Acuarela. Métodos y estilos

Tate alberga la colección nacional de arte moderno y contemporáneo británico e internacional del Reino Unido, y su colección está repartida entre Tate Britain, Tate Modern, Tate Liverpool y Tate St. Ives. Este libro apoya a este grupo de galerías en su misión de fomentar la comprensión y el disfrute del arte entre el gran público.

Aprenda a pintar con el medio más contemplativo y accesible para el artista: la acuarela. Inspírese en pinturas pertenecientes a la colección de la Tate y descubra las técnicas de los maestros de la pintura a la acuarela para mejorar sus propias habilidades.

Acuarela Métodos y estilos

David Chandler

DAVID CHANDLER es un artista y profesor de arte que reside en Frome, Inglaterra. Dirige regularmente cursos de pintura y dibujo, además de impartir conferencias y realizar demostraciones en el Reino Unido y Europa.

Es ganador del Black Swan Open Art Competition y finalista del Holburne Portrait Prize. Es cofundador del Frome Community Education CIC, además de redactor y presentador de Seeing Things, un programa de radio de la comunidad sobre las artes visuales.

Antes de dedicarse a la enseñanza del arte, David fue guionista de teatro y comedia para BBC Radio.

Acuarela

Técnicas de pintura inspiradas por los artistas más influyentes

ENTRE LOS ARTISTAS PRESENTADOS EN ESTE LIBRO SE ENCUENTRAN

Preservamos el medio ambiente • Reciclamos y reutilizamos.

• Usamos papel de bosques gestionados de manera responsable.

ISBN 978-84-18075-91-9

9 788418 075919

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Domine las técnicas y los estilos de destacados artistas con la ayuda de la original serie de la Tate. Cada uno de los títulos de la serie se centra en un medio distinto e invita a los lectores a seguir el ejemplo de artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección.

David Chandler

Paul Cézanne Raoul Dufy Maggi Hambling John Marin Gwen John

J. M. W. Turner Eric Ravilious Paul Sandby John Singer Sargent Paul Klee

14/12/20 10:42

Título original Master Watercolour Edición Alison Starling, Ellie Corbett, Rachel Silverlight, Stephanie Hetherington, Ellen Sandford O’Neill Dirección de arte Ben Gardiner, Tammy Kerr Documentación iconográfica Giulia Hetherington, Jennifer Veall Traducción María Teresa Rodríguez Fischer Revisión de la edición en lengua española Pere Fradera Barceló.

Artista y profesor. Escola Massana, Barcelona

Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2021 © 2021 Naturart, S. A. Editado por BLUME Carrer de les Alberes, 52, 2.º Vallvidrera 08017 Barcelona Tel. 93 205 40 00 e-mail info@blume.net © 2020 Octopus Publishing Group, Londres © 2020 del texto y las ilustraciones David Chandler ISBN: 978-84-18075-91-9 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.

WWW.BLUME.NET Preservamos el medio ambiente. En la producción de nuestros libros procuramos, con el máximo empeño, cumplir con los requisitos medioambientales que promueven la conservación y el uso responsable de los bosques, en especial de los bosques primarios. Asimismo, en nuestra preocupación por el planeta, intentamos emplear al máximo materiales reciclados, y solicitamos a nuestros proveedores que usen materiales de manufactura cuya fabricación esté libre de cloro elemental (ECF) o de metales pesados, entre otros.

Nos sentimos orgullosos de la colaboración con Tate: al dar apoyo a la galería en su misión de promocionar la comprensión y el disfrute por parte del público del arte moderno y contemporáneo.

Técnicas de pintura inspiradas por los artistas más influyentes

Acuarela Métodos y estilos

David Chandler

Contenido 4 Introducción 6 Materiales 9 Consejos y trucos

Trazos

14 Jacob Epstein: cada trazo cuenta 18 David Cox: impresionismo 22 Paul Cézanne: romper la pincelada 26 Frances Hodgkins: fluidez y sentimiento 30 Paul Sandby: textura y complejidad 34 Raoul Dufy: trazos taquigráficos 38 William Henry Hunt: punteado 42 Lucia Nogueira: dar alas a la imaginación

Técnica

48 David Jones: transparencia 52 Thomas Girtin: reservas en el papel 56 John Sell Cotman: veladuras 60 Maggi Hambling: húmedo sobre húmedo 64 Gwen John: el equilibrio de luces y sombras

Color

70 J. M. W. Turner: colores primarios 74 John Singer Sargent: temperatura del color 78 Edward Bawden: armonías de color 82 Charles Rennie Mackintosh: el paisaje como diseño

