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Consejo Editorial: Salvador Almenar, Eduardo Almiñana, Toni Martínez. Colaboradores: Juan Facundo Veiga, Alberto Sanchís Costa, Adrián Hernán de Sales y Edgar Baño de Murcia.

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‘Fragments’ sense censura al Castell

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Mes de pallassos i rialles a Xirivella

12 Mislata puja el teló del teatre amateur 20

Espais de repressió franquista

Fotografía de Portada: Elena Sariñena.

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http://www.flickr.com/photos/mundosparalelos http://elenaphoto.carbonmade.com

Entrevista a Santiago Roncagliolo

29 Carmen Amoraga, finalista del Planeta

Contacto: redaccion@elmetropolita.com eduardo@elmetropolita.com toni@elmetropolita.com salva@elmetropolita.com Calle Convento de Santa Clara número 12-B, piso 6, puerta B. 46002 (València) Teléfono: 96 352 42 48 Móvil: 651 79 56 21

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Baile y percusión con Mayumana

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La Pulquería presenta nuevo disco

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Los videojuegos se estrenan en otoño

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Un té con Dave McKean

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Entre vigilia y sueño cinematográfico

Edición digital y recursos web: www.elmetropolita.com

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La tele que nos deja; la tele que llega

Departamento comercial: publicidad@elmetropolita.com

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Retrato de Keke Vilabelda

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¿Para qué sirven los partidos?, A. Muñoz

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L’honor de la sangonera, Ignasi Muñoz

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Country, country?, country!, J.Sahuquillo

Edita: El Metropolità ediciones Imprime: Fernando Gil S.A. Depósito Legal: V-4620-2008 El Metropolità ediciones S.C.P no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores.

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EDITORIAL Bienvenido Mister Sancho En ocasiones el personaje se come a la persona, cuando eso sucede se hace muy difícil el diálogo y el intercambio de opiniones. Algo así le pasa a Pepe Sancho, otrora José Sancho, que su personaje aparentemente artítisco se ha logrado tragar al excelente actor que fue y que no cabe duda que sigue siendo. Pepe Sancho siempre se jacta de no tener pelos en la lengua y de no casarse (políticamente) con nadie, algo muy loable si no fuese cuestionable ya que, parece, que los pelos siempre evitan las mismas opiniones y sí mantiene un largo noviazgo con el PP de Francisco Camps, tan un curioso escarceo amoroso/sexual (siempre metafórico, ojo) con el entonces molt honorable Eduardo Zaplana. Pero todo se perdonaba, cada uno es como es. El caso es que la gota que ha colmado el vaso, y la paciencia, ha sido las declaraciones contra los actores profesionales valencianos que, si bien él no las toma como tal, algo debe haber cuando la profesión se ha sentido atacada. “Valencia vive una buena situación teatral”, ha dicho Pepe Sancho. Además, ha dado lecciones teatrales asegurando que el actor debe arriesgarse y no vivir eternamente de la teta de las subvenciones. Y lo ha dicho así tan tranquilamente, aunque las cifras hablen por sí solas… La Generalitat ha reducido casi la mitad su presupuesto para las ayudas teatrales, el Circuit Teatral se tambalea, salas como el antiguo Espai Moma o el Teatro de los Manantiales agonizan… ¿se podría hablar de un buen momento sin sonrojarse? Para Pepe Sancho sí. Hace algunos años que trabaja asiduamente en producciones valencianas de primera fila (primera fila llena de políticos y servidumbre, se entiende) como el fiasco económico que fue Bienvenido, Míster Marshall, un fiasco que las malas lenguas estiman en un millón de euros por representación, por suerte solo hubo dos. También ha participado en las películas subvencionadas por José Antonio Escrivà y como director de Enrique IV. ¿Qué hay de la teta ahora? Por estas situaciones y por algún exceso dialéctico, los actores valencianos no pueden dejar de cantarle ese ‘Bienvenido Mister Sancho’, deseando que pase de largo por estas tierras. Y es que alguna vez deberíamos aprender que ejercer de valencianía no se puede limitar a hacer una paella en Madrid de vez en cuando para que se derrita la crema de la intelectualidad. Claro, así nos va.

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Tardor teatral a l’Auditori Torna el teatre a l’Auditori amb la programació de dos espectacles molt diferentes i un cicle per als més xiquets. Teatre del gran és el que presenta la companyia La línea continua que presentarà l’obra La señorita Julia, de August Strindberg el dissabte 6 de novembre des de les 22:30 hores. Estem davant d’una obra de teatre que tracta la manifestació emocional de l’ésser humà davant de les passions, perquè August Strindberg ha aconseguit, amb aquesta peça naturalista, crear tres personatges que per mitjà de les seues experiències s’acosten d’una manera tangible al públic, amb un text mesurat i calculat, on es reflecteix una “lluita de cervells” obsessionats per comprendre l’espai, per ser els amos dels seus actes i de les decisions dels altres. Amb La señorita Julia el públic podrà descobrir una forma de fer, viure i transmetre el teatre, a través d’una posada en escena creada i construïda des de la recerca d’un equilibri emocional i plàstic. Perquè el director Jorge Affranchino ha emprat en el seu treball una metodologia que es fonamenta en la creativitat de l’actor, en el compromís estètic amb la música, l’escenografia i la il·luminació, on persegueix el seu afany de trobar el camí que li permeta estar prop de la bellesa. A banda d’aquesta actuació coral, el dissabte 23 d’octubre serà el torn de Joaquín Reyes i els seus monòlegs. L’humorista tindrà una posada en escena amb un estil propi i despreocupat, amb poca vergonya i que amb la sinceritat, la naturalitat dels gestos i l’accent manxec fa dels seus monòlegs un lloc íntim on no hi ha cabuda per a cap tipus de prejuís. L’espectacle porta un fil conductor en què ens mostra la cara més humil al parlar-nos de les coses rutinàries i dels actes impulsius en situacions peculiars i llocs distints en moments de la seua vida. El Metropolità Octubre-Novembre 2010


Audrey Hepburn versus Júlia Roberts? Els divendres són de cine, és el dia, o millor dit la nit, de les celebrities i ho és, i ho serà al llarg del mes de novembre a les 22:00 hores. Cada divendres trobarem un duel entre dos de les millors i més estimades actrius hollywoodienses, cadascuna a la seua època: Audrey Hepburn i Julia Roberts. Començarà el cicle el 5 de novembre amb la projecció de la pel·lícula Vacaciones a Roma, un clàssic entre els clàssics de 1953 amb Gregory Peck d’acompanyant i que va guanyar tres Oscar, Una setama després li donarà resposta la ‘novia d’Amèrica’ amb Pretty Woman, el filme que la va llançar a l’estrellat amb Richard Gere com a parella de luxe. El 19 de novembre vorem Sabrina de la Hepburn de 1954 i acabarà el mes amb la projecció de Notting Hill de Júlia Roberts. Tot i que el cicle continuarà al mes de gener, a finals de novembre ja podríem triar quina de les dos deeses es digna de portar el nostre cor.

Els Picasso de la ‘Suite Vollard’ de Bancaixa s’exposen a l’EMAT L’EMAT acull una exposició titulada Suite Vollard, de Pablo Picasso, procedent de les col·leccions de Bancaixa, fins el 28 de novembre. L’esplèndida col·lecció de gravats del pintor malagueny Picasso, coneguda com a Suite Vollard (1930-1937) és una de les sèries més importants de tota la història de l’art, només comparable en qualitat i extensió a les realitzades anteriorment per Rembrandt i Goya. Pren el seu nom del marxant Ambroise Vollard per a qui va gravar Picasso estos cobres. Esta sèrie, realitzada entre setembre i juny de 1936, i ara en mans de Bancaixa, consta de cent gravats executats amb diverses tècniques com a burí, punta seca, aiguafort i aiguatinta al sucre. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Els ‘Fragments d’un any’ al Castell El Castell d’Alaquàs ha programat la mostra de fotoperiodisme ‘Fragments d’un any’ de la Unió de Periodistes Valencians, retirada al mes de març del MuVIM de València per un pressumpte acte de censura que va provocar la eixida del museu del seu director Romà de la Calle després d’un enfrontament amb el poder polític. Es tracta d’una mostra que recopila el treball realitzat durant l’any 2009 pels fotoperiodistes i que a través de les imatges plasmades pretén reivindicar la importància d’aquest treball professional. La mostra romandrà ubicada al Castell d’Alaquàs fins el 6 de novembre i es podrà contemplar en l’horari del monument: de dilluns a dissabte de 10 a 14 hores i de 17 a 21 hores. Una de les instantànies que forma part de l’exposició. CARLES FRANCESC/EL PAÍS.

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Cinema en valencià cada dijous

XVI Cicle de Concerts de Tardor

Aquest mes s’enceta un nou Cicle de Cinema en Valencià per promocionar l’ús de la llengua i que es projectarà este mes, els dijous a les 20 hores a la Sala la Xemeneia del Castell d’Alaquàs amb entrada lliure. El Cicle s’iniciarà el proper dijous 21 d’octubre amb la pel·lícula Precious dirigida per Lee Daniels. La segona pel·lícula del cicle, L’Escriptor, es projectarà el dijous 28 d’octubre. El cicle continuarà el 11 de novembre amb Covards, de José Corbacho i Juan Cruz i el dijous 25 de novembre amb L’Ona.

Com cada any Alaquàs acull un dels seus eixos principals de la programació cultural, el Cicle de Concerts de Tardor. Una iniciativa que es realitza durant els mesos d’octubre i novembre per difondre i conservar la música antiga i valenciana. Els concerts combinen actuacions de formacions locals amb la música generada per altres grups de la geografia valenciana i són interpretats en lloc emblemàtics de la ciutat.

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Teatre italià abans de l’aniversari El proper 5 de desembre el teatre Tama celebra el seu huitè aniversari, però abans, ha preparat una programació teatral on l’escena italiana tindrà molt a dir. Així el diumenge 7 de novembre, a les 18.00 hores Quelli di Grock presenta la seua darrera producció Senzacoda. Mentre gaudix de les vacances d’estiu, un xiquet descobrix, un dia, en una cala de difícil accés, una xiqueta misteriosa. Al llarg dels seus furtius encontres, naix entre els dos una forta amistat i tota una sèrie de malentesos, que posaran en perill els seus sentiments, fins que ella li confessa el seu gran secret. El 26 de novembre es presentarà l’obra La Carta de l’actor italià Paolo Nani. Es tracta d’un espectacle de teatre gestual sense text, però molt divertit on l’actor repetix la mateixa història, recreant-la de 15 maneres completament diferents. Un timing còmic amb originals gags i amb molta complicitat amb el públic.

El Centre Matilde Salvador presenta el “Mirall Obert” La integració, la implicació i la participació de la ciutadania en general i dels joves en particular, és una de les màximes en les que dia a dia treballa en Centre Matilde Salvador d’Aldaia. Baix l’eslògan de “Mirall Obert”, els joves podran gaudir d’una sèrie de concerts musicals, ball i monòlegs a càrrec de grups musicals o humoristes locals, que oferiran una programació dinàmica i entretinguda per a les nits dels caps de setmana del proper trimestre. Al llarg d’estos tres mesos, els concerts de Comunity Dj’s, Konfussion, Criatures, Immerals, els monòlegs del grup d’humor “Mir i Mor”, són algunes de les propostes lúdiques de les que la ciutadania podrà gaudir a partir de aquest cap de setmana per a fomentar la implicació i la participació de la ciutadania. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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La cita anual con los payasos y el clown La 17 edición de la Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella toca ya a las puertas de los amantes del clown. Del 2 al 14 de noviembre, las narices rojas tomarán las calles y plazas de Xirivella y las convertirán en un lugar idóneo y excepcional para disfrutar de algunos de los mejores espectáculos de payasos del panorama internacional. En esta edición la Mostra ofrecerá espectáculos de compañías de Polonia, Estados Unidos, Argentina, Bélgica, Francia y España, a las que se sumarán como cada año las actividades paralelas como el concurso de clowns, la Mostreta para los más pequeños, el partido de Basquetclown a favor de la paz y la no-violencia y la exposición “Circus”, una muestra colectiva de jóvenes artistas valencianos sobre el circo y el clown, así como un curso gratuito de iniciación al clown para los vecinos de la localidad. No hay que olvidar que la Mostra de Pallassos de Xirivella es solidaria y siempre destina una parte de la recaudación a diferentes organizaciones no gubernamentales. Para su inauguración oficial la Mostra ofrecerá Krosny con Ireneusz Krosny (Polonia, un actor cómico que se ganó la fama en su país con un programa propio de televisión y no ha pasado desapercibido en EEUU donde recibió el Premio de la Crítica de la Revista Chicago Reader). Por su parte, la clausura será a cargo de Avner The Eccentric, de EEUU, con su espectáculo Exxceptions to Gravity. Avner the Eccentric está considerado uno de los clowns más grandes de todos los tiempos. El showman Manolo Carambolas también participará en esta edición de la Mostra.

