Un enfoque IGNORADO
El documental "de creación" y de corte "autoral" gana terreno frente al cine de no ficción de carácter social, alerta un estudio que comienza a circular en librerías
Nacido en Chihuahua, Mario Pérez fusiona en su obra pictórica experiencias de las artes escénicas como la disciplina y conceptos
filosóficos sobre la relación del cuerpo en el espacio
AZANETH CRUZ
FOTOS: CORTESÍA DEL ARTISTA
Para Mario Pérez, el cuerpo humano es un territorio en constante transformación. A partir de esa concepción, el artista desarrolla una propuesta pictórica donde las figuras se descomponen, se reconstruyen y adquieren nuevas formas para hablar de la existencia, la memoria y la experiencia humana.
Originario de Delicias, Chihuahua, Pérez construyó una trayectoria vinculada a distintas disciplinas artísticas: antes de consolidarse como pintor transitó por el teatro y la danza contemporánea, experiencias que hoy forman parte esencial de su lenguaje visual.
“Me considero un pintor autodidacta porque mi formación viene de las artes escénicas, de la observación, del trabajo con otros artistas y de muchos años de experimentar”, explica.
La cercanía con la pintura estuvo presente durante años, principalmente a través de la plástica teatral, la escenografía y el diseño de iluminación, sin embargo, fue durante la pandemia de COVID-19 de 2020 cuando retomó la pintura de caballete como una práctica central y comenzó a desarrollar una búsqueda propia sobre la representación del cuerpo.
Ese proceso dio origen a la serie Soliloquios, una colección de 18 obras en las que trasladó al lienzo las inquietudes y conceptos que había trabajado previamente en el teatro y la danza.
“La serie surgió a partir de una reflexión sobre el aislamiento, el proceso creativo y la relación del cuerpo con el espacio. En ella aparecen influencias filosóficas como el eterno retorno y el devenir, conceptos que dialogan con la búsqueda del artista por representar al ser humano desde una perspectiva distinta”, cuenta.
Además de la pintura, el artista ha intervenido vasijas de barro elaboradas por comunidades rarámuri de la sierra tarahumara para crear un diálogo entre elementos del arte tradicional de Chihuahua y referencias de la cultura griega.
En su etapa más reciente, Mario Pérez define su obra como una “nueva anatomía del ser humano”.
Entre sus influencias, el artista reconoce la huella de creadores como David Alfaro Siqueiros, Francis Bacon, Paul Cézanne y Chaim Soutine, referentes que lo han acompañado en la búsqueda por alejarse de la representación convencional del cuerpo para explorar figuras fragmentadas, cuerpos híbridos y anatomías imaginarias.
“Me interesa el cuerpo como figura y no solamente como estructura. No busco representar únicamente lo que vemos, sino aquello que existe detrás de la forma”, señala.
En la obra del creador norteño, el color destaca como uno de los elementos fundamentales. A partir de la experiencia que obtuvo en el teatro se refleja el uso de tonalidades intensas, contrastes y composiciones que buscan generar una reacción
Anatomía desde la forma y el color
inmediata en quien observa: “Quiero que la pintura pueda atrapar sin importar la iluminación desde donde se vea, que tenga una presencia que salga del lienzo”.
Aunque nació en un estado marcado por paisajes áridos y tonalidades cálidas, Pérez considera que su trabajo responde precisamente a esa ausencia de color que percibe en Chihuahua, por lo que sus composiciones intensas funcionan como una contraparte visual de ese entorno, volviéndose protagónico
Pero hay otro elemento importante para el
también actor, quizás aprendido en la escena: se trata de la disciplina, elemento que considera indispensable en su proceso creativo porque “mantiene conexión con el lienzo”.
“Cuando eres constante, la obra empieza a hablarte”, afirma. Para él, la pintura representa un espacio de introspección y libertad.
“A diferencia de otras disciplinas que ocurren en un momento específico, el lienzo permanece como testimonio de un proceso emocional y creativo, al cual se puede voltear en cualquier momento”, concluye.
