Moda

Prólogo de Valerie Steele

Marnie Fogg

Título original: Fashion. The Whole Story Edición: Katharina Hahn, Becky Gee, Fiona Plowman, Jane Laing Diseño: Alison Hau Gestión de imágenes: Jo Walton Traducción: Rosa Cano Camarasa Antonio Díaz Pérez Revisión de la edición en lengua española: Isabel Jordana Barón Profesora de Moda (Escola de la Dona, Barcelona)

Coordinación de la edición en lengua española: Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2014 © 2014 Art Blume, S.L. Av. Mare de Déu de Lorda, 20 08034 Barcelona Tel. 93 205 40 00 Fax 93 205 14 41 e-mail: info@blume.net © 2013 Quintessence Editions Ltd, Londres ISBN: 978-84-9801-734-2 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.

WWW.BLUME.NET Este libro se ha impreso sobre papel manufacturado con materia prima procedente de bosques de gestión responsable.

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CONTENIDO

PRÓLOGO de Valerie Steele

6

INTRODUCCIÓN

8

1 | 500 A. C. A 1599

16

2 | 1600 A 1799

72

3 | 1800 A 1899

128

4 | 1900 A 1945

202

5 | 1946 A 1989

296

6 | 1990-ACTUALIDAD

464

GLOSARIO

554

COLABORADORES

558

FUENTES DE LAS CITAS

560

ÍNDICE

562

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES

574

Vestido camisa de muselina INDUMENTARIA FEMENINA

Vestido camisa francés y mantón (h. 1805-1810).

122 1600 A 1799

1790-1800

NAVEGADOR

E

ste vestido francés de muselina es un ejemplo del vestido de noche neoclásico en boga. El corte

1

tubular de talle alto está realizado con varias capas de muselina de algodón transparente y forrado con lino. Esto da a la prenda el peso necesario para conseguir las sencillas líneas verticales.

Aunque es más recatado que los atrevidos vestidos camisa que llevaban las merveilleuses, este traje 2

se ajusta a esta tipología y tiene un delicado volante en el pronunciado escote. El escote dirigía la atención a la parte del cuerpo que la moda había liberado hasta cierto punto gracias a un sujetador 4

tipo corsé más ligero. La manga corta también dejaba ver los brazos.

En comparación con la rigidez de los vestidos cortesanos de épocas anteriores, la informalidad de la moda y de la actitud de principios del siglo XIX se aprecia en la gama de colores claros, en los delicados tejidos y en las líneas sencillas y elegantes. Sin embargo, este traje de noche

3

es más elaborado que muchos de los vestidos de muselina de día, con piezas de encaje de algodón bordado en la parte delantera y en el bajo. La cola adicional de muselina, que recuerda a la que llevó la emperatriz Josefina en su coronación, indica estatus. El diseño de la clásica estola de seda y cachemir, con estampado de cachemir y bordes de flecos, se repite en el gorrito, que se lleva sobre el cabello suavemente rizado y peinado a la griega. PW

PUNTOS FOCALES

1 GORRITO Y PEINADO

3 ENCAJE

El nuevo estilo de vestido va acompañado de un peinado más relajado.

Aquí, el cabello natural está peinado con suaves rizos al estilo griego.

Un ajustado gorrito tipo banda adorna y protege el cabello. A veces también se llevaban tocados con plumas o diademas de piedras preciosas.

Las piezas de encaje están bordadas sobre la muselina con hilo de algodón, con un diseño naturalista de bellotas y zarcillos de vid, una elección inusual entre los diseños griegos más populares.

Los dibujos recuerdan a la moda pastoril de finales del siglo XVIII.

2 ESTILO SUAVIZADO

4 GUANTES Y ABANICO

El vestido camisa se basa en la sencillez para causar efecto. No se aprecia ningún elemento de corsetería, aunque es probable que debajo del vestido se llevase algún tipo de corsé ligero. La forma la da el lazo debajo del busto que hace fluir la tela por el torso.