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programación oficial

Seis espectáculos componen la programación de este certamen internacional que, con 16 ediciones a sus espaldas El Metropolità Octubre-Novembre 2010


se ha convertido ya en un referente en el panorama clown. La primer de las compañías que se subirán al escenario en Xirivella será la valenciana Serpentina Teatro. Así, el sábado 6 de noviembre a las 12 de la mañana en el centro comercial Gran Turia pondrá en escena su espectáculo Alicia en el país de las mandarinas. Una historia que se presenta de una manera idónea para explotar diversos aspectos de la locura y el desbarajuste inherente al mundo del clown delante de la mirada sin prejuicios de una niña. Por la noche serà el turno del polaco Ireneusz Krosny, un genio de la mímica y un virtuoso de la comedia que presenta su espectáculo Krosny. Al Teatre Auditori Municipal a les 22:30 hores. Precio, 6 euros. Desde Argentina, Los Estrambóticos llegarán a Xirivella el domingo 7 para presentar Olímpicos, un espectáculo que nos transportará al mundo de los Juegos Olímpicos. Con su particular visión de la realidad, veremos como estos Rococó Bananas, de los franco-catalanes Los excéntricos. personajes estelares se esfuerzan al máximo para conseguir su meta: ser el número uno. Coreografías de acrobacia, carreras de monociclos, combates surrealistas de boxeo, malabares con raquetas o juegos participativos, son algunos de los números que se podrán ver en este espectáculo que mezcla teatro gestual, circo y humor. A las 12:30, en la plaza de San Enrique. Entrada gratuita. En la sesión vespertina, la compañía franco-catalana Los excéntricos forman un trío atípico que renueva la figura del clown gracias a su poética. Su espectáculo Rococó Bananas es un musical en la línea de la gran tradición del barroco y del excéntrico, de la bofetada y del tempo loco, donde caídas, bofetadas y platos rotos se suceden a un ritmo frenético. En el Auditorio municipal en sesión doble a las 17:30 y 19:30. Precio, 4 euros. Muy cerca, en los Jardines del Ayuntamiento, los belgas Circ Hula ofrecerán para todos los vecinos de Xirivella la representación de su espectáculo Tornavic. En él, los espectadores disfrutarán de una sucesión de números de magia, circo y payasos. La cita es a las 18:30 horas y la entrada, gratuita. Completa la programación oficial de esta edición de la Mostra el espectáculo Greenkirikííí!!!, de los catalanes Los Greenchichón. Esta obra, que se representará en la plaza de l’Alqueria Nova, cuenta la historia de una familia peculiar, única y anómala. Una protuberancia verde adorna sus cabezas. Un signo de distinción artístico: Green Chichón. Un gallo y tres chichones verdes, un bajo, una trompeta y un saxófono, dos farolas, dos ventanas y un telón. Circo y Humor para toda la familia. La representación, el viernes 12 a las 18:30 horas con entrada gratuita para los asistentes. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Setmanes molt teatrals al ‘Vila’ Mislata ha donat la benvinguda al concurs de teatre amateur ‘Vila de Mislata’. Cada divendres fins al 17 de desembre, onze companyies de teatre de la Comunitat Valenciana competiran per alçar-se amb el guardó d’aquest prestigiós certamen que, amb la d’enguany, arriba a la seua 28ª edició. Així l’associació teatral Resta(+) presentarà al Vila de Mislata Jocs perversos, una versió lliure basada en Quartet, de Müller. El dia 22 serà el torn d’aquest drama inspirat en la famosa obra del dramaturg alemany. Per a posar punt i final al primer mes del certamen, el grup Teatre Universitari d’Alacant pujarà a l’escenari mislater amb l’obra Morir [o no], de Sergi Belbel. Aquest muntatge és un treball salvatge i ambiciós que tracta de la vida i de la mort; de la mort accidental que podria evitar-se i que és la que ens provoca ràbia. Serà el dia 29 d’octubre. Dins de la programació del mes de novembre, la companyia Perros daneses serà l’encarregada de representar l’obra Gossos de Llum. Es tracta d’una versió del conegut dramaturg valencià Paco Zarzoso del text Fin de partida, de Samuel Beckett, que reflecteix unes vides que respiren les cendres dels seus passats i consumeixen tota eixa brutícia de la lògica. Aquest joc de sentiments es podrà veure el 5 de novembre. Altra companyia de València ciutat arriba el dia 12 al Vila de Mislata. És el cas de SevillaDénia Teatre. L’obra representada serà L’augment; una proposta argumental que es repeteix persistentment i que amb ligeres variacions dona lloc a diferents alternatives en el desenvolupament de la dramatúrgia. La segona companyia de Paterna programada per a aquest any ens presenta Joc a la punta del moll. L’argument preparat per Teatro Acaso es desenvolupa al moll, a la mitjanit d’una nit d’estiu. Aquesta còmedia negra està programada per al 19 de novembre. El mes s’acabarà el dia 26 amb Nascuts culpables que arreplega els testimonis reals sobre persones que, fins a hui, patixen les conseqüències de la “història anònima”. Ells ens conten, senzillament, les seues vides, són fills i nets d’antics nazis que, d’una forma o altra, participaren en el genocidi, obra dels riberencs PasImatge de l’obra Morir [o no], de Sergi Belbel. seig-Teatre i escrita per Peter Sichrovsky.

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Torna un quart de nit Trobar una possibilitat d’oci nocturn. Eixe és l’objectiu que any enrere any es marquen els joves de ‘Quart de Nit’. Es tracta d’una proposta d’activitats d’oci nocturn que van més enllà d’anar-se’n de copes i que tenen molt bona aceptació entre la joventut. Les diferentes activitats es realitzen a Quart de Poblet els caps de setmana i en elles podem trobar una gran varietat de tallers, esports i activitats culturals. A més, totes les activitats es realitzen en uns espais salutdables on el entorn no està viciat pel consum que es pot encontrar en altres espais d’oci nocturn. La nit de Halloween serà el punt de partida d’aquestes activitats que s’allargaran fins que acabe 2010. Des de setembre de l’any 2006 l’associació ‘Imagina’t Altre Món’ ha sigut l’encarregada de desenvolupar aquest programa d’oci alternatiu. Podeu consultar la programación a www.quartdenit.es

Un viaje al departamento de Morazán El 20 de octubre, a partir de las 19:30 el Centro Cultural Casino acoge la presentación de Ninguna Champa en Morazán. Se trata de un documental que narra las historias cruzadas de tres personas que nos introducen en el mundo de la cooperación en El Salvador. La película muestra el día a día de las gentes del departamento de Morazán, haciendo hincapié en las condiciones de vida tan extremas que soportan. El documental permite a los espectadores acompañar a los representantes de la ONGD Terra Pacífico hasta este remoto lugar frente a la frontera con Honduras, y observar, bien de cerca, cómo se trabaja en estrecho contacto con la población local. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Teatre del bó per partida doble El món del teatre arriba a Picanya amb la representació de dos obres de qualitat per a tots els públics i a l’abast de totes les butxaques. Així el divendres 29 d’octubre a les 23:00 hores, Els Flaquibutti presenten l’espectacle Atrapados. Els entranyables pallassos Sonata i Traslucido, immersos en una aventura plena d’equívocs, emocions, dificultats i solucions descabellades, ens presenten una tendra i divertida història que inclou tècniques circenses, malabars, equilibris, ... En Atrapados, un príncep que buscava l’amor fon encisat per una bruixa i convertit en un pallasso. Sols es trencarà l’encanteri si una persona li dona un bes d’amor mentre representa el seu espectacle junt a la seua companya Sonata. Al mes següent, el 28 de novembre, a les 19:00 hores Paco Zarzoso arribarà amb l’Hongaresa Teatre i la seua obra El alma se serena. Aquesta comèdia es situa en la València actual, a l’històric Barri del Cabanyal. Els seus protagonistes són els darrers habitants d’una finca a punt de ser derruïda i que intenten salvar de l’especulació immobiliària entre sorolls de grues, traques i motors de Fórmula 1. Tres personatges a punt de ser desnonats, víctimes de les polítiques d’una ciutat que finalment ha donat l’esquena als seus ciutadans més desprotegits. I com a epíleg està prevista la visió de Zero responsables escrita per P. Zarzoso i Begoña Tena. Amdues obres tenen un preu de 4 a 6 euros i es podran vore al Teatre Centre Cultural de Picanya.

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Una dècada fent cultura Enguany el Museu del Rajolar commemora el seu 10 aniversari i per això presenta l’exposició permanent ampliada i millorada. D’ací fins a que acabe l’any seran molt les propostes expositives. Una d’elles és arribarà el 10 de novembre i estarà dos setmanes, és el Premi de Cartells de Caja Madrid 2006, una mostra que arreplega els treballs premiats i seleccionats per l’entitat bancària i on es fa una reflexió sobre l’assetjament escolar. Una altra exposició rellevant arribarà el 29 de novembre sota el títol de Enfoques. Las imágenes del sur, una mostra itinerant sobre la realitat dels països del sud i de la necessitat de treballar per un món més just. Abans, del 28 d’octubre a l’11 de novembre s’exposarà una sel·lecció d’imatges d’Ivan Huerta que va fer en immersions realitzades des de les nostres costes fins als atolons de les illes Maldives.

El Rajolar ya tiene sala de lectura

Concert de Metal·lia

A finales del mes de septiembre se inauguró la sala de lectura del Rajolar. Esta nueva infraestructura que permitirá a los vecinos copnectarse a Internet, se ha construido en el lugar donde se secaban los ladrillos que dan nombre al Museo; por eso, su estructura simula esta antigua nave que existía junto al actual edificio del Museo. El centro de lectura podrá tener en verano otros usos culturales más recreativos.

El dissabte 6 de novembre a les 22:30 hores es presentarà a Paiporta Metal·lia en concert. Es tracta d’un projecte musical creat a partir de músics dels pobles del voltant com Catadau, Llombai, Alfarp, Carlet, Benimodo, Oliva i Sellent, i que naix per la necessitat d’interpretar música, creant una atmòsfera sonora particular creada a partir dels instruments de vent metall. El preu de l’entrada és de 3 euros.

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Del arte de Toulouse-Lautrec... El arte de Henri Toulouse-Lautrec se da cita en el Centro Cultural Tívoli hasta el 9 de noviembre en un merecido homenaje al cartelista francés. Diseñadores para un mito. Homenaje a Toulouse-Lautrec es el nombre de la muestra de uno de los grandes artistas del siglo XIX; muestra que podrá visitarse de lunes a viernes en horario de 9 a 21 horas y los fines de semana de 16 a 21 horas. Además, los interesados tendrán la posibilidad de realizar visitas de grupo concertando la misma a través del 96 316 06 30. Asimismo, todos los días a las 19 horas se harán visitas guiadas. Artista que consiguió sorprender a sus contemporáneos “por su capacidad de percepción y su habilidad para retratar lo cotidiano”, años después de su muerte, Lautrec sigue siendo referencia para los creadores de la actualidad. Por este motivo, la Fundación La Caixa ha querido recuperar su obra, sus carteles para el deleite de todos. La muestra está dividida en dos ámbitos, “en el primero de ellos se podrán ver los carteles contemporáneos que hacen referencia a la personalidad del artista y a toda la iconografía que le rodea. Bombín negro, bastón y las numerosas apariencias bajo las que Toulouse-Lautrec se dejó fotografiar, han servido como fuente de inspiración a los diseñadores gráficos en su homenaje a este artista”. En el segundo, los visitantes podrán encontrar “los carteles basados en el mundo del espectáculo y la noche parisina”, tales como el conocido Moulin Rouge. Toulouse-Lautrec “revolucionó el lenguaje del diseño gráfico, aportó al cartelismo los colores planos y la perspectiva de la estampa japonesa y utilizó la tipografía poniéndola en relación con las ilustraciones de forma sorprendentemente rica e imaginativa”, tal y como explican desde la propia exposición.

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... al arte más contemporáneo La Casa de Cultura de Burjassot inauguró el pasado 14 de octubre la muestra Artistainvitartista, una exposición colectiva que nace del proyecto conjunto entre la Red Nomade de España y el Art Formz de Miami. La exposición se podrá contemplar de 9 a 21 horas de lunes a viernes hasta el 29 de octubre. Esta nueva muestra que va a albergar la Sala A de este espacio municipal es una exposición en la que se pueden contemplar “las recientes producciones de un grupo de artistas plásticos contemporáneos de la Comunitat Valenciana, junto a sus pares de Miami”, tal y como señala Cristina Ghetti, comisaria de la exposición en España. No en vano, la muestra se va a presentar en Burjassot para viajar el próximo año a Estados Unidos. En la misma se podrán contemplar trabajos que abarcan técnicas diversas como fotografías, instalación, pinturas o dibujos.

Regresa la Escuela de Pensamiento Crítico Este 21 de octubre, la Escuela de Pensamiento Crítico de Burjassot inicia un nuevo ciclo de conferencias con la participación de Ignacio Ramonet en el Centro Cultural Tívoli. En su edición de 2010-2011 se abordará el tema de las utopías como eje transversal de reflexión y diálogo. ‘Nuevas utopías para un mundo mejor’ es la idea general a partir de la cual, diversos pensadores e intelectuales invitados hilarán sus clases magistrales, en forma de conferencia. A través de sus conocimientos y de sus reflexiones, enmarcarán las utopías como los motores perfectos del necesario cambio que precisan las sociedades actuales, desde diversos ámbitos, economía, ecología, ciencia, política, desarrollo etc… El Metropolità Octubre-Novembre 2010

El segundo intelectual invitado, cuya conferencia tendrá lugar el 4 de noviembre, es Bernard Cassen que basará su conferencia en la economía y las utopías. El 18 de noviembre, la Escuela de Pensamiento Crítico traerá hasta Burjassot a Esteban Beltrán, de Aministia Internacional que abordará su discurso sirviéndose del binomio Derechos Humanos y utopías. Las conferencias continuarán el 2 de diciembre con la llegada del italiano Paolo Groppo que abordará el tema de las utopías relacionado con la Tierra. Finalmente, se cerrará este ciclo de conferencias, el 16 de diciembre, con la participación de Enrique Yeves que abordará el tema Igualdad y Utopías.

