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MENDO + SOUNDEXILE EXCLUSIVE MIX TRESOR

LA HISTORIA HABLA

TOM & COLLINS

TOMANDO LAS RIENDAS

BPM FESTIVAL

LA CONVIVENCIA DEL UNDERGROUND

WOLFGANG GARTNER VOLVER A LA BASE

I AM HARDWELL

SUNNERY JAMES & RYAN MARCIANO

VOLANDO ALTO

UNA EXPERIENCIA SEXY

TRANSMAT

DESDE EL ORÍGEN

ELIO RISO

TALENTO Y PERSEVERANCIA

DJ Mag Latinoamérica en OVO, Luciano en La Feria, Jimmy Van M & Diego Tuñón, Unlock Art Lab, Adrian Hour, Eddy Karmona & Alex Armes, Dollhouse, Avotre y más… Argentina $70 (Recargo interior: $2.50) // México $40 // Colombia $17.000 // Chile $3.500 Uruguay $130 // Paraguay G|35.000 // Guatemala Q50 // El Salvador: u$s 5 // Perú: S/. 20


Ecuador 367 piso 13 oficina A - CP: 1214 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Buenos Aires - Argentina +54 11 4778 1500

EDITORIAL Director de Proyecto B A N Dirección Nicolás Barlaro, Pety Peltenburg Editor Hernán Pandelo hernanp@djmagla.com

COMERCIAL Relaciones Institucionales Gustavo Rana gustavorana@djmagla.com

Relaciones Internacionales Cristian Caseb cristian@djmagla.com

AIRES DE CAMBIO

Publicidad y Comercial Belén Casas info@djmagla.com

Producción de Eventos Roberto Fernández

El 2016 se presenta como un año definitorio. Ciclos históricos llegan a su fin, otros celebran sus logros sin la intención de modificar sus intenciones y nuevas propuestas ganan terreno, enraizándose en el corazón de los fanáticos. La nota de tapa es protagonizada por un artista que ha

rfernandez@djmagla.com

DISEÑO Dirección Alejandro Ramos aleramos@djmagla.com Diseño María Laura Sánchez info@micapsula.com Diagramación Sergio Aguirre info@estudiodylunio.com.ar

encontrado el éxito en los últimos años y que representa, de alguna manera, la última revolución sonora que devolvió el

AGRADECIMIENTOS

groove a las pistas oscuras y atrajo a jóvenes de una nueva

Agustín Festa, Alive Entertainment, Ariana Ramos, Ariel Gambini,

generación a los géneros menos promovidos.

Bad Boy Orange, Belén Prado, Damian Pintos, Dennis De Bruin, Emma Buezas, Facundo Adrián Carrizo, Facundo Rodríguez, Gonzalo Cirulli, Griselda Calderón, Juani Vender, Kevin Muter,

Mientras hay clubes como Tresor que celebran un cuarto de siglo, o como nuestros hermanos británicos de DJ Mag, a los que

Leandro Cabo Guillot, Lemonade, Marcelo Fratini, Mariano Trocca, Martin Carvell, Mental Crew, Natalie Wills, Nicolás Festa, Lilith...

felicitamos desde aquí por su 25° aniversario, hay ciclos como los de Carl Cox en Space Ibiza o, de hecho, Space Ibiza en su totalidad, que llegan a su fin, y en nuestras tierras, algunos se animan con festivales de producción local –como Pucará o Baum Festival. Es momento de cambios. Es momento de jugársela. Las nuevas propuestas son bien recibidas en una escena que busca alimentarse constantemente del cambio. Emocionados, nos vamos a Miami, con esta revista bajo el brazo, para intentar develar qué pasará este año...

HERNÁN PANDELO Editor

DJ MAG LATINOAMÉRICA es una publicación de Paste S.A. Todas las notas firmadas son opinión de sus respectivos autores. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista, sin previa autorización por escrito de Paste S.A. Los avisos comerciales de esta revista son responsabilidad exclusiva de los respectivos anunciantes. All the brands and/ or product names and artwork are trademarks or registered trademarks of their owners. Todas las imágenes y marcas reproducidas en esta revista son Copyright de sus respectivos autores o compañías y aparecen aquí por motivos exclusivamente periodísticos. DJ MAG LATINOAMÉRICA número 009 - febrero de 2016.


índice Contenido

¿Que está pasando?

ENCONTRANDO EL BALANCE

30

Imperdible nota de tapa con el británico Hot Since 82

UNA EXPERIENCIA SEXY

36

Sunnery James & Ryan Marciano, sexys por naturaleza...

EL NEGOCIO FAMILIAR

40

El español Juan Arnau nos habla de su fiesta elrow.

TOMANDO LAS RIENDAS

44

El dúo mexicano Tom & Collins establece su sonido en la industria.

LA HISTORIA HABLA

48

El mítico club Tresor cumple 25 años. Te mostramos un poco de su historia.

TALENTO Y PERSEVERANCIA

52

Repasamos la carrera de Elio Riso.

EXCLUSIVE MIX

56

Los beats de Mendo y Soundexile en este nuevo mix.

8

David Bowie

9

25 años de DJ MAG

10

TOP 100 CLUBS

12

DJ MAG Latinoamérica en OVO

14

Nuevo estilo de muñecas

16

Conexión en las bandejas

18

En confesión con el padre de Metroplex

20

Scene delete

21

De fábrica

22

Un momento con Avalon Emerson

23

Un festival en ascenso

24

La orquesta de Kate

26

Deported a bordo

28

Uniendo lazos

63

Wolfgang Gartner y su nuevo álbum “10 Ways To Steal Home Plate”

76

La convivencia del underground

CANTANDO VICTORIA

80

Volando alto

82

El futuro llegó

84

Vibrando

El presente del dúo paraguayo M2M.

86

Luciano por partida doble

25 AÑOS DE EXPERIENCIA INNATA

88

De gira con Eelke Kleijn

La argentina Victoria Engel gana terreno en el circuito internacional.

UN PAR CON MUCHA POTENCIA

66 68

Hablamos en profundidad con Estados Alterados.

DESDE EL ORIGEN

72

Derrick May habla de los treinta años de su sello discográfico Transmat.

LUCKY 7

110

Adrian Hour y sus siete de la suerte…

30

62

En la pista

VOLVER A LA BASE

58

40

Música 90

Bass

91

Deep House

92

Techno

93

Trance

94

Tech House

95

EDM

70 74

Tech

6

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96

Mirando al futuro

98

Altruisimo sintetizado

100

Un sello en caja

101

Directo al oído

102

Sonido Pionero

105

Evolución Digital

106

Experimental

94


¿Qué está pasando? Todo lo que tenés que saber...

El cielo tiene UNA NUEVA ESTRELLA La industria musical se entristeció con la muerte de David Bowie... EL MUNDO DE LA MÚSICA ESTÁ DE LUTO por la muerte inesperada que sufrió David Bowie a los 69 años de edad –había estado combatiendo un cáncer de forma privada durante sus últimos 18 meses de vida. La escena dance, de forma unánime, ha expresado su tristeza y sus condolencias por la pérdida de un hombre que ha sido, probablemente, el artista más influyente de los últimos cuarenta años. Bowie había funcionado como gran influencia para una pila de grandes DJs como Tiga, DJ Hell, Soulwax, Danny Howells, Carl Craig, Boy George y muchos otros. Aunque no haya sido un artista exclusivamente electrónico, su influencia en la industria de la música sintética es considerable. Cuando creó Ziggy Stardust, a principios de los años setenta, e interpretó “Starman” en la reconocido programa Top Of The Pops, ayudó a romper la Caja de Pandora para miles de fanáticos de música urbana y los alentó a experimentar en sexualidad y apariencia –dándole fuerzas, indirectamente, a la escena gay, que tenía a la música disco generándose en sus pistas de baile. Después del increíble álbum “Aladdin Sane”, Bowie se mudó a Estados Unidos y entró en su período “plastic soul”, donde grabó el álbum “Young Americans” en Filadelfia con músicos del soul, el funk y el disco, adquiriendo una nueva personalidad bajo el nombre “El Duque Blanco”. Escapando de Los Ángeles por sus hábitos de 8

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adicción, se mudó a Berlín a fines de los años setenta y empezó a trabajar con el pionero de la electrónica ambiental Brian Eno, en lo que terminó conociéndose como “La Trilogía de Berlín”: “Low”, “Héroes” y “Lodger”. El primero, estaba influenciado por Kraftwerk, mientras “Lodger” tenía una canción que se llamaba “DJ” –“Yo soy un DJ, yo soy lo que toco”, decía la letra. Estos álbumes, y la regularidad con la que Bowie cambiaba su imagen como un camaleón, influyeron directamente en el movimiento romántico de los años ochenta post punk que terminó gestando estrellas de la talla de Boy George y Steve Strange, e impulsó una fase más moderna de la escena de clubes, sobre todo, en el Reino Unido. Bowie seleccióno a algunos de los chicos Blitz, el movimiento que él inspiró, para el video de su exitoso single “Ashes To Ashes”, y la banda de Steve Strange, Visage –junto con otros actos del synth pop que emergieron en esa era, como Gary Numan y Ultravox-, influenció directamente el nacimiento del techno a través de Los Tres de Belleville: Juan Atkins, Kevin Saunderson y Derrick May, uno de los que artistas que aparece en este número. Bowie siguió y trabajó con Nile Rodgers, parte de los reyes del disco Chic, y creó éxitos como “Let’s Dance” y “Modern Love”, agigantando su estatus de súper estrella. En los noventa, expermiento con los sonidos de la música electrónica en el

cuasi industrial “Outside” –álbum grabado junto a Eno- y, más adelante, en el drum & bass, cono “Earthling”, su primer álbum grabado íntegramente a través del formato digital. Bowie identificó de manera correcta al drum & bass, diciendo que era el sonido más futurístico de los años noventa, se volvió un asistente regular a las fiestas que Goldie hacía de su sello Metalheadz en el Blue Note en el barrio londinense Hoxton y tuvo su aparición en el álbum de este artista como invitado. Por supuesto, terminaron siendo amigos. Incluso, en el Phoenix Festival, a fines de los noventa, Bowie realizó un set secreto de drum & bass bajo el nombre Tao Jones Index, antes de salir al mainstage a tocar sus más grandes éxitos. Cuando terminó el milenio que lo había visto brillar, Bowie se recluyó luego de un ataque cardíaco pero volvió a la escena en 2013, con el single “Where Are You Now?” y con un álbum, “The Next Day”. Otro álbum con tintes de jazz, “Blackstar”, apareció durante su cumpleaños, este año, y terminó siendo su conmovedora despedida. “Hasta luego, Mr. David Robert Jones, su música significó mucho para mí”, dijo Laurent Garnier cuando se enteró de su muerte. “El primer amor de mi vida. Siempre serás mi héroe.”, twiteó Anja Schneider, de Mobilee. “Gracias, David. Fue un verdadero placer llamarte amigo”, publicó Goldie. “Eres un ícono, una inspiración y un creador increíble.” n


UN NUEVO

ENCUENTRO La industria de la música electrónica posa sus ojos –y oídos- en Miami...

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LAS BODAS DE PLATA DJ Mag celebra 25 años durante el verano europeo...

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principios de los años noventa, había una pequeña revista disco que se había infiltrado en algunos círculos de fanáticos del house. Cuando empezó 1991, los editores decidieron renombrar la marca, para reflejar de una mejor manera lo que estaba ocurriendo en la escena electrónica británica. Así, la revista Jocks pasó a llamarse DJ Mag… Veinticinco años después, sigue allí, al frente de la escena electrónica y, a medida que este fenómeno se ha ido expandiendo, también lo hizo la revista. DJ Mag, tras los años, ha cubierto todo tipo de escenas emergentes, eventos, artistas, DJ, clubes, lanzamientos tecnológicos y nuevos territorios. Este verano europeo, estará celebrando su primer cuarto de siglo de la historia y, aunque los festejos todavía estén en desarrollo, ya nos anotamos para celebrar junto a ellos. Los vamos a mantener informados con las novedades. n

lega ese momento del año en el que todos se empiezan a preguntar por lo que acontecerá en uno de los encuentros electrónicos más fuertes y convocantes que tiene la industria musical a nivel global. Reuniones, fiestas, coberturas y demás se llevan adelante en la ciudad costera norteamericana, mientras los artistas intentan exponer sus nuevos sonidos – marcando lo que será el verano europeo-, los managers buscan cerrar acuerdos beneficiosos y, nosotros contamos lo que ocurre en el medio. Para esta fecha, dos acontecimientos han coincidido por años. La Winter Music Conference se celebra desde el año 1986 y ha sido el movimiento que ha puesto a Miami en el foco de las miradas, y, desde el año 2011, la Miami Music Week –Semana de la Música en Miami- se ha materializado en paralelo, sumando eventos a un conglomerado de actividades que ya se mostraba fuerte, con el Ultra Music Festival –siempre cerrando aquella semana- como bandera. Este año, ambos acontecimientos no se superpondrán y, de alguna manera, se podrán apreciar ambos eventos por separado. Del 15 al 20, se hará presente la Semana de la Música, la cual tendrá su cierre espectacular con el Ultra Music Festival, y, al día siguiente -del 21 al 24 de marzo-, la Winter Music Conference desplegará toda su historia e información, con un programa de eventos de lo más variado. Allí nos iremos para estar presentes, una vez más, en el centro de la industria electrónica. Para contarles las novedades del evento que da inicio al año electrónico, para ver qué se viene en este 2016… n

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CERRÓ LA VOTACIÓN Durante dos meses, el público eligió a sus clubes favoritos...

NO ES NINGÚN SECRETO. El Top 100 Clubs es una de nuestras encuestas favoritas. Nos encanta discutir cuáles de todos los clubes donde hemos estado nos gustan más aunque siempre estén ligados a la experiencia vivida. Y no somos los únicos. Parece ser que hay miles de interesados en llevar a su discoteca favorita a lo más alto. Así, año a año, DJ Mag cuenta los cientos de miles de votos que llegan a su base de datos y cien instituciones celebran estar presentes en la lista de clubes más importante de la industria. Desde el pasado 15 de diciembre hasta hace algunos días –la votación terminó el 19 de febrero-, todos suman su granito de arena y muchos clubes se ponen en campaña. Nosotros esperamos por los resultados, vaticinando nuevas incorporaciones, sorpresas y demás vicisitudes que se hacen presentes. Incluso, desde nuestra región, esperamos que se sumen más discotecas, de esas que frecuentamos semana a semana. Hagamos un breve repaso. El año pasado, Green Valley tuvo un año increíble y se llevó el primer puesto con su puesta en escena al estilo festival, algo que queda claro 10

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teniendo en cuenta que tiene una capacidad para 8000 personas. Incluso, otras ocho instituciones brasileñas se han ganado un lugar en la lista, demostrando el dominio que está teniendo el país en la industria de los clubes a nivel internacional.

pelea. Muchas naciones del Viejo Continente –dejando a Ibiza fuera- se ven representadas, desde BCM Planet Dance en España; Ministry Of Sound en Inglaterra; y Berghain en Alemania guiando al resto.

Otro de las grandes regiones que tiene, desde siempre, su lugar en el Top 100 Clubs es, como no podía ser de otra manera, Ibiza. La Isla Blanca sigue siendo el destino primordial para todos los fanáticos de la música electrónica y este último tiempo no fue la excepción. El segundo puesto del 2015 se lo llevó Space Ibiza, una discoteca que ha estado en la cima de las expectativas de los fanáticos por veintisiete años y que, tristemente, cambiará de dueños luego de esta temporada. Así es. El club más ganador en la historia de la encuesta pasará a manos del grupo empresario de Ushuaia, otro de los grandes de la isla que suele figurar en la lista y que, este año, tiene su lugar en el Top 10.

Estados Unidos también tiene su cuota de clubes al día, con Las Vegas como gran rey del entretenimiento en el país. Un quinto de la lista está lleno de clubes norteamericanos, con Hakkasan en tercer puesto, dando pelea para llegar a la cima.

Por supuesto, los clubes del resto de Europa también tienen su lugar privilegiado, con Gran Bretaña a la cabeza y algunos clubes orientados al techno en Italia –Cocorico y Tenax- que dan

¡SABREMOS LOS RESULTADOS EN ABRIL! HABRÁ QUE SEGUIR CONECTADO PARA ENTERARSE DE TODO DE TODO n

Asía y Lationamérica –excluyendo a Brasil- tiene su lugar, por supuesto. Y eso nos emociona. Sobre todo, pensando en nuestra región. Baum, de Colombia, se metió en el Top 50 sorpresivamente y clubes como Lost Beach Club de Ecuador, La Huaka de Perú, Teatro Amador de Panamá y Velvet de Paraguay se han ganado su lugar en la prestigiosa nómina.


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

OVO NIGHTCLUB:

La referencia del verano latino Pasamos nuestra temporada favorita en las playas de Punta del Este...

