Debussy - Ravel - Chausson - Alpha 295

DEBUSSY RAVEL CHAUSSON Quatuor van Kuijk Kate Lindsey Alphonse Cemin

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CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) STRING QUARTET IN G MINOR, OP.10 1 2 3 4

I. ANIMÉ ET TRÈS DÉCIDÉ II. ASSEZ VIF ET BIEN RYTHMÉ III. ANDANTINO, DOUCEMENT EXPRESSIF IV. TRÈS MODÉRÉ

6’51 3’52 9’10 7’54

MAURICE RAVEL (1875-1937) STRING QUARTET IN F MAJOR, M.35 5 6 7 8

I. ALLEGRO MODERATO II. ASSEZ VIF, TRÈS RYTHMÉ III. TRÈS LENT IV. VIF ET AGITÉ

9’00 6’23 9’33 4’51

ERNEST CHAUSSON (1855-1899) 9

CHANSON PERPÉTUELLE, OP.37

7’19

totaL time: 64’58

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Quatuor van KuijK niCoLas van KuijK VIOLIN I syLvain Favre-BuLLe VIOLIN II GrÉGoire veCChioni VIOLA FranÇois roBin CELLO Kate Lindsey MEZZO SOPRANO (TRACK 9) aLphonse Cemin PIANO (TRACK 9)

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OUVREZ LA FENÊTRE ! (MAETERLINCK) * PAR CHRISTOPHE GHRISTI Quand Debussy travaille à son quatuor à cordes, au début des années 1890, cette forme mythique entre toutes vient de traverser son premier siècle. Codifié et déjà porté à sa perfection par haydn et Mozart, Beethoven en a fait l’exercice métaphysique par excellence, capable d’atteindre à la fois les tréfonds de notre sensibilité (par la vibration immédiate des cordes) comme les régions les plus élevées de l’intelligence mathématique et mystique (par son unité sonore en même temps capable d’une virtuose polyphonie). La forme est suffisamment parfaite, intense, libre pour avoir satisfait aux différentes esthétiques et si elle a conquis Schubert, Schumann, Mendelssohn et Brahms, elle a su passionner aussi Cherubini, Donizetti, Tchaïkovski, Dvoˇrák et les compositeurs français… Son deuxième siècle, qui va de Debussy à Boulez, Kurtág, Widmann ou Mantovani n’a pas été moins fructueux. Tous les compositeurs l’ont vu comme un défi et y ont mis le meilleur d’eux-mêmes.

En france, au XIXe siècle, le quatuor à cordes a réussi à survivre entre le piano-roi, la symphonie et l’opéra. Le Quatuor Armengaud, où Edouard Lalo tenait l’alto, avait fait connaître Beethoven et Schumann. La création de la Société nationale de Musique après la guerre de 1870 encouragea les compositeurs dans ce sens et les quatuors de César franck (1890) et de Vincent d’Indy (1891) furent les signes les plus éclatants d’une renaissance. Debussy et Ravel leur emboitèrent le pas.

Pas intimidés comme fauré qui attendit ses vieux jours pour y concentrer toute son expérience de compositeur et la quintessence de son art, Debussy et Ravel prirent le quatuor à cordes pour ce qu’il est : une matière sonore malléable à l’infini, le terrain d’expérimentation idéal pour chercher son propre son. Pas de pathos ici, et moins encore de métaphysique : seulement l’harmonie, les rythmes et le dessin aux traits nets et précis. Le Quatuor en sol mineur, composé à l’époque du Faune et de Pelléas et Mélisande, est la seule œuvre de musique de chambre de Debussy avant l’ultime projet des sonates. Il fut créé par le Quatuor Ysaÿe le 29 décembre 1893 à Paris et publié dès l’année suivante. Les instruments ne sont pas traités de manière individuelle et concertante (polyphonique) 6

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Dix ans plus tard, le jeune Maurice Ravel n’eut pas peur de prendre modèle sur Debussy pour son propre quatuor. Les quatre mouvements classiques s’enchainent dans le même ordre : allegro initial, scherzo, mouvement lent et allegro final. Et Ravel à son tour emploie la méthode cyclique et fait réapparaître les thèmes d’un mouvement à l’autre. Cet aspect formel était très important pour Ravel et nous rappelle que l’œuvre était d’abord un travail d’étudiant, certes génial. Plus tard, dans son Esquisse autobiographique, Ravel nota : « Mon Quatuor en fa [...] répond a une volonté de construction musicale imparfaitement réalisée sans doute, mais qui apparaît beaucoup plus nette que dans mes précédentes compositions. » D’emblée, nous sommes cependant dans un autre univers, plus apaisé et sensuel, moins abstrait… Les pizzicatos reviennent pour le scherzo mais cette fois la danse emporte tout avec elle. Et le Très lent est encore plus faunesque que chez Debussy, semblant retranscrire la respiration alanguie, les rêves et les soudaines ardeurs d’un animal voluptueux. Le dernier mouvement a lui aussi quelque chose du laboratoire : d’une virtuosité inouïe, il semble monter sans cesse vers une impossible apothéose. Cette joyeuse agitation ne fut pas du goût de fauré, un des maîtres de Ravel et dédicataire du quatuor, mais Debussy l’enjoignit de ne pas changer une note de son œuvre ! La création eut lieu en 1904 lors d’un concert de la Société national de musique à la Schola Cantorum.