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De Lisístrata a Miguel Hernández La compañía Paspartú Teatro presenta en el Teatro Capri el sábado 13 de noviembre a las 22:30 horas la obra de teatro Lisístrata. ¿Podemos parar las guerras? ¿Debemos intentar pararlas? Lisístrata se hizo estas preguntas. Y más. Y lo intentó. Y lo consiguió a través de un razonamiento muy simple y a la vez muy revolucionario: “si la guerra es cosa de los hombres, el dar placer se nos ha adjudicado a las mujeres. Pues no obtendrán éste si no firman la paz”. Una revuelta femenina de este estilo aún hoy sería impensable y es que... ¿seríamos capaces de entender a Lisístrata y a las mujeres que le apoyaron? Antes, el sábado 23 de octubre, a las 22:30 horas, habrá un homenaje en el mismo Teatre Capri a Miguel Hernández con Poemas de amor, trinchera y prisión. Allí encontraremos la esencia pura de la poesía del poeta de Orihuela; sin aditivos, sin efectismos. El texto original, proyectado en las voces de Carmen Belloch y Vicente Quintana refleja como un espejo la emoción, la pasión y el sentimiento, la rabia, el sufrimiento y el coraje del poemario hernandiano. La selección de “poemas de amor, de trinchera y prisión” realizada por Consol Soler, es además un testimonio vivo del escenario histórico en que fueron escritos.

Premios Semana de la Movilidad

El Circo Gran Fele s’exposa

Lucía de Cózar ha sido la ganadora del concurso de Fotografía celebrado con motivo de la IV Semana de la Movilidad.

El Gran Teatre Antonio Ferrandis acull l’exposició “El Circo Gran Fele”, de Vicente Cervera que es podrà visitar del 4 i fins al 30 de novembre. Com explica el director del circ, Rafael Pla, “el circ em dóna la possibilitat d’imaginar, de jugar a ser Déu, de crear, la màgia, el poder de les mil i una nits, el coneixement… acostarse al cercle màgic”. I tot això es pot vore a la mostra del teatre.

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La Nau exposa els espais de la dura repressió franquista Amb l’exposició ‘Cartografies silenciades. Espais de repressió franquista’, La Nau pretén donar visibilitat als espais més emblemàtics de la repressió franquista: camps de concentració, colònies penitenciàries militaritzades i espais on hi va haver afusellaments massius durant la Guerra Civil espanyola i la postguerra. Aquesta exposició recull prop de 70 fotografies de l’artista i professora Ana Teresa Ortega. Els llocs, que es presenten tenen hui dia altres usos i pràcticament en la majoria no queden vestigis del que van ser. De fet, molts han desaparegut i no solen haver-hi plaques que els facen memòria. El projecte es troba contextualitzat amb documents d’arxius relatius al funcionament dels camps, el seu reglament, les normatives, els plànols, els mapes i les fotografies dels presoners de guerra procedents d’arxius diversos. En Cartografies silenciades. Espais de repressió franquista es mostren els llocs més importants habilitats com a presons de tot el país, així com les instal·lacions valencianes més significatives que van obrir el 1939 i van servir eventualment com a espais de repressió franquista. Per exemple, la plaça de bous de València va ser durant uns mesos habilitada com a camp de classificació de presoners i el convent de Santa Clara de la ciutat o la biblioteca de Sant Miquel dels Reis van ser camps de concentració. També hi apareixen, per exemple, el convent de la Mercè de Borriana, que va ser fins al 1942 la segona presó més important de Castelló, i el camp de concentració d’Albatera (Alacant), que va ser un dels més durs que hi va haver a Espanya al final de la Guerra Civil i que, en l’actualitat, s’ha convertit en un camp de conreu de palmeres (aquest espai es troba reconegut amb un memorial de la CNT). El camp de concentració d’Albatera (Alacant) va ser un dels més durs que hi va haver a Espanya


Madoz se une al cumpleaños Un 14 de octubre de 1985 abrió sus puertas Railowsky, la librería y fotogalería que ha dotado y suministrado a la ciudad de Valencia de un underground que, hoy, entre tanto modernidad ficticia se agradece más que nunca. Y es que lejos de caer en la nostalgia, Railowsky se ha ido reiventando sin perder esencia y prueba de ello es la presentación, hasta el 30 de noviembre, de Chema Madoz, el autor que ya estuvo allí hace 25 años. Madoz expone sus imágenes de primera época (de los años 80), en pequeño formato y con positivados realizados por el estudio de Juan Manuel Castro Prieto en papel baritado. El fotógrafo ya estuvo en Railowsky en noviembre del año 1985. En esta primera etapa como fotógrafo se puede ver en sus fotografías la utilización de la figura humana, elemento que desaparecerá prácticamente en sus creaciones posteriores. Es un Madoz más minimalista pero igual de genial e intuitivo que lo ha sido siempre. En las fotografías no hay huellas de manipulación, ni mucho menos Photoshop. Todos los procesos son analógicos. No hay trampa ni cartón. La gran paradoja de sus fotografías es, que siendo absolutamente reales, realizadas con objetos simples y cotidianos, consiguen sumergirnos en un universo fantástico e irreal. De hecho, las fotografías expuestas son muestra de su estilo propio e inimitable y de cómo convierte sus creaciones artísticas en verdaderas poesías visuales.

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Llapiseres crítiques amb la violència L’Aula CAM La Llotgeta de València acull la IV Mostra d’Humor Gràfic amb 180 obres que critiquen la violència en qualsevol de les seves formes, des d’un punt de vista diferent però global. Un total de 436 obres de 190 periodistes gràfics de 42 països s’han presentat a aquesta edició. La mostra, que està organitzada per Caixa Mediterrani, la Unió de Periodistes Valencians i FECO Espanya, podrà visitar-se fins al pròxim 12 de novembre. El lema triat per a aquesta edició és ‘La violència o la llei del més fort’, l’abús de poder sobre el més feble que xoca frontalment amb la llibertat, la convivència, la democràcia, la igualtat. La violència, a més, ignora la dignitat humana, la tolerància, els valors, els principis i els drets. Aquesta és la temàtica sobre la que versen les 180 obres que des de principis d’octubre s’exposen a la Llotgeta. Sense dubtes, una forma diferent d’afrontar aquests temes tan habituals a la premsa, però aquesta vegada, baix el punt de vista –sempre particular i diferent– dels periodistes gràfics. De les 436 obres presentades a aquest certamen, el jurat format pel conseller de CAM, Francisco Martínez; els dibuixants Ortifus i Enrique, el director territorial d’Obra Social CAM, Vicente Botella; el responsable de Cultura de Caixa Mediterrani, José Picó i Harca, de FECO Espanya, van seleccionar 180, que són les quals estan exposades en La Llotgeta, enfront de la Llotja de València. L’exhibició probablement serà itinerant, segons ha informat aquest dimecres la CAM en una nota. En anys anteriors, aquesta mostra ha tingut lemes com la ‘Llibertat d’Expressió’, la ‘Protecció del Medi ambient’ o la ‘Evolució i el Creacionismo’. En l’última edició es van presentar 459 obres de 222 autors de 44 països.

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Historia del arte italiano La exposición Colección Christian Stein. Una historia del arte italiano, organizada por el IVAM y el Museo Cantonale d’Arte de Lugano, presenta por primera vez en España una selección de más de cien obras maestras del arte italiano de los años 60-70 procedentes de uno de los fondos artísticos con mayor reconocimiento y prestigio internacional reunidos por la galerista Margherita Stein. En la mejor tradición de los galeristas-coleccionistas, Stein optó por las obras que la apasionaban en vez de alimentar el comercio del arte. Una pasión a la que ha dedicado toda su vida y que le ha deparado una amistad inquebrantable con los artistas con los que se ha relacionado a lo largo de cuarenta años. La exposición, gracias a la extraordinaria colección de fondos que la integran, documenta momentos cruciales del desarrollo del arte contemporáneo con el fin de reflejar la complejidad del momento histórico-artístico así como la constante evolución del lenguaje de sus protagonistas. Esta muestra da a conocer la existencia de un arte europeo en lo que tiene de emblemático, de más sólido, en lo que muestra de mayor curiosidad por examinar y explotar las posibles continuaciones de las vanguardias históricas. La Galería Stein comenzó su actividad en Turín, en 1966. Pronto se convirtió en lugar cotidiano de encuentro entre artistas y la señora Stein, organizándose importantes debates sobre arte y cultura. Entre los primeros artistas en exponer su obra en la Galería figuran: Calzolari, Boetti y Paolini junto con Manzoni y Fontana. Por allí pasaron todos, o casi todos, los artistas que crearon el Arte Povera. Con esta exposición se rinde homenaje al comisario de la muestra, Jean Louis Maubant, fallecido recientemente. El IVAM ofrece, a través de esta colección tan singular, una ocasión para reflexionar sobre el sistema del arte y sobre la manera de coleccionar arte durante cincuenta años en un país europeo, en una época en la que el compromiso de los artistas respondía al de los coleccionistas. La exposicion nos habla de Italia y de aquella época en la que las complicidades intelectuales y espirituales hacían avanzar la producción artística, y en la que el peso emocional de una obra podía transformar a una galerista en coleccionista, atenta a conservar para las generaciones posteriores la función testimonial del arte.

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La diosa de los ojos de agua Exposición fotográfica de Cristina García Rodero El Museu Valencià d’Etnologia muestra “el paso del fuego” que los venezolanos tributan a la diosa María Lionza en la exposición fotográfica de Cristina García Rodero que refleja el importante culto extendido entre las clases bajas venezolanas a lo largo del siglo XX. Un culto tributado a María Lionza, conocida como “la diosa de los ojos de agua” que desempeña funciones taumatúrgicas, curativas y de orientación de las gentes. La exposición María Lionza está compuesta por más de 120 imágenes a color que proporcionan una mirada única al mundo mágico-religioso que hace de las montañas de Sorte, en plena cordillera de la costa venezolana, su templo y escenario natural. La selección de obras, que la autora fue tomando a lo largo de diez años, persigue mostrar la composición y el clima que fue descubriendo en torno al horno alquímico de Sorte, sus diferentes paisajes, opus o compartimentos. Las expresiones propias de cada Corte; incubaciones, catarsis y tensiones. Los poderes, los chamanes y sus acólitos. Los afectados y los enfermos; las familias, los grupos, el aislamiento del individuo. Un lugar vital, que en permanente cambio, refleja una religiosidad igualmente proteica y en constante evolución.

El Metropolità Juliol-Agost 2010 © Cristina Garcia Rodero/Magnum Photos/Contacto

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“El amor es ese juguete que no está en el menú del puticlub” El escritor Santiago Roncagliolo presenta la novela Tan cerca de la vida, una obra en la que se une el sexo en Tokio, el thriller y la inteligencia artificial y la soledad y la falta de comunicación. ¿Por qué Tokio? Yo estuve una temporada allí y fue un viaje muy solitario, los teléfonos si no son 3G no funcionan, estaba incomunicado, si quería hablar con casa tenía que contar con el jet lag, yo mismo no dormía en horas normales y trataba de comunicarme con gente, pero aunque todo el mundo era muy cortés y formal, no llegabas... y de esa atmósfera salió el personaje. De hecho, nació una madrugada a las 3:00 de la mañana viendo porno… ¿Porno japonés? Si es como el occidental, pero la penetración está pixelada, suena como suena el porno, se ve como se ve el porno, pero justo ahí está borroso. En ese momento pensé que el único contacto humano al que tenía acceso estaba pixelado, era un nivel de frustración muy grande y es mucho como se siente Max, el protagonista. Max está es un hotel muy lujoso, rodeado de alta tecnología, de gente todo el tiempo, pero no puede comunicarse con nadie, no entiende como hacerlo y hace cosas como las que hice yo: alquilar una mujer para hablar… Sin estar pixelados Sí, yo necesitaba contacto humano y esa me lo doy, y de ahí surge Mai, que es la mujer de la que se enamora Max que es japonesa, pero además es muda, entonces la novela tiene mucho sexo porque la única manera de comunicarse son sus cuerpos. También hay mucho del mundo del sexo en Japón porque es muy delirante.

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¿Qué pensaste al estar solo en Tokio? Creo que vivimos en un mundo muy solitario, nos comunicamos más, pero lo hacemos con pantallas, el contacto físico es más reducido y conforme las sociedades son más ricas son más individuales también. Max necesita que lo toquen todo el tiempo, tocar a alguien, eso es lo que busca en el mercado del sexo en Tokio y en Mai, finalmente te comunicas mucho con tus pantallas, con el IPhone, con el Facebook, pero es gente a la que no puedes palpar. ¿Todos necesitamos que nos toquen? Yo con urgencia [risas]. En un sentido, esta es una novela sobre el cuerpo y la mente. Con las palabras accedes a lo que hay dentro de la cabeza de la gente, pero un ser humano es un cuerpo también, mientras yo estaba en un hotel en Tokio había una convención de inteligencia artificial, con robots que hacían funciones básicas y trasladé un poco eso a esta novela, Max se pregunta ¿se podría hacer una máquina que me quiera un rato? Y eso es un poco la pregunta del libro. Y si se pudiese hacer esa máquina, ¿la alquilarías? Si logran hacer que te quiera de verdad sí. En cierta forma es lo que hace el mercado del sexo que no te vende amor, sino ilusiones, te vende aparatos o personas que actúan según tú quieras y obedecen tus deseos, pero no sabes qué está ocurriendo dentro, así que posiblemente esas máquinas estén ya inventadas, no lo sepamos y se llamen personas. En cierta forma, la novela habla de que la historia de amor que tienen Max y Mai es la única tabla de salvación que tienen y que tenemos cuando todo se hunde. En ese momento ya no te basta con el sexo, necesitas algo más, y el amor es ese juguete que no está en la lista del porno-shop, esa parte que no te ponen en el menú del puticlub. Tan cerca de la vida de Santiago Roncagliolo. Editorial Alfaguara. 330 páginas. 18,50 euros. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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La literatura se reencuentra en el Premio Ciudad de Torrevieja Tan cerca del aire, de Gustavo Martín Garzo es la novela ganadora del IX Premio de Novela Ciudad de Torrevieja que convoca la editorial Plaza & Janés. Durante el acto de entrega el escritor Juantxo Armas Marcelo, miembro del jurado glosó la figura del ganador de este año y aprovechó para dar un palo a los ausentes en el acto. En el silencio de la rueda de prensa, sus palabras alabando la prosa y el compromiso de Martín Garzo como “un escritor literario”, sonaron como dardos envenenados a César Vidal, Alex Rovira o Jorge Bucay, anteriores ganadores y con mucho menos caché literario que el premiado de este año. Armas Marcelo estaba encantado, eufórico, como si el galardón para Martín Garzo le hubiese devuelto la confianza en la literatura en general y en los premios literarios en particular. La obra ganadora, Tan cerca del aire, cuenta la historia de Jonás, un joven cartero que, al conocer la historia de amor de sus padres, descubre la verdad sobre su propia identidad. Lo que Jonás todavía no sabe es que ese conocimiento lo llevará a descubrir su verdadera identidad y lo arrastrará a un mundo donde la naturaleza y el deseo se entremezclan y confunden. Gustavo Martín Garzo nació en 1948 en Valladolid. Su labor como narrador y ensayista le ha convertido en una de las voces más prestigiosas de la literatura española de estos últimos años y que ahora da esplendor a un premio que, en los últimos años, parecía más un desfile de caras conocidas que un encuentro literario. El Premio Ciudad de Torrevieja, el segundo mejor dotado de España con 360.607 euros para el ganador y al que este año se presentaron 505 manuscritos, está convocado por el ayuntamiento alicantino y la obra ganadora será publicada el próximo 29 de octubre.

