November 2025 Legal Pad (SPANISH)

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Noviembre 2025

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Ashima Yadav Xóchitl García Penélope Gray Ángela Tomás Luciana (Micaela) Arauz Nelly Mujica

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Compilado por: Serena Herrera

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Diciembre: 1st: Café de estudio (9th) 4th: Winter Wonderland (9-12th) 15th: Bolsas de obsequios (estudiantes nuevos) y noche de repaso del ACP (9th) 20-4th: Vacaciones de invierno

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Nota de la editora

Queridos lectores,

Había algo en el aire ese día que resultaba familiar para quien llega en diciembre. Por desgracia, fue fugaz, pero trajo consigo recuerdos. El invierno se acerca a nuestro humilde umbral, y lo recibiremos con los corazones abiertos. Este cambio de estación recuerda la transformación que experimentó el arte entre los siglos XIV y XVIII. Esta ensoñación ha inspirado a nuestros artistas y escribas a crear obras novedosas, como nunca antes se habían visto.

Pocos placeres se comparan con disfrutar del último y delicioso número de Legal Pad. En esta edición, junto con mis estimados compañeros, les invitamos a dar rienda suelta a su creatividad e imaginación.

Nos hemos inspirado en épocas pasadas y hemos abrazado su grandeza y dramatismo. ¡Contemplen! Mis colegas escritores y yo hemos reunido una maravillosa colección de artículos (y obras de escritura creativa) que se ajustan perfectamente a este tema. Realizamos una profunda exploración del arte de estas épocas («El arte a través de los siglos», «¿Odiaban los artistas medievales a los gatos?», «La moda en el Renacimiento» y «De la Reconquista al Renacimiento: la época dorada de España»), exploramos los aspectos más oscuros de la historia («¡Que coman pasteles!», «Oscilando entre la libertad y el control: las mujeres en el siglo XVIII» y «Lo que la historia olvidó: recordando los baños de gasolina en la frontera») y ofrecemos a nuestros lectores algunas obras de escritura creativa («Ser amado por un creador» y «El regalo del iris: la Guerra de las Rosas»).

Al disfrutar de esta edición, aprecia con atención el arte y la creatividad que te rodean. La próxima vez que te topes con una obra fascinante, investiga su historia y empápate de ese conocimiento. El poder de la sabiduría no es un don que todos tengan la dicha de poseer.

Atentamente, Micaela Arauz

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El Arte Atraves del Tiempo Por: Ashima Yadav

¿Alguna vez has recorrido una galería, admirando imágenes de capillas ornamentadas con tapices, retratos de mujeres con vestidos victorianos donde se podían contar todas las joyas y esculturas hiperrealistas talladas en mármol macizo, solo para doblar la esquina y encontrarte con salpicaduras de pintura sobre un lienzo o una fruta pegada a la pared? Es una escena que a muchos en el siglo XXI les resulta desconcertante, preguntándose por qué tantos artistas se han alejado de los dibujos académicamente detallados para crear imágenes aparentemente aleatorias y sencillas, sin percatarse de la profundidad que esconden. El arte se ha transformado drásticamente a lo largo de las décadas y, con cada año que pasa, continúa redefiniendo el significado de la belleza.

IMAGINA EL PASADO El arte en la Edad Media y el Prerrenacimiento tenía una definición muy distinta a la actual. Los artistas no eran considerados innovadores ni inventores, sino artesanos que se limitaban a cumplir encargos. Muchos nobles adinerados contrataban artistas para que pintaran sus retratos o diseñaran réplicas de intrincadas estructuras arquitectónicas, como las pinturas de la Capilla Sixtina. El valor de este arte no radicaba en la creatividad del artista, sino en la habilidad con la que plasmaba una representación realista de una persona o lugar ya existente. A menudo, estas obras tenían valor intrínseco si eran conocidas o expresaban devoción religiosa, como capillas e iglesias. El valor de estos diseños se atribuía en gran medida a los materiales empleados, ya que frecuentemente se enmarcaban en oro o incorporaban piedras preciosas.

Por consiguiente, los artistas se esforzaban por crear piezas con gran atención al detalle, que se asemejaran a la vida real de una manera visualmente atractiva, más que por transmitir un mensaje. Se utilizaban técnicas para incorporar luces y sombras, así como la coordinación de diferentes tonalidades, para crear una obra dramática centrada en la narración. El público valoraba las habilidades del artista, que transcribían de forma realista el mundo que les rodeaba en lugar de crear un mundo propio, pero esto estaba cambiando rápidamente.

NUEVA PERSPECTIVA A medida que el arte evolucionó durante el Renacimiento y la Revolución Industrial, los artistas fueron reconocidos como innovadores e intelectuales, y no solo como artesanos. Hoy en día, el arte suele ser una expresión del artista. A menudo se utiliza para expresar sentimientos y opiniones personales sobre cuestiones conceptuales o movimientos mundiales. Los artistas crean a partir de temas que les apasionan, la belleza que perciben en la vida y su interpretación personal del mundo que les rodea. En lugar de basarnos en los materiales empleados, comenzamos a definir el valor por la interpretación y la originalidad de la creación. Fue entonces cuando el arte realmente empezó a adquirir autonomía y los artistas comenzaron a crear sus obras independientemente de mecenas.

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MARCOS CAMBIANTES

Esto cambió la percepción visual del arte, así como los valores que el público apreciaba. El arte popular desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX ya no requería una formación clásica; de hecho, muchos inversores valoraban más a los artistas autodidactas que a los de formación académica, ya que poseían técnicas más originales que las estandarizadas y enseñadas mundialmente. El arte moderno rechazó los enfoques tradicionales y se centró en cómo el arte podía representar el mundo contemporáneo. Visualmente, gran parte de este arte era menos detallado, lo cual se debe a la difusión actual del arte a través de imágenes y medios de comunicación, en lugar de las galerías y exposiciones tradicionales. Para los artistas, resulta más rentable producir arte conceptual que conecte con un público amplio y sea fácilmente reproducible, que una obra compleja que reciba menos reconocimiento en una galería especializada.

