ENSAYOS

La pandemia comenzó cuando recibí una subvención para trabajar en mi proyecto de moda Ecue-Yamba-O. El trabajo se centró en el cuerpo y la ropa, y la crisis mundial trajo estos temas a un nuevo enfoque. A medida que el coronavirus se extendía por todo el mundo, el cuerpo se convirtió en un arma peligrosa que podría matarnos. Los cuerpos fueron restringidos, aislados y excluidos. Ya no podíamos socializar físicamente; teníamos que mantener la distancia y permanecer en nuestras casas.

Tres años después, y el reciente fallo de la Corte Suprema que revocó la sentencia Roe vs. Wade , que garantizó el acceso de las mujeres al aborto en los Estados Unidos , ha vuelto a colocar al cuerpo en el centro de nuestras vidas. Hay una nueva lucha por su control.

En estos tiempos, la vestimenta, el vestido y el adorno recontextualizados, juegan un papel clave como forma de expresión de nuestros cuerpos. Son herramientas de empoderamiento y subversión, de comunicación de identidad y de imponer respeto.

El proyecto de moda Ecue-Yamba-O es una investigación de cuerpos que celebran entidades superiores utilizando la paz y la alegría. Llamo “superiores” a las fuerzas sagradas y antiguas que viven en mitos, y son figuras de luz. Mi trabajo de performance propone cuerpos hermosos y misteriosos, que son una invitación a ser descubiertos.

El proyecto Ecue-Yamba-O celebra cómo los cuerpos BIPOC y LTBG+ muestran resiliencia, ofreciendo fortaleza frente a la adversidad. Explora la afirmación alegre y el amor propio, documentando la intimidad y la indomabilidad.

Este proyecto es la culminación del interés de toda una vida. He sido migrante en varios países y ciudades a lo largo de mi vida. Cuando era niña, mis padres se exiliaron de la República Dominicana y nos mudamos a Nueva Jersey, E.E.U.U. Me transformé de una hija de clase media alta, a miembro de la clase obrera, con padres que trabajaban en fábricas y ni siquiera hablaban inglés. Mis hermanas y yo nos adaptamos, rápidamente.

Una vez que regresamos a la República Dominicana años más tarde, tuve que adaptarme nuevamente porque, en la costosa escuela preparatoria en la que estaba inscrita, mi inglés de clase obrera me distinguió. En ambos casos, la ropa me ayudó a cambiar el código. A medida que crecía, diseñaba vestidos increíbles copiando la moda de alta costura que encontraba en revistas europeas y estadounidenses, ayudándome a encajar con mis compañeros.

Desde el comienzo de mi carrera como artista, he centrado mi trabajo e investigación en las conexiones históricas y actuales entre las comunidades indígenas y africanas en las Américas, y los efectos de la migración forzada, la explotación, el genocidio, la esclavitud, la evolución en curso, las invenciones y los cambios en la cultura, el arte visual y el lenguaje.

He utilizado la ropa como instrumento con el que conectar el pasado con mi presente y el futuro, una energía que es esencial para mi trabajo. Durante mis años de práctica artística en Nueva Zelanda en la década de 1980, comencé a producir fotográficas performáticas con ropa que me llevó de vuelta a mis raíces dominicanas. Una vez en Miami, durante la década de 1990, creé instalaciones que sirvieron como telón de fondo para mis fotográficas performáticas, donde usaba vestidos y coronas elaboradas en un estilo conectado con la sacerdotisa vudú afrocaribeña y brasileña.

Siempre he sentido que usar cierta ropa me ayudó a crear mi performance y creo que mis prendas son transmisoras de la energía creativa que fluye a través de mi cuerpo. En mi ropa, he hecho uso de la paleta y los patrones que he encontrado en mi investigación, explorando la interacción de materiales y diseños, para darles un nuevo significado. Las fotos de mis performances han sido expuestas en varios espacios, incluyendo una muestra en Barcelona (2001) en la Galeria Senda, Espai 292. durante la exposición, titulada Canto de Sirena.

Mis prendas no solo están ligadas a la imaginería afrorreligiosa, sino que también se conectan con mis raíces indígenas, recurriendo a figuras como el Heyoke, el payaso sagrado, que también está conectado con Elegua, la deidad Orisha de la encrucijada.

Entre mis obras también doy gran importancia a la dinámica estética y espiritual de la tradición festiva del carnaval dominicano/haitiano Gaga/Rara, que tiene herencia común con las tradiciones carnavalescas afrocubanas y afroamericanas.

En Rara, los participantes usan sombreros y collares que están llenos de objetos brillantes. Lazos, cuentas y adornos de colores brillantes que brillan al sol se usan para seducir a los dioses. Las faldas que usan los mayores, están formadas por muchas bufandas de diferentes colores, que representan a la deidad a la que sirven. Las prendas son bendecidas y mantenidas ocultas, solo para ser reveladas cuando comienza su procesión, una forma de marcaje o el mapeo de territorios que permitirá a los peregrinos hacerse presentes y visibles en áreas que generalmente están prohibidas para ellos.

En mi práctica, hago collares que son similares a los collares Rara. También se asemejan a Paquet Congo, objetos espirituales haitianos hechos por sacerdotes y sacerdotisas Vodúm, una colección de ingredientes mágicos -hierbas, tierra, materia vegetal- envueltos en tela y decorados con plumas, cintas y lentejuelas. Paquet congo sirven como objetos de poder y se mantienen en altares vodum para ser utilizados en ceremonias de curación. También se utilizan como amuletos protectores en los hogares de las personas que aportan salud, riqueza y felicidad.

