Suplemento Semanal MARTES 3 DE NOVIEMBRE DE 2026
GERALDINE CRUZ
heraldodemexico.com.mx
Una fiesta de sonidos Este año, la edición 38 del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez incluye homenajes y conciertos que se realizan del 4 al 10 de septiembre.
Viaje al recuerdo
El ábaco todavía
CUENTA
Cada región del mundo adaptó el instrumento a sus cuentas y materiales; en México se vende para enseñar matemáticas, aunque la antigüedad prehispánica del nepohualtzitzin sigue discutida
SU ORIGEN es incierto, pero siempre ha sido considerdo sofisticado.
POR REDACCIÓN
D
urante siglos, para sumar el precio de una compra o llevar la cuenta de mercancías bastó un marco con varillas y piezas móviles. Así trabajaba el ábaco, una herramienta cuyo origen no se conoce con precisión, pero sí se ha registrado cómo distintas sociedades idearon tableros y piezas de conteo para registrar deudas, comerciar y calcular tributos. Sus antecedentes se relacionan con las piedras usadas para contar y las tablas marcadas donde cada ficha adquiría valor según la línea en que se colocara. Se atribuyen a Mesopotamia y al mundo mediterráneo formas tempranas; pero el origen exacto sigue sin resolverse. En China, por ejemplo, tuvo una forma que aún es posible de reconocer, el suanpan, con dos cuentas sobre una barra y cinco debajo en cada varilla que permitía hacer operaciones y llevar cuentas comerciales. El diseño, sin embargo, comenzó a viajar y empezó a tener diversos cambios. En Japón, el soroban redujo cada columna a una cuenta superior y cuatro inferiores, suficientes para representar del cero al nueve; mientras que en Europa circularon tablas de cálculo y modelos de cuentas desplazables. Pese a estos modelos, no hubo un diseñador que trazara su forma definitiva, de modo que comerciantes, calculistas y artesanos adaptaron materiales y disposición a cada lugar. El marco ordena las columnas; las cuentas hacen tangible el valor de unidades, decenas y centenas. Por eso sirve para calcular y enseñar. En Europa, el cálculo escrito con cifras indoarábigas fue ganando espacio; después, las calculadoras mecánicas y electrónicas desplazaron al ábaco de muchas oficinas y comercios, aunque no de las aulas. Actualmente, se fabrica en madera o plástico desde el contador escolar de aros de colores hasta el soroban para practicar cálculo mental y los tableros grandes para hacer operaciones frente a un grupo. En México se vende en papelerías, tiendas didácticas y comercios en línea, y la oferta está repartida entre marcas y distribuidores; pero no hay un registro público de ventas que permita medir el mercado. En un comercio de Ciudad de
cupula @heraldodemexico.com.mx
EN LA actualidad, se sigue usando en la educación básica.
México se ofrece el ábaco escolar de 100 cuentas en alrededor de 58 pesos, el soroban en 65 y el vertical en 123 pesos. En nuestro país, el ábaco también entró en una discusión sobre enseñanza e historia matemática. En 2009, la Secretaría de Educación Pública publicó un manual gratuito del nepohualtzitzin para trabajar operaciones desde un enfoque intercultural, aunque el instrumento se usaba en algunas primarias desde 1996. En su momento se presentó como una aportación mesoamerica-
RAFAELA KASSIAN
ALIDA PIÑÓN
DIRECTORA SOFT NEWS
EDITORA
rafaela.kassian @heraldodemexico.com.mx
alida.pinon @heraldodemexico.com.mx
Tomarencuenta El ábaco es considerado como el más antiguo instrumento de cálculo, adaptado y apreciado en diversas culturas. Se cree que se inventó en Babilonia hace 5000 años.
na, pero su existencia prehispánica con la forma actual es discutida. Divulgadores científicos y matemáticos han coincidido en que el ábaco es un artefacto tecnológico sofisticado, tanto como una calculadora; y, de hecho, advierten que es de gran utilidad en la enseñanza de la aritmética. Además, quienes son expertos en su manejo pueden realizar secuencias de operaciones con una rapidez y eficacia comparables a las de un dispositivo electrónico. Y quienes no lo sepan usar, seguro lo recuerdan.
