CONDUCTOR INVITADO El director John Gennaro Devlin es un ferviente defensor de la música estadounidense, un innovador del diseño de conciertos y un líder de pensamiento en el campo de la música clásica. En su tercera temporada como director musical de la Wheeling Symphony Orquesta, Devlin es solo el noveno director en los 90 años de historia en sostener ese título y, a los 36 años, es uno de los directores musicales más jóvenes del país en dirigir una orquesta sinfónica profesional. El arte y la versatilidad de Devlin lo convierten en un director invitado frecuente con importantes orquestas de todo el país. Sus compromisos incluyen presentaciones con la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta de Louisville, la Orquesta Sinfónica de Virginia, la Orquesta Sinfónica de Hawái, la Sinfónica de Columbus, la Sinfónica de Omaha, la Orquesta Sinfónica de Princeton y el Ballet de Repertorio Americano. De su debut con la Orquesta Sinfónica Nacional y el violinista solista Joshua Bell, Anne Midgette de The Washington Post escribió que Devlin "dirigió la velada con estilo... y estaba visiblemente en su elemento." Devlin pasó tres temporadas entre 2015 y 2018 aprendiendo con algunos de los mejores directores, solistas y orquestas del mundo desde Washington,D.C. Durante ese tiempo, fue el Director de Portada exclusivo para la Orquesta Sinfónica Nacional, donde se desempeñó como asistente de los directores musicales de renombre mundial Christoph Eschenbach y Gianandrea Noseda, acompañando a la orquesta en su histórica gira de 2018 por Rusia. Se desempeñó simultáneamente como el Asistente de dirección de la Orquesta Sinfónica de Princeton en Nueva Jersey, trabajando junto al director musical Rossen Milanov. Un firme defensor de la música estadounidense, Devlin la ha convertido en un enfoque programático y ha estrenado más de 40 nuevas obras estadounidenses. Sus asociaciones artísticas con compositores estadounidenses contemporáneos incluyen una relación de una década con Eric Nathan, a quien le ha encargado obras que interpretó en el Carnegie Hall y con la Orquesta Sinfónica Nacional. Devlin también ha estrenado obras de Adolphus Hailstork, Leanna Primiani, Michael-Thomas Foumai, Enrico Lopez-Yañez, Michael Ellis Ingram, Evan Meier, Alexandra Bryant, Nathan Strasser, Tomek Regulski, Daniel Houglum, Timothy Brady, Matthew Levine, Christopher Caliendo, Liza Kravinsky y David Mateos. Además, Devlin encargó y dirigió el estreno mundial de La Saulaie, una obra semiacabada de Claude Debussy que posteriormente completó el compositor y musicólogo británico Robert Orledge. También líder en el diseño de conciertos que enmarcan la música orquestal en inventivas maneras, Devlin se ha asociado con otros para generar tales conceptos como Gourmet Symphony, Go-Go Symphony, Seamless Symphony, Interactive Symphony y New Retro Project. Estas colaboraciones emparejaron a artistas como Joshua Bell con chefs gourmet, y músicos legendarios como Bootsy Collins, George Clinton y Larry Graham con orquestas sinfónicas por primera vez. Cada uno refleja la misión de Devlin de hacer que la forma de arte sinfónico sea accesible y atractiva para todos audiencias. The Washington Post elogió estos proyectos como "refrescantes eventos desconocidos" que brindan "una nueva audiencia para la música clásica" y "la casa llena se puso de pie, vitoreando".