Los accesorios están cargados de significado. Los guantes blancos no solo protegen la piel de la suciedad, sino que además aseguran que quien los lleva no tenga un contacto inapropiado con su compañero de baile. El abanico se utilizaba como una especie de código erótico.

ESTILOS NEOCLÁSICOS 123

New look

1947 CHRISTIAN DIOR 1950-1957

Renée, el new look de Dior, Place de la Concorde, París, agosto de 1947, fotografía de Richard Avedon © The Richard Avedon Foundation.

302 1946 A 1989

NAVEGADOR

L

a radical línea Corolle de Christian Dior, llamada así por el término botánico que alude a pétalos 1

abiertos, anunció una nueva era de suntuosidad cuando se dio a conocer en febrero de 1947.

La colección celebraba la recuperación de la figura de reloj de arena, en contraste con la silueta

masculina de ropas inspiradas en uniformes. Enseguida se la conoció como new look, expresión acuñada por Carmel Snow, editora de la edición estadounidense de Harper’s Bazaar, en la que se

2

publicaron varios bocetos que detallaban la confección de las prendas de vestir.

3

El compromiso de Dior con el uso pródigo de tejidos –la casa era financiada por el fabricante textil Marcel Boussac–, combinado con su adhesión a una visión romántica y nostálgica de la femineidad con resonancias de la belle époque, dio lugar a una colección que creó un gran revuelo en la prensa de moda y que encabezó la recuperación del París de posguerra como centro de la moda internacional.

4

Con un fuerte hincapié en las cualidades escultóricas del vestido estructurado, el fotógrafo Richard Avedon capta a la modelo, Renée, mientras se pasea con fluidez por la Place de la Concorde en París, para admiración de los hombres que pasan por allí. Los pliegues de la falda se alzan desde la cadera hacia el ensanchamiento de la bastilla, que termina justo por encima de los zapatos de salón realizados en ante y con tacón cónico. La modelo lleva un manguito de astracán negro, un popular complemento de la época que hace juego con el ornamento de la chaqueta. MF

PUNTOS FOCALES

1 SOMBRERO

3 ADORNOS DE PIEL

El sombrero, de inspiración castrense, está confeccionado en una tela que hace juego con la de la chaqueta. Va colocado hacia un lado y atrás.

El cabello de la modelo, perfectamente peinado, deja ver la parte posterior del cuello alto ajustado, forrado de piel.

Una estrecha banda de astracán adorna el cuello y el dobladillo de la chaqueta. La característica superficie de la piel de astracán –originaria de la oveja caracul de Asia central– es apretada, rizada y sinuosa y tiene un ligero brillo. El negro era el color más preciado.

2 SILUETA DE RELOJ DE ARENA

4 DOBLADILLO

Dior revisita la popular silueta de miriñaque del siglo XIX. Lo consigue mediante la combinación del acolchado sobre el busto y las caderas, la juiciosa mezcla de costuras y pinzas y el uso de entretelas, ballenas y alambres para constreñir el talle.

Llevadas sobre enaguas rígidas y con la caída del dobladillo casi hasta el tobillo, estas voluminosas faldas necesitaban hasta 13,5 m de tela para su confección. La parlamentaria británica Mabel Ridealgh dijo al respecto que se trataba de un «uso de material estúpidamente exagerado».

LA EDAD DE ORO DE LA ALTA COSTURA 303

Vestido Mondrian

1965

YVES SAINT LAURENT 1936-2008

360 1946 A 1989

NAVEGADOR

E

n 1965, Yves Saint Laurent rindió un homenaje directo al rigor compositivo de las pinturas neoplasticistas de Piet Mondrian de la década de 1930 con un vestido de día de lana por la rodilla que presentaba la obra del artista a la elite interesada en la moda. El modisto trató de evocar

las abstracciones radicalmente minimizadas de colores y geometrías primarias del pintor neerlandés

1

con este vestido recto que apenas roza el cuerpo, una evolución del vestido saco de la década de 1950 que evitaba los contornos del cuerpo para caer directamente desde los hombros hasta las rodillas.