"Me considero un pintor autodidacta porque mi formación viene de las artes escénicas, de la observación, del trabajo con otros artistas".
Nuevo paisaje
La obra de Mario Pérez nace de una búsqueda personal en torno a la identidad y la manera en que el ser humano habita su propio cuerpo. Actualmente, el artista inicia una nueva etapa en Ciudad de México,donde busca ampliar sus vínculos con otros creadores y explorar nuevos espacios de exhibición.
Mario Pérez CREADOR
Marquesina
Entre ausencias y recuerdos DANZA TEATRO
Memoria en movimiento
La Sala Miguel Covarrubias presenta Entre tiempos. Antología de poéticas coreográficas,programa que reúne a distintas generaciones de creadores para revisitar obras fundamentales de la danza mexicana desde una mirada actual.Las piezas exploran el cuerpo como territorio poético y político,en un diálogo entre memoria,historia e interdisciplina.
Dónde: Sala Miguel Covarrubias,Centro Cultural Universitario,Ciudad Universitaria.
Cuándo: 1 y 2 de agosto 19:00 y 18:00 horas
Sor
Juana regresa al escenario
El Festival Internacional Sor Juana Inés de la Cruz Escena Barroca.Disecciones contemporáneas y devenires sin límites propone un diálogo entre la tradición barroca y las nuevas búsquedas escénicas.La programación reúne cinco montajes nacionales e internacionales,mesas de diálogo, clases magistrales y talleres.
Dónde: Teatro Helénico,Claustro de Sor Juana y sedes participantes en Pachuca,Hidalgo
Cuándo: Del 28 de julio al 27 de agosto
ARTES VISUALES
Un cronista detrás de la imagen
Posada,cartografía de un cronista revisa la obra de José Guadalupe Posada desde las facetas menos exploradas de su trayectoria: sus técnicas gráficas, su vínculo con la música popular y los cancioneros,así como las representaciones religiosas y profanas..La exposición revela cómo el artista documentó las transformaciones sociales de México y consolidó un legado que continúa vigente en el diseño gráfico,la publicidad y el arte del siglo XXI.
Dónde: Museo Nacional de la Estampa Cuándo: Hasta el 20 de septiembre
Archipiélago,dirigida por Valeria Fabbri,cuenta la historia de cuatro hermanas que enfrentan las huellas de una infancia marcada por la ausencia de su madre mientras intentan reconstruir sus vínculos.La puesta explora la memoria,los secretos familiares y las heridas que permanecen con el paso del tiempo.
Dónde: Teatro Helénico, Av.Revolución 1500. Cuándo: Hasta el 22 de julio.Lunes,martes y miércoles a las 20:00 horas
Retrata los silencios y las heridas
Cynthia Fernández dirige En el fondo del río,obra sobre memoria,duelo y vínculos familiares.La historia sigue a Romina,quien regresa a los recuerdos de la infancia para reconstruir la vida de Ana,su prima,cuya ausencia marcó su camino.También aparecen Virginia y Licha. Tres generaciones de mujeres unidas por silencios,pérdidas y afectos.
Dónde: Casa del Teatro,Vallarta 31,Coyoacán. Cuándo: Hasta el 9 de agosto,sábados y domingos 19:00 horas.
Entre las salas de exhibición y la escena
Con la llegada del verano, el periodo vacacional se convierte en una maravillosa oportunidad para deleitarse con una exposición o una función de teatro o danza
Futbol y arte
En el marco del Mundial de Futbol,se presenta ¡México-México-México! Abel Quezada entre arte y deporte,una exposición que revela la mirada del artista mexicano como caricaturista,cronista y pintor, no sólo de la vida cotidiana sino del deporte y la identidad nacional.La muestra reúne desde sus cartones más emblemáticos hasta su producción pictórica, marcada por el humor,la crítica y su fascinación por el mundo del juego.
Dónde: Museo Kaluz,Av.Hidalgo 85,Centro.
