FVT XVI Concierto Homenaje con sangre 2018

VÍCTIMAS XVI concierto homenaje DEL TERRORISMO Martes, 6 de marzo de 2018 a las 19:30 h AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA Orquesta Sinfónica y Coro RTVE (Miguel Ángel Gómez-Martínez, director) Bajo la presidencia de Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía

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PROGRAMA XVI CONCIERTO HOMENAJE VÍCTIMAS DEL TERRORISMO Martes, 6 de marzo de 2018 Orquesta Sinfónica y Coro RTVE (Miguel Ángel Gómez-Martínez, director) LUDWIG VAN BEETHOVEN Sinfonía núm. 9 en Re menor Op. 125 “Coral” (1770-1827) PRIMER MOVIMIENTO (Allegro ma non troppo, un poco maestoso) SEGUNDO MOVIMIENTO (Scherzo. Molto vivace - Presto) TERCER MOVIMIENTO (Adagio molto e cantabile) CUARTO MOVIMIENTO (Presto) SOLISTAS: Milagros Poblador, soprano Diletta Scandiuzzi, mezzosoprano José Pazos, tenor Samuel Youn, bajo-barítono

In Memoriam: ¡Abrazaos, millones de seres! LAURA PRIETO Cuando el pasado 15 de enero Su Majestad El Rey recogió el Premio “Derechos Humanos Adolfo Suárez 2017”, otorgado por la Fundación Víctimas del Terrorismo, destacó en sus palabras que cualquier acto de gratitud y reconocimiento a las víctimas del terrorismo merece el respeto, la adhesión y el apoyo incondicional de todos, porque las víctimas son -sois- el ejemplo y la memoria viva del mayor sacrificio que nuestra sociedad ha hecho por defender la libertad, la democracia, la convivencia y nuestro Estado de Derecho.

Nos concita ahora un acto de gratitud y de reconocimiento que se viene produciendo desde hace dieciséis años promovido por la

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Fundación Víctimas del Terrorismo y que cuenta con el patrocinio del Auditorio Nacional, del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, de la Fundación Montemadrid, del Ayuntamiento de Madrid y de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE. Es un acto que hace de la música un vehículo idóneo para reunir en torno suyo a todos los que rechazamos firmemente cualquier género de violencia. Es el concierto ‘In Memoriam’, que nos sitúa cada año ante aquellos ciudadanos sacudidos por la barbarie del terror, para hacerles saber que no están solos y que su memoria es el mejor instrumento para vencer al terrorismo, por mucho que golpee o por muy fuerte que lo haga.

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En nuestro país vivimos el terrorismo desde 1968, con su última expresión en los atentados de Barcelona y Cambrils en agosto de 2017. Han sido mil doscientas sesenta y siete las personas que han perdido la vida y, junto a ellas, numerosos heridos que reviven los instantes en que todo cambió para siempre en su existencia. Instantes como los acaecidos el 11 de marzo de 2004, cuando el atentado en Madrid acaba con la vida de 192 personas y provoca casi dos millares de heridos.

Por eso la Unión Europea decidió que sería un 11 de marzo el día dedicado a la memoria de las víctimas y por eso es el día en que todos debemos arroparles con nuestro afecto y hacerlo, además, a través de este ya tradicional homenaje presidido por Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía. ¡Abrazaos millones de seres!, decía el poeta y dramaturgo Friedrich Schiller en 1785 cuando publica An die Freude, una oda a la alegría que fue también en su tiempo una oda a la libertad y que encendió, sin duda, una chispa en el atormentado espíritu de Beethoven cuando conoció el poema en 1793. Desde entonces tuvo la intención de crear una obra a partir de la oda pero la ocasión se fue posponiendo hasta que recibe un encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres en 1817 y es, en ese momento, en el que podemos situar los orígenes de una partitura llamada no sólo a revolucionar una forma musical tan asentada como la sinfonía sino también a remover los cimientos de la propia historia de la música. En palabras de Wagner “la última sinfonía de Beethoven redime la música, por su virtud más íntima, y la lleva hacia el arte universal del futuro. Después de la novena, ya no es posible ningún progreso, puesto que sólo la puede seguir directamente la consumada obra de arte del porvenir, es decir, el drama universal cuya clave artística nos ha dado Beethoven” (Poggi y Vallora, 1995).

