Viernes 22 de mayo de 2026
Nota Roberto Fiesco imparte conferencia sobre cine mexicano en la semana FALCOM 2026
Abril Barajas
Editorial
Los premios Narrativa Colima, un legado de 46 años
Marco Antonio Vuelvas Solórzano
Literatura Cruzando el Umbral
Por Marco Antonio Vuelvas Solórzano
Hace unos días, el escritor morelense Roberto Abad recibió el Premio Bellas Artes de Narrativa Colima para obra publicada 2025 por su libro Umbral, en ceremonia que se enmarcó en las actividades de la Feria del libro Universitario Altexto 2026. La feria del libro universitaria es, quizá, el evento más importante del ámbito editorial en el estado, y un escaparate importante sobre el desarrollo de las artes y la gestión cultural en general.
En esta ocasión, dejaré para una entrega posterior comentarios sobre Umbral Quiero aprovechar esta ocasión más bien para hablar de la trayectoria del premio. En 1980, por iniciativa del poeta, gestor y promotor cultural Víctor Sandoval se creó el Premio Bellas Artes de Literatura para los géneros de novela, cuento, poesía, teatro, ensayo y cuento infantil. Los premios, auspiciados por el INBA buscaban incentivar la creación artística, descentralizar la cultura e impulsar a los jóvenes escritores.
¿Cómo es que un premio nacional respaldado por el Instituto Nacional de Bellas Artes terminó convocándose en Colima, por parte de INBAL y la Universidad de Colima? Aunque no tengo por el momento una respuesta clara, ni la documentación adecuada para seguir esa historia, no es difícil aventurar una hipótesis: en los ochenta el gobierno del estado recaía en la poeta, periodista, política y primera gobernadora del país, Griselda Álvarez, quien tenía una amplia red de contactos en el ámbito cultural nacional, entre ellos Víctor Sandoval.
Igualmente, en su periodo gubernamental se trabajaba para renovar el vínculo y colaboración entre gobierno estatal y la Máxima Casa de Estudios. Factor extra es la residencia del poeta Víctor Manuel Cárdenas, amigo personal de Víctor Sándoval, en Colima, quien colaboraba además en la recién creada Facultad de Letras y Comunicación. Asimismo, hay que recordar que Víctor Sandoval apeló siempre a la descentralización de la cultura, porque, como solía decir, según sus allegados, “un proyecto de nación es sobre todo un proyecto cultural”, y su plan era llevar la cultura a todas partes, para lo cual creó Casas de la cultura, Premios nacionales de literatura y espacios para la difusión de escritores fuera de la ciudad de México, como la revista Tierra Adentro.
En ese contexto, en 1980 se premió a Luis Arturo Ramos por la novela Violeta Perú en la primera edición del “Premio Latinoamericano de Narrativa Colima para Obra publicada” convocado por el INBA, El gobierno del estado de Colima y la Universidad de Colima. El premio conservó
ese nombre de 1980 a 1991. En esos 11 años, ocho autores mexicanos, un argentino, un uruguayo y una Chilena obtuvieron el galardón. En 1991, cambia el nombre a Premio Nacional de Narrativa Colima, convocado solamente por INBA y Universidad de Colima y, posteriormente con el nombre actual “Premio Bellas Artes de Narrativa Colima para obra publicada, convocado por la Secretaría de Cultura del Gobierno federal, a través del INBA y la Universidad de Colima.
En 46 ediciones se ha premiado todo tipo de narrativa: novela, cuento, memoria, autobiografía, aunque predominantemente se ha premiado novela, las diversas expresiones del acto de narrar han sido objeto de premiación. 11 mujeres y 35 hombres han recibido este premio que han obtenido escritores y escritoras con gran reconocimiento como Sergio Pitol, José Agustín, Elena Garro, Isabel Allende, Ricardo Garibay, Beatriz Espejo, Mónica Lavín, Daniel Sada, Carlos Montemayor, Hernán Lara Zavala, Alberto Ruy Sánchez o Eduardo Antonio Parra. Igual-
mente, el premio ha contribuido a consolidar nombres no tan conocidos, pero que aportan a la literatura como Luis Arturo Ramos (quien ganó dos veces el premio en 1980 y 1988) Gabriel Jauregui, Daniel Espartaco, Ana García Bergua, Carlos Velázquez, Emiliano Monge, Maritza M. Buendía o bien, a premiar autores jóvenes cuya consolidación seguramente se verá beneficiada con la obtención de este premio como Antonio A Vásquez, o el recientemente ganador, Roberto Abad, por mencionar sólo algunos ejemplos de los 46 ganadores del premio.
¿Cómo se construye la literatura? ¿Qué reconocemos en los libros merecedores de premios? La entrega de este galardón contribuye a establecer al menos en parte lo que llamamos canon literario, es decir, aquello que se reconoce como obra literaria representativa. En ese sentido, creo que, como decía líneas arriba, no debemos perder de vista lo que Víctor Sandoval mencionaba, un proyecto de nación es antes que todo un proyecto cultural, y el hecho de que ese proyecto cultural premie, reconozca y construya una parte del canon fuera de las grandes urbes, desde la costa y la selva baja es una contrinución que no debemos perder de vista.
Por Diana Peña*
“A
Para esta tercera entrega sobre la música del maestro John Coltrane he convocado a Sara Ventura, egresada del Conservatorio de la Universidad de Guadalajara, con formación clásica. Tiene una trayectoria que inició a los 12 años. Sara Ventura es saxofonista, compositora, docente y directora de big bands y ensambles de jazz en Guadalajara, Jalisco. Ha dirigido los proyectos Húuta, Alfonsina ‘Las Ponchas’ y Dual Música.