Cuándo: Hasta el 31 de agosto
Siete décadas de fotoperiodismo
La dupla expositiva World Press Photo 2026 + El Archivo reúne imágenes emblemáticas del fotoperiodismo mundial para recorrer siete décadas de historia reciente.Integra fotografías ganadoras del certamen 2026 y piezas históricas del archivo de World Press Photo para destacar el papel de la imagen como memoria colectiva frente a temas como los conflictos armados,la migración,las crisis sociales y ambientales.
Dónde: Museo Franz Mayer,Av.Hidalgo 45,Centro. Cuándo: Hasta el 4 de octubre
El pasado a través de los objetos
La vida de las cosas es una exposición que recupera el valor del bodegón y la naturaleza muerta a través de alrededor de 140 piezas.La muestra explora cómo frutas,flores,animales y objetos cotidianos han reflejado las costumbres,creencias y formas de relacionarse con el mundo de distintas sociedades.Se reúnen pinturas,esculturas,fotografías,grabados y objetos de cultura material provenientes de diversas colecciones.
Dónde: Museo Nacional de San Carlos,Av.México-Tenochtitlán 50,Col.Tabacalera
Cuándo: Hasta el 10 de enero de 2027.
OPINIÓN
ANÓNIMO ERA UNA MUJER
MELISSA MORENO CABRERA
@melissototota
Desconfiando de los salvadores
Fallecida este mes, la escritora iraní Shahrnush
Parsipur enfrentó la cárcel, la censura y el exilio para defender la libertad de las mujeres
Cuando Shahrnush Parsipur murió este mes a los 80 años,muchos recordaron la cárcel,la censura y el exilio.La escritora iraní había pasado por las prisiones del sha y de la República Islámica,vio sus libros prohibidos y terminó viviendo lejos de Teherán.Sin embargo,lo más singular de su historia no fue lo que soportó,sino que nunca creyó que la libertad pudiera llegar de la mano de otro poder.
Parsipur nació en Teherán en 1946 y encontró muy pronto en la literatura una forma de cuestionar las reglas que marcaban la vida de las mujeres.A lo largo de su obra volvió una y otra vez sobre temas que siguen incomodando a quienes pretenden decidir sobre ellas: el deseo,el cuerpo,el matrimonio,la maternidad y la independencia. No eran temas secundarios.En sociedades que buscan controlar a las mujeres,nunca lo son.
Fue detenida durante el régimen del sha y volvió a la cárcel con la República Islámica.Ambos gobiernos tenían diferencias,pero su historia deja una conclusión incómoda: los sistemas políticos pueden cambiar,los discursos pueden enfrentarse entre sí,las banderas pueden sustituirse unas a otras; pero el deseo de vigilar y disciplinar a las mujeres suele encontrar la forma de permanecer.
En 1989 publicó Mujeres sin hombres, novela que la convirtió en una voz imprescindible de la literatura iraní. A través de cinco mujeres que intentan abrirse paso en un mundo diseñado para limitar sus decisiones,Parsipur escribió sobre libertad,deseo y autonomía.Lo que volvió peligroso al libro no fue su realismo mágico,sino algo mucho más simple: la idea de que una mujer podía imaginar una vida distinta.La novela fue prohibida y aun así siguió circulando,atravesó fronteras,idiomas y generaciones. Quizá porque los gobiernos suelen equivocarse respecto a qué vuelve peligroso un libro; creen que el riesgo está en las consignas,cuando con frecuencia está en la imaginación.Una mujer que imagina una vida distinta puede resultar más perturbadora para el poder.
En sus últimos meses volvió sobre una convicción que había sostenido durante décadas; después de enfrentarse a la República Islámica: tampoco creía que una intervención extranjera pudiera liberar a las mujeres iraníes.El cambio tendría que venir de ellas mismas.Lo decía alguien que había conocido la cárcel,la censura y el exilio,alguien que desconfiaba de cualquier promesa de libertad impuesta desde afuera.
Su mayor rebeldía fue negarse a elegir entre dos papeles que otros habían escrito para las mujeres: el de obedecer o el de esperar ser rescatadas.Mientras muchos discutían quién debía gobernar Irán,ella siguió haciéndose una pregunta distinta ¿qué ocurre cuando una mujer deja de aceptar el destino que otros imaginaron para ella? Sus libros nacieron de esa pregunta,y su legado también.
