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Questions of genre by Cliff Eisen
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For such well-known pieces — Eine kleine Nachtmusik counts among the most popular of all Mozart’s works and the divertimentos K136-138 among his most successful early chamber music — it is surprising that both are problematic, at least in some respects. For it has never been exactly clear exactly what kinds of works they are: are they chamber music or orchestral, are they “serious” or “light”, and to what category do they belong? The dates when they were composed are not in question: K525 was completed by Mozart on 10 August 1787, while he was at work on the second act of Don Giovanni; K136-138 were written in 1772 (as Mozart wrote on his autograph scores), in Salzburg, between the first and second trips to Italy. Neither work, however, has an unequivocal title. Shortly after completing K525, Mozart entered it in the catalogue of his own works that he had started in February 1784: Eine kleine NachtMusick, bestehen in einem Allegro, Menuett and Trio. — Romance. Menuett and Trio, and Finale. — 2 Violin, Viola e Baßi. Probably this reflects the work’s function as evening entertainment — Nachtmusik is not a normal title for a work at this time in Vienna. And the fact that Mozart uncharacteristically goes on to describe it in detail as “consisting of an Allegro, Menuett and Trio — Romance. Menuett and Trio and Finale,” suggests that Nachtmusik by itself does not say much about the style or substance of the work. By the same token, Divertimento, at least as it was used in the early 1770s, had no fixed implications for style, number of movements, or scoring. Rather it was a catch-all term that was generally used for soloistic ensemble music, whether a piano sonata, a keyboard trio,
Cliff Eisen is Professor of Music History at King’s College London. His research concerns Mozart, performance practice and music of the late eighteenth-century. He is co-author, with Stanley Sadie, of New Grove Mozart (2001) and coeditor, with Simon P. Keefe, of The Cambridge Mozart Encyclopedia (2006). He recently published an Italian-language edition of the Mozart family letters (Milan: Il Saggiatore, 2019) and an edition of the letters of Cole Porter (London: Yale University Press, 2019).
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Luigi Piovano and the Archi di Santa Cecilia in the Cavea of the Auditorium Parco delle Musica in Rome
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a string quintet or any other work that we now call “chamber music.” And sometimes it was used for orchestral music as well. Even beyond the works’ ambiguous titles, the uncertainty of their scoring, certainly for K136-138, further confuses the issue. On his autograph Mozart writes “Violini / Viole / Baßo.” Why the plural “violas”? And what exactly does “Baßo” mean, solo violoncello, solo double bass, or possibly both? It is possible that “Viole” has no particular significance: even as late as the string quartets K575 and K590, both of which are unequivocally scored for a solo viola, Mozart wrote “Viole.” “Baßo” on the other hand was a term somewhat like “Divertimento”: it did not indicate a particular scoring but served instead to indicate the “bass part” generally. As such it was compatible with a scoring of solo violoncello, solo double bass, both instruments or even one or both with continuo. It was not until the 1780s or so that composers precisely indicated the scoring of the bass part, in the same fashion that it was not until the 1780s that composers regularly titled works “Quartet” or “Quintet” instead of “Divertimento.” Accordingly, the exact scoring of K136-138 is not certain. In the case of Eine kleine Nachtmusik the scoring is certain, the somewhat ambiguous “Bassi” of his thematic catalogue notwithstanding: in the score itself Mozart clearly labels the parts “2 Violini,” “Viola,” “Violoncello” and “Contrabasso.” But this also begs the question, is Eine kleine Nachtmusik in fact a string quintet? And with respect to K136-138, are they really string quartets? And this is the real problem with both K525 and K136-138: exactly what kinds of works are they? It is tempting to hear in K136-138 something “different” from a string quartet. After all, they seem to display neither the presumed intimacy of the genre nor consistently to distinguish chamber music gestures — such as an equality of parts — from the broader, less individualized gestures typical of orchestral music. Yet to hear them this way is to miss the point. Not all string quartets of the time were intimate works characterized by a high degree of musical sophistication. Some, generally known as quatuors brillants, were essentially works for solo violin and accompaniment, almost concerto-like though small-scale. And others, generally known as quatuors concertants, were characterized by antiphonal statements of motivic material passed from one instrument to the next, so that each has his say in turn. A third type of quartet made little distinction between what later came to be thought of as orchestral and chamber styles: the only significant difference between them was the size of the ensemble. A case in point is Leopold Mozart’s Symphony VII:A1. Composed in four parts, it circulated in Salzburg as a symphony but elsewhere as a quartet. By and large, then, style
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or gesture did not always define genres or fix scorings and the message of the music was communicated largely by the venue, the circumstances or motivations for a performance, and the size of the ensemble and the quality of the performance. In light of this, there is no reason to think that K136-138 are generically odd or unusual: their title, scoring and style are entirely consistent with other similar works of the time, all of which fall into the broad category of one-to-a-part chamber music — without or with continuo. The style of the works themselves is similarly mixed, including features of both Italian and German music. Mozart had only recently returned from his first trip to Italy where, among other music, he became acquainted with Italian string quartets and even composed his first essay in the genre, K80. This may account for the basic textural disposition towards two melody instruments and bass, a common feature of Italian music at the time. The frequent contrapuntal gestures and diversions to foreign keys, however, are German and typical of not only of chamber music but of orchestral music as well: such gestures can be heard, for example, in three symphonies composed by Mozart about the same time, K132, 133 and 134. Typically Mozartean, on the other hand, are numerous novel textural gestures, such as the pizzicato accompaniment in the development section of the first movement of K136 or the upper strings in octaves and thirds in the Andante of the same work. And, as always, Mozart’s heightened sensibility shines through in his slow movements, including K136 and above all the Andante of K138, which strikes an intimate note that goes beyond that in his other early quartets.
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Eine kleine Nachtmusik, by the same token, should probably count as a string quintet even though it differs in style from Mozart’s other Viennese quintets, all of which approximate the modern chamber-music style, with equality of parts and an abundance of sophisticated musical textures and gestures. The scoring in five parts is telling and some other quintets composed in Vienna at the time have equally unusual scorings, not always the two violins, two violas and violoncello of K515, K516, K593 and K614.There is some doubt, too, whether Mozart conceived Eine kleine Nachtmusik in the first instance as an organic whole, or whether it wasn’t cobbled together from a variety of movements conceived along similar lines but not necessarily originally intended for each other. Mozart’s autograph is somewhat unusual: instead of the usual collection of folios and bifolios, following one on another, movement to movement, the autograph of Eine kleine Nachtmusik is made up of individual folios and bifolios, mostly one or two each to any particular movement, with the next starting a new folio. The one exception is the final rondo, which begins on the backside of the minuet and trio; but even here Mozart has exceptionally paginated the rondo separately from the rest of the work. And there is, of course, the question of the missing minuet and trio. For although Mozart’s thematic catalogue clearly describes a piece in five movements, only one minuet and trio survives, following the Romance; presumably then, it is the first minuet and trio that is lost. In any case, the inclusion of two minuets and trios already sets Eine kleine Nachtmusik apart from Mozart’s other quintets, all of which are cast in four movements. And like K136-138, it straddles the line between orchestral and chamber music gestures — not only in the famous unison opening (compare the opening unison gesture of K138) but also in its structural and gestural forthrightness and its generally lighter character. It nevertheless occasionally touches on styles and ideas more common to Mozart’s more serious chamber music of the time: there is a canonic dialogue between the first violin and bass in the passionate C minor section of the Romance — which in its sectional construction has the feel of a set of variations — and contrapuntal writing in the coda to the finale, which also includes an unexpected central detour from D to the distant key of E-flat major and unexpected recurrences of the main theme, more as if it were a rondo than a sonata form.
