Cúpula 18 de agosto de 2026

Suplemento Semanal

heraldodemexico.com.mx

Despertares,

MUCHO MÁS QUE VIRTUOSISMO

Isaac Hernández reúne por doceava vez a figuras internacionales que nos hablan de excelencia, libertad, riesgo y de las distintas formas de relacionarse con el público

ELIHU GALAVIZ

MARTES 18 DE AGOSTO DE 2026

El ballet no es nada sin el drama:

Proyectos La primera solista del Ballet Mariinsky debutará en México con su participación en el espectáculo dancístico Despertares; habla de la tradición, los personajes clásicos y la necesidad de que la técnica esté al servicio de las emociones ALIDA PIÑÓN FOTO: CORTESÍA

M

aria Khoreva pertenece a una tradición construida durante siglos, pero no cree que preservarla signifique repetirla. Formada en la Academia Vaganova y primera solista del Ballet Mariinsky, la bailarina rusa considera que asumir esa herencia exige también conseguir que el ballet siga hablando a los espectadores de hoy. “Ser parte de esto es una enorme responsabilidad, tienes que poner todo tu esfuerzo en seguir esas tradiciones y, al mismo tiempo, asegurarte de que tu danza no pierda relevancia para el público actual”, dice en entrevista con Cúpula, antes de su primera visita a México para participar en Despertares, espectáculo que se presenta el 29 de agosto en el Auditorio Nacional. Nacida en San Petersburgo, Khoreva creció, dice, en un entorno marcado no sólo por el ballet, sino también por la arquitectura, la música y la literatura. “Tuve muchísima suerte de crecer en un ambiente que me nutrió con la estética más refinada del clasicismo, no sólo en el ballet, sino también en la arquitectura, la música, la literatura y muchas otras cosas, porque todo eso es San Petersburgo. Y, por supuesto, Vaganova y el Mariinsky son cumbres de belleza, las tradiciones de la danza académica se han formado aquí durante siglos”, apunta. En 2018 se graduó de la Academia Vaganova, donde estudió con Lyudmila Kovaleva, e ingresó ese mismo año al Ballet Mariinsky, compañía en la que actualmente tiene el rango de primera solista. Pero para Khoreva, esa tradición no puede sostenerse únicamente en la técnica. “Para mí, el ballet no es absolutamente nada sin el drama y la actuación, porque la coreografía clásica es una verdadera continuación de las emociones más sinceras a través del lenguaje

corporal. Cada movimiento en el escenario debe comenzar sintiendo algo que tu personaje siente en ese momento de su vida; de otro modo, ni siquiera tiene sentido interpretar”, cuenta. Cuando comienza a preparar un papel, antes de llevarlo al cuerpo lo pasa por las palabras: “Escribo absolutamente todo sobre mi personaje y su monólogo interior hasta en el más mínimo detalle. Eso me ayuda después a traducir esas palabras en coreografía”, apunta Khoreva. La bailarina ha interpretado algunos de los grandes personajes del repertorio como Giselle, Nikia en La Bayadère, Odette-Odile en El lago de los cisnes, Aurora en La bella durmiente, Raymonda, Medora en Le Corsaire y Kitri en Don Quijote, entre otros. Volver a ellos tampoco significa repetir lo aprendido. “Cambian en cada función, crecen junto conmigo y ésa es la verdadera magia del teatro en vivo. Estoy convencida de que podemos comprender a estos personajes complejos, nuestras experiencias más verdaderas ocurren dentro del alma y su intensidad no depende necesariamente de factores externos como la época, el país o la condición social. El amor es el amor y todos podemos sentirlo tan profundamente como humanamente sea posible. Al final, todos estos ballets hablan del amor”, sostiene. Además, frente a la velocidad de las pantallas y la comunicación permanente, encuentra además algo elemental en asistir a una función. “El ballet ofrece una oportunidad fantástica para detenerse durante un par de horas y transportarse por completo a una nueva realidad mágica. Dejar a un lado los incontables mensajes de trabajo y las tareas de todos los días y simplemente soñar con algo hermoso”, señala. Sobre su próximo visita a México, comparte: “He escuchado cosas increíbles sobre el público mexicano por parte de otros bailarines. Para mí, como artista, la experiencia más única y valiosa siempre ha sido compartir lo que amo con las personas. Estoy muy emocionada por encontrar nuevas almas afines en el hermoso país de México, nuevos amigos a quienes les importe el arte del ballet y que estén dispuestos a emprender juntos este viaje mágico”. Para Khoreva, ser parte de una gala que reúne distintas procedencias y formas de entender el movimiento también permite llevar la tradición en la que se formó fuera de su propio territorio. “Es mucho más que una función, es una celebración de la danza. Es muy especial compartir el escenario con artistas de diferentes países, porque cada uno lleva consigo su propia cultura, experiencia y manera de expresarse a través del movimiento; estoy muy feliz”, cierra.

