ARRIVAL - A group exhibition

Arrival ~ a group exhibition

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JUAN ZURITA IN HIS STUDIO IN LYON, FRANCE 4

MATHEW TOM – Mot du Commissaire

{English to follow} "Ayant grandi en tant qu’américain d'origine asiatique, je me suis souvent senti frustré par le manque de représentation de la diaspora asiatique dans les médias et l'art. En 2002, alors que j'étais en première année d'université, j'ai enfin vu un film qui mettait en scène des américains d'origine asiatique confrontés à leurs propres difficultés : Better Luck Tomorrow. Avant cela, je n'avais connu les visages asiatiques qu'à travers le cinéma de Hong Kong, qui ne reflétait pas nécessairement mes expériences personnelles ou celles de mes amis.

Heureusement, la représentation asiatique a connu une renaissance au cours des vingt dernières années, depuis ce film. Il est réconfortant de constater que les gens sont désormais plus ouverts à l'idée d'entendre et de voir l'expérience complète de la diaspora asiatique en Occident, et de voir comment les expériences individuelles de chacun façonnent leur vision du monde dans leurs œuvres d'art et leurs films.

En tant que métisse chinois et blanc, j'ai souvent l'impression d'être coincé entre deux mondes. J'ai un lien profond avec la culture asiatique, mais je ne parle pas chinois et mon apparence est beaucoup plus occidentale qu'orientale. Je me demande parfois si je ne fais pas semblant, ou si je peux même prétendre faire partie de l'expérience asiatique américaine. Cependant, je sais que ce sentiment de déplacement culturel est une expérience courante au sein de la diaspora asiatique dans les pays occidentaux.

Ce sentiment de lutte culturelle peut donner naissance à des œuvres d'art uniques qui n'existeraient pas autrement. C'est pourquoi je suis ravi de réunir autant d'artistes talentueux pour cette exposition. C'est une idée que je voulais poursuivre depuis longtemps, et je suis reconnaissant de la voir se concrétiser. » Né en Floride (États-Unis), Mathew Tom a obtenu une maîtrise en beaux-arts à Goldsmiths, Université de Londres (2011), un certificat post-baccalauréat en peinture à l'École de l'Institut d'art de Chicago (2008) et une licence en peinture à l'Université de Floride centrale (2007). Tom a beaucoup exposé aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Inde, en Europe et en Asie, notamment dans le cadre des expositions collectives Mapping Detours, Chitrakoot Art Gallery, Kolkata (2014), INCUBARTE, Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, Valencia, Espagne (2013), Wunderkammer, Hoxton Art Gallery, Londres (2012), et Lucky 13, Gene Siskel Film Center, Chicago (2007). Parmi les expositions individuelles récentes, citons He Knows He Is Not Real à la Royal Acedemy, Londres (2014), Perfect Future, B93 Space, Enschede, Pays-Bas (dans le cadre d'une résidence) et Welcome to Paradise, Hoxton Art Gallery, Londres (toutes deux en 2012). Tom vit et travaille à Brooklyn, NY.

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MATHEW TOM – Curator’s Statement “Growing up as an Asian American, I have often felt frustrated by the lack of representation of the Asian diaspora in media and art. When I was a freshman in university back in 2002, I finally saw a movie that featured Asian Americans dealing with their own struggles - Better Luck Tomorrow. Prior to that, my exposure to Asian faces was primarily through Hong Kong cinema, which didn't necessarily reflect my own personal experiences or those of my friends.

Thankfully, there has been a renaissance of Asian representation over the past 20 years since that film. It's heartening to see that people are now more open to hearing about and seeing the full experience of the Asian diaspora in the West, and how everyone's individual experiences shape their worldview in their artworks and films.

As someone who is mixed Chinese and white, I often feel like I'm stuck between two worlds. I have a deep connection to Asian culture, but I don't speak Chinese, and my appearance is much more Western than Eastern. I sometimes wonder if I'm a pretender, or if I can even claim to be part of the Asian American experience. However, I know that this feeling of cultural displacement is a common experience among the Asian diaspora in Western countries.

This sense of cultural struggle can lead to unique works of art that might not exist otherwise. That is why I am thrilled to bring together so many talented artists for this exhibition. It's an idea I've wanted to pursue for a long time, and I'm grateful to see it come to fruition.”