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Premios literarios Una ‘picanyera’ de otro Planeta En 1969 Louis Amstrong se convertía en el primer hombre que pisaba la Luna. Una fecha histórica, el mismo año que nacía la escritora valenciana, Carmen Amoraga, quien, 41 años después ha tocado el Planeta más ansiado en el mundo literario. Y es que quedar finalista de este premio con Eduardo Mendoza como ganador, es como conseguir la pole en Mónaco. Carmen, picanyera de nacimiento y de devoción, siempre soñó con participar en la gala del Premio Planeta. Por eso se presentó al premio con el pseudónimo de Lord Jim y con el libro El tiempo, mientras tanto, “una novela sobre las segundas oportunidades”. Carmen Amoraga asegura que su obra está llena de vida, ya que cuenta la relación entre una madre y una hija que está en coma irreversible por un accidente de tráfico, aunque viva durante toda la novela. La obra reflexiona desde la voz de la madre (aunque es una novela coral) sobre su propia tragedia, no haber conocido nunca a su hija. Ahora le toca promoción de su obra, algo que tanto le apasiona, sobre todo por hacerla al lado de un grande de la literatura que siempre admiró como Eduardo Mendoza.


“La familia de Zapatero no se encuentra muy cómoda viviendo en La Moncloa” salva almenar / ¿Su libro permite al lector adentrarse realmente en la esfera privada de los presidentes del Gobierno? Este libro es un complemento a los libros de historia, que intenta contar los últimos 30 años de España desde un punto de vista diferente, narrando anécdotas e información que puede ser de interés para el ciudadano. Por ejemplo, cuento cómo se organiza un Consejo de Ministros, cuál es el protocolo de un almuerzo oficial, los destinos vacacionales de los presidentes…

¿Cuál es el que mejor ha sabido separar su faceta pública de su vida personal? Quizás Zapatero es el que mejor ha sabido hacerlo. Y es porque su mujer es muy celosa de su intimidad, araña el mayor número de horas a su marido para que las pase junto a la familia. ¿Entiende o comparte, pues, las críticas al Presidente del Gobierno por el excesivo empeño que muestra por preservar su intimidad familiar? Lo que pasa es que la gente siempre quiere saber más de lo que ya conocen por el mero hecho de ser personajes públicos. Si mostraran más veces ese lado más humano, donde se pueda ver cuáles son sus aficiones o qué les gusta hacer cuando están en casa, creo que mejoraría mucho la opinión que los ciudadanos tienen de ellos. ¿A qué presidente le costó más habituarse a ocupar el hogar presidencial? José María Aznar antes de ser presidente declaró que él nunca viviría en Moncloa, pero esto luego no es posible. Creo que quien lo está llevando peor es el propio Zapatero; quizás como consecuencia de que su familia no se encuentra muy cómoda viviendo en Moncloa. Aprovechando que es psicóloga, ¿podría mencionar alguna característica de la personalidad de cada presidente del Gobierno? Adolfo Suárez era un hombre muy cálido, cercano, entusiasta y muy agradecido. Leopoldo Calvo-Sotelo es el gran desconocido, pero ha sido el más intelectual de todos los presidentes que hemos tenido. Felipe González es el gran monstruo de la política española. Es el carisma en persona, un hombre arrollador, con una gran personalidad y con una capacidad comunicativa excepcional. José María Aznar tiene una voluntad de hierro. Todo lo que se propone lo consigue a base de autodisciplina y esfuerzo. José Luis Rodríguez Zapatero es un hombre muy pacífico, tranquilo, sencillo, un jefe muy cómodo, poco exigente, no se enfada casi nunca. lee la entrevista íntegra en elmetropolita.com

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Teatro del bueno con Tirso La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) traerá a Valencia su espectáculo El condenado por desconfiado, atribuida a Tirso de Molina, que se podrá ver del 28 de octubre hasta el 7 de noviembre en el Teatro Principal de la ciudad. Este drama teológico-religioso cuyas raíces originales se hunden en el folklore universal desarrolla la historia antitética de dos personajes que plantean el problema de la predestinación y el misterio de la gracia. Se trata de un texto compuesto en plena crisis del catolicismo, que se divide en dos posturas enfrentadas: la que opina que la participación del individuo en su proceso de salvación es limitada y la que defiende que es sumamente importante. Un ermitaño y un bandolero, Paulo y Enrico, dos existencias, dos concepciones de Dios, dos maneras de entender la religión, pero fundamentalmente un gran conflicto del que surge un gran drama, una de las obras cumbres del teatro áureo español cuya perspectiva religiosa exige una revisión contemporánea. El condenado por desconfiado es seguramente una de las obras cumbre del teatro clásico español, además, si se acepta como válida la autoría de Tirso de Molina, se trata de su mayor creación dentro de lo que podemos denominar sus dramas. Una obra para la que, como explican los responsables de la CNTC, han consultado y contrastado las fuentes mejor informadas para penetrar en el misterio de una obra que trata de abordar lo infinito y convertirlo en materia escénica.

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Los ‘intereses creados’ de Pepe Sancho toman el Teatro Rialto Si al teatro le viene bien un poco de polémica para levantar cabeza, no hay duda que la obra maestra de Jacinto Benavente, dirigida por José Sancho, Los intereses Creados va a revitalizar la escena valenciana. Hasta el 6 de diciembre se podrá ver en el Teatro Rialto esta producción del Centre Teatral de la Generalitat que tantas ampollas ha levantado en la profesión a costa de su coste y financiación. Desde el punto de vista prosaico/teatral, la obra narra la historia del criado Crispín, interpretado por José Sancho, y su señor Leandro, interpretado por José Montesinos, ambos llegan en la ruina a una ciudad en la que se harán pasar por un gran señor y su escudero. El engaño tiene tal éxito que consiguen favores y apoyos. La hermosa Silvia, se enamora de Leandro. Los farsantes son descubiertos y detenidos, pero gracias a los intereses y dependencias que han generado respecto a su propia fortuna, los timadores quedaran en libertad. Puesto que como dice la obra “mejor que crear afectos es crear intereses”. El reparto está encabezado por José Sancho, Jose Montesinos, Juansa Lloret, Manolo Ochoa, Fabricio Meschini, Alicia Ramírez, Elena Seguí, Paula Bares, Estela Martínez, Paco Alegre, Cesca Salazar, Nuria Herrero, Martín Cases Vidal, Joan Carles Roselló, Elena Vela y Jorge San Félix. El vestuario ha sido diseñado por Francis Montesinos que une las hechuras del vestuario propio del siglo XVII con atrevidos estampados y una profusión de colores, que son un son descubiertos y detenidos.

FOTO: Escena de la producción ‘La indiferencia de los armadillos’ una propuesta escénica de la compañía Oscura Teatre.


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Cuestión de ¿incompatibilidad? ¿Pueden dos personas completamente incompatibles, llegar a quererse o, más aún, llegar a necesitarse? ¿Puede un aspirante a escritor, metódico, ordenado y tranquilo, convivir con una prostituta aspirante a actriz, caótica e impredecible? ¿Pueden llegar a entenderse dos personas que hacen de la discusión exaltada e intransigente su día a día? ¿Pueden dos animales tan adversos como una gata y un búho convivir en una misma jaula? Estos interrogantes constituyen el planteamiento de El Búho y la Gata, y sea cual sea la respuesta final, tendremos la suerte de poder asistir como espectadores, con risas y diversión aseguradas, a la vida de estos peculiares personajes. La cita es en el Teatro Talía del 2 al Junto a estas líneas imágenes de El Búho y la Gata, un espectáculo que es 11 de noviembre. mucho más que una historia de amor. Es una historia de descubrimiento. El Búho y la Gata es mucho más que una historia de amor. Es una historia de descubrimiento. Félix y Doris, sus protagonistas, son dos solitarios de la gran ciudad; dos fracasados que caen constantemente en nuevos fracasos y que han optado por vivir una vida inventada. Cuando sus vidas se cruzan saltan auténticas chispas. Pero con el tiempo descubrirán que son dos personas iguales aunque incapaces de aceptar el juego del otro, de aceptar al otro tal y como es. No obstante, gracias al otro se descubrirán a si mismos, sus auténticas cualidades, y descubrirán que hay otra forma de vivir la vida, de realizarse por los caminos de la verdad. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Momentum y la capacidad de jugar con el paso del tiempo, lo nuevo de Mayumana salva almenar / “Nosotros no somos únicamente diez artistas que practican la percusión sobre un escenario. Tampoco somos sólo bailarines. Somos todo eso y mucho más”. Con esta declaración de intenciones se presenta el espectáculo Momentum que la compañía Mayumana representará del 16 al 21 de noviembre en el Teatro Olympia. Momentum respeta la esencia que engrandeció a esta compañía; música, baile, ritmos trepidantes y una integración perfecta de los elementos escenográficos en favor de la percusión, pero esta vez integra también elementos novedosos. Tal y como explica Aka Jean Claude Thiemele, uno de los componentes del ‘show’ –como él mismo lo denomina–, “el humor y la interacción del público son una parte fundamental en este montaje”. La segunda parte, la participación del público, se hace patente desde los primeros compases de la función. El espectador es filmado por un equipo de cámaras que proyectan su imagen sobre el escenario. De esta manera, la compañía hace partícipe a un público que acaba encima del escenario intentando emular los trepidantes ritmos de estos ‘actores totales’ que forman el elenco de Mayumana. Este espectáculo es una reflexión sobre el tiempo, su paso y la posibilidad de adelantar o retrasar su curso. El tiempo, en definitiva, es el que marca el ritmo y la base del desarrollo de la música, la canción y el baile dentro de Momentum. Su excepcional despliegue audiovisual tiene la capacidad de parar el tiempo, de ralentizarlo o acelerarlo. Cuándo y cómo deciden ir al ritmo del tiempo, y cuándo y cómo deciden manipularlo o  distorsionarlo, tendrán que averiguarlo sentados en el patio de butacas.

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“En Latinoamérica el público es mucho más abierto musicalmente que en España” Días antes de su concierto en Valencia, La Pulquería explica para El Metropolità los secretos de su cuarto trabajo Fast Cuisine. Un álbum lleno de fuerza y rock: ‘100% pulquero’.

Vuelve La Pulquería y lo hace con más rock. Además de los sonidos que os caracterizan, ¿qué hay de nuevo en Fast Cuisine? En esencia y estructura La Pulquería es fiel a sí misma, pero dentro de nuestro estilo existen diferencias de matices importantes. Uno de ellos ha sido centrarse en la parte más dura de la pulque, la más radical, la concentración de pura energía con guitarras subidas de tono. En una palabra... ¡caña! Hard-mariachi-tropi-punk-playero-latinobalcánico-vasilón. Así definís vuestro estilo musical. En otras palabras, por favor... Somos un grupo musical que mezcla muchos estilos pero todos bajo el personal y peculiar prisma de la pulque. Mañana podemos estar haciendo batucada o tango, ese es el eclecticismo y esa es la libertad musical de la que gozamos. Estos 14 temas recuerdan en parte a vuestro primer trabajo (Corridos de amor). ¿Significa el punto final de una etapa o un anhelo por volver a los orígenes? No, ni mucho menos. En realidad es todo mucho más natural de lo que parece. La cosa está en que nos apetecía darle caña a las canciones, pero también somos unos

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grandes consumidores de música más tranquila, de ahí que entre esos catorce temas estén canciones como Mientras, Calavera calva o Hoy no voy a querer, que disfrutan de un tempo más relajado, pero he de confesar que arriba del escenario disfrutamos mucho con la caña. El gran chingón, el primer tema de vuestro nuevo trabajo, es una muestra de que volvéis con la fuerza y los ritmos a los que vuestro público está acostumbrado. Desde luego es toda una declaración de intenciones, la letra hace una crítica sutil y sensible a la monarquía y siempre desde un tono bastante cómico. No se merecen menos, ¿no crees?. Vuestra relación con Latinoamérica sigue presente también en este disco gracias a la grabación en unos estudios argentinos... Nunca hemos parado de viajar a Latinoamérica y nuestro paso por Argentina era cuestión de tiempo, pero en este caso se dio gracias a la oportunidad de trabajar con Oski y Pepe, componentes de la banda Bersuit Bergarabat. Viendo el disco, pensamos que entre todos hemos hecho un buen trabajo. El Metropolità Octubre-Novembre 2010


componiendo con...

