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Passion Texts

P 5

Texte de la Passion

P 11

. Sung Text Texte chanté

P 16

Index

P 22

EXAUDI James Weeks

Photo: Helen Maybanks.

Photo: Matthew Andrews.

Wolfgang Rihm

Photoâ€‰: reproduced by permission. SCHOTT MUSIC, Mainz - Germany.

English

Passion Texts The human voice holds a central place in the work of Luigi Nono. Almost alone of the Darmstadt generation, his music – even at its most rigidly pointillist – seems fundamentally indebted to a sense of the lyric, and his preoccupation with social and political themes throughout his career led him to write many works for voices – voices raised in protest at injustice and inhumanity, or dreaming of better worlds. ‘All of my works,’ he wrote in 1960, ‘start out from a human impulse; an incident, an experience, a text from our life touches my instinct and my conscience and wants me – as a musician and as a human being – to bear testimony to it.’ Sarà dolce tacere (‘Silence shall be sweet’, 1960), written for the fortieth birthday of his friend Bruno Maderna, is a setting of a poem by Cesare Pavese from the collection La terra e la morte (1947). Pavese evokes a landscape of stony paths, hills and vineyards, based on the Langhe region in the far North West of Italy that held an important place in his personal mythology. The poem describes a silent land that ‘awaits and says not a word’, a primal land that will emerge from a ‘blazing’ silence. These two images, of incandescence and of silence, dominate the poem, which is articulated in terse, short sentences like prophetic utterances. Nono responds to this with a hyper-fragmentary, pointillist texture, a patchwork of single notes spread across the eight singers, arranged as if into two choirs of four singers each. But rather

than make use of possible antiphonal effects, he treats the whole ensemble as a single, manyheaded voice, achieving perhaps paradoxically a heightening of lyricism by refracting the music’s linear flow through the ensemble texture. Like the pared brevity of Pavese’s diction, Nono’s abruptly disjointed textures offer an expressivity that is both harsh (‘it is a hard land – / Your brow knows that well’…) and lit up with a stunningly refined harmonic beauty. Likewise the music seems to marry incandescence and silence into a double image, flaring and dying back until reaching a glowing stillness on the final chord: ‘A flaming silence / Will burn the countryside / As a beacon at evening.’ ¿Donde estas, hermano? dates from September 1982 and is an arrangement of the final chorus of Quando stanno morendo, Diario Polacco n.2, written in the same year during the long gestation of Nono’s late masterpiece Prometeo (1981-5), with which it shares a common idiom. The starkness of Sarà dolce tacere is here magnified and stretched to an extreme: a succession of thirty-one long sounds (chords or single notes) separated by silences, the dynamics mainly operating between ppp and pppppp. The text – ‘Where are you, brother?’ – is dedicated to the Disappeared (‘los desperacidos’) of Argentina; the knife-edge fragility of the music, demanding a vocal control at the very limit of possibility, seems to expose the humanity of the singers in a way that speaks with the utmost poignancy to the plight of those who vanished and their loved ones left behind. Wolfgang Rihm has long declared the influence of Nono on his work, and his Mit geschlossenem

Mund (‘With closed mouth’), for eight humming voices, is exceptionally close in spirit to ¿Donde estas, hermano?. It was in fact written a few months earlier than the Nono, in January 1982, and first performed in November of that year. It shares some of the Nono’s fragility, but flows with more certainty and robustness, the harmony filled out and warmed by the inclusion of male voices. Quo me rapis bears even more strongly the imprint of Nono, yet at the same time marks very clearly the differences between the two composers. Completed in April 1990 (only a few weeks before Nono’s death), Quo me rapis proceeds in a very late-Nono-esque pattern of lapidary sound events separated by vast silences: brief sonic hieroglyphs tentatively drawn out or flung forcefully into the void, gradually forming a hesitant continuity over the piece’s eleven-minute span. Unlike Nono’s late works, however, which manifest a transcendental attitude to matters of time, duration and continuity, Rihm’s vision remains reassuringly earthy, relying on a quite familiar – if highly distended – form of classical rhetoric (an extreme version of the classical aposiopesis) to sustain the tension of his argument. The text, from Horace’s Ode III.25, speaks of the mysterious process of poetic inspiration, and of the intention to ‘sing no slight or humble song, speak of nothing merely mortal’: each pause of Rihm’s work is a silence of dramatic expectation that tensely anticipates the next fragmentary poetic ejaculation, the music wrested out of the silence by a divine, unfathomable power. Quo me rapis is a work about creation and the force that drives it forwards – a quintessential topic in Rihm’s work as well as link to