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Fragen der Gattungszugehörigkeit von Cliff Eisen
Bei so berühmten Stücken (Eine kleine Nachtmusik ist zweifellos eines der populärsten Werke Mozarts, und die Divertimenti KV 136-138 gehören zu den erfolgreichsten Kammermusikwerken seiner Jugend) überrascht es, dass sie - zumindest von gewissen Blickwinkeln aus - alle problematisch sind, denn es war nie klar, zu welchem Genre sie gehören: Handelt es sich um Kammer- oder Orchestermusik, um „seriöse“ oder „leichte“ und welche Kategorie betrifft sie? Der Entstehungszeitpunkt der Kompositionen steht nicht in Frage: Mozart vollendete die Serenade KV 525 am 10. August 1787, während er am zweiten Akt von Don Giovanni arbeitete; die Divertimenti KV 136-138 entstanden 1772 (wie Mozart selbst im Autograph schreibt) in Salzburg zwischen der ersten und der zweiten Reise nach Italien. Keine dieser Kompositionen weist aber einen unmissverständlichen Titel auf. Kurz nach Fertigstellung der Serenade KV 525 fügte Mozart sie folgendermaßen in den Werkkatalog ein, den er im Februar 1784 zu verfassen begonnen hatte: Eine kleine NachtMusick, bestehen in einem Allegro, Menuett und Trio. — Romance. Menuett und Trio, und Finale.— 2 Violini, Viola e Baßi. Dies zeigt vermutlich die Funktion des Stücks als abendliche Unterhaltung, denn Nachtmusik ist für eine Wiener Komposition jener Zeit kein üblicher Titel. Und die Tatsache, dass Mozart sie auf unübliche Weise detailliert als „bestehend aus einem Allegro, Menuett und Trio — Romance, Menuett und Trio und Finale“ beschreibt, lässt vermuten, dass „Nachtmusik“ nicht ein Titel an sich ist, der viel über Stil und Gehalt des Stücks aussagt. Auch „Divertimento“ implizierte (zumindest in der Bedeutung, die es in den frühen 1770-er Jahren Cliff Eisen ist Professor für Musikgeschichte am King‘s College London. In seiner Forschung beschäftigt er sich mit Mozart sowie der Aufführungspraxis und der Musik des späten 18. Jahrhunderts. Er schrieb zusammen mit Stanley Sadie den Band New Grove Mozart (2001) und ist Mitherausgeber von The Cambridge Mozart Encyclopedia (2006, mit Simon P. Keefe). Vor Kurzem veröffentlichte er eine italienischsprachige Ausgabe der Briefe der Familie Mozart (Mailand: Il Saggiatore, 2019) und eine Ausgabe der Briefe von Cole Porter (London: Yale University Press, 2019).
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hatte) keine strengen Regeln hinsichtlich des Stils, der Anzahl der Sätze oder der Orchestrierung. Es handelte sich eher um einen allgemein verwendbaren Ausdruck, der in Bezug auf unterschiedliche Arten von Solo- oder Ensemblemusik wie Klaviersonaten, Streichertrios oder -quintette bzw. jede andere Komposition, die wir heute als „Kammermusik“ bezeichnen, zur Anwendung kam und manchmal auch für Orchestermusik verwendet wurde. Auch einmal abgesehen von der Zweideutigkeit der Titel trägt die Unsicherheit über die Orchestrierung im Falle der Divertimenti KV 136-138 sicherlich dazu bei, die Frage zu komplizieren. Mozart schreibt auf seinem Autograph „Violini / Viole / Baßo“. Warum verwendet er den Plural „Bratschen“? Und was genau bedeutet „Baßo“? Solocello, Solokontrabass oder vielleicht beide? Es kann sein, dass „Bratschen“ keine besondere Bedeutung hat, denn auch bei den Streichquartetten KV 575 und KV 590, die beide zweifelsfrei für nur eine Bratsche gedacht sind, schreibt Mozart „Bratschen“. Auf der anderen Seite war „Baßo“ ein irgendwie dem „Divertimento“ ähnlicher Ausdruck, denn er zeigte keine spezielle Orchestrierung an, sondern definierte allgemein die „Bassstimme“. Als solcher konnte der Ausdruck das Solocello, den Solokontrabass, beide Instrumente bzw. eines der beiden oder beide mit dem Continuo meinen. Erst nach den 1780-er Jahren benannten die Komponisten ihre Arbeiten mit dem üblichen „Quartett“ oder „Quintett“ anstelle von „Divertimento“. Die tatsächliche Orchestrierung der Divertimenti KV 136-138 ist somit nicht gesichert. Trotz der zweideutigen Angabe „Bässe“ im Themenkatalog ist die Besetzung der Kleinen Nachtmusik klar,, denn Mozart gibt in der Partitur die Stimmen genau an: „2 Geigen“, „Bratsche“, „Cello“ und „Kontrabaß“. Das wirft aber auch eine Frage auf: Ist Eine kleine Nachtmusik also ein Streichquintett? Und was die Divertimenti KV 136-138 anbelangt, handelt es sich wirklich um Streichquartette? Genau dieses Problem werfen die Serenade KV 525 und die Divertimenti KV 136-138 eigentlich auf: Um welche Werkgattung handelt es sich hier tatsächlich? Man ist versucht, in KV 136-138 etwas hineinzuhören, das sich von Streichquartetten unterscheidet. Schließlich scheinen sie weder die angebliche Intimität des Genres aufzuweisen noch sich durch kammermusikalische Merkmale (z.B. die Gleichwertigkeit der Stimmen), deutlich von den allgemeineren und weniger individaualisierten Gesten zu unterscheiden, wie sie für die Orchestermusik typisch. Die Beurteilung aus diesem Blickwinkel bedeutet aber, dass die Frage nicht erfasst wurde. Nicht alle damaligen Streichquartette waren introspektive, von hoher musikalischer Komplexität gekennzeichnete Arbeiten. Einige davon, die im allgemeinen als quatuor brillant bekannt sind, waren im Wesentlichen für Solovioline und Begleitung gedachte