86 André Derain: color especial 90 Graham Sutherland: textura 94 Evelyn Cheston: colores complementarios

Composición

100 Eric Ravilious: explorar la forma y el contorno 104 John Varley: equilibrio a través de la forma y el valor 108 John Nash: unificar la composición a través del ritmo y el color 112 Francis Towne: simplificación 116 John Marin: abstracción 120 W. G. Gillies: colocar el color correcto en el lugar adecuado

Técnica mixta

126 Anthony Gross: líneas y aguadas 130 Peter Lanyon: puntos de vista múltiples 134 Paul Klee: acuarela y monotipia 138 Arthur Melville: el uso de pintura con cuerpo y acuarelas 142 Glosario 143 Créditos de las ilustraciones y agradecimientos

4 | INTRODUCCIÓN

Introducción El desafío para quien escribe un libro sobre acuarela como este, que utiliza obras famosas en este medio como inspiración, es que estas deben llegar, por diseño, a un resultado al que bien se podría haber llegado por accidente.

La acuarela es un medio bastante impredecible.

Ese charco de agua coloreada, el ingrediente esencial de su próxima obra maestra, está sujeto no solo a los movimientos de la mano, sino a los saltos y quiebros de las cerdas del pincel y a las irregularidades y protuberancias del papel, además de a la gravedad, el calor, la humedad y la tensión superficial del agua en sí misma. Vincent van Gogh declaró con pesar que eran necesarias 27 cabezas para pintar una acuarela y solo realizó unas 150.

John Singer Sargent (véase página 74), por otra parte, pintó unas dos mil, la mayoría sobre Venecia, pero despotricaba frustrado cuando sus colores se emborronaban, incluso cuando con ello conseguía conjurar la escena más exquisita.

Varias décadas más tarde, el pintor plenairista

No se trata tanto de controlar los colores como de alcanzar algún tipo de compromiso con ellos mientras fluyen como la marea sobre el papel, se secan en un tono demasiado oscuro o claro, o bien crean líneas y manchas molestas en lugar de los trazos reveladores que tenía en mente en un primer momento. Los muchos años de pintura con acuarela a mis espaldas me han enseñado dos cosas: a estar muy atento mientras pinto y que, aunque una acuarela pueda estar seca al cabo de 20 minutos, nunca está terminada, solo saturada.

Entonces, ¿por qué pintamos con acuarela?

En primer lugar, porque es rápida y sencilla para iniciarse, además de fácil de transportar.

Sargent llevaba consigo sus colores en sus viajes en góndola por Venecia, del mismo modo que Francis Towne (véase página 112) los llevaba a los Alpes. En segundo lugar, gracias a su implacable transparencia, la acuarela imprime una sutileza fascinante que ningún otro medio puede conseguir, como demuestran los paisajes líricos al tiempo

y orientalista Arthur Melville (véase página 138) mostraba su acuerdo al opinar que gracias a un error era posible realizar un cuadro, mientras que en el siglo xx, el gran pedagogo y maestro moderno Paul Klee (véase página 134) volvió sobre el tema cuando exhortó a sus alumnos de la Bauhaus a «convertir lo accidental en esencial». Podría parecer que, en la acuarela, los accidentes forman parte de ella.

que sobrenaturales de Eric Ravilious (véase página 100). En tercer lugar, la acuarela está compuesta mayoritariamente de agua, constituyente fundamental de la atmósfera. Tanto si contemplamos un atardecer de J. M. W. Turner (véase página 70) como un cuadro de Maggi Hambling (véase página 60), somos conscientes de que el arcoíris de colores que experimentamos es el producto de la luz al pasar a través de gotitas

INTRODUCCIÓN | 5 de agua. De hecho, es la luz la que modula los colores en todos los paisajes, desde aquellos de John Varley (véase página 104) hasta los de John Nash (véase página 108). Es debido a nuestra devoción por la luz y nuestra obsesión con ella que las representaciones puramente topográficas de los primeros maestros como Paul Sandby (véase página 30), con sus infinitos cielos azules, dieron paso a tentativas más subjetivas y románticas como las de Thomas Girtin (véase página 52). Incluso el bodegón de David Cox (véase página 18) es un sutil tributo a la luz que brevemente iluminó un rincón de su despensa.

