ARAGÓN ARQUITECTOS FUNDARA Nº1 2026

FUNDARA

KARTO GI M ENO

REVISTA DE L A F U N DAC I Ó N C U LTU RA L DEL COL EG I O OFI CI A L DE A R QU I T ECTOS DE A R AG ÓN

PENIQUE PRODUCTIONS

MATERIA TIERRA

CONCÉNTRICO

SERGIO SEBASTIÁN

SOLO HOUSES

JASON LADRIGAN

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FUNDARA

F 4.

EDITORIAL

24.

PATRIMONIO

CARLOS TURÉGANO

SOLO HOUSES

6.

FOTORRELATO

14.

REPORTAJE

PENIQUE PRODUCTIONS

CONCÉNTRICO

Edita Fundación Cultural del Colegio de Arquitectos de Aragón

Coordinación y edición Javier Peña, Gabriela Hernández y Miguel Frago

C/ San Voto, 7, 50003, Zaragoza fundara@coaaragon.es 976 20 36 60 www.fundara.es

Diseño y maquetación 12caracteres

© Fundara 2026

© de los textos sus respectivos autores

Ilustración de portada Karto Gimeno

Depósito legal Z 1501-2026 ISSN 3127-5567 Imprime Editorial MIC

© de las imágenes sus respectivos autores

CONTENIDO

30.

EN PORTADA

38.

CONVERSACIONES

KARTO GIMENO

SERGIO SEBASTIÁN

32.

TERRITORIO

46.

ARTE

MATERIA TIERRA

JASON LADRIGAN

Reservados todos los derechos.

La reproducción total o parcial de esta publicación, su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio o procedimiento, ya sea electrónico o mecánico, incluidas las fotocopias, la grabación o la incorporación a un sistema informático de almacenamiento y recuperación, y la distribución de ejemplares del mismo mediante alquiler o préstamos públicos no están permitidos sin la autorización previa del Colegio de Arquitectos de Aragón (COAA).

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FUN DARA Nº1

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EDITORIAL

Carlos Turégano Decano del Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón

Las instituciones, como la arquitectura, evolucionan cuando son capaces de interpretar su tiempo sin renunciar a aquello que les da sentido. Ese es el espíritu con el que hoy presentamos Fundara, la nueva revista de la Fundación Cultural de los Arquitectos de Aragón, una iniciativa impulsada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón que nace con la voluntad de ampliar el alcance cultural de nuestra profesión y de fortalecer el diálogo entre la arquitectura y la sociedad.

Esta publicación recoge el testigo de Cuadernos COAA, que desde su número 0, editado en 2018, hasta el número 12, publicado el pasado año, ha acompañado la actividad del Colegio a lo largo de los últimos ocho años. Aquella etapa nos permitió consolidar un espacio de comunicación propio y dirigido principalmente a nuestros colegiados. Hoy iniciamos otra, con la misma vocación de servicio, pero con una mirada cultural.

Fundara nace para convertirse en un lugar de encuentro. Un espacio donde la arquitectura dialogue con el arte, el patrimonio, el paisaje, la fotografía, el diseño, la investigación y todas aquellas disciplinas que enriquecen nuestra manera de comprender el entorno construido.

Queremos una revista que invite a pensar, a descubrir y a debatir; una

publicación que refleje la diversidad de miradas que conviven en nuestra profesión y que, al mismo tiempo, acerque la cultura arquitectónica a un público cada vez más amplio.

Ese propósito solo será posible con la participación de quienes formamos parte del Colegio. Por ello, esta revista quiere ser también una invitación abierta a todos los colegiados para compartir investigaciones, experiencias, proyectos, ensayos, imágenes o reflexiones. Aspiramos a construir una publicación viva y plural, en permanente evolución.

Este primer número es una declaración de intenciones. Lo abre el fotorrelato dedicado a Penique Productions, colectivo artístico de proyección internacional que ha convertido la arquitectura en soporte de intervenciones efímeras capaces de transformar nuestra percepción de los edificios. Su próxima acción sobre el Palacio de los Torrero, sede de la Fundación, simboliza esa capacidad de revelar nuevos significados sobre un lugar conocido.

La revista continúa con un recorrido por las arquitecturas efímeras de Concéntrico, comisariado por Javier Peña, un festival que ha demostrado cómo la experimentación puede activar el espacio público y generar nuevas formas de habitar la ciudad.

Nos acercamos también al patrimonio contemporáneo a través de Solo Houses, en el paisaje singular del Matarraña turolense; al Congreso SIACOT, celebrado en Ayerbe con la colaboración de la Demarcación de Huesca del COAA, de la mano de la arquitecta Àngels Castellarnau; conversamos con Sergio Sebastián, patrono de la recién constituida Fundación, y exploramos la relación entre arte y arquitectura junto al arquitecto y fotógrafo irlandés Jason Ladrigan, protagonista de nuestra última exposición temporal. Completa este número la colaboración del artista aragonés Karto Gimeno, autor de una portada que expresa, con personalidad y sensibilidad, el carácter de esta nueva etapa.

La arquitectura no se limita a construir edificios. Construye memoria, identidad, paisaje y cultura.

Esa convicción es la que impulsa la creación de la Fundación Cultural de Arquitectura de Aragón y la que da sentido a Fundara. Confiamos en que estas páginas despierten la curiosidad, generen conversación y se conviertan en un punto de encuentro para todos aquellos que entienden la arquitectura como una herramienta para comprender y mejorar el mundo que compartimos.