Talentoruso

MARIA KHOREVA cupula @heraldodemexico.com.mx

RAFAELA KASSIAN

ALIDA PIÑÓN

DIRECTORA SOFT NEWS

EDITORA

rafaela.kassian @heraldodemexico.com.mx

alida.pinon @heraldodemexico.com.mx

La bailarina es egresada de una gran escuela. Es primera solista del prestigioso Ballet Mariinsky desde 2018. En 2020 fue ganadora de la tercera temporada del show de competencia de la televisión rusa Gran Ballet.

LUIS CARLOS SÁNCHEZ EMMANUEL ORTIZ MATADAMAS EDITOR GRÁFICO

COEDITOR

luiscarlos.sanchez @heraldodemexico.com.mx

AZANETH CRUZ LIZBETH MORALES

MIRIAM OCARIZ

OMAR MÁRQUEZ GRAJALES

COEDITORES GRÁFICOS

TANNIA LERDO DE TEJADA

REPORTERA

azaneth.cruz @heraldodemexico.com.mx

Proyectos

“Todos somos

increíbles a nuestra manera

”

La primera bailarina del American Ballet Theatre habla de la madurez, la técnica y la libertad que ha encontrado como intérprete; volverá a México para participar en Despertares

HEE SEO

ALIDA PIÑÓN FOTO: HENRY LEUTWYLER

H

ee Seo no cree que la madurez conceda necesariamente una mejor interpretación. Después de más de dos décadas dedicadas al ballet y convertida en una de las primeras bailarinas con mayor trayectoria en el American Ballet Theatre (ABT), la surcoreana mira a los jóvenes asumir los personajes que ella misma ha interpretado y encuentra en ellos algo que no puede repetirse: la frescura de quien llega por primera vez a un papel. “Sí y no”, responde cuando se le pregunta si existen personajes que sólo pueden comprenderse plenamente con la edad y la madurez emocional. “Cuando era una bailarina que comenzaba en la compañía aprendía muchísimo y deseaba bailar como los primeros bailarines de mayor trayectoria, tener su profundidad y soltura. Ahora soy una de las primeras bailarinas veteranas del ABT y veo a los jóvenes apropiarse de los papeles y me encanta la frescura que tienen. Hay algo ahí que no puede reproducirse”, cuenta en entrevista. Para Seo, la interpretación tampoco consiste en alcanzar una versión definitiva de un personaje. “Lo importante no es perfeccionarlo, sino cómo puedes contar tu historia de principio a fin sin fisuras y lograr que el público crea en ella”, dice. Esa manera de entender el ballet acompaña a Seo en una carrera que comenzó en Corea del Sur y continuó fuera de su país desde la adolescencia. Se formó posteriormente en Estados Unidos, en una escuela de tradición rusa, y en Stuttgart, experiencias que, dice, le enseñaron algo más que distintas maneras de ejecutar una técnica. “Aprendí a adaptarme a diferentes culturas y a aceptar la belleza en cualquier forma y en cualquier entrenamiento. Muchas veces las personas

terminan encerradas en una sola forma por su formación y sus antecedentes. Yo no tengo fronteras, cuando veo algo hermoso que me conmueve, me gusta”, comparte. Seo nació en Seúl y estudió en la Sun Hwa Arts Middle School antes de recibir una beca para formarse en la Kirov Academy of Ballet de Washington. Posteriormente estudió en la John Cranko School de Stuttgart. En 2004 ingresó al Studio Company del American Ballet Theatre; en 2005 pasó al cuerpo de baile, fue nombrada solista en 2010 y primera bailarina en 2012, convirtiéndose en la primera bailarina surcoreana en alcanzar ese rango en la compañía. Pero cuando habla de sí misma, Seo reconoce el virtuosismo como lo más importante de su trayectoria. “El ABT tiene tantos talentos capaces de hacer trucos increíbles que siempre me superan con sus habilidades técnicas”, dice entre risas. “Yo nunca podré hacer lo que ellos hacen, pero ellos tampoco podrán hacer lo que yo puedo hacer. Eso es lo que me encanta del ABT. Todos somos increíbles a nuestra manera”, asegura. La técnica, sin embargo, tampoco puede separarse de la interpretación. “Las dos. No puedes ser un artista con sólo una de ellas”, sostiene y agrega que “con los años no sólo he aprendido a amar las funciones, sino también los ensayos. Explorar diferentes maneras de expresarme es