Si la impredecibilidad es una parte intrínseca de la acuarela, también lo es el paisaje. Aunque existen los retratos (Frances Hodgkins, véase página 26) y los bodegones (William Henry Hunt, véase página 38), la colección Tate refleja una obsesión por el paisaje y cómo proporciona una narrativa de la historia social y política. Edward Bawden (véase página 78), Anthony Gross (véase página 126), John Nash, Eric Ravilious y Graham Sutherland (véase página 90) trabajaron como artistas de guerra, y la devastación de dos grandes contiendas dejó una huella indeleble en su trabajo, ya fuera una carretera rural o una fila de casas destrozadas por las bombas. Las obras llenas de desenfreno y de formas libres de Peter Lanyon (véase página 130) son posibles ejemplos de un artista que luchó contra el fascismo durante cuatro años en la RAF, con la determinación de no verse limitado nunca más.

Mientras tanto, al otro lado del Atlántico, los mundos virtuales de la televisión y el cine usurparon el papel tradicional de la acuarela e impulsaron a los artistas a transgredir los límites del medio en otras direcciones (John Marin, véase

página 116). La innovación y el gran arte radican en estos límites. Las salpicaduras y manchas de Maggi Hambling (véase página 60) y Lucia Nogueira (véase página 42) nos recuerdan que, aunque solo miremos un cuadro, no podemos evitar ver algo más allá. Ese «algo más» es el trabajo de nuestra imaginación y el inicio de nuestro propio viaje creativo.

En este libro aprenderá a aplicar aguadas planas impecables como lo hicieron los primeros maestros de la acuarela; a puntear y manchar como un artista del siglo xix y a salpicar, mezclar medios y experimentar como un pintor contemporáneo.

Puede seguir los ejercicios en el orden que prefiera; al final del libro encontrará un glosario con los términos con los que pueda no estar familiarizado. Y lo que es más importante, intente utilizarlos como punto de partida para sus propias aventuras con la acuarela y no huya de aquellos ejercicios que le puedan parecer extraños, ya que son una invitación a ampliar sus propios horizontes artísticos y a descubrir nuevos enfoques, que le conducirán a la senda del descubrimiento de su propio estilo artístico.

14 | JACOB EPSTEIN

Jacob Epstein: cada trazo cuenta De la misma manera que sus esculturas revelan el trabajo que implica una talla, las acuarelas de Jacob Epstein ponen de manifiesto el proceso de su pintura, cada gesto, cada expresión, cada pincelada.

Al seguir su ejemplo, seremos capaces de dar una nueva vida a un género tradicional y crear un vibrante estudio floral.

PALETA RECOMENDADA Ocre amarillo Amarillo primario Verde de ftalocianina claro Índigo Bermellón

TAMBIÉN NECESITARÁ Papel para acuarela prensado en frío (300 g/m2) Lápices 3H-HB Pinceles de punta redondeada Esponja natural Paleta para mezclar Recipiente con agua

Epstein «vivía y pintaba las flores». Comenzó a de las pinceladas casi febriles que se aplican pintarlas a solicitud de una empresa holandesa sin descanso sobre el papel, lo que da lugar a intensas especializada en antiguos maestros. Con la intención explosiones de color. Las aguadas transparentes de pintar 20 piezas, acabó por producir más de conviven mano a mano con pinceladas espesas 300 en lo que denominó un «frenesí de pintura». y más opacas, mientras que aplica gouache, a Estas flores, muy logradas y exuberantes, menudo mal visto por los puristas de la tuvieron enorme éxito y el mismo acuarela, a discreción siempre que lo Epstein pareció quedar sorprendido considera necesario. De la misma Dalias por este episodio de su vida en el manera, cuando dibuja solo con h. 1936 que renunció a la escultura y llenó el pincel, Epstein parece tener Jacob Epstein su estudio con flores. poco cuidado con las tradiciones acuarela y gouache Las Dalias de Epstein se alejan del medio. Todo es urgencia y sobre papel totalmente de una pintura de flores premura, y llena hasta el último tradicional. Nos acercamos de una rincón del papel con movimiento, manera imposible a las flores, que llenan aunque al mismo tiempo controla el nuestro campo visual y parecen tan conjunto de manera excelente. El escultor que monumentales como cualquiera de sus esculturas. es capaz de dar vida a la piedra consigue lo mismo A pesar de ello, no presentan en absoluto el detalle con el pigmento sobre el papel en una naturaleza de un estudio botánico y, en cambio, somos testigos muerta con flores, que lo es todo menos muerta.

72 | J. M. W. TURNER

1 Añada una pequeña cantidad de rojo de cadmio al amarillo de cadmio para crear un naranja cálido y pálido y, con un pincel plano suave, aplique el color libremente sobre el papel con trazos anchos. La pintura puede parecer un poco débil frente al azul y no cubrirlo todo debido a la superficie no absorbente del papel, pero no se preocupe: deje que esta primera aguada se seque y repita el proceso. La intención es conseguir un color con aspecto diáfano y con capas, que deje entrever zonas de papel azul a través del amarillo.

