Color. Una historia visual

Color

Una historia visual

Alexandra Loske

Para Flora © 2025 Naturart, S.A. Editado por BLUME Carrer de les Alberes, 52, 2.°, Vallvidrera 08017 Barcelona Tel. 93 205 40 00 e-mail: info@blume.net © 2019 del texto Alexandra Loske © 2019 Octopus Publishing Group, Londres

Título original Colour. A Visual History Dirección editorial Helen Rochester Edición Alison Starling, Zara Emerson, Rachel Silverlight, Stephanie Hetherington Dirección de arte Ben Gardiner Diseño Luke Bird Documentación iconográfica Jennifer Veal Traducción Rosa Cano Camarasa Revisión de la edición en lengua española Pere Fradera Barceló Artista. Profesor (Escola Massana, Barcelona)

Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2025

ISBN: 978-84-10268-91-3 Depósito legal: B. 21601-2024 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.

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C008047

Superior: Globo terráqueo cromático del siglo xxi de la

Ilex se enorgullece de colaborar con la Tate apoyando al museo en su misión de promover la comprensión y el disfrute del arte entre el público.

artista Eva Bodinet, inspirado en las ideas de A. H. Munsell y Philipp Otto Runge

Color

Una historia visual

Alexandra Loske

Contenido 6

Introducción

Desentrañar el arcoíris: la revolución de los colores en el siglo xvi i i 14 Isaac Newton presenta el arcoíris 16 Aceptar el reto: el color después de Newton 20 Imágenes del color alegóricas y figurativas 24 J. C. Le Blon y el sistema tricromático 26 Moses Harris: los colores de la naturaleza 30 Lo bello y lo sublime 32 La paleta pintoresca 34 Coloristas: boticarios para pintores 36 El «secreto perdido» de la coloración veneciana: una mujer engaña al mundo del arte

Ideas románticas y nuevas tecnologías: principios del siglo xi x 42 Luz y oscuridad: Goethe reta a Newton 46 Observar a Newton en el jardín 48 Leer el color: los memorándums de William Oram 50 Las manchas abstractas coloreadas de Mary Gartside 54 Manuales populares para pintores aficionados 56 Taxonomía de los colores: La nomenclatura del color de Werner 60 George Field: ciencia, arte y simbolismo 68 Paletas instructivas en los manuales para pintores 72 La «brújula del pintor»: círculos cromáticos para artistas 74 Rudolph Ackermann colorea la sociedad de moda 78 Frank Howard deconstruye la obra de los maestros 82 Color, luz y sombra: los cuadros del diluvio de Turner

Del industrialismo al impresionismo: finales del siglo xi x 90 Hacia la oscuridad: la hermosa ciencia de M. E. Chevreul 100 De la ciencia al arte: Chevreul y el nacimiento impresionismo 102 Categorías de colores filosóficas de un poeta 104 Una mujer viaja en busca del color 106 Las páginas cortadas de George Barnard 112 Árboles y mariposas representan los últimos avances sobre el color 114 Color ornamental para gustos cosmopolitas 118 De lo inmaterial a lo material: tender un puente sobre la brecha entre la ciencia y el arte 122 Vincent van Gogh se sumerge en el color

124 Paletas como espejos: los pintores y sus colores 130 Una rosa para Chevreul: Répertoire chromatique de Charles Lacouture

El color por el color: el principio radical del siglo xx 138 Manchas y cuadrículas: Emily Noyes Vanderpoel 140 Albert Henry Munsell: tono, valor y saturación 146 Más allá del círculo de Newton: nuevas ideas en los manuales populares.