divertido. Amo a las personas con las que trabajo. He tenido la enorme fortuna de contar con compañeros maravillosos a lo largo de mi carrera”. Después de tantos años de funciones, giras y personajes, hay algo mucho más cotidiano que todavía la entusiasma: ir a trabajar. “Es donde me siento cómoda y amo a la gente con la que trabajo”. En el American Ballet Theatre ha coincidido con Isaac Hernández, a quien conocía desde antes de compartir escenario con él. “Cuando empecé a conocerlo personalmente y como bailarín me sorprendieron su sensibilidad, su profundidad y su amor por esta forma de arte . Una vez llevó una caja de regalos para toda la compañía porque le había parecido que yo había estado hermosa y lo había inspirado. ¡Qué dulce es eso!”. Ahora volverán a coincidir en Despertares, que se realizará el 29 de agosto en el Auditorio Nacional. Para Seo, México no es únicamente el lugar de la próxima función. “Espero con emoción encontrarme con el público mexicano”.

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

EstrelladelABT La crítica especializada ha destacado su trabajo. Fue la primera bailarina coreana de la compañía en ser ascendida a bailarina principal en los 75 años de historia del ABT. Revistas de prestigio como Vogue la han calificado como "indescriptiblemente grácil". Apoya y promueve activamente el desarrollo de jóvenes bailarines que inician su camino en la danza.

III

Proyectos

Despertares

busca trascender a su fundador POR ALIDA PIÑÓN FOTO: DAVID SUÁREZ

D

urante más de una década, Isaac Hernández ha puesto en Despertares recursos económicos, pero también la credibilidad y las relaciones construidas a lo largo de su carrera internacional y la confianza de los artistas que aceptan participar en el proyecto. De cara a la duodécima edición, que se realizará el 29 de agosto en el Auditorio Nacional, el bailarín y productor mexicano considera que el siguiente paso debe ser construir una estructura que permita que la plataforma trascienda a quien la creó. “Los grandes proyectos culturales casi siempre nacen del compromiso personal de alguien que decide asumir un riesgo antes de que exista una estructura que lo sostenga. Así ocurrió con muchas compañías, festivales e incluso teatros que hoy consideramos indispensables. Isaac ha puesto mucho más que recursos económicos: ha puesto su credibilidad, las relaciones que ha construido a lo largo de una carrera extraordinaria y, sobre todo, la confianza de artistas que aceptan venir porque creen en su visión”, señala. Pero, afirma, “el verdadero éxito de un proyecto llega cuando deja de depender de una persona. Eso sólo ocurre cuando la sociedad lo reconoce como propio, cuando la iniciativa privada entiende su valor y cuando las instituciones públicas lo consideran una inversión cultural y no un gasto ocasional. Ese debería ser el siguiente paso de Despertares: convertirse en una plataforma que trascienda a su fundador sin perder el espíritu que la hizo posible”. Producir un espectáculo de estas características implica traslados de compañías internacionales, escenografías, seguros, derechos de autor y cargas fiscales, procesos que, explica Hernández en entrevista con Cúpula, pueden ser mucho más complejos de lo necesario. Para él, el país necesita reglas claras, incentivos para el patrocinio privado y marcos legales que respondan a las necesidades de las producciones internacionales. “Cuando un país facilita esos procesos, no sólo ayuda a un productor; crea un ecosistema capaz de atraer talento, generar empleo y producir riqueza cultural. Las artes también son industria”. En esa construcción, dice, el público también tiene una responsabilidad que va más allá de comprar una entrada. “Formar el hábito de asistir al teatro lo es todavía más. Llevar a los hijos, recomendar una función, apoyar a las compañías locales, interesarse por los artistas jóvenes y entender que la cultura forma parte de nuestra vida cotidiana tiene un efecto enorme”. También, añade, se trata de exigir que el arte sea tomado en cuenta cuando se discuten presupuestos públicos y prioridades sociales. “La cultura no es un lujo reservado para tiempos de

IV

Isaac Hernández considera que la continuidad del proyecto requiere mejores condiciones para producir danza en México, respaldo privado, políticas públicas y formación de públicos

Enla agenda Este año Hernández reunió ballet, contemporáneo, ballroom, tap, breakdance, acrobacia y tecnologías escénicas.