LUIS CARLOS SÁNCHEZ EMMANUEL ORTIZ MATADAMAS EDITOR GRÁFICO
COEDITOR
luiscarlos.sanchez @heraldodemexico.com.mx
JOSÉ PABLO ESPÍNDOLA LIZBETH MORALES
MIRIAM OCARIZ
OMAR MÁRQUEZ GRAJALES
COEDITORES GRÁFICOS
TANNIA LERDO DE TEJADA
REPORTERO
josep.espindola @heraldodemexico.com.mx
Viaje al pasado
POR REDACCIÓN
A
un militar retirado le molestaba que un niño se acercara a mirar su uniforme y le pidiera jugar con él. La historia cuenta que terminó con su vida bajo un árbol y que, arrepentido, colocó una imagen de la Virgen en un nicho. El supuesto crimen habría ocurrido en los años treinta, en el Callejón del Aguacate, uno de los sitios de Coyoacán más asociados con las apariciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el lugar se quedó con más leyendas que de historias verificables. Desde hace casi 100 años, el callejón ya tenía nombre. En un plano de 1929 aparece apenas dibujado detrás del antiguo Cine Esperanza y se le conocía popularmente como Calle Privada del Aguacate porque un árbol de ese fruto crecía en las inmediaciones y, al parecer, servía para marcar el límite de una huerta. En esa época, los terrenos y las viviendas todavía estaban separados por caminos que no necesariamente tenían la anchura ni la continuidad de una calle. El barrio este lugar donde se encuentra este lugar de apenas cuatro metros de ancho, se llama Santa Catarina Omac. La última palabra procede del náhuatl y significa "entre dos aguas", en posible referencia al río Magdalena y a otra corriente que desapareció con la urbanización. Durante siglos fue un territorio de huertas, sembradíos y canteras de piedra volcánica. En el siglo XVI se levantó allí una capilla dedicada a Santa Catarina de Siena, junto al camino que comunicaba Coyoacán con San Ángel, hoy Francisco Sosa. Los terrenos agrícolas y las casas de los habitantes se distribuían alrededor de ese camino principal. Esa distribución también ayuda a explicar las dimensiones del callejón. No nació como una vialidad destinada a los automóviles, sino de los pasos que comunicaban las propiedades. Investigadores como Alberto Peralta de Legarreta,
CALLEJÓN DEL AGUACATE, una leyenda sureña
Las antiguas huertas y los caminos de Santa Catarina ayudan a explicar el nombre y la estrechez de este rincón de Coyoacán que conserva parte de la historia del barrio y al que se sumaron muchas más al pasar los años quien estudió las calles y callejones de Coyoacán, describe que Aguacate es una sucesión de curvas en ángulo recto y un ramal que se hace tan estrecho que sólo permite el tránsito a pie. Ese paso conduce a la Cerrada de Francisco Sosa y al Callejón de La Escondida. Las viviendas también muestran cómo se fue ocupando el sitio. El arquitecto Amador Romero Barrios estudió el recorrido entre bardas de piedra, muros de adobe, zaguanes, ventanas protegidas con herrería y casas de uno o dos niveles. Describió fachadas que dan directamente al pasaje, algunas con balcones y otras sin puertas hacia la calle, así como muros que cambian de dirección y reducen todavía más el espacio disponible. Son construcciones de distintas épocas, no un conjunto de casas levantadas al mismo tiempo. Hasta mediados del siglo XX, además, el callejón no tenía el empedrado que hoy lo caracteriza. Peralta documentó que había tramos de tierra apisonada, que se enlodaban con pequeños arroyos y desagües, y muros de adobe junto a huertas y sembradíos de maíz.
Datos clave El callejón es estrecho y empedrado, su anchura apenas alcanza los 4 metros. Está ubicado en el Barrio de Santa Catarina,el cual conserva algunos de los rasgos y arquitectura de la época colonial.