154 La paleta decadente de Martin Fischer 156 Orfismo: música colorista y color musical 158 Colores místicos: Hilma af Klint y Charles Leadbeater 162 Del azul al infinito: Wassily Kandinsky y las formas de los colores 166 Ciencia y matemática en un complejo sistema de color 170 Paul Klee y el «teclado cromático» 174 Bauhaus: el color minimalista en el arte y el diseño 176 El arte del color: teoría y fenómeno 182 Psicología del color para la casa moderna 186 Práctico y bello: el arte de la impresión en color 190 Un diccionario del color: el Atlas de los colores de Villalobos

El color hacia el futuro: las ruedas siguen girando 196 Simple y pictórico: una guía infantil sobre la impresión 198 Robert Francis Wilson y el espacio de trabajo de la posguerra 202 El énfasis en el color: una paleta nueva y atrevida 204 This is Color Surprise: manuales de pintura populares en Estados Unidos en las décadas de 1950 y 1960 208 El Tint Book de Parson reinterpretado 210 Vidrieras: la arquitectura de las nuevas iglesias 216 Cielo y mar: círculos cromáticos para la naturaleza 218 El arcoíris sigue vivo: el legado de Newton en el arte y la cultura contemporáneos 224 Enamorarse de nuevo del color 226 Pantone establece un estándar del color

228 230 234 238 240

Glosario Bibliografía Índice Créditos de las fotografías Agradecimientos

Lo bello y lo sublime

La mayoría de los manuales sobre el color publicados

Sublime and Beautiful («indagación filosófica sobre el

en el siglo xviii trataban de técnicas pictóricas y de

origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello»,

cómo preparar las pinturas y aplicar los acabados de la

1757), incluyó un capítulo sobre «El color considerado

superficie. The Handmaid to the Arts, de Robert Dossie,

como productor de lo sublime». Defendía la oscuridad

fue uno de los libros más populares de este tipo. Publicado

y la penumbra en la pintura y la arquitectura y

por primera vez en Londres en 1758, tuvo numerosas

desaconsejaba la vulgaridad inducida por el color:

Superior: Aunque el diagrama

ediciones revisadas y ampliadas hasta 1829. Es posible

«El cielo nublado es más grandioso que el azul; y la noche

de la paleta constituye solo una

que la creciente promoción de las artes en Gran Bretaña

es más sublime y solemne que el día».

pequeña parte de esta lámina

a partir de mediados del siglo xviii influyera en la demanda

Sin embargo, no fue así para el pintor William Hogarth,

del Análisis de la belleza

de esta obra y de otras similares. Estos manuales técnicos

contemporáneo de Burke. Hogarth estaba muy influido por

(1753) de Hogarth, su posición

rara vez mencionaban la teoría del color más allá de los

Opticks, de Isaac Newton, y posiblemente también por un

en la parte superior y central

principios básicos de la mezcla de colores.

manual de pintura del pintor holandés Gérard de Lairesse,

Pero algunos artistas y filósofos expresaban opiniones

publicado en inglés en 1735 con el título The Art of Painting.

sobre el color en relación con las ideas estéticas de belleza

Al igual que Newton y Lairesse, Hogarth abrazó el concepto

y «lo sublime». Mientras que la belleza se consideraba

de los colores prismáticos puros. Le disgustaban la

Página siguiente: Con varios

un estándar que podía identificarse, medirse e incluso

oscuridad y las sombras en la pintura, a pesar de que

pinceles en una mano y una

crearse, lo sublime describía una impresión de grandeza,

a veces las consideraba necesarias. En Análisis de la

espátula en la otra, Hogarth

asombro y temor. Abarcaba cosas que eran a la vez

belleza (1753), su tratado sobre el gusto, publicado a

muestra el material de su oficio.

fascinantes y amenazadoras, impresionantes e indomables,

título privado, proclamaba que «en la pintura solo hay tres

Con la paleta en alto para poder

por ejemplo, vastas cordilleras, tormentas y oscuridad.

colores originales, además del blanco y el negro: el rojo, el

contemplar perfectamente su

A finales del siglo xviii, lo vemos reflejado en cuadros de

amarillo y el azul. El verde y el púrpura son compuestos; sin

superficie, el espectro de tonos

paisajes alpinos, catástrofes en el mar, tormentas o escenas

embargo, como estos compuestos son tan distintos de los

«originales» destaca sobre un

bíblicas como Noé y el Diluvio.

colores originales, los clasificaremos como tales». Aplicó

no hay duda de que le confiere cierta importancia.

lienzo coloreado principalmente con tonos terciarios.