Conocí a Sara durante la presentación de Cienfuegos en el Jalisco Jazz Festival de 2018, dentro del programa Rutas del Jazz en una famosa plaza comercial. Era una tarde calurosa de mayo, las gradas en el anfiteatro estaban prácticamente vacías por la intensidad del sol. Si no me equivoco su presentación fue a las dos de la tarde, sin embargo sí tenían público, nos encontrábamos en la segunda planta, bajo la sombra y consumiendo algunos alimentos. Allí quedé gratamente sorprendida por el sonido de Sara ¿quién era ella?, le pregunté a mi acompañante, no podía dejar de escucharla, con un sonido muy fresco, muy seguro y definido, diferente a las propuestas que había escuchado en la región.
Sara Ventura se dio a la tarea de escuchar nuevamente el álbum Blue Train, un álbum que nos sitúa en el año de 1957, ante un John Coltrane que está a punto de cumplir 31 años de edad, que ya ha tocado con Dizzy Gillespie, Johnny Hodges, Sonny Rollins y Miles Davis. Se encuentra ahora bajo la tutela del pianista y compositor Thelonious Monk. En este álbum le acompañan Lee Morgan (de 19 años de edad) en la trompeta; Curtis Fuller (de
24 años de edad) en el trombón, Kenny Drew (de 29 años de edad) en el piano; Paul Chambers (de 22 años de edad) en el contrabajo y Philly Joe Jones (de 34 años) en la batería.
Conversar con Sara es reconocer el entusiasmo y vocación que tiene sobre su vida profesional. Ha tenido que hacer una pausa, para nuestra charla a la distancia porque estaba en un ensayo (como habitualmente lo es para ella, como músico). Desde que empieza a acomodarse en la silla, frente a su computadora, en lo que parece un estudio de grabación, no pierde oportunidad para bromear, y así, apropiarse del espacio, es una persona muy alegre. Sara nos habla de John Coltrane desde su experiencia de vida:
SV: La primera vez que escuché a John Coltrane fue a la par que empecé a involucrarme dentro de la improvisación, él y Charlie Parker fueron los saxofonistas a los que me acerqué, pero la verdad los dos me volaron la cabeza (risas). Sí, era muy difícil de digerir porque cuando no tienes esa experiencia o esa escucha consciente, en ese entonces para mí, fue algo muy nuevo y yo decía - pero.. ¿qué están tocando, qué están haciendo?, se oye super loco, - Por ejemplo los solos de Coltrane eran algo que al principio no entendía mucho, conforme te vas acercando más a todo esto de la improvisación, a la teoría, escuchar más música, sobre todo de este estilo, entonces empiezas a entenderlo. Pero el lenguaje, en particular de John Coltrane, es super único, creo
que por eso es uno de los que ha influenciado tanto a los saxofonistas, yo creo que no hay saxofonista que no disfrute de escucharlo.
SV: Yo como sax alto me acerqué mucho más a saxofonistas altos, pero Coltrane desde el inicio fue como la eminencia que es (risas). Sí me daba miedo cuando decían vamos a tocar “Moment´s Notice” de Coltrane, y entonces ay ay ay… (risas) Allí estaba escuche y escuche y tratando de acercarme un poco a lo que él hacía, y sí son un reto todas sus composiciones, los solos, todo en su música. Conozco a saxofonistas que los transcriben, se acercan tanto a ese sonido, pero él nunca… bueno más bien, nunca vamos a sonar como Coltrane, entonces hay que apreciar que él mismo fue él y definió un sonido aún así que fue criticado, y mucho, pero él siempre fue fiel a su sonido, desde sus inicios realmente.
¿El sonido? ¿Cómo se construye el sonido de un músico? ¿Por qué podemos escucharles e identificar a Rollins, a Parker o, en este caso a Coltrane?
SV: Yo creo que es un camino o una duda que nos aparece a todos los músicos cuando estamos aprendiendo a tocar; porque empiezas a improvisar, a tocar con más músicos, y allí, yo me cuestionaba, porque sí quería transcribir, me gusta transcribir, pero yo no quería sonar como Parker. Tenía esas dudas, me la pasaba transcribiendo todo un año, pero lo que yo quería era crear canciones (risas). Después comprendí el significado de la transcripción, realmente lo que vas a tomar de allí es el lenguaje, pero tus ideas, tu desarrollo musical va a venir desde ti, pero eso fue un proceso muy largo, que lo aprendí, desaprendí y otra vez lo volvía a aprender. Lo que realmente me funcionó mucho fue salir de la escuela, de la Universidad, yo salí exenta y todo, pero dije - ahora ¿qué voy hacer? ¿dónde voy a tocar? ¿de qué voy a vivir? - Entonces, recuerdo mucho ese día que me quedé sola con el saxofón y dije ahora sí, tú y yo vamos a platicar (risas). Y las cosas que técnicamente me causaban mucho conflicto, allí me puse, allí me detuve y me acerqué al saxofón realmente. Empecé
a cuidar mucho mi sonido, mi afinación, porque yo desde un principio tuve saxofón de segundo uso, algunos ya traían fugas que al principio no me daba cuenta, después cuando fuí mejorando de instrumento, me fuí dando cuenta que no era yo (risas) tanto… Pero todo ese estudio me ayudó a que mi sonido fuera cambiando. Así, cuando salí de la escuela dije - ahora si tengo que aprender, pero desde mi perspectiva-. Los maestros ya me habían enseñado las escalas, pero ahora yo debía comprenderlas, para qué me servían, cómo las iba a usar, y la armonía… Ya había visto todo pero no lo entendía, así que ese acercamiento real, en la práctica fue el que me sirvió mucho.