Born in Florida, USA, Mathew Tom received his MFA Fine Art at Goldsmiths, University of London (2011), Post-Baccalaureate Certificate in Painting at the School of the Art Institute of Chicago (2008), and BFA Painting at the University of Central Florida (2007). Tom has exhibited extensively throughout the US, UK, India, Europe and Asia, including group shows Mapping Detours, Chitrakoot Art Gallery, Kolkata (2014), INCUBARTE, Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, Valencia, Spain (2013), Wunderkammer, Hoxton Art Gallery, London (2012), and Lucky 13, Gene Siskel Film Center, Chicago (2007). Recent solo exhibitions include He Knows He Is Not Real at the Royal Acedemy, London (2014), Perfect Future, B93 Space, Enschede, Netherlands (as part of a residency) and Welcome to Paradise, Hoxton Art Gallery, London (both 2012). Tom lives and works in Brooklyn, NY.

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Mathew Tom Cherries (Magenta), 2023. Huile sur lin / Oil on linen. 12” x 12”

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Mathew Tom Mirror Mirror, 2022. Huile sur lin / Oil on linen. 22” x 26”

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FABIAN JEAN Fabian Jean vit et travaille à Montréal. Il est diplômé avec distinction du programme Studio Arts de l'Université Concordia et boursier du ministère des Affaires culturelles du Québec. Il a présenté des expositions individuelles à Montréal, Toronto et Halifax et a participé à plusieurs expositions collectives au Canada, notamment à Rideau Hall, à Ottawa.

Les œuvres de Jean figurent dans des collections publiques et privées, notamment celles du ministère des Affaires extérieures (ambassade du Canada à La Haye), du Musée du Québec, de la Banque royale du Canada, du Summit Maritime, de l'hôpital Royal Victoria et de la Banque d'œuvres d'art du Conseil des Arts du Canada.

"Le titre du tableau évoque l'idée que les choses absentes peuvent laisser des traces de leur présence. Le tableau tisse et fait flotter des éléments de l'histoire de l'art de l'Europe et de la Chine. Les références à l'art occidental comprennent des fleurs peintes de l'âge d'or hollandais, un chapeau noir et blanc de la Renaissance italienne, ainsi qu'une forme moderne de René Magritte "découpée" avec le ciel qui apparaît à travers. Les références culturelles asiatiques comprennent un paysage peint de la dynastie Song, une boule de puzzle chinoise et un rocher d'érudit. Au centre de la peinture se trouve la forme d'un renard, un animal qui a eu diverses significations symboliques au cours de l'histoire. Dans cette œuvre, il s'agit peut-être de l'animal dont on sait qu'il est actif principalement au crépuscule et à l'aube, un moment entre la nuit et le jour, ou un moment "entre deux mondes". En fin de compte, le tableau est une image de rêve, cohérente et logique à sa manière, laissant au spectateur le soin d'en tisser le sens".

Fabian Jean lives and works in Montreal. He is a graduate with distinction from Concordia University's Studio Arts program and a grant recipient from the Québec Ministry of Cultural Affairs. He has had solo exhibitions in Montreal, Toronto and Halifax and has been included in several group exhibitions throughout Canada including, Rideau Hall, Ottawa.

Jean’s work can be found in public and private collections, including the Department of External Affairs (Canadian Embassy – The Hague), Musée du Québec, Royal Bank of Canada, Summit Maritime, the Royal Victoria Hospital and the Canada Council Art Bank.

“The title of the painting infers an idea that absent things can leave traces of their presence. The painting weaves and floats art historical elements from Europe and China. References to western art include painted flowers from the Dutch Golden Age, a black and white hat from the Italian Renaissance, to a modern René Magritte “cut-out” form with the sky showing through. Asian cultural references include a Song Dynasty painted landscape, a Chinese puzzle ball and a scholar’s rock.

Central to the painting is a shape of a fox, an animal which has various symbolic meanings through history. Perhaps, in this work, it’s the animal noted to be active mainly at dusk and dawn, a time between night and day, or a time “between two worlds”. Ultimately, the painting is a dream image, coherent and logical in its own way, leaving the viewer to weave meaning.”