La Pulquería Antes de la reciente salida del disco, probasteis con las plataformas digitales. ¿El futuro pasa por probar nuevos formatos? No conocemos cuál será el futuro, pero sí somos conscientes de que estamos en un proceso de transición y la intención de la pulque es ofrecer algo distinto, reaccionar ante la situación, y proponer formas nuevas en lugar de quedarse de brazos cruzados.

Vosotros sois de Valencia. A la vista de los éxitos que cosecháis lejos de tierras valencianas, ¿se confirma con La Pulquería aquello de “nadie es profeta en su tierra”? En parte diría que tienes razón, pero por otro lado te diría que en Valencia somos una gran minoría que nos hace sentirnos mucho más que profetas. » Si quieres ver a La Pulquería en directo, entra en nuestra web y participa en el sorteo de dos entradas dobles para su concierto el 31 de octubre en Valencia.

foto: vibra comunicación

En nada volvéis a Latinoamérica. ¿Habéis encontrado allí vuestra ‘patria musical’? Hombre yo no diría tanto, el caso es que a mí me marea hablar de patria. Si que se podría afirmar que en Latinoamérica el público es mucho más abierto de mente musical en comparación con España, por lo tanto el desarrollo de la banda es mucho más sano y natural. La música de La Pulquería, cara al extranjero, tiene muchísima más proyec-

ción que, por ejemplo, música como la de El canto del loco, que en España es líder de ventas y cuando se intentó en el extranjero la cosa no funcionó. No estoy vetando ciertos estilos de música, solo digo que la variedad musical de España es muy pobre comparada con otros países y para mí, la variedad cultural es riqueza.

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“Creamos atmósferas experimentando con la unión de diferentes instrumentos” Es una de las bandas del panorama indie con más renombre actualmente. El Metropolità se cuela entre bambalinas para charlar de su música y su meteórica trayectoria.

Inmersos en la gira de presentación de su primer álbum (Getting down from the trees) nos colamos en el backstage durante el concierto que ofrecieron para la web 365diasdefestivales. Son una de las bandas más de moda dentro del panorama indierock. Ellos son Polock, un grupo que, sin duda dará mucho que hablar. A finales de 2007 ya compartíais cartel con Franz Ferdinand, y en 2010 ya teníais publicado vuestro primer trabajo con una gran acogida de público y crítica. ¿Habéis tenido tiempo para digerir todo esto? La verdad es que nos podemos sentir muy afortunados porque desde el primer momento con Polock ha ido todo rodado y ciertamente ha sido una ascensión muy rápida. Tanto que a veces no te das verdadera cuenta de lo difícil que realmente resulta llegar hasta aquí, es por eso que estamos muy agradecidos. Sabíamos que teníamos la capacidad de conseguirlo, pero no por ello ha dejado de suponer una sorpresa. Por si todavía existe algún despistado que no os conoce, ¿cómo definirías el sonido de Polock? En Polock sobre todo lo que buscamos es

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buscar la creación de atmósferas a partir de la unión de los distintos instrumentos, tratando de experimentar con los sonidos. Con vuestro primer álbum Getting down from the trees habéis conseguido alcanzar mercados como el japonés y el estadounidense. ¿Qué creéis que hace que Polock cautive a todo tipo de público? Polock fue concebido para ser universal, ese es uno de los principales motivos por los que nuestra música es en inglés. Además de esto, gracias a la aparición de internet, sin duda la cultura musical se ha homogeneizado en cierta medida. A esto hay que añadirle que el trabajo de nuestra discográfica en materia de promoción ha sido fantástico. Preparando el disco, ¿tuvisteis la sensación de que estabais cocinando algo grande? Nosotros siempre nos ponemos unas cotas de exigencia muy altas. Teníamos muy claro que no íbamos a sacar nada de lo que no estuviéramos plenamente convencidos y satisfechos. No podíamos intuir cuál iba a ser el grado de aceptación del público, pero sí sabíamos que al menos por nuestra parte íbamos a realizar lo que considerásemos un trabajo redondo. El Metropolità Octubre-Novembre 2010


componiendo con...

Polock ¿Os autodefinís como personas obsesivas a la hora la composición de vuestros temas? Es cierto que todos nuestros temas, cada arreglo está minuciosamente experimentado anteriormente y sabemos qué sonido y atmósfera queremos darle, aunque esto no deja de responder también al tipo de música que tocamos.

¿Qué porcentaje de culpa le damos a vuestro productor Berendt Intelman de haber conseguido un sonido tan redondo? Tiene su porcentaje, pero realmente se encontró con un que oficiaba grupo de medio productores. Fue sobre todo importante su aportación a la hora de generar en nosotros una dinámica de trabajo. Os habéis convertido en uno de los referentes de lo que se conoce como la ‘generación MySpace’. ¿Qué importancia han tenido las redes sociales? Para nosotros MySpace resultó crucial. Nos ayudó muchísimo a la hora de conseguir nuestros primeros contactos y fans dentro del mundo de la música. De ahí mismo surgió la oportunidad de tocar en los primeros festivales y de firmar nuestro contrato discográfico. Pese a la crisis tenéis infinidad de fechas de conciertos cerradas. ¿Cómo va la gira? La verdad que muy bien, están saliendo muchos conciertos y estamos realmente emocionados. Sabíamos que el verdadero momento de promocionar el disco y exprimirlo iba a ser a partir de que terminara el verano y estamos con muchísimas ganas de hacer todo lo que se nos ponga por delante. texto: Alberto Sanchis

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Videojuegos de culto, una frontera difusa Cada época tiene su moda, su costumbre más o menos generalizada –creada unas veces en una junta de accionistas y otras de forma espontánea

e imprevista–. El videojuego, como elemento socializador y cohesionador de masas, tampoco difiere en exceso respecto a otras creaciones humanas como el cine o la arquitectura. El nacimiento y la naturaleza de estas modas suelen estar revestidas de un manto ligeramente opaco que dificulta que se establezca un origen claro. Entonces, centrándonos en los videojuegos ¿qué pasa con los productos que se alejan de las costumbres imperantes de un momento preciso? Pues que si saben inmiscuirse entre unas convenciones estúpidas y arcaicas que aún dominan el sector, tendrán el honor de convertirse en un juego de culto. Una norma con aceptación casi global, pero totalmente falsa y prescindible, sitúa la transformación de un videojuego convencional a la

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categoría “de culto” en base al cumplimiento de una serie de requisitos adscritos –otro ejemplo de cómo de encorsetada está la industria de los videojuegos–. Estos obstáculos, a la manera de los doce trabajos de Hércules, se han ido aposentando de manera gradual a través de los años. A pesar de ser un tema de discusión de lo más innecesario y estúpido –recordemos que cada uno tiene un baremo diferente para considerar lo que es “de culto” y por lo tanto, rendirle pleitesía y convertirse en un fan–, uno de los ejemplos más arraigados se centra en la poca repercusión mediática que pueda conseguir el juego. Se cree, incorrectamente, que a menores ventas más posibilidades hay de entrar en el salón de la fama de los incomprendidos. De esta forma, se niega cualquier atisbo de reconocimiento a los videojuegos que tienen la suerte de contar con una editora potente detrás y que consiguen recaudar millones y de los que, créanme, también algunos son buenos. Elementos diferenciadores, como un diseño excéntrico o bello –aquí se abren más

Los juegos considerados de culto son algo más que joyas incomprendidas de veinte años interrogantes, ¿por qué tiene que ser más hermoso el paraje verde y casi onírico de ICO a la urbe futurista y decadente de Half-Life 2?–, su antigüedad o si su base jugable tiene dos o tres dimensiones, con la consecuente proclamación

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del retrogaming y las 2D como únicas formas de disfrute de auténticas obras de culto, obviando injustamente los videojuegos 3D por ser demasiado cercanos en el tiempo, son parte de las superfluas cualidades que se buscan para que un juego merezca tal recibimiento. Con esto, uno no pretende eliminar la condición de producto especial y único a videojuegos importantes que a lo largo de los años han ido enriqueciendo el sector y los gustos de los consumidores. Abu Simbel Profanation, una de las obras maestras del soft español, que fue icono de una época y una sociedad, la nuestra, que empezaba a depuntar en materia de software merece tal reconocimiento; como también lo merece Tomb Raider, que a diferencia de otros vendió millones de unidades e inició la moda de las aventuras 3D y las protagonistas femeninas –hasta ese momento mera excusa argumental y sexual al servicio del consumidor– en los noventa. O ¿por qué no? Cualquier entrega de Bishi Bashi. Con lo que los jugadores –no nos engañemos, aquí la industria tiene poco que decir– fallamos al nombrar como “culto” a una serie de títulos que alcanzan tal categoría, sobre todo, por el ansia de rendir un homenaje casi personal e individual a un producto al que casi nadie ha jugado. Un hecho ligado intrínsecamente a la nostalgia propia que nos evocan tales juegos. Este sentimiento de soledad orgásmica refuerza, sin duda, la predisposición a que un juego pase a merecer tan exclusivo nombramiento. El tiempo, el buen gusto, la franqueza de los creadores y los cambios que se producen posteriormente en la industria son los que realmente deben determinan el lugar de un videojuego respecto a otros, no las modas ni los deseos de los jugadores de sentirse únicos y auténticos. De esa

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forma tanto Super Mario Bros –40 millones de unidades vendidas– como Deep Fear (Sega Saturn), Splinter Cell o Condemned Criminal Origins –nunca cesaré en mi empeño de reconocerlo como la obra maestra de esta generación– se les puede considerar videojuegos de culto. Y es que no existe mayor reconocimiento para un juego que ser disfrutado por los usuarios y que éstos, sin presiones ni vergüenza, difundan a los cuatro vientos lo divertido que es. Si es así, tendrá más fácil convertirse en un juego de culto.

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Los juegos son para el otoño Es algo de lo que los usuarios nos hemos quejado y finalmente acostumbrado. El verano, cuando la mayor parte de los jugadores tienen tiempo libre, se convierte en el momento del año en que menos lanzamientos importantes salen a la venta. Durante los últimos tiempos, una buena parte de títulos doble A se han dejado caer en los meses previos a la época estival, aunque es un hecho que se debe más al peligro que existe al publicar en Navidad y quedar en un segundo plano tras la ingente cantidad de lanzamientos, como los prototípicos pesos pesados como el ya demasiado habitual Call of Duty o el Need for Speed de turno.

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Para este año, muchas editoras han decidido adelantar sus lanzamientos, convirtiendo los meses de septiembre y octubre como una “previa” a Navidad. Tras los últimos coletazos de agosto con títulos del calibre de Lara Croft y el Guardián de la Luz –del que se habló ya en estas páginas en el número anterior- Starcraft II o Mafia II, los siguientes meses se presentan de lo más interesantes: Halo: Reach será el título más potente para otoño. Una precuela de Halo donde nos mostrarán la caída de Reach, el primer bastión humano contra el ejército extraterrestre Covenant. Un superventas con calidad más que contrastada

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que intentará recuperar la épica de las tres primeras entregas. Fifa 11 y PES 2011 intentarán demostrar de nuevo qué simulador balompédico está más en forma. Pro Evolution Soccer intentará recuperar su trono tras demasiados años sin novedades en el terreno de la jugabilidad. Fable III, Fallout: New Vegas, Two Worlds II y Divinity II representarán el género del rol, cada uno con sus particularidades y su ambientación. Destaca entre ellos la tercera entrega de Fable, el universo único de Peter Moulineux en el que pasaremos a convertirnos en un monarca feudal; de ti depende ser un tirano o un salvador… Dead Rising 2 es una de las grandes apuestas de lo que queda del año, la mejor representación de las películas ochenteras de Lucio Fulci o Romero multiplicando por mil su capacidad de destrucción. En el terreno de la simulación sobre ruedas destaca la vuelta de la Fórmula 1 de la mano de Codemasters, uno de los pocos títulos del mercado que te aseguran unas ventas elevadas inde-

pendientemente de su calidad. La otra vuelta es WRC 2010, mucho más exigente que los últimos Colin Mc Rae, habrá que ver si también será tan divertido. La apuesta personal de El Metropolità como revelación del año es Deadly Premonition, un juego de terror y misterio que se adueña sin vergüenza de los elementos más “lynchianos” de Twin Peaks con un presupuesto de serie Z. Diferente y polémico, ha recibido tanto notas

El fin del verano se hace más llevadero gracias a la multitud de títulos que se avecinan perfectas –10/10 en Destructoid– como casi cómicas –2/10 en IGN–. Tras jugarlo, sólo cabe decir que todo aficionado a las aventuras de terror ochenteras tendrá el deber de probarlo. Un juego único. + Más sobre videojuegos en: elmetropolita.com y cronicaszombi.wordpress.com