Bienvenidos a Fundara. Esta revista comienza hoy su recorrido, y deseamos que lo haga con vosotros.

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FUNDARA

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PENIQUE PRODUCTIONS

FOTORRELATO

Penique Productions es un proyecto artístico nacido en la Universitat de Barcelona en 2007. En 2008 se traslada a Río de Janeiro, donde desarrolla su actividad hasta 2022, año en que vuelve a establecerse en Cataluña, en Vilanova de Bellpuig.

El proyecto, basado en la creación de instalaciones inflables y efímeras, explora espacios para apropiarse de ellos y transformarlos, proponiendo una experiencia estética singular. A partir de un lugar específico, se construye un inflable hecho a medida que ocupa el espacio y establece un diálogo con su arquitectura. La dialéctica entre el globo, concebido expresamente para cada emplazamiento, y el espacio que, al contenerlo, le da su forma definitiva, desdibuja la propia idea de objeto artístico.

Para el COAA, Penique Productions presenta un inflable rojo que ocupa y se relaciona con el patio central del histórico edificio. Una instalación que dibuja el espacio entre columnas y que, con la cambiante luz natural, tiñe toda la arquitectura.

← Coreto, Saint Etienne, Francia. 2021.

Penique Productions

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FOTORRELATO

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Coreto, Saint Etienne, Francia. 2021.

Penique Productions

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FUNDARA

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FOTORRELATO

El Claustro, Querétaro, México.

2011.

Penique Productions

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FUNDARA

Globus Verd A Cel Obert, Tortosa, España.

2017.

FOTORRELATO

Penique Productions

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FUNDARA

CONCÉN En la segunda edición de Concéntrico, dos niños caminaban por una calle del casco antiguo de Logroño con un plano cada uno. No compartían el plano: cada uno llevaba el suyo abierto, doblado a su manera, mirándolo con la concentración de quien sabe a dónde va.

Detrás iba un adulto, casi fuera del cuadro de su decisión.

Ellos guiaban. Él seguía.

Javier Peña Comisario de Concéntrico

REPORTAJE

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NTRICO LA CIUDAD, UN LUGAR DE APRENDIZAJE

Esa imagen —que conservo en una fotografía— es para mí el principio de todo, aunque entonces no lo supiera. Habíamos puesto en marcha el festival apenas un año antes con una intuición: que la arquitectura y el diseño podían dejar de ser una conversación entre profesionales y convertirse en otra cosa, algo que ocurriera en la calle, a escala uno a uno, accesible para cualquiera que pasara por allí.

Doce años después vuelvo siempre a esos dos niños. Porque lo que tenían en las manos era una invitación. La invitación a recorrer su propia ciudad como si fuera un territorio nuevo, a entrar en plazas y patios donde nunca antes habían entrado, a decidir el orden de su itinerario y arrastrar al adulto detrás. Las instalaciones de Concéntrico no transforman tanto los edificios como la relación que las personas establecen con ellos. Ese sigue siendo el verdadero material del festival.

Con el tiempo hemos descubierto que las calles y los espacios públicos, lejos de ser únicamente lugares de tránsito, son espacios de encuentro, intercambio y aprendizaje. La pertenencia a un barrio no es solo una cuestión geográfica; es también una construcción cultural que se produce caminando, compartiendo y habitando lo común. La ciudad enseña.

Enseña a reconocer al otro, a construir memoria y a descubrir que los lugares cambian cuando cambia nuestra manera de vivirlos. Quizá por eso me interesa pensar la ciudad, antes que como un escenario donde suceden las cosas, como un lugar de aprendizaje.

La ciudad, un lugar de aprendizaje

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REPORTAJE

La edición de 2026 surgió precisamente de esa convicción. Los proyectos fueron encontrando afinidades hasta conformar tres líneas de investigación —Identidad y Ficción, Ecologías Urbanas y Agentes Efímeros— que no pretendían clasificar el programa, sino proponer distintas maneras de aproximarse a una misma cuestión: cómo puede la arquitectura ampliar nuestra relación con el espacio público y abrir nuevas formas de habitarlo.

La primera tiene que ver con los relatos. ¿Cómo nos vinculamos a los lugares que habitamos y cómo moldea ese vínculo nuestra identidad? Muchas plazas centrales de nuestras ciudades fueron, en otro tiempo, el corazón social donde la gente salía a ver y a ser vista. Hoy ya no se usan así, pero siguen cargando símbolos heredados que apenas interrogamos. Necesitamos relatos nuevos que resuenen con la sociedad contemporánea.

Ahí entra la ficción: arquitecturas que aparecen y desaparecen, un circo itinerante instalado durante unos días, la memoria del agua de un río, cuerpos que vuelven a ocupar espacios ligados a otras formas de vida colectiva o nuevos rituales compartidos. No buscan reconstruir el pasado, sino preguntarse cómo seguimos construyendo la identidad de nuestras ciudades.

Toda identidad cultural está hecha a partes iguales de lo real y de lo imaginado, de lo que recibimos y de lo que cada generación añade. Cuando una intervención ocupa una plaza durante una semana, abre una ventana.

Sugiere que esto también podría ser de otra manera.