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Fabian Jean Absence as Presence, 2023.

Huile et acrylique sur panneau avec lin / Oil and acrylic on linen panel. 40” (d).

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(DETAIL)

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GLORIA HOUNG Les œuvres récentes de Gloria Houng sont des documentations photographiques de moments encadrés et recadrés qui se situent entre le narratif et le performatif. Ces photographies ne sont pas manipulées numériquement - ce sont des photographies " directes ". Sur le plan narratif, elles englobent de manière ambiguë des événements qui relèvent à la fois du récit de voyage et de l'autobiographie. Sur le plan de la performance, ce sont des actions volontaires qui reflètent des dialogues intérieurs. Il s'agit souvent de photographies de photographies, créant une confusion délibérée dans la construction spatiale de ce qui est représenté. Les œuvres sont des fenêtres sur un monde intimement contextualisé.

Gloria Houng (née dans l'État de Washington, États-Unis) a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à Goldsmiths, Université de Londres, en 2012. Elle est également diplômée en sculpture et en littérature anglaise, respectivement de la School of Visual Arts de New York et de l'université de Californie à Berkeley. Ses photographies, vidéos et sculptures documentent souvent des actions performatives et l'absurde autobiographique. Parmi ses expositions récentes, citons LACDA 2014 International Juried Competition, LACDA, Los Angeles, CA ; Die Lange Nacht der Museen, Gerichtshöfen, Berlin, DE ; et Up and Coming, organisée par Kids of Dada, Hoxton Gallery, Londres, UK. La série de photographies et de vidéos Hello _____ est une exploration performative de la juxtaposition des souvenirs d'enfance de l'attachement ludique au personnage-jouet fictif japonais Sanrio Hello Kitty avec des recherches "adultes" sur les stéréotypes, l'identité et la représentation des femmes asiatiques. Légèrement absurdes et légèrement menaçantes, ces œuvres tentent d'évoquer un espace vide hypothétique entre les rêves et les cauchemars.

Gloria Houngʼs recent artworks are photographic documentations of framed and reframed moments that straddle the narrative and performative. These photographs are not digitally manipulated - they are “straight” photographs.

Narratively, they ambiguously encompass events that are part- travelogue, part- autobiographical. Performatively, they are willful actions that mirror interior dialogues. They are often photographs of photographs, creating a deliberate confusion in the spacial construction of what is depicted. The works are windows onto an intimately contextualized world.

Gloria Houng (born Washington State, U.S.A.) completed her MFA in Fine Arts degree at Goldsmiths, University of London in 2012. She also has degrees in Sculpture and English Literature respectively from the School of Visual Arts in New York City and the University of California, Berkeley. Her photographs, videos and sculpture often document performative actions and the autobiographical absurd. Recent exhibitions have included: LACDA 2014 International Juried Competition, LACDA, Los Angeles, CA; Die Lange Nacht der Museen, Gerichtshöfen, Berlin, DE; and Up and Coming, curated by Kids of Dada, Hoxton Gallery, London, UK. The Hello _____ series of photographs and videos is a performative exploration of the juxtaposition of childhood memories of playful attachment to the Japanese Sanrio fictional character-toy Hello Kitty with “adult” investigations into Asian women stereotypes, identity, and representation. Slightly absurd and mildly menacing, these works attempt to invoke a hypothetical void-space between dreams and nightmares.

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Gloria Houng Hello Atlantic City, 2013. Épreuve à l’encre / Archival inkjet print. 50 x 70 cm. Ed. 3

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Gloria Houng Hello Sorrento, 2013. Épreuve à l’encre / Archival inkjet print. 50 x 70 cm. Ed. 3

