Cúpula 1 de septiembre de 2026

Suplemento Semanal MARTES 1 DE SEPTIEMBRE DE 2026

GERALDINE CRUZ

heraldodemexico.com.mx

La vocación de José María Micó Poeta, filólogo, traductor y músico, el Premio Alfonso Reyes 2026 repasa 45 años de trabajo, sus autores fundamentales y los caminos que fue eligiendo

Lecturas

El poeta que no se ha

TERMINADO DE LEER Reconocido por algunas de las principales figuras de la literatura mexicana, Alí Chumacero sigue siendo poco leído por las nuevas generaciones, incluso en Nayarit; volver a sus versos es una manera de rendirle un justo homenaje RICARDO GUILLERMO TIRADO RUANO FOTOS: CUARTOSCURO

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ecientemente, mientras leía la poesía completa de Alí Chumacero, caí en la cuenta de lo olvidado que lo tenemos, al menos entre las generaciones más jóvenes. Me refiero a la Generación Z y las posteriores: quienes nacimos a partir de 1997. ¿Quién no conoce a Octavio Paz? El mexicano que mejor supo interpretar a México, Premio Nobel de Literatura y autor de El laberinto de la soledad. Algunos lo han leído; otros, no. Pero todos lo reconocemos como una figura imprescindible de la literatura universal. Quizá por eso resulta tan revelador acercarse a la mirada que Paz tuvo sobre otro poeta mexicano, mucho menos leído, pero profundamente admirado por sus contemporáneos: Alí Chumacero. Fue Octavio Paz quien supo reconocer con especial claridad la grandeza del poeta nayarita. Sobre él escribió: “Concentrada, reconcentrada, encerrada en un lenguaje de escamas y suntuosas opacidades, rotas aquí y allá por centellos, la poesía de Chumacero es una liturgia de los misterios cotidianos: el velorio, el salón de baile, la alcoba de los amantes, el cuarto solitario. Sitios públicos, sitios secretos, lugares de la infamia o de la consagración.” Pero la admiración por Chumacero no terminó en Paz. José Emilio Pacheco escribió que alrededor de él se había formado la costumbre de llamarlo “el Juan Rulfo de la poesía mexicana”, no solo por la brevedad de su obra, sino por la manera en que ambos entendían la literatura. Para Pacheco, los dos escribieron por una necesidad interior y guardaron silencio una vez que habían expresado, con absoluta perfección, aquello que tenían que decir. Chumacero no solo convivió con la generación que transformó la literatura mexicana; también ayudó a darle forma. Desde el Fondo de Cultura Económica se convirtió en uno de los lectores y editores más respetados del país.

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Datos claves NACIDO EN ACAPONETA, Chumacero llevó el nombre de Nayarit a la literatura mexicana del más alto nivel.

RAFAELA KASSIAN

ALIDA PIÑÓN

DIRECTORA SOFT NEWS

EDITORA

rafaela.kassian @heraldodemexico.com.mx

alida.pinon @heraldodemexico.com.mx

Por sus manos pasaron manuscritos y obras de algunos de los escritores fundamentales del siglo XX mexicano, entre ellos Juan Rulfo, Octavio Paz, Carlos Fuentes, Rosario Castellanos y otros autores cuya obra ayudó a pulir y llevar a los lectores. Su trabajo editorial fue una forma silenciosa

de construir literatura. Mientras otros ocupaban las primeras páginas como autores, Chumacero ejercía una labor menos visible, pero esencial: la de quien acompaña la creación de los libros y cuida la palabra antes de que llegue al público. Ese vínculo con los libros no era solamente profesional. Formaba parte de su vida cotidiana.

Fue un poeta,ensayista y editor mexicano. Como poeta, sus obras son Páramo de sueños, Imágenes desterradas y Palabras en reposo.

LUIS CARLOS SÁNCHEZ EMMANUEL ORTIZ MATADAMAS EDITOR GRÁFICO

COEDITOR

luiscarlos.sanchez @heraldodemexico.com.mx

LIZBETH MORALES

MIRIAM OCARIZ

OMAR MÁRQUEZ GRAJALES COEDITORES GRÁFICOS

TANNIA LERDO DE TEJADA

Lecturas

OPINIÓN EL TIEMPO DE LAS LETRAS

IVANA VON RETTEG @ivana_von_retteg

El arte de no hacer la guerra Sun Tzu desconfió del combate y privilegió la información, el cálculo y la posibilidad de alcanzar la victoria sin destrucción

S EL POETA, en los años 80, acompañado de Octavio Paz y de su esposa, Marie Jo Paz.