La ciudad, un lugar de aprendizaje

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La segunda desplaza la atención hacia aquello que solemos considerar el fondo y que, sin embargo, determina nuestra experiencia cotidiana: el clima, el paisaje o los materiales con los que una ciudad construye su vida diaria. La tierra, el agua, el aire y la vegetación dejan de ser un escenario para convertirse en parte activa de la experiencia urbana. En un momento en que las olas de calor, la escasez de sombra o la necesidad de adaptar nuestras ciudades forman parte de la conversación pública, estas intervenciones entienden la arquitectura menos como un objeto que como una atmósfera capaz de transformar la forma en que permanecemos, descansamos o nos encontramos en el espacio público.

Ese desplazamiento resume bien el sentido del festival como laboratorio. Probamos hipótesis a tamaño real, en el espacio público, con todo el riesgo y toda la riqueza que eso supone. Una vez que la intervención está en la calle, nadie controla cómo se usa, y es precisamente ahí donde aprendemos. A veces lo que ensayamos durante una semana permanece en la memoria de un barrio, en el nombre nuevo de una plaza o en la costumbre de volver a un lugar que antes pasaba desapercibido. Otras veces no queda nada visible y, aun así, algo cambia: la posibilidad ha sido pensada, vivida, compartida. Una vez que una posibilidad se encarna, empieza a existir.

REPORTAJE

La ciudad, un lugar de aprendizaje

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REPORTAJE

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La tercera línea de investigación desplaza incluso el protagonismo de la mirada. Pasa por el cuerpo. La escucha, el juego, el movimiento o la acción compartida convierten el espacio público en una experiencia antes que en un escenario. Esa forma de ocupar la calle tiene una larga tradición. La ciudad se construye también con lo que vuelve cada año: las fiestas patronales, las hogueras, las procesiones, los mercados o los arcos que se levantan para conmemorar una memoria común. Lo no permanente forma parte del tejido urbano porque se repite, porque está inscrito en un calendario y porque construye identidad a fuerza de regresar. En esa tradición —donde lo funcional y lo popular se encuentran— es donde Concéntrico reconoce su lugar, entendiendo el espacio público como un espacio capaz de construir experiencias compartidas antes que objetos permanentes.

El festival nació en un momento en que las ciudades parecían disponer de una mayor capacidad para ensayar formas distintas de habitar lo común. Hoy ese espacio para experimentar se ha estrechado. Las decisiones sobre cómo vivimos en nuestras ciudades se debaten cada vez más en marcos que superan la escala local y, con frecuencia, cualquier transformación urbana acaba interpretándose como una posición ideológica. Sostener, en ese contexto, un lugar donde arquitectos, diseñadores, artistas y vecinos compartan una plaza durante una semana —sin pedirles que se posicionen, solo que la habiten— me parece, cada año, más necesario y más difícil.

La ciudad, un lugar de aprendizaje

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REPORTAJE Doce años después de aquellos niños con el plano, Concéntrico sigue interesándome como un ejercicio sostenido de atención sobre el espacio público. Lo que comenzó como una intuición se ha convertido en una práctica continua, donde cada hipótesis ensayada abre la siguiente. Con el tiempo he comprendido que el verdadero proyecto nunca fueron las instalaciones, sino la propia ciudad. Porque la ciudad no es solo el lugar donde construimos arquitectura; es, sobre todo, un lugar de aprendizaje.

La ciudad, un lugar de aprendizaje

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SOLO HOUSE ¿Qué es una casa? Con esta pregunta en mente y respaldados por su trayectoria como galeristas de arte, Eva Albarrán y Christian Bourdais emprendieron su proyecto implantado en la localidad turolense de Cretas.

Solo OFFICE. Fotografía de Solo Houses.

PATRIMONIO

SES

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ARQUITECTURA Y PAISAJE EN EL MATARRAÑA

Cuando en 2010 se dieron los primeros pasos de esta iniciativa, ya existía una certeza: el deseo de colocar al arquitecto en el centro del proyecto inmobiliario. El objetivo era generar un “parque de arquitectura” bajo el rigor de un plan cerrado que contempla un total de doce viviendas y otras instalaciones dispersas estratégicamente en un terreno de más de cien hectáreas, donde figuras internacionales pudieran desarrollar tipologías residenciales con total libertad creativa, ofreciendo a los usuarios una experiencia habitacional sin precedentes.

Para materializar esta idea, Albarrán y Bourdais recorrieron Europa en busca de una conjunción perfecta entre sol, clima, topografía y proximidad al mar, y encontraron el Matarraña, un enclave único. Su valor paisajístico radica en la simbiosis de la vegetación mediterránea (pino, carrasca, olivo y almendro) con la complejidad del relieve de Los Puertos de Beceite, que entrelaza crestas, barrancos, masas boscosas y zonas de cultivo tradicional.

Elegido el lugar, el proyecto echó a andar y en la actualidad Solo Houses ofrece la posibilidad de habitar dos casas: la Solo Pezo von Ellrichshausen y la Solo Office KGDVS. Ambas viviendas, proyectadas sin condicionantes marcados por el promotor, demuestran la autonomía del arquitecto y dos formas de dialogar con el entorno. En la Solo Pezo von Ellrichshausen, el estudio chileno optó por elevar la vivienda para dominar el territorio. El ascenso provoca una transición de recogimiento, la llegada al patio es una apertura

contenida con el cielo y la piscina como protagonistas, articulando a su alrededor estancias que vuelcan sus vistas hacia los cuatro puntos cardinales. En la Solo Office KGDVS, Kersten Geers y David van Severen propusieron el concepto inverso, la disolución del perímetro. Mediante una planta circular que ofrece una vista panorámica de 360º, la casa funciona como una membrana invisible a ras de suelo, entre el patio interior y el pinar.