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PHUONG NGUYEN Née et élevée à Tkaronto (Toronto), Phuong Nguyen est une artiste visuelle basée à Tkaronto qui travaille la peinture à l'huile figurative et le tissage expérimental. Nguyen utilise ces médiums pour explorer les thèmes de la découverte de soi à travers l'auto-tokenisme et la fantaisie en se référant à l'esthétique et à l'histoire de la Chinoiserie. Récemment, Nguyen a présenté une exposition solo au TAP Artspace (Montréal, 2023) et a reçu des subventions du Conseil des arts de Toronto (2022), du Conseil des arts de l'Ontario (2023) et du Conseil des arts du Canada (2023). Ses œuvres ont trouvé leur place dans des collections privées à travers le Canada. Nguyen est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université OCAD (2014). « A Party of Parts" et "Moon and Tiger" font partie d'un ensemble d'œuvres en cours qui explorent l'histoire de la Chinoiserie, de l'auto-tokenisme et des connaissances diasporiques avec de la peinture à l'huile et du tissage expérimental. La Chinoiserie est un style de design réalisé par des Européens pour créer une porcelaine de "style asiatique" destinée à un public européen. Historiquement, elle a capté l'imagination des Européens qui croyaient que l'Asie était une terre exotique et fantastique. La reconstruction de pièces cassées de chinoiserie et l'ajout de peinture à l'huile et d'éléments ornementaux reflètent mon intérêt pour le symbolisme, l'auto-tokénisme en tant que véhicule de compréhension de soi, et ce que signifie transformer l'expérience, la culture et l'histoire en objets sur un plan 2D. »

Born and raised in Tkaronto (Toronto), Phuong Nguyen is a Tkaronto-based visual artist working in representational oil painting and experimental weaving. Nguyen uses these mediums to explore themes of self discovery through self-tokenism and fantasy by referencing the aesthetics and the history of Chinoiserie. Recently, Nguyen has had a solo show with TAP Artspace (Montreal, 2023) and is a recent recipient of grants from the Toronto Arts Council (2022), the Ontario Arts Council (2023), and the Canada Council for the Arts (2023). Her work has found home in private collections across Canada. Nguyen holds a BFA from OCAD University (2014).

“A Party of Parts” and “Moon and Tiger” are a part of an ongoing body of work that explores the history of Chinoiserie, self-tokenism, and diasporic knowledge with oil painting and experimental weaving. Chinoiserie is a style of design made by Europeans to create “asian-style” porcelain in a way meant for a European audience. Historically it has captured the European imagination of what they had believed Asia to be- a fantastical exotic land. The reconstruction of broken pieces of chinoiserie and the addition of oil painting and ornamental elements reflect my interests in tokenism, self-tokenism as a vehicle for self-understanding, and what it means to turn experience, culture, and history into objects on a 2D plane.”

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Phuong Nguyen A Party of Parts, 2023.

Cadre trouvé, ficelle en plastique, corde, porcelaine cassée, résine, huile sur panneau / Found frame, plastic twine, string, broken porcelain, resin, oil on panel. 11.25” x 9.5” 20

Phuong Nguyen Moon and Tiger, 2023.

Cadre trouvé, ficelle en plastique, corde, porcelaine cassée, résine, huile sur panneau / Found frame, plastic twine, string, broken porcelain, resin, oil on panel. 15.5” x 12.25” 21