CHUMACERO NO SOLO CONVIVIÓ CON LA GENERACIÓN QUE TRANSFORMÓ LA LITERATURA MEXICANA; TAMBIÉN AYUDÓ A DARLE FORMA Elena Poniatowska, al hablar de las bibliotecas de algunos de los grandes intelectuales mexicanos, recordaba: “Es una casa de trabajo, igual que la de José Emilio Pacheco, quien fue mi compañero de trabajo, o la de Carlos Monsiváis, que tenía sus paredes tapizadas de libros, más que yo. El que más tenía en un momento fue Alí Chumacero”. La vida de Chumacero transcurrió en medio del gran movimiento cultural latinoamericano del siglo XX. No buscó estar en el centro de la escena, pero su camino se cruzó con algunas de sus figuras más importantes. En una entrevista recordó haber conocido a Pablo Neruda, a quien Octavio Paz le presentó durante el velorio de Silvestre Revueltas. De Argentina guardaba una anécdota especial. Contó que llegó a saludar a Jorge Luis Borges en una comida organizada en el restaurante El Tío Luis, un histórico establecimiento de la colo-

nia Condesa que durante décadas fue punto de encuentro de escritores y personajes de la vida cultural mexicana. No tuvo la oportunidad de conversar con él, pero sí de estrechar su mano: “Tuve el gusto de darle la mano a Borges”, recordó con la sencillez que lo caracterizaba. La amplitud de sus relaciones tampoco se limitó al ámbito literario. En aquella conversación recordó, entre risas, que conservaba una fotografía autografiada que le había enviado Fidel Castro. La imagen llevaba una dedicatoria escrita de puño y letra: “Al poeta mexicano, Alí Chumacero, fraternalmente, Fidel Castro. 1985”. Cuando le preguntaron por qué se la había enviado, respondió que simplemente se la hizo llegar un amigo en común. Después bromeó sobre su personalidad y sus convicciones: “Soy rojillo, y me corren de todas partes, lo cual me da gusto. Si no me corren, me voy”. Más allá de las anécdotas, estos episodios muestran la amplitud del mundo intelectual al que perteneció Alí Chumacero. Y, sin embargo, existe una paradoja difícil de ignorar. Nacido en Acaponeta en 1918, Alí Chumacero llevó el nombre de Nayarit a la literatura mexicana del más alto nivel. Mientras Octavio Paz, José Emilio Pacheco y otros grandes escritores reconocieron su importancia, en su propio estado todavía no hemos terminado de leerlo. Quizá esa sea la deuda pendiente. Uno de los poetas más importantes nacidos en Nayarit sigue siendo más recordado en los homenajes que leído en las bibliotecas y en las casas. La mejor manera de honrar a Alí Chumacero no es repetir su nombre cada aniversario, sino volver a sus versos. Tal vez no exista mejor puerta de entrada a su poesía que Poema de amorosa raíz, el primer texto que publicó, en 1940, cuando apenas comenzaba su camino literario.

Poemade amorosaraíz Antes que el viento fuera mar volcado, que la noche se unciera su vestido de luto y que estrellas y luna fincaran sobre el cielo la albura de sus cuerpos. Antes que luz, que sombra y que montaña miraran levantarse las almas de sus cúspides; primero que algo fuera flotando bajo el aire; tiempo antes que el principio. Cuando aún no nacía la esperanza ni vagaban los ángeles en su firme blancura; cuando el agua no estaba ni en la ciencia de Dios; antes, antes, muy antes. Cuando aún no había flores en las sendas porque las sendas no eran ni las flores estaban; cuando azul no era el cielo ni rojas las hormigas, ya éramos tú y yo. Alí Chumacero