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FRANÇAIS

mais comme une seule voix changeante et aux innombrables couleurs. Le premier mouvement est bâti sur une forme sonate des plus classiques, mais Debussy recouvre son architecture d’une dense végétation, un entrelacs sauvage et indémêlable de sonorités âpres. Sous l’influence de franck, le dernier mouvement en fera de nouveau entendre le premier thème. Le scherzo, avec ses pizzicatos virevoltants, ne manque pas d’évoquer la magie sonore de Mendelssohn, que Debussy aimait tant dénigrer. Il introduit une nouvelle rêverie du faune, un envoûtant et énigmatique nocturne. Ici Debussy renouvelle l’exploit beethovénien, recherchant le plus pur silence dans le son et l’abolition du temps dans ce qui est son expression même. Le dernier mouvement retrouve la sauvagerie du premier et des paroxysmes dont se souviendront ensuite Bartók et Janácek. ˇ

S’il appartient à Debussy et Ravel d’ouvrir une page essentielle de la musique du XXe siècle, il faut être tout autant reconnaissant à Ernest Chausson de refermer sublimement les pages du XIXe. Disciple de franck, il ne chercha pas à dépasser cet héritage et à désobéir, alors que Debussy y prit un malin plaisir. Mais nous devons à Chausson quelques-unes des plus bouleversantes inspirations de cette fin de siècle, comme son Poème de l’amour et de la mer. En quelques chefs-d’œuvre, sa musique de chambre résume en quelque sorte la fascinante histoire de la musique française de l’époque, luttant farouchement pour son identité nationale (Ars gallica était sa devise) mais trouvant en Wagner sa source d’inspiration suprême. Le quatuor à cordes de Chausson (inachevé, mais complété par Vincent d’Indy) est du wagnérisme le plus fauve et rappelle les mots de Maeterlinck : une musique de cuivre aux fenêtres des incurables. La Chanson perpétuelle est de la même eau, longue mélodie de l’amour impossible et de la mort salvatrice. Ici pas de jeux sonores, mais l’exacerbation du sentiment jusqu’à la rupture, l’entière mise au service du son à l’expression de la douleur. De ce poids terrible et fascinant, tellement lié à notre humaine condition, Debussy et Ravel se débarrassent avec brutalité, ironie et jubilation. Comme le demande Mélisande avant de mourir, la fenêtre est ouverte et l’air vivifiant du large s’engouffre dans la chambre longtemps close.

* Maurice Maeterlinck, Pelléas et Mélisande 8

FRANÇAIS

QUATUOR VAN KUIJK « Du style, de l’énergie et le sens du risque (…) Ces quatre jeunes français font sourire la musique. » The Guardian fondé en 2012 à Paris, le quatuor Van Kuijk accumule les récompenses depuis quelques années, contribuant ainsi à sa notoriété grandissante. Elu « Rising Stars » pour la saison 2017/2018 par le réseau EChO qui réunit les plus grandes salles de concert européennes, le quatuor a remporté en 2015 le Premier Prix du « Wigmore hall String Quartet Competition », assorti des prix haydn et Beethoven, et est l’un des ‘BBC new generation Artists’ qu’un concert aux BBC PROMS en août 2017 a couronné à l’issue des deux années du programme. En 2013, le Quatuor Van Kuijk a remporté les Premier Prix et Prix du Public au Concours de Trondheim en norvège, affirmant ainsi une personnalité et un talent hors du commun. Il est également ‘Lauréat hSBC’ du festival d’Aix-en-Provence. Déjà présent sur les grandes scènes internationales, le quatuor Van Kuijk est invité à se produire au Wigmore hall, Auditorium du Louvre, Musikverein de Vienne, Radio Bavaroise à Münich, Philharmonie de Berlin, Tonhalle de Zürich, Tivoli Concert Series, La Chapelle Royale de Bruxelles et aux festivals d’heidelberg, Lockenhaus, Concentus Moraviae, haydn/Esterházy, Eilat, Canberra, Stavanger, Verbier, Davos, Aix-en-Provence, Montpellier/Radio france, Auvers-sur-Oise, Evian, Cheltenham, norfolk and galway. Aux Etats-Unis, le quatuor sera présent à la frick Collection de new York, Phillips Collection à Washington DC et Salle Bourgie à Montréal en 2017/2018. Pour le label ALPhA Classics, le quatuor a enregistré son premier CD consacré à Mozart salué unanimement par la critique internationale, qui sera suivi par un florilège de musique française en 2017. Le quatuor Van Kuijk a étudié au Conservatoire de Paris dans la classe du Quatuor Ysaÿe et suivi les cours de günter Pichler à l’Escuela Superior de Mùsica Reina Sofia de Madrid avec le soutien de l’Institut International de Musique de Chambre de Madrid. Depuis 2014, il est quatuorrésident Pro Quartet. Parallèlement, il suit les masterclasses des légendaires quatuors Berg, hagen et Artemis et participe à de nombreuses académies : festival Verbier, Académie Internationale de Montréal (Université Mcgill) avec Michael Tree du Quatuor guarneri et André Roy et l’académie internationale de Weikersheim avec heime Müller (ex-membre du Quatuor Artemis) et le quatuor Vogler.