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Kompositionen, fast in Konzertform, wenn auch in kleinerem Maßstab. Andere, im Allgemeinen als quatuor concertant bekannt, waren durch eine antiphonische Struktur gekennzeichnet, in der das Motiv von einem Instrument zum nächsten überging, sodass jedes von ihnen abwechselnd zu Wort kam. Eine dritte Quartettart machte keinen großen Unterschied zwischen dem, was später als orchestraler bzw. kammermusikalischer Stil betrachtet wurde; der einzige bedeutsame Unterschied zwischen ihnen bestand in der Größe des Ensembles. Ein Fall dieser Art ist die Sinfonia VII:A1 von Leopold Mozart. Das vierstimmig komponierte Werk galt in Salzburg als sinfonia, anderswo als Quartett. Im Allgemeinen definierten Stil und Merkmale nicht immer maßgebend Genres oder Orchestrierungen. Diese wurden meist von dem Ort, an welchem die Musik gespielt würde, von den Umständen oder vom Anlass, von der Größe des Ensembles und der Qualität der Wiedergabe beeinflusst. Deshalb gibt es keinen Grund zu der Annahme, dass die Divertimenti KV 136-138 ungewöhnliche oder unübliche Kompositionen sind.Titel, Orchestrierung und Stil entsprechen anderen ähnlichen Arbeiten von damals, die alle zur umfangreichen Kategorie der mit einfach besetzten Stimmen gespielten Kammermusik gehören, mit oder ohne Continuo. Der Stil selbst dieser Stücke ist ebenfalls eine Mischung, welche die Besonderheiten der italienischen wie der deutschen Musik beinhaltet. Mozart war erst kurz zuvor von seiner Italienreise zurückgekehrt, wo er zusammen mit anderen musikalischen Formen mit dem italienischen Streichquartett vertraut wurde und sogar seine erste Probe in diesem Genre abgelegt hatte (KV 80). Dies mag die grundlegende strukturelle Ausrichtung auf zwei Melodieinstrumente und Bass erklären, ein gängiges Merkmal der damaligen italienischen Musik. Die häufigen kontrapunktischen Gesten und Ausweichungen in weit entfernte Tonarten sind allerdings typisch deutsche Charakteristika nur für Kammer-, sondern auch für Orchestermusik. Diese Merkmale finden wir beispielsweise in den drei Sinfonien KV 132, 133 und 134, die Mozart fast zur selben Zeit schrieb. Typisch für Mozart sind auf der anderen Seite zahlreiche strukturelle Kunstgriffe wie die Pizzikatobegleitung in der Durchführung des ersten Satzes des Divertimentos KV 136 oder die hohen Streicher für Oktaven und Terzen im Andante desselben Stücks. Und wie immer wird Mozarts große Sensibilität in den langsamen Sätzen deutlich, einschließlich dem von KV 136, und am deutlichsten im Andante von KV 138, das einen höheren Grad von Intimität erreicht als in seinen anderen jugendlichen Quartetten.
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Auf dieselbe Weise müsste Eine kleine Nachtmusik wahrscheinlich zum Genre des Streichquintetts gehören, auch wenn sie sich stilistisch von den anderen Wiener Quintetten Mozarts entfernt, die sich durch die Gleichwertigkeit der Stimmen und die musikalische Komplexität dem modernen Kammermusikstil annähern. Die fünfstimmige Partitur ist bezeichnend, und einige andere in Wien komponierte Quintette haben damals ebenso ungewöhnliche Besetzungen, nicht immer zwei Violinen, zwei Bratschen und Violoncello wie in KV 515, KV 516, KV 593 und KV 614. Gleichfalls nicht sicher ist, ob Mozart Eine kleine Nachtmusik von Anfang an als organisches Ganzes konzipiert hat oder ob das Stück nicht aus verschiedenen in ähnlichem Zusammenhang geschriebenen Sätzen, die nicht notwendigerweise einer im Verhältnis zum anderen gedacht waren, zusammengesetzt wurde. Mozarts Autograph ist ziemlich ungewöhnlich, denn anstatt der üblichen Gesamtheit von aufeinanderfolgenden Blättern und Doppelblättern besteht es von Satz zu Satz aus losen Blättern und Doppelblättern, meist eines oder zwei für jeden einzelnen Satz, mit dem nächsten Satz zu Beginn eines neuen Blatts. Die einzige Ausnahme stellt das finale Rondo dar, das auf der Rückseite des Blatts mit Menuett und Trio beginnt Aber auch hier hielt Mozart auf unübliche Weise das Rondo vom Rest der Komposition getrennt Dann gibt es natürlich die Frage des fehlenden Menuetts und Trios. Obwohl Mozarts Themenkatalog nämlich klar ein fünfsätziges Stück beschreibt, ist nur ein Menuett und Trio nach der Romance überliefert; vermutlich ist also das erste Menuett und Trio verloren gegangen. Auf jeden Fall stellt das ursprüngliche Vorhandensein von zwei Menuetten und Trios Eine kleine Nachtmusik außerhalb der Gesamtheit der anderen Quintette, die alle viersätzig angelegt sind. Und wie die Divertimenti KV 136-138 vermittelt sie zwischen den für Kammer- bzw. Orchestermusik typischen Gesten, und zwar nicht nur im berühmten einleitenden Unisono (siehe gleichfalls das anfängliche Unisono des Divertimentos KV 138), sondern auch in der strukturellen Geradlinigkeit und in ihrem allgemein „leichten“ Charakter. Dennoch finden sich gelegentlich Anklänge an Stilelemente und Einfälle, die der „seriösen“ Kammermusik, die Mozart zur gleichen Zeit schrieb, näher stehen. Es handelt sich um einen Dialog in Kanonform zwischen der Ersten Geige und dem Bass im leidenschaftlichen Abschnitt in c-Moll der Romance (die in ihrem Aufbau in Abschnitten an eine Variationsfolge erinnert) und eine kontrapunktische Schreibweise in der Coda des Finales, die auch eine unerwartete Modulation aus der Tonart D-Dur in das entfernte Es-Dur einschliesst sowie eine unerwartete Rückkehr des Hauptthemas, mehr wie ein Rondo als eine Sonatenform.
