JOHANN SEBASTIAN BACH AFFECTUS HARPSICHORD WORKS
JAVIER NÚÑEZ
TRACKLIST P. 2 SPEAKING OF AFFECTS… ENG P. 4 A PROPÓSITO DE LOS AFECTOS…
ESP P. 9
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
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AD 108
Affectus
1 2
Prelude & Fugue in A Minor, BWV 895 I. Prelude II. Fugue
0’56 2’17
3
Contrapunctus 1 (The Art of Fugue, BWV 1080)
3’06
4
Choral “Aus der Tiefe rufe ich”, BWV 745 (Carl Philipp Emanuel Bach?)
2’53
5 6 7 8 9 10
Suite “aufs Lautenwerk” in E Minor, BWV 996 I. Praeludio II. Allemande III. Courante IV. Sarabande V. Bourrée VI. Gigue
1’54 2’42 1’59 4’08 0’51 2’22
11 Choral “Lobt Gott, ihr Christen, allzugleich”, BWV 732
1’19
Prelude & Fugue in C-sharp Minor, BWV 849 (The Well-Tempered Clavier, Book 1) 12 I. Prelude 13 II. Fugue
2’40 3’45
14 Contrapunctus 9 (The Art of Fugue, BWV 1080)
2’54
Prelude & Fugue in C Major, BWV 870 (The Well-Tempered Clavier, Book 2) 15 I. Prelude 16 II. Fugue
2’20 1’53
Chromatic Fantasia & Fugue in D Minor, BWV 903 17 I. Fantasia 18 II. Fugue
5’19 5’39
19 Prelude in F Major, BWV 928
1’06
20 Sinfonia No. 9 in F Minor, BWV 795
3’28
21 Fantasia in C Minor, BWV 906
4’31
Total length
58’03
3 Menu Javier Núñez
harpsichord Jan Kalsbeek, Zutphen, 2003 (after Michael Mietke, Berlin, 1710)
www.javiernunezrivera.com
Recorded 6-9 October 2015, Estudio Sputnik, Seville, Spain. Sound engineer & mastering: Jordi Gil Editing: Ale Barranco Produced by: Javier Núñez ℗ 2018 Javier Núñez, under exclusive licence to Outhere Music France / ©2018 Outhere Music France
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Speaking of affects… Affectus is a kaleidoscopic selection among some of the most renowned pieces and collections written for harpsichord by Johann Sebastian Bach (1685-1750). Works such as the superb Chromatic Fantasia and Fugue in D minor BWV 903, the serene Contrapunctus I from The Art of Fugue BWV 1080, the striking Fantasia in C minor BWV 906 or the majestic Fugue in C-sharp minor BWV 849 from The Well-Tempered Clavier I show us the immense expressive power of his music. Throughout the repertoire of this recording a remarkable amount of different affections or passions can be founded: joy, sadness, delight, anxiety, melancholy, relief, despair... Bach harpsichord compositions are full of originality, richness of invention, profundity, purity and strength. He is, beyond the shadow of doubt, the epitome of Baroque music. Music’s ability to move the emotions of its listeners (which was already known by the ancient Greeks) became a focus of theoretical inquiry during the Baroque period as well as an aspect of its nature that was largely exploited in practical composition. Through diverse musical forms and other noteworthy elements (such as tonality, harmonic structure, melodic design, rhythmical patterns, tempi and the use of musical-rhetorical figures) the great German composer brings us to a myriad of emotions; Johann Sebastian Bach is a true master in moving the affects of the audience. Originally, the concept of the affectus was a translation of the Greek term pathos and described an externally induced emotional state. Music has been associated with certain emotions since the Old Days but it was during the Baroque period that the representation and arousing of passions became the very essence of music. Although it’s true that the whole of Europe shared a generalised idea of the emotional power of music, it was in Germany that greater effort was made to gain a rational understanding of this phenomenon. German theorists and composers unanimously admitted the importance of expressing the affects, although the same can’t be said of the specific methods that could be employed to achieve said goal. So, although it is not feasible to speak of a true “theory or doctrine of the affects” (Affektenlehre), we can be sure that the primordial purpose of Baroque music can be defined as the composer’s intention to objectively present a rationalised emotional state; the so-called “affect”. Although the emotional power of the music was already fundamental throughout the Renaissance, it was during the Baroque period that it would obtain greater relevance. Due to the passionate