Le Quatuor Van Kuijk est soutenu par Mécénat Musical Société Générale, son principal mécène, et est artiste ‘Pirastro’.

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KATE LINDSEY

MEZZO-SOPRANO

Étoile montante, la mezzo-soprano Kate Lindsey s’est produite sur nombre des plus prestigieuses scènes lyriques au monde, dont le Metropolitan Opera, le Royal Opera house Covent garden, l’Opéra d’État de Vienne, le festival de Salzbourg, le glyndebourne Opera festival, le festival d’Aix-en-Provence, le Théâtre des Champs-Élysées, et l’Opéra d’État de Bavière. Elle a chanté Cherubino dans Le nozze di Figaro de Mozart et Lazuli dans L’Étoile d’Emmanuel Chabrier au Royal Opera house Covent garden, hänsel dans Hänsel und Gretel à l’Opéra national des Pays-Bas à Amsterdam, Dorabella dans Così fan tutte au festival d’Aix-en-Provence. Concertiste accomplie, Kate Lindsey a donné les premières auditions d’une nouvelle commande de John harbison avec James Levine et le Boston Symphony Orchestra. Elle a travaillé avec de nombreux chefs d’orchestre parmi les plus prestigieux au monde, dont harry Bicket, James Conlon, Emmanuelle haim, Vladimir Jurowski, James Levine, Lorin Maazel, David Robertson, Jérémie Rhorer et franz Welser-Möst. Kate Lindsey enregistre en exclusivité pour Outhere Music france. Son premier album en solo est sorti en 2017.

ALPHONSE CEMIN

PIANO

Alphonse Cemin étudie le piano et la flûte traversière au CnR de Boulogne-Billancourt, l’analyse au CnR de Paris (Alain Louvier) et l’harmonie avec Jacques Castérède avant d’intégrer au CnSMDP les classes de culture musicale (Brigitte françois-Sappey) et d’analyse (Michaël Levinas) puis d’accompagnement au piano (Jean Koerner et Jean-frédéric neuburger), et de musique de chambre (Pierre-Laurent Aimard).

Il est l’un des fondateurs de l’ensemble Le Balcon avec lequel il donne à entendre la musique des compositeurs de sa génération ainsi qu’un large répertoire des siècles derniers. En septembre 2015 il dirige l’opéra de Michael Levinas La Métamorphose au festival Musica de Strasbourg et, en 2016 la création de l’opéra de Tomás Bordalejo Bureau 470. Il est en 2017 chef assistant au Théâtre Bolchoï de Moscou pour l’opéra Written on Skin de george Benjamin. Il a joué sur les scènes de la salle Pleyel, Arsenal de Metz, Opéra garnier, Villa Médicis, Palazzetto Bru Zane (Venise), etc. Il travaille également comme directeur musical, chef assistant et chef de chant sur des productions d’opéras et, en 2010-11, à l’atelier lyrique de l’Opéra national de Paris.

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OUVREZ LA FENÊTRE ! (MAETERLINCK) 1

BY CHRISTOPHE GHRISTI At the moment when Debussy was working on his String Quartet, in the early 1890s, that mythic form had just passed its first century. It had been codified and already brought to perfection by haydn and Mozart; then Beethoven had turned it into the metaphysical exercise par excellence, capable of reaching both the innermost depths of our sensibility (thanks to the immediate vibration of the strings) and the loftiest regions of mathematical and mystical intelligence (thanks to its unity of timbre and its capacity for virtuosic polyphony). The form is perfect, intense, free enough to satisfy a wide variety of aesthetics: if it attracted Schubert, Schumann, Mendelssohn and Brahms, it also aroused the enthusiasm of Cherubini, Donizetti, Tchaikovsky, Dvoˇrák and the french composers.

Its second century, which runs from Debussy to Boulez, Kurtág, Widmann and Mantovani, was no less fertile. Every composer has seen it as a challenge and given it the best of himself or herself.

In nineteenth-century france, the string quartet managed to survive the competing threats of the piano, newly enthroned ‘King of Instruments’, the symphony and the opera. The Armengaud Quartet, with Édouard Lalo as its violist, had acquainted audiences with Beethoven and Schumann. The creation of the Société nationale de Musique after the war of 1870 encouraged composers to explore the form, and the quartets of César franck (1890) and Vincent d’Indy (1891) were the most visible signs of a renaissance. Debussy and Ravel followed in their footsteps. Unlike fauré, who was intimidated by the form and waited until his old age before concentrating therein all his experience as a composer and the quintessence of his art, Debussy and Ravel took the string quartet for what it is: an infinitely malleable sound material, the ideal experimental terrain for seeking one’s personal sound. There is nothing of pathos here, still less of metaphysics: only harmony, rhythms and clearly, precisely drawn contours. The Quartet in g minor, composed at the time of the Prélude à l’Après-midi d’un faune and Pelléas et Mélisande, was Debussy’s last chamber work before the final project of the late sonatas. It was given its first performance by the Ysaÿe Quartet in Paris on 12