¡ESPECIAL SEGA SATURN! •Deep Fear: En plena fiebre por el género del terror, Sega apostó por este grandioso juego, precursor de otras joyas imperecederas como Fear Effect o Cold Fear... De miedo va la cosa. •Burning Rangers: No sin mi estilista. Otro título para recordar de Yuji Naka. Bomberos, sí, pero japoneses. Eso quiere decir que sus flequillos y sus trajes estrafalarios son de lo más... incómodos. •Dark Savior: Probablemente el juego de aventuras con pinceladas de rol más corto del mundo. Eso sí, nadie le quita su completo disfrute a esta genial obra de perspectiva isométrica. •Guardian Heroes: Uno de los mejores títulos de Saturn. Sucesor de Streets of Rage, grandioso de ambientación fantástica, pero con una de las carátulas más feas que se pueden recordar. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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“Me gustan las imágenes que susurran al subconsciente” El camarero de la cafetería de un conocido hotel del centro de Valencia me mira de forma distante. He pedido un té, tal vez como homenaje a los orígenes británicos del hombre al que entrevistaré en breve. Nuestra conversación se retrasa un poco, una televisión se encuentra fuera con él, según puedo observar desde la pared acristalada. Dave McKean, una autoridad en el mundo de la ilustración, autor de las portadas de la legendaria saga The Sandman, así como de obras de culto como Arkham Asylum, parece vivir en una paz absoluta, en una burbuja, ajeno a las tres personas (cámara, sonidista y entrevistador) que le rodean junto a una fuente. Al fin veo como suben las escaleras de la entrada, debo reconocer que en ese momento el corazón me da un vuelco, apuro el té y pago al camarero. Algo caro, casi tres euros por una infusión, pero no tengo tiempo de refunfuñar. Uno de mis autores favoritos se encuentra a menos de cinco metros de mí. Me incorporo y le saludo: “Soy un gran fan de tu trabajo”. Suena típico, pero es real. Nos sentamos en una mesa con sofás. El camarero se le aproxima mientras saco grabadora, libreta, cómics de mi padre y un amigo para ser firmados. Se produce una pequeña confusión lingüística entre clases de vino: rosso, rosado... finalmente pide un clásico, una copa de vino tinto. Le pido que disculpe mi inglés si no es perfecto, él me dice que disculpe yo su castellano, que es inexistente. Le pregunto cómo fueron sus orígenes. Me habla de cómo conoció a Neil Gaiman, consagrado a día de hoy también, como él. Me dice que empezó haciendo ilustraciones en la escuela de arte y de varios proyectos que no cuajaron. “Trabajar con Neil es muy sencillo, le encanta el proceso de colaboración. Tenemos una relación empática, telepática, al fin y al cabo hemos crecido juntos”. Las referencias a sus compañeros, todos mitos inalcanzables hasta hoy para mí, Alan Moore, Neil Gaiman y él mismo, me dejan algo conmocionado. Aún no puedo creerlo. Utilizo el halo onírico de la conversación para preguntarle qué relación existe entre su persona y el hecho de que su trabajo beba tanto del mundo de los sueños. “Me gustan las imágenes que susurran a tu subconsciente. Creo que los cómics funcionan muy bien cuando hay una relación íntima entre ellos y el lector”. Bravo. Prosigue la respuesta mencionando cómo estas historias trascienden la fantasía habitualmente entendida como el mundo de hadas o fantasmas, y se centran en lo que escapa a la realidad habitual, en lo que existe en la periferia de la percepción despierta.

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Pienso que también es casualidad que el número pasado sacásemos su trabajo, junto a Gaiman, Cabello Loco. Quién me lo iba a decir. Le pregunto cuáles han sido sus mayores influencias. Según su respuesta, han sido del todo eclécticas, se declara admirador del surrealismo de Salvador Dalí, la ciencia ficción, el cine expresionista, Francis Bacon o Alberto Breccia. A día de hoy –dice– ya tiene su estilo propio, pero aún reconoce trazas de los autores citados. Como no podía ser de otra manera, quiero saber cómo fue el proceso de trabajar en Sandman. “Trabajar en Sandman fue algo maravilloso, cuando Dc Cómics no tenía ni idea de lo que estábamos haciendo, pero estaban contentos porque Sandman se vendía muy bien. Teníamos libertad total. En ese momento, cuando Neil y yo empezamos, era un momento fantástico para hacer cómics.” Para concluir, me gustaría saber en qué ocupa su tiempo a día de hoy. “Me encanta hacer cosas distintas, si tuviese que hacer solo una cosa me volvería loco. Estoy terminando una película llamada Luna. También me encuentro inmerso en un proyecto literario, The magic of reality, un libro elaborado en conjunto con un científico (en el que dan respuesta a trece preguntas esenciales); también en una nueva novela gráfica, Caligari, inspirada en la película El gabinete del doctor Caligari (ya dijo que le gustaba el cine expresionista alemán). Por otra parte también estoy pintando, haciendo libros infantiles...” En definitiva, no para de trabajar. Con esto termino, le pido que firme el número uno de The Sandman y Arkham Asylum, en ambos me hace un dibujo y una dedicatoria. Con la emoción, me despido y salgo a la calle. Cinco minutos después descubro que se me ha olvidado hacerle la foto, de ahí, esta de WikimediaCommons. La próxima vez será.


Cómic Wilson som tots L’autor de Ghost World, Daniel Clowes, torna amb una història de recerques i soledats Wilson és un home solitari de mitjana edat que viu amb el seu gos i que per defugir la seva solitud tracta de parlar amb desconeguts en cafeteries o enmig del carrer. Ell és un infeliç, carregat de ressentiment contra la felicitat de la gent que l’envolta. Després de morir son pare, al qual odia, s’adona de la desagradable veritat de que està sol al món. Aleshores, pensa per primera vegada en la vida en la seua exdona, de la que es va separar estant embarassada. Aquesta situació d’angoixa existencial és el motiu que el fa emprendre la recerca d’aquesta, per tal de formar una família nova. Quan la troba, descobreix que té una filla adolescent que va ser donada en adopció. Wilson tractarà aleshores de reunir la família fracturada i recuperar el temps que va perdre, una missió gairebé impossible. Wilson és el l’exemple en paper dels sentiments més foscos de l’home contemporani, un solitari sensible, indefens com tots en un món que no dóna segones oportunitats mai. Sobre l’autor Daniel Clowes va nàixer el 1962 Chicago. Malgrat que es considera un autodidacta, va estudiar art a l’Institut Pratt de Brooklyn (Nova York). Va debutar professionalment amb una col·laboració a les pàgines de la revista Love & Rockets, la mítica capçalera dels germans Hernandez i el 1985 va publicar la seva primera sèrie de comic-books: Lloyd Llewellyn. El 1989 va començar a treballar regularment en Eightball, revista de confecció propia en la qual gaudeix de total llibertat creativa. En aquestes pàgines ha dibuixat historietes curtes, com les que van ser recopil·lades en l’àlbum Caricatura, o d’altres, de format més llarg, com ara David Boring, Como un guante de seda forjado en hierro o Ghost World, la versió cinematográfica de la qual (que ell mateix adaptà a la gran pantalla) li va fer assolir l’èxit internacional més enllà del món del còmic.

Wilson Daniel Clowes Novel·la gràfica PVP: 17,90 € Ediciones La Cúpula

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Cómic De lo monstruoso y lo humano Muertos vivientes, humor y fantasía, en un trabajo del nipón Shigeru Mizuki Kitaro nace en medio de unas circunstancias aberrantes: es el último descendiente de una tribu de muertos vivientes, además nació tuerto, arrastrándose como un gusano fuera del útero de su difunta madre, condenado a errar en un mundo al que no le resulta non grato. No obstante, y a pesar de lo dramático de sus orígenes, es una serie rebosante de vitalidad, paradójicamente. Kitaro debe resolver los conflictos que enfrentan a humanos y yokai, en una historia que aúna lo macabro, lo grotesco, lo perverso y oscuro, con lo más ligero. Inmensamente popular en Japón, donde sus aventuras son devoradas con fruición por niños y no tan niños, Kitaro es el héroe emblemático de una obra que se fija en en los monstruoso para hablar de lo humano. Apasionado de los cuentos populares y de lo fantástico entre las líneas rutinarias de lo cotidiano, Shigeru Mizuki sitúa a los yokai, unos seres sobrenaturales que pueblan la trastienda de nuestro mundo, en el centro de su creación, que se mueve constantemente entre lo fantástico, el humor y la poesía. Sobre el autor Shigeru Mizuki, creador de Kitaro, ha ganado el Premio al mejor álbum en el Salón Internacional del Cómic de Angoulême 2007 por NonNonBa, y el premio “esencial patrimonio” del salón de Angoulême 2009, por Operación Muerte, ambas publicadas por Astiberri.

Kitaro Próximamente Shigeru Mizuki Novela gráfica. PVP: 18 euros Astiberri Ediciones

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• Más sobre el autor de estas páginas en: http://edureptil.wordpress.com

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Historias para no dormir El cine como instrumento en la representación de los sueños y el subconsciente “La noche pasada estuve en el Reino de las sombras”. Esta frase pertenece al artículo de Máximo Gorki publicado originalmente en el periódico Nizhegorodski Listok del 4 de Julio de 1896, primeros años del cine. La noche anterior, Gorki había presenciado una proyección del novedoso cinematógrafo de alguien llamado Lumière y el artículo recoge las impresiones que la fotografía animada había dejado en él. Ese Reino de las sombras al que alude no es más que el mundo al que nosotros nos asomamos con imperturbabilidad en una sala de cine. Sin embargo, Gorki se espantó al descubrir que “…no es la vida sino su sombra, no es el movimiento sino su espectro silencioso”. ¿Qué vió Gorki que no vemos nosotros? La representación de nuestro mundo, el que ya conocemos, pero carente de alma y vida; una pesadilla en toda regla. Gorki, sin notarlo, había detectado el enorme potencial que ofrecía el cinematógrafo, la capacidad de representar los sueños o las pesadillas y para fascinación de los surrealistas, el subconsciente. ¿Se ha explotado ese potencial? Es una pregunta difícil de responder. Los invito, sin embargo, a un breve recorrido de la historia del cine en el que lenguaje cinematográfico se puso a merced de los acontecimientos del sueño.

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La primera pesadilla de Wiene El 26 de febrero de 1920 se estrenó en Berlín Das Kabinett des Doktor Caligari, un film alemán dirigido por Robert Wiene que sorprendería al mundo entero; incluso al público norteamericano acostumbrado a unos hábitos narrativos convencionales. La película de Wiene, adelantadísima a su tiempo, se cuenta casi en su totalidad por medio de un flashback, cuyo narrador es Francis. Éste joven (nos) cuenta la pesadilla que le ha tocado vivir cuando acudió a la feria del pueblo y conoció al Doctor Caligari y su atracción, una especie de autómata llamado Cesare. El Doctor insiste en que Cesare lo sabe todo, por lo que un amigo de Francis le pregunta cuándo morirá y éste responde que será al atardecer del día siguiente. Tras confirmarse la predicción, Francis comienza a investigar al Dr. Caligari y descubre que éste es el culpable de las múltiples desapariciones en el pueblo, asesinándolas por medio de su autómata. La próxima no es menos que su prometida, a la cual consigue salvar y el maligno doctor es detenido. El giro final consiste en que todo el relato no es más que el fruto de la mente enferma de Francis, quien está ingresado en un centro psiquiátrico y todos los personajes de su historia están en la institución; incluso el supuesto Dr. Caligari

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no es más que el doctor que le está tratando. El film de Wiene no destaca únicamente por su compleja estructura narrativa, sino por los recursos estéticos que utiliza para recrear la pesadilla de Francis que no poseen ningún precedente. La forma plástica destaca por el uso de telas pintadas y el rechazo por todo tipo de naturalismo en la concepción de su escenografía. Las perspectivas están falseadas y no responden a ninguna lógica física, así como una interpretación basada en una gesticulación entrecortada y convulsa. Todas estas características se desprenden del surgimiento del expresionismo y dieron las herramientas necesarias a Wiene para ofrecernos la primera pesadilla cinematográfica. Buenas noches y buena suerte La necesidad de ahondar en nuestros sueños y pesadillas permaneció en el tiempo y así surgieron dos películas muy diferentes pero con muchos puntos en común además de su popularidad: The Wizard of Oz (Victor Fleming, 1939) y A Nightmare on Elm Street (Wes Craven, 1984). Para simplificar nuestro artículo podríamos afirmar que la primera se centra en los sueños y la segunda en las pesadillas.

Ambas obras cuentan la onírica aventura de una joven intentando sobrevivir en un mundo lleno de peligro, maldad e injusticia; la primera con un retrato naïf e inocente y la segunda con un crudo y sangriento relato de serie B; pero ambas revelando los temores universales existentes en los sueños más comunes de la adolescencia. The Wizard of Oz emplea las innovaciones cinematográficas del momento en la construcción del sueño de Dorothy. Victor Fleming retrata en blanco y negro la Kansas natal de la protagonista, pero opta por el vibrante color del recién surgido Technicolor cuando ésta despierta en Oz. Asimismo, evoca los recursos más comunes de la experiencia humana del sueño: la animalización de elementos de la naturaleza, la transformación de personas de la vida real en personajes de ensueño y la imposibilidad de relatar, una vez despiertos, la sensación que el sueño nos ha producido. Algo similar sucede con la otra cara de la moneda de Wes Craven que ofrece la, probablemente, más recurrente pesadilla: ser constantemente perseguido por un incansable antagonista, representado aquí por Freddy Krueger. Craven sigue la estela marcada por Robert Wiene y Telas pintadas y perspectivas falseadas para configurar Caligari, la primera pesadilla cinematográfica.


sus planos herméticos en los que la plástica del espacio coincide con la del plano, sin dejar escapatoria física; del mismo modo que las pesadillas en las que nos persigue Krueger tampoco tienen salida. Cuando vemos una película nos sentamos relajados, estáticos, en un espacio oscuro y nos sometemos al fluir narrativo de una serie de imágenes y sonidos. En cierto modo, no es muy diferente a soñar. Cómo plantea Kelly Bulkelley en su libro Visions of the Night, la diferencia entre el sueño y el cine es que la primera es una experiencia privada y la segunda es colectiva. Curiosamente, The Wizard of Oz fue un evento familiar cuando se pasaba por televisión mientras que A Nightmare on Elm Street, ya en la era VHS, fue el centro ritual de toda una generación de adolescentes que, con los padres fuera de casa, se reunían a verla. No es casualidad que la primera finalice con Dorothy afirmando que “no hay lugar como el hogar” y que la segunda hable de un grupo de jóvenes que, ignorados por los adultos, deben unirse para luchar contra un enemigo poderoso que los mayores no comprenden. Viene de la página anterior.