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esde hace algunos años, cuando el calor empieza a hacerse presente, nuestros cuerpos nos piden a gritos un poco de relax y confort y, sin dudarlo, partimos hacia la costa uruguaya para vivir lo mejor del verano en la discoteca más elegante que tiene el continente. Como siempre, Punta del Este nos recibía como esperábamos, con todas esas comodidades por las que suele ser reconocida y una propuesta musical encabezada por Ovo que nos tentaba a todo momento. Pero, a pesar de haber bailado reiteradas noches en su pista, decidimos poner las manos a la obra y coproducir algunas fiestas junto a ellos. La primera de todas las experiencias compartidas se dio el 10 de octubre, antes de que los turistas lleguen en masa a Punta del Este para convertirla en un desfile de extranjeros en tierra sagrada. Ese día, la que musicalizó la primera de las fiestas DJ Mag Latinoamérica On Tour fue Magda. La oriunda de Polonia que se crío en Detroit es una de las referencias más influyentes que tiene el mundo de la música electrónica del underground y su presentación en una de nuestras fiestas, un total lujo. Acompañada por el atinado warm up de Paco, sentó un precedente inmejorable para lo que teníamos por delante en el inicio del 2016. A días de comenzado este año, volvíamos a la ciudad peninsular del departamento de Maldonado para una nueva edición de DJ Mag Latinoamérica On Tour en la pista central del Ovo Nightclub. Esta vez, el protagonista de la noche era el belga Kolombo, un viejo conocido de estas tierras que, con su house elegante y sensual, conquistó a latinos tiempo atrás. Era la noche del 5 de enero y, junto a la estrella internacional, se hacían presentes los


¿QUÉ ESTÁ PASANDO? argentinos Festa Bros y el brasileño Fran Bortolossi, talentos que, fuera de su tierra natal, se hacían presentes como si fueran los locales de una discoteca que representa a toda la región. Durante toda la noche, desde la pista semi elevada que se encuentra unos centímetros por encima de la pista central, el house fue protagonista y el público logró comprender la elegancia de los beats electrónicos que proponía. El verano se encontraba en todo su esplendor y la pista llena era un fiel reflejo de lo que vendría para la discoteca. La combinación de música y el sentimiento de vacaciones y descanso que se respira en Punta del Este por esas fechas se complementaban y no daban lugar a la duda: OVO era el lugar ideal para llevar adelante las noches del verano con nuestro DJ Mag Latinoamérica On Tour. Los comentarios sobre aquella noche se iban multiplicando de boca en boca y las fiestas de enero en OVO se ganaban al público que llegaba para disfrutar una propuesta cada vez más rica. John Aquaviva, Carl Craig, Metodi Hristov, Marco Bailey y Betoko, entre otros, confirmaban a la pista del club como el lugar para disfrutar de la mejor electrónica en la costa uruguaya. DJ Mag Latinoamérica llegaba, un mes después, con la tercera de sus fiestas. El protagonista era el italiano Sam Paganini, uno de los grandes nombres que ha estado acuñando la escena del techno en el último tiempo. Su presentación era esperada por una horda de fanáticos que querían llenarse de sus sonidos enérgicos en la pista y los parlantes hervían con la música del artista que volvía a ser parte de una fiesta de DJ Mag Latinoamérica On Tour –había estado junto a nosotros en Argentina, en las ciudades de Mar del Plata y Rosario. En la noche que había comenzado con las presentaciones de Tomas Saenz y el back to back de Seba Rodriguez y Matteo Americola, el mismísimo Paganini, con clásicos y energía demoledora, despachaba un set sin fisuras que dejaba a todos obnubilados. Nuestras aventuras en OVO continúan. Después de estas increíbles experiencias, de la mano de grandes artistas, todavía tenemos una fiesta por delante, con uno de los personajes más influyentes que tiene la escena electrónica a nivel internacional. Si, este verano lo cerramos junto a James Zabiela en la pista más caliente de la región. ¿Nos vas a acompañar? n

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NUEVO ESTILO DE MUÑECAS Tres DJs de Paraguay y un proyecto más que interesante... Texto: ANNABEL PITAUD | Fotos: CONTACTO URBANO Y GUILLE ZALDÍVAR

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or supuesto, para todos, la palabra Dollhouse está directamente asociada con su significado en inglés: una casa de muñecas. Sin embargo, en Asunción es un nombre que está instalado como una fiesta de electrónica donde, las encargadas de las bandejas, son chicas que marcan tendencia. Se trata de un proyecto integrado por las DJs Victoria Mussi, Natalia Doljak y Constanza Zavala, artistas que venían incursionando en este rubro de forma individual pero que, desde hace dos años, decidieron unirse y presentar esta fiesta con sello propio. El puntapié inicial de la idea llegó de parte de Doljak. Ella fue quien las convocó, en primera medida, por octubre del 2014. “Nos juntamos para hacer una fiesta, un ciclo de chicas… Hubo sinergia entre las tres, hicimos brainstorming y ahí fue donde se nos ocurrió el nombre y, también, la idea de la ambientación”, relata Victoria. Como era octubre, época de Halloween, buscaron algo que tenga un trasfondo tétrico y se les ocurrió la casa de muñecas… Constanza agrega que no querían que sea una fiesta más: “En ese momento, no contábamos con recursos para la decoración y logramos hacerlo mediante la colaboración de amigos… ¡todo fue a pulmón!”. Pero tenía la intención de ser una fiesta que se realice una sola y única vez. Se trata de tres jóvenes con caminos recorridos que resultan un tanto dispares hasta el momento en que decidieron unirse. Natalia Doljak lleva más de diez años demostrando su talento para mezclar temas y entretener mientras que Mussi estudió Licenciatura en Lengua Inglesa y tuvo la oportunidad de especializarse en la producción musical electrónica en Inglaterra. Por su parte, Constanza Zavala es Ingeniera Agrónoma, profesión a la que se dedica durante la semana. Mediante unos amigos, conoció la música electrónica y sintió pasión hacia este arte. Las tres venían tocando en forma individual y en otros proyectos hasta el momento que Nati las invitó a ser parte de este emprendimiento. La química que hubo entre ellas fue muy grande y la repercusión que tuvo esa fiesta las motivó para continuar. “Durante el 2015, hicimos ocho 14

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fiestas”, menciona Doljak. Y agrega Costanza, a quien conocen más bien como “Kokó”, que, para este año, la meta es hacer cuatro más pero con una puesta en escena más importante ya que, actualmente, lograron captar el apoyo de marcas. La fiesta se basa en su propia identidad, explica Victoria. “Vamos rotando de lugares ubicados en el centro de Asunción, apuntando a un nicho alternativo y no, exclusivamente, a la gente seguidora de la electrónica. Orientamos la fiesta a personas que buscan algo nuevo. Es decir, gente que disfruta de la música, el arte, de la vida nocturna del centro... Nuestra fiesta es muy artística. Siempre vamos cambiando de temática y nunca repetimos. Hay gente que nos acompaña desde el inicio y los que asisten suelen ir disfrazados de acuerdo a la propuesta de la fiesta.” Las Dolls son las DJ residentes de Dollhouse: Nati, Kokó y Victoria. Cada una tiene su estilo particular y, durante la noche, se complementan muy bien. Cada una tiene su espacio y le da su toque especial a la fiesta. Suelen tocar por turnos y en forma grupal. En algunas ocasiones,


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

presentan un warm up con un artista invitado y con respecto a los sets, explican, van rotando. “Todas tocamos en todos los horarios en las diferentes fiestas. Vamos alternando quién sube primero en cada oportunidad. A principio de año, estamos preparando cómo van a ser las fiestas que realizaremos dentro de esos meses”, manifiesta Doljak. En cuanto al sonido, se trata, principalmente, de house en sus diferentes variantes. Desde tech house y deep house, pasando por jackin’ house con toques de funk, soul y disco. Además, buscan no repetir los lugares y van variando de boliches. A partir de la fiesta, surgió la oportunidad de hacer un programa de radio llamado Dollhouse Radio Show que va los sábados y domingos a las 20 horas por Radio Venus. “Ahí, lo que hacemos es pasar los sets que tocamos en las fiestas. También, tenemos DJs invitados a nivel local, hacemos entrevistas… todo orientado propiamente a un radioshow”, señalan las Dolls que, aclaran, no tienen interés en producir tracks. Recalcan, por sobre todo, que las cosas las hacen entre todas pero, cada una, es el pilar de cada departamento. “Nos mantenemos al tanto acerca de lo que cada una está haciendo y aportamos, porque siempre buscamos sumar.” Para saber más sobre esta propuesta, pueden seguir a las chicas en su fanpage en Facebook -Dollhouse dh.- y encontrar toda la información sobre las muñecas que dominan las CDJs en Paraguay… n djmagla.com

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CONEXIÓN EN LAS BANDEJAS Sidney Charles y Santé son los directores, jefes y curadores de Avotre, un sello discográfico que gana fuerza a partir de lanzamientos consistentes y fiestas en todo el mundo...

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

Pasaron por Argentina con las fiestas de Avotre. ¿Cómo fue la experiencia?

Sidney y, él, igual. Normalmente, tocamos back to back cuando hacemos showcases de Avotre por el mundo.”

“Fue increíble. La gente entiende muy bien el house undeground en ese lugar. Más de dos mil personas en cada uno de los shows en los que tocamos. Además, hicimos sets de unas cuatro a seis horas. Algo increíble. Nosotros, junto al público, nos sumergimos en una vibra inolvidable.”

¿Por qué crees que terminaste tocando back to backs sets por todo el mundo y desarrollando una plataforma con Avotre? ¿Recuerdas cómo se fue dando?

Estuvieron en Córdoba, Buenos Aires, Rosario y Mar del Plata… ¿Qué nos pueden contar del Avotre Tour? “Estoy absolutamente enamorado de Argentina. Espero que el próximo tour llegue pronto para poder quedarme unos días extra para explorar Buenos Aires. El objetivo era tocar nuestro estilo de música y los argentinos se volvieron locos con nuestros grooves de jackin’ house. En Córdoba, tocamos en la selva. En Rosario y Buenos Aires, también fue al aire libre. Mar del Plata fue el único show de club pero la vibra fue increíble.”

Tocan en format back to back. ¿Qué es lo mejor de tocar de esta manera? “La mayoría de las veces, hacemos sets extensos cuando hacemos back to back. Es algo increíble poder ir construyendo la noche. Sé exactamente qué tocar después de

“Sí, claro. Conocí a Sidney hace años, cuando lanzó su primer track y a mi me pidieron que haga un remix. Estaba enamorado de ese track. Hablamos mucho y, cuando Sidney se mudó a Berlín, nuestra relación empezó a crecer.”

¿Qué nos puedes decir de Avotre? ¿Qué es lo mejor del sello? “Es una gran plataforma para nosotros y para otros artistas que nos gustan. Lo mejor acerca de tener un sello es que puedes lanzar lo que quieras. Hemos establecido nuestro sonido ahora, con grooves de jackin’ house, y lo estamos presentando en los showcases del sello.”

¿Cuál es el trabajo que tienes dentro de él? ¿Alguien los ayuda con el trabajo diario? “Yo, junto a mi manager, planeamos todo lo del selo. Los lanzamientos, artes de tapa, álbumes, tours y demás. Sidney es un gran A&R. No sólo recibe cientos de demos, además, sabe exactamente qué me gusta y qué encaja bien con el sello.”

¿Qué quieren hacer con Avotre en el futuro? “Queremos hacer más eventos de Avotre y curar escenarios en festivales en 2016. Además, hay muchos tour planeados para Asia, Australia y los Estados Unidos. Además, por supuesto, de otro gran tour por Sudamérica. Y, claro, esperamos con ansias la temporada de verano en Ibiza.”

¿Tienes algún sueño por cumplir para el sello? “Si. A decir verdad, me gustaría mucho poder incluir un remix de Kerri Chandler, alguna vez, o de Martinez Brothers. Me gustan mucho como DJs y artistas. Estoy en busca de talentos constantemente. Este es el mejor aspecto de dirigir un sello…”

Además del sello y de compartir cabina constantemente. ¿Cuáles son los planes para el futuro? “Continuar viajando por el mundo, divirtiéndonos y disfrutando. Además, quiero visitar museos de todos los países en los que me encuentre y pasar tiempo explorando ciudades y culturas. Además, de hacer música, sin dudas. Incluso, quiero desarrollar mis habilidades como compositor de cine.”

¿Que ves brillar en el futuro de la música electrónica? “Ojalá, el renacimiento del house.” n djmagla.com

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En confesión con el padre de METROPLEX Nos reunimos con Juan Atkins para hablar, entre otras cosas, del cuarto álbum de estudio de Borderland –proyecto que comparte junto a Moritz von Oswald- que lanzó para celebrar los 25 años de Tresor. ¿Cómo estuvo tu visita a Bogotá? “Fue espectacular volver a sentir la energía del público latinoamericano. ¡Me sentí en casa!” ¡Nos alegra oír esas palabras! En Belleville, Saunderson, May y tú siempre intentaban entender cómo funcionaba la filosofía musical de diversos fenómenos. Actualmente, ¿cómo entiendes la filosofía de géneros como el EDM, término que utilizabas mucho hace más de diez años? “Excelente pregunta para iniciar. Nosotros escuchábamos mucho a Parliament, Bootsy y Yellow porque siempre tratábamos de entender, realmente entender, su filosofía. Pero, básicamente, hablando del EDM, y de sus fans, pienso que perturban la forma en que se ve el techno. Yo lo llamaba EDM y es gracioso cómo el término resurge, años después, para convertirse en algo comercial y cursi.” En 1979, Funkadelic sacó “Uncle Jam Wants You”, un trabajo artístico y futurista que estaba intentando dar conciencia en la música electrónica. Eres considerado uno de los ancestros que dieron a luz el techno, ¿qué piensas de la situación actual? 18

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“Creo que ‘Uncle Jam Wants You’ no fue muy bien usado pero, si nos referimos a cosas como ‘One Nation Under Groove’ o ‘Let’s Take It To The Stage’, podemos ver la naturaleza y el trabajo futurista. Y si hablamos del artista que hizo las pinturas –artworks- de cada álbum, pienso que él estaba intentando dar consciencia sobre el mundo de la electrónica. No sé si fue sólo el arte lo que estaba dando consciencia acerca de la música. Básicamente, era la música la que lo hacía.” ¿Crees que hay nuevos líderes en la escena? “Siempre van a haber nuevos líderes y nuevas personas que desarrollarán una historia diferente. Nunca me ha gustado nombrar y decir cuáles son los artistas que pueden ser líderes pero, definitivamente, sí hay nuevo líderes.” La tecnología ha evolucionado demasiado pero ¿cómo has manejado tu evolución en la producción y tus presentaciones de música durante todo este tiempo? “Siempre he tenido que ir al paso de cualquier nueva tecnología que sale al mercado porque, con la tecnología, siempre se pueden generar

nuevos inventos y nuevas actualizaciones. Entonces, tienes que estar al tanto de esto. Yo he hecho un buen trabajo. Además se trata de no hacer siempre lo mismo.” El techno ha evolucionado mucho y el sonido se ha expandido cada vez más. Para usted, ¿cuál es la ciudad que, hoy en día, puede ser considerada “la ciudad del techno”? “No creo que alguna ciudad pueda ser considerada como ‘la ciudad del techno’ pero, de alguna manera, Tokio podría ser la indicada. Sí, definitivamente, Tokio será la siguiente ciudad del techno. En gran parte porque la mayoría de la tecnología que usamos en la electrónica es japonesa. Entonces, naturalmente, será Tokio porque de toda su tecnología viene el techno.” Platiquemos un poco del cuarto álbum de Borderland que se despliega oficialmente en abril. ¿Qué puedes decir para quien aún no lo ha escuchado? “Lo único que te puedo decir acerca del álbum es que es necesario escucharlo. Recomiendo que lo busquen y lo escuchen. El álbum es pura química entre Moritz y yo. En Borderland


¿QUÉ ESTÁ PASANDO? se puede sentir todo lo que hacemos por la música y es sólo otra muestra de lo que podemos llegar a hacer cuando trabajamos juntos. ¡Esto es lo mejor que les doy y lo deben disfrutar!” El contenido del disco parece muy variado. Por ejemplo, en “Riod” hay elementos de electro ambient pero, también, de techno y hasta jazz rock. ¿Crees que el artwork refleja esa variedad? “No estoy seguro. Siempre he visto a Borderland como Borderland. Es decir, el proyecto es una colaboración entre Moritz von Oswald y yo, y sea lo que sea que salga de esa colaboración, es lo que hace de Borderland lo que es: un proyecto donde reflejamos nuestro gusto musical y nada más.” ¿Y cómo encuentra el formato álbum comparado con los de hace siete o diez años atrás? “No creo que haya diferencias entre los álbumes de ahora y los álbumes de hace años. La única pequeña diferencia, tal vez, puede ser el formato de hace años cuando, en aquel entonces, el vinilo lideraba la movida y recuerdo que tenías que voltear el vinilo para poder oír el resto de las canciones. Ese sería probablemente, la única diferencia con los formatos de ahora, ya sea en CD o digital, donde se pueden escuchar todas las canciones sin interrupción. También creo que un álbum siempre le permite a un artista extenderse un poco más y preservar su visión musical en contraste con un single o un EP, donde uno tiene que poner toda tu esencia en un pequeño número de tracks.” Más de 30 años y Metroplex aún no ha muerto. Sin duda, merece un título de honor. ¿Han sido realmente tan jodidos? ¿Quién seguirá la ideología del sello? ¿Tu hija? “Sí, han sido súper jodidos pero es algo a lo que uno se debe enfrentar cuando decide crear un proyecto con amor. Te puedo decir que ahora estoy entrenando a mi hija -que tiene 25 años- y estoy tratando, más o menos, de que ella se haga cargo de la compañía. Actualmente, ella tiene su propio sello bajo el ala de Metroplex, llamado Dreamscape Entertainment, y es su sello y tiene su compañía de publicidad. Si tuviera que dar el sello a alguien, obviamente, seria ella.” Y, finalmente, ¿cómo va progresando el sello? “Como sello, cuando decidí empezarlo, estaba vendiendo mi música en las compañías más grandes pero ninguna quiso aceptar mi

Fotos: MARIE STAGGAT

música, siempre recibía un no como respuesta. Luego, tuve un momento muy especial y decidí que tenía que sacar los discos por mi propia cuenta. También, tuve una experiencia con Cybotron. Cuando nosotros sacamos el primer disco techno en Deep Space Records, que era nuestro propio sello, decidimos darle un gran empujón a nuestra música y fue muy bueno

tener una forma de liberar todas nuestras ideas sin depender de personas que te digan si puedes o no hacer música de equis forma. Porque, cuando tú tienes tu propia compañía de records, no le tienes que responder a nadie, sólo a ti mismo. Básicamente, el progreso es ir con el progreso de la música, con el tiempo, y con los nuevos inventos.” n djmagla.com

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SCENE DELETE Lo nuevo de Sasha para LateNightTales.