Nono’s preoccupation with Promethean mythology – leading to a typically muscular climax just before the work’s conclusion, where some of the pent-up energies the music has accumulated are released in a thrilling blaze. Sieben Passions-texte (Seven Passion Texts, 20016) were commissioned by the German ensemble Singer Pur and form part of his hour-long vocalinstrumental work Vigilia, where they appear separated by instrumental interludes and followed by a substantial accompanied setting of the Miserere. Their texts are selected from the twentyseven Responsories for the office of Tenebrae (literally, ‘shadows’), the service traditionally replacing Matins and Lauds on the three days before Easter. The grave bareness of this Holy Week rite has over the centuries engendered a musical repertoire of singular richness, with important settings of the Responsories by Morales, Lassus, Victoria and Gesualdo, and it was Gesualdo in particular who was the direct inspiration for Rihm’s own settings. One might say, indeed, that Rihm’s work is so deeply embedded in the historical literature of Passion music that this in itself becomes an important component of the work’s meaning. Gesualdo’s dark palette, tortuous chromatics and love of highly expressive textural disjunction (typified by the effortful, wide-leaping vocal lines that never allow the texture or the voice to settle in one place) are everywhere invoked; fragments of Lassus’ more classically flowing counterpoint and of his declamatory clarity might be said to remain here and there (as they might in Gesualdo too). Also in evidence is the spirit and sound of Bruckner’s

a cappella motets (themselves influenced by the nineteenth-century early-music-revival movement in church music known as Cecilianism). Everywhere there are echoes of Bruckner’s rich harmonic style, his forceful chordal rhetoric and love of dramatic silence. Thus in these seven Texts (as opposed to the more usual ‘Motets’ or ‘Responsories’) Rihm is ‘setting’ not just the words but also the previous settings of those words by others: to put it another way, in adding to the literature he must also find a way of writing over or through it – writing being, as ever, a constant dialogue with the world around. Yet for all its allusiveness, the music is deeply original and unarguably heartfelt, each piece inscribed with images of memorable and striking beauty. James Weeks

Wolfgang Rihm

Luigi Nono

Wolfgang Rihm was born on 13 March 1952 in Karlsruhe, near the French and Swiss borders. He lives there to this day in a spacious apartment full not only of books and scores, but also paintings by contemporary artists. He is a composer, composition professor, a remarkable music writer, and also a member of influential musical committees in Germany. Rihm’s knowledge of music history and the art and craft of composition is vast. He is is also highly knowledgeable about literature, art, architecture and philosophy, on which he freely draws for inspiration. A look at the texts he has set to music indicates the breadth of his culture: from Homer through Hölderlin and Goethe to Rilke, Botho Strauss and Durs Grünbein. His compositions number over 400 works, with landmark pieces such as Jagden und Formen, Chiffrecycle, and Pol - Kolchis - Nucleus now programmed as a matter of course. As significant as his ‘new music’ compositions are those taking their cue from music of past centuries: oratorios with J.S. Bach as a point of reference (Deus Passus), orchestral pieces of Brahmsian sound and gesture (Ernster Gesang, Das Lesen der Schrift), and chamber music in the wake of Schumann (Fremde Szenen). At the age of just 25 he wrote his chamber opera, Jakob Lenz, now among the most often produced pieces of contemporary music theatre in Germany. Jakob Lenz was followed by a series of large-scale operas - Die Hamletmaschine, Die Eroberung von Mexico and Das Gehege, as well as Séraphin - a work of experimental music theatre. He is also one of the foremost song composers of our times, and his songs are often presented in cycles.

Luigi Nono was born in Venice on 29 January 1924. He began studying composition in 1941, and over the th coming decade explored the works of the 16 and th 17 centuries, the music of the Second Viennese School, which was prohibited in Fascist Italy, and the Franco-Flemish School, which awakened a fascination with polyphonic canon techniques. He concurrently studied law in Padua and graduated in 1946. In 1950 Nono first attended the Darmstadt Summer Courses for New Music which saw the world première of his Variazioni canoniche sulla serie dell’op. 41 di Schoenberg. By using the twelve-note series from Schoenberg’s anti-Fascist Ode to Napoleon Op. 41, Nono, a member of the Italian Communist Party since 1952, referred to its political statement. At the Hamburg performance of Schoenberg’s opera Moses und Aron he met Schoenberg’s daughter Nuria whom he married a year later. In the following years, he worked as a teacher on the Darmstadt Summer Courses, and from 1960 taught in Poland, the USSR, CSSR and GDR. Omaggio a Emilio Vedova, his first electronic composition, was also written at this time. Electronic sounds, the use of twelve-note series, and large expressive interval leaps remained important features of Nono’s compositional style, with the motif of wandering running like a thread through his later works. Also key to Nono’s later works was his constant search for new sounds and ways to open the listener up to new aural perspectives. In 1990 Nono received the Berlin Arts Prize for Music. He died on 8 May of the same year.

