Referentes de diseño gráfico japonés

REFERENTES diseño gráfIco japonés

Mis principales referentes a la hora de realizar este proyecto han sido la historia del arte y el diseño gráfico japonés, distinguiendo los que podemos encontrar en cada uno de los periodos de la historia japonesa.

EDAD ANTIGUA NARA

ASUKA

HEIAN

EDAD MODERNA Y CONTEMPARANEA MEIJI

SHOWA

HESISEI JOMON

YAYOI PREHISTORIA

KAMAKURA

ASHIKAGA-MUROMACHI

EDO EDAD MEDIA

Empezando por la prehistoria, nos encontramos con, el periodo Jomon y Yayoi. En primer lugar encontramos el periodo Jomon 14.500 a.C, caracterizado por la decoración de su cerámica con muy peculiares dibujos a la cuerda. Terminada la prehistoria llega el periodo Yayoi, 300 a.d.C que mejora el acabado de la cerámica, ya más homogénea, y optimizada también por el empleo del torno. Del mismo modo aparecen objetos de bronce con fines religiosos Por lo que se refiere a la Edad Antigua, tan importante para cada civilización, empieza con el por la adopción del sistema de escritura chino, un acontecimiento trascendental para la cultura.

Después encontramos el periodo Asuka, en el que se introduce el budismo en Japón y la consiguiente construcción de numerosos templos, cuyo elemento arquitectónico más importante fue la pagoda (así se denomina a la torre de 5 plantas que simbólicamente reunía los 5 elementos: tierra, agua, fuego, viento y cielo). Uno de los acontecimientos destacados de este periodo fue la quema de la biblioteca imperial.

Por último está el periodo Heian,794-1185 muy importante para la escritura: se compone la primera antología de poemas Kokinshu (Antología de poemas antiguos y modernos). También encontramos dos importantes escritores: Hurasaki Shikibi y Sei

periodo Nara,700-794 marcado Shongong.

.Al terminar este periodo entramos en Edad Media que comienza con la etapa conocida como Kamakura, 1185-1333 en la que aparecen dos sectas budistas: la primera, denominada Tierra Pura, proponía una vida más sencilla ya que pensaba que la religión era algo esencialmente personal. Veneraban la figura de Amida Buda. La otra corriente que surgió, conocida como fue Zen, se caracterizaba por proponer una visión más tradicional. En todo caso debemos destacar que el budismo impregnó sobre todo en la filosofía samurái.

Más tarde encontramos el periodo Ashikaga-Muromachi 1336- 1573 donde surge la escuela o estilo Kano, de gran influjo en el Japón moderno. Los artistas de Kano realizaban un arte popular y muy apreciado y presente, por ejemplo, en el grabado en madera, donde representaban animales y plantas con técnica de línea de tinta, color plano y hoja de oro brillante. Para poder usar el nombre de Kano los estudiantes tenían que conocer en profundidad las obras de los libros oficiales y copiarlas a la perfección. Para el objeto de este Trabajo Fin de Estudios es importante señalar que esta escuela influyó en Occidente. en el Art Nouveau.

En tercer lugar, el periodo Edo 1603-1868 surge al compás de la escuela Rinpa, que realiza un arte más decorativo, donde representaba plantas y personajes ficticios, poetas y sabios. Pero su valor está ligado, sobre todo, a que introdujeron la caligrafía en las imágenes. En esta escuela nos encontramos dos artistas que destacan: Uno es Honami Koetsu cuyo estilo extravagante gusta mucho en la aristocracia. Incluye muchos poemas en sus imágenes en papeles dorador. Y Tawara Sotatsu que realiza numerosas obras en diferentes superficies entre

Una vez terminada la Edad Media comienza, como sabemos, la Edad Moderna arrancando con La Restauración Meiji,1868-1912 que se caracteriza por una mayor influencia del arte europeo hasta el punto de que el arte japonés se da a conocer en varias exposiciones. Una de ellas, celebrada en 1873 en Viena, donde recibe mucha atención la artesanía y se introducen dos nuevos términos: Beijutsu (bellas) y Geijitsu (industrial). En 1893 participan en la exposición de Columbia donde mostraron un aspecto más innovador y evolucionado. A la importante era Meiji le sucede la etapa Taisho, 1912-1926 donde el kimono obtenía un mayor protagonismo gracias a los patrones y las imágenes que lo decoraban.