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us máximas aparecen en escuelas militares,empresas,vestidores deportivos,libros de liderazgo y publicaciones en redes sociales.Sun Tzu ha terminado convertido en consejero universal: sirve para dirigir un ejército,negociar un contrato, enfrentarse a la competencia o sobrevivir a una junta hostil.Pero detrás de esa enorme popularidad hay una historia bastante más extraña. Para empezar,ni siquiera podemos afirmar con absoluta certeza quién fue Sun Tzu.“Sun Tzu”,o Sunzi,significa aproximadamente “Maestro Sun”.La tradición identifica a este personaje con Sun Wu,un estratega que habría vivido hacia finales del periodo de Primaveras y Otoños y servido al rey Helü,gobernante del estado de Wu,alrededor del siglo V a.C.El problema es que la biografía más famosa de Sun Wu fue escrita por el historiador Sima Qian varios siglos después de la época en la que supuestamente vivió.En ella aparece incluso una célebre historia en la que el estratega demuestra al rey su capacidad para imponer disciplina entrenando a las mujeres del palacio.Es una buena anécdota que como documento histórico resulta menos fiable. La existencia de Sun Wu y la autoría de El arte de la guerra abren debate hoy porque algunos especialistas consideran que detrás del libro pudo existir realmente un estratega histórico; otros creen que el texto adquirió su forma a lo largo del periodo de los Estados Combatientes y que sus 13 capítulos podrían ser el resultado de una tradición intelectual desarrollada durante varias generaciones.Que ironía que uno de los estrategas más famosos de todos los tiempos consiguió ocultarse tan bien que todavía no estamos seguros de quién era. En 1972,arqueólogos que excavaban tumbas de la dinastía Han en Yinqueshan,en la actual provincia de Shandong,encontraron miles de antiguas tablillas de bambú.Entre ellas aparecieron textos militares extraordinarios: una versión temprana del Arte de la guerra atribuido a Sunzi y otro tratado diferente atribuido a Sun Bin,un estratega posterior.El descubrimiento fue especialmente importante porque durante siglos había existido confusión sobre la relación entre ambos personajes y sus respectivas obras.De pronto,dos tratados distintos estaban físicamente allí,enterrados en una misma tumba desde hacía más de dos mil años. Sun Tzu escribe sobre la guerra desconfiando profundamente de ella.Gran parte del tratado está dedicada al precio de combatir: mantener ejércitos, transportar provisiones,movilizar hombres y prolongar campañas consume los recursos de un Estado.Una guerra excesivamente larga puede agotar incluso al vencedor.El buen estratega,entonces,no es necesariamente aquel que gana más batallas…es aquel que necesita menos.

III

Lecturas

Aprender de los

OPINIÓN ANÓNIMO ERA UNA MUJER

CLÁSICOS

MELISSA MORENO CABRERA @melissototota

Antes de ser Kusama

ESPECIAL

La muerte de la artista japonesa abre una mirada hacia la joven creadora que existió antes de convertirse en fenómeno mundial

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ayoi Kusama falleció el pasado 14 de agosto,a los 97 años,en un hospital de Tokio.La noticia,anunciada el jueves por su museo y su estudio,cierra una vida dedicada prácticamente por completo a la creación.Pintó hasta sus últimos días y murió convertida en una de las artistas más reconocibles del mundo,dueña de un lenguaje logró instalarse en la cultura popular. Mucho antes de alcanzar ese reconocimiento,Kusama pasó parte de su adolescencia cosiendo paracaídas en una fábrica japonesa durante la Segunda Guerra Mundial.En noviembre de 1944,cuando tenía 15 años, fue movilizada junto con otras estudiantes para trabajar en una de estas fábricas,donde aprendió a coser, una técnica que años después llevaría a sus esculturas textiles.Para entonces el dibujo ya formaba parte de su vida.Se conserva una obra realizada hacia 1939, cuando tenía alrededor de 10 años,en la que aparecen puntos,círculos y formas similares a redes,elementos que se volverían recurrentes en su trabajo. Nació en 1929 en Matsumoto,en una familia dedicada al negocio de semillas,plantas y flores.En 1948 se trasladó a Kyoto para estudiar nihonga,pintura tradicional japonesa,cuya enseñanza conservadora la llevó a explorar otras técnicas por su cuenta.Poco antes de cumplir 23 años ya había reunido suficiente obra para presentar su primera exposición,celebrada en 1952 en Matsumoto con más de cien dibujos y pinturas. Su interés por desarrollar una carrera fuera de Japón.En 1957 dejó Japón y,tras destruir buena parte de la producción que había acumulado,cruzó el Pacífico llevando cerca de dos mil trabajos sobre papel que esperaba vender para sostenerse.Su primera parada fue Seattle,donde presentó una exposición individual, y en 1958 se trasladó a Nueva York,con 29 años y varios años de trabajo detrás,para iniciar una de las etapas que resultarían decisivas en su trayectoria. Mirar esos primeros años permite encontrar a una Kusama muy distinta de la figura que décadas después alcanzaría reconocimiento mundial,una joven que había vivido la guerra,trabajado en una fábrica de paracaídas,producido cientos de obras y buscado fuera de Japón un espacio para continuar su carrera. Las habitaciones de espejos,las calabazas monumentales y las exposiciones multitudinarias llegarían mucho después,cuando algunos de los elementos que terminaron definiendo su lenguaje llevaban años apareciendo en sus dibujos y pinturas.Murió convertida en un icono mundial,después de una trayectoria que hizo de su nombre una referencia inmediata del arte contemporáneo.Volver a la mujer que existió antes de ser Kusama permite entender cuánto camino hubo antes de que el mundo aprendiera a reconocerla.