EXAUDI

James Weeks

Since its debut in 2002, EXAUDI has emerged as one of Europe’s leading contemporary music vocal ensembles. Founded by James Weeks (director) and Juliet Fraser (soprano), EXAUDI is based in London and draws its singers from among the UK’s brightest vocal talents. EXAUDI’s special affinity is for the radical edges of contemporary music, at home equally with maximal complexity, microtonality and experimental aesthetics. The newest new music is at the heart of its repertoire, and it has given hundreds of world premieres including works by major figures such as Ferneyhough, Finnissy, Posadas, Gervasoni, Wolff and Pesson. EXAUDI’s particular commitment, however, is to its own generation of composers, and is proud to champion the work of Aaron Cassidy, Evan Johnson, Bryn Harrison, Matthew Shlomowitz, Joanna Bailie, James Weeks and Claudia Molitor among many others. The ensemble is also in great demand for its performances of medieval, Renaissance and early baroque repertoire and often combines early and contemporary music in its programmes. EXAUDI has performed at many of the leading new music venues and festivals in Europe and collaborates regularly with ensembles such as musikFabrik, Ensemble Modern, Ensemble InterContemporain, London Sinfonietta etc. EXAUDI’s discography encompasses music by Fox, Finnissy, Skempton, Gervasoni and others. This is the ensemble’s first disc for æon. www.exaudi.org.uk

James Weeks (*1978) completed his PhD in composition at the University of Southampton studying with Michael Finnissy. His music has been performed and broadcast worldwide; recent works have been completed for London Sinfonietta, PlusMinus, Quatuor Bozzini, New London Chamber Choir, Phoenix Piano Trio, EXAUDI, Alison Balsom, Apartment House and Anton Lukoszevieze. Since 2005 the main focus of his music has been on solo and small-ensemble works exploring elemental or primary musical materials and processes, either left bare or built up into polyphonic structures of considerable density. Major works include Schilderkonst (mixed ensemble, 2003-4) the South London Harmonies series (for various ensembles, 2008-11), TIDE (ensemble and electronics, 2007-10), Mala punica (eight voices, 2008-9), and The Freedom of the Earth (chorus and instruments, 2011). As a conductor he is known for his championing of contemporary music. He founded EXAUDI with soprano Juliet Fraser in 2002, and maintains a busy international touring schedule with them. In great demand as a guest conductor, he has worked with London Sinfonietta, musikFabrik, BCMG, L’Instant Donné, IXION, BBC Singers, BBCSSO and Endymion. He is Associate Head of Composition at the Guildhall School of Music & Drama, London. www.jamesweeks.org

Luigi Nono

Photoâ€‰: reproduced by permission. SCHOTT MUSIC, Mainz - Germany.

Français

Textes de la Passion La voix humaine occupe une place centrale dans l’œuvre de Luigi Nono. Sa musique est l’une des rares parmi celles de la génération de Darmstadt à être – même au sommet de sa rigidité pointilliste – profondément empreinte de lyrisme, et sa préoccupation pour les thèmes sociaux et politiques tout au long de sa carrière l’ont amené à écrire de nombreuses œuvres pour voix – pour des voix s’élevant pour protester contre l’injustice et l’inhumanité, ou des voix rêvant de mondes meilleurs. « Toutes mes œuvres », écrivit-il en 1960, « partent d’une impulsion humaine ; un événement, une expérience, un texte de notre vie touche mon instinct et ma conscience et me pousse – en tant que musicien et être humain – à en porter témoignage. » Dans Sarà dolce tacere (« Il sera doux de se taire », 1960), écrit pour le quarantième anniversaire de son ami Bruno Maderna, Nono met en musique un poème de Cesare Pavese extrait du recueil La terra e la morte (1947). Pavese évoque un paysage de sentiers rocailleux, de collines et de vignobles, inspiré de la région des Langhes, à l’extrême nordouest de l’Italie, qui occupait une place importante dans sa mythologie personnelle. Le poème décrit une terre silencieuse qui « attend et ne dit pas un mot », une terre primitive qui émergera d’un silence « embrasé ». Ces deux images, d’incandescence et de silence, dominent le poème, qui est articulé en phrases courtes et laconiques comme des déclarations prophétiques.

Nono répond à cela par une texture pointilliste, hyper-fragmentaire, un patchwork de notes isolées réparti parmi les huit chanteurs, semblant arrangé en deux chœurs de quatre chanteurs chacun. Mais au lieu de recourir à des effets d’antiphonie, il traite l’ensemble entier comme une seule voix à plusieurs têtes, réussissant, paradoxalement peut-être, à renforcer le lyrisme de la pièce en faisant réfracter le flot linéaire de la musique à travers la texture de l’ensemble. À l’instar de la concision dépouillée du style de Pavese, les textures brutalement disjointes de Nono offrent une expressivité qui est à la fois rêche (« C’est une terre mauvaise / Ton front le sait » …) et illuminée d’une beauté harmonique d’un raffinement saisissant. De même la musique semble-t-elle unir incandescence et silence en une image double, flamboyant puis se résorbant avant d’atteindre l’immobilité rougeoyante du dernier accord : « Un silence embrasé / Brûlera la campagne / Comme les feux le soir. » ¿Donde estas, hermano?, date de septembre 1982. C’est un arrangement du chœur final de Quando stanno morendo, Diario Polacco n.2, composé la même année, durant la longue gestation du dernier chef-d’œuvre de Nono, Prometeo (19815), avec lequel il partage un idiome commun. La désolation de Sarà dolce tacere est ici amplifiée et étirée à l’extrême : une succession de trente et un longs sons (accords ou notes isolées) séparés par des silences, dans des nuances évoluant principalement entre ppp et pppppp. Le texte – « Où es-tu, frère ? » – est dédié aux Disparus (« los desparecidos ») d’Argentine ; la fragilité tranchante de la musique, exigeant une maîtrise vocale aux

