance the performer. Is this to some extent music in transition and at the crossroads between Romanticism and Impressionism? Of course — everything is connected. On the one hand, the impact of the Classical tradition is still formally identifiable, but other elements herald the advent of Modernism. As in Impressionist art, structures are blurring. The Strauss sonata is also the work of a young, exuberant composer, and a forceful character at that... Strauss‘s sonata resounds Sturm und Drang, with plenty of hints of the coming boldness of Don Juan. In a way it allows you to tell a little of the young composer’s fortune — any of the themes and motifs are already unmistakeably Straussian and give an idea of what the future might bring. However, that doesn‘t detract from the intimacy and expressiveness of this piece, not just in the ad-libbing second movement, but often also in the first and third, which creates an exquisite duality. We do our best to highlight it. The passion, devotion, and sheer emotion which emanate from this piece can only have been fuelled by the novelty statt freshness of Strauss’feelings for his future wife. It’s a complex, extravagantly dreamy piece, and, thanks largely to the elaborate piano part, the overall effect is profoundly symphonic. What about Prokofiev’s Violin Sonata No. 2? What world does that introduce us to? Originally, the sonata was written for flute, but when David Oistrakh heard it, he was so moved that he asked his friend to write a version for violin. Which was a stroke of luck for us violinists, because 20

it’s a perfect match for the instrument! The source of this sonata’s strength lies in its dazzling and unexpected contrasts: there are those huge, powerful, supercharged elements on the one hand, the rough edges, which is quite in keeping with the times — after all, it was written in 1944 at the height of the Second World War — but in contrast to that, there are also these lyrical, delicate passages and unadorned folk melodies, such as in the Poco piu mosso of the second movement. Getting those contrasts to be convincing, which calls for a certain degree of iciness at times, is indispensible in order to achieve a satisfactory interpretation of the sonata. Iciness? Absolutely — that’s part of the reason why I chose to include Prokofiev in this programme. Adding his music to my palette makes it truly polychrome.For me Strauss is more or less flaming red, Ravel more of a blue-green, and Prokofiev is far more black and white — a far cooler kind of tonality. The piano plays an important part in any sonata — it’s more than just an accompanying instrument. Prokofiev was an excellent pianist and indeed soloist. How important is the piano part in a sonata? Is it an equal partner? Well of course — you can even see that visually to a certain extent. If you look at the score of Strauss‘ Violin Sonata, for example, at first it just looks like black on black: that’s how densely packed the musical score is. Then there’s the expansiveness of the first and third movements, where the musical structure is essentially symphonic and made so by the scale of the piano part. And in the second movement, the pianist has to execute all these rippling motifs in a way that makes them sound entirely spontaneous. The piano is an equal partner here at the very least. Your partner on this recording is the Russian pianist Boris Kusnezow. How did you come to work together? I met Boris in 2012 during the German Music Competition — he was a prize-winner too. We were then invited to perform as part of the Federal Concert Programme for Young Artists (BAKJK), and we we got on well on a personal level too, so we decided to form a duo straight away. We’ve gelled 21

really well and evolved together over the past few years, performing in joint recitals or as part of larger chamber music groups. We’re a pretty experienced team. So you could say it’s pretty much a fixed partnership? You could think of it that way, yes. What made you choose this particular venue for this recording (the Jesus-Christus-Kirche in Berlin-Dahlem)? The acoustics are simply phenomenal, and it’s semi-mythical venue. Karajan used it for a great many recordings with the Berlin Philharmonic, and you can see why. The conditions were ideal. The church is more often associated with large-scale symphonic recordings. What attracts chamber musicians there? Sound engineers love it because everything just works. The sound just floats, it’s not weighed down by reverberations, everything is perfectly balanced and there’s no need to add anything artificially. The recording process needs to feel good too. Particularly for works like Ravel’s Violin Sonata, it’s important for performers to feel that everything sounds right during the recording itself. This place definitely provides that. The sound you hear live is pretty much the acoustic experience you get when listening to the CD. Which violin are you playing on this recording? It’s a 1769 Nicolò Gagliano – I found it shortly before the recording, and it’s my musical partner for life. It gives me the freedom to express myself exactly as I want to. It’s got everything: the crystal clarity you need for Mozart or Beethoven and some more modern pieces too, say the Bartók violin concertos, but at the same time it has a very warm timbre — it‘s a real all-rounder and perfect for me. The bow I used for this recording is by Dominique Peccatte.