En pinturas tales como la de 1935 Composición C (III), la cual presenta una considerable equivalencia visual con este vestido recto, Mondrian optó por ceñir su composición al formato cuadrado. En este caso, el énfasis recae en los límites verticales del vestido, lo cual se logra mediante

2

la solidez de los fuertes bloques de color de los hombros y del dobladillo. El uso que hizo Saint Laurent de la intensidad gráfica de Mondrian para los vestidos de alta costura tendió un puente cultural para su clientela hacia el acceso más democrático del op art y la moda dirigida a la juventud, que se veía en las calles de Londres y en las boutiques de Nueva York. El vestido Mondrian se popularizó

3

cuando apareció en la portada de la edición francesa de Vogue en 1965. Luego proliferaron muchas copias más baratas: algunas con un mero diseño estampado en la superficie del vestido pero sin el conocimiento de la forma. MF

PUNTOS FOCALES

1 USO DEL COLOR

3 DISCRECCIÓN DE LAS COSTURAS

La gama cromática se limita a tres colores primarios combinados con blanco y negro. Así se crea un fuerte contraste que refleja el estilo pictórico de Mondrian. Influido por el pintor Bart van der Leck, Mondrian desarrolló su característico estilo geométrico a partir de 1916.

Yves Saint Laurent demuestra su pericia en la construcción de prendas.

El modisto junta cada bloque de punto liso para adecuar el cuerpo mediante una imperceptible ocultación de la configuración mínima del vestido recto en la cuadrícula de las costuras.

PERFIL DEL DISEÑADOR 1936-1965 Yves Saint Laurent nació en Orán, Argelia. En 1958 lo nombraron jefe de diseño de la casa Dior, en la que presentó con éxito la línea Trapecio en su primera colección. Tras incorporarse al ejército francés en 1960, lo declararon no apto para el servicio y padeció una crisis nerviosa.

2 LÍNEAS NEGRAS GRUESAS Sin dejar de respetar el formato de retrato de la figura humana y la austera arquitectura del vestido, la composición se vuelve a configurar en lugar de recortarse, y a la delimitación negra entre los bloques rectangulares de colores se le da una mayor proporción que en la pintura.

1966-2008 Saint Laurent y su socio, el empresario Pierre Bergé, lanzaron su propia casa de moda respaldados por el millonario de Atlanta J. Mack Robinson. En 1966 se inauguró en el VI Distrito de París la primera tienda Rive Gauche de la compañía, en la que puso a la venta su innovadora línea de prêt-à-porter. Saint Laurent se jubiló en 2002 y se marchó a vivir a sus casas de Normandía y Marruecos. En 2007, un año antes de su muerte, fue galardonado con el título de grand officier de la legión de honor.

LA REVOLUCIÓN DE LAS TIENDAS 361

LA REVOLUCIÓN PUNK

1 2

3

1 Ropa fetichista de Vivienne Westwood (1976). La tienda Sex usaba el lema «Ropa de goma para ir a la oficina».

2 Jordan posa en 1976 delante de la tienda, situada en el número 430 de King’s Road.

Se convirtió en un anuncio andante para la moda inspirada en el punk de Sex.

E

l fenómeno punk surgió en Londres en 1976. Aunque muchas de sus influencias musicales procedían de Estados Unidos, sobre todo de la escena proto-punk de Nueva York, fue en Londres donde todos los elementos se dieron cita en la creación

de un modelo para el movimiento. Este consistió en una mezcla explosiva de música sencilla, fuerte y agresiva combinada con un chocante enfoque en lo relativo a la indumentaria y al aspecto. El punk defendía una estética autogestionada mediante la cual el individuo estaba facultado para construir su propia identidad a través de la música, la

3 Vivienne Westwood (página siguiente, inferior) lleva uno de sus trajes bondage de tartán en esta fotografía tomada en una calle de Londres en 1977 con unas chicas punk.

ropa, la actitud e incluso los cambios de nombre. La libre expresión, la experimentación y, sobre todo, la indignación fueron los principios rectores de lo que se convirtió en un enfoque «de bricolaje» para la reinvención de la propia identidad. No deja de ser irónico –si se tiene en cuenta el espíritu de lucha contra el consumismo tan arraigado en la filosofía del punk– que el impulso creativo del movimiento se iniciase en una tienda de ropa ubicada en King’s Road, al oeste de Londres.