Comprometido a servir a la amplia comunidad artística más allá del podio, Devlin es parte del Equipo de Liderazgo Constitutivo de Conductores de seis miembros de la Liga de Orquestas Estadounidenses, abogando por directores a nivel nacional. Anteriormente, se desempeñó en la Junta Directiva del Sindicato de Conductores y fue orador destacado en la conferencia anual de la organización, discutiendo el futuro de orquestas con los directores ejecutivos de la Orquesta Sinfónica Nacional y de Baltimore. También dio la charla TED de apertura sobre "Innovación en mercados abarrotados" en un simposio TEDx. La charla, disponible en YouTube, detalla el pensamiento que resultó en la creación de Gourmet Symphony. En 2020, Devlin, junto con sus compañeros directores Ankush Bahl, Anna Edwards y Enrico Lopez-Yañez, lanzaron Everything Conducting, un sitio web inclusivo para que los directores aprendan, compartan y avancen en su oficio. El proyecto incluye una amplia base de datos de artículos en línea y el podcast UpBeat presentado por Devlin y Lopez-Yañez, director principal de pops de la Sinfónica de Nashville. John Gennaro Devlin es un director estadounidense de ascendencia italiana e irlandesa. Él completó su maestría y doctorado en dirección orquestal bajo la tutela de James Ross en la Universidad de Maryland. Su licenciatura es de la Universidad de Emory, donde se graduó summa cum laude con una doble especialización en interpretación de clarinete y Latín. Mientras era estudiante, se benefició enormemente de su época como miembro de la Sinfónica Juvenil de Nueva York, en el Instituto Tanglewood de la Universidad de Boston, y en la Escuela Pierre Monteux. Su carrera profesional ha estado marcada por su etapa como ayudante de los directores Gianandrea Noseda, Christoph Eschenbach, Rossen Milanov y Victoria Gua.
ARTISTA INVITADO Ana Vidovic tiene talento extraordinario con dotes formidables que la ponen entre los músicos de élite del mundo. Ella es conocida por su hermoso tono, técnica precisa, fraseo bien definido, arte reflexivo y maestría musical. Su carrera internacional incluye frecuentes recitales, conciertos y apariciones en festivales en la mayoría de los destinos culturales de Europa como Ámsterdam, Bruselas, Budapest, Copenhague, Londres, Oslo, París, Roma, Salzburgo, Viena, Varsovia y Zagreb. Sus giras también la han llevado a Australia, Brasil, Israel, Japón, Corea y México. Igualmente impresionante es el hecho de que ha grabado 6 CDs. Mel Bay Publications ha lanzó el DVD de Ana Vidovic titulado “Guitar Artistry in Concert”, un viaje a través de la música de Torroba, Piazzolla y Pierre Bensusan, Sergio Assad, Stanley Myers, Villa-Lobos y Agustín Barrios Mangoré, y “Guitar Virtuoso”, una interpretación de obras de Bach, Torroba, Paganini y Walton. Durante las últimas temporadas, la prolífica carrera de la Sra. Vidovic la ha llevado a Londres, donde ha actuado en King's Place dos veces y regresa en otoño de 2022; en ciudades europeas como Burdeos, París, el Musikverein de Viena,Concertgebouw de Ámsterdam, Avezzano y Pescara (Italia), Aquisgrán, Ansbach, Baden-Baden y Ettlingen (Alemania), Japón, Sao Paulo (Brasil), Adelaide, Brisbane y Sydney (Australia), Hong Kong, Estambul, Tel Aviv, además a las ciudades canadienses de Calgary, Edmonton, Kitchener Toronto y Winnipe.
Se ha presentado en los principales escenarios de los Estados Unidos en Austin, Baltimore, Bethesda (The Strathmore), Boston, Champaign, IL (Krannert Centro), Cleveland, Dallas, Dayton, Ft. Worth, Houston, Hawaiian Islas, Los Ángeles, Milwaukee, Portland (OR), St. Louis, Salt Lake City, San Francisco, Santa Fe, Seattle, Washington, DC y la ciudad de Nueva York, donde la Sra. Vidovic ha tenido recitales en el New York Guitar Seminar en Mannes Collegue of Music, Baruch College, 92nd St. Y y Le Poisson Rouge. Su deslumbrantes presentaciones han tenido lugar con muchas orquestas incluyendo la Sinfónica de Asheville, la Sinfónica de Bangor, la Filarmónica de Erie, Hartford Sinfónica, Filarmónica de Illinois, Sinfónica de Knoxville, Sinfónica de Missoula, Sinfónica de Rogue Valley (Oregón), Orquesta de Iowa, Sinfónica de Virginia Occidental, Wheeling Symphony, Orquesta de Cámara de Wisconsin; y con el esloveno Orquesta y Filarmónica de Zagreb. Las apariciones en festivales incluyen Le Domaine Forget (Quebec), Festival Internacional de Guitarra (Londres), Big Sky, Montana, Caramoor Festival (Katonah, NY), Colorado Music Festival y Lake Tahoe Summerfest. Durante la pandemia de Covid-19, muchos de los compromisos de la Sra. Vidovic fueron rediseñados para incluir el 92nd St Y en Nueva York, Filadelfia y en San Francisco (Omni