SV: A mí me pasó algo muy curioso, en el 2018 tuvimos la fortuna de ir a Nueva York y escuchamos a todos los músicos que te puedes imaginar, desde estudiantes, los más pro, los que más admiraba, ¡todos! Cuando llegaba a las Jam, todos eran técnicamente buenísimos, a mí me falta muchísimo, pero era bonito escucharles… (risas) Cualquier estudiante de nivel básico ya tenía todos los solos de Coltrane o de Parker dominados. Una noche fuimos a escuchar a Lee Konitz que daba un concierto. Llegamos, nos saludó, una buenísima persona… y cuando lo escuchamos, se presentó con un pianista, empezó a tocar, y yo empecé a llorar, pero demasiado, era algo muy hermoso, era llorar con sentimiento. A Lee Konitz ya lo admiraba, pero no entendía por qué me hacía sentir eso, en ese momento, y así estábamos todos allí, para ésto te digo, ya había escuchado a todos, a todos los que más admiro: Melissa Aldana, Will Vinson, Mark Turner, Joel Frahm, ¡A todos los buenísimos y todos me encantaron!, pero con Lee Konitz pasó algo muy extraño, fue como un fenómeno para mí.
SV: Lee Konitz empezó a tocar, se quitó el saxofón de la boca y empezó a cantar, improvisando, después el pianista cantó con él, los dos cantando improvisando, después entró nuevamente con el saxofón, después el piano, fue un diálogo muy bonito, nada pretencioso, algo muy profundo, estaban componiendo en tiempo real. Yo sentía que era como Bach, Bee-
Christian Jorge Torres Ortiz Zermeño Rector
Joel Nino Jr Secretario General
Jorge Martínez Durán Coordinador General de Comunicación Social
Jorge Vega Aguayo Director General de Prensa
José Ferruzca González Director del periódico El Comentario
Marco Antonio Vuelvas Solorzano Editor
Miguel Ángel Ávila García Edición y diseño
thoven, Mozart. Ahí me cambió todo el chip, dije - es que ésto era-, (entusiasmada) comprendí que ese momento, era a lo que yo había ido a Nueva York, sí quería escuchar a todos y esuchar el nivel y todo eso, pero el nivel de profundidad con el que tocó Lee, y su sonido propio, su lenguaje propio, era lo que yo estaba buscando. Tomé una clase con él y allí él me dio ciertas herramientas para desarrollarme, sobre todo me motivó a cantar, e interiorizar. Además nos cobró por la clase una burla, creo que fueron cinco dólares (risas) fue simbólico, fue algo hermoso. Allí entendí que yo tenía que encontrar mi sonido, ya lo sabía, pero no lo había visto tan claramente, y sobre todo, el no compararme con más personas, porque siempre va a ver alguien mejor que yo, un niño en China que… (risas) que va a tocar mejor que yo, o en cualquier parte del mundo, siempre va a existir alguien mejor que tú, pero nadie va a ser como tú, hay que ahondar en esa ventaja que tenemos todos, individual, de ser quien eres, con tu esencia, con tus virtudes y tus defectos, creo yo.
En las biografías de John Coltrane y en su página oficial hacen mención que Blue Train fue considerado su álbum favorito, porque marca el inicio de una nueva etapa, una persona que renace, y que se muestra al mundo por primera vez como John Coltrane el compositor.
SV: El disco es hermoso, nos lleva a pensar siempre en pro de la música, en dejar los egos de lado, darnos cuenta que realmente estamos creando algo nuevo, algo que se va a quedar en el espacio y no será igual.
SV: Una vez fuí a una master class donde me dijeron tres cosas, primero tienes que tocar tu instrumento lo mejor posible, claro que es un camino de toda la vida, técnicamente es no dejarlo, tocar lo más seguido que puedas, para que no sea un impedimento a la hora de querer crear. Por ejemplo de que en tu cabeza están pasando cosas muy chidas pero a la mera hora no puedes tocarlas. Lo otro era escuchar mucha música, la que te gusta, y lo tercero era que toques con músicos mejores que tú, porque van a hacer que tú logres dar ese paso. A veces nos da miedo
tocar con otros porque tocan padrísimo ¡pues qué mejor! esas personas hacen que eleves tu nivel. A veces no entiendo cómo fue que yo, toqué con ciertos músicos - ¿por qué toqué con ellos, por qué me animé? (risas) pero estando allí, en el momento, algo sucede, y te olvidas del ego y de todo, claro que sí te estás muriendo de miedo, pero lo haces.
SV: Lo primero que tienes que hacer es creer en tí, más que un reconocimiento o algo que me hayan dicho del exterior, es creer en mí, y decir: Ok, esto es lo que soy, y este es mi nivel ahora, este es mi proceso, entonces aceptarlo. Porque a veces decimos yo voy a grabar un disco hasta que toque como John Coltrane ¡nunca!, nunca lo vamos a hacer, sin embargo lo que tú haces también tiene un mérito en el nivel que sea. Confía en tí, da primero tú, el salto de fé, eso es lo primero, y después viene todo lo demás, solito, y si no viene no pasa nada porque tú ya creíste en tí.
Estamos por despedir la conversación, Sara debe regresar a su ensayo, y nos quedamos a reflexionar sobre la frase: 1957 fue el año en que Coltrane se convirtió en Coltrane. ¿Cómo logró John Coltrane su sonido, y sobre todo, coincidir con grandes personas, que fueron los músicos que lo acompañaron en este gran camino de constante aprendizaje?