La elección de materiales en ambas viviendas juega un papel fundamental para trasladar la abstracción de los diseños a la realidad física del lugar. En la Solo Pezo von Ellrichshausen, el hormigón visto emplea una dosificación tintada y un tratamiento texturizado rugoso que busca mimetizarse cromáticamente con los tonos de la roca caliza del entorno. Por el contrario, la Solo Office KGDVS recurre a la ligereza de materiales industriales como el acero, el vidrio y el policarbonato; una transparencia radical que genera un contraste deliberado con la organicidad del pinar que la envuelve.

La experiencia arquitectónica se complementa con un recorrido escultórico al aire libre a través del Solo Sculpture Trail, que alberga exposiciones colectivas como el Summer Group Show I y II, distribuidas por la parcela y que permite un concepto de percepción de las obras muy diferente al del espacio cerrado. Entre los artistas de renombre internacional cuyas obras dialogan con el paisaje destacan Christian Boltanski, Ugo Rondinone, Claudia Comte y Peter Downsbrough.

Solo Houses

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PATRIMONIO

27 Esta estrecha relación entre arte y territorio ha contado además con la intervención del célebre paisajista belga Bas Smets, quien colaboró estrechamente en el diseño de Solo Houses para trazar el plano del paisaje, proyectando senderos, claros y vacíos estratégicos que acompañan el recorrido del visitante.

Gracias a ello, la transición entre el bosque, las piezas escultóricas y la arquitectura fluye con naturalidad y el entorno aquí no es puramente salvaje, sino que esconde una sutil intervención humana.

Desde 2022, el proyecto expandió sus fronteras integrando la bodega Venta d’Aubert. Se trata de una pequeña Venta rehabilitada que desde los años 80 alberga una bodega ecológica. En ella, los enólogos Stefan Dorst y César Fernández Díaz ofrecen un complemento a la experiencia de la estancia, mientras que los espacios exteriores de la Venta se han enriquecido con el trabajo de varios escultores.

El espacio vacacional Solo Houses se sitúa a poco más de una hora de la costa del mar Mediterráneo y conectado con los aeropuertos de Barcelona y Valencia, consolidándose como destino que ofrece esa facilidad y ligereza que el descanso y el disfrute requieren.

La iniciativa continúa su expansión desarrollando nuevos proyectos de viviendas. El Estudio TNA (Makoto Takei y Chie Nabeshima) ha diseñado una nueva casa con forma de pirámide invertida tallada en la roca, el arquitecto japonés Sou Fujimoto plantea una vivienda inmersa en un “bosque geométrico” donde la naturaleza y el artificio se confunden, y el estudio Barozzi Veiga organiza el programa habitacional en cuatro pabellones inspirados en la acrópolis.

↑ Five Marble Leaves de la escultora Claudia Comte, con la bodega Venta d’Aubert al fondo.

Fotografía de Daniel Schäfer.

Solo Houses

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↑ Solo Pezo von Ellrichshausen, fotografía de Renée Kemps.

El capítulo más reciente y ambicioso es el Solo Hotel.

Cuando en marzo de este año se anunció el fallo del Premio Pritzker 2026 en favor de Smiljan Radić, el proyecto ya sumaba más de un año de desarrollo, un recordatorio de que al proceso creativo siempre lo acompañan los trámites administrativos exigidos para edificar en el medio natural. Con la materialización de este proyecto, en el que una losa de hormigón suspendida conectará las habitaciones y el resto de

los espacios, el conjunto alcanzará un nuevo hito en la promoción del arte y el paisaje.

Tanto el hotel como las casas comparten el recogimiento, la mirada introspectiva y el diálogo con un entorno vasto, crudo y áspero. Espacios que, lejos de domesticar el paisaje, nos permiten percibir la naturaleza mientras nos contienen de manera segura en su interior.

PATRIMONIO

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↑ Solo OFFICE Kersten Geers David Van Severen, fotografía de Daniel Schäfer.

Solo Houses

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EN PORTADA

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KARTO GIMENO

A medio camino entre la fotografía y el collage digital, Karto Gimeno construye sus imágenes combinando objetos encontrados, juguetes y otros elementos cotidianos con paisajes previamente fotografiados. En ocasiones crea pequeñas estructuras arquitectónicas, como la que aparece en la portada de esta revista, concebidas como representaciones de vestigios de edificaciones ya desaparecidas. Privadas de significado y de utilidad, estas formas resisten en parajes desérticos, suspendidas entre la ruina y la memoria. La imagen pertenece a la serie “Mecanismos de defensa”.

Fotografiados siempre sobre una mesa, estos trabajos se presentan como pequeños bodegones. A veces incorporan mobiliario procedente de casas de muñecas, aunque despojado de su carácter acogedor y doméstico.

La casa deja entonces de ser únicamente una estructura

física para convertirse en el lugar simbólico donde el ser humano busca seguridad, identidad y pertenencia.

En este contexto, el hogar funciona como una metáfora de la estructura mental y de la historia emocional de la persona.

Karto Gimeno ha abordado también el tema de la casa desde una perspectiva irónica y ambivalente en su serie Confort Hell, expuesta en 2018 en el Centro de Historias de Zaragoza, donde el espacio doméstico aparece simultáneamente como refugio y como escenario de inquietud y tensión.

Sus imágenes son pequeñas arquitecturas de la memoria: escenarios construidos y fotografiados en los que el hogar aparece fragmentado, desplazado y suspendido entre la maqueta, la ruina y el recuerdo.