Del sueño y la vigilia La filosofía cartesiana, aquella que desconfía de toda hipótesis que no pueda ser cien por cien demostrable, desecha todo conocimiento empírico justamente porque estamos incapacitados para discernir la vigilia del sueño. Muchos filmes han hecho de esta encrucijada el sustento principal de su argumento para desconcertar al espectador que no tiene otra alternativa que creer en lo que está viendo o dudar de todo aquello que frente a sus ojos acontece. Debemos destacar que para crear semejante efecto con elegancia se requiere un talento excepcional en la labor del guión para no crear un vulgar truco de feria. Abre los ojos (Alejandro Amenábar, 1997) es una de ellas que, con maestría, juega con

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la percepción del espectador. La historia de César se revela al final del metraje como un sueño confundido con el estado de vigilia. Sin embargo, lo destacable son los recursos empleados por Amenábar, ya que conectan, en cierto modo, con el proceder de Robert Wiene así como con el punto que veremos a continuación. La pesadillesca realidad del film se genera por medio de la irrupción de lo siniestro en un entorno cotidiano, aquello incómoda y sospechosamente fuera de lugar (por ejemplo, la transformación de Sofía en Nuria durante el acto sexual). Christopher Nolan ya había exhibido sus dotes de prestidigitador aplicando sus maniobras de distracción en su gran truco de magia The Prestige (2006) y vuelve a hacerlo para ha-

Luís Buñuel, en una conferencia en México, reivindicaba el cine como instrumento de poesía blarnos de los sueños en su reciente Inception (2010). Dom Cobb pertenece a un grupo de agentes que se adentran en los sueños para robar secretos industriales de las mentes de miembros corporativos dormidos. Sin embargo, la misión se complica cuando no se les encomienda extraer información, sino insertar una idea en el sujeto y que esta sea adoptada por el mismo como propia. El impecable guión de corte borgiano se desarrolla con la misma creatividad y complejidad que la idea inicial que le da lugar. Inception consigue que el espectador no sepa si aquello que está viendo es la realidad, un sueño o un sueño dentro de un sueño. Para ello, Nolan recurre a estructuras imposibles como la escalera de Penrose y otros objetos de naturaleza matemática, que sí tienen cabida como creación de un sueño lúcido. Del mismo modo que en Abre los ojos, el peligro radica en no poder discernir y que

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la pesadilla se apodere de nosotros. Hasta el arrebato de genialidad de estos cineastas, cerrar los ojos nunca había supuesto un peligro. La herencia surrealista En una conferencia en México en diciembre de 1958, Luis Buñuel reivindicaba el cine como instrumento de poesía. Esto sucedía a casi tres décadas de su periodo surrealista y tras numerosos filmes que se pueden inscribir dentro de los géneros convencionales. Sin embargo, el director aragonés no aludía al surrealismo como un fenómeno del pasado sino que se refería a algo atemporal y poco explotado; un movimiento que no podía darse por agotado. Frente al realismo y a una narrativa convencional, prevalecía para Buñuel la idea del cine como el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños. Nada más lejos de lo que Buñuel había planteado, los recursos estéticos surgidos de la unión de surrealismo y cine serían utilizados más adelante en películas de género, sobre todo, en aquellas que versan sobre los sueños y aquello que les rodea. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004) es quizás, además de una

de las mejores películas de la última década, el mejor ejemplo de cómo las ideas surrealistas no han muerto sino evolucionado hasta la actualidad. En un futuro no muy lejano, por medio de daños cerebrales selectivos, se puede borrar de nuestra memoria un recuerdo o a una persona que nos angustie. Es así como Joel y Clementine deciden borrarse respectivamente tras su ruptura. Dos genios del subconsciente, Michel Gondry y Charlie Kauffman, se unen para crear un fantasioso relato empapado de aquello que se conoce como neosurrealismo; y que consiste en un retrato de la mente de Joel la noche que Clementine es extirpada de sus recuerdos. Para ello recurren a todo tipo de recursos creativos de naturaleza surreal: distorsiones visuales y sonoras, iluminación imposible, bucles espacio-temporales, perspectivas forzadas y la inclusión de elementos distorsionadores. Básicamente, todo lo planteado con anterioridad. Los sueños siguen siendo un misterio para la ciencia, pero sin lugar a dudas, el cine, como arte de síntesis total, sigue siendo el instrumento más acertado para representar nuestros sueños. O en su defecto, nuestras peores pesadillas.

Elementos distorsionadores del neosurrealismo de Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

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Crítica

por Facundo Veiga

Ciudadano Zuckerberg The social Network. Drama. Estados Unidos, 2010, 121 min. Dirección: David Fincher. Guión: Aaron Sorkin sobre la novela The Accidental Billionaires. Fotografía: Jeff Cronenweth. Música: Trent Reznor y Atticus Ross. Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall. Intérpretes: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Brenda Song, Max Minghella, Rooney Mara, Rashida Jones y Armie Hammer.

En pleno siglo XXI y sumergidos en un cierto estado de pandigitalización de las comunicaciones, ¿sería descabellado comparar la figura de Mark Zuckerberg con la de aquel magnate retratado por Orson Welles hace más de cincuenta años? En ambos casos se trata de un roman à Clef que en el caso de Fincher no muestra esfuerzo por desligarse de la realidad. Podemos también aventurarnos a comparar The Inquirer con Facebook. Ambos magnates consiguieron la cima por medio de las comunicaciones, en el caso de la red social cuenta con más de 500 millones de usuarios en activo y, según estadísticas, en 2014 habrá una cuenta por cada usuario del planeta. Sin embargo, creo aún más interesante ver como dos talentosos directores se acercaron a una psicología impenetrable: Orson Welles a William Hearst y David Fincher a Mark Zuckerberg. La naturaleza de Citizen Kane terminó por aturdir a la crítica, ya que se trataba de un biopic que nadaba en los aspectos psicológicos de su protagonista. David Fincher o no desea o

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no consigue hacerlo en esta película. Pero al acercarse a Zuckerberg y las motivaciones de, lo que parece ser, una cabeza socialmente enferma, crea estimulantes chispazos de lo que parece ser una curiosa crítica a una sociedad que se lanza desesperada dentro del invento de un loco. Estas ráfagas incómodas corresponden a una estética propia de Fincher que se forjó desde sus años como director de videoclips y se fue perfeccionando con Seven (1995) y Fight Club (1999) hasta madurar en lo que es hoy: una dirección que exige atención pero que seduce. Con The Social Network, David Fincher se consagra como un director polifacético que nunca deja de ser Fincher. Al igual que en sus obras anteriores, aquí también se respira oscuridad y se transmite una estética noir que no cuadra con el género, pero tampoco distorsiona. La presencia de Reznor y Atticus para la banda sonora permite continuar esa línea Fincher, a la vez que genera secuencias de una enorme belleza cinematográfica (la competición de remo, el montaje en paralelo de la creación de Facebook y la fiesta en el Phoenix Club). Las interpretaciones son adecuadas y fluidas. Andrew Garfield sorprende, Jesse Eisenberg completa con soberbia al personaje de Zuckerberg y Justin Timberlake consigue encarnar sin histrionismo a Sean Parker, creador de Napster. Supura fuera de la historia un ácido retrato a una sociedad hipersexualizada sedienta de fama y reconocimiento, así como, irónicamente al tratarse de una película, se habla de la desesperación generalizada por encontrar una buena idea. The Social Network no es una obra maestra ni quedará en los anales del cine, pero sirve para consagrar a David Fincher como un talento contemporáneo capaz de hablarnos de cualquier cosa. En definitiva, acoplándome a las exigencias de una comunicación vacua y veloz de la red social más famosa del mundo, seré breve: Me gusta. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Sé lo que hicisteis el último verano Termina el verano. Una pareja de amantes adolescentes se despiden para no verse más. Los dos tratan de obviar tan trágico final prometiéndose amor eterno. Confían que después de lo vivido durante el periodo estival ya nada será como antes, que lo que unió el waka- waka no lo separará el hombre. Inocentes desconocen que su verdadero enemigo es el tiempo y mucho antes de lo que ellos sospechan habrán cambiado sombrilla por paraguas, amaneceres románticos por madrugones a la hora del alba para ir al instituto; las peleas por encontrar un hueco en el que estirar la toalla por el tener que hacerlo por poder viajar en metro en hora punta. Pero, sin duda, si hay algo que echarán de menos, por encima de todo lo demás, serán las noches de verano. No hay nada como las noches de verano. Puede que en un primer momento se muestren reacios a asumir su destino, pero todo hábito genera rutina, y terminarán sucumbiendo y volviendo a ser presos de la caja tonta, víctimas de la enésima edición de los ya más que trillados reallity shows. Posiblemente sea en ese momento cuando descorazonados piensen que nada cambió y que hasta en la televisión todo sigue igual que ayer; sin embargo, también en eso se encontrarán errados. Y es que gracias a ese fugaz romance paseado O a la luz de la luna habrán evitado ser testigos del último de C IN LEC los bochornos televisivos, servido en horario de prime TE : TO FO time, por parte de Telecinco. Me estoy refiriendo, como no a esa Ouija de los famosos comandada por el hombre orquesta de Telecinco Jordi González. Un hombre que “igual que fríe un botón, te cose un huevo”; como diría aquél genio que nos dejó hace justo un año (Andrés Montes). Sin embargo, y como todos ya sabéis, detrás de todo Jordi González siempre hay una gran mujer (antes Gloria Serra, y no lo entiendan en sentido malicioso, y ahora Sandra Barneda), de forma que el catalán se vio apoyado en esta ocasión por una de las médium más mediáticas de la tele-

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visión. Sinceramente debo reconocerles las mini series, se vislumbra como uno de que yo fui de las personas que se mantuvo los punteros para esta recién estrenada expectante al comienzo del programa, con temporada. Hasta ahora ya hemos visto la esperanza de que la médium termina- las tv movie, ‘Alfonso, el príncipe maldito’ ra por ser la bruja Lola y se tratara de una (Telecinco) y ‘Raphael’ (Antena3) con muy simple parodia al estilo de La isla de los bueno resultados en el índice de audiennominados (Cuatro). Pero nada más lejos cias, por cierto. de la realidad, ni tan siquiera era Rappel Pero volviendo a lo que pudimos ver (y lo (el cual por cierto estaría por aquellos que no) este verano, he de confesar que días luciendo su tanga de baño por las pla- me ha llamado poderosamente la atención yas de Ibiza), la cosa iba en serio. Por allí la eliminación de toda parrilla televisiva fueron pasando los distintos personajes del incombustible Grand Prix. Quizás esto y debo confesar que me resultó especial- signifique el cambio de época. Se acabó mente hiriente encontrarme con Antonio ver a los pueblos de España ataviados con Gala prestándose a semejante circo. inimaginables disfraces para uso y, sobre Así que mi última esperanza era que las au- todo, risa del espectador, o a la “vaca Paca, diencias, siempre implacables, pusieran fin la más guapa”, como así le llamaban, haa tanto despropósito como ya hicieran con ciendo las delicias del telespectador reotros programas tipo El castillo de las men- volcando a todo aquel que se pusiese por tes prodigiosas, pero no fue así, de mane- delante... ra que la morbosidad le ganó una batalla Sí, vale que lo de antes no era nada del más al buen gusto y el programa obtuvo otro mundo, pero viendo lo que puede veun envidiable 20,5% de cuota de pantalla, nir... no sé con qué época quedarme. Pese con lo que a nadie debería sorprender que a todo, aquí seguiremos para dar cuenta tengamos a sus principales responsables de lo que nos depare la ‘caja tonta’. Eso sí, planteándose reservarle un sitio dentro de ya no quedarán noches de verano. la parrilla televisiva de este otoño si encuentran quien quiera someterse a dichos encuentros en la ‘tercera fase’. Entre tanto, y como le han tomado el gusto a eso de profanar con los sentimientos del prójimo, ya con la casi totalidad de los televidentes de vuelta en sus hogares, estrenaron la mini serie que recrea el trágico accidente de Spanair, Vuelo IL 8714. Así se llamaba la no poca convulsa serie que pese al desagrado de los familiares de las víctimas por su estreno, ocupó nuestras pantallas allá por mitad de septiembre. Cabe decir que este género, el de Bertín Osborne y Natalia Rodríguez, últimos presentadores del Grand Prix. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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“El arte no son matemáticas. Hoy dos más dos son cinco y mañana, dieciocho” Grandes críticos de arte como Román de la Calle y Juan Ángel Blasco Carrascosa o pintores como Horacio Silva y Castejón ya han reconocido el valor del trabajo de Keke Vilabelda. Para quien no lo conozca, a partir del día 21 de octubre, sus lienzos se exponen en la Galería 9.