El investigador también encontró referencias a las veredas que corrían entre magueyes, jacales y canteras, un paisaje que fue desapareciendo conforme se construyeron nuevas viviendas. El del Aguacate no es el único callejón que conserva huellas de la antigua organización del barrio. El del Horno recibió su nombre de un sitio donde se fundían campanas y cocían ladrillos; el del Río sigue el curso del Magdalena, y La Escondida era, a principios del siglo XX, un paso de apenas dos o tres metros de ancho. Sobre este último, Peralta encontró documentos de 1903 que registran el intento de un vecino por comprarlo, pues separaba dos propiedades suyas. Las autoridades rechazaron cerrar el paso y terminaron permitiéndole construir un puente por encima, con espacio suficiente. A diferencia de las avenidas que se abrieron para comunicar más colonias, el del Aguacate mantuvo el recorrido marcado por los antiguos terrenos. Y todavía está el nicho que la leyenda atribuye al militar, junto a las puertas de quienes viven allí.
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Martes 3 de noviembre de 2026
III
Proyectos
Verónica Bernal
OPINIÓN ESCRIBIR CON LUZ
CYNTHIA MILEVA
POR ALIDA PIÑÓN
@cynthiamileva
FOTOS: CORTESÍA
El miedo de volverse un meme
“No es que a la gente no le guste la música de concierto, es que no la conoce”
Fotografiar sin permiso vuelve espectáculo lo cotidiano; publicar imágenes ajenas normaliza la burla y deja a cualquiera expuesto al ridículo
L
a escena de un par de jóvenes mofándose de la apariencia de alguien,mientras con una pésima y grosera discreción le tomaban una foto,es una conducta común entre gente de pocas luces.En la época de la “democratización visual”,vivimos el asalto del retrato a cámara en mano,convirtiendo la cotidianidad en un panóptico rústico donde el vecino, el transeúnte y el entrometido de café operan como mirones con credencial. Ese asedio cotidiano encuentra su correlato más estridente —aunque idéntico en su miseria ética— en la funa colectiva que le cae a las celebridades cuando reaccionan con un berrinche o un desplante ante el agobio del despistado que les encaja el celular en las narices,sin más charolazo que el “soy tu fan”. Es solo el síntoma de las insaciables licencias que nos autoconcedemos: exigimos el acceso a la vida ajena como si la intimidad fuera un bien de libre disposición pública. Y si esto sucede a gritos con las figuras públicas, en la discreción del rebaño el miedo a convertirse en meme —a ser el hazmerreír involuntario de una turba aburrida que te reduce a píxeles de burla— paraliza hasta la forma de caminar por la calle. Para entender esta voracidad de la mirada común, viene a cuento lo que Marina Azahua apunta en su ensayo Retrato involuntario,cuando nos recuerda que la fotografía,lejos de ser un inocente registro documental,opera frecuentemente como un acto de agresión, una cacería sigilosa donde la cámara funciona como un arma y el lente como un mecanismo de imposición. Azahua pone sobre la mesa cómo el retrato no deseado despoja al sujeto de su voluntad para convertirlo en rehén del capricho ajeno.Lo que J.D.Salinger sufría atrincherado en su propiedad contra el asedio de los paparazzis profesionales,hoy lo padece cualquiera en el transporte público o en la fila de las tortillas: la certeza de que su identidad puede ser juzgada,capturada y consumida en redes sociales sin su consentimiento ni derecho a réplica. El agravante no es ya que existan cámaras en todas partes,sino la petulancia con la que hemos normalizado el robo de la imagen ajena.Padecemos un delirio de propiedad sobre lo que cruza nuestro campo visual; creemos sinceramente que todo lo que ilumina la luz del día nos pertenece por puro capricho y que nuestra pantalla es un escaparate legítimo para exhibir la incomodidad del otro. Al final,este frenesí digital es parte de una cobardía compartida: perdimos la capacidad de andar por la calle en silencio y cambiamos la básica cortesía de mirar hacia otro lado por la tentación miserable de volver espectáculo la vida ajena.