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Ten years later, the young Maurice Ravel was not afraid to take Debussy as the model for his own quartet. The four classical movements succeed each other in the same order: opening allegro, scherzo, slow movement and concluding allegro. And Ravel in his turn employs the cyclic method and brings back the themes from one movement to another. This formal aspect was very important to Ravel and reminds us that the work was first of all a student exercise, however brilliant the student in question. Later, in his Esquisse autobiographique, Ravel observed: ‘My Quartet in f . . . represents an attempt at musical construction, imperfectly realised, no doubt, but which emerges much more clearly than in my previous compositions.’ Yet we find ourselves at once in a different universe from Debussy, calmer and more sensual, less abstract . . . Pizzicatos feature in the scherzo once again, but this time the dance sweeps all before it. And the Très lent is even more faunlike than in Debussy, seeming to transcribe the languid breathing, the dreams and the sudden ardours of some voluptuous animal. The last movement too has something of the laboratory about it: in its unprecedented virtuosity, it seems ceaselessly to rise to an impossible apotheosis. Such joyous agitation was not to the taste of fauré, one of Ravel’s teachers and the dedicatee of the quartet, but Debussy begged him not to change a note of his work! The premiere took place in 1904 at a concert of the Société nationale de Musique held at the Schola Cantorum.

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ENGLISH

29 December 1893 and published the following year. The instruments are not treated in an individual and concertante (polyphonic) manner but as a single voice, constantly changing and possessing innumerable colours. The first movement is built on a thoroughly classical sonata form, but Debussy covers his architecture with dense vegetation, a wild jungle of pungent sonorities impossible to disentangle. Reflecting the influence of franck, the finale includes a new statement of this first movement’s main theme. The Scherzo, with its swirling pizzicatos, will not fail to remind the listener of the enchanted sound world of Mendelssohn, whom Debussy was so fond of denigrating. This movement leads into a new reverie of the faun, a bewitching, enigmatic nocturne. here Debussy renews Beethoven’s achievement, seeking the purest silence in sound and the abolition of time in what is its very expression. The last movement reverts to the savagery of the first, with paroxysms that Bartók and Janáˇcek were subsequently to recall.

While it was the achievement of Debussy and Ravel to open a crucial chapter in the music of the twentieth century, we must be just as grateful to Ernest Chausson for sublimely closing the last chapter of the nineteenth. A disciple of franck, he did not seek to go beyond his teacher’s heritage and disobey him, whereas Debussy took a mischievous pleasure in doing so. But we owe Chausson some of the most deeply moving inspirations of the fin de siècle, such as the Poème de l’amour et de la mer. In a handful of masterpieces, his chamber music in a sense sums up the fascinating history of the french music of the period, fiercely struggling for its national identity (‘Ars gallica’ was its motto) yet finding in Wagner its supreme source of inspiration. Chausson’s String Quartet (left unfinished, but completed by Vincent d’Indy) is Wagnerism at its most savage, and recalls the words of Maeterlinck: Une musique de cuivre aux fenêtres des incurables. 2 The Chanson perpétuelle is in the same vein, a long mélodie of impossible love and salvation in death. here there is no play on sounds, but the exacerbation of emotion to the point of rupture, sonority placed wholly at the service of the expression of pain. This terrible and fascinating burden, so bound up with our human condition, is precisely what Debussy and Ravel rid themselves of, with brutality, irony and jubilation.

As Mélisande requests before her death, the window is opened and the bracing air of the open sea rushes into the room so long confined.

1. Maurice Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, Act five.

2. ‘A brass band at the windows of the hospice for incurables’: from Maeterlinck’s poem ‘Serre chaude’ (hothouse), set

by Chausson as the first song in his cycle Serres chaudes op.24 in 1896, two years before the Chanson perpétuelle, which proved to be his last mélodie. (Translator’s note) 14

‘Style, energy, huge potential, and above all a sense of risk... These four young Frenchman made the music smile.’ The Guardian founded in Paris in 2012, the Van Kuijk Quartet has been winning awards ever since, adding to its increasing fame. Elected as the ‘Rising Stars’of the 2017/18 season by EChO network, which programmes events from the major concert halls of Europe, in 2015 the Quartet won first Prize in the Wigmore hall International String Quartet Competition, coupled with the haydn and Beethoven Prizes; in August 2017 their concert at the BBC PROMS has crowned their two years as members of the BBC new generation Artists programme. In 2013, the Van Kuijk Quartet carried off the first Prize and the Audience Prize at the Trondheim Competition in norway, confirming their extraordinary artistic personality and talent. They also won the hSBC Award at the Aix-en-Provence festival. Already an established presence at the highest rank of the international scene, the Van Kuijk Quartet has been invited to appear at the Wigmore hall, the Auditorium du Louvre, the Vienna Musikverein, Bavarian Radio in Munich, the Philharmonie in Berlin, the Zurich Tonhalle, the Tivoli Concert Series, the Chapelle Royale in Bruxelles, and at the festivals of heidelberg, Lockenhaus, the Concentus Moraviae, the haydn festival at Schloss Esterházy; also at Eilat, Canberra, Stavanger, Verbier, Davos, Aix-en-Provence, Radio france in Montpellier, Auvers-sur-Oise, Evian, Cheltenham, norfolk and galway. In the United States, the Quartet will be appearing in 2017/18 at the frick Collection in new York, the Phillips Collection in Washington DC, and the Salle Bourgie in Montreal. The Quartet’s first disc for the label ALPhA Classics, dedicated to Mozart, has been unanimously praised by the international critical media; it is followed up in 2017 with an anthology of french music. The Van Kuijk Quartet studied at the Paris Conservatoire with the Ysaÿe Quartet, also attending günter Pichler’s course at the Escuela Superior de Mùsica Reina Sofia in Madrid, with the support of the International Chamber Music Institute of Madrid. Since 2014 the Van Kuijk has been the resident ProQuartet. At the same time, it has followed masterclasses of the legendary Berg, hagen and Artemis Quartets, and has participated in many seasonal academies: the Verbier festival; at the International Academy at Mcgill University in Montreal, with Michael Tree of the guarneri Quartet and with André Roy; and at the Weikersheim International Academy with heime Müller (an ex-member of the Artemis Quartet) and with the Vogler Quartet.