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Baroque spirit, which required exacerbated expressiveness, the Renaissance balance between music and text was altered, resulting in a musical mannerism that exaggerated the role of expression of the text beyond the artistic ideals of the Renaissance. Whilst this style sought to represent the affects (affectus exprimere) in a measured way, the Baroque period sought to stir and move the human spirit (affectus movere) towards more extreme passions. The music aimed to actively produce the desired emotions, not only show them passively. Thence, musical compositions were created to represent and, at the same time, arouse the audience’s affects. Halfway through the 17th Century, two important works came to light on the issue of human passions that were widely published and highly influential. On the one hand, Les Passions de l’âme (1649) by R. Descartes was the first attempt of the modern era to offer a systematic theory of how human emotions work. In this work the physiological process of the body’s reaction to the affect represented was the object of rational analysis, giving rise to a certain “musical pathology” or musica pathetica. On the other hand, in 1650, Musurgia universalis by A. Kircher, a Jesuit scholar of German origin who worked in Rome, appeared. An extensive, detailed work; a considerable part of it is dedicated to this musica pathetica, relating the maths, medicine (the classic theory of the four temperaments -sanguine, melancholy, choleric, and
phlegmatic- and the four moods) and rhetoric. Each human being is essentially governed by a specific temperament, which will condition to what extent external stimuli (as is the case with music) produce an emotional state or specific affect. Thus, music, through its various elements (key, meter, harmony, rhythmic-melodic design, tempo, instrumentation, etc.) must cause a change in the balance of the four moods and a series of alterations that take place in different organs and parts of the body. Finally, this physiological process will give rise to the desired emotional state until another affect takes over. After centuries of being largely passed by the quadrivium (arithmetic, geometry, astronomy and music, disciplines related to maths) within the realm of the liberal arts, the trivium (grammar, dialectics and rhetoric, disciplines related to eloquence) experienced a huge leap in importance from the 16th Century, significantly penetrating the various sectors of German culture, including education. Luther firmly believed that music was God’s gift to humanity. It is therefore no surprise that he saw music as the most important of the quadrivium, exceeded in importance only by Theology. This divine origin of music proclaimed God as the creator of the natural phenomenon of sound, which also included everything to do with tones. Speculative musical theory based on the numeric proportions that govern musical intervals was therefore not irrelevant but was instead closely related
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to the idea of the power of music wielded by God. Throughout the Baroque period, Lutheran authors continued to emphasise this speculative aspect of musical theory and reinforce its metaphysical relevance. In fact, references to the metaphysical power of music and its effects are frequent amongst Luther’s writings. He therefore gave music an educational purpose. Much more than a human invention that sought entertainment and self-expression, music, as a gift from God, could teach divine truths to those who listened to it, as well as those who interpreted it. Accordingly, for Luther it was important for music to be taught in schools, and it thus became an essential part of the Lutheran Lateinschulen curriculum. Likewise, his collaborator Philipp Melanchthon made sure that the trivium was also given a prominent place in students’ education. It is in said schools that we find the peculiar figure of the Lutheran kantor, an organist, not only responsible for teaching the rudiments of music or directing the school or church choirs but also for teaching other subjects, such as Latin and rhetoric. As mentioned above, the latter had been linked to the ability to arouse different emotions in listeners since the classical period. The use of rhetoric strategies and structures applied to music was actually one of the methods composers could use to impress and move their audience, as the preacher did using the spoken word, with the goal of fulfilling the requirements of so-called