Cuando empieza la composición, Beethoven se encontraba padeciendo los tormentos de la sordera y de otras complicaciones de salud que le provocaban no poco sufrimiento: “es-

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toy tan desesperado que me gustaría morir, ya que todas estas enfermedades no tienen fin”, le decía a su amigo Kmeskall (Buchet, 1991). A esto sumaba una batalla legal con su cuñada Johanna para obtener la custodia de su sobrino Karl, tal y como había estipulado originalmente su hermano Kaspar Karl en su testamento. Le costó tiempo, esfuerzo y dinero y un alejamiento parcial de la composición. Es una etapa centrada en su círculo íntimo de amigos pero bastante aislada del resto del mundo, en una angustia vital que, sin embargo, no movió un ápice el convencimiento de la misión de su música: “en mi situación actual no puedo actuar como antes… y, sin embargo, ¡aún me llamo Beethoven!” (Buchet, 1991).

La lucha contra los contratiempos es una tónica en la vida de Beethoven pero sus obras transcurren al margen de ello con sus propias cadencias, marcando un constante avance que va rompiendo cualquier muro exterior. Pese a tanta circunstancia adversa, el genio anuncia que está trabajando en dos sinfonías completamente innovadoras.

A finales de ese 1817 se encuentra ya escribiendo el primer movimiento de su novena sinfonía, a la par que estudia a autores como Bach o Haendel. Los siguientes años se centran en la lucha sin cuartel por la custodia de Karl, que finalmente consigue en abril de 1820. Con todo, la salud y la economía del maestro se deterioran sin remedio mientras sigue trabajando en varias obras y, entre ellas, en la Misa en Re, encargada para la ceremonia de investidura del Archiduque Rodolfo de Austria, alumno de Beethoven, como arzobispo de Olomuc.

1823 es el año en el que Beethoven se dedica intensamente a la Novena, siempre con la intención de incluir en ella la Oda a la Alegría. Durante jornadas enteras, que comenzaban muy temprano y terminaban muy avanzada la noche, estuvo dando vueltas al lugar en el que debía ubicarse la Oda, una vez concluido el cuarto movimiento. Se trataba de encontrar la fórmula

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que prestara coherencia al todo y que huyera del recuerdo del destino desventurado para expresar un pensamiento de alegría. Lo encontró en el último movimiento y allí lanzó la idea tan anhelada: “¡Oh amigos! ¡Que cesen nuestras quejas! ¡Elevemos al cielo cantos de fiesta y de alegría!”.

Los últimos retoques de la partitura tienen lugar en los primeros meses de 1824 y la intención inicial de Beethoven es estrenarla en Viena pero se encuentra con el rechazo de la Sociedad de Amigos de la Música, cuyos miembros aprovechan la circunstancia para recordarle que les debe todavía una composición. Enterado de ello, es el príncipe Lichnowsky quien encabeza las gestiones de un grupo formado por el propio Lichnowsky, Artaria, Streicher, Diabelli, Palfy, Czerny, Zmeskall y Steiner, entre otros, para que sea Viena la primera en conocer la nueva música del compositor: Le suplicamos que evite esta vergüenza a nuestra capital e impida que sus nuevas obras maestras salgan de su lugar de nacimiento antes de haber sido apreciadas por los numerosos admiradores del arte nacional. Únicamente usted puede satisfacer nuestras aspiraciones hacia el bien por medio de una victoria completa. La nación espera de usted una nueva vida, laureles nuevos y un reino nuevo de verdad y de belleza, a pesar de la moda del momento, que está trastornando las leyes eternas del arte musical. Denos la esperanza de ver satisfechos en seguida los deseos que su arte divino nos ha inspirado. ¡Ojalá el año que acaba de empezar no termine sin que le expresemos nuestra gratitud por el buen resultado de este encargo! ¡Ojalá la próxima primavera florezca doblemente con sus dones para nosotros y para el mundo artístico!

Tras arduas negociaciones, se acuerda el concierto el 7 de mayo de 1824 en el escenario del Teatro de la Corte Imperial de Viena, con Michael Umlauf a la batuta, aunque compartiendo escenario con el propio Beethoven, al que los intérpretes, sin embargo, tenían orden de no hacer caso, dada su absoluta sordera. En el mismo concierto se escuchó

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la obertura La consagración de la casa y el Kyrie, el Credo y el Agnus Dei de la Misa en Re, todavía sin estrenar. Se contó también con la soprano Henriette Sontag y la contralto Karoline Unger, a las que Beethoven había recibido en septiembre del año anterior: “la Sontag es más prudente… la Unger es demasiado alocada”, aparece en sus Cuadernos de conversación, aunque no pudo resistirse a escribir sobre la ‘extraordinaria belleza’ de ambas. Junto a ellas, actuaron también como solistas el tenor Anton Heizinger y el bajo Joseph Seipelt.