abundancia. Es precisamente en los momentos difíciles cuando más necesitamos aquello que nos recuerda quiénes somos”. Ampliar los públicos, sin embargo, no significa reducir las exigencias. “El arte debe estar abierto para todos, pero nunca debe renunciar a la aspiración de alcanzar el nivel más alto posible”, dice. También reconoce los límites de la iniciativa privada. “Las grandes tradiciones artísticas del mundo no se construyeron con eventos aislados, sino con instituciones sólidas, educación artística, compañías estables y una visión de largo plazo”. Y es ahí donde coloca el reto para México:

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

“Despertares demuestra que México tiene el talento, el público y el prestigio internacional para ocupar un lugar importante en la danza mundial. Ahora corresponde construir las condiciones para que esa presencia deje de depender únicamente de esfuerzos individuales”. Para esta edición, Hernández reunió ballet, contemporáneo, ballroom, tap, breakdance, acrobacia y tecnologías escénicas. La selección, dice, parte de la excelencia artística, pero no sólo de ella. “También es importante contar una historia, sorprender, emocionar y reflejar el momento que vive el arte”.

ISAAC ES Primer bailarín del ABT, uno de las grupos relevantes del mundo.

Proyectos

EKLEIDO, UN LENGUAJE PROPIO Hannah Ekholm y Faye Stoeser presentan en México Splice, obra con la que comenzaron a construir un lenguaje que mezcla estilos underground, danza contemporánea y ballroom

Datos clave El famoso dúo es reconocido por su estilo vanguardista. Colabora de manera muu cercana con productores de música electrónica.

LA PIEZA que presentan el 29 de agosto en el Auditorio Nacional reúne danza contemporánea con lenguajes como el threading y bone-breaking.

POR ALIDA PIÑÓN FOTO: PAUL HAMPARTSOUMIAN

C

uando Hannah Ekholm y Faye Stoeser crearon Splice, hace tres años, no imaginaban que aquella primera colaboración terminaría por convertirse en Ekleido, la compañía que hoy dirigen. Para Ekholm, el impulso apareció después de la pandemia, tras más de una década interpretando las obras de otros coreógrafos y con el deseo de tener mayor participación creativa; para Stoeser el tránsito fue menos deliberado, disfrutaba bailar el trabajo de otros artistas y las oportunidades coreográficas fueron apareciendo hasta que una de ellas las reunió. “El público disfrutó la obra y siguió siendo programada, lo que llevó a más oportunidades, mientras yo descubría que crear coreografía me resultaba enormemente satisfactorio. Finalmente, el trabajo coreográfico y la dirección artística de Ekleido reemplazaron mis otros trabajos en danza”, explica Stoeser. Splice, que estrenaron en mayo de 2023 en el COMMONS Festival de Stanley Arts y que ahora presentan en México como parte de Despertares, es un dueto de 15 minutos con música original de Floating Points en el que dos cuerpos buscan resolver una especie de rompecabezas físico. La pieza reúne danza contemporánea con lenguajes provenientes de la cultura underground, entre ellos New Way Voguing, threading y bone-breaking, y desde su creación ha recorrido escenarios y

festivales británicos. Las diferencias en la formación de Ekholm y Stoeser, dicen, terminaron por favorecer la construcción de ese lenguaje. Ambas provienen de la danza contemporánea y forman parte de la escena ballroom, aunque pertenecen a casas distintas. “Siempre bromeamos con que, aunque somos un dúo coreográfico, somos rivales en la escena ballroom”, cuentan. Dentro de Ekleido, explican, suelen coincidir en sus decisiones creativas y cuando aparecen opiniones distintas funcionan como un intercambio de ideas: “Buscamos mantener un equilibrio justo entre las ideas de ambas en nuestras producciones”. Ekholm, originaria de Gotemburgo, se formó en la Royal Swedish Ballet School y ha trabajado con artistas y agrupaciones como Natalia Osipova, Rambert, Sam Smith y Alexander Whitley Dance Company. Stoeser estudió en London Studio Centre y formó parte de Rambert 2, donde interpretó obras de Ohad Naharin, Benoit Swan Pouffer e Itzik Galili. Y aseguran que utilizan herramientas aprendidas tanto de la danza contemporánea como del vogue, pero evitan reproducir movimientos que puedan identificarse de manera directa con un estilo. “Somos muy conscientes de los contextos culturales de los estilos de street dance de los que partimos y ésa es otra razón por la que rara vez hacemos la versión ‘pura’ de un estilo cuando trabajamos con bailarines que quizá no pertenecen a esas escenas”. Si alguna de sus obras incluyera New Way Vogue en su forma original, agregan,