SV: El escuchar esta música tan bien tocada, y tan bien conectada con la música de Coltrane… porque sucede mucho que en los ensambles de jazz, es “consultar”¿puedes hoy?, - sí, -¿Puedes mañana? - sí, -¿puedes ensayar?, -no, pero allí te veo! (risas). Va a salir la música, sí, hasta la gente se sorprende porque te preguntan - ¿cuánto tiempo tienen tocando? y tú les dices: es la primera vez que toco con él. Pero lograr esa conexión que Coltrane logró en Blue Train con los músicos, es algo que se da sólo por hacerlo muchas veces, aunque también se dan los casos en los que hay músicos con los que nunca has tocado y parece que llevas tocando años con ellos. Es lo mismo conectar con la escucha, conectar también entre músicos, porque puede haber músicos con los que te llevas muy bien, cotorreas y te mueres
de risa, pero tocando nomás no (risas) o al revés, a veces no hay tanta comunicación fuera de lo musical, pero tocando la música sale bella, son cosas que no hay explicación, es ya a nivel espiritual.
SV: Las agallas de Coltrane de acercarse a los masters y ser humilde y dejar que ellos te molden, también a su forma y tratar de absorber todo el conocimiento que pudo como una esponja, porque su carrera fue muy prolífera en muy poco tiempo y fueron muchísimos discos, demasiados, y con muchísima gente. Hay que quitarnos el miedo mental, el bloqueo de “no puedo hacerlo” y, al contrario, tener garra y agallas, porque aunque me digan que no lo estoy haciendo bien, yo sé que voy a mejorar. No pierdas la fe en ti, de que tú estás en un proceso de aprendizaje.
Por último le pido a Sara, que nos haga una recomendación, tanto para amantes del jazz que quieran retomar la escucha consciente de la música de John Coltrane, pero también para aquellas personas que por primera vez quieren darle una oportunidad a Trane y deciden escucharle.
SV: Yo les recomiendo que escuchen sus baladas, que no son lo más fácil de digerir, porque no lo son, son hermosas, pero tienen mucha complejidad al momento de “los solos”. Las baladas de Coltrane, el sonido, el sentimiento que da en cada canción, él está dando todo, está dando la vida allí (risas). También como músicos hay que recordar eso, que no sabemos cuánto tiempo vamos a estar aquí, entonces disfrutar estar tocando y dar todo lo que tengas dentro de tí, sin miedo. Y allí está el resultado, que ya van a ser 100 años del natalicio de John Coltrane y sigue inmortal realmente, ya lo es. También pensar en eso, que la música es una forma de dejar algo en este plano, y en otros planos, porque yo he pensado que la música sale de esta dimensión y entra a otra dimensión y es algo muy bonito, por lo mismo, escuchen a John Coltrane
https://www.universo949.mx/vibración-azul https://www.johncoltrane.com/
* Productora de radio, gestora cultural, docente universitaria y responsable de producciones y eventos especiales en Universo 94.9 de la Universidad de Colima (... y mamá).
El productor y director mexicano expuso sobre los Three Amigos: Cuarón, Del Toro e Iñárritu a estudiantes de la Facultad de Letras y Comunicación vía virtual.
Por Abril Barajas Fotos de Jorge Farías
El pasado Miércoles 22 de abril, en el auditorio Gregorio Macedo López a las 9 de la mañana se llevó a cabo la conferencia “Cine México y la irresistible ascensión de los Three Amigos: Cuarón, Del Toro e Iñárritu, impartida por el productor y director mexicano Roberto Fiesco con motivo de la semana FALCOM 2026, coordinado por Amaury Fernández y moderado por la estudiante Abril Barajas integrante del colectivo Cinetrópico.
A través de una conferencia virtual, el productor y cineasta compartió con los estudiantes de cuarto, sexto y octavo semestre de las licenciaturas en comunicación, periodismo, periodismo digital, lingüística y lengua y literatura, su aportación en el libro de BBVA Cine México. El objetivo de este libro fue el revisar el cine mexicano desde una nueva óptica, espacio que contiene el capítulo con el mismo nombre de la conferencia. Estas páginas analizan principalmente el legado de los Three Amigos en el cine mexicano contemporáneo.
Fiesco comenzó explicando el contexto temporal y artístico en el que Cuarón y Del Toro iniciaron a crear sus primeras películas. Sólo con tu pareja y Cronos, respectivamente. Expuso que la participación de estos dos cineastas marcaron una época en la cual el medio artístico apostó por ideas frescas que fueran de interés extranjero.
El productor destacó que este es el momento donde Iñárritu se une a los Three Amigos, estrenando Amores Perros y logrando un éxito taquillero. Posteriormente, estos tres personajes empiezan a crear más películas en el extranjero, principalmente en Estados Unidos, ejemplificando la situación familiar de Guillermo Del Toro.
Roberto remarca la forma en que se clasifica el país de procedencia de una película, siendo ésta la cantidad de dinero que invierte el país en la producción de dicho filme. Por lo tanto, concluye que muchas de las películas de los Three Amigos no son estrictamente mexicanas, sin embargo, este grupo de cineastas siguen identificándose con México.
La conferencia concluyó con una serie de preguntas elaboradas por los estudiantes de octavo semestre, quienes se mostraron curiosos por la representación del cine mexicano a través de estas tres figuras. Este evento representa la ampliación de oportunidades de colaboración entre la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad de Colima.