Después llega la era Showa 1926- 1989 en la que que comienza la enorme importancia del diseño gráfico dentro de las artes modernas en Japón, dada la importancia que alcanza la publicidad para los consumidores urbanos. Los carteles fueron la nueva y más visible expresión artística y el diseño gráfico se convirtió en una nueva disciplina. En esta era nos encontramos a los siguientes diseñadores: Umeji Takehisa: no estudió arte, pero desafió el concepto de artista, lo que causó gran malestar a los otros artistas ocasionándole malas críticas. su obra más conocida fueron los retratos al estilo Yumeji con estética de la era romántica. Yusaku Kamekura: pionero del diseño gráfico japonés, realizó carteles, packaging y maquetó libros. Estudió arquitectura contemporánea y arte industrial. En 1938 fue director artístico para varias revistas. Participó en la exposición “gráfico 55” junto con Hiramu Hara y Paul Raand. Keiichi Tanami: se centró en el grupo “Han-geijutsu” (antiarte) entre los años 6 y 70. Intercambió ideas con Robert Rauschenberg y Michel Tapié. También colaboró con Andy Wharhol.Tanami participa en la cultura de la psicodelia y diseña varias portadas de discos para grupos como The Monkees.Es recordado también por realizar una serie de pinturas eróticas con actrices de Hollywood.

Ikko tanaka: produce combinaciones de la tradición japonesa y el lenguaje occidental. Entre sus trabajos encontramos los logotipos para la Expo del 85, Expo de

Tokyo del 96 y el logotipo para la Universidad de Osaka, a parte, diseño exposiciones para el victoria albert museum. Desarrolló la marca Muji y trabajó como director de arte para esta casa tan conocida..

Kazumasa Naga: su estilo pasó de las formas abstractas a las orgánicas, de modo que los temas que trataba eran animales y plantas con un diseño simple y directo, y usando colores vibrantes. Takashi Akimaya: Trabajó como director de arte e ilustrador para algunas revistas. Maseru Aboa: diseñaba carteles con composiciones llamativas cuyos temas eran la paz, el medio ambiente y preocupaciones sociales, mostrando un abanico de asuntos muy de su generación.

En la era Heisei 1898-2015, la era contemporánea y más cercana a nosotros, podemos destacar entre otros diseñadores a Ikko Tanakaquien fue un conocido

diseñador y publicista.

Una característica importante del diseño gráfico japonés que se ha tenido muy en cuenta para el diseño del logotipo ha sido la llamada “psicología del color japonés”, una asignación tradicional que se basa en la asociación de colores a diferentes valores y emociones:

-Azul: Esperanza, lealtad respeto,verdad. -Rojo: Fuego, calor, amor, felicidad, cualidad. -Naranja: felicidad, protección, fertilidad, bondad. -Amarillo: luz, intuición,conocimiento, sabiduría, calor. -Negro: calidad, origen, fuerza. -Blanco: Santidad, pureza, limpieza, eternidad, inocencia. -Marrón: Otoño, fertilidad, simplicidad, sumisión. -Gris: Protección, tranquilidad, serenidad. - Verde: Primavera, naturaleza, frescura, inocencia, juventud felicidad. -Morado: Honor, reconocimiento, sabiduría, conocimiento.

Algunos de los referentes que usé son unos logos japoneses que se caracterizan por ser similar a unos sellos japones llamados Hankos . Estos sellos se pueden ver en la siuiente página.

Referentes visuales utilizados: Para crear la marca de la asociación se usaron diferentes referentes visuales, entre los que es necesario destacar: -Los patrones, que están muy presente como decoración en los kimonos.