ESPERAMOS QUE CUALQUIER JOVEN QUE ESTÉ ENTRE EL PÚBLICO SE SIENTA INSPIRADO A SEGUIR UNA CARRERA EN LA DANZA Y A CREAR SU PROPIO TRABAJO buscarían que fuera interpretado únicamente por artistas formados en ese lenguaje e inmersos en la escena ballroom. La búsqueda de una identidad propia también proviene de la cultura de las batallas. Después de un año de presentar su trabajo, recuerdan, comenzaron a escuchar entre el público una frase que se repetía: que nunca habían visto algo parecido. “En el mundo de las batallas existe algo llamado ‘biting’, que está mal visto, y ocurre cuando alguien roba el movimiento de otra persona. Esa manera de pensar ha influido en nuestro enfoque coreográfico, en el que buscamos crear algo nuevo”. Reconocen que ninguna creación es

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

completamente original y que su trabajo también parte de referencias ajenas, pero la intención es transformarlas: “Cuando miramos lo que se ha hecho antes y tomamos inspiración de otros, siempre buscamos ‘remezclarlo’ a nuestra manera”. La precisión que caracteriza sus coreografías requiere, explican, muchas horas de ensayo hasta conseguir que el movimiento y la musicalidad se vuelvan naturales para las intérpretes y exista espacio para la expresión. Aunque sus obras son principalmente abstractas, construyen un arco emocional y buscan que el espectador transite por él. También la confianza desarrollada después de años de bailar juntas les ha permitido experimentar con levantamientos y figuras en las que resulta difícil distinguir dónde termina el cuerpo de una y comienza el de la otra. En apenas tres años, el proyecto pasó de aquel primer dueto a escenarios, festivales y producciones audiovisuales. “No imaginábamos que tanta gente conectaría con nuestro trabajo ni que crecería tan rápido”, dicen. Ahora, consideran que han establecido una manera de trabajar y una confianza que les permite llevar más lejos sus búsquedas. En México esperan que Splice sea el inicio y no una visita aislada. Quieren regresar con otras obras y que el público continúe siguiendo el trabajo de la compañía, pero también que los espectadores jóvenes encuentren en lo que hacen una posibilidad: “Esperamos que cualquier joven que esté entre el público se sienta inspirado a seguir una carrera en la danza o a crear su propio trabajo”, cierran.

V

Proyectos

MR.

KRISS lleva el breaking a la danza contemporánea

El bailarín, ilustrador y artista visual POR ALIDA PIÑÓN checo participará en Despertares; FOTO: OMAR Z. ROBLES. en entrevista habla sobre los límites ara Kristián Mensa, Mr. Kriss, la danza nunca del cuerpo, su proceso creativo y el fue un pasatiempo. Tenía 11 años cuando vio un espectáculo de breakdance en las calles diálogo entre disciplinas de París y supo que aquello ocuparía un

P

lugar mucho más profundo en su vida. Desde entonces, recuerda, el movimiento comenzó a acompañarlo prácticamente a todas partes. “Siempre ha sido así. Desde el primer momento, cuando tenía 11 años, sentí que esto no sería un hobby, sino una forma de vida completa. Y así ha sido. Camino a la escuela escuchaba breakbeats, en la escuela veía a escondidas batallas de breaking en mi iPod y, después de clases, corría entusiasmado a entrenar para no perderme ni un segundo”. La intensidad no ha desaparecido, al contrario, dice, “la danza me ha recordado mi identidad, mis raíces, y me ha acompañado durante algunos periodos oscuros de mi adolescencia y mi vida adulta”. Y aunque el breaking fue el origen de su lenguaje corporal, su relación con otras disciplinas comenzó mucho antes. Mensa creció haciendo teatro y tocando el piano, experiencias que, dice, terminaron filtrándose en su manera de bailar y le dieron confianza para ampliar los límites de aquello que hacía. “Me sentí con el valor de ampliar mi propia caja y, finalmente, abrir sus paredes por completo. Además de los breakbeats, practicaba con música clásica y me quitaba los tenis para bailar descalzo. En el