“Hace unos tres años, escribí una canción junto a David Gardner y ThermalBear que se llamaba ‘Bring On The Night’. La envié a Ultraista y, a los pocos días, me lo devolvió con un increíble vocal encima, con Nigel Goodrich tocando los teclados. Intentamos hacer mezclas para la discoteca pero no pudimos lograrlo. Así que quedó así. Otros tracks así siguieron apareciendo, hasta que, finalmente, el verano pasado, mi frustración apareció. Habíamos hecho tantos temas que no recordaba los nombres de la mitad de ellos: ¿cuál era esa que tenía el sonido del bajo y de las cuerdas? Me volvía loco. Al mismo tiempo, mientras estábamos cortando esos tracks, escuchaba el ‘Late Night Tales’ de Jon Hopkins y pensaba que mucha de la música en la que habíamos trabajado iba por la misma onda. Así que les mandé la música a ellos y les encantó. Inicialmente, pensé que haríamos una compilación con algunas de mis propias producciones. Pero, a medida que fuimos viendo en lo que habíamos trabajado en los últimos dos años, nos dimos cuenta que teníamos unas 50 piezas para incluir. Empezamos a editar y compilar: ‘Scene Delete’ es el resultado final”, declaró el propio Sasha.

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l primer lanzamiento de la plataforma británica para

este 2016 llegó de parte de una de las personalidades más importantes que tiene el mundo de la música electrónica moderna. El gran Alexander Coe, conocido por todos bajo su alias Sasha, presenta un trabajo con 21 producciones originales en las que demuestra una moderna faceta, algo distinta al sonido que lo ha caracterizado desde los días de finales de milenio..

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Con un concepto único que se pasea entre un álbum de artista y un mix album, el nuevo trabajo podría funcionar como soundtrack de cualquier mente. El álbum estará disponible el 1 de abril y presentará un montón de detalles, propios de semejante plataforma. CDs, vinilos, posters del arte de tapa, un USB con los archivos de los tracks individuales, un pequeño documental en donde se muestra material de Sasha haciendo los temas, y los archivos Stems de los tracks para mezclar son algunas de las cosas que se podrá adquirir con este lanzamiento. La version CD, contará con los 21 tracks sin mezclar, más la versión mezclada de todas las canciones. n


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

DE FÁBRICA Mezclando 23 tracks de grandes artistas, Alan Fitzpatrick se hizo cargo del fabric 87.

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a referencia de Fabric ha estado seleccionando artistas del primer orden desde hace tiempo. En los últimos números, grandes figuras de la escena como Joris Voorn, Joseph Capriati, Art Department y Eats Everything, entre otros, dedicaron horas a la creación de un mix para la plataforma que la discoteca londinense de nombre homónimo ha estado desarrollando desde hace unos quince años. Desde el próximo 15 de abril, se podrá adquirir la referencia número 87, curada por Fitzpatrick, con unas cinco producciones del artista -entre originales y remixes-, y otras de figuras como Scuba, Radio Slave, Reset Robot, Mark Broom y Truncate, por nombrar algunos.

“Quería entregar un mix que tuviera calidad más allá del tiempo y que contara con tracks que no sean muy familiares para la gente. Para esto, fue crucial incluir ediciones especiales a la mezcla, junto con producciones inéditas y material que no ha sido lanzado y que espero que a todos les guste” - Alan Fitzpatrick.

El ascenso de Alan Fitzpatrick en la escena electrónica internacional es fenomenal. Desde su irrupción, que lo posicionó como uno de los talentos a seguir de la escena techno a mediados del 2009, ha ido acrecentando su imagen con trabajos de marcada calidad. Con su álbum de estudio “Shadows In The Dark”, lanzado mediante Drumcode en el año 2010 – el primer álbum lanzado por el sello de Adam Beyer desde el 2005-, terminó de solidificar su status de reconocido productor y lo llevó a las grandes ligas. Ganó el reconocimiento de grandes nombres como John Digweed, Carl Cox, Dubfire y, por supuesto, Adam Beyer y sumó sus producciones a los sellos más prestigiosos de la escena del underground. En el último tiempo, pasó del underground a los grandes escenarios e, incluso, se dio el gusto de coquetear con otros géneros, borrando límites sonoros, sumándose con

lanzamientos al roster de plataformas discográficas como Hotflush Recordings, Bedrock Records, Suara, BPitch y Second State, entre tantas. Como suele suceder, la salida del álbum contará con su fiesta de lanzamiento en Fabric. Será el 16 de abril y, en ella, Mike Dehnert y Reset Robot acompañarán a Fitzpatrick. Luego saldrá de gira con su nuevo lanzamiento y, posiblemente, estará llegando a Sudamérica en el mes de mayo. Gran paso para Alan Fitzpatrick. n

Foto: DAN REID PHOTOGRAPHY

FABRIC: LOS MEJORES MIXES DE LA SERIE Desde el año 2001, la discoteca londinense ha estado lanzando mezclas de los artistas más influyentes del momento. Elegimos las mejores referencias y te contamos cuáles son...

Craig Richards FABRIC 1 El primer lanzamiento de la serie, de parte del artista más representativo de la discoteca que ha sido su residente por años.

Michael Mayer FABRIC 13 El jefe de Kompakt se encargó de la mezcla en el 2003. Con música de Superpitcher y Ricardo Villalobos, su mix pasó a la inmortalidad, como muchas de las cosas que hizo. Una referencia llena de música y melodías, como suele acostumbrarnos.

Ellen Allien FABRIC 34 La reina de BPitch Control se encargó de la referencia en 2007. Una mezcla ecléctica que grabó con vinilos, luego de una fiesta en su departamento de Berlín. Incluyó música de artistas como Ben Klock, Thom Yorke y Roman Flügel, entre otros.

Luciano FABRIC 41 El DJ y productor de sangre chilena se cargó la referencia número 41. En ella, incluyó varios remixes de su autoría y toda la estética percusiva que lo llevó al lugar de privilegio en el que se encuentra su carrera. Mucha música de su sello discográfico Cadenza y la vibra latina a flor de piel.

Ben Klock FABRIC 66 Una verdadera clase de techno. Aunque su lugar predilecto es, por supuesto, la pista central de Berghain, este mix es un claro ejemplo de lo que sonaría en el “room 2” de Fabric, si él estuviera al mando. Música de nombres que cementaron al género y de otros que lo mantienen vivo. Imperdible.

Joris Voorn FABRIC 83 El más reciente de nuestra selección. Una muestra de las habilidades del holandés a la hora de seleccionar y mezclar música. 65 tracks combinados en esta referencia y ni un solo error. Orientado al techno más suave, presenta música de varios espectros de la escena electrónica, creando un mix que quedará en el recuerdo.

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Un momento con

AVALON EMERSON Platicamos con una de las mujeres femeninas que pasó de ser una desconocida a un inspiración para los artistas emergentes. ¿Cómo va todo?

“En estos momentos, no me puedo quejar. Hoy, vi el sol en Berlín e hizo que mi alma fuera feliz porque soy de California.” Cuéntanos, ¿qué fue lo mejor del año pasado?

“En cuanto a experiencia como DJ, pinché en Panorama Bar dos veces. Fue increíble y, en general, estoy empezando a sentirme cómoda detrás de los platos cuando visito clubs nuevos durante mis gigs en toda Europa y América del Norte. También, me agrada mucho conocer gente y hacer amigos en el camino. Las mejores experiencias que un DJ puede vivir se dan cuando eres acogido como una familia, gracias al desempeño en la cabina.” ¿Cuál crees que es la clave de tu éxito o, por lo menos, la clave para que hayas pasado de ser una desconocida a una DJ que crea expectativas en tan poco tiempo?

“Estoy, sinceramente, sorprendida y me siento bendecida de ser capaz de hacer música que la gente escucha y se preocupa por oír. La música siempre ha sido algo que da ganas de hacer, algo que no puedo explicar. En realidad, estoy tratando de mantener la concentración, mantener la diversión intacta y tratar de no poner demasiada presión a la sobrecarga de mí misma, creativamente hablando.” Eres una chica apasionada por la ingeniería de software. ¿Cómo, desde la perspectiva experimental y sistemática, buscas crear un vínculo entre las personas, el tiempo y el espacio?

“Siempre he estado obsesionada por averiguar el funcionamiento interno y técnico de las computadoras, máquinas y sistemas. Solía pasar horas de almuerzo en la biblioteca de la escuela, donde había algunos equipos agradables para que los estudiantes utilizaran en cualquier momento. Cuando me enamoré de la música electrónica y de los DJs, lo vi como otro ámbito para explorar. Todavía, me encanta aprender nuevas técnicas y el perfeccionamiento de los sonidos.” Como artista emergente, ¿qué puedes aportar para que la escena electrónica sea cada vez más competitiva por su calidad e innovación?

“A veces, la música de baile se siente estancada. Me gustaría ver el espectro más abierto para la emoción y la genuina narración.” Para ganarse la vida con la producción musical, ¿cómo ves plataformas como Beatport o Spotify?

“Siempre voy a preferir Bandcamp o servicios más directos entre artista y audiencia para la compra de archivos. En cuanto a streaming, nadie puede competir con el mayor servicio de todos,

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el más grande y completamente gratuito: YouTube. Es interesante ver cómo estas corporaciones, en los últimos años, convirtieron a la industria discográfica en algo previsiblemente rentable. En los últimos quince años, el costo marginal de las publicaciones digitales era, literalmente, cero por lo que es muy difícil ver cómo alguien va a ganar dinero con la venta de la música.” Actualmente y desde tu punto de vista, ¿cómo ves a la escena femenina dentro de la música electrónica?

“Tenemos un largo camino por recorrer. La industria de la música y de la sociedad, en general, está muy lejos de donde debería estar pero es hermoso ver, a veces, que las mujeres también pueden ser escuchadas, a pesar de que, por el accionar de algunos grupos, ha sido alejada de grandes oportunidades y del éxito.” Finalmente, ¿qué releases tienes entre manos para este nuevo año que apenas comienza?

“Un nuevo 12” en Young Turks y, por supuesto, un nuevo lanzamiento en Spring Theory Record. Ahora, estoy trabajando en un formato largo donde mostraré una línea diferente de mi estilo.” n


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BAUM

Un festival en ascenso El club sigue demostrando su relevante curaduría en la segunda edición encabezada por Kevin Saunderson, Bjarki y Oliver Huntemann.

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n los últimos meses, Baum, el club bogotano más famoso y respetado de Colombia, ha continuado su multiplicación en cada fin de semana, bajando DJs internacionales como Marcel Dettmann, Tale Of Us, Juan Atkins, Ben Klock, Mano Le Tough y Speedy J, entre muchos otros nombres. Luego de congregar a más de 8 mil personas el año pasado en su primera edición, el festival continúa con su ascenso de manera extraordinaria, siempre con el fin de brindar una experiencia musical única, dentro de la escena del underground, para demostrar por

qué es un festival que vale la pena conocer. Para Baum, cada propuesta es una oportunidad para descubrir nuevos universos sonoros y, en su segunda edición, el mensaje es claro. La organización presentará, en tres stages, más de 16 horas ininterrumpidas con un elenco de artistas que van desde el proyecto Animal Trainer y el live act de Wareika hasta Bjarki, el niño de трип, quien estará compartiendo cabina con relevantes artistas nacionales entre los que destacan Mao Loading, Sónico, Mavidip & Steinlausky, Adi o Urbrave. Estos, pasarán a formar

parte del line up, uniéndose con caras representativas del techno como Ellen Allien, Paco Osuna y Hernán Cayetano, o sonidos más deep y tech como Marc Houle, M.A.N.D.Y., Nicole Moudaber y Steven Guberek, por resaltar algunos. Una vez más, el evento tendrá lugar en el Multiparque de Bima de Bogotá. Será el próximo 21 de mayo y más de doce mil personas disfrutarán de una propuesta de primera línea, donde la producción visual y sonora marcará un ascenso incomparable en la región. n

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LA ORQUESTA DE KATE La norteamericana Kate Simko lanzará un álbum junto a la Orquesta Electrónica de Londres.

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n el mes de mayo, la experimentada Kate Simko lanzará un álbum de estudio realmente interesante que cuenta con la participación activa de la Orquesta Electrónica de Londres, grupo que ella misma fundó hace un tiempo. El trabajo verá la luz, precisamente, el 6 de mayo a través de The Vinyl Factory, sello discográfico que, además, cuenta con prensa de vinilos, tienda de discos y la revista de música electrónica FACT. Se llamará de igual manera que los artistas que lo crearon: “Kate Simko & London Electronic Orchestra”. Antes de la esperada salida, habrá un EP de tres tracks llamado “Titled” que contará con un increíble remix de parte de Seth Troxler junto a Phil Moffa. Un gran trabajo de estos que se suma a las versiones originales de Simko y la orquesta que funcionan como primer corte del álbum. Súper sofisticada, sin perder la vista en la pista de baile, la propuesta de Kate Simko sorprende por ser emocionante y fresca, contando con una cuota clásica que convierte el álbum en un proyecto único en el que se deja ver la unión simbiótica entre los beats electrónicos y los instrumentos clásicos. Con muchos años de piano encima, Simko se dio el gusto y armó una propuesta distinta que no se aleja de su mote de productora electrónica. Una propuesta ideal para poder apreciar lo mejor de los dos mundos. Música en su más amplio sentido… n

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“En vez de diseñar el sonido en un sintetizador, trabajé con algunos interpretes probando diferentes técnicas y combinaciones instrumentales. Luego, hicimos las grabaciones. Estaba estudiando un master en Composición y terminé haciendo un experimento con instrumentos orquestrales, viendo cómo podía combinarlos con pasajes electrónicos. Los tonos, los arreglos, las diferentes posibilidades de colores sonoros me volvieron loca. Escribir música para una orquesta es, definitivamente, una de las cosas más emocionantes que aprendí en toda mi vida.” – KATE SIMKO


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DEPORTED A BORDO Con los Festa Bros a la cabeza, la familia housera expande sus horizontes...

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eported no es sólo un sello discográfico ni un simple ciclo de fiestas. No se trata de un grupo de artistas que trabajan en conjunto sino, mucho más allá de eso, es un colectivo que representa diversos aspectos de la escena electrónica que, enfocados en la música house desde sus orígenes, han estado enriqueciendo a la escena argentina con música de calidad y fiestas cada vez más interesante. Es, a su vez, un sello discográfico en constante crecimiento y, por sobre todas las cosas, un excelente grupo humano. La marca Deported ya está establecida, sobre todo, gracias a la fuerte influencia de Festa Bros en territorio argentino, no sólo como DJs de gran prestigio en el circuito local, siendo números fijos a la hora de acompañar artistas del primer orden internacional, sino, además, gracias a su mote de musicalizadores radiales. Otro de los dúos pertenecientes a Deported es Lemonade, colectivo compuesto por los hermanos Minerva –Ronan y Alan-, quienes son, además, nuestros críticos musicales de deep house en las ediciones impresas de DJ Mag Latinoamérica. Dentro de ese grupo que forma la columna vertebral del sello y el colectivo musical, se hacen presentes el DJ y productor Who Else, ingeniero en sonido de la compañía, y Alfon, otro de los nombres que, lentamente, comienza a hacerse un lugar en la escena y que tiene su lugar dentro de Deported en la comunicación del sello. Todos ellos, asiduos amantes del house en sus diversas variantes, premisa fundamental a la hora de formar parte de la familia que dirigen los hermanos Festa. Con una historia en su haber, un concepto claro y un grupo formado, Deported acentúa su filosofía de la mano de una serie de fiestas

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que viene desarrollando, y en donde está poniendo el énfasis. Boat Party, la fiesta del sello que se lleva adelante, como bien indica su nombre, en un barco preparado para una verdadera fiesta sobre el agua y es allí en donde coinciden todos los integrantes de Deported por placer, disfrutando de las vibras de un evento agradable para disfrutar de buena música. Incluso, este 5 de marzo, habrá edición internacional, con la presentación estelar del dúo italiano Supernova. n


UNIENDO LAZOS

Escuchar una cantante de country en un track de electrónica no es algo que pase todos los días. Eddy Karmona y Alex Armes han producido su más reciente material con la colaboración en las voces de la cantante Bay Brooks. Hablamos con ellos acerca de esta colaboración... Antes que nada, ¿qué hace que la gente sea tan fanática de la música de Eddy Karmona y Alex Armes? EDDY: “Durante toda mi carrera he conservado el mismo estilo, evolucionando junto con lo que se escucha mundialmente pero sin perder mi identidad. Cuando estoy en el estudio o en un show en vivo intento tocar el corazón de las personas con mi música.” ALEX: “La autenticidad es la clave. Hacer lo que uno siente en el momento y no estar preocupado por lo que está en el top, como muchos artistas…”

de algo que nos ata como humanos: nuestro pasado, nuestro entorno, nuestros propios pensamientos… ‘I’m Free’ es ese renacer que genera una nueva etapa en la vida.”

juntar fortalezas y lograr cosas interesantes.”