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TOBIAS FELDMANN, VIOLIN Tobias Feldmann is considered one of the most promising musicians of his generation, due in no small part to the numerous accolades he has won at competitions including the prestigious 2015 Queen Elisabeth Competition in Brussels, the 2012 Joseph Joachim International Violin Competition, and the German Music Competition (1st prize). Tobias Feldmann, a graduate of Berlin’s ‘Hanns Eisler’ School of Music, has continued to draw attention through his solo performances with a number of international orchestras, such as the Utah Symphony Orchestra, the Munich Chamber Orchestra, the Las Vegas Philharmonic, the Brussels Philharmonic and the NDR Radiophilharmonie Hannover. His partners at the conductor’s stand include Gilbert Varga, Hannu Lintu, Donato Cabrera, Paul Meyer et Marin Alsop. In 2015, he stood in for Christian Tetzlaff with solo performances of Bartók’s Violin Concerto No. 2 alongside the National Youth Orchestra of Germany under the baton of Karl-Heinz Steffens. In 2016, he also celebrated his solo debut at the Philharmonie Berlin, performing Mendelssohn’s Violin Concerto in E minor. In addition to his work as a soloist, Tobias Feldmann is also passionately committed to chamber music. He appears regularly at leading festivals, having given ensemble performances at the Schubertiade Hohenems, the Rheingau Music Festival and the Schleswig-Holstein Music Festival among others. 2014 saw the appearance of his debut album, featuring works by Beethoven, Ysaÿe, Bartók and Waxman. It immediately garnered positive press reviews and widespread praise among international critics. Further CD recordings with Alpha Classics (Outhere Music) are planned over the coming years. Tobias Feldmann plays a 1769 Nicolò Gagliano violin. www.tobias-feldmann.com

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BORIS KUSNEZOW, PIANO Pianist Boris Kusnezow’s breakthrough came in 2009, when he was awarded the German Music Competition Prize. Soon thereafter came his debut at the Carnegie Hall, which received excellent reviews from the New York Times: a “most impressive interpretation”. Born in Moscow, Boris Kusnezow began his musical education at the renowned Gnessin Academy. Since the age of eight he has been living in Germany and completed his studies with Prof. Bernd Goetzke in Hannover. First prizes in international competitions, a fellowship from the British Borletti-Buitoni Trust, scholarships from the Deutsche Stiftung Musikleben and the German Academic Scholarship Foundation (Studienstiftung des Deutschen Volkes) as well as multiple CD-recordings all constitute important milestones in his musical career. Alongside solo performances, Boris Kusnezow has developed a particular passion for chamber music and Lied accompaniment. This has led him to give concerts all over the world, both in a range of chamber music ensembles and with notable soloists. In Germany he has performed in the Laeiszhalle Hamburg, the Konzerthaus Berlin, the Prinzregententheater and Gasteig Munich and at the Berliner Philharmonie. Boris Kusnezow lives in Hannover and teaches at the Hannover University of Music, Drama and Media. www.boriskusnezow.com

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RECORDED ON 8 – 10 MARCH 2016, AT THE JESUS-CHRISTUS-KIRCHE (BERLIN-DAHLEM) PHILIPP NEDEL

recording producer, editing & mastering

CATHERINE MEEÙS french translation WINNIE SMITH english translation VALÉRIE LAGARDE & GAËLLE LÖCHNER

graphic design

COVER & INSIDE PHOTOS TOBIAS FELDMANN © kaupo kikkas (p.3) RECORDING PICTURES © aliénor mahy (p.18) BORIS KUSNEZOW © fabian stürtz (p.25) ALPHA CLASSICS DIDIER MARTIN director ALIÉNOR MAHY production & editorial coordinator ALPHA 253 OUTHERE MUSIC FRANCE 2016 © ALPHA CLASSICS / OUTHERE MUSIC FRANCE 2016

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