The Van Kuijk Quartet is supported by its principal sponsor, the Mécénat Musical Société Générale, and is a ‘Pirastro’ Artist.

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ENGLISH

VAN KUIJK QUARTET

KATE LINDSEY

MEZZO SOPRANO

Rising star mezzo-soprano Kate Lindsey has appeared in many of the world’s prestigious opera houses, including the Metropolitan Opera, Royal Opera house Covent garden, Vienna State Opera, the Salzburg festival, glyndebourne Opera festival, Aix-en-Provence festival, Théâtre des Champs-Élysées, and the Bayerische Staatsoper. She performed Cherubino in Mozart’s Le nozze di Figaro and Lazuli in Emmanuel Chabrier’s L’étoile at the Royal Opera house Covent garden, hänsel in Hänsel und Gretel at the Dutch national Opera in Amsterdam, Dorabella in Così fan tutte at the Aix-en-Provence festival. As an accomplished concert singer, Ms. Lindsey sang the premiere performances of a new commission by John harbison with James Levine and the Boston Symphony Orchestra. She has worked with many of the world’s most distinguished conductors including harry Bicket, James Conlon, Emmanuelle haim, Vladimir Jurowski, James Levine, Lorin Maazel, David Robertson, Jérémie Rhorer and franz WelserMöst. Kate Lindsey is recording exclusively for Outhere Music france. her first solo album was released in 2017.

ALPHONSE CEMIN

PIANO

Alphonse Cemin studied piano and flute at the Conservatoire national de Région de Boulogne-Billancourt, analysis at the CnR de Paris (Alain Louvier) and harmony with Jacques Castérède before entering the Conservatoire national Supérieur de Musique et Danse de Paris, where he attended the classes in musical culture (Brigitte françois-Sappey) and analysis (Michaël Levinas), and later piano accompaniment (Jean Koerner and Jean-frédéric neuburger) and chamber music (Pierre-Laurent Aimard). he is a founder member of the ensemble Le Balcon, with which he performs music of the composers of his generation as well as a wide repertory from past centuries. In September 2015 he conducted Michael Levinas’s opera La Métamorphose at the Musica festival in Strasbourg, followed in 2016 by the world premiere of Tomás Bordalejo’s opera Bureau 470. In 2017 he was assistant conductor at the Bolshoi Theatre in Moscow on george Benjamin’s opera Written on Skin. Alphonse Cemin has performed at such venues as the Salle Pleyel, the Arsenal de Metz, the Opéra garnier, the Villa Medici, and the Palazzetto Bru Zane in Venice. he has also worked as head of music, assistant conductor and répétiteur on operatic productions, including at the Atelier Lyrique of the Opéra national de Paris in 2010-11.

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ÖFFNET DAS FENSTER! (MAETERLINCK) * VON CHRISTOPHE GHRISTI Als Debussy zu Beginn der 1890er Jahre an seinem Streichquartett arbeitete, hatte diese legendärste aller gattungen eben ihr erstes Jahrhundert durchlebt. Kodifiziert und durch haydn und Mozart bereits zur Vollkommenheit gebracht, wurde das Streichquartett für Beethoven zur metaphysischen Übung schlechthin und fähig, sowohl unserer innerste Sensibilität (durch die unmittelbaren Schwingungen der Saiten) zu erreichen wie die höchsten Sphären der mathematischen und mystischen Intelligenz (durch seine klangliche Einheitlichkeit, die gleichzeitig zu einer polyphonen Virtuosität imstande ist). Die form ist vollkommen, intensiv und frei genug, um verschiedenen Auffassungen der Ästhetik zu entsprechen, und so hat sie nicht nur Schubert, Schumann, Mendelssohn und Brahms für sich eingenommen, sondern auch Cherubini, Donizetti, Tschaikowski, Dvoˇrák und die französischen Komponisten begeistert ... Ihr zweites Jahrhundert, das von Debussy bis zu Boulez, Kurtág, Widmann oder Mantovani reicht, war nicht weniger fruchtbar. Alle Komponisten betrachteten das Streichquartett als eine herausforderung und gaben ihr Bestes.