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Questions de genre par Cliff Eisen
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Si l’on examine des compositions aussi célèbres de Mozart – sa Petite musique de nuit est sans aucun doute l’une des plus populaires, et les Divertimenti K. 136-138 comptent parmi ses ouvrages de jeunesse les plus renommés –, l’on découvre que toutes posent des problèmes, du moins d’un certain point de vue. En effet, l’on n’a jamais vraiment su à quel genre elles appartiennent: s’agit-il de musique de chambre ou orchestrale ? Sérieuse ou légère ? Dans quelle catégorie classer ces ouvrages ? Les dates de composition ne sont pas ici en question : Mozart complète sa Sérénade K. 525 le 10 août 1787, alors qu’il travaille au second acte de Don Giovanni ; il écrit les Divertimenti K. 136-138 en 1772 (comme il le précise sur la partition écrite de sa main) alors qu’il est à Salzbourg, entre son premier et son second voyage en Italie. Néanmoins, aucun de ces ouvrages ne présente un titre sans équivoque. Peu de temps après avoir achevé la Sérénade K. 525, Mozart l’inscrit au catalogue de ses œuvres qu’il a commencé à rédiger en février 1784 : Eine kleine NachtMusick, bestehen in einem Allegro, Menuett und Trio. — Romance. Menuett und Trio, und Finale. – 2 Violons, Alto et Baßi. Ceci reflète sans doute sa fonction de divertimento réservé aux soirées – Nachtmusik n’est pas un titre habituel pour un ouvrage viennois de cette époque. Et si Mozart le décrit minutieusement, ce qui n’est pas dans ses habitudes, en précisant qu’il « consiste en un Allegro, Menuet et Trio — Romance. Menuet et Trio et Finale », le titre de « Nachtmusik » ne dit cependant pas grand-chose quant au style et la substance de la composition. De la même façon, le « Divertimento » — du moins dans le
Cliff Eisen est professeur d’histoire de la musique au King’s College de Londres. Ses recherches portent sur Mozart, les pratique interprétatives et la musique de la fin du XVIIIe siècle. Il est co-auteur, avec Stanley Sadie, du New Grove Mozart (2001) et co-éditeur, avec Simon P. Keefe, de The Cambridge Mozart Encyclopedia (2006). Il a récemment publié une édition en italien des lettres de la famille Mozart (Milan, Il Saggiatore, 2019) et une édition des lettres de Cole Porter (Londres, Yale University Press, 2019).
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sens qui lui est donné au début des années 1770 — n’implique pas de normes rigides en matière de style, de nombre de mouvements ou d’orchestration. À l’époque, il s’agit plutôt d’un terme polyvalent que l’on utilise généralement pour la musique soliste ou d’ensemble, comme les sonates pour piano, les trios ou les quintettes de cordes, ou comme toute autre composition que nous appelons aujourd’hui « musique de chambre ». Par ailleurs, ce terme était aussi utilisé pour de la musique orchestrale. Abstraction faite de l’ambiguïté des titres, l’incertitude qui plane sur l’orchestration, notamment dans le cas des Divertimenti K. 136-138, contribue à brouiller la question. Sur son manuscrit, Mozart écrit « Violons / Altos / Baßo ». Pourquoi précise-t-il « altos » au pluriel ? Et que veut dire exactement « Baßo » ? Violoncelle seul, contrebasse seule, ou les deux instruments en même temps ? Il se peut que le terme « altos » n’ait pas de signification particulière, car dans le cas des quatuors pour cordes K. 575 et K. 590, tous deux composés sans l’ombre d’un doute pour un seul alto, Mozart écrit « Altos ». D’autre part, « Baßo » était un terme assez semblable à « Divertimento » : il n’indiquait aucune orchestration précise mais servait à définir d’une manière générale la « partie de la basse ». Ce terme pouvait indiquer le violoncelle seul, la contrebasse seule, les deux instruments ensemble, ou encore un des deux ou les deux avec la basse continue. Ce n’est qu’après 1780 que les compositeurs commencent à utiliser systématiquement les termes de « quatuor » ou « quintette » au lieu du « Divertimento ». En voie de conséquence, l’orchestration réelle des Divertimenti K. 136-138 demeure floue ; celle de la Petite musique de nuit, en revanche, ne l’est pas, malgré l’ambiguïté du terme «Basses» du catalogue thématique car Mozart, dans sa partition, indique clairement les parties : « 2 Violons », « Alto », « Violoncelle » et « Contrebasse ». Mais alors une question se pose : la Petite musique de nuit est-elle un quintette pour cordes? Et les Divertimenti K. 136-138 sont-ils réellement des quatuors pour cordes? Voilà le véritable problème que posent la Sérénade K. 525 et les Divertimenti K. 136138 : de quel genre de compositions s’agit-il exactement? Concernant ces derniers, l’on a été tenté d’y voir quelque chose de «différent» du quatuor pour cordes. Après tout, ils ne semblent ni présenter l’intimité présumée du genre, ni distinguer clairement les caractéristiques de la musique de chambre – comme par exemple l’uniformité des parties – de celles de la musique orchestrale, plus nombreuses et moins personnalisées. Néanmoins, juger ces compositions de ce seul point de vue nous fait oublier la ques-
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tion. Tous les quatuors pour cordes de l’époque n’étaient pas introspectifs et ne présentaient pas un degré élevé de complexité musicale. Certains, généralement dits quatuors brillants, étaient écrits essentiellement pour violon seul et accompagnement, presque en forme de concerto miniature. D’autres, dits quatuors concertants, se distinguaient par la structure de l’antienne, le motif passant d’un instrument à l’autre, de sorte que chacun d’entre eux prenait la parole à tour de rôle. Un troisième type de quatuor ne faisait pas une grande distinction entre ce qu’on allait par la suite appeler « musique orchestrale » et « musique de chambre », la différence majeure étant constituée par la dimension de l’ensemble. La Symphonie VII:A1 de Léopold Mozart est un exemple du genre. Formée de quatre parties, elle était présentée à Salzbourg comme symphonie, mais ailleurs comme quatuor. En définitive, style et caractéristiques ne définissaient donc pas toujours le genre ou l’orchestration ils étaient plutôt soumis à l’influence du lieu où l’on jouait la musique, aux circonstances ou à l’occasion, aux dimensions de l’ensemble et à la qualité de l’exécution. Par conséquent, il n’y a pas lieu de penser que les Divertimenti K. 136-138 sont des compositions insolites ou inhabituelles : le titre, l’orchestration et le style sont cohérents avec d’autres ouvrages de la même époque, tous afférents à la vaste catégorie de la musique de chambre – sans ou avec la basse continue. De même, le style de ces compositions est un mélange des caractéristiques des musiques italienne et allemande. En effet, Mozart était revenu depuis peu de son voyage en Italie où il s’était familiarisé, entre autres, avec le quatuor pour cordes italien, allant jusqu’à composer déjà sa première pièce du genre, le K. 80. Ceci peut expliquer, dans cette composition, l’emploi structurel de deux instruments mélodiques avec la basse, une particularité de la musique italienne de l’époque. Le fréquent recours à un procédé contrapuntique et à des modulations aux tonalités lointaines caractérise en revanche la musique de chambre et orchestrale allemande ; on retrouve ces aspects notamment dans les trois symphonies que Mozart écrit à peu près à la même période, K. 132, 133 et 134. D’autre part, les nombreux artifices structurels, comme l’accompagnement pizzicato dans le développement du premier mouvement du Divertimento K. 136, ou les cordes aigues pour octaves et tierces dans l’Andante du même ouvrage, sont typiquement mozartiens. Et comme toujours, la grande sensibilité de Mozart transperce dans les mouvements lents, y compris celui du K. 136 et par-dessus tout dans l’Andante du K. 138, dont le degré d’intimité dépasse celui de tous ses autres quatuors de jeunesse.