Desde su ubicación en el proscenio, Beethoven iba siguiendo sin éxito la partitura. Según Karl Holz, presente en el estreno, “en la segunda parte del scherzo, cuando atacaron los timbales, el público aplaudió tan fuerte que ahogó a la orquesta; el maestro no se dio cuenta de nada hasta que Umlauf, con un gesto de la mano, le hizo notar la emoción del público. Beethoven miró alrededor e hizo una inclinación cortés” (Poggi y Vallora, 1995). Lo mismo sucedió al final de la obra, cuando Unger le tuvo que señalar la reacción del público, puesto en pie aclamándole mientras agitaban pañuelos y sombreros y aplaudían con fervor.

Aunque los comentarios y las críticas hacia la obra fueron, muy mayoritariamente, de rendida admiración, no faltaron algunas voces contrarias, como la de Spohr: el final de la Novena me parece tan monstruoso e insulso y, respecto a la concepción de la oda schilleriana, tan trivial que aún no logro entender cómo pudo escribirlo un genio como Beethoven, o la de Verdi: es sublime en los tres primeros tiempos, y pésima como factura en la última parte (Poggi y Vallora, 1995). Sin embargo, su sentido heroico, de triunfo colectivo frente al destino y su indudable eficacia tanto en el plano sonoro como en el espiritual, han llevado esta partitura a la categoría de mito indiscutible, sin olvidar que forma parte del Registro de la Memoria del Mundo de la Unesco y que su Oda es el himno de la Unión Europea desde 1972.

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Símbolo de la libertad, herencia de la humanidad… son muchos los adjetivos que han recibido tanto la obra como su creador desde que se escucha por primera vez en 1824. Y son muchas las reflexiones y los análisis que se han vertido en las crónicas pero, de entre todas ellas, tal vez merece la pena reseñar la que escribía Juan José Mantecón tras su interpretación en Madrid en 1927, por cuanto reúne muchos de los aspectos que ha despertado, y sigue despertando aun hoy, la partitura: Hasta el final de su vida alerta, sin desfallecimientos en su genio creador, Beethoven se yergue titánico en su última hora con un canto revolucionario, que siempre le persiguió de cerca: la oda de Schiller a la alegría, a la fraternidad humana. Contento y fraternidad para los hombres. La Novena Sinfonía es, probablemente, el monumento más recio del siglo XIX. Sorprende y deja atónito aún hoy su fuga y vigor, su gesto mesiánico. Esta Novena Sinfonía es casi un nuevo continente, un nuevo mundo, con una flora y fauna que al extravasar las líneas de su perímetro había de fecundar los espíritus románticos, engendrar hijos entusiastas y guerreros, conquistadores de voluntades y conciencias. Pero también posee una iracundia, una fatalidad, como clamor de trompetas de juicio final. Los contemporáneos de la obra debieron sentir cerca de ella como si la música se hubiera terminado, como si se hubieran agotado todas las posibilidades. Era un ‘finis taerra’ avanzada sobre un mar de tormentas y meditaciones. Los marinos que se adentraron en él necesitaban muy recio temple. La música había llegado a su mayoría de edad, y desde entonces debía valerse por sí sola, poner la proa al huracán y las crespas olas. Así lo hizo Wagner, también Liszt, mucho Berlioz; pero solo entre los tres reunidos podían llegar a una suma de valores equiparables a este ‘gemido sordo’.

En el siglo XIX sólo hay, probablemente, dos energías emparejables a la de Beethoven, las de Goethe y Napoleón; pero con un tanto a su favor: el de la altivez de su misión en la tierra, jamás doblegada ante la ambición personal, o la mezquina idea de medro; derecha y firme hacia el fin; inflexible e imperturbable ante otra cosa

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que su propio ‘daimonio’. Beethoven es uno de los más enérgicos ejemplos de moralidad, de gran moralidad que pueden tener los hombres. Órbita la suya sin eclipses, aunque el doliente cuerpo del hombre se viera colmado de dolores y quejidos. Y añade al respecto de su compleja puesta en escena: Pocas obras existen en el repertorio musical de una más difícil ejecución material e interpretativa. Esta ingente composición exige un estudio profundo y detalladísimo para poder vencer el cúmulo de complicaciones que encierra, sobre todo las que atañen a las voces, solistas y corales, que Beethoven trató con despiadado carácter instrumental. Llegar a una ejecución perfecta de esta obra parece casi un imposible (L. Prieto, 2001). Lo señalaban también A. Della Corte y G. Pannain en su Historia de la Música (1965): Es la revolución más atrevida llevada al campo de la forma clásica. Un torbellino de ideas, un florecer de acontecimientos de la más insospechada variedad: ritmos arrebatadores que en su fluir adquieren potencia formativa, entrelazamientos polifónicos en los que palpita, viva y trémula, la circulación de la sangre armónica, espíritus emotivos de aguda penetración cantable, una vocalidad llevada al límite de sus posibilidades físicas…