30

Edmund Burke fue uno de esos pensadores, que en su

este sistema de cinco colores a la paleta de un artista,

A Philosophical Inquiry Into the Origin of Our Ideas of the

incluyéndolo incluso en una de las instructivas láminas

DESENTRAÑAR EL ARCOÍRIS – LA REVOLUCIÓN DE LOS COLORES EN EL SIGLO XVIII

desplegables que ilustran Análisis de la belleza (véase

empezar a pintar. La paleta constituye el punto

página anterior). La imagen de la paleta es solo una

central del cuadro, vinculando espacial y simbólicamente

pequeña parte de un grabado mayor, sin colorear, pero hay

al artista con el lienzo. Las pinturas de la paleta están

algunos detalles, con las manchas clasificadas y numeradas

dispuestas en el borde exterior y constan de seis colores

para indicar siete grados de brillo y permanencia.

intensos, más o menos parecidos a su sistema de unos

Para Hogarth, la paleta tenía un significado simbólico.

pocos colores puros a partir de los cuales se pueden crear

Incluyó utensilios de pintor en varios de sus autorretratos,

todos los demás. Hay una mancha blanca adicional y no

a menudo colocándolos en un lugar destacado de la

hay rastro de negros, marrones o grises. Aquí, Hogarth

composición. En su autorretrato de 1757 (véase superior),

pone en práctica sus ideas sobre el color, sosteniendo

lo vemos sentado, mirando un gran lienzo, a punto de

su paleta como si de una tarjeta de visita se tratase.

DESENTRAÑAR EL ARCOÍRIS – LA REVOLUCIÓN DE LOS COLORES EN EL SIGLO XVIII

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Rudolph Ackermann colorea la sociedad de moda En 1796, el joven diseñador de carruajes Rudolph Ackermann abrió una tienda en el Strand de Londres, donde producía y vendía grabados. Un año más tarde se hizo cargo también de una pequeña escuela de arte cercana, que dirigió hasta 1806. Este fue el comienzo de uno de los establecimientos de venta de arte más populares y longevos del Londres georgiano: Ackermann’s Repository of Arts.

Con él, Ackermann alcanzó un enorme éxito al combinar sus conocimientos de diseño e impresión con habilidades publicitarias y una perspicaz visión de la sociedad londinense de moda. En pocos años, la tienda vendería también objetos de decoración y materiales para artistas.

Ackermann también empezó a producir él mismo algunos de estos materiales; por ejemplo, pastillas de acuarela prensada.

También fue pionero de nuevas técnicas de impresión en color e ilustración de libros y se convirtió en el principal editor de láminas en color de Gran Bretaña a principios del siglo xix. Publicó libros sobre una amplia gama de temas populares, como el diseño, la moda y los viajes. La mayoría estaban ilustrados con aguatintas coloreadas de gran calidad, para los que empleaba a los mejores grabadores de la época. Fue uno de los primeros promotores de la litografía, y en 1819, poco después de haber conocido a su inventor, Alois Senefelder, en Alemania, publicó la traducción del tratado autobiográfico de Senefelder sobre este nuevo y revolucionario método de impresión.