musica poetica. The purpose of both disciplines consisted of the invoking and presentation of the desired emotions to thus manage to teach, delight and move the listener (docere, delectare et movere). It is therefore no surprise that rhetoric and music formed an intimate, fruitful alliance, which gave way to a true “musical rhetoric”. Over time, the concepts of rhetoric and affects formed an unbreakable bond, giving rise to the “rhetoric-musical figures”, later considered “the true language of the affects”. Javier Núñez
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A propósito de los afectos… Affectus es una caleidoscópica selección de algunas de las más célebres piezas y colecciones escritas para clave por Johann Sebastian Bach (1685-1750). Obras como la soberbia Fantasía Cromática y Fuga en Re menor BWV 903, el sereno Contrapunto I de El Arte de la Fuga BWV 1080, la sobrecogedora Fantasía en Do menor BWV 906 o la majestuosa Fuga en Do sostenido menor BWV 849 de El Clave Bien Temperado I nos muestran el inmenso poder expresivo de su música. A lo largo del repertorio de la presente grabación se puede encontrar una extraordinaria cantidad de diferentes afectos o pasiones: alegría, tristeza, deleite, angustia, melancolía, alivio, desesperación… Las composiciones para clave de Bach están plenas de originalidad, riqueza de invención, profundidad, pureza y fuerza. Él constituye, sin lugar a dudas, la quintaesencia de la música barroca. La habilidad de la música para conmover las emociones de los oyentes (la cual ya era conocida por los antiguos griegos) se convirtió en un foco de indagación teórica durante la época barroca así como en un aspecto de su naturaleza que fue ampliamente explotado en la praxis compositiva. A través de las diversas formas musicales y otros elementos destacables (como tonalidad, estructura armónica, diseño melódico, figuración rítmica, tempi y el uso de las figuras retórico-musicales) el gran compositor alemán nos conduce a una infinidad de emociones: Johann Sebastian Bach es un verdadero maestro agitando los afectos de la audiencia. En su origen, el concepto del affectus fue una traducción del término griego pathos y designaba un estado emocional inducido externamente. Ya desde la Antigüedad se había asociado la música con determinadas emociones, pero es a lo largo del Barroco cuando la representación y agitación de las pasiones se convierte en la esencia misma de la música. Si bien es cierto que en toda Europa se compartió una idea generalizada del poder afectivo de la música, fue en Alemania donde se intentó comprender racionalmente este fenómeno con mayor afán. Tanto los teóricos como los compositores alemanes fueron unánimes en admitir la importancia de expresar los afectos, aunque no se puede decir lo mismo de los métodos específicos que se podían emplear para conseguir dicho objetivo. Así pues, si bien no es factible hablar de una verdadera “teoría o doctrina de los afectos” (Affektenlehre), se puede afirmar que el fin primordial de la música barroca viene definido por la intención del compositor de presentar objetivamente
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un estado emocional racionalizado, el cual es denominado “afecto”. Aunque la función afectiva de la música fue ya fundamental a lo largo del Renacimiento, es en el Barroco donde obtendrá una mayor relevancia. Debido al apasionado espíritu barroco, que requería una expresividad exacerbada, el equilibrio renacentista entre música y texto fue alterado, obteniendo como resultado un manierismo musical que exageró el papel de la expresión del texto más allá de los ideales artísticos del Renacimiento. Mientras este buscaba representar los afectos (affectus exprimere) de una forma mesurada, el Barroco pretendía agitar y mover el espíritu humano (affectus movere) hacia las pasiones más extremas. La música pretendía producir las emociones deseadas de una manera activa, no tan solo mostrarlas pasivamente. Por tanto, las composiciones musicales eran creadas para representar, a la vez que suscitar, los afectos en la audiencia. A mediados del siglo XVII vieron la luz dos importantes obras sobre la cuestión de las pasiones humanas que gozaron de una amplia difusión y ejercieron gran influencia. De una parte, Les Passions de l’âme (1649) de R. Descartes fue el primer intento de la Era moderna de ofrecer una teoría sistemática sobre el funcionamiento de los afectos humanos. En esta obra el proceso fisiológico de la reacción del cuerpo al afecto representado fue objeto de un análisis racional, dando lugar a una cierta