In frankreich gelang es dem Streichquartett im 19. Jh., zwischen dem „König Klavier“, der Symphonie und der Oper zu überleben. Das Quatuor Armengaud, in dem Edouard Lalo Bratsche spielte, machte Beethoven und Schumann bekannt. Die gründung der Société nationale de musique nach dem Krieg von 1870 spornte die Komponisten in diesem Sinne an, und die Quartette von César franck (1890) und Vincent d’Indy (1891) waren die offenkundigsten Zeichen einer neuen Blütezeit. Debussy und Ravel folgten ihnen auf dem fuße. Sie waren nicht eingeschüchtert wie fauré, der bis ins Alter wartete, um all seine kompositorische Erfahrung und die Quintessenz seiner Kunst darauf zu konzentrieren. Debussy und Ravel dagegen nahmen das Streichquartett so wie es ist: eine unendlich formbare Klangmaterie, das ideale Experimentierfeld, um seinen eigenen Klang zu suchen. hier ist kein Pathos und noch weniger Metaphysik: nur die harmonie, die Rhythmen 18

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Zehn Jahre später fürchtet der junge Maurice Ravel nicht, Debussy für sein eigenes Quartett zum Vorbild zu nehmen. Die vier klassischen Sätze folgen in der gleichen Reihung aufeinander: zu Beginn ein Allegro, gefolgt von einem Scherzo, einem langsamen Satz und einem abschließenden Allegro. Außerdem verwendet Ravel ebenfalls die zyklische Methode, indem er die Themen von einem Satz zum anderen wieder aufnimmt. Dieser formale Aspekt war für Ravel sehr wichtig und erinnert uns daran, dass das Werk zunächst die Arbeit eines - allerdings genialen – Studenten war.

Später notierte Ravel in seiner Esquisse autobiographique: „Mein Quartett in F-Dur … entspricht dem Wunsch nach einer musikalischen Konstruktion, die zweifellos unvollkommen verwirklicht wurde, aber viel deutlicher als in meinen vorangegangenen Kompositionen aufscheint.“ Dabei sind wir auf Anhieb in einer anderen, ruhigeren und sinnlicheren, weniger abstrakten Atmosphäre ...

Die Pizzicati kommen im Scherzo wieder, doch hier reißt der Tanz alles mit sich. Und der als Très lent (Sehr langsam) bezeichnete Teil erinnert noch mehr an den faun als bei Debussy, da er die 19

DEUTSCH

und die Zeichnung mit klaren und präzisen Strichen. Das Quatuor en sol mineur (Quartett in g-Moll ), das in der Zeit des Fauns und der Oper Pelléas et Mélisande komponiert wurde, ist das einzige Kammermusikwerk Debussys vor seinem letzten Sonaten-Projekt. Es wurde vom Quatuor Ysaÿe am 29. Dezember 1893 in Paris uraufgeführt und im darauffolgenden Jahr publiziert. Die Instrumente werden darin nicht individuell und konzertant (polyphonisch) behandelt, sondern wie eine einzige, sich veränderbare Stimme mit unzähligen farbschattierungen. Der erste Satz baut auf einer vollkommen klassischen Sonatenhauptsatzform auf, doch bedeckt Debussy seine Architektur mit einer dichten Vegetation, einem wilden, unentwirrbaren geflecht von herben Klängen. Unter dem Einfluss von franck ist das erste Thema im letzten Satz nochmals zu hören. Das Scherzo mit seinen wirbelnden Pizzicati erinnert an den Klangzauber von Mendelssohn, den Debussy so gern herabsetzte. Es führt in eine neue Träumerei des fauns ein, in ein berückendes, rätselhaftes nocturne. hier wiederholt Debussy Beethovens Kunststück, die reinste Stille im Klang und die Aufhebung der Zeit in dem zu erreichen, was ihr ureigener Ausdruck ist. Der letzte Satz kehrt zur Wildheit des ersten zurück und erreicht höhepunkte, an die sich später Bartók und Janáˇcek erinnern sollten.

träge Atmung, die Träume und das plötzliche feuer eines sinnenfreudigen Tiers wiedergibt. Auch der letzte Satz hat etwas von einem Labor an sich: Von unerhörter Virtuosität scheint er unaufhörlich zu einer unmöglichen Apotheose aufzusteigen. Dieses fröhliche getriebe entsprach dem geschmack von fauré nicht, der einer der Lehrmeister Ravels und Widmungsempfänger des Quartetts war, während Debussy Ravel empfahl, keine note seines Werkes zu ändern! Die Uraufführung fand 1904 bei einem Konzert der Société nationale de musique an der Schola Cantorum statt.

Zwar muss man anerkennen, dass Debussy und Ravel einen wesentlichen Schritt für die Musik des 20. Jh. unternahmen, doch muss man Ernest Chausson ebenso dankbar sein, den Werken des 19. Jh. einen überwältigenden Abschluss geschenkt zu haben. Der Schüler francks versuchte nicht, dessen Erbe zu übertreffen und sich ihm zu widersetzen, während Debussy dabei ein diebisches Vergnügen empfand. Doch verdanken wir Chausson einige der erschütterndsten Inspirationen des ausgehenden Jahrhunderts wie etwa sein Poème de l’amour et de la mer (Gedicht der Liebe und des Meeres). In einigen Meisterwerken fasst seine Kammermusik gewissermaßen die faszinierende geschichte der französischen Musik dieser Zeit zusammen, die entschieden für ihre nationale Identität eintrat (ihre Devise war Ars Gallica), aber ihre höchste Inspirationsquelle bei Wagner fand. Chaussons (unvollendetes, doch von Vincent d’Indy zu Ende komponiertes) Streichquartett ist Wagner wild verschrieben und erinnert an die Worte Maeterlincks: eine Blechbläser-Musik an den fenstern von Unheilbaren. Das Chanson perpétuelle (Immwährendes Lied) ist von der gleichen Art, eine lange Melodie einer unmöglichen Liebe und des heilsamen Todes. hier gibt es keine Klangspiele, sondern eine Steigerung des gefühls bis zum Bruch, wobei der Klang vollkommen in den Dienst des schmerzlichen Ausdrucks gestellt wird. Von dieser schrecklichen, faszinierenden Last, die so sehr an unser Menschsein gebunden ist, befreien sich Debussy und Ravel brutal mit Ironie und Jubel. Der Bitte Mélisandes vor ihrem Tod folge leistend, ist das fenster geöffnet und die belebende Luft der offenen See strömt in den seit langem geschlossenen Raum.