¿Y cuál es el objetivo de la producción? ¿Qué buscaban transmitir con la canción?

EDDY Y ALEX: “Comenzamos con una idea básica que fuimos refinando hasta enviarla a Bay. Cuando tuvimos el vocal final, reconstruimos el track para que quedara más sólido.”

EDDY Y ALEX: “Queríamos hacer algo diferente a lo que se escucha en el momento pero manteniendo un toque moderno. Logramos hacer un track muy emocional que toca fibra. Ese es el poder de la música.”

Desde sus primeras producciones han cautivado al mundo con un discurso musical profundo y enigmático… ¿En qué lugar de sus mentes nacen estos mensajes sonoros?

Bay Brooks ha colaborado en la canción. Su música tiene un sentido y características muy distintas a la de ustedes. Además, viene de participar en el reality “The Voice”. ¿Cómo manejaron todo?

EDDY Y ALEX: “Viene de muchas partes. La clave para no hacer la misma música siempre es tener tantos recursos como sea posible. Muchas veces jugamos con un sintetizador y nos encontramos con algo bueno. Otras veces, Alex toca guitarra y se le ocurre una armonía que nos gusta. Otras, simplemente, surge una idea de la nada. ¡No existe un proceso definido! ¡Eso es lo lindo!”

EDDY Y ALEX: “Desde que escuchamos su voz supimos que era ideal para el proyecto. Nos gusta mucho que no sea una vocalista de música electrónica porque puede aportar elementos diferentes a los que estamos acostumbrados. En realidad, con internet es muy fácil hacer colaboraciones.”

Actualmente, están en medio de la salida de “I’m Free”. ¿De qué se trata esta producción?

EDDY Y ALEX: “Tenemos estilos diferentes pero con muchos elementos en común. Además, desde hace varios años, trabajamos juntos en E Label Music. Encontramos, entonces, que era una buena oportunidad para

EDDY Y ALEX: “‘I’m Free’ trata un tema que, creemos, todos hemos vivido. La liberación 28 djmagla.com

¿Y cuáles fueron las razones para producir juntos?

¿Cómo funcionó el proceso de creación y composición dentro del estudio?

Esta nueva producción también tendrá su video oficial. ¿Qué nos pueden decir? EDDY Y ALEX: “Estamos muy emocionados con el video. Simon Brand es un director con mucha experiencia y es quien está detrás de las producciones audiovisuales de grandes artistas. Él va ha llevar el track a otro nivel.”

Bay, es tu turno. Cuéntanos, ¿cómo te involucraste en la producción de “I’m Free”? BAY: “Desde Medellín, E Label Music se puso en contacto con mi manager Wes Mayers, de Redline Entertaiment, diciendo que estaban interesados en tener mi voz en una de las pistas de sus artistas. Me dijeron que habían buscado en YouTube diferentes artistas que habían participado en el programa de televisión ‘The Voice’ hasta que llegaron a mí, diciendo que podía ser una buena opción para el proyecto. ¡Y estoy tan contenta que lo hicieran! A partir de ahí, me enviaron la pista y, luego, creé la letra y la melodía.”


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¿Y por qué crees que Eddy y Alex te invitaron a colaborar en el track? BAY: “Bueno, me han dicho que mi voz les recuerda un poco a Ellie Goulding y a una joven Stevie Nicks. Ambas, con una gran influencia en mi estilo así que espero que por eso me hayan elegido para el track. Nunca había hecho ninguna colaboración con la electrónica así que, cuando me ofrecieron la oportunidad de grabar la canción, no podía esperar para comenzar.”

En tu opinión, ¿cómo tu voz puede influir y cambiar el sonido de la música electrónica en las personas? BAY: “Desde el momento en que Eddy y Alex me enviaron la pista, sentí algo cuando escuché la música. Creo que eso fue lo que hizo que esta colaboración fuera especial. Yo no soy una cantante tradicional de música electrónica. Para mí, la razón detrás de todo lo que hago, de cada canción que escribo, es influir en los demás y hacerles sentir algo cuando escuchan mis letras. Con esto, creo que Alex, Eddy y yo, hemos formado un gran equipo.”

¿Qué otros tipos de colaboraciones con otros géneros musicales has tenido hasta ahora? BAY: “Además de trabajar con el cantante de country Blake Shelton, en The Voice, he tenido la oportunidad de colaborar en varios proyectos. El más reciente, con canciones de The Who. Roger Daltrey y Pete Townshend fundaron una organización benéfica llamada Teen Cancer America, que apoya a los adolescentes que se ven afectados por el cáncer. El producto de este proyecto va a la fundación y me siento orgullosa de ser una de las nuevas embajadoras de esta increíble causa. Además, cuando lancé mi primer EP, en junio, trabajé con el productor ganador de un Grammy Pete Stewart y el cantante de country Brian White, que ha tenido gran éxito con artistas como Rascal Flatts, Rodney Atkins, The Swon Brothers y Trace Adkins, con más de trescientos cortes en su nombre.”

Desde la música country, ¿qué podrías aportar a la música electrónica? BAY: “Aunque vengo del género country, me considero bastante indie, siendo influenciada por muchos géneros. Sin embargo, lo que más me gusta de la música country son las historias de sus letras que te pueden llevar a otro lugar. Y como he dicho antes, uno de los objetivos de mi música es influir en el oyente. Por lo tanto, con esta colaboración con Eddy y Alex en la electrónica, espero brindar eso…” n djmagla.com

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ENCONTRANDO

EL BALANCE UNA CARRERA CON IDAS Y VUELTAS QUE LLEGÓ A DESTINO Y SIGUE DANDO QUE HABLAR. UNA PERSONALIDAD CENTRADA QUE NECESITA ENCONTRARSE EN EL MEDIO PARA FUNCIONAR. LEJOS DE LOS EXTREMOS, HOT SINCE 82 CONQUISTA LA FAMA A NIVEL GLOBAL... Fotos: MITCH PAYNE Estilista: MAYA LINHARES-MARX Texto: HERNÁN PANDELO


IMPROVISA

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o fue tan sencillo coordinar la llamada de larga distancia con Daley. Es que, justo cuando coordinamos con él para hablar sobre su presente, está de gira por Asia. Justamente, se encuentra en Shanghai cuando nos devuelve la llamada. “Acabo de salir del gimnasio. Estuve corriendo un poco”, nos anticipa desde el otro lado del mundo. Allí, en la ciudad más poblada de China, han pasado unos treinta minutos de la medianoche y, ese día en particular, no tiene show. Es el día que tiene libre. Ayer tuvo su presentación y, al día siguiente, vuela hacia Singapur para seguir con la agenda. Luego, viaja a Australia, donde se encontrará con algunos amigos cercanos que andan por allí. “No es tan grave estar solo”, nos asegura cuando le consultamos si está acompañado durante el viaje. De cualquier manera, es una casualidad que se encuentre solo. Desde el año pasado, cuenta con un tour manager que lo acompaña en sus recorridos por el mundo. “Solía estar acostumbrado a estar solo. Quiero decir, es algo normal pero, desde hace un año, tengo a alguien que me acompaña. Es un poco diferente pero, a veces, es bueno estar solo. Puedes trabajar un poco más en la música. Y pensar un poco en tus cosas...” Es, como iremos dándonos cuenta a lo largo de toda la charla, un balance. En todo. Aquí, se trata de estar acompañado o no pero veremos que el balance de sus acciones se da en todo momento. “A veces, lo celebro y, otras veces, es interesante tener a alguien”, dice, equilibrado.

Hace poco, pasó por territorios latinos y, aunque no pudimos encontrarnos, indefectiblemente, el dialogo termina en su experiencia en el BPM Festival que, marcada por el mal clima, terminó siendo una agradable oportunidad para volver a sentirse como cuando era un adolescente que tocaba sólo por placer. La fiesta de Knee Deep In Sound, su sello discográfico, estaba programada hacía tiempo y, de hecho, era una de las tres fiestas más convocantes que tenía todo el evento mexicano. Era en un espacio ubicado en la playa, al lado de otro predio donde iba a llevar adelante la fiesta el sello de Anja Schneider, Mobilee. “Fue increíble lo que llovió”, nos interrumpe Daley. “Fuimos temprano al predio para ver de qué se trataba. Comimos algo y era claro que no iba a haber ninguna fiesta por allí. Entonces, vino el promotor y nos dijo: ‘La fiesta de Mobilee no va a hacerse’. Le pregunté si podíamos hacer algo, si todavía teníamos chances de conseguir otro lugar”, relata. En su cabeza, Daley no podía dejar pasar la oportunidad de presentarse allí con la fiesta que, de antemano, era una de las más exitosas del evento y, luego de un gran trabajo de los promotores, se dio la oportunidad de hacerlo en una de las locaciones más importantes que tiene todo Playa del Carmen. “Dentro mío, yo siempre pensaba que lo teníamos que hacer en Blue Parrot. Amo ese predio. Cuando el promotor me dijo que lo podíamos hacer allí, fue algo increíble”, revela. “Y, además, me dijo que Mobilee estaba luchando por encontrar un lugar y me consultó cómo me sentía si proponíamos compartir el lugar. Y, para mí, esa fue la mejor idea posible. ‘¿Quién está tocando? ¿Quieren hacerlo con nosotros?’, le pregunte. Me dijo que ellos sí querían, así que le dije que abramos Blue Parrot, que cambiemos los flyers, que movamos las redes sociales y que toquemos algo de música.” Así fue, ambas fiestas terminaron fusionándose y el crew de Knee Deep y de Mobilee pasaron a tocar en formato back to back. Daley tocó junto a Anja, jefa del sello, al igual que él. “Fue genial. Toda la gente fue igual, la fiesta salió muy bien, y se disfrutó mucho. No había tonterías ni mierdas, sólo música. Fue muy especial”, resalta. Es que, para un artista como él, que experimenta desde hace tanto tiempo el éxito y que tiene un ascenso considerable tras cada año de carrera, ya no debe ser tan sencillo encontrar espacios para este tipo de improvisación. “Si tengo que compararlo con algo, lo haría con la época en que era un joven de diecisiete años de Yorkshire, cuando empecé a tocar. Ese momento en que tus amigos también son DJs y hacen una fiesta en algún bar local. Todos pasan por la cabina y todos comparten… No hay lineamientos ni egos”, explica, apoyando nuestra teoría. Al nivel en el que se encuentra, no suele haber improvisación alguna. Por ello, la experiencia debe haber sido reconfortante, al menos. “Se armó una vibra increíble, todos sonreían. No era demasiado serio y nadie se estresó demasiado. Ni siquiera los DJs se preocuparon por su set por el hecho de que tocaban uno o dos temas y el otro DJ seguía con el back to back. Fue una experiencia muy linda que fluyó”, recuerda de su último paso por nuestras tierras.

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EN LA SANGRE Estas tierras son de agrado para él y ha estado viniendo mucho. Sobre todo, en el último tiempo. “Es muy refrescante tocar allí”, dice y extiende una teoría sobre la forma que tenemos de disfrutar su música que nos enorgullece.

“Eso es lo malo. Porque estas experiencias que te ayudan a sentir un poco mejor lo que estás haciendo no son buenas para la salud. TOMAR DEMASIADO NO ES BUENO. LOS VIAJES TAMBIÉN VAN DETERIORÁNDOTE. Se trata de encontrar el balance. Ahora, lo estoy encontrando.”

Latinoamérica es hermosa. Siempre que toco allí, los shows se terminan destacando. Me da las sensación de que, para ustedes, es como una religión. El golpe del bombo está en su sangre y eso es algo que viene a través de la historia. Ese sentimiento tribal… Es como hipnótico. Y cuando el bombo se mezcla con una buena línea de bajos, enloquecen. Es muy lindo tocar frente a ustedes. Se nota que les gusta y siempre hacen un gran alboroto.” Antes de haber estado en las costas de Playa del Carmen, realizó un tour por Sudamérica que lo tuvo en Paraguay –presentándose en Ologram-, en Creamfields Perú y en Argentina, por partida doble. “En Argentina, tuve la suerte de tocar en la fiesta del día previo, que fue en la discoteca State. El lugar estaba repleto”, recuerda. Además de ser una agradable experiencia, fue una especie de revancha para él. “La primera vez que toqué allí en State, tenía muchísimo jet lag y no creí haber preparado el set correctamente. A la gente le gustó mucho pero yo sabía que podía dar un poco más. Así que, la segunda vez, reventé todo”, dice, autocrítico. Por supuesto, siempre que toca quiere dar el 100% y “reventar” todo pero, a veces, las cosas no se dan como uno espera y, con total simpleza, asegura: “Es la vida… ¡no soy un robot!”. Por supuesto, esto también tiene que ver con algo natural. Daley no prepara ni practica los sets, no arma rutinas. Se embarca en el viaje y ve hacia dónde lo lleva. Especialmente, cuando tiene muchas horas por delante. Incluso, revela

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algo de los terrenos más oscuros que existen en el mundo de la electrónica. “Por supuesto, esa es la parte mala de esta profesión. Siempre voy a tocar un poco mejor si estoy intoxicado con algo. Si estoy tomando algo, sea alcohol, o algo más, siempre me va a tranquilizar un poco la mente y voy a estar más relajado. Puedo soñar con la música. Mi mente está relajada, mi cuerpo canaliza mejor los sonidos, siento la música. Sé a donde tengo que ir”, se extiende. “Eso es lo malo. Porque estas experiencias que te ayudan a sentir un poco mejor lo que estás haciendo no son buenas para la salud. Tomar demasiado no es bueno. Los viajes también van deteriorándote. Se trata de encontrar el balance. Ahora, lo estoy encontrando. No tomo tanto y estoy aprendiendo a canalizar las emociones sin estar intoxicado. Todo está en su lugar”, declara orgulloso. Otra vez: el balance en su vida.

EL VIRUS Daley Padley nació hace poco más de treinta años en Barnsley, una pequeña ciudad de doscientos mil habitantes del condado de Yorkshire. Un antiguo pueblo minero sin demasiada cultura electrónica en donde todos saben todo y, aunque se presentan algo conservadores y de mente cerrada, son amigables. Es una zona rural, ubicada a unos kilómetros de Leeds. “Las primeras fiestas electrónicas en las que toqué fueron allí, en Leeds. Está a unos 50 minutos en auto desde Barnsley”, nos ubica. Allí viajaba cuando quería comprar música, algo de ropa o disfrutar con amigos en alguna discoteca. “Si querías vivir la experiencia de una ciudad con una escena de clubbing, Leeds era la ciudad. Pasé mucho tiempo allí. Y, aunque suene raro, aunque nací en Barnsley, Leeds está más cerca de mi corazón.” Sus padres eran, ambos, fanáticos de la música. “Mi madre escuchaba todo lo que tenía que ver con el soul, el disco y el


DALEY ELIGE LOS MEJORES TRACKS DE KNEE DEEP IN SOUND LEONARDO - “Roxan” house y, mi padre, solía ir a fiestas antes de que yo nazca. Incluso, tengo hermanos más grandes. Cuando iba a la cocina, escuchaba la radio local, donde teníamos house a diario”, recapitula. Daley grababa cintas con lo que sonaba en la radio. Música de The Prodigy, The KLF y temás como “A Tribe Called Quest” de Public Enemy… Con el tiempo, explotó el acid house en toda la región y el virus del DJing se apoderó de él. Empezó a grabar sus propias cintas y a los diecisiete años empezó a tocar. Para los veintiún años, ya hacía algunos bootlegs y empezó a meterse en la producción. Comenzó con un programa muy sencillo llamado Acid Pro. “No sé si sigue existiendo. Quizás, sí. Era muy fácil, para mí, hacer estos bootlegs”, recuerda sus primeros pasos. “Los tocaba y la gente me preguntaba por esos temas en mis sets. Y, luego, empecé a trabajar con el Logic, creo que era el 5. Empecé a escribir un poco de música allí. Y las cosas se pusieron un poco más profesionales. Uno podía ver el potencial que podía tener con el secuenciador y las posibilidades que me daba.” Tuvo mucho éxito como Daley Padley, hasta el año 2009. Allí, decidió tomarse un descanso. Ya no disfrutaba mucho de lo que hacía. “Me encontré en una situación en la que estaba tocando y haciendo música sólo para pagar las cuentas. Ni siquiera podía experimentar con la música porque tenía miedo de no poder pagarme el alquiler. Esa situación no es para nada saludable así que paré de hacer música y de tocar, por unos dos o tres años. Y ahí volví como Hot Since 82.”