OJO DEL ESPECTADOR

Tras el declive del arte moderno alrededor de 1940, el arte contemporáneo, que caracteriza nuestra era actual, cobró protagonismo. El arte contemporáneo se centra ahora en el significado más que en la estética.

Aborda los acontecimientos sociales y políticos y sirve como comentarista de temas que a menudo pasan desapercibidos. Esto incluye disciplinas como el arte de performance, que utiliza el cuerpo del artista como medio y constituye un híbrido entre la performance artística y el arte tradicional.

También abarca el arte de instalación, en el que el público vive una experiencia inmersiva al recorrer un espacio diseñado para evocar ciertas emociones. Muchos critican el arte contemporáneo y moderno argumentando que es fácil y carece de maestría, o que solo busca provocar reacciones de asombro o espectáculo en lugar de fomentar la apreciación. Gran parte de esta crítica se basa en los valores que se le otorgan al arte. Mucha gente aún juzga el arte por su técnica y habilidad, y por la dificultad que supuso su creación, en lugar de por la originalidad de un concepto o idea. Este tipo de arte es similar a la fotografía, en la que el manejo de un dispositivo no es la parte impresionante o artística de una fotografía inmersiva, sino más bien la planificación y ejecución para lograr una escena que un artista imaginó.

Tanto si prefieres pinturas con gran atención al detalle como obras conceptualmente complejas, existen infinidad de formas de arte por explorar.

Al fin y al cabo, la belleza es subjetiva, y lo que para otros es una simple mancha en la pared, para ti podría ser una experiencia fascinante.

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Entre la libertad y el control: LAS MUJERES EN EL SIGLO XVIII Por: Xochitl Garcia

La misoginia se disfraza de muchas maneras, a menudo entretejida en seda y encaje, o en los volantes color crema de los puños de un caballero que la aprisionan, aunque él esté lejos de ser gentil. Brilla en el negro lustrado de sus zapatos, imponiendo autoridad en el suelo.

Habita en los corsés desgastados y no tan delicados que moldean el silencio de una mujer tanto como su cintura. Sin embargo, la moda es solo un hilo en un tapiz mucho más extenso. Pero ¿qué es exactamente la misoginia y cómo se relaciona el sexismo con ella? La misoginia es más que simple aversión; es el profundo desprecio o prejuicio contra las mujeres que perpetúa el poder patriarcal. El sexismo, por otro lado, es el sistema de creencias y comportamientos que privilegian a un género sobre otro, justificando a menudo la subordinación de la mujer como algo natural.

Ambos estaban entretejidos en el tejido social y cultural del siglo XVIII, una época en la que la misoginia no solo se expresaba verbalmente, sino que se bordaba, se plasmaba en la pintura y se escribía en la vida cotidiana.

Como advirtió en una ocasión John Wilmot, segundo conde de Rochester: «No confíes en esa cosa llamada mujer: es peor que todos los ingredientes de una maldición juntos». Sus palabras reflejan una sociedad que alababa la belleza de las mujeres a la vez que dudaba de su intelecto. La misoginia moldeó la cultura del siglo XVIII, dejando patrones que aún resuenan hoy.

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AUTORIDAD Y OBEDIENCIA

El sexismo estaba normalizado en el derecho, la religión y la vida cotidiana. El historiador Geoffrey Pimm, en *El abuso violento de las mujeres en la Gran Bretaña de los siglos XVII y XVIII*, explica que la violencia doméstica a menudo se consideraba una parte rutinaria del matrimonio. Las leyes favorecían sistemáticamente a los maridos, permitiéndoles «corregir» a sus esposas, un término que encubría la crueldad. Las enseñanzas religiosas reforzaban esta autoridad. El reverendo George Bird declaró que si una esposa se negaba a obedecer, el marido estaba justificado «por la ley de Dios» para usar el castigo físico para imponer la obediencia. Incluso en casos extremos, como la muerte de Elizabeth Samways en 1624, asesinada a golpes por su marido, las autoridades legales a menudo hacían la vista gorda.

Expertos legales como William Blackstone señalaron que el derecho inglés permitía a los maridos «dar una corrección moderada», mientras que el derecho galés permitía explícitamente tres golpes con un palo de escoba. Estas reglas y creencias no solo sancionaban la autoridad masculina, sino que también reforzaban la subordinación de la mujer.

CREENCIAS CIEGAS La misoginia no solo era impuesta por los hombres, sino que las propias mujeres a menudo la internalizaban y la perpetuaban. Este fenómeno se conoce como misoginia internalizada. Ocurre cuando las mujeres adoptan las creencias sexistas de su sociedad, lo que en última instancia moldea su comportamiento y expectativas. En *The Lady’s Companion* (1743), se instruía a las mujeres a complacer a sus maridos, administrar el hogar con discreción y evitar cualquier signo de independencia. El Dr. John Gregory, en *A Father’s Legacy to His Daughters* (1774), aconsejaba que el valor de una mujer radicaba en la obediencia y el cuidado del hogar. Estos textos revelan cómo las normas sociales adiestraban a las mujeres para aceptar la desigualdad, creando hábitos y creencias que reforzaban las creencias patriarcales desde dentro.

LA VISTA Y EL JARDÍN El arte reflejaba estas mismas dinámicas.

El Columpio (c. 1767) de Jean-Honoré Fragonard, una pintura rococó lúdica y ornamentada, representa a una joven columpiándose en un jardín exuberante, empujada por un hombre mayor mientras su amante la observa desde abajo.