* Maurice Maeterlinck, Pelléas et Mélisande 20

VAN KUIJK QUARTETT Das 2012 gegründete Quatuor Van Kuijk sammelt seit einigen Jahren Preise, die zu seinem wachsenden Bekanntheitsgrad beitragen. für die Spielzeit 2017/18 von EChO, dem netzwerk der größten Konzertsäle Europas, zu „Rising Stars“ gewählt, errang es 2015 den 1. Preis der „Wigmore hall String Quartet Competition“ sowie die haydn- und Beethoven-Preise und gehört zu den „BBC new generation Artists“, deren Konzert bei den BBC PROMS im August 2017 ein krönender Abschluss dieses zweijährigen Programms war. Im Jahre 2013 das Quartett den 1. Preis sowie den Publikumspreis des Trondheim-Wettbewerbs in norwegen, womit es seine Persönlichkeit und sein außergewöhnliches Talent bewies. Außerdem ist es „hSBC Preisträger“ des festivals von Aix-en-Provence. Das Quatuor Van Kuijk ist in den großen internationalen Konzertsälen präsent und eingeladen, an folgenden Orten aufzutreten: Wigmore hall, Auditorium du Louvre, Wiener Musikverein, Bayerischer Rundfunk/München, Philharmonie/Berlin, Tonhalle/Zürich, Tivoli Concert Series, La Chapelle Royale/Brüssel und bei den festivals von heidelberg, Lockenhaus, Concentus Moraviae, haydn/Esterházy, Eilat, Canberra, Stavanger, Verbier, Davos, Aix-en-Provence, Montpellier/Radio france, Auvers-sur-Oise, Evian, Cheltenham, norfolk und galway. 2017/18 spielt das Quartett in den USA in der frick Collection von new York und der Phillips Collection im Washington DC sowie im Bourgie-Saal in Montreal. für ALPhA Classics nahm das Quartett seine Mozart gewidmete erste CD auf, die von der internationalen Kritik einstimmig gewürdigt wurde. Eine weitere CD mit einer Auswahl französischer Musik folgt 2017. Das Quatuor Van Kuijk studierte am Pariser Konservatorium beim Quatuor Ysaÿe und nahm mit Unterstützung des Internationalen Kammermusikinstituts von Madrid Unterricht bei günter Pichler an der Escuela Superior de Mùsica Reina Sofia. Seit 2014 ist es „Quartett in Residence“ Pro Quartett. Parallel dazu nimmt es an Meisterklassen der legendären Berg, hagen und Artemis Quartette sowie an vielen Akademien teil: beim festival Verbier, der Académie Internationale de Montréal (Université Mcgill) mit Michael Tree des guarneri Quartets und André Roy sowie an der Musikakademie Schloss Weikersheim mit heime Müller (einem ehem. Mittglied des Artemis Quartetts) und dem Vogler Quartett.

Das Quatuor Van Kuijk wird vom Mécénat Musical Société Générale als seinem Hauptmäzen unterstützt und ist „Pirastro“-Künstler.

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DEUTSCH

„Stil, Energie und Risikofreude (...) Diese vier jungen franzosen erfreuen die Musik.“ The Guardian

KATE LINDSEY

MEZZOSOPRAN

Die Mezzosopranistin Kate Lindsey ist ein aufsteigende Star, der in vielen der renommiertesten Opernhäusern der Welt auftritt, darunter an der Metropolitan Opera, dem Royal Opera house Covent garden, der Wiener Staatsoper, den Salzburger festspielen, dem glyndebourne Opera festival, dem festival von Aix-en-Provence, dem Théâtre des Champs-Elysées und der Bayerischen Staatsoper. Sie interpretierte den Cherubino in Mozarts Le nozze di Figaro und den Lazuli in Emmanuel Chabriers L’étoile am Royal Opera house Covent garden, den hänsel in Hänsel und Gretel an De nationale Opera in Amsterdam, die Dorabella in Così fan tutte beim festival von Aix-en-Provence. Als vollendete Konzertsängerin sang sie die ersten Aufführungen eines neuen Auftragswerks von John harbison mit James Levine und dem Boston Symphony Orchestra. Sie arbeitet mit vielen der weltweit herausragendsten Dirigenten, darunter mit harry Bicket, James Conlon, Emmanuelle haim, Wladimir Jurowski, James Levine, Lorin Maazel, David Robertson, Jérémie Rhorer und franz Welser-Möst. Kate Lindsey hat einen Exklusivvertrag mit dem Label Outhere Music france. Ihr erstes Soloalbum kam 2017 heraus.