VI

breaking muchas veces extrañaba cierta lentitud y poesía, así que expandir mi estilo hacia formas más experimentales y contemporáneas me dio una nueva alegría al moverme”. Ese proceso también modificó la manera en que comprende físicamente su trabajo. “Con el tiempo siento que conozco mi cuerpo de una manera más inteligente y siento como si el oxígeno fluyera hacia muchos pequeños rincones que antes desconocía”. Es habla de una conciencia corporal que se ha afinado con los años, pero eso no significa que haya dejado de poner a prueba sus límites, “Creo que todavía visito esos límites y miro suavemente qué hay más allá, pero ahora hay mucha más claridad en ello. También practico material nuevo principalmente solo porque, si estoy rodeado de gente, aparece el deseo de lucirme y ése es un ambiente en el que fácilmente puedo lesionarme”. Actualmente, Mensa, quien también se dedica al trabajo de ilustrador e incluso se define como un bailarín que dibuja, se concentra también en aquello que ocurre entre un movimiento y otro. “No veo el A y el B, sino el viaje entre ambos. Y también cómo comenzamos y terminamos ese

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

Mássobreél Mensa es reconocido bailarín,ilustrador,animador y actor checo. Destaca a nivel mundial por su extraordinaria flexibilidad. Ha colaborado con grandes artistas globales de la música y las artes escénicas como Kylie Minogue. Es famoso por sus ingeniosas ilustraciones que humanizan la arquitectura.

viaje”. Su búsqueda, explica, cambia con las temporadas, pero ahora le interesa especialmente su propia explosividad y la posibilidad de permitir que el cuerpo atraviese el aire sin restricciones. Al mismo tiempo ha regresado a los fundamentos del breaking para afinar el trabajo de pies. Mr. Kriss, asegura, nunca se movió para impresionar al público porque la danza es un estado de gozo. “Es una alegría muy, muy profunda poder bailar y dejar que la música y los sentimientos atraviesen mi cuerpo; por eso sonrío con frecuencia cuando bailo, especialmente en una batalla. Después, naturalmente, esa energía viaja hacia el espectador y de inmediato la siento regresar a mi cuerpo. Es un circuito infinito de energía viva”. Por eso no espera que alguien salga de una presentación pensando simplemente que “Kriss es increíble”, sino “que se lleve un poco de aire fresco y la posibilidad de expandir tanto su cuerpo como su mente”. Ahora, Mr. Kriss llegará a México para participar en Despertares, encuentro que reúne artistas procedentes de distintas formaciones y lenguajes dancísticos el 29 de agosto en el Auditorio Nacional. Ese cruce tiene una relación directa con una idea que también impulsa en su propio trabajo.“Este tipo de intercambios y espacios siempre son muy hermosos. Como organizador de una batalla experimental en la que reúno todas las formas de danza, teatro y música en vivo, creo firmemente que necesitamos más puentes entre disciplinas”. Porque, agrega, “al final del día, todos estamos juntos en esto y siempre hay más similitudes que diferencias. Aprecio que Despertares haga esto y reúna al mundo”.

HA SIDO incluido en listas de jóvenes innovadores alrededor del mundo.

Proyectos

OLIVIER MATHIEU

“Pero siento que con él nos estamos concentrando en las texturas”, ataja. El proceso creativo entre ambos cambia según la dimensión de cada proyecto, el tiempo disponible y los intérpretes. Algunas veces Bourgeois les exige independencia y propuestas; otras, deben interpretar una partitura ya establecida sin conocer todavía el conjunto. “En el buen sentido, no tiene una receta. Su visión es clara, pero siempre estamos cocinando juntos”, explica. Ahora esa relación llegará a Despertares, que se realizará el 29 de agosto en el Auditorio Nacional, con Approach 17. Opening. The unreachable suspension point, una pieza en la que Mathieu corre, asciende y cae sobre un trampolín, en una sucesión que vuelve una y otra vez al mismo punto. Para el intérprete, sin embargo, el trabajo comenzó mucho antes de enfrentarse a ese dispositivo. “Siento que empecé a trabajar en esta pieza cuando comencé a bailar. Y todavía tengo muchísimo por trabajar, técnicamente, pero también teatralmente. Pocas veces he sentido esto en mi carrera”, comparte.

encuentra poesía en el vuelo y la caída

"LA ESPERANZA, EL TRABAJO DURO Y LOS FRACASOS DAN SENTIDO. AMAR LA EXPERIENCIA ES LA RECOMPENSA".