26 DE ABRIL 2026
Por: Briam Morfin
Título original:
One Battle After Anothe
Título en español:
Una batalla tras otra
Dirección: Paul Thomas Anderson
Año: 2025
País: Estados Unidos
Duración: 161 minutos
La película Una batalla tras otra (One Battle After Another), representa uno de los proyectos más ambiciosos en la filmografía de Paul Thomas Anderson. En esta ocasión, el director construye una historia que combina acción, sátira política y drama personal, tomando como base la novela Vineland de Thomas Pynchon. El resultado es una película extensa y compleja que reflexiona sobre la política, las ideologías y las consecuencias que las luchas del pasado tienen en la vida de las personas.
La trama gira en torno a Bob Ferguson, interpretado por Leonardo DiCaprio, un antiguo miembro de un grupo revolucionario llamado French 75 que ahora vive oculto bajo una nueva identidad mientras intenta mantener una vida relativamente tranquila con su hija Willa. Sin embargo, su pasado regresa cuando reaparece el coronel Steven J. Lockjaw, un militar obsesionado con vengarse de los antiguos integrantes del movimiento y especialmente de Bob y su familia.
A partir de este conflicto central, la película desarrolla una persecución política y personal en la que el protagonista debe enfrentarse nuevamente a los ideales y decisiones que marcaron su juventud.
Uno de los aspectos más llamativos de la película es su tono. Aunque la historia aborda temas serios como la violencia política, el racismo institucional y las ideologías extremistas, Anderson introduce constantemente elementos de humor negro y situaciones absurdas. Esto provoca que la película tenga momentos de tensión mezclados con escenas que funcionan casi como sátira. En mi opinión, este contraste entre lo dramático y lo irónico es una de las características más interesantes de la obra.
En cuanto a los personajes, el protagonista funciona como el eje narrativo. Bob Ferguson es presentado como alguien que en el pasado creyó profundamente en una causa revolucionaria, pero que con el paso del tiempo ha quedado atrapado entre el desencanto y la culpa. Su historia refleja el desgaste que puede provocar la militancia política cuando las convicciones chocan con la realidad.
Sin embargo, los personajes secundarios también tienen un papel importante en el desarrollo de la historia. Por ejemplo, el coronel Steven J. Lockjaw, interpretado por Sean Penn, funciona como el principal antagonista. Se trata de un militar autoritario y racista que utiliza su posición de poder para perseguir a antiguos activistas y mantener su influencia dentro de estructuras de poder extremistas. Su obsesión con destruir a Bob y su familia muestra cómo el odio ideológico puede convertirse en una motivación personal y política al mismo tiempo.
Otro personaje relevante es Sergio St. Carlos, interpretado por Benicio del Toro. Sergio es un antiguo aliado de Bob que ahora vive como instructor de artes marciales y líder comunitario. A lo largo de la película ayuda a proteger a migrantes
indocumentados y colabora con Bob en su intento por escapar de la persecución. Este personaje aporta una dimensión más humana a la historia, ya que representa una forma distinta de resistencia política basada en la solidaridad y el apoyo comunitario.
También destaca Deandra, interpretada por Regina Hall, quien fue parte del grupo revolucionario French 75 en el pasado. Durante la película ella protege a Willa y participa en las decisiones que buscan mantener viva la causa del movimiento. Su presencia demuestra que la lucha política no depende únicamente de un líder, sino de una red de personas que comparten ideales y responsabilidades.
Otro personaje clave, aunque aparece principalmente a través de recuerdos y referencias, es Perfidia Beverly Hills, interpretada por Teyana Taylor. Ella fue una de las integrantes más radicales del movimiento y la madre de Willa. Su relación con Bob y su enfrentamiento con Lockjaw son elementos que influyen directamente en el conflicto principal de la historia.
Una escena que me llamó particularmente la atención ocurre hacia el final de la película, cuando se desarrolla una persecución en carretera en medio del desierto. En esta secuencia convergen varios personajes y conflictos que se habían construido a lo largo de la historia. La escena combina acción, caos y tensión política, lo que demuestra la habilidad del director para manejar distintos tonos dentro de una misma secuencia narrativa.
Desde una perspectiva crítica, la película también puede relacionarse con el tema de las políticas públicas. A lo largo de la historia se muestran diferentes formas en las que el poder del Estado puede utilizarse tanto para proteger como para perse-
guir a ciertos grupos sociales. Por ejemplo, la persecución contra los antiguos activistas y la violencia contra comunidades migrantes reflejan cómo algunas políticas de seguridad pueden terminar afectando derechos fundamentales. En este sentido, la película plantea una crítica indirecta a las políticas públicas que priorizan el control y la represión por encima del diálogo social y la justicia. Esto invita a reflexionar sobre la responsabilidad del Estado en la construcción de sociedades más justas y democráticas.
En el aspecto técnico, la película mantiene el estilo visual característico del
director. La fotografía de Michael Bauman presenta una estética muy cuidada, con paisajes amplios y escenas de acción bien coreografiadas. La música de Jonny Greenwood contribuye a generar una atmósfera de tensión constante que acompaña los momentos más intensos de la historia.
Considero que Una batalla tras otra es una película ambiciosa que intenta hablar sobre la política, el paso del tiempo y la persistencia de los ideales. No es una obra completamente sencilla ni lineal, ya que presenta muchos personajes y situaciones que pueden resultar confusas en
ciertos momentos. Sin embargo, precisamente esa complejidad también forma parte de su propuesta narrativa.