“patología musical” o musica pathetica. De otra parte, en 1650, aparece la Musurgia universalis de A. Kircher, un erudito jesuita de origen alemán que trabajó en Roma. Obra de gran extensión y detalle, precisamente dedica una parte importante del tratado a esta musica pathetica, relacionando las matemáticas, la medicina (la teoría clásica de los cuatro temperamentos -melancólico, sanguíneo, colérico y flemático- y los cuatro humores) y la retórica. Cada ser humano está, esencialmente, regido por un temperamento determinado, lo cual condicionará en qué medida un estímulo externo (como es el caso de la música) producirá un estado emocional o afecto concreto. De esta forma, la música, por medio de sus diversos elementos (tonalidad, compás, armonía, diseño rítmico-melódico, tempo, instrumentación, etc.) habrá de provocar un cambio en el equilibrio de los cuatro humores y una serie de alteraciones que se producen en diferentes órganos y partes del cuerpo. Finalmente, este proceso fisiológico dará lugar al estado emocional deseado hasta el momento en que otro afecto tome su lugar. Tras siglos de ir a la zaga del quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música, disciplinas relacionadas con las matemáticas) en el ámbito de las siete artes liberales, el trivium (gramática, dialéctica y retórica, disciplinas relacionadas con la elocuencia) experimentó un gran ascenso en importancia a partir del siglo XVI, impregnando significativamente los
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diferentes sectores de la cultura alemana, incluida la educación. Lutero creía firmemente que la música era un regalo de Dios a la humanidad. No sorprende que, debido a ello, concibiera la música como la disciplina más significativa del quadrivium y solo superada en importancia por la Teología. Este origen divino de la música erigía a Dios como creador del fenómeno natural del sonido, incluyendo igualmente el universo de los tonos. La teoría musical especulativa basada en las proporciones numéricas que regían los intervalos musicales no fue, pues, irrelevante sino que estuvo íntimamente relacionada con la concepción del poder de la música dispuesto por Dios. A lo largo del Barroco, los autores luteranos continuaron enfatizando este aspecto especulativo de la teoría musical y reforzando su relevancia metafísica. De hecho, referencias al poder metafísico de la música y sus efectos son frecuentes en los escritos de Lutero. Asimismo, este confirió a la música un propósito didáctico. Antes que una invención humana que busque el entretenimiento y la autoexpresión, la música, como don concedido por Dios, puede impartir la verdad divina a aquellos que la escuchan, al igual que a los que la interpretan. Por tanto, para Lutero era trascendental que la música fuera enseñada en las escuelas, y de este modo se convertiría en parte esencial del currículo de las Lateinschulen luteranas. De la misma manera, su colaborador Philipp Melanchthon se encargó de que el trivium también recibiera
un lugar prominente en la educación de los estudiantes. Es en dichas escuelas donde encontramos la peculiar figura del kantor luterano, organista, no solo encargado de enseñar los rudimentos de la música o dirigir los coros de la escuela o la iglesia, sino de impartir enseñanzas de otras materias, como latín y retórica. Como ya ha sido señalado anteriormente, esta última se vinculó a la capacidad de suscitar diversas emociones en los oyentes desde época clásica. Fue precisamente el uso de las estrategias y estructuras retóricas aplicadas a la música uno de los métodos que el compositor podía utilizar para convencer y conmover a su audiencia, al igual que el predicador a través de la palabra, con la finalidad de cumplir con los requisitos de la denominada musica poetica. El propósito de ambas disciplinas consistía en la evocación y presentación de los afectos deseados para, de este modo, llegar a persuadir, agradar y conmover al oyente (docere, delectare et movere). Así pues, no resulta sorprendente que la retórica y la música hallaran una íntima y fructífera alianza, que dio paso a una auténtica “retórica musical”. Con el tiempo, tanto los conceptos de la retórica como de los afectos se fueron uniendo indisolublemente, dando lugar a las “figuras retórico-musicales”, consideradas al cabo como “el verdadero lenguaje de los afectos”. Javier Núñez
Pictures Javier Núñez, May 2016 (pages 8, 14), September 2016 (pages 7, 11, 12) ©Luis Castilla
Translations English: Nicholas Isard (Tradophenia) Graphic design: Mirco Milani Cover design: Alfonso Femia, Michela Lucariello
Acknowledgements: Fahmi and Rami Alqhai, J. Ramón Lara, Valentín Núñez.