IV
El Festival de Música de Morelia celebra su edición 38 con una programación dedicada a Asia, con músicos de distintas generaciones y espectáculos que buscan acercar la música de concierto a públicos de todas las edades
E
n Zamora, un niño descubrió el saxofón durante un concierto de jazz y, al año siguiente, volvió acompañado de su padre para contar que ya estaba aprendiendo a tocarlo. Para Verónica Bernal Vargas, directora del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez, es una de las historias que dan sentido al encuentro, cuya edición 38, dedicada a Asia, se realizará del 13 al 22 de noviembre, y es una de las razones por las que insiste en llevar los conciertos a quienes no suelen escucharlos. El pequeño había preguntado qué instrumento tocaba uno de los músicos y convenció a su padre de inscribirlo a clases. Bernal cuenta la historia porque está convencida de que el desconocimiento, más que la falta de interés, aleja a muchas personas de la música de concierto. De ahí que el festival llegue a plazas, templos y municipios donde rara vez se escuchan esas obras, sin abandonar los teatros ni la formación de estudiantes. El encuentro nació en 1989 por iniciativa de Miguel Bernal Macouzet, padre de Verónica, quien había regresado a Morelia y encontrado al Conservatorio de las Rosas, ligado a la obra del compositor Miguel Bernal Jiménez, con pocos maestros y alumnos. Buscó ayuda entre empresarios para fortalecerlo, pero éstos querían una actividad en la que pudieran participar y recibir invitados; de ahí surgió un festival que atraería músicos internacionales y financiaría la enseñanza. Cuando algún estudiante conseguía una beca en Europa y no tenía para el pasaje, Bernal Macouzet llegó a pagarlo de su bolsillo. Ahora Verónica conoce esas historias por quienes recibieron la ayuda, algunos convertidos en
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pianistas, violinistas o directores de orquesta. “Ser un puente para los chicos estudiantes de música del país es uno de los grandes legados del Festival a largo de sus 38 años. Año con año, no ha claudicado en la formación de jóvenes músicos”, cuenta la directora, para quien las clases magistrales y los encuentros con intérpretes extranjeros siguen siendo tan importantes como las funciones abiertas al público. Esa vocación encuentra este año una nueva expresión en la dedicatoria a Asia. El consejo artístico propuso organizar las ediciones por regiones ante la dificultad de conseguir recursos para concentrarse en un solo país: en 2025 el eje fue América; después vendrán Medio Oriente y África y, en 2028, Europa. La elección, cuenta Bernal, responde también a la presencia de jóvenes asiáticos entre los ganadores de concursos internacionales y a las alianzas que el encuentro ha establecido con algunos de esos certámenes. El violinista chino Aozhe Zhang, que ganó el Premio Paganini en Génova en 2025, con 17 años, tocará el 16 de noviembre con Rodolfo Ritter; el japonés Marcel Tadokoro, premiado en Santander, ofrecerá un recital dos días después. La Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Ludwig Carrasco y con Yesong Sophie Lee como solista, inaugurará el festival con un programa que incluirá música de Miguel Bernal Jiménez, a 70 años de su muerte. “Hoy todos los concursos lo están ganando los asiáticos. El chino, el japonés, el coreano, o sea, todos”, responde Bernal a quienes le han preguntado si el programa busca aprovechar la popularidad del K-pop. Lo que propuso el consejo artístico no consiste únicamente en invitar a músicos de esa región, a los intérpretes procedentes de otros países también se les pidió incluir obras de compositores asiáticos. Por ello, detalla la directora, el dúo surcoreano CelloGayageum reunirá el violonchelo con el gayageum, instrumento tradicional de cuerdas, y el conjunto japonés NOMAD, especializado en música contemporánea, tocará con el guitarrista Pablo Garibay. Habrá además música de Indonesia y experiencias de meditación. El concierto sinfónico de clausura, el 21 de noviembre, estará a cargo de la Orquesta Sinfónica de Minería, dirigida por Guido Maria Guida. En La Piedad, la directora descubrió que esa curiosidad puede aparecer donde menos se espera. Durante una interpretación del Réquiem de Mozart, frente a mil 300 personas reunidas en una iglesia, pensó que la mitad se marcharía al escuchar los primeros compases; nadie se fue y, al terminar, uno de los asistentes le agradeció
Proyectos
VERÓNICA BERNAL VARGAS, directora del encuentro.
LA VIOLINISTA Simone Porter (USA) es elogiada por su energía.