Beethoven sirve como ejemplo de cómo el pulso ante la vida y el deseo de superación son capaces de doblegar cualquier zarpazo del destino. Y traigo de nuevo a estas páginas esa definición de Isaac Asimov que califica la violencia como el último recurso del incompetente, porque es importante no olvidar que la memoria que guardamos de las personas que amamos es mucho más fuerte que la mayor y más cruel de las incompetencias. Ya lo decía Beethoven en su temprano Testamento de Heiligenstadt, escrito en 1802: Adiós y no me olvidéis completamente cuando esté muerto, merezco eso de ustedes. Habiendo yo pensado en vida tantas veces acerca de cómo hacerlos felices, sedlo.

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Orquesta Sinfónica y Coro RTVE MEDIO SIGLO DE EXCELENCIA La Orquesta Sinfónica y Coro Radiotelevisión Española es una formación sinfónico-coral dedicada a la interpretación y difusión de la cultura musical de calidad, dentro del marco de la Corporación RTVE. Es la única institución de su género en España que cumple una función audiovisual intrínseca, pues casi todo cuanto interpreta se difunde a través de TVE, RNE y RTVE.es, al tiempo que desarrolla una intensa actividad en la grabación de sintonías de radio y televisión, así como de bandas sonoras de series de TVE y de películas.

Actualmente la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE celebra más de 85 conciertos cada

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año distribuidos en la Temporada de conciertos, Ciclo de Jóvenes Músicos, Ciclo Coral, Ciclo de ‘Los Conciertos de Radio Clásica (Música de Cámara)’, así como Galas Líricas y otros conciertos extraordinarios y pedagógicos.

Su presencia es habitual en los principales festivales españoles (Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Internacional de Santander, o Semana de Música Religiosa de Cuenca), y su dimensión internacional se forja a través de los intercambios con la UER (Unión Europea de Radiotelevisión), y de sus actuaciones en

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el extranjero, entre las que destacan Carnegie Hall de Nueva York (1971), Royal Festival Hall de Londres (1975), Tonhalle de Zúrich (1986), Théâtre du Châtelet de París (1986), Suntory Hall de Tokio (1988), L’Arsenal de Metz (1989), Estrasburgo (1998), Festival de Otoño en Varsovia (2008) entre otras.

En 2007, la Orquesta Sinfónica realizó una gira de conciertos en distintos auditorios de Japón. Próximamente la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE en su proyecto de internacionalización, impulsará más actividades en el extranjero a propósito del convenio de colaboración con la Orquesta Metropolitana de Lisboa y con el Coro Filarmónico Vaticano.

Entre los galardones recibidos figuran la ‘Medalla de Honor’ del Festival Internacional de

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Música y Danza de Granada; ‘Antena de Oro Extraordinaria’ de la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España; ‘Premio Iris a la Mejor Banda Sonora’ por la serie de TVE ‘Isabel’; y ‘Premio Iris Especial’ de la Academia de las Ciencias y las Artes de Televisión a la Orquesta Sinfónica RTVE por sus 50 años de brillante trayectoria profesional y por su aportación a la cultura musical española. En 2016 el Coro RTVE recibía el premio Bravo de la Conferencia Episcopal y en 2017 la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE recibía un premio honorífico de la Semana de Música Religiosa de Cuenca por su trayectoria y aportación al mundo musical de nuestro país.

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Nacido en Granada, e hijo de músicos, dirigió su primer concierto público a los siete años, al frente de la Banda Municipal de Música de la ciudad. Estudia piano, violín y composición en Granada, Madrid y Estados Unidos, así como Dirección de Orquesta en Viena, siendo alumno destacado de Hans Swarowsky. Se le otorgan las becas Manuel de Falla (1963) y Fundación March (1967).

Obtiene el Título de Profesor de Piano a los 13 años, el de Virtuosismo del piano y Composición a los 17 con Premio Extraordinario del Conservatorio de Madrid y el Dirección de Orquesta a los 21 años, con Premio Extraordinario del Ministerio de Ciencia e Investigación de Austria, siendo el titulado más joven de la historia de la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena.