Ambientada en un jardín frondoso, detalles lúdicos como el zapato volador de la mujer y un perro que ladra realzan la sensación de movimiento y espontaneidad, demostrando la maestría técnica de Fragonard.

En su ensayo «Construcciones lúdicas y las escenas de columpios de Fragonard», Jennifer Milam señala que la pincelada suelta y el tono desenfadado de Fragonard concuerdan con el énfasis del rococó en el placer y la sensualidad. Sin embargo, algunas críticas feministas, como Claudia Hart, interpretan «El columpio» como un símbolo de la objetivación de la mujer.

Como señala Hart, «el cuerpo femenino en la pintura está objetivado, y se proyecta una mirada voyeurista sobre la obra». La vulnerabilidad de la mujer, su vestido levantado y la mirada masculina ponen de relieve el control patriarcal sobre la sexualidad y la autonomía femeninas.

LA VOZ DE LA RECISTENSIA Aun en medio de la misoginia sistémica, las mujeres resistieron y alzaron la voz.

Phillis Wheatley, una mujer africana esclavizada, se convirtió en la primera afroamericana en publicar un libro de poesía, desafiando los prejuicios raciales y de género. Su intelecto y creatividad florecieron a pesar de un mundo que buscaba silenciarla. En tiempos más recientes, diseñadoras como Vivienne Westwood han desafiado las normas restrictivas a través de la moda, incorporando mensajes políticos, androginia y diseños que empoderan a las mujeres en lugar de limitarlas.

TEl legado de la misoginia del siglo XVIII está presente en el derecho, el arte, la cultura y en las propias expectativas sobre cómo las mujeres debían moverse, vestir y pensar. Moldeó la forma en que la sociedad definía el valor de la mujer y reforzó las jerarquías de género. Al examinar las normas domésticas, las creencias internalizadas, las representaciones artísticas y los actos de resistencia, comprendemos mejor la opresión y la resiliencia que caracterizaron la época. La misoginia persiste, pero también las voces que la resisten.

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Renacimiento LA ÉPOCA DORADA DE ESPAÑA Por: Nelly Mujica

El Renacimiento —un renacimiento de la literatura, el arte, la cultura y el poder— se extendió por Europa, llenó sus muros de historias épicas e inspiró mentes con nuevas ideas. España, en pleno auge junto a Italia, experimentó su propio renacimiento en esta época de belleza y ambición, dando origen a artistas y exploradores que moldearon su Siglo de Oro. Este Siglo de Oro abarca aproximadamente los siglos XVI y XVII, desde el Renacimiento hasta el Barroco, y se caracteriza por su brillantez tanto literaria como artística.

Tras casi 800 años de conflicto durante la Reconquista, España se unificó finalmente bajo el reinado de Fernando e Isabel, monarcas de Castilla y Aragón, con la derrota del reino musulmán de Granada en 1492. Esta estabilidad política propició el auge del poder político, la exploración y el florecimiento cultural, sentando las bases del Siglo de Oro español. Los artistas españoles fusionaron el humanismo —una concepción que valora el potencial y los logros del ser humano— con la creatividad, dejando un legado que perdura hasta nuestros días.

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HACIA LA CONQUISTA Ese mismo año, el humanista Antonio de Nebirha publicó la Gramática de la lengua castellana (La primera gramática de la lengua española), proporcionando a España las herramientas para definir su cultura a través de las palabras.

La exploración también expandió la influencia de España. A principios del siglo XVI, Hernán Cortés escribió las Cartas de Relación al emperador Carlos V, donde describía su exploración de Tenochtitlán (los aztecas) y justificaba su conquista ante el rey. Estas cartas reflejaban la creciente influencia y ambición de España, mostrando cómo el humanismo renacentista influyó en el desarrollo cultural e intelectual de la nación.

POETAS Y PICARESCAS Los autores españoles plasmaron ideales humanistas en sus obras. Garcilaso de la Vega (1501-1536) celebró la vida en sus sonetos, haciendo hincapié en el carpe diem (aprovecha el día). En «En tanto que rosa de y azucena», instó a sus lectoras —en su mayoría jóvenes españolas de tez pálida— a disfrutar de la juventud y la belleza antes de que el tiempo las marchite. Casi al mismo tiempo, la novela anónima Lazarillo de Tormes (1554) sentó las bases de la novela picaresca, un género que narra las aventuras de un personaje pícaro que sobrevive gracias a su ingenio en una sociedad corrupta, satirizando la jerarquía social y la corrupción. En conjunto, estas obras ilustran cómo el Renacimiento español exploró tanto la belleza idealizada como las realidades de la experiencia humana.

DEL RENACIMIENTO AL BARROCO A finales del siglo XVI, la literatura española comenzó a transitar del optimismo del Renacimiento al estilo barroco, EN EL LIENZO conocido por su elaborado detalle, El arte español reflejó los logros literarios, drama y enfoque llevando el humanismo renacentista a la en la complejidad época barroca. El Greco, cuyo estilo fusiona de la vida. la técnica renacentista con la expresión barroca, empleó figuras alargadas, una iluminación dramática y colores vibrantes Luis de Góngora (1561-1627) contrastó el para evocar emociones, creando escenas alegre «carpe diem» de Garcilaso con el que celebran la intensidad de la vida. Diego «memento mori», que significa «recuerda Velázquez, pintor de la corte del rey Felipe que has de morir», recordando a los lectores IV, combinó realismo y minucioso detalle en la brevedad de la vida. Miguel de Cervantes obras como Las Meninas, retratando la vida (1547-1610) reflejó este cambio en Don cotidiana e insinuando la fugacidad de la Quijote de la Mancha, combinando humor, juventud y el estatus. realismo e idealismo para explorar la aspiración humana frente a la realidad.