La tienda, llamada Sex, era propiedad de Vivienne Westwood (nacida en 1941) y Malcolm McLaren (1946-2010); pasó a llamarse Seditionaries en 1976. El emporio de McLaren

FECHAS CLAVE 1971

Malcolm McLaren y Vivienne Westwood abrieron su primera tienda en Londres, Let It Rock, situada en el número 430 de King’s Road.

416 1946 A 1989

1972

McLaren viajó a Nueva York para asistir a una feria comercial de ropa, donde conoció a la infame banda de los New York Dolls.

Se planteó convertirse en mánager de rock.

1973

McLaren y Westwood cambiaron el nombre de su tienda Let It Rock, que pasó a llamarse Too Fast To Live, Too Young To Die. Un año más tarde la rebautizaron con el nombre de Sex.

1974

McLaren y Westwood crearon la seminal camiseta «You’re Going to Wake Up», cuyo diseño se inspiraba directamente en la política situacionista.

1975

McLaren y Westwood tuvieron un papel clave en el surgimiento de los Sex Pistols. Las prendas de inspiración fetichista de Vivienne recibieron el beneplácito de la prensa.

1976

Sex cambió su nombre por el de Seditionaries, que reflejaba los coqueteos con el anarquismo.

Los Sex Pistols estrenaron su primer sencillo, «Anarchy in the UK».

y Westwood había experimentado varios avatares antes de que Sex se inaugurara en 1974.

La mezcla que ofrecía la tienda de ropa nazi, fetichista de alto octanaje (página anterior) y de temática elegante atrajo a una multitud de adolescentes errantes y descontentos.

Entre ellos destacó una joven modelo y actriz llamada Pamela Rooke, que, de acuerdo con la ética del punk, se reinventó a sí misma y se cambió el nombre por el de Jordan (superior derecha). En este ambiente que se daba cita en Sex, McLaren descubrió a la banda que se iba a convertir en la encarnación del punk, los Sex Pistols. El interés inicial de McLaren por esta banda, aparentemente poco prometedora, residía en que iban a actuar como un vehículo promocional para la tienda de King’s Road, a la cual hacía referencia el nombre del grupo.

Durante dos años, hasta su desaparición en 1978, los Sex Pistols generaron un torrente de titulares sensacionalistas y «noticias», y a medida que iba aumentando su mala reputación, el centro de atención se redujo cada vez más a la ropa que llevaban. Desde las camisas modelo Anarquía (véase pág. 418) hasta los pantalones bondage, las camisetas destroy y el «jersey del verdugo», Westwood, con el asesoramiento ocasional de McLaren, produjo una serie de prendas que redefinieron los conceptos de moda y buen gusto.

En contraste con la excelente hechura de la vestimenta de la época creada para triunfar, los diseños de Westwood exploraron la ropa de un modo nuevo y radical. Su forma de abordar la producción de ropa se basó en el instinto (era poca la formación que tenía en diseño de moda), y sus nada tradicionales métodos dieron a sus diseños una peculiaridad visual muy distintiva. Entre las innovadoras formas de trabajar de Westwood, estaba el corte de la tela sobre una superficie curva o sobre el cuerpo en lugar de en una superficie plana, un proceso ideal para la fluidez del punto liso tejido. La técnica fue utilizada por primera vez en la imitadísima camiseta rasgada de 1979, basada en una forma tradicional pero con la apertura bajo el brazo, lo que permitía que la prenda encontrase su propio lugar en el cuerpo. Las prendas de vestir se cortaban con refuerzos para crear formas tridimensionales; las proporciones se alteraban al cortar la parte superior mucho más arriba que la cintura.