Entre 1809 y 1829, Ackermann publicó la popular revista

sociales. En el primer número, los lectores pudieron

mensual The Repository of Arts, Literature, Commerce,

contemplar una imagen detallada del interior de

Manufactures, Fashions and Politics, que lleva el nombre

Ackermann’s Repository of Arts, entonces situada en

de su famosa tienda (en 1829 pasó a llamarse Repository of

el 101 Strand (véase doble página). Hombres y mujeres

Fashion). Estaba dedicada al príncipe de Gales (más tarde

vestidos a la moda examinan los estantes con los grabados y

rey Jorge IV), a quien le gustaba mucho la moda, e ilustrada

los cuadros expuestos en las paredes. Debajo de la claraboya

Superior derecha y

con láminas coloreadas a mano que mostraban las últimas

hay carteles que anuncian lo que se puede comprar en la

página siguiente: Repository

tendencias en moda (véase sobre estas líneas, derecha),

tienda, como «Ornamentos blancos y dorados en relieve»

of the Arts de Ackermann

edificios londinenses y sus interiores, y diseños de muebles.

y «Colores y utensilios para dibujar». Detrás de un gran

incluía láminas coloreadas

Los primeros números incluían láminas «alegóricas

mostrador hay vitrinas con muchas cajas pequeñas. Es

a mano que representaban las

xilografiadas», que contenían muestras reales de papel

muy probable que aquí se almacenaran las pinturas, los

últimas tendencias de la moda

y tejidos para su uso en diseño, impresión, confección,

pigmentos, los papeles y los utensilios de los artistas.

(superior derecha), así como

mobiliario o tapicería, lo que permitía al lector no solo ver,

El negocio se trasladó a diferentes lugares en el Strand

láminas xilografiadas junto con

sino también tocar los materiales (véase página siguiente).

varias veces, y Ackermann abrió tiendas en Sudamérica

muestras de telas (véase página

El texto que acompañaba a estas láminas informaba

en la década de 1820. Sus hijos continuaron con la

siguiente).

al lector de dónde adquirirlas. Las láminas de trajes de

tienda del Strand bajo el nombre de Ackermann & Co.

Ackermann, las muestras de telas y sus descripciones

hasta 1861. Una lámina de uno de los últimos números

Doble página: No exenta

ofrecen una vívida imagen de los colores y diseños de moda

de The Repository of Arts muestra el exterior del local del

de autopromoción, la revista

y del comercio en la Inglaterra georgiana.

96 Strand en 1827, con londinenses acomodados que

también incluía imágenes de

Ackermann fue un perspicaz hombre de negocios

acudían en masa. El texto informa de que «era de esperar

su tienda londinense, donde

y empresario que supo aprovechar la emergente cultura

que un lugar tan dedicado a las artes se correspondiera,

la presentaba como un espacio

de las compras. Las tiendas aparecen con frecuencia

en apariencia externa y disposición interna, con la

atractivo y moderno.

en la revista y se muestran como elegantes establecimientos

naturaleza de su establecimiento».

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IDEAS ROMÁNTICAS Y NUEVAS TECNOLOGÍAS – PRINCIPIOS DEL SIGLO XIX

IDEAS ROMÁNTICAS Y NUEVAS TECNOLOGÍAS – PRINCIPIOS DEL SIGLO XIX

75

Orfismo: música colorista y color musical El pintor e ilustrador bohemio František Kupka estudió

abstracción. Al igual que Kupka, los Delaunay se

y trabajó en París desde 1896. Le interesaban mucho

interesaron profundamente por la teoría del color, en

la teosofía, el misticismo y la teoría del color, y empezó

particular por la obra de Michel-Eugène Chevreul, así

a hacer del color el tema de muchas de sus obras en los

como por los aspectos espirituales y musicales del color.

primeros años del siglo xx. En su autorretrato de 1907, La

Contrastes simultáneos: Sol y Luna (1912-1913) de Robert

escala amarilla, el artista se sumerge en el color del título,

Delaunay, por ejemplo, es una respuesta a la obra de

visual y simbólicamente, y en un desnudo femenino semiabstracto de 1909, Planos por colores, gran desnudo, revela su interés por el color como herramienta compositiva dominante. En 1909, Kupka leyó el recién publicado Manifiesto del futurismo y le influyeron las ideas del movimiento futurista, así como del cubismo, que conoció casi al mismo tiempo. A partir de ese momento, Kupka abrazó la abstracción y comenzó a crear pinturas que hacían referencia a la teoría del color y a su relación con la música y el movimiento.