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HANNAH LIM Hannah Lim, née en 1998, est une artiste londonienne qui travaille sur la sculpture, l'installation et le dessin. Elle a obtenu une licence en sculpture à l'université d'Édimbourg et une maîtrise en beaux-arts à l'école d'art Ruskin de l'université d'Oxford. Elle a récemment présenté des expositions individuelles à Edinburgh-Printmakers et à la Huxley-Parlour Gallery, tout en participant à des expositions collectives à la Royal Scottish Academy et à Bloomberg New Contemporaries. Elle a récemment été chargée par Tate Collective de créer une sculpture dans le style de sa "Snuffle Bottle Series" pour le Mois de l'histoire des femmes. Elle est actuellement l'artiste en résidence de Pangolin London pour 2022-2023. « J'ai toujours été intriguée par la complexité, la fonctionnalité et la beauté des flacons de tabac à priser, depuis que je les ai découverts pour la première fois dans la collection chinoise du V&A lorsque j'étais enfant. Chaque fois que je visitais un musée au Royaume-Uni, il semblait y avoir une collection dynamique de flacons de tabac à priser dans les sections consacrées à l'Asie de l'Est ; ils sont devenus pour moi un emblème visuel de mon héritage chinois et britannique. Les flacons de tabac à priser étaient des objets très personnels, à la fois détaillés et fonctionnels, qui tenaient dans la paume de la main. En 2020, j'ai commencé à développer une série de sculptures inspirées par les motifs complexes que j'avais vus sur de nombreuses bouteilles de tabac à priser. Mes propres œuvres, qui ressemblent à des bouteilles de tabac à priser, sont beaucoup plus grandes que les modèles traditionnels, souvent anthropomorphisées avec des bras et des jambes et, surtout, elles ne contiennent pas de tabac à priser. Au départ, ces œuvres ont été conçues pour documenter et enregistrer certains aspects de mon héritage, mais au fil du temps, elles ont fini par refléter différents points de ma recherche. Au cours des derniers mois, j'ai exploré la nature à la fois ornementale et animée de ces objets. J'ai lu une série de textes chinois classiques, notamment "The Classics of Mountains and Seas", une anthologie mythologique et géographique de la Chine ancienne, et "Tales of a Chinese Studio" de Pu Songling. J'ai utilisé les objets, les créatures et les paysages enchantés trouvés dans ces textes comme source d'inspiration pour ma série la plus récente de flacons à priser, en fusionnant les créatures et leurs récits pour former mon propre processus de narration sculpturale. » Hannah Lim (b.1998) is a London based artist working between sculpture, installation and drawing. She received her BA in sculpture from the University of Edinburgh and her MFA from The University of Oxford’s Ruskin School of Art. She has recently had solo shows with Edinburgh Printmakers and Huxley-Parlour gallery whilst also exhibiting in group shows with The Royal Scottish Academy and Bloomberg New Contemporaries. She was recently commissioned by Tate Collective to create a sculpture in the style of her ‘Snuff Bottle Series’ for Women’s History Month. She is currently Pangolin London’s artist in residence for 2022-2023.

“I have always been intrigued by the intricacy, functionality and beauty of snuff bottles ever since I first came across them in the Chinese Collection at the V&A as a child. It seemed every time I visited a museum in the UK there always seemed to be a vibrant collection of snuff bottles in the East Asian sections, they became for me a visual emblem of my Chinese and British heritage. Snuff bottles were quite personal objects, detailed yet functional, they could fit inside the palm of your hand. In 2020 I begun a project where I started developing a series of sculptures inspired by the intricate designs I had seen on so many snuff bottles. My own snuff bottle-like works are far larger than the traditional designs, often anthropomorphised with arms and legs and most notably, they don’t contain snuff. Initially these works were designed in a way to document and record certain aspects of my heritage, overtime they’ve come to reflect different points in my research. In the last few months I’ve been exploring the ornamental yet animate nature of these objects.

I’ve been reading a series of Classical Chinese texts, including ‘The Classics of Mountains and Seas’; an ancient Chinese mythological-geographical anthology and Pu Songling’s ‘Tales of a Chinese Studio’. I’ve been using the enchanted objects, creatures and landscapes found within these texts as inspiration for my most recent series of snuff bottles, merging the creatures and their narratives to form my own process of sculptural storytelling. ”

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(dos / back)

Hannah Lim Fiery Xixi-Fish Snuff Bottle, 2023.

Argile polymère, jesmonite, résine brillante / Polymer clay, jesmonite, resin gloss, 8 x 11 x 5 cm

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(dos / back)

Hannah Lim Jade Phoenix Snuff Bottle, 2023.

Argile polymère, jesmonite, résine brillante /Polymer clay, jesmonite, resin gloss, 17 x 20 x 12 cm

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(dos/back)

Hannah Lim Flamed Qilin Snuff Bottle, 2023.

Argile polymère, jesmonite, résine brillante /Polymer clay, jesmonite, resin gloss, 16 x 19 x 11 cm

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Hannah Lim Lion Jewel, 2023. Huile et acrylique sur panneau / Oil and acrylic on wood 42.5 x 30 x 1 cm 28

Hannah Lim Little Mirror, 2023. Huile et acrylic sur panneau / Oil and acrylic on wood 42.5 x 30 x 1 cm 29

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FLORENCE SOLIS L'histoire du manananggal, comme beaucoup de contes populaires, comporte des sous-entendus historiques influencés par la colonisation espagnole des Philippines. Les Espagnols, qui cherchaient à imposer le catholicisme aux tribus indigènes, associaient les dirigeantes, telles que les chamanes et les prêtresses, à des sorcières, inspirant ainsi la peur à la population.