Un nuevo estudio analiza la manera como el Estado mexicano ha apoyado el género cinematográfico, las evidencias demuestran que, ya sea por ignorancia o inercia, obedece al sistema neoliberal de entender
la cultura
POR LUIS CARLOS SÁNCHEZ
En 1986, el exiliado realizador chileno Patricio Guzmán participó en un encuentro que terminó por definir el cine documental en dos bandos. La reunión, celebrada en Francia, el país que Guzmán eligió como su segunda patria, tenía como finalidad elevar la calidad del género en esa nación, pero terminó por exaltar “las cualidades artísticas y autorales del cine de no ficción”.
Los cineastas convocados acabaron por adoptar el término “de creación” para etiquetar el trabajo que planeaban filmar en el futuro, caracterizado por la profunda y subjetiva reflexibilidad de sus creadores y por poner énfasis en el estilo, incluida la supresión de la voz de un locutor o narrador, para dejar que los “creadores” se expresaran “a través de imágenes”.
En el otro bando quedaron los realizadores de las televisoras, a quienes peyorativamente se les redujo al papel de “obreros del audiovisual” y colocó en una escala menor a los reportajes que elaboraban, basados en investigaciones rigurosas con temáticas de interés público, un fuerte valor testimonial y el convencimiento de que se trataba de documentos históricos.
El episodio es contado en un novedoso y suspicaz análisis que comienza a circular en el país. Se trata de Gobierno de izquierda, documental de derecha. Privatización del cine de no ficción en México (Porrúa Print, 2026) del director de cine e investigador Carlos Mendoza Aupetit, fundador del Canal 6 de julio, y del documentalista y académico Alejandro J. Ponce Díaz.
El libro va más allá de una sencilla división entre dos maneras de concebir el cine de no ficción y registra la imposición en México del documental “de creación” frente al de corte social, con ayuda y aval de las autoridades culturales y de un modelo de festivales que se ha privilegiado. Pero no sólo eso, plantea además la posibilidad de que la fórmula es parte del activismo que desde Estados Unidos se ha financiado para implantar una visión cultural ligada al neoliberalismo.
“En la práctica se está suprimiendo la diversidad del documental sólo para ir por un modelo que, además, por definición está emparentado con los valores del neoliberalismo, del individualismo, de la descontextualización, de la posverdad, todas estas nociones que dan lugar a un documental al que se le puede calificar de derecha, en la medida
Más de la edición
El estudio fue elaborado en conjunto por Carlos Mendoza y Alejandro Ponce Díaz. Aparece publicado por el sello Porrúa Print.. El libro se divide en siete capítulos y cuenta con el Epílogo Una paradoja y una conclusión. Ya comenzó su distribución.
DOCUMENTAL MEXICANO, en busca
que es individualista, desentendido de lo social”, considera Mendoza.
DOCUMENTAL 'DE CREACIÓN' EN MÉXICO Tras la marcada división que se hizo del cine de no ficción en aquella reunión de cineastas, Francia adoptó el documental “de creación” como política cultural de Estado y lo consagró instaurando un Fondo de Apoyo a la Innovación Documental. Pero en 2012, el modelo fue desechado por el Consejo de Estado francés al considerarlo “restrictivo” de la noción de obra audiovisual que marcaba la ley. En una nación, sin embargo, las ideas sobre el documental “de creación” hicieron eco de la mano de un cineasta, convertido en funcionario por el entrante gobierno del panista Vicente Fox. El país era México y el responsable, a decir de Mendoza, fue Alfredo Joskowicz (1937-2012). “Me consta que Joskowicz era enemigo acérrimo del documental social, porque lo decía cada que podía. Nunca fue mi profesor, pero siempre estaba poniendo trabas al documental, era un tipo intelectualmente muy curioso, chocábamos mucho, Me consta que él abanderaba el no al documental político y social”, dice.