Muchos años haciendo prendas y collares me han enseñado que mi interés por la moda no es el de marcar la ropa y venderla, sino más bien llevarla y celebrar los trabajos de otros que también crean prendas y adornos para marcar espacios, para hacerse visibles. Quiero mostrar que la ropa puede ser una herramienta de resistencia, que puede ayudarte a navegar y subvertir un sistema difícil creado para mantenerte en su lugar e invisible, permitiéndote cambiar de código en tales espacios. Este proyecto también me ha inspirado a colaborar con un grupo de artistas que desafían y se involucran con la moda y sus características subversivas, reflejando un punto de vista BIPOC. Alimentó mi interés en explorar cómo el trabajo de cada artista se relaciona con los demás, sugiriendo usos alternativos de la moda que atraviesan nuestro presente, difunden formas futuras de conocimiento, centran la curación colectiva y forjan nuevos vocabularios que apuestan por nuestro lugar en la sociedad.

Lo que es bello siempre ha estado en el ojo del espectador: la belleza se ha definido históricamente como una negación de lo que es diferente, la fuente de reacciones hostiles, repulsiones violentas, miedo e incluso terror. El conocimiento de esto me llevó a buscar moda disidente que busque identificar y analizar la relación entre moda y alteridad, expresiones cotidianas que resignifican lo feo y, al mismo tiempo, resaltan la lógica y las construcciones de la sociedad contemporánea. Este proyecto busca examinar la relación entre la religióny el poder, y cuestionar su alcance en la cultura local y global actual. Esta conversación continuará - so, el final de este proyecto es solo el comienzo de otro - de un proyecto más amplio e inclusivo, en el que nos reunimos con otros para explorar y celebrar.

La inquietud contemporánea adquiere todos los matices y tensiones en las obras de los artistas de la región, pero en la de Charo Oquet irrumpen con fuerza mayor por su propia existencia dentro de un potente espacio triangular, definido por un trazo imaginario sobre las Antillas Mayores y el sur de los Estados Unidos. Habituados como estamos en esta parte del mundo a las triangulaciones críticas, la de Las Bermudas por ejemplo por solo mencionar las geográficas; la configuración donde se sitúan las tensiones artísticas de su obra, han desplazado en algunos grados el equilátero para mantener su vértice en Miami, donde reside la artista, y colocar la base de esa figura simbólica en la isla compartida por Haití y República Dominicana, tierra –esta última - donde Charo nació. Surgida en esas coordenadas socio-culturales, la obra de la artista se distingue por su madurez conceptual y por un laboreo artístico muy personal dentro del panorama actual del Caribe. Interesa en sus ensamblajes, el uso de objetos y otros recursos que desplazan sus significados originales y adquieren nuevos valores en la trayectoria humanizada de su manipulación artística, no solo como parte misma del proceso creador sino también por las nuevas funciones - estéticas y comunicativas - que establecen en el espacio y con los espectadores. El manejo del reciclaje en sus instalaciones, está auténticamente situado en ese triángulo de tensiones donde se modifica la definición común de los objetos. Desde una mirada cruzada, su obra se sitúa entre el Miami de la deslumbrante acumulación y el atrayente consumismo, y las bases del triángulo donde el uso y re-uso de lo ya usado forma parte del mundo cotidiano de la pobreza doméstica y del mercado informal. La artista revisita esos universos y opera – conscientemente - con las cargas de sus medios artísticos, con todas las energías que conservan, con la memoria de la que son portadores. Así se lanza al misterioso viaje de la imaginación con una sorprendente capacidad creadora. Al emplear lo que en Miami se desborda en los pulgueros: ropas, peluches…, y resituarlos en sus estructuras visuales, se invierten sus valores para evocar – críticamente - a sus opuestos en el ámbito de la precariedad y el deterioro. Una reinversión mágica de sentido entre el aquí y el allá de ese triángulo de fuerzas que la artista maneja a su antojo, situado en un eje norte-sur con todas sus implicaciones en el mundo global. En esa zona de tensión circulan también las ancestrales fuerzas de las divinidades venidas de África. Con las diásporas antillanas, en sus desplazamientos legales e ilegales, han viajado los seres espirituales de todos los que desde las islas los transportaron consigo, en esa geografía, no física, sino cultural. La gente se ha llevado sus imaginarios, sus universos de referencia, y ellos están allí, en el espacio de recepción. La artista se apropia de esos valores e inmersa en la teatralidad del performance, su cuerpo se cubre de vestimentas simbólicas y tras el acto - con sus travestismos y figuraciones -, se construye un momento liberador del sujeto, emancipatorio para los espíritus, indagatorio sobre la identidad de género al legitimar ciertos roles femeninos en sus formas de ver y entender el mundo proveniente de ese universo mítico. El viaje de estas creencias si bien resulta un espacio de contacto con las fuerzas sobrenaturales, genera un lugar de solemne espiritualidad muy sensible en sus obras que emana de la cultura popular. Charo muestra una profunda conexión con su país de origen y sus conflictos contemporáneos con sus problemáticas políticas y sociales, entre ellas, la territorialidad y los límites fronterizos al interior de la isla compartida por su impacto y significación en los imaginarios raciales y culturales de los dos lados del margen. Charo no evade estas circunstancias y se implica, por eso su obra trasciende, y permanece en la zona crítica del triángulo, con su arte comprometido que no descuida la tenaz presencia de la memoria como cualidad esencial en la complejidad del lenguaje de estos tiempos.

Ciudad de México, 30 de septiembre de 2015