Cette tactique visait à saper et à supprimer le pouvoir et l'influence de ces figures féminines au sein de leurs communautés. À bien des égards, le manananggal reflète la lutte permanente pour l'évolution du rôle des femmes dans la société contemporaine, où l'acceptation de ces transformations reste incomplète et où tant de choses sont encore liées au concept de reproduction.

Dans l'œuvre "Spring at Midnight", la figure incarne à la fois la peur et la fascination qui entourent le manananggal. Elle révèle les peurs, les angoisses et les tabous sociétaux profondément enracinés qui entourent le corps, l'autonomie et les capacités de reproduction des femmes. Les mèches en cascade, qui s'étendent pour dissimuler sa véritable forme. La figure de la manananggal, avec sa capacité à se détacher et à voler, remet en question les notions conventionnelles de féminité et s'oppose aux contraintes imposées par les rôles traditionnels des hommes et des femmes. Son existence nous rappelle les tensions non résolues qui entourent l'évolution du rôle des femmes dans la société, où l'acceptation et l'autonomisation sont encore des concepts en évolution.

Papaya Bath est un commentaire sur une pratique et une croyance profondément ancrées dans la culture philippine, l'utilisation du fruit de la papaye pour éclaircir la peau a persisté à travers les générations, acquérant un statut mythique. Considérés comme une forme de monnaie sociale dans les Philippines coloniales, les avantages associés à une peau plus claire se sont répandus dans la diaspora philippine, laissant une marque indélébile sur les perceptions culturelles de la beauté. Cette peinture satirique illustre l'absurdité de l'abondance des produits blanchissants à base de papaye vendus aux Philippins à la peau brune, principalement aux femmes. La peinture sert de commentaire sur la nature paradoxale de ce phénomène. D'une part, l'obsession de la peau claire perpétue une hiérarchie sociétale, dans laquelle les personnes au teint plus clair sont souvent considérées comme plus attirantes, plus prospères et mieux acceptées par la société. D'autre part, elle expose les failles inhérentes à un système qui valorise et perpétue l'idée que la valeur d'une personne est déterminée par la couleur de sa peau.

The story of the manananggal, like many folktales, carries historical undertones influenced by the Spanish colonization of the Philippines. The Spaniards, seeking to enforce Catholicism among the indigenous tribes, associated female leaders, such as shamans and priestesses, with witches, thereby instilling fear in the people. This tactic aimed to undermine and suppress the power and influence of these female figures within their communities.

In many ways, the manananggal serves as a reflection of the ongoing struggle for women's evolving roles in contemporary society, where acceptance of these transformations remains incomplete, and where so much is still tied to the concept of reproduction.

In the piece “Spring at Midnight”, the figure encapsulates both the fear and fascination surrounding the manananggal. It reveals the deeply ingrained fears, anxieties, and societal taboos surrounding women's bodies, autonomy, and reproductive capabilities. The cascading locks, extending to conceal her true form. The figure of the manananggal, with her ability to detach and fly, challenges conventional notions of womanhood and pushes against the constraints imposed by traditional gender roles.

Her existence reminds us of the unresolved tensions surrounding the changing roles of women in society, where acceptance and empowerment are still evolving concepts.

Papaya Bath is a commentary on the practice and belief deeply entrenched in Filipino culture, the use of papaya fruit for skin lightening has persisted throughout generations, acquiring a mythical status. Considered a form of social currency in colonial Philippines, the advantages associated with having lighter skin permeated the Filipino diaspora, leaving an indelible mark on cultural perceptions of beauty. Illustrated in this satirical painting is the absurdity of the abundance of papaya whitening products peddled to brown-skinned Filipinos, mainly women. The painting serves as a commentary on the paradoxical nature of this phenomenon. On one hand, the obsession with fair skin perpetuates a societal hierarchy, wherein those with lighter complexions are often considered more attractive, successful, and socially accepted. On the other hand, it exposes the inherent flaws in a system that values and perpetuates the idea that one's worth is determined by the colour of their skin.