Miguel Ángel Gómez Martínez ha sido invitado por los Teatros de Ópera más famosos del mundo, entre los cuales podríamos citar la Deutsche Oper de Berlín, los teatros de la Ópera de Viena, Múnich, Hamburgo, Convent Garden de Londres, Grand Theatre de Ginebra, Opera de Zürich, Opera de Paris, Houston Grand Opera, Lyric Opera de Chicago, el Teatro Comunale de Florencia, la Fenice de Venecia, Ópera de Roma, Tea-

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tro San Carlo de Nápoles, Scala de Milán, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro Real de Madrid, Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Teatro Wielki de Varsovia, Opera de Budapest, Opera de Estocolmo, Opera de Copenhague. Ha dirigido igualmente en los festivales de Berlín, Viena, Múnich, Macerata, Granada, Santander, San Sebastián, Perelada, Savonlinna, Helsinki, Salzburgo, Festival Enescu Bucarest, Festival de Pascua de Bayreuth, Festival Beethoven de Varsovia y otros muchos.

Sus numerosos conciertos, ofrecidos tanto en Europa como en los Estados Unidos y Extremo Oriente, le han llevado a dirigir las más prestigiosas orquestas del mundo, tales como la Orquesta Filarmónica de Viena, Orquesta Gewandhaus de Leipzig, la Staatskapelle de Dresde, Orquesta Sinfónica de Viena, Orquesta Royal Philarmonic de Londres, y Orquesta Filarmónica de Londres, Orquesta de la Ópera de París, Orquesta de la Radio de Baviera, Orquesta de la Radio de Colonia y Orquesta de la Radio de Berlín, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Sinfónica de Bamberg, las orquestas Filarmónica de Hamburgo y Sinfónica

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MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ-MARTÍNEZ

DIRECTOR DE ORQUESTA Y COMPOSITOR

de Hamburgo, Orquesta de Mannheim, I Cameristi de La Scala de Milan, English Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica de Berna, Orquesta Filarmónica de Helsinki, Orquesta Sinfónica de Houston, Orquesta de la Ópera de Varsovia y Orquesta Filarmónica de Varsovia, Orquesta Sinfónica de Denver, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Brückner de Linz, Orquesta Filarmónica del Teatro Colón de Buenos Aires, Orquesta Sinfónica y Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Orquesta del Teatro La Fenice de Venecia, Orquesta Yomiuri Symphony, Orquesta del Teatro San Carlo de Nápoles, Orquesta Sinfónica de Tokio, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Filarmónica Marchiggiana, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica de Berlín, Orquesta Filarmónica de Osaka, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Filarmónica de la Radio de Holanda, Orquesta Sinfónica de la Radio de Copenhague, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Filarmónica de Oslo, Orquesta Filarmónica de Budapest, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica RTVE, Orquesta Ciudad de Barcelona, Orquesta Filarmónica de Tokio, Orquesta del Teatro Massimo de Palermo, Orquesta del Maggio Musicale

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Fiorentino, Gran Orquesta del Festival de Pascua de Bayreuth, Orquesta de la Ópera de Roma, y Real Orquesta Sinfónica de Copenhague, entre otras.

De 1984 a 1987, Miguel Ángel Gómez Martínez fue Director Titular de la Orquesta Sinfónica RTVE y de 1985 a 1991, fue Director Artístico del Teatro de la Zarzuela de Madrid. Desde1989 a 1993 fue Director Artístico y Musical de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y de la New Finnish Nacional Opera Helsinki de 1993 a 1996. Durante tres años, de 1990 a 1993, fue Director General de Música de la ciudad de Mannheim. De 1992 a 2000, ocupa el cargo de Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Hamburgo, de la que ha sido nombrado Director de Honor a perpetuidad, y desde 1997 a 2005 es Director Musical de la Orquesta de Valencia.

Afincado en Suiza, durante cuatro años asume el cargo de Director General de Música del Teatro de Berna desde el año 2000 al 2004. En la actualidad y desde 2004 es Director Musical de la Orquesta del Festival de Pascua de Bayreuth. Desde septiembre de 2016 es el Director Titular y asesor artístico de la Orquesta Sinfónica RTVE.

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JAVIER CORCUERA

DIRECTOR CORO RTVE

Desde mayo de 2015 es el Director titular del Coro RTVE. Durante nueve años había desempeñado las funciones de Ayudante de dirección de este mismo Coro en el que ingresó como profesor en la cuerda de tenores en 1998.