IV

SU VERSIÓN de la Comedia de Dante ha tenido gran reconocimiento y difusión.

José María Micó, Premio Internacional Alfonso Reyes, habla de los autores que han marcado su trayectoria, de lo que aprendió al traducir a Dante, Ariosto y Tasso, y de la filología, la poesía y la música en su trabajo

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ALIDA PIÑÓN

Lecturas

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osé María Micó lleva 45 años publicando. Poeta, filólogo, traductor, ensayista y profesor, su trayectoria puede seguirse también a través de los autores que lo han acompañado: Góngora fue uno de los primeros y terminó por llevarlo hacia Ariosto, Dante y Tasso, de quienes tradujo el Orlando furioso, la Comedia y Jerusalén liberada. El escritor español recibirá en noviembre próximo el Premio Internacional Alfonso Reyes, que reconoce una trayectoria en la que, señaló el jurado, conviven investigación, ensayo, traducción y creación. Su relación con Reyes comenzó cuando empezó a estudiar a Góngora y encontró que el escritor mexicano ya había dedicado ensayos y estudios al poeta desde las primeras décadas del siglo XX. En entrevista con Cúpula, Micó vuelve a Góngora, a la traducción y a los autores que lo formaron, pero también habla de lo que busca hoy en la literatura y del lugar que la música ha ganado en su trabajo.

José María Micó TRADUCTOR

"CUANDO LEÍA DE JOVENCITO A GÓNGORA TAMBIÉN ME GUSTABAN MUCHO JORGE LUIS BORGES O LA POESÍA DE PABLO NERUDA"

El jurado habla del carácter “ecuménico” de su trayectoria,por la convivencia entre investigación,ensayo,traducción y creación. ¿Reconoce fronteras entre esas disciplinas? Desde que empecé a interesarme por la poesía fui de modo natural combinando esas actividades, la creación con la traducción, con el ensayo, con el estudio filológico. Para mí no son fronteras, sino que forman parte de un mismo espacio. Me gustaría pensar que también fue así para Alfonso Reyes, la escritura le llevaba al estudio, el estudio a la traducción, la traducción al ensayo y todo forma parte del mismo campo. En su trayectoria aparecen Góngora,Cervantes, Dante y Tasso,pero también su propia poesía, la música y la enseñanza.¿Qué autores fueron guiando el rumbo de su vida? Posiblemente el primer autor fue Góngora y es el primero que, además, tengo en común con Alfonso Reyes. Cuando empecé a interesarme por Góngora me di cuenta de que Reyes se había interesado por él mucho antes que yo y también algo antes que los poetas del 27. Si pensamos en el estudio y la filología, el poeta importante para mí ha sido Luis de Góngora. Sin embargo, mi poesía creo que es poco gongorina, quizá gongorina en la concepción, pero no tanto en el resultado. Creo que la mía es más comunicativa. De jovencito también me gustaba mucho Jorge Luis Borges o la poesía de Neruda. Algunos de esos textos los escuché antes de leerlos porque estaban en la música de Astor Piazzolla, en el caso de Borges, o en la música de Raimon, que cantaba a Ausiàs March. Yo descubrí a Ausiàs March, uno de mis grandes poetas preferidos, también a través de la música. Y como Borges fue uno de mis primeros poetas admirados, me ha hecho una especial ilusión recibir un premio cuyo primer galardonado fue precisamente él. Góngora ha estado en el centro de su carrera como filólogo.¿Todavía puede sorprenderlo? Sí, me sigue sorprendiendo. Hay todavía algunos versos de Las Soledades que no están acabados de aclarar y que siempre presentan problemas de discusión. La poesía de Góngora tiene muchos prodigios por descubrir. Cuando leí por primera vez “en tierra, en humo, en polvo, en sombra, en nada”, me dio la impresión de que eso era a lo que quería dedicarme, a escribir versos como ese. Cuando lo explico en clase les digo que hay una gradación desde la máxima materialidad de la tierra hasta la máxima inmaterialidad de la nada. En el español de hoy podría parecer que sería más perfecta “en tierra, en polvo, en humo, en sombra, en nada”, y nos hacemos la ilusión de pensar que podemos mejorar a Góngora.