Keke Vilabelda es un jovencísimo pintor valenciano con gran proyección. Ahora mismo sigue su formación en Londres, pero ya ha sido reconocido con galardones como el primer premio de Artes Visuales Manolo Valdés 2009 o el primer premio en el Certamen Nacional Vila de Pego. Podremos ver su obra más reciente a partir del jueves 21 de octubre en la Galería 9 de Valencia con la exposición Espacios en Transformación. Sueles siempre pintar paisajes urbanos, ¿por qué? Digamos que uno debe pintar lo que conoce, lo que le rodea… la verdad es que el paisaje en sí mismo no me interesa tanto, es un género, pero me parece quizá demasiado acotado. Las ciudades me atraen en cuanto a contenedores de vida, en cuanto a entornos cambiantes que día tras día son recorridos por cientos de miles de individuos. Por lo tanto, en mi obra trato de exceder la idea convencional de paisaje urbano, puede ser también un retrato, o incluso una naturaleza muerta… Lo que está claro es que es un tema que da para mucho, y por eso, hay que dedicarle

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más tiempo para poder exprimirlo. Desde que empecé la serie hace unos cuatro años no he parado de sorprenderme, encontrando nuevas soluciones. La serie concluirá cuando derive en algo completamente diferente o simplemente, por agotamiento. Siempre usas tinta calcográfica para tu obra ¿es con lo que más cómodo trabajas? Actualmente sí, aunque he ido cambiando la forma de aplicarla. Trabajo de una forma muy directa; la tinta me permite moverme con fluidez sobre el soporte, no sólo con el pincel, si no con trapos, espátulas, lápices, esponjas… Con la práctica automatizas ciertos gestos, lo cual te permite centrarte más en el trabajo mental. También me atrae su sencillez. Negro sobre blanco. Es cierto, tu obra es poco colorista, ¿a qué se debe esa fijación por los grises? Yo no diría fijación, fijación tengo con otras cosas [ríe]. Es una decisión consciente y racional. Básicamente es una cuestión de coherencia, debido a la temática, si quiero expresar una situación crítica, de inestabilidad, de tensión; lo lógico es emplear una paleta reducida, de colores quebrados. El Metropolità Octubre-Novembre 2010


Keke Vilabelda Pintor Aunque en ocasiones tenga que renunciar a él, el color me encanta, y poco a poco voy dejando que entre como apoyo, pero rara vez de un modo “colorista”. ¿Cuáles son los materiales con los que más te gusta trabajar? Hasta ahora los papeles han tenido el protagonismo. Los vengo usando debido a lo fácil que es romperlo y volver a empezar. Al ser económicos se pierde el miedo a equivocarse y así el trazo nace más suelto. Recientemente he introducido en las composiciones materiales propios de las ciudades como asfalto o cemento. De esta forma invitas al espectador a acercarse, tocar y oler la superficie del cuadro para trasladarse al espacio sugerido en una suerte de sinestesia. También estoy em-

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pleando hierro y metacrilato, buscando así un acabado más industrial. ¿En qué afectan las nuevas tecnologías a tu trabajo? En todo. No sólo a la hora de trabajar, afecta también al discurso. Es fascinante ver cómo cambia nuestra manera de comunicarnos. En el contexto de las sociedades urbanas, por medio de Internet, se está generando un nuevo entorno donde puedes comprar, entretenerte, o tener relaciones sexuales. ¡Es una ciudad digital! ¿Y qué me dices de ‘Google Maps’? El espacio físico también está digitalizado, de tal forma que uno y otro están tremendamente imbricados. Como dices, afecta también en mi forma de trabajar, sobre todo a la hora de concebir nuevas piezas. Es un medio increíblemente

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Viene de la página anterior. rápido para jugar con imágenes, probablemente demasiado rápido. Consecuentemente estamos inmersos en una nueva forma de observar e interpretar el mundo. Eso sí, luego dame un pincel y un lienzo bien grande, por favor.

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Muestra de la obra de Keke Vilabelda. Colección Dinámicas urbanas.

¿Qué opinas del arte contemporáneo que en ocasiones es, por ejemplo, una lata firmada? No resulta fácil opinar al respecto, al menos no brevemente. Siempre digo lo mismo, el arte no son matemáticas. Hoy dos más dos pueden ser cinco y mañana, dieciocho. Cada forma


de arte ha sido concebida bajo unas condiciones determinadas que no pueden ser pasadas por alto. Si bien, es cierto que no se puede decir objetivamente qué es arte y qué no lo es, pero desde luego lo que no está permitido es la ligereza de juicio. Lamentablemente cada vez hay más arte que no es fácilmente accesible por el gran público, lo cual no lo hace mejor ni peor, del mismo modo que no se puede criticar otro tipo de obra por ser más “popular”. El problema viene, como siempre, cuando alguien se intenta aprovechar de la situación. No eres el único artista en tu familia, ¿te va en los genes? No, no creo; supongo que es simplemente

una cuestión de educación. Ahí es donde la familia juega un papel importante. Yo he tenido la suerte de ser, no sólo apoyado, sino motivado por mis padres. ¿A quién no le gustaba dibujar cuando era niño? Pienso que partir de ahí hay quien sigue y hay quien, por la razón que sea, no lo hace. De los premios que te han concedido, ¿Cuál te hizo más ilusión? Los primeros, aunque más pequeños, siempre son los que hacen más ilusión. Luego cuando deja de ser “la novedad” los valoras según el jurado. Por ejemplo de los últimos, en el Certamen Nacional de la Vila de Pego, el jurado estaba compuesto por dos críticos de arte reconocidos, Román de la Calle y Juan Ángel Blasco Carrascosa, y dos “pintorazos”; Castejón y Horacio Silva. Significó muchísimo para mí que un jurado de este calibre valorase mi obra. ¿Sueños y objetivos? Como objetivo me conformaría con vivir de lo que me gusta… que ya es bastante ambicioso. Como sueño, exponer en el Guggenheim, o en la Tate y tener un estudio enorme en la huerta de Valencia. ¿Planes de futuro? Para mi futuro próximo me gustaría seguir madurando mi forma de enfocar el trabajo en Londres, donde estoy haciendo un máster y abrirme a nuevas posibilidades. Allí la educación no es tan lineal como en España y la sociedad en más heterogénea, eso quizá me permita colaborar con personas de diferentes disciplinas, establecer diálogos, compartir ideas… en definitiva; no parar de aprender.

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¿Nos sirven para algo los partidos? ¿Para qué sirven a la gente los partidos políticos? No es una pregunta fascista, que antaño sí lo era y sirvió para justificar sangrientos pronunciamientos. El que nos tocó en 1936, nunca ocioso recordarlo, marcó para siempre el destino de nuestro país. Cincuenta años de miedo nos hizo borregos, seguidores de eslóganes publicitarios. Los partidos políticos nos presentan cada campaña sus apuestas para ganarse al electorado y lo cierto es que esos maravillosos programas de felicidad jamás se cumplen. Los partidos no dicen lo que hay a sus votantes, discursean manipulando la realidad para que todo esté dentro de un orden. Los más importantes de ellos en la actualidad no son lo que proclaman sus siglas. Ninguno. El PSOE renunció hace tiempo al socialismo que definió Marx –el único posible– y se escudó en la socialdemocracia, que consiste en controlar a la oligarquía dominante para que no pase demasiado. ¿A esa gestión del capitalismo le llaman socialismo? El PP tiene de popular lo que Esperanza Aguirre de obrera industrial o Camps de campesino. Se dice popular y es un partido de ricos. Izquierda Unida es la formación más desunida que hay en este país. Los únicos que hacen honor a su nombre, los partidos fascistas y los comunistas, están marginados y sin clientela. La reciente celebración de las primarias en el PSOE de Madrid y en PSPV han demostrado con creces lo dicho arriba. En los de la Villa y la Corte no entro, pero lo sucedido aquí es penoso. La mano negra del llamado aparato del PSOE (igual que las dictaduras de partido comunistas) consigue que nada cambie en Valencia y presiona a las bases para que voten al que menos posibilidades tiene de ganar unas elecciones. Es más bien de juzgado de guardia. Un partido socialista como el valenciano, que lleva décadas sin ganar elecciones, en lugar de renovarse, cortar cabezas y mandar al aparato (los jodidos históricos) al exilio, le sigue el rollo y aborta un proyecto serio de renovación. Pierda Mata, que es un moderno, marxista y renovador, y gana Calabuig que es un momio inexpresivo y gris, un hombre de paja de los mafiosos políticos del dichoso aparato. Al igual que en el PCE, capo de IU, aquí manda el aparato del partido, es decir, la maquinaria burocrática que lo mantiene, pero no hay movimiento de ideas, y sobre todo, no existe la autocrítica ni el uso de la verdad y menos la participación activa de las bases. Carmen Alborch tira la toalla y argumenta razones personales sin abandonar su petrificada sonrisa de pop star, en lugar de confesar su impotencia y desaliento ante la imposibilidad de vencer a Rita Barberá. Zapatero presenta sus recortes sin decir que el capitalismo manda y él no tiene más huevos que obedecer, tampoco toca el vergonzoso Concordato con el satán eclesiástico por no perder votantes católicos. Por su parte IU se llena la boca con la revolución y el cambio pero es incapaz de gobernar en lugar alguno y pone al mando a lo más rancio del PCE que aún no ha pedido perdón por tener una concepción de la Guerra Civil equivocada, machacar a los anarquistas y, sobre todo, perderla. Si esos son nuestros partidos, mejor inventemos otro sistema que este ya no vale.

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L’honor de la sangonera Detecten un torrent sanguini, s’hi amorren i, si ningú no les espolsa, podrien estar xuplant sang fins al judici final. Van armades d’un fort anestèsic per a què la víctima no s’adone de la mossegada. Un producte vasodilatador fa augmentar el cabal i l’anticoagulant permet que el flux de líquid no s’ature mai. Estos paràsits especialitzats a escurar-nos discretament les butxaques són una espècie endèmica de qualsevol ecosistema social i polític. En quantitats moderades, provoquen sotracs assumibles; quan es converteixen en plaga, poden assecar una albufera. El control judicial d’esta plaga no és suficient. S’ha demostrat que quan estos cucs amb vocació de vampir escalen fins a les altes magistratures poden pervertir el sistema fins a convertir-lo en una sagnia generalitzada on tot deixa de funcionar mentres la ruïna apareix a l’horitzó. Però el més curiós d’esta espècie en franca expansió és la seua reacció quan és sorpresa amorrada en alguna artèria principal. Sense deixar de bombejar líquid cap als seus estómacs insaciables, estos individus tenen la capacitat de negar l’evidència i de fer dubtar a la víctima de si el cos allargat i llefiscós que té enganxat a l’entrecuix li està furtant líquid vital. Quan no aconsegueixen convéncer-la que es tracta d’una visió enganyosa, li fan vore que la sagnia té efectes medicinals. Si esta excusa no qualla, ho neguen tot, es peguen colps al pit i apel·len a la presumpció d’innocència, a l’honor i a altres conceptes abstractes que res tenen a vore amb l’etiologia dels paràsits. S’ha de reconéixer que, a banda de la capacitat d’adaptació natural, estes bestioles gaudeixen d’un instint de supervivència envejable. Diuen que al Japó, per exemple, quan una sangonera és agafada en plena succió té una innata tendència al suïcidi, fruit d’un fort sentit de culpa i per la por al rebuig social a què s’haurà d’enfrontar. Tot obviant este saludable harakiri, a casa nostra les sangoneres han desenvolupat un fort instint solidari i tendeixen a fer pinya. Només abandonen un congènere quan es troba fatalment moribund i hi ha perill que els arrossegue amb ell cap al forat. El costum casolà inclou, a més, actes d’exaltació del sangonerisme en forma de convencions i dinars d’homenatge on l’espècie autòctona –que tot i mantindre la forma de cuc ha desenvolupat mans ben allargades i esquenes amb folre– interpreta una curiosa dansa que consisteix a pegar-se colpets als muscles i dir-se els uns als altres –en el llenguatge de les sangoneres– com en són de guapos, eficaços i honrats. La darrera reunió d’eixe estil es va produir al Palau de Congressos de Castelló de la Plana el passat 16 d’octubre. De sangoneres no n’hi fallà cap. Només es trobaren a faltar les càmeres del National Geographic, que es perderen una ocasió única per a documentar el comportament d’esta espècie en ambients tancats i sense ventilació. El Metropolità Octubre-Novembre 2010

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Country, country?, country! Rasgueando las cuerdas de un banjo mientras taconea alegremente con botas de piel de fardatxo entra Rafa Blasco, en el despacho oval de Presidència, entonando Nicaragua Nicaragüita. “Et tu quoque Brute fili mi! (¡Bruto, hijo mío, también tú!)”, masculla su President frustrado ante el espejo porque tiene que llevar a entallar seis trajes de Milano. Un funcionario de correos excomunista solloza tras la puerta, “ningún hombre debería tener seis trajes hasta que al menos todos tuvieran uno” y empuja pasillo abajo el correo interno de la burocracia campsista. Trinidad Miró, que no soporta el sonido del banjo de Blasco, no porque no le guste el country americano sino porque repudia cualquier manifestación que quepa bajo el paraguas de la palabra cultura, pulsa el botón de encendido del televisor, situado en el sacrosanto despacho de la infamia, para sonreír mientras visiona los informativos de Canal9, que más que “La Nostra” cada d��a es más Cosa (Nostra), por muchos ancianitos travestidos de alqueriense que cuelguen en los carteles del metro. ¿Metro? Perdón, me refería al tren de cercanías que circula por el entresuelo de la capital, que tiene la misma frecuencia de paso que el Orient Express, es decir, tres semanas. Font de Mora descansa la vista colgado por las patas de una de las vigas de madera inmune a los versos blasquistas. “¿Qué haces así, Alejandro?” le pregunta doña Rita al tin-tin que produce el whisky al hacer un on the rocks. ”La costumbre, querida, la costumbre” responde con el tono prescriptivo de aquél que se sabe enfermo terminal. Gil-Lázaro, siempre fuera de lugar, les dedica unos pasos de ballet a pesar de que no suene El lago de los cisnes mientras en una esquina Pepe Sancho se relame contando las treinta monedas de plata que producen ‘los intereses creados’. Blasco cambia de ritmo y todos se acercan al proscenio, forman en cabaret, levantan la pierna (derecha, obvio) y cantan cual comparsa “A guanyar diners, on estàn, on estàn? A guanyar diners!” Cae el telón en forma de senyera y la oposición, en las butacas, se frota las manos en señal de victoria. ¡Ah, se me olvidaba!, no existe. Absurdo bimestral: ¿Por qué regalan bombillas de bajo consumo que puedes ir a recoger a las oficinas de correos si nunca les quedan? ¡Qué fácil es dar lo que no se tiene! Envía tus comentarios o respuestas a redaccion@elmetropolita.com

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