UN NUEVO SONIDO En el medio, gracias a lo que había ahorrado, pudo comprar una casa y vivir, un tiempo, de rentas. Esto le ayudó a no trabajar y a poder divertirse. Aunque no iba a durar mucho sin volver a su esencia. “Lo que cambió el juego y me llevó de nuevo a la música, sobre todo, viviendo en Leeds, fue que Jamie Jones se convirtió en algo muy grande. Su sonido, y el de Hot Creations, devolvieron las vocales a la música electrónica. Y, especialmente, en Leeds, había muchas mujeres que se empezaron a sumar a las fiestas, porque ahora podían cantar esas canciones sensuales. Así que se vivió una explosión y la gente joven se volvió a meter en los clubes y a sumarse a la movida de la escena electrónica. Y, por supuesto, como debes saber, si las chicas van a los clubes a bailar, los chicos se van a sumar”, explica, sencillo. En ese entonces, Daley pensó que podría producir algo de esa música, sin la

CLAIRE RIPLEY - “Only You” NOIR - “Nightwalker” LEFTWING & KODY - “Control” MONTEL - “I Can’t Remember”

intención de venderla. Simplemente, disfrutó de volver a crearla. Hizo un tema y sus amigos empezaron a insistirle en que debía firmarla por algún sello. Ese tema era “Let It Ride” y, un día, en una fiesta privada en Ibiza, le pidieron que lo ponga. “Yo estaba en Ibiza y lo tenía en mi iPhone. Cuando estoy en una fiesta, todos me piden que sea yo el que ponga música. Yo soy el chico de la música. Entonces, me decían: ‘Daley, enchufa tu celular al sistema de sonido’, y me pedían que ponga ese tema. Así que, cuando volví, decidí que tenía que lanzarlo en algún sello. Y salió por Noir porque soy amigo de Noir. Y él quiso sacarlo.” Ese terminó por ser el primer track bajo el alias Hot Since 82, un nombre que –nos complace escuchar- no tiene el menor sentido. “Jamás estuvo en mis planes llegar hasta aquí. Como hablábamos antes sobre la espiritualidad, yo estoy convencido de que todo sucede por alguna razón. Nunca presioné a nadie. Ni siquiera a mí. La vida es lo que haces y lo que das”, nos dice y no podemos dejar de pensar en esa palabra que viene dando vueltas a lo largo de toda la charla: balance.

“Cuando estoy en una fiesta, TODOS ME PIDEN QUE SEA YO EL QUE PONGA MÚSICA. Yo soy el chico de la música.”

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“Cuando LLEGÓ LA OPORTUNIDAD DE REMIXAR ‘BIGGER THAN PRINCE’, yo estaba tan ocupado que mi manager me dijo: ‘Daley, no puedes hacer más remixes’.”

MÁS GRANDE Desde allí, las cosas se fueron desencadenando de manera increíble para él y su carrera. Volvió al juego con todas sus cartas y las circunstancias se han jugado siempre a su favor. Con el status que fue adquiriendo, llegaron grandes propuestas. Por ejemplo, la que llegó de parte de Yousef, jefe del sello discográfico Circus Recordings. “Esa fue una historia muy interesante. Cuando llegó la oportunidad de remixar ‘Bigger Than Prince’, yo estaba tan ocupado que mi manager, James, me dijo: ‘Daley, no puedes hacer más remixes’. No tenía tiempo de hacer nada. Y Yousef me había mandado una gran compilación y me dijo que le encantaría que haga un remix de cualquiera de esos temas. Y yo le decía que estaba muy ocupado y el me insistía. Me mandó unos catorce temas y, entre esos temas, estaba metido ‘Bigger Than Prince’ de Green Velvet. Y lo escuché y dije: ‘Esto está bueno. Creo que puedo hacer algo interesante’. Mi manager me dijo, de nuevo: ‘No, Daley. Estas muy ocupado. No más remixes’. Así que, sin siquiera decirle, me puse a trabajar en él y, un día, se lo mostré y le conté que había estado trabajando en él. Y le gustó”, asegura. Hasta que lo lanzó, Daley no estaba seguro de qué tan bueno era. A veces, uno se satura un poco escuchando las cosas una y otra vez. Él se la pasaba cantándolo todo el día y tenía claro que la canción era pegadiza pero no sabía cómo iban a reaccionar a ella. ¡Ni siquiera la pasaba en sus sets! “El primer día del lanzamiento, me di cuenta que a la gente le gustaba mucho así que me dije a mi mismo que debía empezar a tocarlo. Fue uno de los momentos definitivo en mi carrera. Tengo que pellizcarme para creerlo.” Ahora, Daley está inmerso de lleno en su música y en su nuevo bebé: Knee Deep In Sound. “Ya me estaba yendo muy bien con el alias y quería hacer algo con un sello. Ya tenía ‘Knee Deep In Louise’ y quería que se llame ‘Knee Deep In Sound’, para que la gente los vea y sepa que ambos eran de parte de Hot Since 82”, cuenta. Al sello le está yendo de maravillas y, más allá de editar música de calidad, con un sonido claro y reconocible, está comenzando a realizar fiestas alrededor de todo el mundo.

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Justamente, como la que tuvo en México a principios del año. “Estamos haciendo fiestas por todo el mundo, a la gente le gustan los artes de tapa y tenemos a grandes artistas en el roster. Todo va muy bien. Y, lo mejor de todo, es que no se trata sólo de Hot Since 82. Al final del día, lo que quiero pensar para el sello es que, cuando estés en un festival o comprando música online y veas el sello por ahí, sepas que vas a encontrar techno y house de buena calidad.” Daley parece haberse encontrado nuevamente y el éxito no pretende refugiarse en él. Incluso, se ha repuesto de un año duro. “A principios de 2015, tenía el oído arruinado. Desde marzo a noviembre, tocaba con una oreja lastimada. Me dolía muchísimo. Estaba deprimido, no podía escuchar mucho, me dolía cada vez más… Pero he vuelto a la normalidad ahora y estoy en un lugar súper saludable, escribiendo nueva música, al sello le va genial. Mi vida privada también está yendo bien.” Al parecer, a Daley la vida le sonríe. Su carrera como artista sigue evolucionando y su sello no sólo edita a grandes artistas sino que, además, empezó a dar vueltas por el mundo. Como nos ha hecho entender a lo largo de toda la charla, ha encontrado el balance… u


LOS HOLANDESES SUNNERY JAMES & RYAN MARCIANO BUSCAN LA SENSUALIDAD EN TODOS LOS ASPECTOS DE SU VIDA. HABLAMOS CON EL DÚO SOBRE SUS PROYECTOS Y LO QUE BUSCAN DE SU CARRERA...

L

os dúos en la música electrónica tienen miles de variantes. En algunos, uno entretiene y el otro mezcla; en otros, uno toca y el otro produce. También, hay algunos en donde ambos tienen las cualidades para realizar todas las tareas y es allí donde la conjunción de ideas crea una química inmejorable. Esto ocurre con Sunnery James y Ryan Marciano, uno de los dúos más interesantes del momento que ha sabido ganarse un lugar en la escena con una posición fiel con respecto a la industria y con fuertes convicciones arraigadas a su amor por la música. Esto nos llevó a buscarlos y hablar con ellos sobre su presente y el porqué de semejante carrera.

EL ESCAPE Los dos nacieron en Ámsterdam. Con sus padres separados, Ryan se crió junto a su madre y un hermano tres años menor. Sunnery, hijo de un padre músico –y muy talentoso, según

sus propias palabras-, no tenía hermanos y hermanas alrededor, pero sí un sinfín de primos con los que creció. “Mi padre me enseñó lo que es la música en su más diverso sentido. Desde el soul hasta el jazz, con todo lo que hay en el medio”, recuerda el de pelo corto. En ese entonces, según sus propias palabras, la noche de Holanda era épica. “No es que hoy no lo sea”, aclara. Pero era diferente. Eso fue lo que los inspiró a convertirse en DJs. La variada escena electrónica de Ámsterdam los empujó a probar suerte. Se conocieron hace muchos años. Más precisamente, hace unos dieciséis. En ese entonces, Sunnery trabajaba en una tienda deportiva y, un día, por esas casualidades de la vida, Ryan entró en el establecimiento. “Ya nos habíamos visto anteriormente pero no nos conocíamos, a decir verdad”, recuerda Sunnery. Ryan estaba en busca de alguna pasantía para la escuela así que su actual compañero decidió consultarle al jefe de ese entonces si podía

contratarlo. “La química se podía sentir desde el primer momento. Teníamos los mismos intereses, la misma pasión por la música”, se acuerdan. Ahí comenzó una relación que seguiría en el tiempo hasta el día de hoy. Con el tiempo y las charlas, la idea de realizar una fiesta fue tomando forma. “Fantaseábamos con la idea de organizar nuestras propias fiestas pero nos dimos cuenta que contratar DJs era algo extremadamente costoso. En ese entonces, decidimos que sólo nosotros íbamos a tocar”, agrega Ryan en una charla que los encuentra recordando viejos momentos. La fiesta comenzó a tener éxito y, luego de varias presentaciones, llegó la primera gran oportunidad. “Nos preguntaron si queríamos hacer un show semanal en The Escape y mi increíble bocota no pudo más que decir que sí”, continúa Sunnery y recibe el apoyo de su fiel compañero: “Siempre quisimos hacer algo con la música así que una oportunidad así no se nos podía escapar.”

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NADA TÍPICO Los shows en The Escape fueron cruciales para lo que vino después. Primero, comenzaron tocando separados. “Ambos hacíamos cada presentación por nuestra cuenta, por una hora y media, aproximadamente. Lo que ocurría es que, cada vez que nos juntábamos al final, para la última parte del show, nos dábamos cuenta que el público enloquecía y la energía crecía mucho”, cuenta Ryan, acomodándose el pelo. Allí, se dieron cuenta que la relación que tenían les permitía convertirse en un dúo y, con el tiempo, la nueva propuesta nació. Sunnery y Ryan agregaban ahora la famosa “&” entre sus nombres y el producto no tardaba en tener éxito. Primero fue Holanda; luego, el mundo entero. Su debut en la edición holandesa de Mysteryland fue lo que determinó que podían dedicarse a la música y dejar de lado todas sus otras responsabilidades. “En el año 2008, las cosas se acomodaron y los shows se volvieron cada vez más grandes. Pero habíamos hecho muchas cosas para llegar hasta ese lugar”, aclara Sunnery. Y eso que habían hecho para llegar hasta ahí, aquel trabajo duro, es el que los caracteriza. Y es mérito de ambos. “En todo sentido, es una colaboración entre ambos. Realmente, nos complementamos a la perfección y cada uno tiene lo que el otro no. ¡Hacemos que funcione!”, se defiende Ryan. Y esa defensa se extiende, incluso, en sus ideales y sensaciones sobre el presente de la escena. La distendida charla se deposita sobre uno de los temas más calientes que están presentes en la escena electrónica de hoy: los sonidos genéricos que inundan los mainstages alrededor del mundo, la falta de originalidad, como quieran llamarlo… Una crítica hacia el mundo del EDM y su casi nulo contenido. Ninguno de los dos quiere encasillarse dentro de ese movimiento y pretenden alejarse… ¿cómo? Con una clara idea de lo que quieren en su sonido. “Hay una especie de sonido mainstream para las masas. Tratamos de no seguir ese camino”, indica Ryan y Sunnery suma su idea: “Creo que no somos los usuales DJs de EDM. Tenemos un estilo propio. También, tiene que ver con el hecho de que empezamos desde el principio y no teníamos ningún tipo de presión. Hoy en día, muchos de los DJs que están gobernando la escena más comercial no tienen más que un hit en su haber y eso es todo…”

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LA PLAYA

“Menos ropa, más sensualidad.”

MARVIN GAYE “No hay discusión.”

NUESTRAS ESPOSAS SAN PABLO

“Especialmente, durante Tomorrowland.”

SEXY BY NATURE


SUNNERY JAMES & RYAN MARCIANO – “HORNY BOUNCE” “No podemos dejar de movernos. Las vibras en nuestro último track mantienen a todos moviéndose, algo esencial para nuestras presentaciones. Todo empezó con una jornada divertida en el estudio y salió esa línea de bajos mortal.”

CHUS & CEBALLOS & THE FOG – “BEEN A LONG TIME (MARK KNIGHT REMIX)” “Hay algo misterioso en este track. Especialmente, en la versión extendida de Mark Knight. No muchos lo saben pero, el track original, hecho por The Fog, se lanzó en 1993. La versión de Chus & Ceballos es una de nuestras versiones favoritas de todos los tiempos. ¡Una elección fácil!”

MICHAEL CALFAN – “TREASURED SOUL (KRYDER & GENAIRO NVILLA REMIX)” “¿Cómo no ponerse a bailar cuando suena este tema? Un obligado cuando se trata de enloquecer al público. Tiene algo de samba, algo de reggaetón, pero de una manera única. ¡Es tiempo de trabajar para estas leyendas!”

LEROY STYLES VS. SUNNERY JAMES & RYAN MARCIANO – “KARUSELL” “Pasamos un excelente momento colaborando con Leroy. Es un gran hombre, ¡y un mejor productor! Ya queremos volver al estudio con él. Cuando se lanzó ‘Karusell’, llegó al Top 10 de los charts de Beatport. Tiene ambos estilos e identidades.”

JOE BRUNNING – “NOW LET ME SEE YOU WORK” “Un poco más pesado de lo que estarían acostumbrados con nostros pero, otra vez: ¡Este track es increíble! Nos gusta tirarlo al final del set, por ese condimento extra. Joe Brunning combina las viejas vibras inglésas con un poco de techno latino y hace uno de nuestros tracks favoritos.”

Lo de ellos es otra cosa. No va ligado a las modas ni se rige por lo que suena en las radios. Ellos saben lo que quieren con su música y en ellos se refugian. “¿Un track nuestro? Tiene que tener algún tipo de sensualidad que te mantenga moviéndote en la pista de baile”, explica Ryan.

POR NATURALEZA Sensualidad. Esa es la palabra que quieren dejar bien clara. De hecho, están inmersos en el desarrollo y en la expansión de su concepto “Sexy By Nature”. Quieren que sea aquello por lo que son reconocidos. Mantenerse siempre innovadores, presentando música funky y sexy, tratando de que sea única. “Es la mejor noche de tu vida”, ríe Sunnery. La primera vez que lo hicieron, se dio lugar en Ámsterdam -¡no podía ser de otra manera!- y fue un completo éxito. Sunnery y Ryan llamaron a algunos de sus amigos para que se unan junto a ellos en el line up. El resultado, espectacular. En algún punto, resume de qué se trata la experiencia de verlos tocar en directo desde la cabina. “Ponnos en una cabina juntos y hay una interacción y una química que es súper natural”, se sincera Ryan. “Y, además, es una excelente manera de colaborar con los mejores DJs del mundo y una gran excusa para tocar en los mejores lugares del mundo”, agrega su compañero, quien resultó ser al que se lo ocurrió el nombre. “A decir verdad, tiene mucho que ver con toda la experiencia de vernos tocar.” Es sexy, candente y loco a la vez. u

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S

u infancia siempre ha estado marcada por un entorno muy familiar. Está claro, cuando comienza a hablar de su pasado, que el linaje de los Arnau ha tenido efecto desde siempre en el joven Juanito. “Recuerdo que, en mi infancia, ya todos estábamos centrados en el club Florida 135”, dice el último de los Arnau. La cuestión era de familia. Todos, incluida su abuela -quien atendía la tienda de merchandising todos los sábados del año-, aportaban su fuerza de trabajo para que el negocio funcione. “Mi abuelo, Juan Arnau, era conocido en España como el ‘techno abuelo’. Era fan del techno y de otros sonidos como el drum & bass. Nunca ha sido muy del house”, se sincera y elabora una lista de artistas favoritos de su abuelo entre los que destacan Fabio y Laurent Garnier. “Abría y cerraba la sala cada sesión”, agrega orgulloso. Sus padres fueron los que le transmitieron esos valores que conserva al día de hoy y que hicieron que, de niño, pase horas y horas junto a su hermana poniendo flyers en sobres y enviándolos a los fanáticos por correo personal. Juanito Arnau nació en Fraga, un pueblo de 12 mil habitantes de la provincia española de Huesca. Allí su familia tenía el club Florida 135, un espacio exitoso para unas 4 mil personas. Su padre fue uno de los primeros en introducir la música electrónica en España y, en ese entonces, convirtió a aquella ciudad en el epicentro de la cultura dance. “No teníamos que movernos ni desplazarnos a las grandes capitales para disfrutar cada fin de semana sino que pasaba lo contrario. Cada sábado llegaban buses y coches desde todos los lugares de España”, explica. Así, madrileños, barceloneses, andaluces, gallegos y franceses se acercaban de todas partes para bailar en su club. Creció con los amigos del pueblo y con su hermana -compañera de aventuras desde nacimiento. “Siempre rodeado de mi familia, pasé muchísimas horas con mi abuelo y mi padre, escuchándoles sólo hablar del negocio. En mi familia no se habla de nada más que no sea de la noche, clubes, festivales, artistas que funcionan en el mundo, tendencias… nunca hemos tenido ningún hobby personal. Para nosotros, la noche es nuestra forma de vida.”