La literatura y el arte españoles del Estas obras muestran cómo los escritores Renacimiento celebraron conjuntamente el españoles pasaron de celebrar la vida a humanismo y la creatividad. Estas obras, reflexionar sobre su impermanencia, sin dejar junto con muchas otras, constituyen un de lado los ideales humanistas. legado de conocimiento, imaginación e

FEMINISTA ADELANTADA A SU TIEMPO

inspiración que sigue influyendo en el mundo actual.

Al otro lado del Atlántico, el espíritu del Renacimiento llegó al México colonial. Sor Juana Inés de la Cruz, una brillante erudita y monja, utilizó sus escritos para criticar las normas sociales y explorar los comportamientos humanos, lo cual fue especialmente notable dadas las estrictas reglas de la vida conventual.

En su famoso poema «Hombres Necios Que Acusais», expone la hipocresía de los hombres que culpan a las mujeres por faltas que ellos mismos fomentan. Con una argumentación ingeniosa y un lenguaje sofisticado, examina tanto el amor como la conducta humana, poniendo de relieve la doble moral a la que se enfrentan las mujeres y ofreciendo una aguda crítica social. Sus obras combinan ingenio, lógica y una gran capacidad de observación, demostrando cómo, incluso en la vida restringida de una monja, pudo crear obras que reflejan la perdurable influencia del Siglo de Oro español durante el Barroco.

Sor Juana Inés de la Cruz, pintura de Miguel Cabrera, c. siglo 18

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Colores y Clase:‌

LOS COSTOSOS COLORES DEL RENACIMIENTO

Por: Penelope Gray

Durante el Renacimiento, el color de la vestimenta era una declaración de privilegio y poder. Cada tonalidad en la túnica de un noble o en el lienzo de un pintor mostraba a los demás campesinos y siervos de las clases bajas la inmensa riqueza que les separaba de ellos. Detrás de cada pigmento existía un sistema de trabajo, química y comercio que determinaba quién podía permitírselo.

LA CIENCIA DETRÁS DE LAS TONOS DESOMBRA

La producción de pigmentos en los siglos XV y XVI requería una gran habilidad y acceso a materiales que solían ser difíciles de obtener. Tanto artistas como tintoreros dependían de minerales, plantas e incluso insectos para crear los tonos que se apreciaban en el arte y la vestimenta de la época.

Aunque en los museos puedan parecer apagados hoy en día debido al paso del tiempo, en aquel entonces eran vibrantes símbolos de riqueza. Sin pigmentos sintéticos, cada tono provenía de recursos que debían extraerse y refinarse a mano. El esfuerzo y la escasez de pigmentos convirtieron el color en una barrera económica.

El azul ultramarino ocupaba el primer lugar en la jerarquía de pigmentos. Elaborado con lapislázuli extraído en Afganistán, se transportaba a Europa a través de las rutas comerciales venecianas.

Convertir la piedra en pigmento utilizable requería numerosos ciclos de lavado y la selección manual de las partículas más vibrantes. El proceso era tan costoso que los pintores a menudo cobraban un extra a sus clientes por incluir este color en sus retratos. El ultramarino se utilizaba en las vestimentas de la Virgen María y en retratos de personas adineradas.

El rojo tenía connotaciones similares. Los rojos comunes provenían de minerales como el ocre, pero los tonos más intensos requerían tintes de insectos. El kermes, producido en el sur de Europa, era de un carmesí profundo, mientras que la cochinilla de América era de un rojo aún más intenso.

Quienes podían permitirse estos tintes los usaban para mostrar su prestigio y autoridad.

Frank Duveneck, Dama del sombrero rojo (Retrato de Maggie Wilson), finales del siglo XIX, Museo de Arte de Dallas. Fue un pintor influyente que introdujo una nueva libertad en la aplicación de la pintura.

Fotografía de Ashima Yadav

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Al igual que el rojo, el verdadero púrpura también se obtenía de organismos vivos, no de la piedra. Los tintes de púrpura auténtico provenían de los caracoles marinos murex, una fuente laboriosa y costosa durante el Renacimiento. Incluso cuando aparecieron imitaciones más baratas, el púrpura legítimo siguió siendo un lujo reservado para la clase alta. Muchas ciudades reforzaron esa exclusividad mediante leyes de vestimenta que limitaban quién podía usar ciertos colores.

Así de en serio se tomaba el gobierno de la época esta división de clases por el color de las túnicas de la gente.

¿POR QUÉ LOS RICOS POSEÍAN EL ESPECTRO DE COLORES

La producción de pigmentos era una cadena de ciencia y comercio que requería mano de obra y precisión. Cada color dependía de materiales escasos y conocimientos especializados. El ultramarino requería tanto geología como química; el carmesí, entomología y química de tintes; el púrpura dependía de reacciones químicas a la luz solar.

Estos tediosos procesos conferían a dichos colores una exclusividad que los convertía en símbolos de estatus.

Las rutas comerciales también añadieron niveles de control para las clases altas. Los mercaderes de Venecia y Génova dominaban el mercado de pigmentos, importando minerales de Asia y tintes de África y América.

Cada transferencia, del minero al comerciante y de este al artista, aumentaba los márgenes de beneficio. Los mecenas que encargaban pinturas o prendas de vestir con colores vivos pagaban a las redes comerciales globales tanto como al propio artista.

Las fórmulas de pigmentos y tintes eran custodiadas por gremios y transmitidas de generación en generación dentro de las familias. Un tintorero exitoso era valioso porque pocos podían replicar los resultados que solo él conseguía. Los fracasos eran costosos, y un solo error podía arruinar toda una tanda. Ese riesgo convertía la producción de color tanto en un experimento químico como en un oficio reservado para la clase alta. La elección de las telas reforzaba esta división.