Karto Gimeno

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XXIII Siacot Visita a la Cartuja de las Fuentes , Huesca, construida en tapia.

TERRITORIO

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MATERIA TIERRA UNA NUEVA CULTURA MATERIAL PARA UNA NUEVA ARQUITECTURA

Àngels Castellarnau Dra. Arquitecta, Directora de Edra arquitectura km0, Cofundadora de Made in Tierra Spain y miembro de la Red Poterra

Durante décadas, la arquitectura ha concentrado sus esfuerzos en reducir el consumo energético de los edificios en su fase de uso. Hoy esa mirada ya no basta. La urgencia climática desplaza la atención hacia la materia con la que construimos: su origen, la energía necesaria para transformarla, las emisiones asociadas a su fabricación y transporte, su capacidad para reutilizarse y el impacto que genera a lo largo de su ciclo de vida. La descarbonización ya no depende solo del comportamiento energético de los edificios, sino también de los materiales y de las tecnologías con las que se construyen. El futuro de la arquitectura comienza, por tanto, en la elección consciente de la materia.

Estamos asistiendo a un profundo cambio de cultura material. La reciente revisión de la Directiva Europea de Eficiencia Energética de los Edificios (EPBD), al incorporar el análisis del ciclo de vida y el carbono

embebido, confirma una transformación que ya había comenzado en la práctica arquitectónica. Los edificios energéticamente eficientes deben incorporar materiales de menor impacto, procedentes de cadenas de suministro más cortas y compatibles con los principios de la economía circular. Elegir un material es una decisión técnica o económica pero también una decisión ambiental, territorial y cultural. Es en este nuevo horizonte donde materiales como la tierra recuperan toda su contemporaneidad.

La innovación no consiste únicamente en desarrollar nuevos materiales, sino también en reinterpretar conocimientos acumulados durante siglos a la luz de las herramientas técnicas y científicas del presente.

La tierra deja así de entenderse como un legado del pasado para convertirse en un recurso plenamente vigente, capaz de responder a los desafíos ambientales de nuestro tiempo.

Materia Tierra

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Desde hace años, algunos estudios vienen explorando este cambio de paradigma mediante la investigación y el empleo de materiales biobasados y geobasados.

Entre ellos, Edra arquitectura km0 desarrolla desde Aragón una línea de trabajo centrada en la arquitectura contemporánea descarbonizada, integrando investigación, proyecto y transferencia de conocimiento. La construcción con tierra ocupa un lugar destacado en esa trayectoria, entendida como una tecnología capaz de responder a programas arquitectónicos complejos, exigentes y plenamente contemporáneos.

Obras como la rehabilitación y ampliación de la masía Torre del Marqués, en Monroyo (Teruel), convertida en un hotel de cinco estrellas mediante una ampliación ejecutada en tapia y reconocida con diversos premios nacionales e internacionales, demuestran que estos sistemas constructivos pueden integrarse con naturalidad en proyectos de alta exigencia técnica, patrimonial y ambiental. Del mismo modo, las viviendas de protección pública en Palma de Mallorca para el Instituto Balear de Vivienda (IBAVI), desarrolladas por Edra junto a Bunyesc Arquitectes, evidencian que la tierra puede formar parte de promociones públicas de vivienda colectiva, cumpliendo los más altos estándares de eficiencia energética, confort, durabilidad y calidad arquitectónica. Lejos de limitarse a una arquitectura experimental o de pequeña escala, estas experiencias muestran que es posible construir una arquitectura contemporánea, competitiva, pasiva y de bajas emisiones utilizando sistemas tradicionales reinterpretados desde el conocimiento técnico actual.

Desde hace más de cuatro décadas, el SIACOT en un contexto Iberoamericano reúne a investigadores, arquitectos, universidades, artesanos y administraciones para compartir avances científicos, experiencias constructivas y proyectos que sitúan la construcción con tierra en el centro de los debates sobre innovación material, descarbonización y arquitectura basada en la naturaleza.

La XXIII edición celebrada en España trasladó esa visión al propio formato del encuentro. Ayerbe (Huesca) acogió once talleres prácticos donde más de 300 participantes, estudiantes y profesionales pudieron construir para aprender y experimentar con distintas técnicas de arquitectura de tierra. Posteriormente, Paredes de Nava (Palencia) reunió el programa científico y las ponencias internacionales, mientras que el recorrido entre ambas sedes permitió descubrir algunos de los ejemplos más significativos del patrimonio construido con tierra. Una secuencia que recuerda que el conocimiento no se transmite únicamente mediante publicaciones o congresos: también se construye en el contacto directo con la materia, con la obra y con el territorio.

Nunca había sido tan importante decidir con qué construimos.

De esa trayectoria nace Made in Tierra Spain, iniciativa impulsada por las arquitectas Àngels Castellarnau y Pilar Díez para promover la formación y la difusión de la arquitectura y la construcción con tierra desde una perspectiva internacional. La organización, junto con la Red PROTERRA, de la XXIII edición del Seminario Iberoamericano de Arquitectura y Construcción con Tierra (SIACOT) constituye un paso más dentro de ese compromiso.

Sus cuatro ámbitos de trabajo: materiales y sistemas constructivos; patrimonio y paisaje cultural; arquitectura, diseño y conservación; y formación, difusión y transferencia del conocimiento, expresan una visión transversal en la que investigación, innovación, oficio y proyecto arquitectónico forman parte de una misma conversación.