ALIDA PIÑÓN FOTO: CORTESÍA

O

livier Mathieu tenía 16 años cuando comenzó a reproducir, por su cuenta, los movimientos que veía en escenarios, películas de artes marciales y videos musicales. No sabía a qué técnica pertenecía cada uno ni parecía importarle demasiado. Hasta que encontró algunos sitios de París donde entrenaban y competían bailarines de breaking y descubrió que aquello que hacía intuitivamente podía convertirse en una forma de comunicación. “Como bailarín autodidacta, no sabía qué pertenecía a qué. Experimentaba sin rumbo, pero con mucha pasión. En París me di cuenta de que tenía un lenguaje abstracto con el que podía dialogar con otros”, cuenta en entrevista con Cúpula. Años después, esa búsqueda lo llevó a trabajar con distintos creadores y lenguajes escénicos hasta encontrarse con Yoann Bourgeois, el coreógrafo y artista circense francés con quien ha establecido la relación profesional más larga de su carrera. El creador lo vio bailar con Marie-Claude Pietragalla y lo invitó a una de sus funciones. “Me encantó su poesía y conectamos. Me integré a una pieza que ya estaba de gira, Scala, donde tuve mi primer contacto con un trampolín y con su ecosistema. La primera creación llegó unos meses después, con una silla que se desplomaba y daba la impresión de retroceder en el tiempo. Fue un proceso delicioso para un bailarín deseoso de poner en juego sus cualidades”. Antes de Bourgeois, Mathieu buscaba trabajar con un director o coreógrafo distinto después de una o dos creaciones. Quería descubrir hasta dónde podía llegar su propio lenguaje. “Me impulsaba la idea de aprender más sobre mí, descubrir cuál era mi rojo. ¿Podía hacer azul? ¿Y si estaba destinado a expresar amarillo? Como un pintor que busca situaciones en las cuales crear una paleta completa, con todos los colores”. Pero con Bourgeois ocurrió algo distinto. “Yoann es la relación profesional más larga que he tenido”, dice. Aprender a convivir con sus dispositivos, trampolines, plataformas giratorias o sillas que se desploman, también ha requerido tiempo.

MATHIEU también ha destacado a nivel internacional como acróbata.

El bailarín francés, colaborador de Yoann Bourgeois, llegará a México con una pieza en la que el trampolín, la caída y el impulso construyen una reflexión sobre el movimiento y la vida

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

Lo que ocurre sobre el trampolín tampoco lo entiende únicamente como una proeza física. “Para mí ésa es la belleza de la vida. La muerte activa dentro de todos nosotros la necesidad de transformarnos. Creo que los seres humanos somos puentes hacia algo mejor, algo más divino. La esperanza, la elevación, el trabajo duro y los fracasos dan sentido. No hay resultados. Amar la experiencia es la recompensa”. Durante la pieza, dice, hay un momento en el que el cuerpo parece escapar de las reglas habituales del tiempo. “Es un momento en el que uno se desprende de sí mismo. No sé si estoy ganando o perdiendo el control. Como intérprete me siento desnudo, no físicamente, sino como un libro abierto. Una pequeña masa molecular que encuentra paz en la confusión de lo que viene antes o después. Significa algo divino”, detalla. El mayor desafío de Approach 17 no es para Mathieu el riesgo físico ni su dimensión emocional, sino la precisión. “No puedo evitar pensar que el detalle más pequeño en una pieza tan minimalista puede romper la poesía”.

Tomarencuenta Ha colaborado con prestigiosas agrupaciones en Europa. Destaca como intérprete de la Yoann Bourgeois Art Company.

VII

Proyectos

“La técnica nunca debe

ser el objetivo final” El bailarín ucraniano regresa a Despertares nueve años después de su primera participación; tras dejar el Ballet Estatal de Viena, busca una carrera en la que la libertad, la comunicación y la formación de nuevas generaciones ocupen un lugar central ALIDA PIÑÓN FOTO: CASANOVA SOROLLA