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Florence Solis Spring at Midnight, 2023. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 24” x 30” 32

Florence Solis Papaya Bath, 2023. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 36” x 36” 33

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WINNIE SIDHARTA Winnie Sidharta est une peintre indonésienne d'origine chinoise installée dans le Queens, à New York. Elle a exposé dans des galeries et des musées internationaux, de l'Indonésie à la Chine et aux États-Unis, en Californie, en Caroline du Sud, en Pennsylvanie, en Ohio et à New York. Elle a étudié la communication visuelle en Indonésie et la peinture à Pékin, en Chine. En 2010, elle a obtenu une maîtrise en peinture et dessin à l' Université de l’Ohio, où elle a enseigné avant de s'installer à New York en 2014.

Sidharta fait appel à son histoire personnelle et à sa conscience culturelle pour construire une image hybride hollandaise-chinoise et javanaise. Le corpus d'œuvres qui en résulte soulève des questions sur l'intersection entre l'expérience individuelle et l'enregistrement de l'histoire, et sur la manière dont ces intersections sont ensuite comprises à travers les cultures.

Avec sa série de carreaux, Winnie Sidharta crée une bande de film fragmentée de la mémoire collective à travers les récits perdus et les archives familiales imprégnées dans son travail. Ses carreaux permettent à la qualité vivante et mutable de l'image peinte de véhiculer des scènes émotives de deuil et de conflit, révélant les réalités déchirantes du traumatisme post-colonial indonésien et les universalités humaines intrinsèques qui clignotent sous la surface de ses propres vignettes de couleur cobalt et vert noirci.

Le travail de Sidharta porte sur l'assimilation, l'immigration et la manière dont l'une influe sur l'autre. Ses collages vibrants ont l'effet d'un feuillage luxuriant et ses carreaux archivent un souvenir personnel crucial de la vie à Java, en Indonésie. Elle prolonge l'héritage des artisanes et des souvenirs complexes du temps, de la mémoire et de l'identité, et honore la force de ses ancêtres dans ses carreaux peints de manière complexe.

Winnie Sidharta is a Chinese Indonesian painter based in Queens, New York. She has exhibited in galleries and museums internationally, from Indonesia to China and across the United States, in California, South Carolina, Pennsylvania, Ohio, and New York. She studied Visual Communication Design in Indonesia and Painting in Beijing, China.

In 2010, she received her MFA in Painting and Drawing from The Ohio State University and later taught there before settling in New York City in 2014.

Sidharta accesses personal history and cultural consciousness to construct a hybrid Dutch-Chinese and Javanese image.

The resulting body of work raises questions around the intersection of individual experience versus the record of history, and how these intersections are subsequently understood across cultures.

Through her tile series, Winnie Sidharta creates a fragmented film-strip of collective memory through the lost narratives and family archives imbued in her work. Her tiles allow the living, mutable quality of the painted image to carry emotive scenes of grief and conflict, revealing the harrowing realities of Indonesian post-colonial trauma and the intrinsic human universalities that flash below the surface of her own cobalt and blackened green vignettes.

Sidharta’s work considers assimilation, immigration, and how one informs the other. Her vibrant collages have the effect of lush foliage and her tiles archive a crucial personal recollection of life in Java, Indonesia. She extends a legacy of craftswomen and complex recollections of time, memory, and identity and honors the strength of her ancestors in her intricately painted tiles.

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The Observer, 2023

The Old House and Cat, 2023

Through Her Eyes, 2023

The Open Window, 2023

Winnie Sidharta Aquarelle, acrylique et cire sur plâtre monté sur panneau / Watercolor, acrylic and wax on plaster mounted on panel 36 8” x 8”

The Procession, 2023

The Antique Dealer, 2023

The Couple, 2023

The Blackout, 2023

Winnie Sidharta Aquarelle, acrylique et cire sur plâtre monté sur panneau / Watercolor, acrylic and wax on plaster mounted on panel 37 8” x 8”