Como valoración final, me parece una película interesante y con un estilo muy marcado. Aunque su duración y su estructura pueden hacerla exigente para el espectador, también ofrece momentos muy bien construidos tanto a nivel visual como narrativo. En lo personal, considero que es una obra que invita a reflexionar sobre cómo las luchas del pasado continúan influyendo en el presente, incluso cuando creemos haberlas dejado atrás.
Por Esmeralda Joselin Dueñas Aguirre
Título: F1: The Movie
Año: 2025
Duración: 155 min
País: Estados Unidos
Dirección: Joseph Kosinski
Guion: Ehren Kruger
Reparto: Brad Pitt, Damson Idris, Kerry Condon, Javier Bardem, Tobias Menzies, Kim Bodnia, Sarah Niles, Will Merrick, Joseph Balderrama, Abdul Slis, Callie Cooke.
Género: Acción. Drama
La película “F1: The Movie”, protagonizada por la estrella de Hollywood Brad Pitt y dirigida por Joseph Kosinski, fue nominada a cuatro premios Oscars 2026, entre ellos, la categoría de Mejor película y las otras tres dominaciones son, Mejor Efecto Visual, Mejor Sonido y Mejor Montaje.
La película no es solo otra película de carreras, si no, una historia que te atrapa, esto con una gran ayuda de la cinematografía que se manejó, con ello con el increíble actor de Hollywood Brad Pitt y la colaboración directa que se hizo con la F1. Así atrapando a la audiencia que le gustan las carreras de la F1, los carros y también por ser protagonizada por este increíble actor, haciendo esta una película exitosa desde su promoción entre la audiencia que iba dirigida, esto también llamando la atención de los demás públicos, llenando salas de cine desde el día uno que se estrenó.
La historia se remonta a la vida de Sonny Hayes (Protagonista), un piloto retirado de las carreras tras un trágico accidente en una de las carreras por los años 90s. Décadas después, su viejo amigo y colega dueño del equipo de carreras de APXGP, lo invita nuevamente a regresar a las carreras ya que este iba a perder toto el dinero que había invertido en el equipo y todo lo que
le había costado tener un lugar en la F1 así comenzando la historia de Sonny.
Joshua Pearse un aprendiz joven talentoso se empieza a poner a la defensiva con Sonny ya que este pensaba que le iba a quitar su lugar en las carreras, así sucede el accidente de Joshua por querer demostrar ser el mejor en una curva este se estrella y el carro se enciende teniéndolo a él dentro quemando sus manos asiendo que quede suspendido hasta que se recupere y pueda volver a la pista, enojado porque pensaba que Sonny le iba a robar todo el sacrificio que hizo para entrar, pero Sonny Hayes solo quería un cosa, volver a sentir que podía volar estando en la pista y que mejor si era en la F1.
Soony ya tenía varios años de haberse retirado de las carreras automovilísticas por un grave accidente que casi lo mato, pero su amigo Ruben Cervantes quien lo estuvo buscando mucho tiempo para convencerlo de ayudarlo a que sea el mentor del Joven Joshua y que ganara una carrera y no desapareciera su equipo, Sonny lo piensa mucho hasta que llega al lugar donde sucede gran parte de la película. El llega y cambia todo porque se sabia que era un experto, su amigo sabía que el lo iba hacer ganar por primera vez en una de las carreras mas importantes del mundo y así fue Sonny a pesar de todo lo que sucede con sus compañeros, más con Joshua quien siempre le tuve enojo desde que llego, pero eso cambiaria hasta ver la realidad del porque él lo estaba haciendo, sumando así su vida personal.
De esta manera logra ganar, ser el primero estar al frente de todos, siendo así el ganador de la F1 salvando al equipo APXGP y así amigo propietario del equipo. Asimismo Joshua deja su resentimiento y celos, agradeciéndole de todo lo que le enseño
en su estancia, ya que a Sonny Hayes se iba a retirar ese mismo día e iba empezar otra vez con su vida, porque ya todos sabía que no podría correr otra vez por aquel accidente de había sucedido hace muchos años atrás, siendo así que Sonny continuara con su vida habitual que tenía antes de volver a correr, sentir esa adrenalina, sentir que está sola y volando, pero lo más importante que él se sintió feliz por volver hacerlo una vez más.
Finalmente, él llega a un sitio que vio en el periódico donde solicitaban un corredor, pero al llegar le dijeron que no pagaban mucho pero como desde un principio el dinero nunca fue lo principal para Sonny al poder correr un automóvil, era ese sentimiento tan único que él tenía al poder majar un automóvil, el sentirse que estaba volando.
La película es muy interesante y entretenida, más para los fans de la F1 que es el principal publico al que se dirige esta película, dejando eso de lado la película es muy buena desde como esta cinematográficamente producida, todos los detalles de los efectos, sonidos y actores, haciendo que te llame la atención desde el momento y que mejor si eres un fan de la F1 o del protagonista Bratt Pitt. Gane o no los Oscars 2026, la película ya ha llegado a la meta como la mejor película y también como el nuevo estándar para el cine de deporte.
Por Isol Padilla García
Nombre: Marty Supreme
Año: 2025
País: Estados Unidos
Duración: 149 minutos
Dirección: Joshua Safdie
Guión: Ronald Bronstein, Joshua Safdie
Reparto: Timothee Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Abel Ferrara, Tyler the Creator
Música: Daniel Lopatin
Fotografía: Darius Khondji
Compañías: A24, Elara Pictures, IPR.VC.