DOCUMENTAL MEXICANO, busca de un rumbo social
Joskowicz se desempeñó como director del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) en el gobierno de Fox, justo cuando el Estado se convirtió en mecenas del cine de no ficción, basado en dos criterios: la idea creativa y la calidad artística y cultural de las obras que iba a patrocinar. En ese cesto, los filmes que no cumplieran con “los atributos artísticos” del documental autoral simplemente no cupieron.
El documental de no ficción sumó así dos barreras para su realización: la abierta aversión del encargado de consolidar y acrecentar la producción cinematográfica nacional y el casi nulo acceso al presupuesto que, desde el Estado, se destinaría a su producción y apoyo, siempre avalados por un Consejo de selección.
"El documental se empieza a apoyar sistemáticamente a partir de 2005, 2006, ya en los límites cuando Joskowicz termina. Y en 2006-2012, con Marina Stavenhagen (siguiente directora de IMCINE) ya se apoya de manera total. Se han apoyado alrededor de 100 documentales hasta 2020, a través de Foprocine. Después con Felipe Calderón se crea el Eficine que también es en apoyo a la difusión y la distribución, pero permite
En la balanza
Los autores afirman que se ha privilegiado el documental autoral sobre el social.
100 70% 30
documentales,aprox, han sido apoyados. de los trabajos son documentales "de creación".
años está por cumplir el modelo de apoyo estatal.
a la iniciativa privada destinar una parte de su ISR", cuenta Alejandro Díaz.
De esos trabajos apoyados, dice el autor, al menos un 70 % estaba ceñido totalmente a las características del llamado documental "de creación" que las bases estipularon : "donde le tratamiento de la realidad, así lo dice, incluyera temáticas impactantes, creativas, con una manufactura de calidad".
En estos trabajos, agrega, "el director se asume como autor, se empiezan a promover películas que reflejan la mirada individualista, lo cual está bien pues tienen derecho a presentarnos sus sueños, sus pesadillas, pero lo que vemos es que este documental no enganchó con el público".
Con calidades variadas y apoyos presupuestales diversos desde el mecenazgo oficial, la taquilla demuestra para Díaz que el género de no ficción privilegiado y el gusto del espectador caminaron por rumbos distintos. Trabajos tan celebrados como En el hoyo (2004) de Juan Carlos Rulfo, según IMCINE, recibió un millón de pesos de apoyo, pero en 13 años de exhibición sólo recaudó 25 mil 217 pesos con 85 centavos; Carrière, 250 metros (2009) costó 2 millones 300 mil pesos, pero sólo logró 171 pesos con 17 centavos en taquilla, luego de ocho años de comercialización, mientras que El albergue de Alejandra Islas costó 639 mil pesos y sólo reunió 770 pesos en seis años. La misma situación se repite con la mayoría de los trabajos por los que apostó el apoyo estatal. En el espectro de dos décadas apoyando el documental "de creación", sin embargo, existe una excepción ejemplar, la de Presunto culpable (2008) de Roberto Hernández y Geoffrey Smith. Para los autores, la manufactura de ese trabajo puede calificarse como la de una realización social que reintegró dos millones de pesos, captando la atención de más de un millón 600 mil espectadores, de los seis que han regresado al IMCINE.
FESTIVALITIS COMO AVAL
La falta de conexión con el público del documental "de creación", analizan los autores, sustituyó la entrada en taquilla y su vínculo con el espectador a través de un modelo de pretensiones internacionales, pero que logra mover todo un engranaje co-
UNA IMAGEN del CUEC (arriba) y una escena de El hombre que vio demasiado (izquierda).