El apoyo de la Demarcación de Huesca del Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón ha contribuido a incorporar este debate al ámbito profesional y a reforzar el papel del territorio como espacio de experimentación, aprendizaje e intercambio de conocimiento.

TERRITORIO

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↑ Spa Hotel cinco estrellas Torre del Marqués en Monroyo, Teruel.

Construido en tapia de tierra local, obra de Edra arquitectura km0.

← Interior Viviendas de Protección Pública para Ibavi en Palma de Mallorca. Construida en tapia con tierra local, obra de Edra arquitectura km0 y Bunyesc Arquitectes.

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↑ Fachada sur Viviendas de Protección Pública para Ibavi en Palma de Mallorca. Construida en tapia con tierra local, obra de Edra arquitectura km0 y Bunyesc Arquitectes.

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TERRITORIO

Quizá la cuestión ya no sea si la tierra pertenece al futuro de la arquitectura. La verdadera pregunta es si la arquitectura podrá afrontar los desafíos ambientales del siglo XXI sin transformar profundamente su relación con la materia, el territorio y el clima. Construir con tierra no es mirar atrás; es asumir que el futuro de la arquitectura exige una nueva relación con la materia, el territorio y el clima.

← XXIII Siacot.

Talleres de técnicas constructivas en tierra, en Ayerbe, Huesca.

Materia Tierra

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La arquitectura es la manifestación construida de una cultura o sociedad.

CONVERSACIONES

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SERGIO SEBASTIÁN Monasterio de Sijena.

Foto Iñaki Bergera.

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En primer lugar, enhorabuena por el Premio Rehabilitación de los Premios ARQUITECTURA del CSCAE por la intervención en el Real Monasterio de Sijena. ¿Qué supone recibir este reconocimiento a una obra tan compleja y simbólica para Aragón?

Tanto agradecimiento como orgullo, no sólo por recibir el premio sino sobre todo por participar en la obra. Mariano Pemán y Luis Franco me invitaron a sumarme al intenso trabajo que han venido desarrollado durante casi tres décadas. La gran acogida que estas obras están recibiendo no son sino su merecido reconocimiento, y espero que un impulso a todo lo que queda por hacer.

Sijena ha sido una gran lección del valor del tiempo en la arquitectura, y ellos me han enseñado a comprender nuestra posición relativa dentro de la historia de acontecimientos que van transformando los monumentos y los edificios de largo recorrido.

El jurado del CSCAE destacó la sutileza, el rigor y la sensibilidad con la que se ha abordado la actuación. ¿Cuál fue el mayor reto a la hora de intervenir en este monumento?

Preservar y recuperar los valores formativos de un monasterio cuya tipología se había desdibujado e incluso perdido, habiendo alcanzado un estado desequilibrado donde las reconstrucciones convivían con la arqueología. Pero, como sucede en la buena arquitectura, entre esas ruinas la verdadera esencia del tipo permanece y resiste. Se trataba de leerla, seguirla, y desvelarla. Y para ello era fundamental que todo aquello que fuera necesario añadir, bien estructuras y cierres, las nuevas instalaciones necesarias para acondicionar los espacios, o el mobiliario expositivo, implantaran su anacronía con discreción, sin añadir ruido. Se trataba de evocar una atmósfera monacal, silenciosa, sencilla pero digna, y todo el trabajo de técnicos, constructores y artesanos debía dirigirse, lenta y pacientemente, en esa dirección.

Hablando de patrimonio, otro proyecto muy ligado a su trayectoria es Ruesta. ¿Qué le ha enseñado trabajar en un lugar donde la arquitectura no solo recupera edificios, sino también memoria colectiva y paisaje?

Seguramente la idea de escala, la relación entre la intervención y la repercusión en la comunidad y el territorio. Erróneamente recibimos el concepto de que

el tamaño y el brillo de las obras determina su impacto, y sin embargo es mucho más acertado pensar que cada caso requiere una respuesta medida y una solución proporcionada y que, por lo tanto, su repercusión dependerá de a dónde y quién vaya dirigida. Desde este planteamiento la arquitectura se vuelve poderosa.

Podemos alentar e influir notablemente en un territorio en vías de despoblación simplemente manteniendo en pie sus estructuras, respetando y conservando la memoria de sus espacios, y proporcionando escenarios donde puedan suceder nuevas cosas. Hemos aprendido también que este optimismo opera con mayor eficacia sin prisas, de la mano de la sensatez y del respeto, haciendo lo que es necesario pero dando siempre algo más. Hay proyectos que te atrapan especialmente, no sólo a nivel técnico sino emocional, y hoy Ruesta, sin duda, es parte indisoluble de nuestras vidas. Ruesta representa el empeño de seguir.

Para muchos es también “el arquitecto de la Navidad”. ¿Qué papel pueden desempeñar estas intervenciones efímeras en la identidad de una ciudad?

Frente al tiempo de largo recorrido, este otro tipo de actuaciones nos sitúan en una tesitura completamente distinta, el tiempo fugaz del acontecimiento. Las intervenciones efímeras tienen la capacidad de modificar instantáneamente nuestra percepción de la ciudad, generando nuevas dinámicas en la relación de ésta con el ciudadano. Lo cotidiano se transforma en el evento, en la singularidad de aquello que no sucede todos los días. Trabajas directamente en la escala emocional de la ciudad, pero con la libertad de alterar su identidad habitual haciéndola seductora, fascinante, ilusionante, sabiendo que tras un breve tiempo todo volverá a su ser.