3 Añada un poco de blanco de China o gouache al naranja para incrementar su opacidad, y aplíquelo sobre el rojo con el fin de otorgar mayor profundidad. Esto es difícil: debe ajustar la consistencia de la pintura a la humedad del papel a la vez que controla el color, y todo ello sin interrumpir el flujo natural de la pintura.

2 Antes de que la segunda aguada esté completamente seca, añada más rojo de cadmio directamente sobre el papel y deje que se funda con el naranja. Mientras esta mezcla esté ligeramente húmeda, intente girar el pincel sobre un lado para crear unos cuantos cirros en lo alto del cielo.

NOTA

Si trabaja desde el hombro y no desde la muñeca, su trabajo adquirirá de inmediato un aspecto más convincente.

4 Ahora que ha creado su «inicio del color turneresco», aplique una línea delgada de azul ultramar francés sobre el papel para crear la línea de la costa. El uso de un pincel para dibujarla quedará más ligero y enérgico que si trabaja con un dibujo a lápiz.

COLORES PRIMARIOS | 73

6

5 Antes de que el ultramar esté totalmente seco, añada un poco de rojo de cadmio al azul ultramar en la paleta y defina los acantilados. Utilice el lateral del pincel para crear formas escarpadas y contornos angulosos.

A continuación, cuando la pintura del pincel comience a aclararse, pinte la zona interior del terreno para sugerir setos y arbustos. Intente que el pincel guíe su paso en este punto y trabaje según lo que va ocurriendo con el papel.

Cargue un pincel rigger (para filetear) pequeño con la mezcla de azul rojizo y realice trazos rápidos sobre los campos para definirlos un poco más. Si permite que la pintura se acumule en unos cuantos lugares. al hacerlo ¡crecerán los árboles! Para los tejados de las casas en primer plano, vuelva al pincel plano, cárguelo con una mezcla de azul rojizo más oscura y aplíquelo brevemente sobre el papel, en forma de ángulo, para trazar una única línea inclinada. Repita creando un zigzag corto. La roca solitaria en el agua es un único trazo interrumpido con el mismo pincel.

Para pintar el sol y su reflejo en el agua, necesita un pincel mediano de punta redondeada y la mezcla de naranja y blanco del paso 3. Para asegurar que el sol fuese perfectamente redondo, me incliné sobre el lienzo y trabajé desde los cuatro puntos cardinales.

Para el reflejo, me imaginé que adornaba mi autógrafo con una floritura vertical.

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Tate alberga la colección nacional de arte moderno y contemporáneo británico e internacional del Reino Unido, y su colección está repartida entre Tate Britain, Tate Modern, Tate Liverpool y Tate St. Ives. Este libro apoya a este grupo de galerías en su misión de fomentar la comprensión y el disfrute del arte entre el gran público.

Aprenda a pintar con el medio más contemplativo y accesible para el artista: la acuarela. Inspírese en pinturas pertenecientes a la colección de la Tate y descubra las técnicas de los maestros de la pintura a la acuarela para mejorar sus propias habilidades.

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David Chandler

DAVID CHANDLER es un artista y profesor de arte que reside en Frome, Inglaterra. Dirige regularmente cursos de pintura y dibujo, además de impartir conferencias y realizar demostraciones en el Reino Unido y Europa.

Es ganador del Black Swan Open Art Competition y finalista del Holburne Portrait Prize. Es cofundador del Frome Community Education CIC, además de redactor y presentador de Seeing Things, un programa de radio de la comunidad sobre las artes visuales.

Antes de dedicarse a la enseñanza del arte, David fue guionista de teatro y comedia para BBC Radio.

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Técnicas de pintura inspiradas por los artistas más influyentes

ENTRE LOS ARTISTAS PRESENTADOS EN ESTE LIBRO SE ENCUENTRAN

Preservamos el medio ambiente • Reciclamos y reutilizamos.

• Usamos papel de bosques gestionados de manera responsable.

ISBN 978-84-18075-91-9

9 788418 075919

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Domine las técnicas y los estilos de destacados artistas con la ayuda de la original serie de la Tate. Cada uno de los títulos de la serie se centra en un medio distinto e invita a los lectores a seguir el ejemplo de artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección.

David Chandler

Paul Cézanne Raoul Dufy Maggi Hambling John Marin Gwen John

J. M. W. Turner Eric Ravilious Paul Sandby John Singer Sargent Paul Klee

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