limites du possible, semble exposer l’humanité des chanteurs d’une manière correspondant de façon extrêmement poignante à la détresse des disparus et des êtres chers qu’ils ont laissés derrière eux. Wolfgang Rihm a déclaré depuis longtemps l’influence de Nono sur son œuvre, et son Mit geschlossenem Mund (« Avec la bouche fermée »), pour huit voix, est exceptionnellement proche de l’esprit de ¿Donde estas, hermano?. En fait, cette pièce fut écrite quelque mois avant celle de Nono, en janvier 1982, et créée au mois de novembre de la même année. Elle partage en partie la fragilité de la pièce de Nono, mais son flux est plus assuré et plus robuste, et son harmonie étoffée et réchauffée par l’inclusion de voix masculines. Quo me rapis, bien que portant encore plus fortement l’empreinte de Nono que la pièce précédente, souligne en même temps très clairement les différences entre les deux compositeurs. Achevé en avril 1990 (quelques semaines seulement avant la mort de Nono), Quo me rapis suit un modèle typique du style tardif de Nono, fait d’événements sonores lapidaires séparés par de longs silences ; de brefs hiéroglyphes acoustiques extraits avec hésitation ou projetés avec force dans le vide, forment progressivement une continuité hésitante au fil des onze minutes que dure la pièce. Toutefois, contrairement aux pièces tardives de Nono, qui manifestent une attitude transcendantale vis-à-vis des questions de temps, de durée et de continuité, la vision de Rihm reste d’un pragmatisme rassurant, recourant à une figure relativement familière – bien que fortement distendue – de la rhétorique classique (une version

extrême de l’aposiopèse classique) pour soutenir la tension de son propos. Le texte, tiré de l’Ode III.25 d’Horace, parle du processus mystérieux de l’inspiration poétique, et de l’intention de « ne chanter ni un chant futile, ni un chant humble, de ne parler de rien de simplement mortel » : chaque pause dans la pièce de Rihm est un silence chargé d’attente dramatique qui anticipe nerveusement l’exclamation poétique fragmentaire suivante, où la musique est arrachée au silence par une force insondable, divine. Quo me rapis est une pièce sur la création et la force qui la fait avancer – à la fois un thème typique dans l’œuvre de Rihm et une référence à l’intérêt de Nono pour la mythologie prométhéenne – qui atteint un paroxysme musclé juste avant la conclusion de la pièce, où une partie des énergies refoulées que la musique a accumulées est libérée en une exaltante explosion. Les Sieben Passions-Texte (Sept textes de la Passion, 2001 - 2006) furent commandés par l’ensemble allemand Singer Pur et font partie de sa pièce vocale-instrumentale d’une heure Vigilia, où ils sont séparés par des interludes instrumentaux et suivis d’un Miserere à l’accompagnement conséquent. Ces textes ont été choisis parmi les vingt-sept répons pour l’Office des Ténèbres, office remplaçant traditionnellement les matines et les laudes des trois derniers jours avant Pâques. L’austérité solennelle de ce rite de la Semaine Sainte engendra au fil des siècles un répertoire d’une singulière richesse, comprenant des œuvres importantes de Morales, Lassus, Victoria et Gesualdo, et ce fut Gesualdo, en particulier, qui inspira directement Rihm lors de la composition de ses propres pièces. À vrai

dire, l’œuvre de Rihm s’inscrit si profondément dans la tradition musicale de la Passion que ce fait en lui-même devient une composante importante de l’œuvre. La palette sombre de Gesualdo, ses chromatismes tortueux et son amour pour une texture disloquée hautement expressive (caractérisée par des lignes vocales laborieuses, aux grands sauts, ne laissant jamais, ni à la texture ni à la voix, le loisir de se poser) sont invoqués partout ; des fragments du contrepoint de Lassus, au flux plus classique, et de sa clarté déclamatoire semblent êtres reconnaissables ça et là (comme ils le seraient chez Gesualdo). Transparaissent aussi, clairement, l’esprit et la sonorité des motets a cappella de Bruckner (eux-mêmes influencés par le mouvement de e renouveau de la musique liturgique apparu au XIX siècle connu sous le nom de Cécilianisme). L’œuvre pullule d’échos de la richesse harmonique du style de Bruckner, de sa puissante rhétorique d’accords et de son amour du silence dramatique. Ainsi, dans ces Sept Textes (contrairement aux « Motets » ou « Répons », plus habituels), Rhim ne met pas seulement en musique les mots, mais aussi les mises en musique précédentes de ces mots par d’autres : autrement dit, en ajoutant une œuvre à la littérature existante, il doit aussi trouver un moyen d’écrire pardessus et à travers cette dernière – l’écriture étant, comme toujours, un dialogue constant avec le monde environnant. Toutefois, malgré ce foisonnement de références, cette œuvre est profondément originale et indéniablement sincère, et chaque pièce y est empreinte d’images d’une mémorable et saisissante beauté. James Weeks Traduction : Philia Jarrell