Concerts) donde se presentó en un concierto transmitido en vivo. Su temporada 2021-22 se destacó por los regresos a 92nd Street Y de Nueva York para un concierto presencial en vivo, así como en San Francisco, Austin, St. Louis, Filadelfia y San Francisco. Las clases magistrales en línea de Vidovic en Atenas durante la pandemia continúan con frecuencia y la Sra. Vidovic enseñará en Atenas en 2022-23. El verano de 2022 incluyó el Festival Internacional de Guitarra de Madrid, el Mediterranean Guitar Festival de Barcelona y en el New Ross Festival de Wexford, Irlanda. Además de su regreso a Londres en el otoño de 2022, la Sra. Vidovic actúa en el Festival de Guitarra de Drôme en Valence, Francia; Trento, Italia, y una gira por España. Sus compromisos en EE. UU. en 2022-23 incluyen la Sinfónica de Asheville, Sinfónica de Austin, Sinfónica de Elgin, (IL), Reading (PA) Symphony, Victoria (TX) Symphony; recitales en San Francisco, Sarasota, Milwaukee; y en el extranjero en Roma y Aquisgrán en Alemania. La Sra. Vidovic ha ganado una cantidad impresionante de premios y concursos internacionales incluyendo premios primeros en el Albert Augustine International Competition en Bath, Inglaterra, Concurso Fernando Sor en Roma, Italia y el concurso Francisco Tarrega en Benicasim, España. Otros premios principales incluyen el Concurso de Eurovisión para Jóvenes Artistas, Mauro Giuliani competición en Italia, Printemps de la Guitare en Bélgica y el Young Concert Artists International Auditions en Nueva York. En Croacia, la guitarrista ha interpretado con la Orquesta Sinfónica de la Radio y Televisión Croata, además de haber aparecido en tres programas de televisión documentales del eminente director de cine croata Petar Krelja. Ana Vidovic proviene del pequeño pueblo de Karlovac cerca de Zagreb, Croacia, y empezó a tocar la guitarra a los 5 años. A los 7 años dio su primer concierto público y a los 11 años ya estaba actuando internacionalmente. Ella se convirtió en la estudiante más joven a los 13 años en asistir al prestigioso Academia Musical Nacional en Zagreb donde estudió con el profesor Istvan Romer. La reputación de la Sra. Vidovic en Europa hizo que la invitaran a estudiar en la Conservatorio Peabody de donde que se graduó.
PROGRAM NOTES Las Hébridas (La Gruta de Fingal), op. 26 Félix Mendelssohn (1809-1847) En 1829, Felix Mendelssohn realizó su primer viaje a Inglaterra, donde deslumbró a todos no solo con su brillantez musical sino también con su encanto y buena apariencia. Esto, por cierto, fue el comienzo de una historia de amor entre el compositor y el público inglés que duraría durante su trágicamente corta vida y más allá. La única queja mayor de Mendelssohn parece haber sido, lo que no sorprende aquí, el clima. Viajó a Escocia de paseo, donde se encontró con un clima que era aún peor que en Londres, así como música folclórica del estilo de la gaita que no era de su agrado. Otra desilusión fue su visita al novelista Sir Walter Scott, entonces una figura mundial y uno de los escritores favoritos de Mendelssohn. El compositor describió el día de la siguiente manera: “Encontramos a Sir Walter en el acto de salir de Abbotsford, le miramos fijamente como tontos, condujimos ochenta millas y perdimos un día, por decir en el mejor de los casos, media hora de conversación superficial”. Aun así, la belleza de Escocia causó una profunda impresión en el compositor, y comenzó a planear lo que eventualmente, unos doce años después, se convertiría en su Sinfonía "Escocesa" (Sinfonía No. 3). Un resultado más inmediato se obtuvo con un viaje a las Islas Hébridas frente a la costa oeste de Escocia, donde visitó el espectacular fenómeno natural conocido como Gruta de Fingal, en la isla de Staffa. La gruta sigue siendo una atracción turística en la actualidad, y es muy promocionada por los escritores de viajes. Frommer 's Guide to Scotland tiene esta descripción: “Es la única formación conocida en el mundo que tiene columnas de basalto; a lo largo de los siglos el mar ha labrado una enorme caverna en el basalto, dejando enormes columnas hexagonales”. Una de las muchas visitantes fue la propia reina Victoria, quien por una vez se divirtió genuinamente, describiendo a la gruta como: “El efecto es espléndido, como una gran entrada a un salón abovedado. El mar es inmensamente profundo en la gruta. Las rocas bajo el agua eran de todos los colores: rosa, azul y verde”. Mendelssohn quedó tan impresionado que inmediatamente anotó una idea musical con un efecto de ondulación fuertemente rítmica, presumiblemente una reminiscencia del movimiento de las olas en la gruta, que se convertiría en el tema de apertura de