La lana o el lino gruesos absorbían mal el tinte y se decoloraban rápidamente. Las sedas y los terciopelos finos retenían el color profundamente, pero solo los ricos podían permitirse tales textiles. Esta combinación de ingredientes raros, ciencia compleja, mano de obra especializada y telas de lujo convirtió el color en un símbolo de dominio económico y social.

EL LEGADO DE COLORES COSTOSOS Las fórmulas de pigmentos y tintes eran custodiadas por gremios y transmitidas de generación en generación dentro de las familias. Un tintorero exitoso era valioso porque pocos podían replicar los resultados que solo él conseguía.

Los fracasos eran costosos, y un solo error podía arruinar toda una tanda. Ese riesgo convertía la producción de color tanto en un experimento químico como en un oficio reservado para la clase alta. La elección de las telas reforzaba esta división. La lana o el lino gruesos absorbían mal el tinte y se decoloraban rápidamente. Las sedas y los terciopelos finos retenían el color profundamente, pero solo los ricos podían permitirse tales textiles. Esta combinación de ingredientes raros, ciencia compleja, mano de obra especializada y telas de lujo convirtió el color en un símbolo de dominio económico y social.

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¿ODIARON LOS ARTISTAS MEDIEVALES LOS GATOS? Por: Micaela Arauz

La mente humana es verdaderamente maravillosa. Es lo que nos distingue de todas las demás especies del planeta Tierra. A partir de carbón, agua y tiza, creamos pintura que decoraba el interior de las cuevas, formando ilustraciones que contaban historias.

Luego, esta evolucionó a resina mezclada con pigmentos, que cubría uniformemente un pincel de cerdas al tocar suavemente el lienzo. Las pequeñas pinturas se convirtieron en murales. Cada obra de arte contenía más y más detalles. Ahora, es fácil contemplar con asombro las pinturas medievales y preguntarse cómo fueron capaces de crear algo tan bello. Pero de vez en cuando, nos vemos obligados a mirar dos veces, no por la belleza de la pintura en sí, sino por un felino representado de forma peculiar.

Charles Webster Hawthorne, ¡Sardina!, 1903, Museo de Arte de Dallas Fotografía de Ashima Yadav

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Con suerte, esa imagen no te incomodó demasiado. Lamentablemente para nuestros ingeniosos amigos felinos, muchos artistas medievales no compartían nuestra visión sobre los gatos. Las obras de arte antiguas, especialmente durante la Edad Media, exageran los objetos de forma simbólica para transmitir elementos morales o culturales. Muchos artistas no buscaban el fotorrealismo, sino plasmar su mensaje. En aquella época, existía mucha desconfianza hacia los gatos. A menudo se les asociaba con las fuerzas oscuras, el diablo e incluso la brujería. Por eso, si miramos más allá de su apariencia peculiar, podemos apreciar cómo los gatos pintados tenían un toque de picardía.

Antes de esto, los gatos eran amados por los antiguos griegos, romanos y egipcios. A menudo se les tenía en alta estima en sus religiones. Los antiguos egipcios veían a los gatos como compañeros mutuamente beneficiosos. En su arte, con frecuencia se les representaba sentados en sillas o jugando. Los gatos también eran momificados y enterrados junto a sus dueños, lo que sugiere su importancia en el más allá. En la mitología griega y romana, los gatos se asociaban con deidades como Artemisa, Diana y Apolo, ya que eran símbolos de caza y protección. Con la expansión del cristianismo en Europa, el arte también comenzó a reflejar la religión. Los gatos, que una vez fueron tan venerados y amados, pasaron a ser considerados símbolos demoníacos.

Además, los primeros artistas carecían de mucha práctica. En la Edad Media, no se hacía mucho hincapié en comprender la anatomía animal con la suficiente precisión como para representarla en sus obras. Esto se debía, en parte, a que la exactitud anatómica no era el objetivo principal. Como ya se ha dicho, los artistas medievales preferían enfatizar el simbolismo y la estilización. Asimismo, los gatos no se domesticaban con tanta frecuencia como los perros o los caballos, por lo que no se les representaba con la misma frecuencia.

Sin embargo, superamos este obstáculo artístico y, muy pronto, los gatos parecían, bueno, gatos, en lugar de horribles seres peludos con rostros ligeramente humanos. La próxima vez que acaricies a tu gato, tómale una foto o, si eres artista, haz un boceto. Agradece que tu querido gato no haya tenido que ser retratado como este pobre animal.

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Regalo de Iris;

Guerra de las Rosas By: Angela Thomas Noche tras noche, las noticias de la guerra nunca dejaban de asombrarme.

Siempre es como si estuviéramos ganando, luego perdiendo, luego perdiendo de nuevo. Ahora, probablemente no pasará mucho tiempo antes de que los milaneses derriben nuestras murallas. Aunque debo admitir que estoy asustado hasta cierto punto, tener otro gobierno corrupto no cambiará nada. El padre nunca fue un buen gobernante. A veces, incluso era un tirano.

He visto todas las cuerdas que mueve sin esfuerzo para conseguir lo que quiere. Es una locura verdadera.

Dos golpes en la puerta de la encina, luego tres.

"Duquesa Alexandria, ¡su madre la necesita de inmediato!" ¿Estás preparada?

"Sí, sí, me estoy preparando."

Excepto que no me estaba preparando. De hecho, ni cerca. En su lugar, me senté en el alféizar de mi ventana, prestando atención vagamente a los campesinos y plebeyos que deambulaban por el pueblo. Uno vendía tomates con una fila llena de clientes, y otro vendía especias que habíamos comprado en España. Cómo un campesino consiguió tales especias, no lo sé.