Wolfgang Rihm Wolfgang Rihm est né le 13 mars 1952 à Karlsruhe, près des frontières française et suisse. Il y vit toujours, dans un spacieux appartement débordant non seulement de livres et de partitions, mais aussi de tableaux d’artistes contemporains. Compositeur, professeur de composition, essayiste remarquable, il est aussi membre de comités musicaux influents en Allemagne. Ses connaissances de l’histoire de la musique et de l’art de la composition sont vastes et se doublent de solides connaissances en littérature, arts, en architecture et en philosophie, dans lesquelles il puise librement son inspiration. Un coup d’œil sur les textes qu’il a mis en musique suffit pour nous indiquer l’étendue de sa culture, qui va de Homère à Hölderlin et de Goethe à Rilke, Botho Strauss et Durs Grünbein. Son œuvre compte plus de 400 pièces, dont des œuvres majeures comme Jagden und Formen, Chiffre-cycle, et Pol - Kolchis - Nucleus, aujourd’hui passées dans le répertoire. Ses compositions inspirées de la musique du passé – des oratorios prenant comme référence la musique de J.S. Bach (Deus Passus), des pièces pour orchestre aux sonorités et gestes brahmsiens (Ernster Gesang, Das Lesen der Schrift), et des œuvres de chambre dans le sillage de Schumann (Fremde Szenen) – ne le cèdent en rien à ses pièces « nouvelles ». À l’âge de 25 ans, il écrivit son opéra de chambre Jakob Lenz qui est aujourd’hui l’une des pièces contemporaines les plus jouées en Allemagne. Jakob Lenz fut suivi d’une série de grands opéras – Die Hamletmaschine, Die Eroberung von

Mexico et Das Gehege – ainsi que de Séraphin, une pièce de théâtre musical expérimental. Rihm est également l’un des plus grands compositeurs de lieder de notre époque et ses lieder sont souvent présentés sous forme de cycles.

Luigi Nono Luigi Nono naquit à Venise le 29 janvier 1924. Il commença à étudier la composition en 1941 et explora, pendant la décennie suivante, les e e œuvres des XVI et XVII siècles, la musique de la Deuxième école de Vienne interdite dans l’Italie fasciste, et l’école franco-flamande, qui éveilla en un lui une fascination pour les techniques du canon. En parallèle, il fit des études de droit à Padoue, où il obtint son diplôme en 1946. En 1950, Nono fréquenta pour la première fois les Cours d’été de Darmstadt, où il assista à la première mondiale de ses Variazioni canoniche sulla serie dell’op. 41 di Schoenberg. En utilisant la série dodécaphonique de l’œuvre antifasciste de Schœnberg Ode à Napoleon Op. 41, Nono, membre du Parti communiste italien depuis 1950, se référait au contenu politique de celle-ci. Lors de la représentation hambourgeoise de l’opéra de Schœnberg Moses und Aron, Nono rencontra la fille de Schœnberg Nuria, qu’il épousa l’année suivante. Les années suivantes, il travailla comme enseignant aux Cours d’été de Darmstadt, et à partir de 1960 il enseigna en Pologne, en URSS, en RST, et en RDA. Omaggio a Emilio Vedova, sa première composition électronique, fut aussi écrite à cette époque. Les sons électroniques, l’utilisation des séries

dodécaphoniques et de grands sauts expressifs restèrent des traits caractéristiques du style compositionnel de Nono, auxquels vient s’ajouter le thème du voyage qui parcourt ses œuvres tardives comme un fil rouge. Un autre élément essentiel à la compréhension de ses œuvres tardives est sa quête constante de voies et de sons nouveaux pour sensibiliser l’auditeur à de nouvelles perspectives auditives. En 1990, Nono remporta le Prix d’art et de musique de Berlin. Il mourut le 8 mai de la même année.