En ocasiones, las piezas eran adaptaciones de elementos que ya existían y que se realizaban mediante técnicas de fabricación deliberadamente descarnadas, que otorgaban un valor añadido a la construcción de la prenda. Los eslóganes estampados a mano compartían espacio con toda suerte de objetos encontrados, todos ellos dispuestos en una yuxtaposición de sorprendente inventiva. Westwood, alentada por McLaren, trató de llevar a sus diseños las ideas del situacionismo radical: estas prendas se concibieron a modo de acciones de guerrilla dirigidas a subvertir los gustos y los valores de la burguesía. En este contexto de indignación y confrontación, se usaron imágenes pornográficas para los diseños de camisetas, las esvásticas figuraron junto a retratos de Karl Marx y las referencias explícitas a la ropa relacionada con el bondage y el fetichismo se yuxtapusieron con ideas extraídas directamente de la ropa militar y de los moteros. El color también se utilizó para lograr efectos sorprendentes. Primaron el rojo, el blanco y negro, el rosa fluorescente, el amarillo dayglo y el azul eléctrico, que añadieron una sensación de acción a la gama. El uso del tartán también fue audaz. Produjo una serie de prendas inspiradas en el bondage, incluidas chaquetas y pantalones con una gran variedad de tartanes (derecha), con lo que tendió un puente entre los temas urbanos de vanguardia y la historia celta. WH

1977

La celebración del vigésimo quinto aniversario del reinado de Isabel II puso de relieve la música de los Sex Pistols y dio lugar a la iconografía de Westwood.

1978

Westwood confeccionó escandalosas camisetas, tales como la Prick Up Your Ears, en la que un dibujo de una orgía gay punk acompañaba un texto de Joe Orton.

1978

Al final de la gira estadounidense de los Sex Pistols, Johnny Rotten dejó el grupo, que se disolvió.

1979

Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols e icono punk de McLaren y Westwood, murió a causa de una sobredosis de heroína.

1980

Se estrenó el pseudodocumental del director británico Julien Temple acerca de los Sex Pistols titulado The Great Rock ’n’ Roll Swindle.

1981

Westwood y McLaren se apartaron de forma consciente del punk cuando presentaron Pirate en las pasarelas.

LA REVOLUCIÓN PUNK 417

A-POC

1997 ISSEY MIYAKE nacido en 1938

A-POC en la exposición «Future Beauty: Thirty Years of Japanese Fashion», en el Barbican de Londres (2011).

E

l concepto A-POC –acrónimo de A Piece of Cloth, «Una pieza de tela»– fue desarrollado en 1997 por Issey Miyake junto con el ingeniero textil Dai Fujiwara (nacido en 1948), aunque la primera vez que se usó fue en 1976 en algodón tejido y tiras de lino. A-POC es un sistema de creación

de prendas con una sola pieza de tela, sin que se desperdicie nada y con el mínimo corte, en gran medida como un kimono. Con los posteriores desarrollos del sistema, la pieza de tela se confeccionó a partir de un tubo de punto Raschel: el tubo, semejante a una media, se elabora con un tejido de doble

NAVEGADOR

punto, cuyos hilos van unidos en una fina malla de puntadas encadenadas. Si el tejido se corta, las fibras más elásticas de la capa inferior se encogen, con lo que también lo hace la malla de puntadas encadenadas y se impide que el tejido se deshilache. La tela tiene inscritas piezas del patrón que no

1

requieren costura cuando se corta y que la persona que la lleva puede ajustar. La fecha en la que se tejió 2

cada A-POC y las instrucciones de ajuste se adjuntan a la tela, como si fuera un pequeño par de tijeras.