SANTIAGO ÁLVAREZ, documentalista cubano, en una escena de filmación.
mercial que permite la subsistencia de la fórmula. "Nosotros pensamos que a través de los festivales se está cristalizando una privatización del documental porque el Estado les da dinero, los avala y gracias a ese aval consiguen más dinero, un montón de donativos y les asigna funciones como la de promover los trabajos", dice Mendoza. En medio, piensa, hay una receta perversa casi a la manera que intercambia espejos por oro. "El territorio del documental es como un desierto en donde no hay ni recursos ni mercado, pero para ellos hay lana del Estado y a cambio dan gestión: a lo mejor dan poca gente (en las funciones), pero también dan un premio, venden visibilidad". Esa presencia, sin embargo, sólo es celebrada entre quienes se encuentran dentro del modelo y pocas veces repercute en el público generalizado. El apuntalamiento de los festivales como entes asignados a paliar la ausencia de público en las salas y como receptores de recursos públicos, dicen, es una herencia derivada de las condiciones que impuso el TLCAN. Necesitados de evidencias para demostrar la vitalidad del modelo, las instituciones culturales se aliaron con un "aparato de promoción" integrado principalmente, para el caso del cine de no ficción, por el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), Ambulante Gira de Documentales y DocsMx.
INTENCIÓN QUE REBASA LA PANTALLA
En el centro de la disputa, para los autores de Gobierno de izquierda, documental de derecha, no sólo hay una intención monetaria. La indagación que realizan apunta al empeño de desacreditar el discurso social que el documental enarboló hasta antes de iniciar el milenio.
El verdadero objetivo avanzaría hacía afianzar la narrativa neoliberal impulsada desde Estados Unidos, sobre el argumento del documental que habla de temas que afectan a la colectividad y muestran realidades sociales no siempre simpatizantes del modo de vida capitalista.
Los dichos de los investigadores se sustentan en la comprobada intervención que la CIA tuvo desde la segunda mitad del siglo XX a nivel cultural, con la intención de detener el empuje que las ideas comunistas estaban teniendo entre artistas e intelectuales. Con ese fin operó el llamado Congreso para la Libertad Cultural, que dirigió el escritor Michael Josselson y que contó con abundantes recursos y seguidores, a los que se facilitó y promovió a través de publicaciones, exposiciones, congresos, premios y foros en todo el mundo.
Uno de los casos más documentados que alcanzó a México es el del pintor José Luis Cuevas, quien se movió a través del abogado y crítico de arte José Gómez Sicre. Este personaje de origen cubano había sido designado al frente de la sección de Artes Visuales de la Unión Panamericana (UPA), que había surgido en 1948 con aliento de la Organización de Estados Americanos (OEA).
El archivo personal legado por Gómez Sicre permitió descubrir que desde Estados Unidos se utilizó a Cuevas para promover al llamado grupo de La Ruptura frente al discurso social que enarbolaba el arte mexicano como herencia del muralismo .
En el libro sobre el cine de no ficción, los autores vinculan a los festivales que se han aliado con IMCINE y a algunos realizadores de documental "de creación" con organizaciones como la Agencia de los Estados Unidos para el Desarrollo Internacional (USAID) y la National Endowement for Democracy (NED). Ambas, dicen, "son agencias
del gobierno estadounidense asociadas a la CIA que actuaron como instrumentos de infiltración y derrocamientos de gobiernos en las llamadas revoluciones de colores, que iniciaron el siglo XXI en Serbia, Ucrania y Georgia".
La alianza entre creadores y festivales con estas organizaciones crean, para Mendoza y Díaz, una paradoja para la actual administración y la anterior, que encabezó Andrés Manuel López Obrador. Como ejemplo escriben que, en diciembre de 2023, "DocsMx hizo pública su sociedad con la USAID para producir la serie Hasta encontrarnos. Historias de desaparición y tortura, otro tema central en la agenda de oposición a López Obrador".
Para Mendoza, es "inconcebible" que desde las instituciones culturales se siga promoviendo el documental "de creación" y toda la maquinaria que lo defiende, toda vez que fue a través del documental social que se fortificó el movimiento que encabezó el exmandatario.
La mirada de la autoridad cultural, agrega, se ha quedado limitada. "Algunos de los atributos de López Obrador se convierten en un problema porque él es tan hábil para comunicar, llena tan-
En conjunto
Alejandro Ponce es Maestro en Cine Documental por la UNAM. Se desempeña como académico.