EXAUDI Depuis ses débuts en 2002, EXAUDI s’est imposé comme l’un des premiers ensembles vocaux de musique contemporaine d’Europe. Fondé par James Weeks (chef de chœur) et Juliet Fraser (soprano), EXAUDI est basé à Londres et choisit ses chanteurs parmi les talents les plus brillants du Royaume-Uni. Évoluant avec la même aisance dans la complexité extrême, la micro-tonalité et l’esthétique expérimentale, EXAUDI entretient une affinité particulière avec la frange radicale de la musique contemporaine. La musique contemporaine la plus récente constitue le cœur de son répertoire, et l’ensemble compte à son actif des centaines de premières mondiales comprenant des œuvres de figures majeures comme Ferneyhough, Finnissy, Posadas, Gervasoni, Wolff et Pesson. EXAUDI s’engage toutefois tout particulièrement pour les compositeurs de sa propre génération et se fait une fierté de soutenir l’œuvre de Aaron Cassidy, Evan Johnson, Bryn Harrison, Matthew Shlomowitz, Joanna Bailie, James Weeks et

Claudia Molitor, pour n’en citer que quelques-uns. L’ensemble est également très recherché pour son interprétation du répertoire médiéval, de la Renaissance et du premier baroque et associe souvent musique ancienne et contemporaine dans ses programmes. EXAUDI s’est produit dans la plupart des lieux de concert et festivals de musique contemporaine importants d’Europe et travaille régulièrement avec des ensembles comme musikFabrik, Ensemble Modern, Ensemble InterContemporain, London Sinfonietta, etc. La discographie d’EXAUDI comprend des compositions de Fox, Finnissy, Skempton, Gervasoni ainsi que d’autres compositeurs. Ceci est le premier disque réalisé par l’ensemble pour æon. www.exaudi.org.uk

d’une considérable densité. Parmi ses œuvres importantes figurent Schilderkonst (ensemble mixte, 2003 - 2004) la série South London Harmonies (pour différents ensembles, 2008 - 2011), TIDE (ensemble et électronique, 2007 - 2010), Mala punica (huit voix, 2008 - 2009), et The Freedom of the Earth (chœur et instruments, 2011). En tant que chef, il est connu pour son engagement pour la musique contemporaine. Il a fondé EXAUDI avec la soprano Juliet Fraser en 2002 et n’a cessé depuis d’effectuer avec son ensemble de nombreuses tournées internationales. Très demandé en tant que chef invité, il a travaillé avec London Sinfonietta, musikFabrik, BCMG, L’Instant Donné, IXION, BBC Singers, BBCSSO et Endymion. Il est professeur associé de composition à la Guildhall School of Music & Drama de Londres. www.jamesweeks.org

James Weeks James Weeks (1978) a obtenu son doctorat en composition à l’Université de Southhampton où il a étudié avec Michael Finnissy. Sa musique est jouée et diffusée dans le monde entier ; il a composé récemment des œuvres pour London Sinfonietta, Plus-Minus, Quatuor Bozzini, New London Chamber Choir, Phoenix Piano Trio, EXAUDI, Alison Balsom, Apartment House et Anton Lukoszevieze. Depuis 2005, il compose principalement des pièces pour instrument soliste ou petit ensemble, explorant des matériaux et des processus musicaux fondamentaux ou primaires, qu’il laisse tels quels ou agence en structures polyphoniques

. Sung texts Textes chantés Wolfgang Rihm 1 Quo me rapis (Horace, Ode III.25)

Quo me rapis (Horace, Ode III.25)

Quo me rapis tui plenum? quae nemora aut quos agor in specus velox mente nova? dicam insigne, recens, adhuc indictum ore alio. nil parvum aut humile modo, nil mortale loquar. dulce periculum est.

Whither are you snatching me away, full of your spirit? To what groves, what caves, am I being driven, sped along by new inspiration? I shall tell of some fresh great deed, as yet unsung by other mouths. Nothing slight, nothing mundane or mortal shall be my theme. Danger is sweet.

Wolfgang Rihm Sieben Passions - Texte

Seven Passion Texts

I Tristis est anima mea usque ad mortem. Sustinete hic, et vigilate mecum; nunc videbitis turbam quae circumdabit me. V. Vos fugam capietis, et ego vadam immolari pro vobis.

I My soul is sorrowful even unto death. Stay here and keep watch with me; now you shall see the crowd which will surround me; V. You will take flight, and I shall go to be sacrificed for you.

II Ecce vidimus eum non habentem speciem, neque decorem: aspectus ejus in eo non est: hic peccata nostra portavit, et pro nobis dolet: ipse autem vulneratus est propter iniquitates nostras: cujus livore sanati sumus. V. Vere languores nostros ipse tulit, et dolores nostros ipse portavit.

II Lo, we have seen him without comeliness or beauty: His look is gone from him: he hath borne our sins and suffered for us: He was wounded for our iniquities: by his stripes are we healed. V. Truly he hath borne our infirmities and carried our sorrows.

III Velum templi scissum est: et omnis terrae tremuit: latro de cruce clamabat, dicens: memento mei, Domine, dum veneris in regnum tuum. V. Petrae scissae sunt, et monumenta aperta sunt, et multa corpora sanctorum, qui dormierant, surrexerunt.