Quizás era un comerciante o mercader.

Con un pie adelante, me levanté del alféizar de la ventana. Me aseguré de que ninguna de mis pilas de libros se hubiera caído. Me puse la camarra, luego el vestido y el corsé. Normalmente, mis sirvientas me ayudaban con el corsé, pero como mi madre estaba ocupada con ellas, no pedí ayuda. El vestido de hoy era blanco con un escote dorado bajo y bordados. Era de terciopelo con una forma de campana hacia el suelo, lo que a veces dificultaba caminar. Sentada en mi tocador de roble, me maquillé. El color de la base era blanco puro, como el cuarzo. Luego, el rubor para mis mejillas y labios era un rojo profundo y potente. Había más maquillaje en mi tocador, pero no estaba segura de cómo usarlo sola, así que ignorarlo parecía la mejor opción.

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DPor el pasillo del palacio, las sirvientas trabajan frenéticamente. Algunas estaban limpiando, otras estaban puliendo o cosiendo ropa. Llegué a la mesa de la cena, donde mi madre, Eleanor, estaba sentada. Mapas del frente de guerra y cartas estaban esparcidos por todas partes. Madre me mira, su expresión facial pasa de estresada a encantada.

"Alexandria, mi amor!" Ven a sentarte.

Me siento y las sirvientas traen un poco de chocolate especiado. Mi madre comienza a hablar, principalmente en toscano, luego a veces cambiando al español. Primero habló sobre el Padre, luego sobre el Rey Enrique VII (a quien odiaba con pasión) y luego sobre los árboles de Camila. Parecía feliz, lo que me tranquilizaba más de lo habitual. No habíamos hablado en un tiempo desde que comenzó la guerra y el Padre se fue. Estaba demasiado ocupada con los asuntos del estado.

Entonces llega la declaración.

El príncipe austriaco ha comenzado a buscar esposa.

"Supongo que sí."

"No sigues enamorada de ese caballero, ¿verdad?"

Mi sangre se heló. Me quedé en silencio, sin saber qué decir. ¿Cómo se enteró? ¿Se enojó por eso? Podía sentir cómo mi corazón caía en el olvido. Tal vez estaba pensando en el caballero equivocado, tal vez estaba bromeando, tal vez— "¿Alejandría?"

Silencio.

Como sospechaba, ella empezó a regañarme sin parar.

Su taza de chocolate de jazmín se enfriaba cada vez más mientras hablaba.

Habló sobre el deber; lo mínimo que podía hacer era ayudar a conseguir otra alianza para la familia. Siempre me pareció inusual cómo, a pesar de conocer el estado de la guerra, ella era tan optimista. En unas pocas semanas, ¡ni siquiera podría estar viva para casarme con un príncipe estúpido!

Me levanté de mi asiento y corrí, dejando atrás las voces de mi madre y las criadas. No podía —no, me niego— a casarme con alguien a quien nunca podría amar.

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¡QUE COMAN PASTEL! Por: Penelope Gray Cuando la hambruna recorrió las calles de Francia y los pobres pasaban hambre, una sola frase mostró la crueldad de la corona. "Que coman pasteles." Desapegada y fría, mostraba cuán diferentes eran realmente las calles de París y los brillantes salones de Versalles. Ya fuera pronunciada con arrogancia o indiferencia, la frase dejaba al descubierto la actitud de una monarquía que había perdido todo sentido de deber hacia su pueblo. María Antonieta estaba en el centro de esta caída. Sin embargo, no hay pruebas de que la reina haya dicho la ahora famosa cita. De hecho, ella solo tenía nueve años cuando JeanJacques Rousseau lo escribió en referencia a una "gran princesa". A pesar de esto, la afirmación sigue siendo un buen resumen de su reinado. A medida que el país se hundía más en la deuda y el hambre, el mundo de la reina seguía siendo uno de vestidos de seda, grandes banquetes y jardines privados, muy alejado del sufrimiento de la nación más allá de los muros de su palacio.

Para los franceses, "que coman pasteles" se convirtió en una acusación hecha por una clase gobernante que ignoraba su sufrimiento y trataba sus necesidades como trivialidades irritantes.

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UN SÍMBOLO DE INDIFERENCIA A finales de 1700, Francia había acumulado su deuda. Décadas de guerra, gastos excesivos y la negativa de los nobles a pagar impuestos habían sumado una montaña de gastos al país. Los precios del pan se dispararon y el hambre se extendió por las calles de París. Pero dentro de Versalles, la vida continuó como de costumbre. María Antonieta vertió dinero público en su propiedad privada y encargó una "aldea campesina" escenificada, el Hameau de la Reine, donde ella y su corte se vestían de campesinos por diversión. Para el pueblo hambriento de Francia, esta exhibición mostró cuán alejados estaban sus gobernantes de la realidad que enfrentaba su país.

Las palabras "que coman pasteles" solo aumentaron esta distancia, mostrando cuán desprovisto de empatía estaba el gobierno y cómo su liderazgo veía la pobreza como algo que estaba por debajo de su preocupación.

La actitud de la monarquía hacia el hambre reflejaba no solo desinterés, sino un sistema construido para proteger la comodidad y la conciencia de los reales. Dentro de la corte, las discusiones sobre la escasez de alimentos se trataban como molestias sin importancia en lugar de un problema que atormentaba al país todos los días. Los ministros que planteaban el problema corrían el riesgo de ser vistos como perturbadores. Después de todo, ¿por qué sacar a relucir un problema como el hambre en una corte llena de personas a las que simplemente no les importa?