SERAPH BRASS está integrado por reconocidas instrumentistas de metal.
haber llevado a “ese tal Mozart”. La Piedad recibirá al festival por décima ocasión y, al igual que en Zamora y Sahuayo, sus habitantes ya preguntan qué músicos llegarán el siguiente año. Para Bernal, esa respuesta se parece a lo que sucede cada noviembre en Morelia, donde los conciertos se extienden de los teatros a las plazas y las actividades gratuitas permiten acercarse sin conocer las obras. “Nuestro festival la gente lo siente suyo, la gente dice ya viene mi festival”, cuenta Bernal, para quien la presencia de músicos internacionales fuera de los teatros ha contribuido a hacer de la celebración un acontecimiento de la ciudad. Por ejemplo, Seraph Brass, quinteto femenino de metales de Estados Unidos, tocará con bandas michoacanas en la Plaza Benito Juárez, mientras que los tapetes florales de Patamban estarán acompañados por música celta de Malin Lewis; habrá también una muestra gastronómica con conciertos. Bernal estima en 120 millones de pesos la derrama económica del festival y recuerda que el encuentro participó en las gestiones que llevaron a Morelia a recibir en 2017 el reconocimiento de Ciudad Creativa de la Música de la UNESCO. El programa infantil tendrá teatro de sombras y una puesta en escena con integrantes de los coros y la orquesta del proyecto social. La directora espera que ver a otros niños sobre el escenario los anime a estudiar un instrumento. Sus padres la llevaban con sus hermanos a Bellas Artes, donde a menudo se quedaban dormidos; ella esperaba los hot cakes con cajeta que comían al salir. Repitió la costumbre con sus hijos y uno de ellos, ahora de 23 años, ya va a conciertos por iniciativa propia. “Y te vas haciendo el oído. Uno cree que no”, recuerda sobre esa educación musical que también se convierte en memoria familiar.
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AFFINITY QUARTET es uno de los ensambles de cámara más celebrados de Australia.
V
Proyectos Otra de las apuestas para acercarse a públicos distintos será Carnaval Barroco, de Le Poème Harmonique, espectáculo que el 14 y 15 de noviembre reunirá música antigua, teatro, danza y circo en el Teatro Matamoros. El conjunto de Vincent Dumestre llegará después de Pygmalion, presentado en octubre en colaboración con el Cervantino, en el marco de los 200 años de relaciones diplomáticas entre México y Francia. "Es la primera vez que el festival incorpora un montaje de estas características y esperamos que atraiga también a quienes no frecuentan los conciertos barrocos", dice. La directora encabezó el festival de 2002 a 2016 y regresó en mayo de 2020, cuando la pandemia había cerrado los escenarios y el festival atravesaba una crisis. Con tres o cuatro colaboradores buscó aliados para mantener el proyecto en marcha, entre ellos una empresa ferroviaria que financió actividades educativas en Tiripetío, y en 2021 organizó dos temporadas. “Lo tengo en la sangre y no se puede morir el festival, tenemos que sacarlo a flote”, recuerda que pensó al volver. La crisis también cambió su forma de financiamiento. Si antes alrededor del 80 por ciento del presupuesto procedía de los tres niveles de gobierno, ahora los patrocinadores privados aportan cerca del 75 por ciento de los 14 a 16 millones de pesos que cuesta cada edición. “No está fácil, te pueden apoyar este año, pero no sabes si podrán hacerlo en el siguiente. Entonces también es ¿qué haces para ellos que sea atractivo cada año y que quieren invertir en cultura?”, explica Bernal, que busca ofrecer a los patrocinadores algo más que la exhibición de su marca. La dificultad reapareció a cinco semanas de la inauguración, cuando una instancia gubernamental le anunció que reduciría a la mitad un apoyo previsto y buena parte de los patrocinios ya estaba comprometida. "Recurrimos a un empresario que había colaborado anteriormente y conseguimos cubrir una parte del faltante. Nos topamos contra la pared, nos dan una pedrada y tú te limpias la sangre y dices, pues tengo que seguirle, aquí no me puedo rajar”, cuenta. A diferencia de otros encuentros respaldados por grandes instituciones, el suyo es una asociación civil que no puede cerrar con pérdidas. "Me han sugerido cambiar de género para vender más boletos, pero no estoy dispuesta a renunciar a la identidad musical del encuentro", sentencia. Para 2028, cuando el festival cumpla cuatro décadas, quiere montar obras de Miguel Bernal Jiménez cuya producción ha resultado demasiado
OPINIÓN SINESTESIA
TOMÁS LUJAMBIO @tlujambiot
La historia y el artista Dos Alemanias buscaron apropiarse de Thomas Mann; su autonomía le permitió resistir presiones políticas sin elegir bando
E SIMONE PORTER, coreano-estadounidense, es una violinista virtuosa.