EL JURADO del Premio Alfonso Reyes lo calificó como un poeta de voluntad sutil.

Pero no es verdad. Góngora puso el humo donde tenía que estar. Para él el humo no es el del tabaco o la chimenea, sino el humus, la tierra funeral. Todavía decimos “inhumar”. Esa capacidad de los poetas para tener conciencia del instrumento que tocan, que es la lengua, crea precisamente la sorpresa. Mejorar a un buen poeta es muy difícil. Ese verso no diré que me convirtió en poeta, pero me dio ganas de intentar escribir poesía. Después de vivir durante años dentro de obras como la Comedia,el Orlando furioso o Jerusalén liberada,¿se escribe de otra manera? Sí, yo creo que se escribe de otra manera. Ahora tengo que preparar una plaqueta con motivo del premio que saldrá en noviembre. Habrá tres secciones: una de creación poética propia, “La apuesta del verso”; una parte con unos pocos ensayos, “La experiencia de los clásicos”; y una pequeña muestra de las traducciones que he realizado, que voy a titular “La vida de los otros”. Cuando uno traduce la Comedia de Dante, el Orlando furioso o Jerusalén liberada de Torquato Tasso, obras a las que sus autores dedicaron buena parte de su vida, tener la ocasión de traducirlas es una situación privilegiada, porque aprendo mucha literatura.

José María Micó TRADUCTOR

"Después de traducir a estos autores no sé si soy mejor poeta o no, pero he tenido la obligación de escribir versos muy buenos. No son míos, son de ellos".

Másdelpoeta

Es poeta,músico y traductor. Su carrera académica se ha desarrollado en varias universidades,principalmente en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Es catedrático de literatura española.

Después de traducir a estos autores no sé si soy mejor poeta o no, pero he tenido la obligación de escribir versos muy buenos. No son míos, son de ellos, pero he tenido que escribirlos en una lengua distinta. Sólo como ejercicio es extraordinario. La vida y la escritura de Dante, Ariosto, Tasso, Ausiàs March, Jacint Verdaguer y otros poetas ha sido una oportunidad para aprender poesía, aprender los misterios de la poesía y enriquecer mi propia experiencia personal con la vida de los otros. ¿Qué significa recibir el Premio Internacional Alfonso Reyes después de una trayectoria tan larga? Llega en la madurez. Es un premio a una trayectoria. No diré un premio para viejos, pero es un premio para personas que han hecho algo en los 20, 30 o 40 años anteriores, como es mi caso. Creo que en los años futuros voy a seguir ese mismo camino. Ya que ha sido revalidado, refrendado por este generoso premio, lo que tengo que hacer es seguir así mientras el cuerpo aguante. Ahora me estoy dedicando muy intensamente a la música, estoy componiendo música para mis poemas. He grabado ya varios discos y un premio como este también puede ser un estímulo para nuevos caminos.