una obra orquestal. Aunque esta obertura, hoy conocida como Las Hébridas o como Gruta de Fingal, ha sido considerada durante mucho tiempo una obra maestra,provocó una gran ansiedad al compositor, pasando por varias revisiones antes de llegar a su forma definitiva. Mientras luchaba con una versión, Mendelssohn escribió a su familia una carta en la que dijo que una parte de la obra “sabe más a contrapunto que a aceite de ballena y gaviotas y aceite de hígado de bacalao, y debería ser al revés”. El estreno tuvo lugar con gran aclamación en el segundo viaje de Mendelssohn a Londres en la primavera de 1832, pero se hicieron aún más revisiones antes de que fuera publicada en 1834. El tema antes mencionado no sólo abre la obra sino que la domina, ya que su ritmo se repite a lo largo. Además, también hay otro tema, amplio y expresivo, escuchado primero en fagot y violonchelos, y luego en un momento bellamente atmosférico en los clarinetes. Entre los llamativos efectos pintorescos están instrumentos de viento de madera que se hacen eco entre sí por toda la gruta, así como lo que parece ser una escena de tormenta en la sección central. Mendelssohn logró obtener su aceite de ballena y gaviotas después de todo. Una nota al pie: los estudiantes de literatura y pintura románticas notarán que Mendelssohn estaba en sintonía con el Zeitgeist. Fingal fue una figura heroica del folklore gaélico cuyo nombre sirvió como título de un poema épico publicado en 1762 por el
poeta escocés James Macpherson. Aunque Macpherson afirmó que el trabajo fue un descubrimiento del trabajo original del legendario gaélico Ossian, Fingal resultó ser un engaño, gran parte inventado por Macpherson. Engaño o no, la moda de las historias de héroes antiguos en escenarios de naturaleza melancólica y salvaje abarcó toda Europa y sirvió como materia prima para el nuevo movimiento romántico. Al describir la gruta, Mendelsohn estaba en la mejor compañía artística, ya que también fue interpretada sobre el lienzo de Joseph Turner y elogiado por poetas como Keats, Wordsworth y Tennyson, buenos románticos todos. Concierto de Aranjuez Joaquín Rodrigo (1901-1999) Los sobresaltos de la Guerra Civil española (1936-1939) dejaron varado a Joaquín Rodrigo fuera de su país natal, lo que le obligó a buscar refugio primero en Alemania y luego en Francia. En 1938, recibe un pedido de su viejo amigo, el distinguido guitarrista Regino Sainz de la Maza, para escribir un concierto para guitarra. El interés de Rodrigo se despertó, y trabajando rápidamente en su apartamento en París, a principios de 1939 pudo sorprender a su esposa con los dos últimos movimientos ya escritos. Por cierto, en sus memorias, la Señora de Rodrigo menciona que ella tuvo un aborto espontáneo en esa temporada, y que su esposo los consolaba a ambos tocando en el piano el famoso tema conmovedor que se convertiría en el movimiento lento del concierto. Para el otoño de 1939 la Guerra Civil se había terminado, la salud de la señora de Rodrigo se había recuperado, y con el concierto para guitarra completo, los Rodrigo regresaron a España. El estreno de la obra, que fue dedicada a de la Maza e interpretada por él, tuvo lugar en Barcelona en 1940. El evento fue un éxito espectacular, demostrando ser un hito no solo en la carrera de Rodrigo sino también en la historia de la música española. El país devastado por la guerra estaba hambriento de héroes culturales y el auténtico sabor español de la nueva obra ayudó a reavivar el interés en el estilo nativo que se había perdido antes de la guerra. La fama de Rodrigo se extendería rápidamente, y con la muerte de Manuel de Falla unos años más tarde, en 1946, heredaría el manto del principal compositor español. Al interés del estreno se sumó el hecho de que la idea de un concierto para guitarra era en sí una novedad. Aunque la guitarra había acumulado, a lo largo de su larga y noble historia, un rico repertorio de música solista, existían relativamente pocos conciertos de alta calidad. Una consideración primordial había sido la dificultad de equilibrar el delicado sonido de la guitarra con el sonido de una orquesta completa, problema, por cierto, que provocó el desvelo de Rodrigo antes del primer ensayo. Sin embargo, sus preocupaciones resultaron ser infundadas ya que la hábil orquestación resaltó la parte solista sin oscurecerla. La popularidad mundial del Concierto de Aranjuez ha inspirado una serie de otros conciertos para guitarra, y el propio Rodrigo continuaría escribiendo varios otros. El concierto toma su nombre del palacio real situado a unos 50 kilómetros de Madrid, camino a Andalucía. Construido originalmente por Felipe II en el