Cuando estallaron los disturbios por el pan, la respuesta de la corte a menudo era suprimir estas voces en lugar de abordar los problemas de los que gritaban. La gente comenzó a ver su hambre como evidencia de traición por parte de aquellos que juraron liderarlos y servirlos.

Cada nuevo vestido, banquete o actuación en la corte se convirtió en un recordatorio de cómo sus gobernantes desperdiciaban lo poco que quedaba de los fondos de Francia para su propio placer.

Las paredes del palacio que una vez protegieron a la monarquía de un ataque ahora los protegían de la verdad, ahogando el sufrimiento de la nación.

EL PUEBLO Y LA CORONA

REFORMAS RECHAZADAS

Debido al rápido colapso de la economía francesa, ministros como Turgot, Necker y Calonne propusieron reformas para controlar el gasto y aumentar los impuestos sobre los estamentos privilegiados. Cada plan enfrentó resistencia por parte de la realeza, incluida la propia María Antonieta. Ella veía estas reformas como amenazas a su dignidad y comodidad. Cuando los consejeros advirtieron que Francia estaba cerca de la bancarrota, ella desestimó su urgencia. Su influencia sobre Luis XVI le ayudó a bloquear y debilitar los esfuerzos de reforma, manteniendo su privilegio mientras los fondos del país se agotaban.

Detrás de estos fracasos había una falta de disposición para aceptar el cambio. La reina creía que cualquier intento de reforma destruiría su monarquía. Su perspectiva reflejaba la negativa del antiguo orden a adaptarse a las ideas modernas sobre la justicia y la igualdad. El despido de esos funcionarios mostró a Francia que sus gobernantes preferían silenciar las soluciones que escuchar lo que realmente estaba sucediendo.

En la década de 1780, la ira pública alimentó la indignación. Estallaron disturbios por el pan, y la reputación de la monarquía comenzó a deteriorarse rápidamente. Las lujosas apariciones de la reina y sus gastos elaborados la convirtieron en un símbolo de todo lo corrupto de la familia real. Sus raros actos de caridad hicieron poco para cambiar esa imagen, ya que eran demasiado pequeños para crear un impacto real y a menudo parecían intentos montados para salvar su deteriorada reputación. Para el pueblo, esto no cambió nada. Eran muy conscientes de que la actitud de sus gobernantes era una que permitía años de negligencia bajo una corte que ya no reconocía su deber hacia la nación.

A medida que la hambruna empeoraba, los panfletos y periódicos difundían historias sobre su derroche e indiferencia. Los escritores revolucionarios la retrataban como una villana que valoraba más las joyas que la justicia.

Aunque exageradas, estas representaciones están basadas en verdades. Cada decisión de la reina—desde los nuevos gastos de la corte hasta el despido de los reformistas— confirmaba la creencia de que la monarquía se veía por encima del sufrimiento de sus súbditos.

Este resentimiento se convirtió en un movimiento. "Que coman pasteles" había pasado de ser un rumor a una acusación de que todo el sistema de la monarquía había fracasado.

Multitudes de personas fuera de Versalles exigían pan mientras la familia real organizaba banquetes.

UN LEGADO DE INDIFERENCIA A medida que la revolución crecía, la frase se convirtió en un lema. Dio voz al resentimiento de un país que había soportado el hambre bajo una monarquía descuidada.

Cuando las multitudes asaltaron Versalles, trajeron consigo una furia alimentada por años de desdén por parte del trono. La caída de María Antonieta se debió a ese desprecio. Su extravagancia, su negación de la reforma y su desconexión de la realidad convirtieron su monarquía en un caos. Al final, el destino de la reina se convirtió en el mismo que el de la nación. A medida que la revolución ganaba impulso, el mismo lujo que alguna vez definió su poder pronto se volvió en su contra. El público vio en ella una advertencia sobre cómo la arrogancia puede convertir la autoridad en tiranía.

La caída de la monarquía francesa se debió a un patrón de desdén que evolucionó de la hambre a la indignación. El pueblo no necesitaba escuchar a la reina decir "que coman pasteles", lo vio en su negativa a cambiar y en su indiferencia hacia su hambre. La frase vive como una advertencia de que el poder sin responsabilidad se destruye a sí mismo.

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LA MODA EN EL RENACIMIENTO Por: Angela Thomas

La moda es un arte en constante evolución.

Posiblemente comenzando alrededor de mediados del siglo XIV, la moda le da a las personas la libertad creativa no solo de usar lo que quieran, sino también de crear ropa. Además, la ropa puede, y generalmente lo hace, reflejar la época en la que fueron populares. A veces esto se muestra a través de las tendencias y, otras veces, de la artesanía. Durante el Renacimiento europeo, específicamente, la moda no solo era un indicador de clase social, sino también una forma de arte e incluso de posición política. Desde delicados bordados hasta pantalones coloridos, la moda renacentista es más compleja de lo que piensas.

ITALIA ¿Qué mejor lugar para empezar que la cuna del Renacimiento? Italia, en ese momento, no estaba unificada como un estado singular; en cambio, estaba dividida en varias ciudades-estado. Los estados más prominentes, sin embargo, eran la República de Florencia y Venecia. La moda en estos estados está directamente relacionada con la riqueza y el estatus social. Las clases altas a menudo llevaban seda, brocado y terciopelo en colores más claros. Estos colores eran difíciles de importar, lo que los hacía más escasos y caros. Para la familia Medici que gobernó la República de Florencia, el rojo profundo y el oro eran colores distintivos.