Distribuidora: A24
Género: Drama. Thriller. Comedia | Biográfico. Deporte. Ping-pong
Marty Supreme es el debut en solitario de Josh Safdie (quien era conocido por dirigir películas con su hermano, teniendo grandes obras como Uncut Gems y Good Time) que ha recibido nueve nominaciones a los premios Oscar, de los cuales en las más destacables tenemos: Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director y Mejor Guión Original. Marty Supreme cuenta la emocionante historia a través de un drama con toques de comedia, la vida de Marty Mauser (Timothée Chalamet) un joven inadaptado que persigue la grandeza; el título del mejor jugador de tenis de mesa, y que considera que sus sueños no pueden lograrse en el Nueva York de 1952, por lo que con planes ingeniosos, impulsivos y moralmente cuestionables logra atender campeonatos mundiales en Londres y Tokio, enredándose en dramas familiares, amorosas y peligrosas enemistades. El filme que por el título puede llegar a implicar grandeza, narra una historia emocionante y vagamente inspirada en la
vida del tenista Marty Reisman, un joven que era apodado “The Needle” (la aguja, que además de referenciar su aspecto delgado era también porque disfrutaba de pinchar a sus oponentes con comentarios venenosos para desconcentrarse), representó a Estados Unidos en distintos torneos alrededor del mundo, ganando más de 22 grandes campeonatos. Al igual que nuestro protagonista, el objetivo de Marty Reisman siempre fue ganar dinero y creía que los jugadores de Ping Pong debían ser ludópatas o estafadores.
Esta inspiración trajo a la vida el interesante protagonista Marty Mauser, un joven trabajando en una modesta zapatería que pertenece a su tío, donde tiene encuentros interesantes con su mejor amiga de toda la vida, Rachel (que por cierto ya está casada con alguien más). Y en donde Marty trabaja con el único propósito de obtener el dinero suficiente para financiar su viaje al campeonato de tenis de mesa en Londres, por lo que en el momento en el que decide pedir dinero a su tío y este lo rechaza, toma una decisión que cambia por completo el rumbo de su vida; robar la caja fuerte de la zapatería.
Este hecho convierte la obsesión de Marty en un sueño más alcanzable y es lo que le lleva a una serie de acontecimientos; como instalarse por medio de engaños en un lujoso hotel al despreciar el alojamiento para atletas del campeonato y donde consigue acercarse a Kay Stone, una famosa actriz retirada con quien comienza un romance apasionado con mero interés transaccional debido a la influencia de su marido, un magnate de los negocios y dueño de una muy prestigiosa empresa. Es en este momento que vemos el alcance del ego de Marty, y ese aire de grandeza se ve destruido cuando en la final del campeonato Marty Mauser es vencido por Koto
Endo en la última ronda, esto comienza el descenso de Marty y esa aura de invencibilidad sólo cae en picada, trayendo consigo varios acontecimientos que terminan arrastrandolo de regreso a casa.
Al aceptar su derrota del campeonato y por necesidad económica, decide unirse a la gira de los Harlem Globetrotters (un equipo de baloncesto profesional estadounidense) como atracción de medio tiempo realizando trucos de Ping Pong, pero debido a su personalidad excéntrica y obsesiva, decide volver a Nueva York para encontrar la forma de enfrentarse a Endo una última vez para así demostrar que él siempre fue el mejor.
Este viaje que trae a Marty de regreso a casa, lo envuelve de nuevo en una dinámica inestable debido a sus decisiones impulsivas, es entonces cuando es enfrentado por su tío para regresar el dinero del robo, forzándolo a entregar sus ahorros destinados a viajar a Tokio, para concretar su revancha.
En un intento de escapar de la policía y su familia, nuestro protagonista se reencuentra con Rachel, quien además de estar embarazada le admite que el hijo es suyo, todo sucede de manera tan rapida que Rachel no nota que detrás de ella se encuentra su marido escuchando la terrible confesión, por lo que ahora a la lista de enemigos de Marty se une un nuevo personaje, de quien logra escapar entre el caos, poniendo en segundo plano la confesión de Rachel y todo lo que ello implica, para continuar con su plan inicial; recuperar el dinero para viajar al campeonato en Tokio.
Marty recurre a su mejor amigo Wally (Tyler The Creator), para conseguir un poco de dinero que le permita alojarse
en algún lugar, terminando en un hotel en muy malas condiciones donde provoca un gran accidente dejando lesionado a un hombre mayor (con apariencia aparentemente en situación de calle) y su perro Moses, el misterioso hombre le pide a Marty llevar al perro a la veterinaria dándole un saco lleno de dinero, mismo que usa como carnada para utilizar junto con Wally de regreso a una noche de estafas en el sótano de un club fingiendo ser un amateur para atraer jugadores adinerados a apuestas de muy alto riesgo, mismos que tras descubrir las intenciones de ambos terminan golpeados, robados y con Mose perdido.
En ese momento Wally decide apartarse de Marty y ahora este debe enfrentarse con la pérdida de Mose, lidiar con Rachel quien abandonó a su esposo con un aparente morete en el ojo, escapar de su familia que lo busca junto con la policía,
encontrar al esposo de Kay Stone para encontrar financiación para el torneo en Tokyo, y situaciones alternas.
Personalmente mi parte favorita fue el final, ese momento en el que Marty regresa después de vencer a Kendo en su propio país, orando al ver a su hijo, es justo ese instante en que regresa al hospital desde Japón es donde considero el punto de quiebre de Mauser, cuando todas la máscara del ego cae frente a nuestros ojos y llora mirando por primera vez a su hijo, un momento que simboliza al menos para mi, el inicio de un nuevo Marty. Un Marty que ha sido asesinado tras humillaciones soportadas con el único fin de llegar a la cima, sin importar el daño que tuvo que hacer a personas que realmente le amaban.