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De même, la Petite musique de nuit devrait sans doute appartenir au genre du quintette pour cordes, bien que son style s’écarte des autres quintettes viennois de Mozart, plus proches de celui de la musique de chambre moderne, en raison de l’équivalence des parties et de la complexité musicale. C’est ce que nous révèle la conception de l’ouvrage en cinq parties ; du reste, certains autres quintettes composés à Vienne pendant la même période présentent eux aussi des orchestrations inhabituelles, par rapport à celle des quintettes K.515, 516, 593 et 614, qui comprennent deux violons, deux altos et un violoncelle. De même, nous ne savons pas avec certitude si Mozart a conçu la Petite musique de nuit comme un ensemble organisé ou s’il a réuni plusieurs mouvements composés dans des contextes semblables, sans pour autant avoir été nécessairement pensés les uns en fonction des autres. Le manuscrit autographe de la Petite musique de nuit de Mozart est tout à fait insolite : au lieu d’être constitué de feuilles simples et doubles consécutives, mouvement après mouvement, il est composé de feuilles simples et doubles détachées, une ou deux par mouvement, chacun d’entre eux commençant au début d’une nouvelle feuille. Seule exception : le rondeau final commence au verso du feuillet du menuet et trio. Mais ici aussi, Mozart sépare bizarrement le rondeau du reste de la composition. Et puis il y a naturellement le problème du menuet et trio manquant. Bien que le catalogue thématique de Mozart mentionne clairement un ouvrage en cinq mouvements, un seul menuet et trio figure dans le manuscrit, après la Romance ; on en déduit donc que le premier menuet et trio a été perdu. Quoi qu’il en soit, la Petite musique de nuit se distingue des autres quintettes, tous conçus en quatre mouvements, en raison de la présence originelle des deux menuets et trios. À l’instar des Divertimenti K. 136-138, la composition combine les aspects de la musique de chambre et de la musique orchestrale, non seulement dans le célèbre unisson d’ouverture (cf. l’unisson initial du Divertimento K. 138) mais aussi dans la simplicité structurelle et dans son caractère généralement « léger ». Néanmoins, elle se ressent occasionnellement de tournures et d’idées plus proches de la musique de chambre « sérieuse » du Mozart de la même période : un dialogue en forme de canon entre le premier violon et la basse dans l’ardente section en do mineur de la Romance — dont structure en sections rappelle un ensemble de variations — et une écriture contrapuntique dans la coda du finale, qui comprend également une modulation inattendue de la tonalité du ré majeur à celle di mi bémol majeur, ainsi qu’une surprenante reprise du thème principal, comme un rondeau plutôt que comme une forme sonate.
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Questioni di genere di Cliff Eisen
Nel caso di brani così celebri – Eine kleine Nachtmusik è tra le opere di Mozart senz’altro una delle più popolari, e i Divertimenti K. 136-138 si annoverano tra i suoi lavori cameristici giovanili di maggior successo – è sorprendente che siano tutti problematici, almeno da certi punti di vista. Non è infatti mai stato chiaro a quale genere essi appartengano: si tratta di musica da camera o orchestrale, “seria” o “leggera”, e a quale categoria afferisce? Le date di composizione non sono in questione: la Serenata K.525 fu completata da Mozart il 10 agosto 1787, mentre questi lavorava sul secondo atto del Don Giovanni; i Divertimenti K. 136-138 furono composti nel 1772 (come Mozart stesso scrive sulla partitura autografa), a Salisburgo, tra il primo e il secondo viaggio in Italia. Nessuno di questi lavori, tuttavia, presenta un titolo inequivocabile. Poco dopo aver completato la Serenata K. 525, Mozart la inserì così nel catalogo delle sue opere che aveva iniziato a stilare nel febbraio 1784: Eine kleine NachtMusick, bestehen in einem Allegro, Menuett und Trio. — Romance. Menuett und Trio, und Finale. — 2 Violini, Viola e Baßi. Ciò probabilmente riflette la funzione di intrattenimento serale del pezzo – Nachtmusik non è un titolo consueto per un lavoro viennese di quel periodo. E il fatto che Mozart, in modo non usuale, lo descriva dettagliatamente come “consistente in un Allegro, Menuett e Trio – Romance. Menuett e Trio e Finale”, suggerisce che “Nachtmusik” non è in sé stesso un titolo che dice molto sullo stile e la sostanza del brano. Allo stesso modo, “Divertimento”, almeno nell’accezione che aveva nei primi anni Settanta del Settecento, non implicava rigide norme quanto allo stile,
Cliff Eisen è docente di Storia della Musica al King’s College di Londra. La sua attività di ricerca riguarda Mozart, la prassi esecutiva e la musica del tardo Settecento. È coautore, con Stanley Sadie, del New Grove Mozart (2001) e curatore, con Simon P. Keefe, di The Cambridge Mozart Encyclopedia (2006). Recentemente ha pubblicato un’edizione in italiano delle Lettere della famiglia Mozart (Milano: Il Saggiatore, 2019) e un’edizione delle lettere di Cole Porter (London: Yale University Press, 2019).