siglo XVI, el palacio fue reconstruido por Fernando VI en el siglo XVIII y sirvió en la primavera y verano como el retiro campestre favorito para los reyes Borbones. El palacio ha sido durante mucho tiempo un parque abierto al público, y es famoso por sus hermosos jardines, que, entre otras cosas, producen espárragos y unas fresas hermosas y grandes. Rodrigo ha dicho que su objetivo era evocar el espíritu de la vida cortesana española que se habría vivido en el palacio a principios del siglo XIX. La música combina un sentimiento de nostalgia por un tiempo elegante, cortés y caballeresco con el fuego y color del temperamento español. También se escuchan de vez en cuando influencias de música francesa, que Rodrigo absorbió durante su estancia en París, incluyendo sus estudios con el compositor Paul Dukas.
El movimiento inicial, en palabras del propio compositor, “está animado por un espíritu rítmico y vigor sin que ninguno de los dos temas contenidos en él interrumpa su ritmo implacable”. El efecto rítmico alegre e irregular que se escucha a lo largo del movimiento que alterna la sensación de 2-a-un-compás con la de 3-a-un-compás es una variante de un dispositivo rítmico antiguo y honorable conocido como hemiola, una práctica utilizada durante siglos en muchos tipos diferentes de música folclórica, así como Música de arte europea y, en estos días, particularmente asociada con la música folklórica y popular latina. El hermoso e inquieto movimiento lento se ha convertido quizás en el movimiento más conocido del repertorio guitarrístico. Aquí una melodía profundamente emotiva se eleva sobre un constante pulso que recuerda a un latido del corazón, que se dice que representa el del niño por nacer. La esposa del compositor ha dicho que la música “fue una evocación de los días felices de nuestra luna de miel cuando paseábamos por los parques de Aranjuez; al mismo tiempo, era una canción de amor”. Melodías tan expresivas como esta tienen una forma de entrar en la cultura popular; a menudo se ha utilizado en películas y televisión y fue ambientado en estilo jazz en una grabación de Miles Davis. La irregularidad rítmica vuelve en el movimiento final, con una fluctuación constante entre dos y tres tiempos por compás. Rodrigo ha escrito que está aquí recordando un baile cortesano que “mantiene un tempo tenso hasta el compás de cierre”. Impressions Clarice Assad (n. 1978) La carrera extraordinariamente versátil de Clarice Assad como compositora, intérprete y profesora la lleva regularmente a través de muchos géneros musicales. Una vocalista y pianista consumada, toca estilos de jazz y pop, así como música de concierto con orquestas y conjuntos de cámara. Como compositora nominada al premio Grammy, escribe con frecuencia dentro de las tradiciones clásicas pero muestra influencias de jazz y world music. La Sra. Assad nació en un suburbio de Río de Janeiro, Brasil, de una familia musical que incluía a su padre, el distinguido guitarrista Sergio Assad. A los veinte años se mudó con su familia a Chicago, donde reside hoy. Su amplia educación musical incluye títulos de la Universidad Roosevelt y la Universidad de Michigan, donde estudió composición con Michael Daugherty. Sus composiciones han sido interpretadas por músicos de renombre como el violonchelista Yo-Yo Ma y la violinista Nadja Salerno-Sonnenberg; orquestas como la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Sinfónica de Colorado, la Orquesta Sinfónica de Vancouver y la Orquesta Sinfónica de Louisville; así como por agrupaciones de cámara como Los Angeles Guitar Quartet, the Turtle Island String Quartet y el conjunto de Chicago Third Coast Percussion. Como maestra, trabaja frecuentemente con grupos de jóvenes y se enfoca particularmente en brindar oportunidades para las mujeres jóvenes. Impressions fue en 2008 un encargo de la Orquesta de Cámara New Century, un conjunto basado en el área de la Bahía de San Francisco. Escrita para una orquesta de cuerdas, la obra está dividida en cinco movimientos. El de apertura, titulado Personas, sirve como una especie de introducción del grupo mostrando las diversas secciones, incluyendo un solo extendido de bajo, a través de una serie de variaciones. El segundo movimiento, Fusión, rinde homenaje a la herencia brasileña de la compositora en una Dança Brazileira, caracterizada por ritmos sincopados. Las emociones del cine noir de Hollywood se evocan en el tercer movimiento, titulado Affection, que es un vals lento descaradamente sentimental con exuberantes armonías. Fiel a su título, Precision: Perpetual Motion, el cuarto movimiento es un torbellino de movimiento demostrando el virtuosismo del grupo.