Comenzó sus estudios de canto, piano y violín en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal, Bilbao. Después de haber conseguido el Título de Profesor Superior de Canto y el Título Superior de Dirección de Coro en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, completó su formación en Dirección de Orquesta, Análisis, Instrumentación y Orquestación, graduándose con las máximas calificaciones en la Royal School of Music de Londres.

Gracias a su sólida formación y experiencia, Javier Corcuera afronta con acierto un amplio y variado repertorio, desde la

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música antigua a estilos más contemporáneos, ya sea en formatos sinfónico-corales o en formas ‘a capella’ y de cámara.

Reconocido por su especial habilidad en la dirección, técnica vocal, e interpretación coral, Javier Corcuera es invitado con frecuencia para impartir masterclass de dirección o para preparar formaciones corales en conciertos participativos impulsados por la Obra Social La Caixa.

En 2011 asumió la dirección musical del Coro de la Universidad Politécnica de Madrid y desde 2013 colabora con la Orquesta Filarmónica de España. Ha dirigido también a la Orquesta Barroca de Granada, la Orquesta Metropolitana de Madrid, la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, la Orquesta de Cámara de España o la Orquesta Clásica Santa Cecilia, entre otras formaciones.

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MILAGROS POBLADOR SOPRANO Nace en Madrid. Estudia en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid obteniendo el Título de Profesor Superior de Canto con “Premio de Honor” Fin de Carrera y el Título de Profesor de Piano. Máster Universitario de Postgrado en Artes Escénicas en Universidad Rey Juan Carlos.

Sus maestros de canto han sido Ana Fernaud y Francisco Lázaro. Alumna becada de la Escuela Superior de Música Reina Sofía en la cátedra de canto de Alfredo Kraus. Ha impartido clases de canto en esta prestigiosa escuela, junto al tenor Ryland Davies, compaginando su carrera artística con la docente.

Galardonada en el concurso “Francisco Viñas”: Mejor soprano ligera y Mejor intérprete española y Premio del “Grup de Liceistes 4 Pis del Gran Teatre del Liceu”. Primer premio en el concurso “Francisco Alonso”.

Mejor intérprete de ópera española en el concurso “Julián Gayarre”.

En el año 2.000 ingresó en el Ensemble de la Ópera Estatal de Viena y desde entonces es invitada a cantar en los más importantes teatros europeos entre los que cabe destacar la Ópera alemana de Berlin, Ópera de Zürich, Ópera de Frankfurt, Teatro La Monnaie de Bruselas o el Concertgebouw de Ámsterdam. En nuestro país ha cantado en el Teatro Real, Auditorio Nacional de Músi-

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ca, Liceo de Barcelona, Teatro Maestranza de Sevilla, Palacio Euskalduna de Bilbao, etc.

La Reina de la Noche en La flauta mágica – más de 190 representaciones –, Olympia en Los cuentos de Hoffmann, Zerbinetta en Ariadne en Naxos, Konstanze en El rapto en el serrallo, Gilda en Rigoletto, Amina en La Sonambula, Norina en Don Pasquale, Adina en El elixir de amor, Oscar en Un baile de máscaras, Sophie en Werther, Sophie en El caballero de la rosa, Marina, o Doña Francisquita, son roles de su repertorio habitual. En cuanto a sus intervenciones en un repertorio más contemporáneo, caben destacar El Alma en La escala de Jacob de Schönberg, Ida en El joven Lord de Henze y La mujercita en El gigante de Steinfeld de F.Cerha. El fuego y el Ruiseñor en El niño y los sortilegios de Ravel, Arde el alba de M. Sotelo, El loco científico en “a. Babel” de Carlos Galán, Carmina Burana de Orff.

L. Hager, G. Carella, Rozdestvensky, Josep Pons, F. Haider, P. Steinberg, Norrington, R. Weikert, Ros-Marbá, Guadagno, S. Ozawa, F. Luisi y L. Kemp, Mario Gas, M. A. Marelli, P. Busse, Emilio Sagi, Denis Krief, etc. son algunos de los maestros y directores de escena con los que ha trabajado.

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DILETTA SCANDIUZZI MEZZOSOPRANO Nace en Vicenza. Después de sus estudios de piano, comienza a estudiar canto bajo la guía de Anna María Bicciato con la que prepara su repertorio tanto de ópera como camerístico. Graduada en lenguas extranjeras y en Técnicas Artísticas del Espectáculo por la Universidad “Cà Foscari” de Venecia.