EN LA SANGRE Pero la cualidad creativa venía desde mucho antes. La familia Arnau lleva más de cien años en la industria del entretenimiento, desde que el tatarabuelo de Juanito se paseaba con las cabareteras por los pueblos, bailando en las plazas mayores. El club Florida 135, por ejemplo, había sido abierto en el año 1942. “La abrió mi abuelo para que la gente de Fraga tuviera cómo entretenerse, y no tuviera que viajar e irse a otras ciudades”, asegura Juan. En aquella época, la familia Arnau tenía una gran riqueza y empresas dedicadas a la industria agroalimentaria. “Harina de trigo, cerdos, gasolineras, camiones... Luego lo perdimos todo. Nos arruinamos en los años ochenta, cuando yo nací, en medio de una gran crisis. Mi padre tuvo que dar todo a los bancos pero decidió, entonces, conservar solamente el club Florida 135 y ofrecer algo distinto.” Al día de hoy, aún sigue abierto y continúa siendo un club de culto y de súper referencia. Desde que lo abrió su abuelo, dice Juan, siempre han estado por delante, incluso, de las principales

ciudades de España, a la hora de traer artistas internacionales. “Traían en avionetas desde América los primeros discos que salían... Han pasado artistas que triunfaban en Las Vegas y han pasado todos los grandes famosos artistas españoles.” Cuando Juanito cumplió los 18 años, se fue a Barcelona con sus padres y su hermana para adquirir formación universitaria. Sus padres no querían que se separaran así que, todos juntos, fueron a vivir a la capital. Allí, la habilidad de su padre volvió a surgir y abrió un club que se hizo súper conocido en muy poco tiempo. Se llamaba ROW.

EN LA MISMA LINEA “Row significa línea en inglés. Mi padre siempre ha dicho que, si sigues en línea recta tus creencias y no te desvías, al final, consigues lo que quieres. En este caso, buscábamos crear un club de referencia en cuanto a la música electrónica y lo conseguimos.” Poco después, el club cerró por problemas con uno de los socios pero, siguiendo esa línea de la que siempre habló, el padre de Juanito volvió con una nueva propuesta. Encontró una locación especial cerca del aeropuerto y abrió el club row14. “Los inicios fueron duros y, durante tres años consecutivos, perdimos mucho dinero. Fue entonces cuando decidimos crear un producto fresco, nuevo y diferente, los domingos por la mañana.” Lo llamaron elrow sunday morning, cuenta. Le quisieron poner “el” adelante para darle ese toque español que siempre quisieron vender y conservaron, por supuesto, el nombre “row”, para que la gente sepa dónde estaba. Así, Elrow terminó naciendo hace unos seis años, gracias a Juanito y un grupo de amigos, y al apoyo de su padre para crear un producto diferente, donde el cliente siempre forma parte activa del espectáculo. “En pocos meses, ¡conseguimos ser la fiesta de referencia en Barcelona!”, explica. A los dos años, la marca ya se había consolidado en España y recibieron un llamado desde el Privilege de Ibiza para hacer sus fiestas allí, para unas 2 mil personas. Luego de dos años trabajando para dejar asentada la marca en Ibiza, se mudaron a Space. Allí, tienen hoy la residencia actual y, sábado a sábado, reciben a unas 6 mil personas. Y eso no es todo. A su vez, hace ya tres años, comenzaron a salir un poco de su querida España y decidieron

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exportar la marca al mundo. Hoy, elrow ha llegado a más de veinte países y ronda la increíble suma de cien fiestas por año. “Decidimos que queríamos enseñar a otras culturas y países lo que hacemos. Creemos que, en la noche, a veces, nos hemos olvidado que lo más importante es pasarlo bien”, reflexiona. Los Arnau han logrado quedar en la historia del entretenimiento como verdaderos pioneros. De pequeño, Juanito ha aprendido todo de parte de su abuelo y su padre, dos verdaderas eminencias. “Es un modelo familiar que ha crecido, poco a poco, entre amigos. Siempre hemos destacado mucho los valores de cercanía, amistad y familia que nos han enseñado nuestros padres y abuelos”, describe un poco, ahondando en sus inicios dentro de la empresa familiar. “Mis padres nunca han querido que trabajara en la noche. Siempre nos han propuesto, tanto a mi hermana como a mí, vender la empresa y montar lo que nosotros quisiéramos”, nos aclara. Sin embargo, el haber dedicado su infancia a ello terminó por convertirlo en un apasionado. Después de estudiar en Barcelona, incluso, realizó un posgrado de marketing en San Francisco. “Nunca hemos copiado. Siempre intentamos ir un paso por delante y crear cosas nuevas. Y eso es lo que me ha enganchado siempre de nuestro negocio. Creo que, si tuviera que copiar cosas que hacen otros, no sería lo mismo. Obviamente, el hecho de ver cómo mis padres conseguían movilizar a todo un país, y parte de Europa, para venir a Fraga a pasarlo bien, siempre me ha impresionado. Eso me ha motivado y me ha inspirado para hacer lo mismo: marcarme nuevos retos y buscar siempre una nueva forma de seguir entreteniendo.”

NUEVAS TIERRAS

La filosofía de elrow engloba una mezcla de buena música, decoración, animación y espectáculos teatrales donde el cliente es el principal protagonista. “Queremos que nuestro público participe de forma activa en los shows. Nuestro objetivo principal es que la gente se lo pase bien. Por eso quisimos llevarlo al resto del mundo. Porque creemos que en muchos sitios eso se está perdiendo. Con nuestro proyecto, queremos entretener y divertir a muchas otras culturas. En muchas ciudades, como Londres o Ámsterdam, ya nos hemos establecido con una residencia, ya sea semanal, mensual o trimestral.”

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“Después de dos ediciones en el BPM Festival mexicano, y viendo la gran acogida que ha tenido la marca en Europa, creemos que el público sudamericano nos va a recibir con los brazos abiertos. Nuestras culturas son muy similares y tenemos el mismo sentido de la fiesta y forma de vida. Creemos que la marca puede encajar muy bien con lo que los sudamericanos quieren”, nos convence y cuestionamos: ¿qué tiene que tener un lugar para ser digno de una fiesta de elrow? El lugar, asegura, no es importante. Eso puede transformarse. “Puede ser en un parque al aire libre, durante el día, o en una warehouse de noche”, explica. La magia y la energía siempre es la misma y, sin duda alguna, lo más importante es el público que llega al evento. Un público que sigue expandiéndose a cada paso y que, al parecer, tendrá su oportunidad en Sudamérica. “Estamos preparando una gira y establecernos permanentemente en algunos de los países. Esto nos ha llevado un tiempo porque requiere una gran logística para poder conseguirlo. Creemos que ahora es el momento y estamos preparados para ofrecer al público sudamericano algo nuevo, fresco y diferente. Muy pronto, anunciaremos las primeras fechas de este 2016.” Aquí esperamos... u


TOMANDO

LAS RIENDAS DESDE SU CREACIÓN, EL DÚO MEXICANO TOM & COLLINS HA CRECIDO COMO NINGÚN OTRO ACTO ELECTRÓNICO EN TODA LATINOAMÉRICA. DESDE ABRIR PARA DAVID GUETTA EN UNA FIESTA DE AÑO NUEVO HASTA GANAR EL MILLER SOUNDCLASH, TODO SE HA HECHO REALIDAD PARA ELLOS. CON UN PRESENTE INMEJORABLE, QUIEREN DEJAR EN CLARO CUÁL ES SU SONIDO Y LO HACEN DE LA MEJOR MANERA...


A

Jorge le tocó algo de tráfico por lo que empezamos hablando con Juan Pablo, en su departamento del DF, en México. “¡Muy contentos con todo lo que está pasando! Con Aftercluv, con el EDC, con el nuevo single”, empieza emocionado. El nuevo single es “Obsessed” y hace algunos días han estado grabando el videoclip del mismo. “Nosotros salimos en el video pero no somos los protagonistas. Se trata de una chava que se obsesiona con otras niñas. Es una especie de obsesión lésbica”, nos cuenta. Una idea creativa que nació entre la agencia productora, ellos mismos y dos amigas suyas modelos de Ámsterdam que fueron quienes habían realizado la letra del tema. “No queríamos que fuera una obsesión típica de un hombre siguiendo a una mujer. Tenía que tener algo diferente. Que no sea la misma obsesión de siempre”, explica. Parece ser que ellos ponen mucha atención a los detalles y buscan, en cada paso, completar todo el proceso creativo en conjunto. “Ayuda muchísimo. El video le da apoyo a la canción. Le damos una imagen a la música, como para ayudar a la asociación.”

LA BASE

Juan Pablo Escudero tiene 27 años. Nació allí, en la Ciudad de México y, desde siempre, estuvo en contacto con la música. Clases de flauta traversa y una educación musical clásica desde temprana edad fueron algunos de los primeros encuentros que tuvo con la música. “Aparte de la escuela, tenía clases particulares por la tarde”, recuerda. “Mi mamá siempre cantaba y tomaba clases y de ahí me fui metiendo pero, en realidad, nació de volverme un melómano, un adicto a bajar canciones y a saber qué era lo nuevo, todo el tiempo. Mi iPod tenía que ser el que se conectaba en todas las fiestas”, revela Juan Pablo. En la universidad se hizo amigo de dos chicas que eran DJs y, con el tiempo, decidió pedirles que le ayuden a aprender. Le enseñaron a usar el Traktor y empezó la relación con la electrónica. “Me dijeron que me baje el programa, me enseñaron las cosas básicas y empecé a practicar. Al poco tiempo, me compré un pequeño controlador y, poco a poco, empecé a tocar en algunas fiestas y en bares como Escudero.” Jorge, retrasado por el tráfico que azota al DF casi de manera constante, llega minutos más tarde para contarnos sus primeros pasos en el mundo electrónico. Oriundo de San Diego, California, nació en el año 1988 –también,

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tiene 27 años-, en el seno de una casa que escuchaba de todo. Desde música clásica hasta pop, y baladas en español “Conforme fui creciendo, fui escuchando música más alternativa por la influencia de mi hermano mayor, que siempre estaba pendiente de los nuevos estilos de música”, recuerda. Tocaba instrumentos como piano o guitarra pero fue la batería el instrumento en el que puso el foco y a lo que dedicó varios años de su vida. “Creo que mi primer encuentro se dio escuchando una serie de compilados de Global Underground. Principalmente, recuerdo el de Sander Kleinenberg y el de John Digweed”, detalla. Desde ese momento, al igual que su actual compañero, se decidió por coleccionar lanzamientos de música electrónica. En su mente, recuerda los compilados del sello Hed Kandi y los famosos Fabric Live. “Cuando me involucré de lleno en la música, empecé a traer DJs a eventos pequeños hasta que, un día, decidí aprender a tocar.”

BUEN TRAGO

El tiempo se encargó de juntarlos. Juan Pablo ya estaba tocando por varios lugares y Jorge se había asociado con un espacio en La Roma, un barrio de la ciudad. Inicialmente, iba a ser un lugar orientado al rock pero no había funcionado como pensaban. En ese momento, 46

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Jorge se hizo cargo de la artística del lugar y pensó en Juan Pablo para poner música. “Hubo una junta y me dejaron a cargo de la música. “Yo sé que tu tocas y me gusta lo que haces. ¿Qué te parece si nos damos un back to back en la inauguración?”, se lanzó Jorge y, por supuesto, Juan Pablo accedió. Se juntaron dos o tres veces para ver qué iban a hacer y terminó yéndoles súper bien. Al lugar le encantó lo que hicieron y la presentación fluyó. A partir de ahí, empezaron a tocar con regularidad allí y se generó un poco de ruido en la zona. “Desde ese momento, nos empezaron a llamar desde otros lugares y lo hacíamos como Escudero & Corral. Todavía no teníamos nombre”, recuerda Juan Pablo. En ese entonces, decidieron que era momento de ponerle un nombre al proyecto y dio la casualidad que, por aquellos días, disfrutaban mucho del trago Tom Collins. “Agarramos la costumbre de que, cada noche que tocábamos, nos pedíamos eso para ir tomando. Y había unos DJs que nos gustaban que eran Tiger & Woods, y nos gustó ese concepto de que hubiera un ‘&’ en el medio para que sepas que éramos un dúo”, recuerdan. La verdad es que terminó teniendo mucho más éxito de lo que pensaban. “No sólo el proyecto sino el nombre, en sí. ¡A nadie se le olvida! Hay mucha gente que ni sabe cómo nos llamamos y nos llama por los nombres Tom y Collins.” El repaso por el pasado del dúo los entretiene

y siguen apareciendo anécdotas. “Había una chica que traía grandes nombres de la música electrónica y, un año nuevo, estaba armando un show con David Guetta en Playa del Carmen. Y a ella le gustaba nuestra propuesta y nos dijo que quería que le abramos a David Guetta en año nuevo y, nosotros, obviamente, estábamos felices de la vida”, reconstruyen. A partir de ahí, como bola de nieve, empezaron a salir más y más cosas. “Ahí se dio algo más serio y renunciamos a nuestros trabajos”, agregan. Para ese entonces, ambos ya habían estudiado. Jorge es abogado y Juan Pablo mercadólogo y ya, en el último tiempo, combinaban sus trabajos semanales con la preparación y los shows, propiamente dichos. Luego del show en año nuevo, dejaron todo eso, se mudaron juntos y dedicaron su tiempo completo a la música y al proyecto Tom & Collins.

DESDE EL UNDER

Al poco tiempo, luego del ascenso que venían experimentando y su continua preparación, llegó la oportunidad de hacerse ver en todo el mundo con el Miller Soundclash. “Fue una mega sorpresa que nos ayudó muchísimo”, recuerdan. Desde el principio, ellos sabían que su dirección musical no coincidía del todo con lo que la cerveza buscaba para el concurso, que suele estar orientado más al


¡LOS MEJORES CLUBES DE MÉXICO PARA TOCAR BIEN DEEP! M.N.ROY

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DF

MONO

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(Playa del Carmen)

HARDPOP (Juarez)

BAR AMERICAS (Guadalajara)

SIRILO (Queretaro)

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(Monterrey)

progressive big room moderno por lo que no estaban muy seguros de participar. “Al final, decidimos tomar la oportunidad y hacer un set con una mezcla que tenga algo de house con un poco de big room, porque sabíamos a lo que iba. Y pusimos en el set dos o tres canciones nuestras.” Luego de unos días sin noticias, uno de los jurados se comunicó con ellos y evacuó algunas dudas. Quería saber de quién eran las canciones de su mix que no conocía. Por supuesto, se trataba de sus canciones originales. Ese set que subieron a la página de Mixcloud de Miller terminó por llevarlos a Las Vegas. Fueron los ganadores de la Wild Card del concurso y llegaron a la Ciudad del Pecado. “Muchos DJs de la escena del deep están peleados con el EDM y, la verdad, nosotros empezamos como DJs y pudimos entender varios géneros. No tocamos más EDM pero, en su momento, nos funcionó y nos hizo entender la escena, que

es enorme”, explican. Sin dudas, su incursión y coqueteo con este género moderno fue clave para el éxito y la expansión del dúo en la escena electrónica. “Nuestra esencia siempre fue más under y, cuando comenzábamos, íbamos por ese terreno pero, de repente, te hablan para abrirle a David Guetta y, claramente, la gente ahí no va a un concierto de Tom & Collins. Evidentemente, ese público no es de deep house ni de techno y debes ir más por el lado del pop y el big room.” Sin querer despegarse de aquel sonido, ellos quieren dejar en claro que lo suyo va por otra corriente. De hecho, sienten que, a veces, quizás por aquellas experiencias que los llevaron a la fama, están más relacionados al EDM que a su verdadero sonido. “De cierta forma sí. Yo creo que, aquí en el DF, hay mucha gente que tiene claro cuál es nuestro sonido pero, cuando empezamos, en eventos grandes como el primer EDC, tocamos más big room y, a mucha gente, se le quedó eso. Y nos vieron abrirle a grandes talentos como Avicii y, si le abres a este tipo de artistas, es claro que te relacionarían con ellos”, explican. Ahora, sin embargo, ponen el énfasis en erradicar esta idea. “Queremos romper eso. Lo que estamos haciendo y la propuesta que traemos es un poco diferente”, sigue. Pero, ¿cómo haces para erradicar esa idea en el imaginario colectivo?, nos preguntamos. “En primer lugar, con lo que tocamos en vivo porque, ahí, la gente se da una idea. Y, lo que subimos a la web, y nuestras producciones son 100% dirigidas a nuestro género.” Ahora, ya están siendo un poco más selectivos con los shows en los que participan. El nombre que se han ganado, le dio la posibilidad de elegir con qué tipo de shows quieren empezar a relacionarse y, los nombres que aparecen, son interesantísimos. Gorgon City, &ME y Damian Lazarus son algunos de los artistas que, compartiendo cabina, les han ayudado en este intento por cambiar el foco. “Estamos tomando las riendas hacia la dirección en la que queremos ir. Antes fue creciendo y creciendo y terminó siendo más grande que nosotros, ¿sabes?”, confiesan. Ahora, desde este nuevo lugar, pueden decidirlo. “Ahora, la gente ya empezó a vernos y es el momento de decirles: ‘esto es lo que somos’.” A partir del Miller Soundclash, pasaron a formar parte de Aftercluv Universal Music –sello electrónico de Universal Music con el foco puesto en Latinoamérica- y las oportunidades se abrieron. Hoy, con el apoyo de una disquera de este tamaño y toda la repercusión, tienen la espalda para moverse en la industria, encarar sus proyectos desde el foco que ellos quieren y dar ese giro en los sets y en la comunicación

TOM & COLLINS ELIGE SUS MÁXIMAS INFLUENCIAS DISCLOSURE “Nos gustaba su sonido, incluso, antes de su primer disco por la combinación de vocales pop y producción electrónica de buen gusto y alta calidad.”