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V

Viaje al pasado

FRAY SERVANDO, REDACCIÓN

FOTOS AGN Y CUARTOSCURO

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a avenida Fray Servando Teresa de Mier de la Ciudad de México no nació como una sola calle. Su historia se formó por tramos, a medida que la capital creció sobre lagos, acequias y chinampas, y convirtió una franja situada en sus límites en una de las vialidades más transitadas del centro y el oriente. Durante la época prehispánica, la zona se encontraba cerca del límite sur de México-Tenochtitlan, en un territorio marcado por el agua y por barrios indígenas comunicados mediante calzadas y canales. Después de la Conquista permaneció durante siglos fuera de la traza española. Allí se asentaron capillas, viviendas, potreros y actividades que, como el rastro y el matadero, eran desplazadas hacia la periferia. Los mapas de finales del siglo XVIII muestran una vía corta que comenzaba en la compuerta de Santo Tomás, hacia el oriente, y terminaba en la Calzada de San Antonio Abad. No tenía un solo nombre, cada segmento era reconocido por sus construcciones, su paisaje o los oficios de sus habitantes. A lo largo del recorrido aparecieron denominaciones como Puente de Santo Tomás, Cacahuatal, Puente del Matadero, Calzada del Molino, Tlaxcoaque y Rinconada de la Chinampa. El Matadero remitía al rastro que funcionaba en los alrededores; la Chinampa, a los terrenos ganados al agua, y los puentes, a las acequias que todavía atravesaban la zona. Tlaxcoaque, entonces uno de los extremos de la capital, conserva hasta nuestros días su antigua capilla como testimonio de ese pasado. Durante el siglo XIX, el crecimiento urbano modificó aquella frontera. La calle adquirió importancia por su cercanía con San Pablo, La Merced,

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el rebelde que se volvió avenida La arteria que hoy cruza el centro y el oriente de la capital reunió caminos, puentes y barrios, fue la zona de tolerancia de Cuauhtemotzin y terminó convertida en uno de sus grandes ejes viales

San Lucas, San Antonio Abad y el Canal de la Viga, por donde ingresaban alimentos y mercancías procedentes de Xochimilco, Tláhuac y Chalco. Era, al mismo tiempo, puerta de entrada, zona comercial y margen urbano. A principios del siglo XX, la vía fue prolongada hacia el oriente hasta la Calzada de Coyuya, en Balbuena, con el nombre de Puente de Garavito. Hacia el poniente cruzó San Antonio Abad, un tramo fue llamado Chinampa y otro Nava. Alrededor de 1910, los diferentes segmentos fueron unidos bajo el nombre de Cuauhtemotzin. Entre 1929 y finales de la década de 1930, Cuauhtemotzin fue reconocida como zona de tolerancia. En sus alrededores se concentraron prostíbulos, cantinas, cabarets y hoteles, aunque también había viviendas, talleres y comercios. La prostitución reglamentada fue abolida en 1940 y, hacia 1942, la calle fue intervenida y recibió el nombre de Fray Servando Teresa de Mier, en ho-

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Saber más Debido a las ideas desafiantes de Fray Servando contra la Corona y la Inquisición,fue encarcelado múltiples en América y en España.

menaje al fraile dominico, escritor, perseguido político que defendió la emancipación de México a través de sus críticas al dominio español y su participación en la construcción de la república El cambio tardó en imponerse, todavía en 1947 algunos anuncios aclaraban que se trataba de la antigua Cuauhtemotzin. La modernización terminó por modificar su escala. En la década de 1960 fue ensanchada y se construyó el paso a desnivel de San Antonio Abad. La antigua calle de barrio se convirtió en una avenida destinada al automóvil y al transporte público. Después llegaron la estación Fray Servando de la Línea 4 del Metro y su incorporación al sistema de ejes viales. Hoy forma parte del Eje 1 Sur y marca el límite meridional de La Merced. En su recorrido conviven la Plaza Tlaxcoaque, mercados, oficinas, estaciones de transporte, comercios, viviendas y antiguos barrios.