Además de Zaragoza, ha desarrollado proyectos de iluminación e instalaciones urbanas en otros puntos de España. ¿Qué le atrae de trabajar con la luz como material arquitectónico?

La luz artificial es una capa más en la conformación de la ciudad contemporánea, que se suma a la estructura espacial, funcional y cultural del espacio público.

Desde un punto de vista artístico el arquitecto puede trabajar con ella integrándola, como el que se viste con un traje de gala para una fiesta, para generar otra imagen, con la posibilidad de emitir mensajes de ilusión, alegría, nostalgia o sorpresa. Desde un punto de vista arquitectónico nos permite aprovechar las escalas

CONVERSACIONES

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Ermita San Juan de Ruesta.

Foto Iñaki Bergera.

Kontxa.

Playa de la Concha.

San Sebastián.

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↑ Museo Goya.

Diseño de fachada.

→ Museo Goya.

Tallado.

CONVERSACIONES del espacio urbano operando desde la seriación de motivos o elementos, como los “confetti” que instalamos en Madrid, reforzando la continuidad de la calle con “serpetinas”, “guirnaldas” o las “estrellas rotas” de Zaragoza, evocando acontecimientos o memoriales en espacios singulares con la construcción de iconos, como el “árbol de Cajal” o “BaumHaus”, y llegar hasta la intervención dinámica en la gran escala del territorio como hicimos en la Concha de San Sebastián. Para mí es un rico camino de exploración de las herramientas con las que el arquitecto ha de operar habitualmente pero aplicadas en ámbitos espaciales y temporales distintos.

Actualmente está trabajando en la ampliación del Museo Goya Ibercaja. ¿Qué transformaciones podrá percibir el visitante que recorra los nuevos espacios?

Planteamos la intervención en el Museo Goya desde un triple objetivo. Por un lado urbano, dado que debía resolver la reunión de dos escalas muy distintas, la monumental de la plaza del Pilar con la escala menuda de la fábrica urbana del casco zaragozano. Por otro lado simbólico, dado que el edificio debía mostrar el carácter del museo con una nueva fachada pero sin descuidar nunca su integración en el resto de la calle.

En este punto la elección del material y el cuidado en las alturas y la relación con los edificios colindantes nos ha permitido integrar una fachada con una alta capacidad expresiva y simbólica pero de manera entonada con la escena urbana. Y por último un reto funcional, que consistió en aprovechar un espacio angosto y residual

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trasero transformándolo en un espectacular pasaje, que permite reunir y comunicar las distintas piezas que ya componían el conjunto y sus diversas alturas, junto con las que se añaden en la nueva intervención, mediante un sistema de circulaciones claro y funcional que da acceso a todas ellas. La estructura tipológica del palacio original del s.XVI se ha puesto en valor en su secuencia simbólica de espacios y luz, a la que fundimos en continuidad la ampliación de Borobio del XX y la incorporación de los nuevos espacios, para conformar una lectura unitaria del conjunto.

También está inmerso en proyectos vinculado a la inteligencia artificial; algo que está transformando prácticamente todas las disciplinas creativas. ¿Qué oportunidades y qué riesgos observa para la arquitectura en esta nueva etapa?

El año pasado redactamos un proyecto para una nave tecnológica en el futuro campus DAT Alierta para el Instituto Tecnológico de Aragón. Propusimos una construcción modular y sistematizada, con capacidad para albergar distintos laboratorios donde se van a desarrollar estas nuevas tecnologías. Un volumen de usos que se pliega en torno a un túnel-taller de investigación interior y que generase una cierta fascinación a través de la evanescencia y los reflejos, evocando este carácter propio del permanente avance de nuestros tiempos. Espero que la obra mantenga este espíritu dado que no vamos a poder tutelarla.

Si tuviera que evaluar el estado de salud de la arquitectura aragonesa, ¿cuáles cree que son sus principales retos de futuro?

La arquitectura es la manifestación construida de una cultura o sociedad, y por lo tanto debería nacer, con tanta honestidad como orgullo, del respeto a su tradición y del aprovechamiento sensato de sus recursos, sean materiales, humanos o culturales. Nuestra labor debería consistir en no romper esa cadena de identidad, en ser capaces de actualizar y traer a nuestro tiempo nuestra tradición sin ningún tipo de complejos, para que otros se sumen posteriormente a este proceso en continuidad.

Pero la arquitectura es un acto colectivo, que implica a numerosos agentes. Comenzando desde la promoción, no podemos pretender la buena calidad de la arquitectura, la de esa búsqueda paciente y cuidadosa,

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sin una buena calidad de nuestros contratos, que permita desarrollarla de forma íntegra y económicamente viable. Desgraciadamente cada vez es más habitual que los proyectistas no continúen las labores de dirección de obra. La arquitectura es la idea construida, y nadie mejor que el proyectista va a defender su idea en la fase de su ejecución material. La perversión actual del sistema contractual público deriva con gran asiduidad en el fraccionamiento de los encargos, que deviene en la disolución de la coherencia del proceso. Esta ocasión es aprovechada sin escrúpulos por algunos compañeros que limitan su campo laboral a la dirección de obras, derivando en una merma general de la obra y, por lo tanto, en un perjuicio general a la comunidad. Ante el abuso al que se nos está sometiendo desde la administración pública, desafiando los preceptos de una Ley de la Calidad de la Arquitectura que nadie parece terminar de creerse o aplicar, no nos queda sino defender nuestro oficio como colectivo. Pero nunca tendremos la fuerza necesaria si este espíritu no es compartido y respetado por todos, y a veces parece que tengamos al enemigo dentro de nuestra propia casa. Necesitamos de esta respuesta conjunta y deontológica de forma urgente. Nos va en ello la dignidad de la arquitectura que tenemos que hacer y por lo tanto la construcción del patrimonio del mañana, pero también el ejemplo que vamos a dar a los futuros arquitectos.