EL LIBRO ya se encuentra en librerías.
tos espacios, pero hay una idea de la cultura muy aburguesada, incluso la aproximación al mundo indígena es muy ligera, desde mi punto de vista. Tenemos gente que simplemente ha adoptado el modelo precedente, el modelo que les hereda Fox, sin cuestionar absolutamente nada, y creo que batallan en la relación con un gremio que es demasiado exigente, insaciable".
El estudio, piensa Alejandro Díaz, es pertinente y necesario "porque se van a cumplir 30 años desde la creación de este fondo que apoya el documental, pero solo a cierto sector y que ha sido beneficiado con un diseño estructural que les ha funcionado y que lo defienden".
Pero, "como diría el clásico, hay una mayoría silenciosa que cada año es rechazada y no obtiene el fondo, a pesar de que sus historias también son dignas de ser contadas. Ese modelo es totalmente excluyente y es un modelo agotado. Uno de los propósitos de este libro es hacer una crítica a este modelo, que está totalmente anquilosado".
"Ha ido en detrimento, no sólo de todos los creadores, mujeres y hombres, sino también del público mexicano, que no accede, no tiene conocimiento de otras historias", concluye,
Sobre el autor
Carlos Mendoza es profesor de tiempo completo de documental.
Trabaja en la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas. Es fundador y director de Canal 6 de julio. Ha dirigido más de 70 documentales de corte social. Ganó el Ariel en 1982 por el documental El Chahuistle
"El documental era una vertiente del cine, hay quien dice que es un género, yo lo trato como género, como un modo cinematográfico que era autogestivo normalmente".
Carlos Mendoza REALIZADOR
EN LA imagen, aparece el autor Carlos Mendoza entrevistando al revolucionario haitiano Gerard Pierre-Charles.
UNA ESCENA de La canción del pulque de Everardo González, documental filmado en 2003.
La TV antes del STREAMING
LOS ENORMES platos metálicos transformaron el paisaje de las ciudades desde las azoteas.
Antes del internet, la antena parabólica acercó a los hogares otras realidades culturales, noticias y entretenimiento. En la actualidad, permanece como símbolo del cambio tecnológico de finales del siglo XX
DE LA REDACCIÓN
Durante las décadas de 1980 y 1990, las azoteas de muchas casas mexicanas cambiaron su apariencia con la llegada de grandes platos metálicos orientados hacia el cielo. Conocidos como antenas parabólicas, está tecnología ofreció llevar a los hogares señales de televisión provenientes de otros lugares del planeta. Era una época en la que la oferta televisiva era limitada y el acceso a contenidos internacionales era complicado: las antenas representaron una nueva forma de acercarse a otras culturas, acontecimientos y formas de entretenimiento. Con ellas, muchas familias sintonizaron canales extranjeros, transmisiones deportivas y programas que ampliaban la visión de lo que ocurría más allá de las fronteras. Su funcionamiento dependía de la comunicación con satélites ubicados en el espacio, donde la superficie curva del plato captaba las señales enviadas desde grandes distancias y las concentraba en un receptor que posteriormente las transformaba en imágenes y sonidos para los televisores domésticos.
En la Ciudad de México, las antenas parabólicas se convirtieron en parte del paisaje urbano al instalarse en viviendas, edificios y negocios como muestra de los cambios tecnológicos que comenzaban a transformar la vida cotidiana Para muchas personas, contar con una de estas
En el radar
Las primeras antenas parabólicas domésticas podían medir entre 2 y 4 metros de diámetro. Para recibir una señal adecuada debían orientarse con precisión hacia un satélite específico.
Algunas antenas tenían sistemas motorizados que permitían cambiar de satélite y explorar distintos canales. Las antenas se sigue usando actualmente en comunicaciones satelitales o para acceder a internet en zonas remotas
estructuras significó formar parte de una nueva era de comunicación.