Su debut operístico tiene lugar en 2007 en la producción de La Sonnambula de Hugo de Ana en el Festival de Santander. Entre sus roles interpretados figuran: Quattro Rusteghi (Lucretia), La Rondine(Lisette), Boris Godunov (Xenia), La Medium (Monica), Gianni Schicchi (Lauretta), La Bohème (Musetta), Orfeo ed Euridice (Euridice Amore), Don Giovanni (Zerlina, Donna Elvira), L’ amour des trois orange (Ninette), Le Nozze di Figaro (Susanna, Cherubino).

Su repertorio también incluye: La Flauta Mágica (Papagena), Idomeneo (Idamante),

Così fan tutte (Despina), I Capuleto e i Montecchi (Romeo), La Clemenza di Tito (Annio), Alcina (Oberto, Ruggero), Romeo et Juliette (Stephano), Il Barbiere di Siviglia (Rosina), La Viuda Alegre (Valencienne).

Diletta Scandiuzzi ha actuado regularmente en importantes teatros y salas de concierto: Theatre du Capitole (Toulouse), Opera de Niza, Konzert und Theater St. Gallen, Wielki Opera (Varsovia), Teatro Municipal (Chile), Rudolfinum Concert Hall (Praga), BMF de Pekín, Palacio de Festivales (Santander), Ópera Nacional de París, Fondazione Lirico Sinfonico Petruzzelli, Teatro Verdi de Trieste, Teatro Comunale de Bologna e Piacenza, Teatro Verdi de Sassari, Musashino Concert Hall (Tokyo), Teatro Bellini de Catania e Maggio Musicale Fiorentino.

Ha debutado recientemente como Romeo en Capuleti e Montecchi de Bellini en el Roy Thomson Hall de Toronto bajo la dirección del Mº Marco Guidarini, así como su existoso debut como Adalgisa en la ópera “Norma” de Bellini y como Angelina en la Cenerentola de Rossini en la Ópera Nacional de Sofia.

Ha trabajado con importantes directores como: D. Callegari, D. Renzetti, R. Abbado, E. Pidò, A. Veronesi, Juraj Valchua, M. Guidarini, colaborando también con eminentes directores de escena: H. De Ana, G. Asagaroff, G. Ciabatti, E. Brusa, M. Spada, M. A. Marelli, L. Amato, Romero Castellucci.

No descuida su actividad en el campo del concierto, actuando con la Orquesta del Teatro Regio en Torino, en el Capitol de Toulouse, en Venecia y en el Musashino Concert Hall de Tokio.

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JOSÉ PAZOS TENOR José Pazos inicia su andadura musical siendo adolescente en Irún. Alterna los estudios de mecánica industrial con los musicales en el Conservatorio de su ciudad y los de Canto en el Conservatorio de Bayona, antes de partir hacia la ciudad francesa de Tours donde comienza su andadura profesional.

Ingresa en el Coro del Grand Théâtre de Tours y posteriormente en el del Grand Théâtre de Genève. Durante esos años alterna su actividad con audiciones que en el año 2002 le llevan a debutar el rol de Alfredo de La Traviata en el Opernfestival de Engadin en Suiza.

A este rol, y continuando con su trabajo en la escena del teatro ginebrino, se le han sumado papeles como Roméo en Roméo et Juliette, Ernesto en Don Pasquale, Werther, Des Grieux en Manon de Massenet, Edgardo en Lucia di Lamermoor, Don José en Carmen, Turiddu en Cavalleria Rusticana o su remarcable interpretación de Don Sebastiano en Don Sebastiano Re di Portogalo en el Victoria Hall de Ginebra.

En su afán por explorar el gran abanico de estilos que encontramos en la ópera, José ha sido capaz de interpretar en escena roles tan extrapolados como por ejemplo Bertran-

do en L’inganno Felice de Rossini o Canio en I Pagliacci de Leoncavallo siendo ambos no solo gratas sorpresas sino grandes éxitos en su carrera. Es destacable su interpretación del rol de Alfred en Fledermaus tanto en inglés como en francés, en Irlanda y en Suiza, así como Babylas en Monsieur Choufleuri de Offenbach o el Baron Cascade en Die Lustige Witwe en la ópera de Ginebra.

Pero si hay un rol que él particularmente aprecia es el de Rodolfo en La Bohème, que interpretó por primera vez en el National Concert Hall de Dublin con la RTE (orquesta de la radio irlandesa) y en numerosas ocasiones en Francia y en Suiza, destacando el festival de Loughcrew en Irlanda.