Paralaagenda
Se llevará a cabo del 13 al 22 de noviembre en distintos escenarios de la capital de Michoacán. Participan artistas y grupos musicales de 13 países. Está dedicado a Asia y presenta diversas expresiones musicales de ese continente.
costosa y preparar un espectáculo inmersivo al aire libre; el plan requeriría duplicar los recursos habituales. “Estoy tratando de hacer una estrategia con el patronato de cómo logramos recaudar el doble para poder hacer para los 40 años en 2028. Entonces, bueno, estamos en ese trabajo, no sé si lo voy a lograr, pero todas las ganas le vamos a echar”, adelanta. Bernal tampoco ignora que los hábitos de escucha han cambiado. Su equipo produce contenidos breves para redes sociales y ella no rechaza la inteligencia artificial, aunque distingue esas herramientas de la música en vivo. “En lugar de pelearnos con la tecnología o de los hábitos de consumo, es, ok, ¿cómo lo hago para que te enganchen? Es el reto y es muy difícil”, cierra.
ENSAMBLE NOMAD ha destacado en Japón y en el mundo por sus interpretaciones de la música de los siglos XX y XXI.
VI
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n 1949,el escritor alemán Thomas Mann fue homenajeado en dos ciudades distintas de una Alemania que comenzaba a dividirse ideológicamente.En el lapso de unos días,y a tan solo cuatro años del fin de la Segunda Guerra Mundial,Mann fue cortejado tanto por el lado soviético como por el lado democrático de Alemania con la intención de celebrar su genio pero,sobre todo,instrumentalizarlo: utilizar su prestigio como un sello de aprobación mundial y,de paso,como una declaración de lealtad política. Aunque parecería un momento menor de la historia,el polaco Pavel Pavlikowski no dudó en integrar esta historia de Mann a su más reciente trilogía fílmica.En esta triada de películas,conformada por Ida,Cold War y Fatherland,el director explora personajes cuya identidad no sólo está condicionada por su momento histórico,sino también moldeada irremediablemente por él. En la primera,por ejemplo,seguimos la historia de una monja que dubita sobre su fe al enterarse que quedó huérfana a causa del Holocausto; en la segunda,Pawlikowski nos sumerge en el romance de dos personas divididas por las fronteras políticas y el autoritarismo. En esta tercera entrega,no obstante,el director decide enfocarse en el legado del Premio Nobel alemán. Las tres películas retratan situaciones que resultan inquietantemente familiares a pesar de su lejanía. Fatherland,en particular,demuestra que no muchas cosas han cambiado para los artistas.Al igual que Mann en esa década convulsa de los 40,muchos intelectuales,celebridades y hasta influencers contemporáneos se enfrentan a la presión de pronunciarse sobre los acontecimientos políticos de su tiempo. En este sentido,la película demuestra con sutileza que uno de los precios de la fama es el riesgo a ser apropiado.Los artistas admirados por el mundo no sólo se enfrentan al juicio estético de sus fanáticos,sino también al juicio moral proporcionado por la historia.A Mann,por ejemplo,no solo lo recordamos por sus grandes obras literarias,sino también por las posiciones que defendió y los ideales que sostuvo a lo largo de su vida. Fatherland nos recuerda que el artista reconocido no siempre cuenta con el privilegio de separar su obra de su persona,ni tampoco de su tiempo: su prestigio puede convertirse en instrumento político y su silencio puede interpretarse como complicidad.Así ha sido desde siempre y,probablemente,lo continúe siendo. Sin embargo,hay algo muy valioso que aprender de ese Thomas Mann que Pawlikowski decide retratar en pantalla: ejercer resistencia no siempre significa ponerse al servicio de una causa.En ocasiones,la mayor muestra de convicción no consiste en encontrar un bando al cual pertenecer,sino en conservar la independencia suficiente para no representar a ninguno.