Lo puedo relacionar con la ODS de fin de la pobreza, ya que hay bastantes escenas
donde se puede observar la precariedad en la que se vive en el este de Nueva York en los 50s, y si bien los tiempos han cambiado, es bien sabido que hay zonas que nunca se voltean a ver.
Al comenzar esta reseña aún no eran los premios Óscar, y mi pronóstico era que quizás ganaría una categoría, pero claramente mejor actor y mejor película no estaban en mi lista, ahora mismo, a un día de haber sido los premios con el contador en 0 premios ganados, sinceramente no me decepciona, tampoco me impacta.
El cine sí es político, la posición de una gran figura en las industrias audiovisuales importa, y curiosamente esa ambición de Timothée Chalamet la encuentro bastante convergente con Marty Mauser, esperando de verdad que no se quede en ese papel por siempre.
“Al jugar con el tablero parlante, un mundo atraviesa al Otro; por medio del lenguaje, se abre una ventana al caos que muestra su desnudez de abismo y tortura. […] Nace algo entonces, que sólo existía parcialmente, en algún borde, que no era el nuestro. […] asume que al nombrarse aquello que no existe de un Lado pero sí del Otro, la Verdad se expande” (Abad, p. 9, 2024) y nos deja ver que no es una sola realidad la que nos rige.
Así nos recibe Umbral, un libro de cuentos que genera diversos tipos de miedo; algunos fantasiosos y otros un poco más tangibles. Por si fuera poco, las primeras páginas presentan un tablero de Ouija que oscurece el ambiente y despierta las más profundas supersticiones. Somos nosotros quienes, después de estas advertencias, decidimos continuar con el juego o alejarnos del libro para mantenernos seguros en nuestra realidad.
A partir de ese momento, como jugadores, solo podemos escuchar, preguntar y recibir respuestas que tal vez era mejor desconocer. Nuestros ojos se moverán por las letras del tablero, recibiendo información de la que ya no podemos escapar.
“Aleación”, uno de los cuentos en este libro, nos presenta a Julián, que recién terminó con su novia y busca deshacerse de los cacharros y fierros que ella dejó al irse. Para esto contrata a su amigo Lobsang, quien consumía drogas para quitarse el dolor causado por una placa de titanio en la rodilla, y a don Chema, su vecino jubilado.
La idea original fue entregar los fierros al Darketo, un vagabundo que pasa el día en el basurero, buscando metal para vender. La sorpresa llega un día después, cuando el protagonista reconoce a su amigo en una foto del periódico, tirado boca arriba
en el basurero y con la pierna deshecha. Don Chema tampoco volvió, reveló su esposa, y horas después lo encontraron en el mismo lugar. Así lo describe usted:
“Cuando lo destaparon totalmente, distinguieron un agujero en la parte izquierda del pecho; daba la impresión de que una bomba le había explotado desde adentro y le floreó los pulmones”.
Una vez en el basurero, Julián descubre que el Darketo busca fierros, pero no para vender, para alimentarse. “Tragaba los cascajos de metal sin ninguna dificultad, se le marcaban en la garganta” Algo salvaje y a la vez natural, un cocodrilo engullendo una sandía. Escribió usted, señor Abad.
Lamentablemente, el Darketo logra detectar el hedor de metal en la boca del protagonista. Unas muelas de titanio. Julián logró escapar, llegar a su casa hundida en oscuridad y finalmente ordenó sus pensamientos. Cito de nuevo: “No sé si es posible hacer eso que él hizo; hay gente en el mundo que puede comer vidrio, incluso piedras. Un porcentaje mínimo debía de comer metal”. No hubo más tiempo para pensar, cuando descubrió que el asesino logró rastrearlo hasta su casa.
Habrán de entregarse ustedes mismos al libro, si desean saber más.
Para este punto podemos entender, si recordamos la placa de titanio que Lobsang llevaba en su rodilla, que el Darketo es el asesino. ¿Y Don Chema? Resulta que tenía un marcapasos, en la parte izquierda del pecho, donde se encuentra el corazón.
Por ahora, deseo retomar este libro como un mundo nuevo, un planeta en el que apenas aterrizamos, aunque creado a semejanza del nuestro. Podemos viajar en todas direcciones y, para evitar que nos
perdamos, el creador (o autor) nos sugiere un camino. Los escritores tienden a utilizar un letrero bien visible para cuando ellos no estén ahí: el título.
Umbral, según la Real Academia Española, puede ser “La parte inferior o escalón, en la puerta o entrada de la casa” y el “Paso primero y principal o entrada de cualquier cosa”. El umbral no es estar adentro, es estar en los límites, estar a un solo paso, una única decisión, de poder entrar o permitir la entrada. Eso es lo que hace Roberto al inicio, advierte que estamos a punto de abandonar la zona segura de nuestra realidad.
Si existen personas que comen vidrio o piedras, ¿quién dice que no podemos comer metal? Somos nosotros, como lectores, quienes decidimos adoptar estos terrores como parte de nuestra vida, nuevos miedos que tal vez nunca habríamos imaginado, pero son posibles.
Tumores malignos en todos los sentidos de la palabra, la incertidumbre que qué tan vivos o muertos estamos, sectas, derrames sin advertencia.
Solo quienes tengan la suficiente valentía, curiosidad o menosprecio a las advertencias, se atreven a colocar sus manos sobre este libro y se dejan guiar. Porque esa Otra realidad no se encuentra en otro plano, se encuentra aquí mismo, solo es cosa de soltar nuestros mortales cinco sentidos y, de esta manera, cruzar el umbral con que nosotros mismos nos limitamos.