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al numero dei movimenti o all’orchestrazione. Esso era piuttosto un termine polivalente, generalmente adoperato per musica solistica o d’ensemble, come sonate per pianoforte, trii o quintetti d’archi, o come ogni altro lavoro che oggi chiamiamo di “musica da camera”. E talvolta esso era anche usato nel caso di musica orchestrale. Anche a prescindere dall’ambiguità dei titoli, l’incertezza sull’orchestrazione, certamente nel caso dei Divertimenti K. 136-138, contribuisce a confondere la questione. Sul proprio autografo, Mozart scrive “Violini / Viole / Baßo”. Perché usa il plurale “Viole”? E cosa significa esattamente “Baßo”? Violoncello solo, contrabbasso solo, o forse entrambe le cose? È possibile che “Viole” non abbia una rilevanza particolare: anche nel caso dei quartetti per archi K. 575 e K. 590, entrambi senza dubbio pensati per una sola viola, Mozart scrive “Viole”. “Baßo”, dall’altro lato, era un termine In qualche modo simile a “Divertimento”: non indicava una particolare orchestrazione ma serviva invece a definire genericamente la “parte del basso”. Come tale il termine poteva indicare il violoncello solo, il contrabbasso solo, entrambi gli strumenti, oppure uno dei due o entrambi con il basso continuo. Fu solo dopo gli anni Ottanta del Settecento che i compositori intitolarono di norma i loro lavori “Quartetti” o “Quintetti” invece che “Divertimenti”. Dunque l’effettiva orchestrazione dei Divertimenti K. 136-138 non è sicura. Lo è invece quella di Eine kleine Nachtmusik, nonostante l’ambigua dicitura “Bassi” del catalogo tematico; nella partitura stessa Mozart indica infatti chiaramente le parti: “2 Violini”, “Viola”, “Violoncello” e “Contrabasso”. Ciò però fa sorgere anche una domanda: Eine kleine Nachtmusik è dunque un quintetto per archi? E quanto ai Divertimenti K. 136-138, si tratta davvero di quartetti per archi? Questo è il vero problema posto sia dalla Serenata K. 525 sia dai Divertimenti K. 136138: esattamente di che genere di lavori si tratta? In questi ultimi si è tentati di vedere qualcosa di “diverso” dal quartetto per archi. Dopo tutto essi non sembrano mostrare la presunta intimità del genere, né distinguere in modo sensibile le caratteristiche della musica da camera – ad esempio l’uniformità delle parti – da quelle ampie e meno individualizzate tipiche della musica orchestrale. Tuttavia, giudicarli da quest’angolazione significa non cogliere la questione. Non tutti i quartetti per archi dell’epoca erano lavori introspettivi caratterizzati da un alto grado di complessità musicale. Alcuni, generalmente noti come quatuors brillants, erano lavori concepiti essenzialmente per violino solo e accompagnamento, quasi In forma dl concerto seppur in scala ridotta. Altri, generalmente noti come quatuors concertants, erano
Italiano
caratterizzati da una struttura antifonale in cui il motivo passava da uno strumento all’altro, in modo tale che ognuno di essi, a turno, aveva diritto di parola. Una terza tipologia di quartetto non distingueva troppo tra quelli che in seguito sarebbero stati considerati il modus orchestrale e il modus cameristico: l’unica significativa differenza tra loro era costituita dalla dimensione dell’ensemble. Un caso del genere è rappresentato dalla Sinfonia VII:A1 di Leopold Mozart. Composta in quattro parti, essa circolò a Salisburgo come sinfonia, altrove come quartetto. Generalmente, dunque, stile e caratteristiche non sempre definivano normativamente generi o orchestrazioni; questi erano per lo più influenzati dal luogo in cui la musica veniva eseguita, dalle circostanze o dall’occasione, dalle dimensioni dell’ensemble e dalla qualità dell’esecuzione. Pertanto, non c’è motivo di pensare che i Divertimenti K. 136-138 siano composizioni inconsuete o inusuali: il titolo, l’orchestrazione e lo stile sono coerenti con altri lavori simili dell’epoca, tutti afferenti all’ampia categoria della musica da camera — senza o con il basso continuo. Lo stile stesso di tali brani è, parimenti, una mescolanza, che include le specificità della musica italiana e di quella tedesca. Mozart infatti solo di recente aveva fatto ritorno dal suo viaggio in Italia dove, tra le altre forme musicali, aveva preso confidenza con il quartetto per archi italiano ed addirittura aveva composto il suo primo saggio nel genere, il K. 80. Ciò può ben spiegare, in questa composizione, l’uso strutturale di due strumenti melodici col basso, un tratto peculiare della musica italiana coeva. L’uso frequente di una condotta contrappuntistica e di modulazioni ai toni lontani è invece di matrice tedesca, tipico non soltanto della musica da camera ma anche di quella orchestrale: tali caratteristiche si possono ritrovare, per esempio, nelle tre sinfonie composte da Mozart quasi nello stesso periodo, le K. 132, 133 e 134. Tipicamente mozartiani, d’altro canto, sono numerosi artifici strutturali come l’accompagnamento pizzicato nello sviluppo del primo movimento del Divertimento K. 136, o gli archi acuti per ottave e terze nell’Andante dello stesso brano. E, come sempre, la grande sensibilità di Mozart si palesa nei suoi movimenti lenti, incluso quello del K. 136, e più di tutti nell’Andante del K. 138, che raggiunge un grado di intimità superiore a quello degli altri suoi quartetti giovanili. Eine kleine Nachtmusik, allo stesso modo, dovrebbe probabilmente appartenere al genere del quintetto per archi, anche se stilisticamente si discosta dagli altri quintetti vien-
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nesi di Mozart che si avvicinano allo stile cameristico moderno, per equivalenza delle parti e per complessità musicale. Lo rivela la concezione in cinque parti, e del resto alcuni altri quintetti composti a Vienna nello stesso periodo presentano anch’essi orchestrazioni non usuali, rispetto a quella con due violini, due viole e violoncello dei quintetti K. 515, 516, 593 e 614. Non è altresì certo se Mozart abbia concepito fin dall’inizio Eine kleine Nachtmusik come un tutto organico, oppure se il brano non sia stato invece messo insieme a partire da vari movimenti composti in contesti analoghi, ma non necessariamente pensati in rapporto l’uno con l’altro. L’autografo di Mozart è alquanto insolito: invece del consueto insieme di fogli e bifogli consecutivi, di movimento in movimento, l’autografo di Eine kleine Nachtmusik è composto da fogli e bifogli sciolti, per lo più uno o due per ogni singolo movimento, con il movimento successivo all’inizio di un nuovo foglio. L’unica eccezione è rappresentata dal rondò finale, che inizia sul verso del foglio del minuetto e trio; ma anche qui Mozart, in modo inconsueto, ha impaginato il rondò separatamente dal resto del lavoro. E poi, naturalmente, c’è la questione del minuetto e trio mancante. Benché infatti il catalogo tematico di Mozart descriva chiaramente un pezzo in cinque movimenti, soltanto un minuetto e trio è pervenuto, dopo la Romance; presumibilmente, dunque, è il primo minuetto e trio ad essere andato perduto. In ogni caso, la presenza originaria di due minuetti e trii pone già Eine kleine Nachtmusik al di fuori dell’insieme degli altri quintetti, che sono tutti concepiti in quattro movimenti. E come i Divertimenti K. 136-138, essa media tra le modalità della musica cameristica e quelle della musica orchestrale, non soltanto nel celebre unisono di apertura (si veda del pari l’unisono iniziale del Divertimento K. 138), ma anche nell’immediatezza strutturale e nel suo carattere generalmente “leggero”. Tuttavia essa risente occasionalmente di stilemi e di idee più vicini alla musica cameristica “seria” composta da Mozart nello stesso periodo: un dialogo a canone tra il primo violino e il basso nell’appassionata sezione in do minore della Romance – che nella sua struttura a sezioni richiama un insieme di variazioni – e una struttura contrappuntistica nella coda del finale, che include anche un’inaspettata modulazione dalla tonalità di re maggiore a quella lontana di mi bemolle maggiore, oltre ad un’inattesa ricorrenza del tema principale, come un rondò più che come una forma sonata.