Marquesina
Un clown perdido
La huella de mamá
Noviembre en movimiento La crisis de un clown, un enredo amoroso con una muñeca, una relación entre madre e hija y una compañía que celebra 25 años forman parte de la programación dancística de otoño REDACCIÓN
En Revés,del Colectivo Oveja Negra,un clown termina su función y siente que su vida no tiene sentido.Después de intentar acabar con ella y sobrevivir,inicia un viaje en el que encuentra a otros perso-
najes que también enfrentan conflictos.La obra combina danza contemporánea, circo,teatro y música en vivo. Aborda la vulnerabilidad y la aceptación de las propias imperfecciones.
¿Dónde y cuándo? Teatro de la Danza Guillermina Bravo,Centro Cultural del Bosque,Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n. Del jueves 12 al domingo 15 de noviembre: jueves y viernes 20:00 horas; sábado 19:00 horas; domingo 18:00 horas.
FOTOS: CORTESÍA
Angostas manos,de Créssida Danza Contemporánea, explora el vínculo entre una madre y su hija: dos cuerpos que se reflejan,heredan y confrontan.La dramaturgia no lineal transita entre lo real y lo fantástico mientras am-
Ballet para reír
¿Dónde y cuándo? Teatro de la Danza Guillermina Bravo,Centro Cultural del Bosque,Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n. Del jueves 26 al domingo 29 de noviembre: jueves y viernes 20:00 horas; sábado 19:00 horas; domingo 18:00 horas.
Veinticinco años compartidos
La Compañía Mexicana de Danza Folclórica celebra su 25 aniversario con Solo entre todos.Sus diferentes elencos, del infantil al permanente, comparten escenario con un programa que reúne a distintas generaciones de bailarines y celebra el recorrido de
la agrupación.Fundada en 2001,La Mexicana reúne a más de cien intérpretes: un cuarto de siglo después su trabajo demuestra la diversidad del folclor mexicano, imbuido en la tradición,la estilización y la fusión sin contradicciones.
¿Dónde y cuándo? Teatro de la Danza Guillermina Bravo,Centro Cultural del Bosque,Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n. Lunes 30 de noviembre y martes 1 de diciembre,20:00 horas.
bas buscan una identidad compartida. Con la dirección de Lourdes Luna,cuenta con las interpretaciones de Lourdes Luna y Lisa Luna,música original de Diego Cano y arte digital,video e instalación de Sophie Fauscett.
El origen del cuerpo
Báilame un cuento: Coppélia, del Ballet de la Ciudad de México,lleva al público familiar la historia de Swanilda y Franz.El joven se siente atraído por Coppélia,una muñeca de tamaño natural creada por el excéntrico doctor Coppélius.Para recuperar a
su prometido,Swanilda entra al taller y se hace pasar por la muñeca.La versión retoma la comedia de enredos del ballet clásico,con música de Léo Delibes.Producción infantil y familiar que cuenta con más de 30 bailarines en escena.
¿Dónde y cuándo? Teatro de la Danza Guillermina Bravo,Centro Cultural del Bosque,Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n. Sábados y domingos,del 14 al 29 de noviembre,13:00 horas.
Mitotiani.Ciclo de danza butoh mexicano presenta en el Museo Universitario del Chopo las piezas Raíz, de Teresa Carlos,y Espina, de Guadalupe Lobos.La primera propone un descenso
hacia las contradicciones del cuerpo y su energía de transformación; la segunda explora el erotismo en la historia del cuerpo femenino y las tensiones culturales que lo atraviesan.
¿Dónde y cuándo? Foro del Dinosaurio Juan José Gurrola,Museo Universitario del Chopo,Dr.Enrique González Martínez 10,colonia Santa María la Ribera. Viernes 6 de noviembre,de 20:00 a 21:30 horas.Entrada general 150 pesos; universitarios 75 pesos.
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