ALPHONSE CEMIN

KLAVIER

Alphonse Cemin studierte Klavier und Querflöte am staatlich-regionalen Konservatorium von BoulogneBillancourt, Analyse am staatlich-regionalen Konservatorium von Paris (Alain Louvier) und harmonie bei Jacques Castérède, bevor er sein Studium am Pariser Konservatorium in Musikkultur (Brigitte françois Sappey) und Analyse (Michaël Levinas), dann Klavierbegleitung (Jean Koerner und Jean-frédéric neuburger) sowie Kammermusik (Pierre-Laurent Aimard) fortsetzte. Er ist eines der gründungsmitglieder des Ensembles Le Balcon, mit dem er die Musik von Komponisten seiner generation sowie ein weitgestecktes Repertoire aus den vergangenen Jahrhunderten aufführt. Im September 2015 dirigierte er Michael Lévinas Oper La Métamorphose beim festival Musica in Straßburg und im Jahre 2016 die Uraufführung der Oper Bureau 470 von Tomas Bordalejo. 2017 arbeitet er als Assistenzdirigent am Bolschoi-Theater in Moskau für die Oper Written on skin von george Benjamin. Er spielte im Salle Pleyel (Paris), dem Arsenal von Metz, der Opéra garnier, der Villa Médicis, dem Palazzetto Bru-Zane in Venedig usw. Außerdem arbeitet er als musikalischer Leiter, Assistenzdirigent und Chorleiter bei verschiedenen Opernproduktionen, darunter 2010-11 am Atelier Lyrique der Pariser Oper.

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ERNEST CHAUSSON (1855-1899) CHANSON PERPÉTUELLE POÈME DE CHARLES CROS (1842-1888) Bois frissonnants, ciel étoilé Mon bien-aimé s’en est allé Emportant mon cœur désolé.

Mais lui, sentant son cœur éteint, S’en est allé l’autre matin Sans moi, dans un pays lointain.

Vents, que vos plaintives rumeurs, Que vos chants, rossignols charmeurs, Aillent lui dire que je meurs.

Puisque je n’ai plus mon ami, Je mourrai dans l’étang, parmi Les fleurs sous le flot endormi.

Le premier soir qu’il vint ici, Mon âme fut à sa merci ; De fierté je n’eus plus souci.

Sur le bord arrivée, au vent Je dirai son nom, en rêvant Que là je l’attendis souvent.

Mes regards étaient pleins d’aveux.

Il me prit dans ses bras nerveux Et me baisa près des cheveux.

Et comme en un linceul doré, Dans mes cheveux défaits, au gré Du vent je m’abandonnerai.

J’en eus un grand frémissement.

Et puis je ne sais plus comment Il est devenu mon amant.

Les bonheurs passés verseront Leur douce lueur sur mon front, Et les joncs verts m’enlaceront.

Je lui disais : « Tu m’aimeras Aussi longtemps que tu pourras. » Je ne dormais bien qu’en ses bras.

Et mon sein croira, frémissant Sous l’enlacement caressant, Subir l’étreinte de l’absent.

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NEVER-ENDING SONG POEM BY CHARLES CROS (1842-1888) Rustling woods, starry sky, My beloved has gone away, Carrying off my desolate heart.

But he, feeling his passion spent, Went away the other morning, Without me, to a far-off country.

Winds, let your plaintive murmurs, Charming nightingales, let your songs go and tell him I am dying.

Since I no longer have my lover, I shall die in the pond, among The flowers, beneath the sluggish waters.

The first evening he came here, My soul was at his mercy; I no longer cared anything for pride.

Pausing on the edge, I will utter his name to the winds, dreaming That there I often waited for him.

My glances confessed my love. he took me in his strong arms And kissed me about my hair.

And as if in a golden shroud, Amid my flowing hair, to the will Of the breeze I shall abandon myself.

I trembled violently.

And then, I no longer know how, he became my lover.

Past moments of happiness will spread Their gentle light on my brow, And the green rushes will entwine me.

I repeated to him: ‘You will love me As long as you can.’

I slept well only in his arms.

And my bosom will believe, quivering In that tender entwinement, It feels the absent one’s embrace.

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RECORDED fROM 19 TO 22 DECEMBER 2016 AT COnSERVATOIRE DARIUS MILhAUD, AIX-En-PROVEnCE, fRAnCE KEn YOShIDA RECORDIng PRODUCER, EDITIng & MASTERIng ChARLES JOhnSTOn EngLISh TRAnSLATIOn SILVIA BERUTTI-ROnELT gERMAn TRAnSLATIOn VALÉRIE LAgARDE & AURORE DUhAMEL DESIgn & ARTWORK nICOLAJ LUnD © COVER AnD InSIDE PhOTOS RIChARD DUMAS InSIDE PhOTO (KATE LInDSEY P.11) D.R (ALPhOnSE CEMIn P.17) ALPHA CLASSICS DIDIER MARTIn DIRECTOR LOUISE BUREL PRODUCTIOn AMÉLIE BOCCOn-gIBOD EDITORIAL COORDInATOR ALPhA 295 P 2016 & C 2017 ALPhA CLASSICS / OUThERE MUSIC fRAnCE

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