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Mario Giacomelli, Presa di coscienza sulla natura, 1980
Mario Giacomelli (1925-2000)
English
Mario Giacomelli was born in Senigallia in the Marche on 1 August 1925. In 1964 MOMA in New York purchased the photographs he shot at Scanno, a village in Abruzzo, and a number of prints from the collection “I do not have hands that caress my face” (also known as the “Pretini”, or “young priests”) that capture life in a catholic seminary. Giacomelli’s output also consists of photographic series that express his artistic vision in relation to international poetry: works of tragic beauty in black and white that verge on the poetry of Emily Dickinson, Pablo Neruda, Leonie Adams and Jorge Luis Borges. From 1950 through to 1999 he also photographed landscapes unceasingly, seeking in them the archetypical signs of human history as it repeats itself, unchanging, since the origins of time. st
Deutsch
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Mario Giacomelli wurde am 1. August 1925 in Senigallia in der Region Marken geboren. 1964 wurde der Fotograf durch eine Ausstellung im MOMA in New York in die Riege der Meister aufgenommen; das Museum erwarb seine Fotos aus Scanno, einer Stadt in den Abruzzen, und einige Werke aus der Serie „Io non ho mani che mi accarezzino il volto” [Ich habe keine Hände, die mein Gesicht liebkosen] (auch bekannt als „Pretini“ [kleine Priester]), in der das Leben in einem Priesterseminar dargestellt wird. Sein Schaffen gliedert sich in Fotoserien, in denen der Blick des Künstlers in enger Beziehung zu internationalen Gedichten steht. Schwarz-Weiß-Werke von tragischer Schönheit verbinden sich mit Gedichten von Emily Dickinson, Pablo Neruda, Leonie Adams und Jorge Luis Borges. Von den 1950-er Jahren bis 1999 fotografierte Giacomelli ununterbrochen Landschaften, in denen er die archetypischen Zeichen der Menschheitsgeschichte fand, die sich von Anfang an ohne Veränderung wiederholt.
Français
Mario Giacomelli naît à Senigallia, dans les Marches, le 1 août 1925. En 1964, le MOMA de New York le consacre comme maître, achetant ses photographies prises à Scanno, une ville de la région des Abruzzes, et quelques œuvres de la série « Io non ho mani che mi accarezzino il volto » (“Je n’ai pas de mains qui me caressent le visage” ; série également connue sous le titre « Pretini », “Petits prêtres”), consacrée à la vie dans un séminaire épiscopal. Sa production est divisée en séries photographiques qui racontent la vision de l’artiste en étroite relation avec la poésie internationale, des œuvres en noir et blanc d’une beauté tragique se rapprochant de la poésie d’Emily Dickinson, de Pablo Neruda, de Leonie Adams, de Jorge Luis Borges. Des années 1950 jusqu’en 1999, Giacomelli n’a cessé de photographier les paysages, dans lesquels il a trouvé les signes archétypaux de l’histoire humaine qui se répètent, immuables, depuis l’origine. er
Italiano
Mario Giacomelli nasce a Senigallia, nelle Marche, il primo agosto del 1925. Nel 1964 il MOMA di New York lo consacra come maestro, acquistando le sue fotografie scattate a Scanno, paese abruzzese, e alcune opere della serie “Io non ho mani che mi accarezzino il volto” (nota anche come “Pretini”), la vita in un seminario vescovile. La sua produzione si divide in serie fotografiche che raccontano la visione dell’artista in stretto rapporto con la poesia internazionale, opere in un bianco e nero di tragica bellezza si accostano alla poesia di Emily Dickinson, di Pablo Neruda, di Leonie Adams, di Jorge Luis Borges. Dagli anni ’50 fino al 1999, Giacomelli fotografò senza sosta il paesaggio, in cui ritrovava i segni archetipici della storia umana che si ripete, immutevole, dall’origine.
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English
ARCHI DI SANTA CECILIA
Founded in 1908, the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia was the first orchestra in Italy to focus exclusively on symphonic music. Since Sir Antonio Pappano took over as Musical Director in 2005, the orchestra has greatly gained in prestige, obtaining widespread international recognition. The Archi di Santa Cecilia and Luigi Piovano have been working together since 2013, when their first concert featuring music by Schubert in Rome was described as a «clamorous success» by Luigi Bellingardi in the Corriere della Sera newspaper. From the following year, their concert schedule expanded to include numerous eminent concert venues throughout Italy as well as a busy recording program. Devoted to Schubert, their first CD met with widespread acclaim in the international press and was followed by the Serenades of Dvořák and Tchaikovsky, by “Cinema for Strings” with music by Rota, Morricone and Piovani, and now by this Mozart recording.
LUIGI PIOVANO
Principal cellist with the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, he obtained his diploma at the age of 17 with Radu Aldulescu. He has given concerts of chamber music with musicians such as Sawallisch, Chung, Pollini, Lonquich, Sitkovetsky, Kavakos and the Labeque sisters. Since 2007 he has played regularly in a duo with Antonio Pappano. As a soloist he has performed under the baton of Chung, Nagano and Pletnev. Since 2012 he has been musical director of the Orchestra della Magna Grecia, and since 2013 has led the Archi di Santa Cecilia.
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Deutsch
Das Orchester der Accademia Nazionale di Santa Cecilia, das seit 1908 besteht, war das erste in Italien, das sich ausschließlich dem sinfonischen Repertoire widmete. Seit Sir Antonio Pappano 2005 die Position des musikalischen Leiters übernahm, hat sich das Renommee des Orchesters außerordentlich positiv entwickelt und es erhielt wichtige internationale Auszeichnungen. Die Archi di Santa Cecilia und Luigi Piovano verbindet eine kontinuierliche Zusammenarbeit, seit sie 2013 in Rom bei ihrem Debütkonzert mit Musik von Schubert ihren ersten „großen Erfolg“ erzielten (so Luigi Bellingardi im „Corriere della Sera“). Seit 2014 wird die Konzerttätigkeit auf große italienische Konzertinstitutionen ausgedehnt, parallel dazu findet eine intensive Aufnahmetätigkeit statt: Auf die Debüt-CD, die Schubert gewidmet ist und von der internationalen Presse sofort mit Begeisterung aufgenommen wurde, folgten die Serenaden von Dvořák und Tschaikowsky, „Cinema for Strings“ mit Musik von Rota, Morricone und Piovani, und nun das vorliegende Mozart-Album. Luigi Piovano ist Erster Solocellist des Orchesters der Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Er schloss sein Studium mit 17 Jahren bei Radu Aldulescu ab und gab Kammermusikkonzerte mit Künstlern wie Sawallisch, Chung, Pollini, Lonquich, Sitkovetsky, Kavakos und den Schwestern Labèque. Seit 2007 spielt er in einem festen Duo mit Antonio Pappano. Als Solist trat er unter der Leitung von Chung, Nagano und Pletnev auf. Seit 2012 ist er musikalischer Leiter des Orchestra Magna Grecia, und seit 2013 leitet er die Archi di Santa Cecilia.