El sistema se ha sometido a varios refinamientos y desarrollos a lo largo del tiempo: en 1999, el A-POC Eskimo incluía patrones gráficos y acolchados, mientras que con el diseño Baguette, del año 2000, se renunciaba a las piezas de patrón y podía cortarse en cualquier punto del tejido. Esta manera de ofrecer prendas reintroduce elementos del arte de la confección en la producción y el consumo de la moda contemporánea. La participación de los consumidores en la producción de sus propias prendas

3

502 1900-ACTUALIDAD

representa una unión excepcional entre las prácticas tradicionales y las no tradicionales. MB

PUNTOS FOCALES

1 TEJIDO La prendas A-POC están cortadas de un solo rollo largo de tela entubada. La tela es producto de un complejo telar industrial manejado por ordenador que teje la forma y el patrón de las prendas enteras dentro de la tela. El cliente se limita a cortar la «tela» para que se adapte a su propio tamaño, con lo que configura su prenda final.

2 TUBO DE TELA Las prendas están confeccionadas con el tubo de tela y no necesitan coserse. El proceso es lo bastante sofisticado para que elementos tan complejos y diversos como guantes para zurdos y diestros o mangas relativamente simples se puedan cortar del tubo y convertirse en prendas de forma satisfactoria.

Contornos de las prendas cortadas de la colección A-POC Queen Textile (1997), incluidos los de un vestido, calcetines, ropa interior y una capucha. Este económico sistema produce muy poco tejido sobrante.

PERFIL 1938-1980 Issey Miyake nació en Hiroshima, Japón, y sobrevivió a la bomba atómica de 1945. Estudió diseño gráfico en Tokio. Tras licenciarse en 1964, se marchó a trabajar a Nueva York y a París. Regresó a Tokio en 1970, donde creó el Miyake Design Studio. Diseñó moda para mujer y adoptó el uso de nuevos tejidos, tales como el punto liso de poliéster y la fibra acrílica Pewlon. En 1980, inspirándose en el maniquí de sastrería, Miyake desarrolló el torso fundido en acrílico a modo de bustier.

3 VERSATILIDAD DE LAS PRENDAS Los distintos tamaños de los maniquíes demuestran la versatilidad del rollo de tejido y de las prendas que se pueden realizar con él. Entre las posibilidades se incluyen un vestido de tres cuartos –con mangas cortas o largas–, mallas y una bolsa con cordón o el vestido tipo túnica de niño con gorro, guantes y calcetines.

1981-actualidad A finales de la década de 1980, Miyake comenzó a experimentar con los plisados, lo que dio lugar a una nueva técnica (Pleats Please); también diseñó vestuario para el Ballet de Frankfurt. Miyake se retiró en 1997 y redujo sus funciones en la empresa a las labores de investigación. En 2010, el emperador Akihito le concedió la Orden de la Cultura de Japón.

MODA DECONSTRUCCIONISTA 503

Este libro ambicioso y fascinante analiza la historia de la moda en todo el mundo, desde las túnicas drapeadas grecorromanas y el vestido de seda de la corte de la dinastía china Tang hasta los diseñadores de ropa deportiva y la cultura japonesa de la calle.

Organizado de forma cronológica, explica la evolución de la moda época a época y tendencia a tendencia, mientras que las detalladas tablas cronológicas ofrecen un contexto histórico y cultural. Moda. Toda la historia es un libro indispensable para todas las personas que sientan fascinación por la pureza de líneas de un traje perfecto o que conocen la alegría de llevar un par de zapatos fantásticos.

• Ubica obras clave en el contexto de género y de desarrollos sociales y culturales.

• Traslada al lector al interior del proceso de creación de la alta costura: el concepto, la atención al detalle y los éxitos de las pasarelas.

• Escrito por un equipo internacional de expertos en moda dirigido por Marnie Fogg.

ISBN 978-84-9801-890-5

Preservamos el medio ambiente • Reciclamos y reutilizamos.

• Usamos papel de bosques gestionados de manera responsable.

9 788498 018905