D

urante 19 años, el Ballet Estatal de Viena fue la casa de Denys Cherevychko. Ahí desarrolló prácticamente toda su carrera profesional, ascendió hasta convertirse en primer bailarín y asumió algunos de los grandes personajes del repertorio clásico, pero también obras de George Balanchine, William Forsythe, Jiří Kylián, Christopher Wheeldon y Wayne McGregor, entre otros. Dejar la compañía no significó, dice, escapar de algo, sino descubrir otra parte de sí mismo. “Trabajar de manera independiente me permite tomar decisiones que antes simplemente no eran posibles. Puedo colaborar con diferentes coreógrafos, bailar con artistas de todo el mundo, enseñar, acompañar a bailarines jóvenes, desarrollar mis propios proyectos y construir algo más allá de la interpretación”. Ahora, añade, elige los proyectos porque realmente cree en ellos y no simplemente porque formen parte de una temporada: “Esa libertad implica mucha más responsabilidad, pero también trae un sentido de propósito más profundo”, cuenta. La libertad también lo obligó a construir una estructura propia. Ya no hay una compañía que determine dónde debe estar al día siguiente o qué bailará el próximo mes. “Tienes que construir tu propio ritmo, mantener la disciplina, conservar tu cuerpo preparado y pensar constantemente con varios meses de anticipación”, explica. La dificultad, asegura, ha sido precisamente organizar esa nueva vida, pero también encontrar en ella una forma distinta de crecer. “Te obliga a convertirte no sólo en un mejor artista, sino también en un mejor ser humano: más organizado, más paciente y más consciente de tu propia dirección”, explica. Nacido en Donetsk, Ucrania, Cherevychko se formó primero en la Academia de Ballet de

VIII

Vadim Pisarev y posteriormente en Múnich, antes de ingresar en 2006 al Ballet Estatal de Viena; en 2012 fue nombrado primer bailarín. De esa formación conserva distintas maneras de entender la danza como la educación ucraniana le dio disciplina, musicalidad y respeto por los fundamentos clásicos. Alexander Prokofiev le enseñó a pensar profundamente el movimiento, evitar lo evidente y refinar cada detalle; Viena le dio versatilidad ante un repertorio amplio, y el trabajo con Manuel Legris, la elegancia, claridad y refinamiento de la tradición francesa. “Hoy ya no pienso en términos de escuelas. Pienso en términos de verdad. Si algo me ayuda a comunicarme con mayor honestidad en el escenario, lo conservo. Si no, lo dejo ir. Con el tiempo, tu propia voz artística se vuelve más fuerte que cualquier tradición”, apunta. Esa búsqueda lo ha llevado también a cuestionar el lugar que ocupa la técnica en el ballet actual. Cherevychko reconoce que los bailarines de hoy son capaces de hacer cosas que parecían imposibles hace 20 años, pero advierte que el virtuosismo no puede convertirse en el propósito final. “El público rara vez recuerda cuántas piruetas hiciste. Recuerda cómo lo hiciste sentir”. En este sentido, las redes sociales, dice, favorecen naturalmente los momentos espectaculares porque duran unos cuantos segundos y capturan de inmediato la atención, pero el ballet es mucho más que una sola proeza: “Es narración, musicalidad, manejo del tiempo, silencio, vulnerabilidad y humanidad. La verdadera excelencia ocurre cuando una técnica extraordinaria se vuelve invisible porque está al servicio del arte, en lugar de llamar la atención sobre sí misma”. Con los años también ha desaparecido algo que reconoce en el bailarín que fue, la necesidad de demostrar. “Cuando eres joven, muchas veces bailas para mostrar lo que puedes hacer. Quieres impresionar a todos. Conforme maduras, entiendes que ése no es el punto. La técnica nunca debe ser el objetivo final”. La idea de la escultura que le transmitió

EL HERALDO DE MÉXICO

Martes 18 de agosto de 2026

Nació en Donetsk, Ucrania, donde inició sus estudios de danza a los seis años de edad. Estudió en Academia de Ballet de Múnich, bajo la tutela dAlexander Prokofiev. Ha colaborando con escenarios destacados como la Ópera de París.

DENYS CHEREVYCHKO Prokofiev lo ha acompañado durante su carrera. “He tratado de eliminar tensión innecesaria, ego y movimiento innecesarios. He aprendido a confiar en la simplicidad. A veces convertirse en un mejor artista no consiste en agregar más, sino en quitar aquello que oculta la esencia”, explica. Cherevychko regresa este año a Despertares nueve años después de su primera participación. En 2017 interpretó Don Quijote junto con Whitney Jensen. Ahora vuelve en otro momento de su carrera y con una idea distinta de lo que busca cuando sube al escenario. “Creo que aquel Denys reconocería la misma pasión. Siempre me ha encantado bailar y eso no ha cambiado. Lo que cambió es mi comprensión de por qué bailo”. Entonces, reconoce, estaba más concentrado en la perfección; hoy le interesa más la comunicación. “Trabajo incluso más, pero ahora entiendo que la perfección no es lo que la gente recuerda. Recuerda la autenticidad”, cierra.

Más detalles Es reconocido por su virtuosismo técnico. Destaca también por la claridad de movimiento y por una notable capacidad de adaptación en el escenario.