En cuanto al sector de la construcción considero que nuestra comunidad empieza a acusar una notable falta de oficio, de profesionalidad y de capacidad para llevar a cabo obras que puedan salir de los márgenes de lo estándar. A este hecho se suma la escasez de empresas a la hora de construir fuera de las grandes ciudades, hecho que castiga de forma importante al medio rural.

Es verdaderamente envidiable ver el magnífico resultado en aquellas comunidades vecinas y países donde la arquitectura ha sido tratada con dignidad, como una cuestión de interés general, y por lo tanto su evidente reversión directa como servicio y beneficio social. Aragón en este sentido tiene mucho que hacer, desde todos los ámbitos del sector, bien de la formación, la promoción o la construcción, pero empezando precisamente por los propios arquitectos.

↑ ITA Instituto Tecnológico de Aragón.

Campana Sant Cugat.

Foto I. Ruiz. ↓

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FUNDARA, la Fundación Cultural de Arquitectura de Aragón nace con la voluntad de salvaguardar y acercar la arquitectura a la sociedad. Como miembro del patronato designado por la Junta de Gobierno del COAA, ¿qué papel cree que debe desempeñar esta nueva institución?

A través de Fundara el colegio tiene que conseguir un papel más activo en la sociedad. Muchos son los temas que habitualmente afectan a la arquitectura y al espacio público en nuestra región, y deberíamos formar parte de la primera línea de debate, considerándose decisiva nuestra postura en todos ellos. Permear en la sociedad, demostrando la capacidad real que tiene el oficio de la arquitectura de mejorar nuestros espacios vitales, es la mejor manera de construir una cultura y una identidad arquitectónica.

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JASON LADRIGAN LA FOTOGRAFÍA PARA COMPRENDER LA ARQUITECTURA

Reinach (I), Suiza, 2026.

Con el arquitecto Matt Webb.

Jason Ladrigan

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Jason Ladrigan (1994, Dublín, Irlanda) es fotógrafo y arquitecto, y reside en Basilea, Suiza. Tras graduarse en la Escuela de Arquitectura de Dublín en 2018, trabajó como arquitecto en varios estudios de toda Europa, entre ellos noAarchitecten, Jo Taillieu Architecten y NU architectuuratelier.

A lo largo de su trayectoria como arquitecto, Jason ha desarrollado un profundo interés por el oficio y los procesos creativos de la construcción, trabajando con frecuencia en la intersección entre la arquitectura, el diseño y las artes. Paralelamente a esta fascinación por el acto de crear, una curiosidad constante por comprender la arquitectura y su relación con el lugar ha llevado gradualmente a la fotografía a convertirse tanto en una herramienta de investigación como en el fundamento de su práctica.

↑ Wunderkammer (I), Bélgica, 2024.

Con Studio Moto Architects. ↗ Ronchamp (I), Francia, 2023.

Con Renzo Piano Architects.

Trabajando exclusivamente con fotografía analógica, Jason entiende la creación de imágenes como un proceso lento y deliberado de observación. El acto físico de realizar una fotografía es esencial en su trabajo, ya que le permite convertirla en una forma de relacionarse con los lugares, las personas y los temas que documenta, interpretarlos y comprenderlos. Considera que el proceso analógico es inseparable de la propia fotografía, y cree que cada una de sus etapas tiene la misma importancia que la imagen final, del mismo modo que el proceso arquitectónico es inseparable de la intervención construida que produce.

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Para Jason, una fotografía documenta únicamente un momento específico en el tiempo, nunca la historia completa. En lugar de ofrecer respuestas definitivas, sus imágenes invitan a la reflexión, animando al espectador a observar con mayor detenimiento y a construir sus propias interpretaciones. Entiende cada fotografía como un fragmento de una narrativa más amplia, en la que aquello que queda fuera del encuadre suele ser tan significativo como lo que se muestra dentro de él. A través de esta apertura, su trabajo busca despertar la curiosidad y la imaginación, permitiendo que cada imagen se convierta en un punto de partida para la observación, la memoria y la interpretación personal.

Esta perspectiva resulta especialmente importante en su aproximación a la fotografía de arquitectura. Una fotografía nunca puede representar plenamente un edificio; solo registra un instante concreto de su existencia, mientras que la vida del edificio continúa evolucionando mucho antes y mucho después de que la imagen haya sido tomada.

Tras haber vivido y trabajado en Irlanda, Bélgica y Suiza, Jason continúa desarrollando una práctica fotográfica influida por diversos paisajes, culturas y tradiciones arquitectónicas. Sus fotografías han sido expuestas internacionalmente, publicadas en diversas ediciones y respaldadas mediante ayudas competitivas a las artes, reflejando un compromiso constante con la exploración de la documentación fotográfica tanto como medio de expresión como herramienta creativa.

Jason Ladrigan expuso “Re-framing” en el Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón del 12 de junio al 17 de julio de 2026.

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↙ Islands (III), Bélgica, 2025.

Con el Instituto de Arquitectura de Flandes. ↓ Dreispitz (I), Suiza, 2026.

Con Herzog & de Meuron Architects.