En el apartado de oratorio ha cantado El Requiem de Verdi, el Stabat Mater o La Petite Messe Solennelle de Rossini, la Misa de Gloria de Puccini, el Elias de Mendelssohn, Rejoice of the Lamb de Britten (acompañado por el coro de la opera de Ginebra), el Requiem de Von Suppé, la Nelsonmesse de Haydn, el Requiem de Mozart o La Misa Criolla y La Navidad Nuestra de Ariel Ramírez, en ciudades como Zürich, Basilea, Ginebra, Rochester, Novara o Lausanne.

Recientemente lo hemos podido escuchar en la Misa di Gloria e Credo de Donizetti en el auditorio del CERN en Ginebra, en Don José de Carmen en Neuchatel o en Alfredo de La Traviata en el teatro BFM de Ginebra.

José Pazos ha ofrecido numerosos recitales y conciertos con distintas orquestas en lugares como the Gran Thèâtre, Temple de la Fustrie, Auditoire Calvin, La société Nautique de Genève, Teatro Principal en Santiago de Compostela, Victoria Hall en Ginebra entre otros.

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SAMUEL YOUN BAJO-BARÍTONO Samuel Youn comienza su formación vocal en su ciudad natal, Seúl, completando sus estudios en el Conservatorio Giuseppe Verdi (Milán) y en el Conservatorio de Colonia.

Considerado como uno de los principales barítonos dramáticos de su generación, en 1999 como miembro estable de la Opera de Colonia interpreta roles como: Amonasro, Tonio, Kurwenal, Gunter, Kaspar, Pizzaro así como el rol principal de El Holandés Errante de Wagner. Ha actuado en los principales teatros europeos incluyendo, Teatro del Capitolio (Toulouse), Teatro Real (Madrid), Bayreuther Festspiele, Théâtre du Capitol, Staatsoper Hamburg, Opéra national de Paris, Teatro alla Scala a Milano, Teatro Massimo di Palermo, Maggio Musicale Fiorentino, Opéra de Nice, Teatro Nacional de São Carlos, Teatro di San Carlo (Napoli) y el Gran Teatro del Liceo.

En 2012, obtiene un reconocimiento internacional cantando el rol principal del Holandés Errante bajo la dirección de Christian Thielemann en el Bayreuther Festspiele siendo invitado para cantar en ediciones posteriores, hasta 2015. Ha cantado bajo la dirección de maestros como Marc Albrecht, Pierre Boulez, Riccardo Chailly, Andris Nelsons, Zubin Mehta, Donald Runnicles, Markus Stenz y Pinchas Steinberg, entre otros. En 2015 además de

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su regreso al Bayreuther Festspiele y a la Deutsche Oper Berlin, debuta en el Theater an der Wien en el papel principal del Holandés Errante de Wagner con la Concertgebouw Orchestra.

Recientes y futuras actuaciones incluyen: Paolo Albiani de Simon Boccanegra en la Ópera de Nice, Méphisto de Damnation de Faust en la Deutsche Oper Berlin, Orest de Elektra, Wotan de El anillo del Nibelungo, y Scarpia de Tosca en el Hessisches Staatstheater Wiesbaden. En el Covent Garden ha cantado Créon de Oedipus Rex y Raimondo Bidebent de Lucía de Lammermoor, Gunther de El ocaso de los dioses en el Gran Teatre del Liceu (Barcelona), Alberich de El oro del Rin en la Lyric Opera de Chicago, Wotan de Sigfrido y Dutchman del Holandés Errante en la Deutsche Oper Berlin y en el Teatro Real de Madrid; Don Pizarro, de Fidelio y el papel principal del Castillo de Barba Azúl de Bartók en la Opera Cologne, obteniendo un gran éxito. Don Fernando, en versión concierto, de Fidelio en el Teatro di San Carlo Napoli bajo la batuta de Zubin Mehta, así como sus debuts como Hagen en la producción del Anillo en el Theatre an der Wien, Rey Henry de Lohengrin en la Opéra de Marseille, Jochanaan de Salome y Scarpia de Tosca en la Deutsche Oper Berlin.

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VÍCTIMAS XVI concierto homenaje DEL TERRORISMO

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VÍCTIMAS XVI concierto homenaje DEL TERRORISMO Martes, 6 de marzo de 2018 a las 19:30 h AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA Orquesta Sinfónica y Coro RTVE (Miguel Ángel Gómez-Martínez, director) Bajo la presidencia de Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía

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