En 1912 pintó Discos de Newton (Estudio para una fuga en dos colores), Esta pagína: Ritmo nº 1

en referencia directa a los

de 1938, de Robert Delaunay,

experimentos de Isaac Newton sobre la división de la luz

Michel-Eugène Chevreul On the Law of the Simultaneous

tiene mayor nitidez y claridad

blanca (véanse págs. 12-17). Este cuadro plasma los siete

Contrast of Colors de 1839 (véanse págs. 90-91). Los

que sus obras de la década

colores prismáticos identificados por Newton, así como

Delaunay se convirtieron en los paladines del orfismo,

de 1910, aunque sigue

el blanco, y hay una ausencia total de negro. El resultado

nombre del movimiento acuñado por el poeta francés

ocupándose de los mismos

es un lienzo de colores vivos que parecen totalmente

Guillame Apollinaire en referencia a Orfeo, el artista-poeta

temas, con el color, la música y

impregnados de luz. En la disposición circular de estos

musical del mito griego.

el movimiento como cuestiones

tonos puros, Kupka juega con el formato del diagrama

interrelacionadas. Varias gamas

de Newton, añadiendo una poderosa sensación de ritmo

de la música con todo lo que no fuera la música misma

de colores prismáticos, junto

y movimiento, y creando una convincente impresión de

y la cualidad intangible y óptica del color como cualidad

con gamas tonales acromáticas,

ruedas girando en una brillante luz blanca.

o propiedad. Las composiciones de los Delaunay, como

El orfismo establecía una conexión entre la no relación

las de Kupka, están llenas de discos, líneas curvas y

se incorporan a la composición

Es casi seguro que la obra de Kupka influyó en la pareja

combinaciones de colores que dan a cada lienzo un ritmo

de artistas ucraniano-francesa Robert y Sonia Delaunay,

distinto, totalmente abstraído de la realidad. Sin embargo,

Página siguiente: Discos

mucho más conocida, que se unió a Kupka en la

aunque la conexión entre el color y la música era una fuerza

de Newton (Estudio para una

reintroducción del color puro y espectral en las paletas

motriz en la obra orfista, no era tan literal como la que trazó

fuga en dos colores), 1912,

apagadas y monocromáticas preferidas por los cubistas,

Newton: «El cromatismo de la música y la musicalidad de

de Kupka.

así como en el impulso del cubismo hacia una mayor

los colores solo tienen validez metafórica», admitía Kupka.

cuadrada.

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EL COLOR POR EL COLOR – EL PRINCIPIO RADICAL DEL SIGLO XX

EL COLOR POR EL COLOR – EL PRINCIPIO RADICAL DEL SIGLO XX

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Aprenda cómo se ha registrado y estudiado el color a través del tiempo y descubra cómo este conocimiento ha dado forma a nuestra comprensión del mundo visual.

Desde las investigaciones científicas de Isaac Newton hasta las creaciones experimentales de Olafur Eliasson, este libro explica la fascinante historia del color con una colección de material original que incluye tablas y círculos, paletas de diseñadores y de artistas e imágenes documentales excepcionales; además, rinde homenaje a la sorprendente gama de teorías del color propuestas a lo largo del tiempo y expone la creatividad y diversidad con que se han aplicado estas innovaciones.

Alexandra Loske es historiadora del arte, conservadora y editora, con especial interés por el arte y la arquitectura europeos de finales del siglo xviii y principios del xix. Ha impartido conferencias y publicado numerosos trabajos sobre historia del arte y, en particular, sobre el color. Desde 2015, es conservadora en el Royal Pavilion y en el Brighton Museum.

C008047

ISBN 978-84-10268-91-3

9 788410 268913