VINTAGE CULTURE “Creemos que tiene un sonido único que puede prender a la gente y hacerla bailar, incluso, debajo de los 120 bpm. Un house nuevo y especial.”

THE MAGICIAN “Desde que conformaba Aeroplane, nos gustaban mucho sus mixtapes y tracks. Un house sexy y divertido.”

GORGON CITY “Nos gusta porque tienen unos basslines muy buenos y melodias vocales muy pegajosas. Tienen un live act muy interesante tambien.”

SOLOMUN “Su deep house es realmente especial. Puedes reconocer alguno de sus tracks fácilmente y es muy cuidadoso en sus producciones.”

para estar plenos. Incluso, aunque parezca extraño, aún no han lanzado ningún track original. Todo ha sido remezclas para el dúo mexicano. Ahora, llega el primero de los singles: “Obsessed”. Con él, los fanáticos podrán tener bien claro el sonido de estos jóvenes ambiciosos y, ellos, presentarle al mundo de qué se trata Tom & Collins… u djmagla.com

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TRESOR :

LA HISTORIA HABLA

CON UN PASADO QUE ABARCA MÁS DE DOS DÉCADAS Y MEDIA, Y SIENDO UNO DE LOS REFERENTES DE VANGUARDIA ARTÍSTICA Y MUSICAL EN LA ACTUALIDAD, TRESOR ES, SIN DUDAS, UNO DE LOS CLUBES Y SELLOS DE MÚSICA ELECTRÓNICA MÁS SIGNIFICATIVO E INFLUYENTE DE LOS ÚLTIMOS AÑOS Y HA INSPIRADO UN SINFÍN DE GALAXIAS DE SONIDOS, MOMENTOS, ESTADOS DE ÁNIMO, LEGENDARIAS SESIONES Y, ÚLTIMAMENTE, CONCEPTOS. COINCIDIMOS EN UNA CHARLA CON DIMITRI HEGEMANN PARA HABLAR DEL CLUB, SELLO Y MUSEO: LIVING ARCHIVE OF ELECTRONIKA. Texto: MAURICIO ATENCIA Ilustraciones: JULIETA LÓPEZ

El primer espacio de Tresor fue debajo de las bóvedas Wertheim. En ese entonces, ¿existía alguna ideología? “Por un lado, estábamos buscando un espacio donde nuestra compañía de discos -Interfisch Records- pudiera presentar a sus artistas y, por el otro, estábamos buscando una nueva ubicación porque el primer club UFO y UFO 2 estaban cerrados. La ideología era la unión con el pueblo, algo que estaba basado en la tolerancia y en la apertura hacia los nuevos sonidos.”

¿Qué tanto le debe Dimitri a Tresor, al país y a la escena underground? “Yo sólo soy una persona normal y pertenezco a este tipo de personas que tratan de mover las cosas para una mejor vida cultural. No me interesa ser el dueño de algo pero sí que los proyectos que organizo operen bajo las condiciones justas. Puedo trabajar y desarrollar un concepto hermoso pero no necesariamente tengo que sentir que es una posesión propia. En la mayoría de los casos, antes de dar inicio al trabajo, debo negociar las reglas justas y, ahí sí, estar de acuerdo en todo.”

El techno es la base de Tresor pero, El sello ha durado más que muchos ¿cómo haces para conservar la matrimonios. En estos 25 años, misma ideología y no dejar que el club siga las tendencias de la moda? ¿qué balance hace en lo artístico, “Nuestra actitud es una actitud que va en cultural y comercial? contra de la corriente principal. Y nuestro equipo siempre está trabajando duro para mantener un programa de alta calidad. Muchas veces terminamos diciendo ‘no’ pero siempre evaluamos detalladamente las ofertas de la industria y las tendencias musicales.”

Si usted no hubiera formado parte del UFO y no se hubiera creado el sello Tresor, ¿qué cree que estaría haciendo actualmente? “Creo que estaría explorando espacios olvidados y ruinas abandonadas. Trataría de darle una segunda vida a cada uno de esos espacios.”

“EL ESTRÉS EN LA VIDA DE TODO EL MUNDO HA AUMENTADO TANTO QUE CLUBES COMO TRESOR O BERGHAIN PUEDEN ALIVIAR EL DOLOR.”

“Hemos visto diferentes cambios en los últimos 25 años: La partes analógicas sobrepasadas por la sociedad digital. También, el otoño y el colapso de la industria discográfica y las ventas. He participado en el desarrollo de Tresor con una intensidad fuerte y salvaje. La gente quiere salir de fiesta sin parar. El valor de las discotecas se puede comparar con una terapia calificada. El estrés en la vida de todo el mundo ha aumentado tanto que clubes como Tresor o Berghain pueden aliviar el dolor. También me di cuenta de que la edad de los clubbers se ha alargado, ¿sabes? Siempre te encuentras con la gente que, en los años sesenta, disfrutaba de las noches de Berlín. ¡El techno libera a las personas!”

¿Qué más diría o qué mensaje enviaría acerca del aniversario? ¡Sin Tresor, Berlín no sería lo que es hoy en día! Aunque suene un poco pretencioso, es verdad. Tresor fue el prototipo de un club extraordinario gracias a una combinación entre el momento adecuado, el lugar adecuado, el contenido correcto y la gente acertada. Las personas creativas de todo el mundo se han


reunido en Berlín y han inspirado a la ciudad. Berlín se convirtió en una excelente fusión para artistas, pintores, músicos, actores, diseñadores y creativos de todo tipo y, más tarde, fue el lugar perfecto para los visitantes y amantes de las artes de todo el mundo. La llamada economía ‘Night Time’ explotó a un grado sin precedentes, transformó el panorama cultural de la ciudad y se implantó un dinamismo interno que fascina y atrae a los inversores de todo el mundo. Hoy en día, el modelo de Berlín puede servir de ejemplo para las ciudades grandes y pequeñas de todo el mundo. El mensaje de los 25 años de Tresor es igual que siempre y tan actual como siempre: dar a los jóvenes el espacio para hacer realidad sus ideas. Diga ‘sí’ a la hora de tomar riesgos… deje que suceda.”

¿Qué peso cree que Tresor generó como sello y club en los DJs? “En un primer momento, fue algo único. Tres hechos relevantes se dieron juntos. La caída del muro de Berlín había provocado una euforia increíble en la capital –el techno de Detroit acababa de llegar a Berlín y golpeo a todos los niños, tanto del Este y Oeste- y, esta maravillosa ruina, la ‘bóveda’ –Tresor-, sin ser tocada desde los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la cuna de mayor movimiento para todos esos jóvenes del siglo pasado. Sin lugar a dudas, artistas

D IM IT R I AGRADECE! “TODO ENVEJECE, MENOS TRESOR, Y NOS ENORGULLECE SABER QUE EL QUE VIENE UNA VEZ, SIGUE VINIENDO. A LO LARGO DE LOS ÚLTIMOS 25 AÑOS, TRESOR SE HA CONVERTIDO EN UN ESTILO DE VIDA…”

de Detroit como Jeff Mills y Robert Hood, de Underground Resistance, ayudaron mucho a construir una imagen fuerte para Tresor.”

¿Cómo se escoge y gestiona una programación de artistas para pinchar en Tresor? “Actualmente, contamos con un equipo internacional que trabaja arduamente en el departamento de booking. Diana es la jefa. Ella se pasea por todas partes del mundo para hacer su investigación acerca de los artistas. Ahora, las mujeres están liderando la mayoría de agencias de booking y los departamentos de booking en clubes muy respetados. ¡No todo debe ser liderado por hombres!”

“¡EL TECHNO Y LA ESCENA DEL CLUBES FUERON MUY INFLUYENTES PARA HACER DE BERLÍN LO QUE ES AHORA! MI INTENCIÓN ES MOSTRAR QUE EL TECHNO ES MÁS QUE LA MÚSICA Y LA EXPERIENCIA DE CLUB...”

¿Y qué criterios artísticos siguen para elegir el line up del club? “Para nosotros es importante invertir bastante tiempo en los artistas y tener toda la información necesaria acerca de ellos para, luego, traerlos al club. Lo relevante es conocer más acerca de ellos, tanto como personas y como artistas.”

En la escena electrónica, suele tratarse todo de unión. ¿Por qué la cabina está resguardada por barras de acero? ¿Hay algún mensaje cultural? “Realmente, las barras de acero vienen desde nuestra antigua sede: la bóveda. Todo el mundo reconocía nuestro primer club por esas barras de acero y, al final, terminaron convirtiéndose en una serie de elementos reconocibles para todos los que han estado ahí viendo el crecimiento de Tresor.”

¿Qué es lo que más ha aprendido durante todo este tiempo? “Que los jóvenes necesitan su espacio y tiempo. Siempre hay que escuchar la opinión de ellos, saber qué necesitan y darles su espacio.”

Una vez, Jeff Mills dijo: “no lances nada de lo que no estés seguro”. ¿Cuánto le tomó desarrollar toda la

Agradecemos a todos los artistas. Y al equipo que ha estado allí: ¡gracias! A aquellos que aún permanecen con nosotros, ¡más que gracias! ¡Gracias por unirse a nosotros contra el mainstream! Gracias por compartir ideas, visiones, libertad artística y unos agradables momentos… Gracias a Detroit, gracias a Berlín. ¡Gracias, Tresor!

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curaduría y el concepto de Living Archive of Electronika? “Hemos recogido una gran cantidad de información en los últimos años pero la idea no era mostrar fragmentos en vitrinas y pantallas. Yo quiero hacer que el visitante sienta el techno en los alrededores del museo. Y no me gusta el término ‘museo’, porque un museo está siempre mirando hacia el pasado y nosotros estamos tratando con el futuro. ¡El techno y la escena de clubes fueron muy influyentes para hacer de Berlín lo que es ahora! Mi intención es mostrar que el techno es más que la música y la experiencia de club y que tiene una fuerza especial. La escena del clubes de Berlín y la economía de la noche atrajo a todo tipo de creativos: directores de

cine, músicos, artistas… Llegaron a Berlín e hicieron atractiva la ciudad. Actualmente, tenemos miles de millones de visitantes cada año y muchos son inversores que ayudan al crecimiento. Tengo la intención de crear un espacio para discutir el futuro desarrollo y la manera en que otras ciudades pueden aprender de Berlín. En este momento, estoy tratando con las autoridades locales, algunas personas muy creativas y algunos inversores en Detroit. El plan es reconstruir una fábrica abandonada en el centro de la ciudad para una fusión creativa, incluyendo estudios para artistas, restaurantes, discotecas, jardines urbanos y demás. ‘Living Archive of Electronika’ presentará a las personas que se están moviendo para mostrar sus proyectos.

Incluso, estamos en la planificación de una academia para educar a los jóvenes y difundir estás ideas.”

Y finalmente, ¿cuál es el mensaje que quiere enviar con el museo? “Es un hecho: el techno y toda su cultura y movimiento hizo cambiar la ciudad de Berlín. El ‘Living Archive of Electronika’ inspirará y alentará a los jóvenes a seguir su propio camino en contra de la corriente principal. El visitante también debe entender que los movimientos pequeños e insignificantes tienen la energía necesaria para atraer el cambio. Pero antes de que algo comience, el requisito más importante es el espacio libre para obtener cualquier desarrollo creativo.”u

LA PRIMERA SESION NUNCA SE OLVIDA… PACOU “La primera vez que pinche allí, fue alrededor de 1995. Recuerdo que era un miércoles por la noche. Ese día se estrenaba una nueva serie de eventos no oficial para la nueva generación de DJs jóvenes. Fue un experimento sin ningún presupuesto, así que todo era muy social y no un gran espectáculo. El evento fue llamado ‘Headquarters’ y, en 1997, lanzamos un CD con la música de los actos de esa serie de eventos, en donde Surgeon, Claude Young y Fumiya Tanaka pincharon aquel día sin previo aviso. Cuando empiezas a tocar en un club necesitas aprender muchas otras cosas: cómo referirse a la pista de baile, la gente y el contexto de la noche. Además, anteriormente, yo no tenía experiencia para tocar con tornamesas en un club. Todo era algo nuevo para mí y, allí, el ambiente era fuerte. Recuerdo que me di unos meses para aprender a manejar las tornamesas. Entonces, empecé a hacer mi propia música en casa y, luego, le di a Dimitri una grabación. Él la escucho en su coche y después me dio un lugar para lanzar un release en el sello. Era 1994 y, para mí, no tenía ningún sentido pero, cuando empecé a pinchar allí, todo me cambio rápidamente, hasta el punto de lanzar un vinilo entre lanzamientos de Joey Beltram y Cristian Vogel. De hecho, era uno de los pocos actos de Berlín en el sello. ¡Ahora, es mi aniversario 20 en el club y 25 del sello!

JONAS KOPP “Cuando pisé el club, sentí emociones similares a las vividas cuando ponía mis primeros discos con 15 años en un club, que es el sentimiento más genuino que un artista pueda recibir y expresar a través de la música. Sin dudas, mi primera visita a Tresor no fue un show más. Marca un antes y un después en tu reputación -para la gente que hace techno. Espero que mi presencia en el club cumpla la función indicada para este tiempo: lleno de renovaciones y constantes crecimientos gracias al grupo que trabaja allí y, sobre todo, en el sello, llevando la responsabilidad de mantener la historia viva con gente nueva y otros consagrados en sincronía absoluta. Siempre lo digo: es hora de devolver un poco de todo lo que me dieron musicalmente durante años. Es un feedback genuino y honesto con el cual me siento motivado e inspirado.”

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DJ RUSH: “A mediados de los noventa, toqué por primera vez en Tresor. Todo era oscuro. El lugar estaba mal ventilado y sucio; el ambiente y la música eran intensos y la gente gritaba hasta volverse locos. Tuve la oportunidad de pinchar en varias ocasiones y mostrar una buena variedad musical, y tocar tracks inéditos de Estados Unidos que, en ese momento, aún eran nuevos para Alemania. Desde entonces, Tresor sigue siendo mi lugar preferido para estar en Berlín y sumarme a la ola del techno. Gracias al club, puedo decir que empecé un movimiento en toda Europa con el estilo de la música electrónica. Honestamente, Tresor y Europa me ayudaron a crecer como artista, permitiendome ser más creativo.”

SONICO “Recuerdo que me emocione mucho al estar en una de las mecas del techno a nivel mundial. La primer vez allí fue un jueves en la noche, en la fiesta ‘Headquarters’. Fui invitado por DJ Kriek, un gran exponente de la escena en Berlín. Recuerdo atravesar ese largo túnel tipo bunker, a lo planta subterránea de experimentos en donde, normalmente, se toca el techno más duro. Recuerdo como el sonido revotaba en esa bóveda… También los barrotes tipo cárcel detrás de la cabina... La segunda vez, fui invitado por Alan Sommrville, de Kinetic AM. Ese día pinche con Octave One y James Ruskin, entre otros. En general, ser parte de la historia de Tresor me cambio la percepción por varias razones lógicas. Por un lado, porque uno sale a conocer, escuchar y culturizarse sobre la escena que le gusta y que, claramente, lleva más tiempo en otros países. Pero, también, aprendí a valorar la escena local que, a mi manera de ver, es muy buena. Pienso que mi sesión contribuyó a la historia del club, al ser el primer colombiano en tocar allí. Sin embargo, nunca pensé en eso y tampoco sé qué tantas vibras haya generado en el publico aquella noche pero, lo que sí sé es que hice, una vez más, lo que sé hacer en un lugar legendario, donde pasé una noche genial y los asistentes se veían felices. Tresor me ayudó a reconocerme como un artista al nivel de sentirme igual a los talentos importados que tanto endiosan en Colombia. Conocer el club me hizo


pensar, por ejemplo, que nosotros teníamos un club igual o más antiguo en Bogotá, como lo era Cinema, y que, aunque nuestra escena no era tan antigua, tenía su peso y bagaje.”