La instalación de una antena parabólica implicó que los técnicos encontraran la orientación adecuada para recibir la señal del satélite, mientras las familias esperaban la aparición de nuevos canales y ajustaban la posición del plato hasta lograr una imagen clara. Además de transformar la manera de ver televisión, las antenas modificaron las rutinas familiares, pues reunían a sus integrantes para ver una película, una telenovela, conocer las noticias o seguir un evento deportivo internacional.
Los grandes platos metálicos también reflejaron una aspiración de modernidad: su presencia en las viviendas estaba asociada al acceso a nuevas posibilidades tecnológicas y al deseo de mantenerse conectado con un mundo que comenzaba a comunicarse de manera más inmediata.
Con el paso del tiempo, la tecnología evolucionó y las grandes estructuras fueron sustituidas por sistemas más compactos, por la televisión digital y, posteriormente, por las plataformas de internet.
Las antenas parabólicas, sin embargo, permitieron avances en radio, matemáticas y telecomunicaciones, mejorando la recepción de señales a grandes distancias. Durante la Segunda Guerra Mundial, su capacidad para concentrar ondas la convirtió en una herramienta fundamental para los sistemas de radar y fueron elemento clave para la investigación espacial.
OPINIÓN
EL TIEMPO DE LAS LETRAS
IVANA VON RETTEG
@ivana_von_retteg
Historias que educan y transforman
Desde que comenzó a tomar forma, en los siglos XVII y XVIII, la literatura infantil ha tenido una función especial en el desarrollo humano
Esa imagen popular y tierna de mirar a un padre leyendo un cuento a sus hijos antes de dormir es relativamente nueva.Pasó demasiado tiempo antes de que los niños contaran con literatura especialmente para ellos.Las historias que escuchaban provenían de la tradición oral: mitos,leyendas,fábulas y cuentos populares que pasaban de generación en generación. La literatura infantil como hoy la conocemos comenzó a tomar forma entre los siglos XVII y XVIII.
Uno de los primeros autores en adaptar relatos para un público infantil fue Charles Perrault,quien en 1697 publicó Cuentos de mamá ganso,obra que reunió versiones literarias de relatos tradicionales como Cenicienta, La Bella Durmiente,Caperucita Roja y El Gato con Botas Aunque estas historias tenían un fuerte componente moral,marcaron el nacimiento de un género destinado específicamente a los niños.
Durante el siglo XIX,la literatura infantil vivió una auténtica revolución.
Los hermanos Grimm recorrieron Alemania recopilando cuentos populares como Blancanieves,Hansel y Gretel,Rapunzel y Rumpelstiltskin,preservando buena parte del folclore europeo.
Poco después,el danés Hans Christian Andersen transformó el género al escribir relatos originales cargados de sensibilidad y simbolismo,entre ellos La Sirenita,El Patito Feo,La Reina de las Nieves y La Princesa y el Guisante En 1865,Lewis Carroll publicó Alicia en el País de las Maravillas,una novela que rompió con la tradición moralizante para celebrar la imaginación,el absurdo y el juego con el lenguaje.
El siglo XX consolidó la literatura infantil como una forma de arte capaz de hablar tanto a niños como a adultos.Surgieron clásicos como Peter Pan,de J.M.Barrie; El Principito,de Antoine de Saint-Exupéry; Las Crónicas de Narnia,de C.S.Lewis; Charlie y la fábrica de chocolate, de Roald Dahl; Donde viven los monstruos,de Maurice Sendak; y décadas después fenómenos contemporáneos como Harry Potter,de J.K.Rowling,que demostraron que una historia destinada inicialmente a un público joven podía convertirse en un fenómeno literario mundial.Y es que más allá del entretenimiento,la literatura infantil cumple una función fundamental en el desarrollo humano.
A través de los cuentos,los niños aprenden a reconocer emociones,comprender distintas perspectivas,desarrollar empatía,fortalecer su imaginación y comenzar a construir una visión del mundo.Numerosos estudios en psicología y educación han demostrado que la lectura temprana favorece el desarrollo del lenguaje, la creatividad y el pensamiento crítico.Y sobrevive y ha sobrevivido durante siglos precisamente por eso,porque no subestima a sus pequeños lectores.
ESPECIAL