III The veil of the temple was rent: And all the earth shook: the thief from the cross cried out, saying: Lord, remember me, when Thou comest into Thy kingdom. V. The rocks were rent and the graves opened, and there arose many bodies of the saints that were dead.

translation: James Weeks

Quo me rapis (Horace, Ode III.25) Où me portes-tu, empli de ton esprit ? Vers quels bosquets, quelles grottes suis-je entraîné, Poussé par une nouvelle inspiration ? Je raconterai quelque action grande et nouvelle, qu’aucune autre bouche n’a encore chantée. Rien de futile, rien de banal ni de mortel ne sera mon sujet. Doux est le danger.

Traduction: Philia Jarrell

Sept textes de la Passion 2

I Mon âme est triste jusqu’à la mort. Restez ici et veillez avec moi ; bientôt vous verrez la foule qui me cernera. V. Vous prendrez la fuite, et moi, j’irai me sacrifier pour vous.

II Voilà, nous l’avons vu privé de grâce et de beauté ; Son regard l’a quitté ; il a porté nos péchés et souffert pour nous ; Il a été blessé pour nos injustices ; ce sont ses blessures qui nous guérissent. V. Il a vraiment assumé nos faiblesses et porté nos chagrins.

III Le voile du temple se déchira : Et la terre entière trembla : le voleur de la croix s’écria et dit : Seigneur, souviens-Toi de moi, lorsque Tu seras arrivé dans Ton Royaume. V. Les rochers se fendirent et les tombeaux s’ouvrirent, et les corps de nombreux saints qui étaient morts se levèrent.

IV Tenebrae facta sunt, dum crucifixissent Jesum Judaei: Et circa horam nonam exclamavit Jesus voce magna: Deus, meus, ut quid me dereliquisti? Et inclinato capite, emisit spiritum suum. V. Exclamans Jesus voce magna ait: Pater, in manus tuas commendo spiritum meum.

IV Darkness covered the earth, whilst the Jews crucifed Jesus: And about the ninth hour, Jesus cried with a loud voice: My God, why hast Thou forsaken Me? And bowing His head, He gave up the ghost. V. Jesus crying with a loud voice, said: Father, into Thy hands I commend My spirit.

V Caligaverunt oculi mei a fletu meo: quia elongatus est a me, qui consolabatur me: Videte, omnes populi, si est dolor similis sicut dolor meus. V. O vos omnes, qui transitis per viam, attendite et videte si est dolor similis sicut dolor meus.

V My eyes are dimmed from weeping; those who might comfort me are far from me. See, all you peoples, if there is any sorrow like my sorrow. V. All you who pass by on the road, stay, and see if there is any sorrow like my sorrow.

VI Recessit Pastor noster, fons aquae vivae, ad cujus transitum sol obscuratus est, nam et ille captus est, qui captivum tenebat primum hominem; hodie portas mortis et seras pariter Salvator noster disrupit. V. Destruxit quidem claustra inferni, et subvertit potentias diaboli.

VI Our Shepherd, the fountain of living water, is gone, at whose departure the sun was darkened. For he in turn is taken captive who held the first man captive: this day our Saviour broke open the bolts and gates of death. V. He destroyed the dungeons of hell, and overthrew the powers of the devil.

VII Aestimatus sum cum descendentibus in lacum, factus sum sicut homo sine adjutorio, inter mortuos liber. V. Posuerunt me in lacu inferiori, in tenebrosis et in umbra mortis.

VII I am counted among them that go down to the pit: I am become like a man without help, free among the dead. V. They laid me in the lower pit, in dark places, and in the shadow of death.

多Donde estas, hermano?

Luigi Nono 多Donde estas, hermano? 多Donde estas, hermano?

Where are you, brother?

IV Les ténèbres recouvrirent la terre lorsque les Juifs crucifièrent Jésus : Et vers la neuvième heure, Jésus s’écria d’une voix forte : Mon Dieu, pourquoi m’as-tu abandonné ? Et, inclinant tête, il rendit l’esprit. V. Jésus, s’écriant d’une voix forte, dit : Père, entre Tes mains je remets Mon esprit.

V Mes yeux sont obscurcis par mes pleurs ; ceux qui pourraient me consoler sont loin : Voyez, peuples, s’il existe un chagrin pareil au mien. V. Vous tous, passants, arrêtez-vous, et voyez s’il existe un chagrin pareil au mien.

VI Notre pasteur, fontaine d’eau vive, s’en est allé, et à son départ le soleil s’est obscurci. Car il est à son tour fait prisonnier celui qui retint prisonnier le premier homme : en ce jour notre Sauveur a brisé les verrous et les portes de la mort. V. Il a détruit les cachots de l’enfer et renversé les forces du diable.

VII On me compte parmi ceux qui descendent dans la fosse : je suis devenu un homme sans secours, libre parmi les morts. V. Ils m’ont déposé dans la fosse la plus profonde, dans les ténèbres et dans l’ombre de la mort.

¿Donde estas, hermano? Où es-tu, frère ?