Arte emergente

"SOY UN TRIQUI

CORTESÍA

que trabaja el arte" El artista Joel Merino lleva la memoria, la lengua y la identidad de su comunidad a murales, textiles y distintas expresiones POR AZANETH CRUZ

Sobre elpintor Es activista en la Asociación de Artesanos Indígenas Triquis Tinujei,que propone generar arte desde las comunidades y para las comunidades. Su padre creó en la asociación en 1992. Para él, el mural funciona como una herramienta para ocupar y resignificar las calles. Actualmente radica en Oaxaca, donde desarrolla su práctica artística. Ha pintado más de un centenar de murales.

P

ara Joel Merino, el arte comienza mucho antes de que aparezca un lienzo, un aerosol o un muro, está en el telar de cintura que trabaja su madre, en la orfebrería de su padre, en las historias de su abuela y en los saberes que se transmiten dentro de una comunidad. Está también en la migración, en la lengua y en la necesidad de hacer visible una identidad que, durante generaciones, ha sido reducida al folclor. Merino tiene 38 años y nació en San Juan Copala, Oaxaca, en la región triqui de la Mixteca y, desde pequeño, cuenta, se convirtió en migrante dentro de su propio país debido a las condiciones sociales y políticas de su comunidad, que llevaron a su familia a desplazarse hacia distintas regiones de México para comercializar su producción artesanal. En ese recorrido conoció la ciudad, las bellas artes y otras formas de creación. “Mi primer recuerdo y mi primera relación con el arte es la artesanía, o lo que actualmente llaman arte popular. Crecí entre esos oficios y una vida comunitaria que se convirtió en mi primera escuela, porque cuando llegué a Querétaro, alrededor de los seis o siete años, comencé a acercarme a la pintura. Más tarde, durante la adolescencia, descubrí el gran formato y empecé a construir de manera autodidacta un lenguaje que después incorporó el aerosol, el grafiti, el mural, el grabado, la ilustración, la cerámica, la serigrafía y el trabajo textil”, explica el artista. “No pasé por una academia tradicional, pero mi formación se fue desarrollando entre la comunidad y la ciudad, entre la herencia familiar y las herramientas que me fui encontrando fuera de ellas. Por eso, aunque la gente me conoce por mis murales, no me siento cómodo con las categorías que buscan definirlo. Yo no hago arte indígena, sino que soy un triqui que trabaja el arte”, afirma en entrevista con Cúpula. Esa frase, dice, resume una postura para Merino, quien representa a un pueblo originario y cuyo trabajo busca mostrar a la comunidad triqui como un sujeto contemporáneo, con una cosmogonía viva, una lengua propia y una capacidad permanente para producir pensamiento y arte.

EL ARTISTA

LAS MUJERES como parte de su obra ocupan un lugar destacado.

Por otra parte, sus murales llevan rostros de integrantes de su comunidad a espacios públicos de México y Europa, en ellos aparecen mujeres, huipiles y miradas que ocupan superficies de gran formato. La escala, señala, también es una declaración, “es hacer que esos rostros estén presentes significa disputar el espacio público y cuestionar las representaciones que históricamente construyen al indígena como una figura estática, exótica o folclórica”. En este sentido, compartió que comenzó a trabajar en Europa en 2017 y que, desde entonces, colabora con distintos proyectos en Francia,

Bélgica, Alemania y Suecia, aunque París, ciudad a la que regresa a pintar año con año, concentra una parte importante de su producción. Y explicó que su llegada a Europa no responde a una búsqueda de legitimidad, sino a una exploración de oportunidades. “Encontré en el arte público una manera de hacer frente a las políticas de invisibilización y de buscar reafirmar la permanencia y la autodeterminación de la nación triqui”, dice. Merino se define como un migrante en su propio país y conoce desde niño la discriminación que enfrentan quienes portan una identidad indígena en contextos urbanos, en ese sentido, pintar se convierte también en una forma de responder. Las mujeres como parte de su obra ocupan un lugar fundamental, pero su madre y su abuela son sus principales referentes de lucha y transmisión cultural porque, señala, antes de conocer palabras como activismo, observó cómo ellas enfrentaron la vida urbana y preservaron sus saberes. “Para mí las mujeres son las principales luchadoras y defensoras de las culturas de los pueblos originarios”, sostiene el artista. Mientras que el huipil, precisa, no sólo identifica a una comunidad, “también cuenta una historia porque contienen formas de conocimiento”.

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nació en San Juan Copala, Oaxaca, en la región triqui de la Mixteca.

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