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La gamurra, un estilo de vestido femenino, se caracterizaba por un corsé con cordones unido a una falda acampanada. Las mangas de la gamurra no tenían un estilo fijo, ya que diferentes clases sociales llevaban diferentes mangas. Una mujer noble podría llevar mangas más largas y de colores más vibrantes, mientras que los plebeyos llevaban mangas más cortas y sueltas. Para los hombres, la vestimenta diaria estaba compuesta principalmente por la camicia, el jubón y las medias. Una camicia, o camiseta, se llevaba más cerca de la piel y generalmente estaba hecha de lino. Luego, la doblet, o abrigo, se llevaba sobre la camicia. Las jubas a menudo estaban acolchadas y acolchadas para dar la ilusión del cuerpo ideal para un hombre. Eran generalmente una declaración de moda, los colores y el diseño mostraban la posición política. Por último, se usaban las medias, que eran el equivalente a los pantalones. Era común, e incluso alentado en algunas ciudades italianas, que cada pierna de la manguera tuviera un diseño diferente. Estas tendencias de moda de Venecia y Florencia se replicarían y alterarían por toda Europa.

INGLATERRA A pesar de llegar tarde al juego, la sociedad inglesa cambió rápidamente para reflejar las cortes españolas, italianas y francesas. El Renacimiento estuvo caracterizado por los Tudor, la casa real de Inglaterra en ese momento. Los Tudor, especialmente el rey Enrique VII, sus esposas y la reina Isabel I, establecieron la mayoría de las tendencias de moda de la época. A diferencia de Italia, la lana y el algodón eran utilizados entre los campesinos para la vestimenta diaria. La seda, el terciopelo, el encaje y el brocado estaban reservados para la realeza y las clases altas. El rojo, el oro, el blanco y el negro estaban asociados con la riqueza, mientras que el color púrpura estaba estrictamente reservado para los Tudor.

La moda de mujeres y hombres esencialmente imitaba la moda de Italia con algunas excepciones.

Los cuellos largos de encaje eran usados por la realeza.

Estos cuellos, específicamente, fueron creados por la Reina Isabel I y eran muy codiciados por otros nobles. Las mangas eran largas, generalmente bordadas, y aisladas para crear un efecto abullonado.

Además, la ropa masculina incorporaba pantalones abullonados y dramáticos.

Estos pantalones venían en una variedad de colores y diseños, aunque a menudo se representaban a rayas.

La vestimenta de la clase baja también era idéntica/similar a la de Italia, pero los colores eran limitados. Gracias a las leyes suntuarias, ciertos colores estaban restringidos para el público en general, e incluso se imponían castigos severos si se rompían. Aunque Italia tenía leyes similares, eran más difíciles de hacer cumplir y las penas eran más indulgentes.

En general, la moda renacentista fue creada por la riqueza y caracterizada por las tendencias.

Más allá de Inglaterra e Italia, la moda seguía siendo prominente y próspera. Otros estados de Italia, Francia, España e incluso Alemania tenían mucho que ofrecer en moda. Te animo a que investigues, a que encuentres ropa que despierte tu interés. Después de todo, el Renacimiento, aparte de todo el maquillaje venenoso, tenía valiosas lecciones de moda de las que nosotros, como sociedad, podríamos aprener.

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amado

SER POR UN CREADOR

Por: Ashima Yadav

Ser amado por un creador, un hacedor, un dador, Que no recibe sin más el aliento errante llevado por la brisa, Sino que expulsa los mismos dones que tiene la fortuna de recibir.

Ser amado por un autor, un compositor, un poeta, un artista. Ser un poema, una obra de teatro, un libro, una melodía, Ser una musa.

Ser un amor tan profundo que no solo vive dentro del corazón, Sino también entre páginas y notas. o be a love held so deep that it not only lives within one's heart, But also between pages and notes.

Ser una especie de belleza que no se abraza dentro de los propios ojos, sino que se inmortaliza en tinta, letras y acordes.

ser un río de inspiración que nunca se agota, Para que uno sumerja su pluma y cree una obra de arte

Es ser amado por un creador.

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LP Juegos Por: Harlem Gilbert & Serena Herrera

WORDLE

Adivina la palabra oculta en 6 intentos.

Después de que ingreses una palabra válida de 4 letras, el color de las fichas cambiará. Verde: Una letra en la palabra adivinada es correcta y está en la posición correcta. Amarillo: Una letra en la palabra adivinada es correcta pero está en la posición incorrecta. Gris: La letra no forma parte de la palabra.

CONNECTIONS

STRANDS

¡Haz cuatro grupos de cuatro!

Selecciona cuatro elementos y toca 'Enviar' para verificar si tu respuesta es correcta.

Verás una serie de fichas de letras dispuestas en una cadena. Cada hebra contiene una palabra secreta formada por algunas o todas las letras.

Ejemplo de categoría: EXTRACURRICULARES AJEDREZ, LINK CREW, JUICIO SIMULADO, MODELO DE NACIONES UNIDAS

→

Toca las letras en orden para formar una palabra que encaje en la cadena.

Cada rompecabezas tiene exactamente una solución. ¡Cuidado con las palabras que parecen pertenecer a múltiples categorías!

Las palabras solo pueden usar letras que estén conectadas directamente por una línea de hilo.

Enlace: https://tinyurl.com/WordleNov

Enlace: https://tinyurl.com/NovStrands Enlace: https://tinyurl.com/NovConnections25

3 The person who arrived the latest brought the casserole

CASSEROLE

PIE

TURKEY

5:00

PIE

FOOD

6 The person who brought the mashed potatoes is either Manav or the person who arrived at 4:00

4:30

5:30

4 The person who arrived at 5:30 was Tovar 5 Manav arrived somewhat before Penny

TOVAR

4:00

TIME

2 The person who arrived at 5:00 is either Manav or whoever brought the pie

FOOD MASHED POTATOES

1 Penny brought the pie

BHAVYA

PENNY

Pistas:

MANAV

NAMES

LOGIC PUZZLE

TURKEY MASHED POTATOES CASSEROLE

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