Luigi Nono 11 Sarà dolce tacere (Cesare Pavese)

Sarà dolce tacere Anche tu sei collina e sentiero di sassi e gioco nei canneti, e conosci la vigna che di notte tace. Tu non dici parole. C’è una terra che tace e non è terra tua. C’è un silenzio che dura sulle piante e sui colli. Ci son acque e campagne. Sei un chiuso silenzio che non cede, sei labbra e occhi bui. Sei la vigna. E’ una terra che attende e non dice parole. Sono passati giorni sotto cieli ardenti. Tu hai giocato alle nubi. E’ una terra cattiva – la tua fronte lo sa. Anche questo è la vigna. Ritroverai le nubi e il canneto, e le voci come un’ombra di luna. Ritroverai parole oltre la vita breve e notturna dei giochi, oltre l’infanzia accesa. Sarà dolce tacere. Sei la terra e la vigna. Un acceso silenzio brucerà la campagna come i falò la sera.

11 Sarà dolce tacere (Cesare Pavese) Silence shall be sweet You too are the hill And the stony path And the game among the reeds, And you know the vineyard Which is silent by night. You say not a word. There is a land that is silent, And it is not your land. There is a silence that endures Among the plants and hills. There are streams and fields. You are an impenetrable silence That yields nothing, you are lips And lightless eyes.You are the vineyard. It is a land that awaits And says not a word. Days have passed Beneath burning skies. You have played among the clouds. It is a hard land – Your brow knows that well. This too is the vineyard. You will find again the clouds And the reed-bed, and the voices Like a shadow of the moon. You will find again words Beyond the brief life, The dark life of the games, Beyond flaming childhood. Silence shall be sweet. You are the earth and the vineyard. A flaming silence Will burn the countryside As a beacon at evening. Translation: Richard Stokes

11 Sarà dolce tacere (Cesare Pavese) Il sera doux de se taire Toi aussi, tu es colline et sentier rocailleux et jeu dans les cannaies, et tu connais la vigne qui la nuit se tait. Toi, tu ne dis pas un mot. Il y a une terre qui se tait et cette terre n’est pas tienne. Il y a un silence qui dure au-dessus des plantes et des collines. Il y a des cours d’eau et des champs. Tu es un silence impénétrable qui ne cède pas, tu es lèvres et yeux sans lumière. Tu es la vigne. C’est une terre qui attend et ne dit pas un mot. Des jours ont passés sous des cieux ardents. Toi, tu as joué aux nuages. C’est une terre mauvaise – ton front le sait. La vigne, c’est aussi cela. Tu retrouveras les nuages et la cannaie, et les voix comme une ombre de lune. Tu retrouveras des mots au-delà de la vie brève et nocturne des jeux, au-delà de l’enfance embrasée. Il sera doux de se taire. Tu es la terre et la vigne. Un silence embrasé brûlera la campagne comme les feux le soir. Traduction: Philia Jarrell

. Wolfgang Rihm Luigi Nono Passion Texts

Wolfgang Rihm

Quo me rapis (1990) (first recording)

11’19

Sieben Passions - Texte (2001-6)

28’34

2-8

for 8 solo voices for 6 voices

I II III IV V VI VII

Tristis est anima mea Ecce vidimus eum Velum templi scissum est Tenebrae factae sunt Caligaverunt oculi mei Recessit pastor noster Aestimatus sum

Luigi Nono

¿Donde estas, hermano? (1982)

Wolfgang Rihm

Mit geschlossenem Mund (1982) (first recording)

for double satb voices (without text)

Luigi Nono

Sarà dolce tacere (1960)

2’37 3’38 3’44 5’17 4’45 2’55 5’38

6’06

for 2 sopranos, mezzo-soprano and contralto

for 8 solo voices

4’11

7’48

EXAUDI Soprano

Juliet Fraser Julia Doyle (1, 10) Natalie Clifton-Griffith (9) Amy Moore (9) Amanda Morrison (11)

Mezzo-soprano Polly May (1, 10) Lucy Goddard (9) Countertenor

Tom Williams (1, 2-8, 11) Christopher Field (11)

Tenor

Roy Rashbrook (1, 10) Jonathan Bungard (1, 10, 11) Stephen Jeffes (2-8)

Baritone

Jonathan Saunders (2-8)

Bass

Gareth Dayus-Jones (1, 10) Jimmy Holliday (1, 10, 2-8, 11)

James Weeks, director

Executive producer/producteur exécutif: Andrew Griffiths (1, 10), Aaron Cassidy. Sound engineer/ingénieur du son: Andrew Post. Recordings/enregistrements: 2/10/2006, St Paul’s, Knightsbridge, London (1, 10); 19/9/2009 St Silas, Chalk Farm, London (11); 18-19/2/2012, All Saints’, East Finchley, London (2-8, 9). æon artistic supervision /direction artistique æon: Kaisa Pousset. Photo : Dolorès Marat. æon (Outhere-France) 16, rue du Faubourg Montmartre, 75009 Paris. C 2014. Imprimé en Autriche.

AECD 1441