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KYUNG SOON PARK Kyung Soon Park a obtenu son BAA à Sheridan et travaille comme illustratrice primée depuis 2007. Ses illustrations ont été publiées en Suisse, en Angleterre, en France, aux États-Unis et au Canada, notamment dans le magazine ARTMAZE. Les œuvres de Kyung sont intimes, apaisantes et en quête de sens. Les personnages se promènent parmi les fleurs et les arbres et se réconfortent les uns les autres. Le sentiment de tristesse et de nostalgie est transcendé par la guérison et la connexion. Les personnages se tournent vers des espaces lointains ou se regardent les uns les autres, ce qui implique des voyages personnels de la mémoire et de l'identité. « La peinture est un moyen de revisiter la maison que j'ai quittée il y a de nombreuses années et qui n'existe plus dans le monde réel. J'essaie toujours de trouver une réponse à ma question : pourquoi ne me sens-je pas à ma place là où je vis au Canada ? J'ai du mal à trouver ma pleine identité dans les deux cultures. » Kyung Soon Park received her BAA from Sheridan, and has worked as an award-winning illustrator since 2007. Kyung’s illustrations have been published internationally in Switzerland, England, France, US and Canada, including ARTMAZE Magazine.

Kyung’s work is intimate, calming and searching. Figures wander among the flowers and trees and comforting each other. Transcending the sense of sadness and longing is one of healing and connection. Figures turn to looking at distant spaces or each other, implying personal journeys of memory and identity.

“Painting is a gateway to revisit the home I left many years ago which doesn’t exist anymore in the real world. I am still trying to find an answer for myself - why don’t I feel like I belong where I live in Canada. I struggle to find my full identity in both cultures.”

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Kyung Soon Park When I Dream, I Dream of You, 2023. Huile sur toile / Oil on canvas. 36” x 36” 40

Kyung Soon Park Dialogue, 2023. Huile sur toile / Oil on canvas. 36” x 36” 41

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TUAN VU Tuan Vu évite délibérément de rechercher la forme idéale, reconnaissant que la spontanéité de ses gestes et les apparentes "erreurs" qu'il commet conduisent souvent à la création de quelque chose d'unique et d'extraordinaire. Ses œuvres sont la projection de ses pensées, de son état d'esprit, de son subconscient, et prennent vie au fur et à mesure qu'il se laisse guider par son intuition.

S'inspirant de certains des artistes les plus renommés au monde, tels que Gauguin, Bonnard, Redon et Peter Doig, Tuan Vu utilise une riche palette de couleurs pour créer des œuvres qui ne sont pas seulement frappantes sur le plan visuel, mais qui suscitent également une profonde réflexion. Son art invite le spectateur à explorer différentes couches de signification, reflétant souvent sa propre quête d'identité dans un monde marqué par des bouleversements environnementaux, sociaux et économiques.

Ses souvenirs d'enfance au Viêt Nam sont un thème fréquent dans son travail, avec des paysages naturels luxuriants et des palmiers apparaissant dans bon nombre de ses œuvres. Ces images, qu'elles soient vibrantes et flamboyantes ou dépouillées et fragiles, servent souvent d'indices au message sous-jacent de l'œuvre. L'eau joue un rôle important dans les œuvres de Tuan Vu. Non seulement l'eau est une ressource vitale pour la vie sur Terre, mais sa relation avec la conscience et la spiritualité a été explorée tout au long de l'histoire dans de nombreuses cultures.

Tuan Vu deliberately avoids seeking the ideal form, recognizing that the spontaneity of his gestures and the apparent "mistakes" he makes often lead to the creation of something unique and extraordinary. His artwork is a projection of his thoughts, his state of mind, and his subconscious, taking on a life of its own as he allows himself to be guided by his intuition.

Drawing inspiration from some of the world's most renowned artists, such as Gauguin, Bonnard, Redon, and Peter Doig, Tuan Vu uses a rich palette of colors to create works that are not only visually striking but also deeply thought-provoking. His art invites the viewer to explore different layers of meaning, often reflecting his own quest for identity in a world marked by environmental, social, and economic turmoil.

His childhood memories of Vietnam are a frequent theme in his work, with lush natural landscapes and palm trees appearing in many of his pieces. These images, whether vibrant and flamboyant or stripped down and fragile, often serve as clues to the underlying message of the artwork. Water plays an important role in Tuan Vu's artwork. Not only is water a vital resource for life on Earth but its relationship with consciousness and spirituality has been explored throughout history in many cultures.

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Tuan Vu Sous le Marronnier, 2023. huile sur toile / Oil on canvas. 72” x 63” 44

Tuan Vu Nymphs and Satyr (After William Bouguereau), 2023. huile sur toile / Oil on canvas. 36” x 24” 45

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