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Français
ARCHI DI SANTA CECILIA
L’Orchestre de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, actif depuis 1908, fut le premier en Italie à se consacrer exclusivement au répertoire symphonique. Depuis que Sir Antonio Pappano a pris le poste de directeur musical, en 2005, le prestige de l’Orchestre a connu un essor extraordinaire, obtenant les plus importantes reconnaissances internationales. Les Archi di Santa Cecilia et Luigi Piovano collaborent régulièrement depuis le « succès retent issant » (Luigi Bellingardi, Corriere della Sera) obtenu à Rome en 2013 par le premier concert consacré Schubert. Depuis 2014, l’activité de concert s’est étendue aux grandes institutions de concert italiennes, en plus d’une intense production de disques : le premier CD, dédié à Schubert et immédiatement accueilli avec enthousiasme par la presse internationale, a été suivi par des Sérénades de Dvořák et Tchaïkovski, puis de Cinema for Strings, avec la musique de Rota, Morricone et Piovani, et maintenant ce disque Mozart.
LUIGI PIOVANO
Premier violoncelle solo de l’Orchestre de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, il obtient son diplôme à 17 ans avec Radu Aldulescu. Il a donné des concerts de musique de chambre avec des artistes tels que Sawallisch, Chung, Pollini, Lonquich, Sitkovetsky, Kavakos, les sœurs Labeque. Depuis 2007, il joue régulièrement en duo avec Antonio Pappano. En tant que soliste, il a joué sous la direction de Chung, Nagano, Pletnev. Depuis 2012, il est directeur musical de l’Orchestre de la Magna Grecia et, depuis 2013, il à la tête des Archi di Santa Cecilia.
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Italiano
L’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, attiva dal 1908, è stata la prima in Italia a dedicarsi esclusivamente al repertorio sinfonico. Da quando, nel 2005, Sir Antonio Pappano ne ha assunto la carica di Direttore Musicale il prestigio dell’Orchestra ha avuto uno slancio straordinario, ottenendo i più importanti riconoscimenti internazionali. Gli Archi di Santa Cecilia e Luigi Piovano collaborano stabilmente dal «successo clamoroso» (Luigi Bellingardi, «Corriere della Sera») ottenuto a Roma nel 2013 al concerto di debutto con musiche di Schubert. Dal 2014 l’attività concertistica s’è estesa alle maggiori istituzioni concertistiche italiane, affiancata parallelamente da un’intensa produzione discografica: al CD di debutto, dedicato a Schubert e subito accolto con entusiasmo dalla stampa internazionale, sono seguite le Serenate di Dvořák e Čajkovski, “Cinema per Archi”, con musiche di Rota, Morricone e Piovani, e ora questo disco mozartiano. Primo violoncello solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, si è diplomato a 17 anni con Radu Aldulescu. Ha tenuto concerti di musica da camera con artisti come Sawallisch, Chung, Pollini, Lonquich, Sitkovetsky, Kavakos, le sorelle Labeque. Dal 2007 suona stabilmente in duo con Antonio Pappano. Come solista ha suonato sotto la direzione di Chung, Nagano, Pletnev. Dal 2012 è direttore musicale dell’Orchestra della Magna Grecia e dal 2013 è alla testa degli Archi di Santa Cecilia.
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Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Divertimenti – Eine kleine Nachtmusik
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Divertimento in D major K. 136 (125a) (Salzburg, 1772) 01. Allegro 02. Andante 03. Presto Divertimento in B-flat major K. 137 (125b) (Salzburg, 1772) 04. Andante 05. Allegro di molto 06. Allegro assai Divertimento in F major K. 138 (125c) (Salzburg, 1772) 07. Allegro 08. Andante 09. Presto Serenade in G major “Eine kleine Nachtmusik” K. 525 (Wien, 1787) 10. Allegro 11. Romance (Andante) 12. Menuetto (Allegretto) 13. Rondo (Allegro)
05:44 07:55 03:32 07:23 03:12 03:02 04:58 05:42 01:54 05:22 05:27 01:47 04:52 Total time 60:55
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Archi di Santa Cecilia Luigi Piovano, conductor first violin Elena La Montagna Paolo Piomboni Barbara Castelli Silvana Dolce Margherita Ceccarelli Fiorenza Ginanneschi second violin Ingrid Belli Giovanni Galvani Cristina Puca Brunella Zanti Svetlana Norkina
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viola Raffaele Mallozzi David Bursack Carla Santini Sara Simoncini cello Roberto Mansueto Matteo Bettinelli Giuseppe Scaglione double bass Antonio Sciancalepore Simona Iemmolo
ARCHI DI SANTA CECILIA – LUIGI PIOVANO MORRICONE PIOVANI ROTA Cinema per Archi A 440 1 CD
30 TCHAIKOVSKY DVOŘÁK Serenades A 457 1 CD
Recording dates: 15-17 February 2019 Recording location: Rome, Auditorium Parco della Musica, Sala Coro Producer: Fabio Framba Sound engineer and editing: Fabio Framba Concept and design: Emilio Lonardo Layout: Mirco Milani Images – digipack Cover picture: Mario Giacomelli, Presa di coscienza sulla natura, 1980 ©Simone Giacomelli Images – booklet Page 3: Archi di Santa Cecilia, October 2019 Page 11: Luigi Piovano, October 2019 Pages 5, 14, 28: Luigi Piovano and the Archi di Santa Cecilia during the concert held in the Sala Sinopoli of the Auditorium in Rome, prior to the recording, 13 February 2019 ©Musacchio, Ianniello & Pasqualini Page 21: Mario Giacomelli, Presa di coscienza sulla natura, 1980 ©Simone Giacomelli Translations: German: Eva Pleus — French: Cécile Viars — Italian: Donatella Buratti ℗2020 / ©2020 Outhere Music France Co-produced by Accademia Nazionale di Santa Cecilia and Outhere Music France
ARCANA is a label of OUTHERE MUSIC FRANCE 31, rue du Faubourg Poissonnière — 75009 Paris www.outhere-music.com www.facebook.com/OuthereMusic
Artistic Director: Giovanni Sgaria
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