ARCANA is a label of OUTHERE MUSIC FRANCE 31, rue du Faubourg Poissonnière 75009 Paris www.outhere-music.com www.facebook.com/OuthereMusic Artistic Director: Giovanni Sgaria
Behind the Cover
The graphic design of this album is based on a collaboration between Arcana and Atelier(s) Alfonso Femia. The cover is the projection in scale of some structural elements that identify some of their major projects such as the Marseille Docks (2015) where the words and the selection of texts transform the North facade of the building into a piece of art dedicated to the city and its identity.
La veste grafica di questo disco nasce dalla collaborazione di Arcana con Atelier(s) Alfonso Femia. La copertina è la proiezione in scala di alcuni elementi strutturali che permettono l’identificazione di alcuni dei suoi progetti principali come i Docks di Marsiglia (2015) dove le parole e la scelta dei testi trasformano la facciata Nord dell’edificio in un’opera d’arte dedicata alla città e all’identità del luogo.
Alfonso Femia Architect and co-founder of 5+1 agency and 5+1AA which transforms into Atelier(s) Alfonso Femia in 2017. He combines design with an intense research activity connected to the theme of dialog as a project tool and matter as an empathic dimension of architecture. The research of dialog takes shape in 2014, when he creates “500x100”, a place where dialog occurs through physical encounter: glances and words which generate reflections, connections and thoughts on the cities. He has been a visiting professor in numerous international seminars and a Professor at KSU Kent State University of Florence and at the University of Ferrara. He has won numerous international prizes such as the Silver Lion at the Venice Biennale with the New Cinema Palace of Venice project; the Chicago Athenaeum for best global project in 2011 with “Horizontal Tower”. At the 2016 MIPIM in Cannes the “Marseille Docks” wins first prize as “Best shopping center”. In 2017 the “Dallara Motorsport Academy” project wins as “Best future project” at the Abb Leaf Awards in London and at the Iconic Awards in Munich the New BNL-BNP Paribas headquarters in Rome and the Marseille Docks win the prize as “Best of the Best Architecture”.
Alfonso Femia Architetto e socio fondatore di 5+1 e 5+1AA che nel 2017 prende il nome e la forma di Atelier(s) Alfonso Femia. Affianca alla progettazione una intensa attività di ricerca legata al tema del dialogo come strumento di progetto e della materia come dimensione empatica dell’architettura. La ricerca del dialogo prende forma quando nel 2014 fonda “500x100”, uno spazio per il dialogo attraverso l’incontro fisico: sguardi e parole che incontrandosi generano riflessioni, connessioni, pensieri sulle città. È stato visiting professor in numerosi seminari internazionali e professore presso la Kent State University di Firenze e presso l’Università di Ferrara. Vince numerosi premi internazionali tra cui il Leone d’argento alla Biennale di Venezia con il progetto per il Nuovo Palazzo del Cinema; The Chicago Athenaeum per il miglior progetto globale 2011 con la “Torre Orizzontale”. Al MIPIM di Cannes 2016 i “Docks di Marsiglia” si aggiudicano il premio come miglior edificio commerciale al mondo. Nel 2017 il progetto di “Dallara Motorsport Academy” vince agli Abb Leaf Awards di Londra il premio come Best Future Project e agli Iconic Awards di Monaco il progetto per la Nuova Sede BNL-BNP Paribas di Roma e i Docks di Marsiglia si aggiudicano il premio come “Best of the Best Architecture”.
www.5piu1aa.com
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