La breve coda, titulada Unity, sirve como sujetalibros volviendo al tema de apertura de la obra. Romeo y Julieta Obertura-Fantasía Pyotr Ilich Tchaikovsky (1840–1893) En 1893, cuando Gustav Mahler dirigió un concierto de Romeo y Juliet en Hamburgo, un crítico hizo la asombrosa afirmación de que la obra estaba “desprovista de invención melódica”. Hace tiempo que ese crítico ha sido consignado al castigo que le espera a los equivocados. En estos días es difícil encontrar una palabra desagradable sobre el homenaje de Tchaikovsky al Bardo Inmortal. De la miríada de obras musicales inspiradas en Romeo y Julieta, ninguna ha resultado más popular y duradera que la obertura del concierto de Tchaikovsky. Al público le encanta, a los directores de orquestas les encanta, e incluso los músicos más empedernidos y los eruditos más aburridos admiten que es una de las obras maestras más perfectas de Tchaikovsky. Es una música para jóvenes, terminada en 1869 cuando el compositor tenía 29 años, aproximadamente de la misma edad que Shakespeare tenía cuando hizo su versión del viejo cuento. Cualesquiera que sean las pasiones que haya encendido el fuego creativo de Tchaikovsky para producir esa música emocional, recibió consejos muy realistas de Mily Balakirev, un importante compositor a quien Tchaikovsky respetaba pero con quien tenía una relación bastante complicada. Balákirev en realidad sugirió el tema de Shakespeare e incluso fue tan lejos como para dar un esbozo de la estructura formal de la pieza. Tchaikovsky eventualmente haría varias revisiones a la insistencia de Balakirev, una concesión al gusto de otro que era bastante inusual para él. Romeo y Julieta está en forma de sonata, ese procedimiento tradicional utilizado en innumerables oberturas, sonatas, sinfonías y conciertos desde mediados del siglo XVIII. Aunque la obra se puede escuchar como una composición abstracta como el primer movimiento de una sinfonía, Tchaikovsky da a cada una de las partes de la forma un significado shakesperiano y así cuenta la historia familiar a través de la música. La introducción lenta establece el tono sombrío de la tragedia que se avecina y presenta a Fray Laurence, quien está representado por música eclesiástica apropiada. La forma sonata comienza con el vigoroso tema de la "pelea" que representa el conflicto entre los Montescos y los Capuletos. Los dictados de la forma nos llevarían entonces a esperar un tema lírico contrastante y Tchaikovsky, por supuesto, nos da ese tema in excelsis. Es el famoso tema del amor, una de las melodías más conocidas de toda la música y que sin duda habría otorgado a Tchaikovsky inmortalidad incluso si nunca hubiera escrito nada más. Tanto el tema de la enemistad como el de Fray Lorenzo se exploran más a fondo en la sección de desarrollo, a medida que la trama se complica. En la recapitulación, el tema del amor vuelve con mayor pasión. Finalmente, en la coda el tema del amor se transforma en un himno de luto cuando los amantes se unen en la muerte. Desprovisto de invención melódica, de hecho