GARY BECK “La primera vez que toqué en Tresor fue una experiencia mágica. El entorno oscuro e industrial era increíble. Me sentí como si estuviera en una película de ‘Alien’, excepto que estaba pinchando techno. Para mí, el club fue y es una educación importante en mi vida. El ambiente de Tresor es especial y uno tiene total libertad para probar material nuevo. El público siempre es genial y se siente una conexión única. He tenido la suerte de pinchar cerca de ocho veces en Tresor y siempre tengo ganas de asistir.”

THE ADVENT “Nunca olvidaré mi primera vez en Tresor porque sabía mucho sobre el sello y los diferentes artistas que lanzaban música allí. A mediados de los noventa, por primera vez, fui DJ en el club y todo cambio. La bóveda era un lugar verdaderamente antiguo y uno podía oler el petróleo y el óxido de los metales. Todo estaba oscuro por lo que era la oportunidad perfecta para entrar al mundo underground de Tresor. Cada persona que pasaba a través del club sabía la fuerte influencia que repercutía en el DJ y los asistentes. Además, a finales de los ochenta y principios de los noventa, algunos de los mejores exponentes del techno salían de ese planeta que era Tresor. Para mí, fue un gran honor llegar al sello, lanzar ‘Sound Sketches’ y ser parte de otros proyectos como Power House. Ahí empezó a aflorar mi amor. Los tres volúmenes de ‘Waveforms’, de Jeff Mills, y ‘Places’, de Joey Beltran, son los mejores discos de este periodo. ¡Feliz 25 años Tresor!”

ZADIG “Mi primera vez fue en 2013. Fue una fiesta ‘New Faces’, la noche del miércoles. La mayor parte del tiempo estaba dedicado a los recién llegados. Yo estaba muy emocionado. Para mí, el club y el sello representa una gran parte de la historia del techno en Europa, así que era como una bendición. A ciencia cierta, tenía un poco de estrés pero me sentía como en casa con un agradable equipo y una cabina perfecta… ¡La noche era una locura! La multitud estaba motivada y creo que realicé una de mis mejores sesiones. Unos meses después, me propusieron ser residente y dije que sí. Para mí, fue una gran oportunidad pinchar allí y representar el club y al sello. Tresor tiene una poderosa reputación internacional, con 25 años de existencia y 283 lanzamientos. Es un gran paso para un artista como yo, para seguir los pasos de artistas que me gustan y respeto como, por ejemplo, Sleeparchive, Pacou, Marcelus, DJ Deep, Jonas Kopp... Algunos de mis primeros discos fueron de Tresor. Yo apenas estaba empezando a tocar en mi habitación y no podía imaginar que, un día, sería residente y lanzaría música en el sello. Saber que Jeff Mills, Blake Baxter, Morizt von Oswald, Surgeon o James Ruskin han pasado por ahí...”

OSCAR MULERO Guardo un buen recuerdo de mi primera sesión en Tresor. Aún existía la primera locación, el club original. Para mí, significaba mucho actuar allí y recuerdo estar bastante nervioso antes de mi set –

hace más de diez años. Era joven y sentía mucho respeto y admiración por el club así que me entregué al 100% y disfruté al máximo la experiencia. ¡Fue inolvidable! El haber pinchado allí por primera vez, sin lugar a dudas, cambió algo dentro de mí como DJ. Como decía antes, es un sello y club al que admiro y tengo un enorme respeto. Es indispensable citar a Tresor cuando se quiere hablar de la historia del techno. Es difícil medir cómo pudo influir en la historia del club aquella primera sesión. Diría que han contribuido mayormente mis sesiones a lo largo de todos estos años actuando allí.”

DAVID DELGADO “En 2010, y poco después de haberme instalado en Berlín, hice mi debut en Tresor. Estaba súper emocionado de tocar por primera vez allí. Normalmente, toco con más regularidad en otros clubs, como Visinaere o Sysphos, donde la política musical es menos techno que en Tresor. Así que fue la primera vez que pude pinchar música techno en un lugar donde el género se acoge perfecto con un gran sistema de sonido… Inicié como a las 3 de la mañana y la sala estaba complemente llena. Tuve muy buena respuesta del público y, también, la pase bien. Más que cambiarme la vida, fue una nueva experiencia pinchar en uno de los clubes míticos de Berlín. Me imagino que al club le habrá gustado mi sesión ya que, desde entonces, me han seguido llamando con regularidad a tocar. Además, es un recinto increíble en cuanto a la construcción, el sistema de sonido y las luces. Ellos se han portado muy bien conmigo desde el comienzo, les tengo mucha gratitud. ¡Siempre es un placer tocar allí!”

STEVE RACHMAD “Estoy orgulloso de haber sido parte del patrimonio de Tresor desde los primeros días, a través del sello, así como el viejo club que era toda una institución, la cual nos ayudó a construir la historia del techno de una manera muy underground –algo que, en verdad, es lo que define la esencia del techno. Tresor sigue siendo relevante y es genial ver que, aún, siguen dejando huella en nuestra escena y en el contexto actual de la música. La verdad, no recuerdo muy bien el año que pinché por primera vez en Tresor pero fue durante el Love Parade. Ese día, fue algo grande junto con Jeff Mills, Carl Cox y The Advent. También, tengo grandes recuerdos de la época con Sven Vath tocando en el patio durante todo el día. ¡Feliz cumpleaños, Tresor! Me gustaría que vengan muchos más aniversarios…”

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TALENTO

Y PERSEVERANCIA ES UNO DE LOS MEJORES REPRESENTANTES QUE TIENE ARGENTINA A NIVEL INTERNACIONAL DESDE HACE AÑOS. CÓMO LLEGÓ ELIO RISO A CONVERTIRSE EN EL PRINCIPAL EXPONENTE DE LA ESCENA TECHNO DE SU PAÍS.


L

indo número”, bromea Elio cuando nos cuenta que nació en el año 1967. Es que está cerca de los cincuenta pero, como el vino, cada vez se pone mejor. Con el tiempo, se ha posicionado en un lugar inmejorable en la escena electrónica y, se puede ver, lo está disfrutando. Nació en Córdoba Capital -más específicamente, en Barrio Jardín, una zona del sur de la provincia Argentina-, pero lleva en su sangre los genes napolitanos y, nacionalizado italiano, se declara italoargentino. En esa época, su padre, con quien comparte el mismo nombre, era un reconocido jockey –cualquier relación con el nombre de ambas profesiones es pura coincidencia. Al poco tiempo de casados, los padres de Elio se separaron y el debió relocalizarse. Su padre partió hacia La Plata y él, por decisión de su madre, se fue a vivir, junto a ella, al barrio de Belgrano, en la Ciudad de Buenos Aires. En aquellos años, empezó a tener sus primeras incursiones en el mundo de la música electrónica, gracias a Fidel, un tío que compraba vinilos de música disco por la década del setenta. Allí, comenzó a escuchar artistas como los Bee Gees, David Bowie -1970, ELO -1971-, Queen -1974-, Boney M -1975-, Village People -1977- y Donna Summer -1979, entre una larga lista de artistas que recita. “Eso empezó a darse a fines de los setenta”, rememora. Con doce o trece años, no recuerda del todo, tuvo su primer acercamiento fuerte al mundo del DJing. “Se dio, un poco, de casualidad. Yo estaba ayudando a unos amigos míos a meter los equipos a una fiesta que iban a hacer, en Córdoba. Yo era el más chico y ellos me dieron las cosas más livianas para transportar. Unos auriculares, púas, unos paños y algunos vinilos de 45’. Incluso, me acuerdo que, en la prueba de sonido, me pusieron al frente de las bandejas”, cuenta Elio. Luego de ese episodio, Elio decidió acercarse a las cabinas de clubes míticos de Buenos Aires, donde conoció a muchos de los DJs de aquella época. Pasó por clubes como Freedom, La City, Hacienda, Paladium, Rainbow y Bulldog, entre otros y terminó por entablar relación con artistas de aquella época, como Poppy, Miguel Rodríguez, Petete, Julio Barreiro, Marcelo Bailey, Diego Cid, Javier Maggi, Lando, Mike Aries, Sergio Athos, Hernán Cattaneo, Ezequiel Dero, Diego Ro-K, Carla Tintore, Trincado, Quique Merola, Urban Groove, Hugo Diaz, Juan Pryor y la lista sigue…

HACIENDO CARRERA “Mi carrera como DJ, propiamente dicha, empieza como DJ independiente, cuando Poppy me recomienda en Tequila de Costanera, cuando era sólo un bar. Yo ya estaba metido hacía un tiempo y dí muchas vueltas hasta tener mi espacio. Soy de esos de ‘persevera y triunfarás’ y, aquí estoy, dándole la vuelta al mundo”, se describe. Esa perseverancia de la que habla se nota en su personalidad. Confía en lo que puede dar y, con ello, ha conquistado escenas electrónicas por aquí y por allá. No por nada lleva años tocando en las mejores fiestas de Ibiza junto a los grandes de la escena. Lo de Tequila funcionó a la perfección. Fue perfecto para poder exponerse en la escena local. Sobre todo, pensando en que fue la etapa previa a Pacha y El Cielo, lugares a donde iba el jet set y en el que él empezó a posicionarse. “Esa era una linda época del house old school”, recuerda. Con el paso del tiempo, descubrió que la evolución del mundo del DJing se estaba volcando a la producción musical y, por supuesto, perseverante, decidió continuar el camino que le haría ganar terreno en la industria. “Fui dándome cuenta que no alcanzaba sólo con ser un DJ. Había que dar un paso y, ese paso, tenía que darse produciendo, ya sea avanzar desde la parte técnica o desde la parte en que había que conectar con los sellos discográficos”, explica. Por supuesto, nos pone en época, eran otros tiempos y, aún, la revolución de la comunicación no había terminado por introducirse en todos los aspectos de nuestras vidas. No había tanta llegada con emails y todavía no se habían desarrollado las redes sociales que tanto usamos hoy en día. “No había Facebook, Instagram ni Twitter. Era más cara a cara”, asegura. De alguna manera, Elio se la ingenió para estar metido en la noche, ganándose ese lugar a como dé lugar. “No era nada fácil que te dieran un espacio”, comenta. Para ello, tuvo que hacer de todo. Desde ser el cadete, iluminador, tirador de papelitos, asistente de relaciones públicas… todo fue ayudándole a conseguir ese preciado lugar. “Mucha gente me conoce de esa época”, recuerda, nostálgico. Su status de DJ empezó a ganar reconocimiento pero no alcanzaban los shows para dedicarse en exclusiva a eso. Decidió trabajar en paralelo, durante la semana. “Al tiempo me di cuenta que necesitaba estar más cerca de la música. Se dio una oportunidad en el programa Feliz Domingo de Canal 9 y, de algún modo,

5 PASOS PARA

UNA BUENA CARRERA COMO DJ INTERNACIONAL

ESTUDIAR MÚSICA PREPARARSE TÉCNICAMENTE PACIENCIA RESPETO PERSEVERANCIA

reemplacé en diferentes horarios a Gonzalito, quien ponía la música del programa.” Demostrando esa perseverancia de la que hablábamos, tiempo después, Elio entró a musicalizar Canal 9. El canal se vendió y perdió el trabajo. Corría el año 1999 y fue allí cuando tomó la decisión de dedicarse a la música a tiempo completo. “Echaron a muchas personas del trabajo y ahí me la jugué quedándome sólo como DJ.” Elio ya era padre de Sofía y Danilo, su segundo hijo, estaba por llegar al mundo. Pasó por varios clubes durante esa época pero tuvo que irse de Buenos Aires por un tiempo. En aquel entonces, había géneros muy bien posicionados en la escena local, como el house, el trance, el deep trance y el progressive. Los circuitos eran reducidos y, si bien, había una escena en el underground para el house, el deep house y el techno de Detroit o de Chicago, no todos formaban parte de ella. Era un espacio pequeño y, teniendo pocas posibilidades, Elio partió a Ibiza para encontrar el sonido y los artistas que a él le interesaban. “Lo peor de mi carrera fue tener que irme del país para que me reconozcan como DJ internacional”, asegura. Con el tiempo, la gente comenzó a reconocerlo gracias a sus logros. De hecho, recuerda el año 2003, cuando estaba abriendo la carpa Space World Tour en el Ultra Music Festival de Miami, a un grupo de argentinos que se acercaron a la cabina con banderas y camisetas. “Eso djmagla.com

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ELIO ELIGE SUS MEJORES PRODUCCIONES 1.ELIO RISO & RAFFUNK “TO BE OR NOT TO BE”

2.ELIO RISO & NILO.R “COMMANDMENTS”

3.ELIO RISO “PAIN IN THE ASS”

4.ELIO RISO & D-URSS “THIS IS MY HOUSE”

5.ELIO RISO & NILO.R “WHAT IS IT!”

sorprendió a mucha gente. Ahí se empezó a hablar de un argentino que tenía un sonido balear, que pasaba música más ligada al tech house y al techno, que no llegaba masivamente a Buenos Aires”, dice en detalle. Elio asegura que sus experiencias en Ibiza tuvieron resultado y, la perseverancia en sus actos, lo llevaron a conseguir el reconocimiento de sus pares. Incluso, a conseguir una residencia de diez años en el mejor club del mundo, Space Ibiza.

MOMENTOS CLAVE Hay muchos momentos de su carrera en los que Elio pone el énfasis. En serio, ¡son muchos! Comienza a enumerarlos: “La convocatoria por parte de Fritz, director de Space, para ser residente de la discoteca en 2001; cuando Dave Brown, productor de Carl Cox, me incluyó en el roster de artistas de la fiesta de Carl en 2002, por supuesto, con su apoyo; cuando Darren Hughes y Mark Broadbent me incorporaron a We Love Sundays, todos los domingos; tocar, en el 2003, en Circoloco, donde podía poner un sonido bien underground; cuando Pete Tong me promocionó en la BBC Radio 1 y seleccionó mi música para su compilado de verano en 2005”, y la lista parece ser interminable. De hecho, hay más hitos que nos nombra y que, por supuesto, terminaron haciendo de él, un artista internacional. Su primera vez tocando en la carpa que Carl Cox lleva a cabo en el Ultra de Miami, en 2008; su aparición, ese mismo año, en la edición española de Rock In Rio, que tuvo lugar en Madrid, donde se presentaba junto a Carl Cox, Loco Dice y Cristian Varela; 54

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al año siguiente, el respaldo que recibió de los directores de Space, para estar presente en la fiesta Be como residente junto a Danny Tennaglia; volver a ser convocado por Carl Cox y su fiesta en Space en el año 2014 y, conseguir, ese mismo año, tocar junto a Marco Carola en Music On, pinchando por primera vez en su vida en Amnesia, después de esperar por 17 años. Una vida llena de perseverancia, de eso les estamos hablando. Así, llegaron las convocatorias para las últimas ediciones de BPM Festival en Mexico, diversas ediciones de Ultra alrededor del mundo entero como Croacia y Corea y, por supuesto, un sinfín de fechas en su Argentina natal, tocando con los pesos pesados. Además, por ejemplo, de estar presentándose en la próxima edición de Ultra Music Festival en Miami, en el escenario Resistance, orientado a los sonidos del underground. Dentro de toda esta historia, en donde se ganó el espacio a base de talento y, como venimos repitiendo hacer rato, perseverancia, Elio continuó experimentando en el estudio y, en el año 2005, uno de sus tracks tuvo gran repercusión en Ibiza. “Metí un track que se llamaba ‘To Be Or Not To Be’ y ahí empecé a tener el reconocimiento como productor”, recuerda. Ahí, muchos artistas empezaron a ver al italoargentino de otra manera. Personalidades como Pete Tong, Groove Armada, Carl Cox, Erick Morillo, Roger Sanchez, David Guetta y Tiesto empezaron a darle mucha difusión, terminando por elevar el status de Elio no sólo en Ibiza sino a nivel mundial. Musicalmente, se considera un camaleón. Sin estilo definido, trata de ganarle a las tendencias y decidir estrictamente dependiendo de cada situación, con un rango más amplio, siempre respetando líneas que van por terrenos cercanos al house underground, al tech house y al techno. “Siempre con mucho groove. Me gusta que en la pista haya chicas danzando”, nos declara jovial. Ahora, asegura, está intentando meterse en el estudio para lograr algunos temas de techno orientados a los main stages y festivales.

SANGRE Elio ha entablado relaciones con los artistas más influyentes que tiene la música electrónica en la actualidad. Desde Carl Cox, Marco Carola, pasando por Joseph Capriati, hasta Loco Dice, han compartido con él más que la cabina. “Tengo muchas cosas vividas. Algunas muy personales y otras no tanto. Ibiza tiene mucho que ver”, nos figura con una sonrisa. Sin embargo, hay un nombre con el que ha estado produciendo música en el último tiempo. Un tal NiLO.R. “Es un artista que viene creciendo a pasos agigantados”, comienza. Es Danilo, su hijo. “Poco a poco, se está posicionando como productor y está presentándose con sets en Ableton Live, dejando a mucha gente con la boca abierta.” Incluso, nos adelanta que, este año, incursionará en Europa para ganar más terreno y experiencia y no puede ocultar su orgullo. “Tratamos de trabajar juntos, pasarla bien y disfrutarlo entre padre e hijo. Es algo poco común pero a los dos nos fascina ser DJs y productores”, cuenta y deja en claro: “Lo llevamos bien. Sin quejas.” Parece ser que, esa perseverancia que ha llevado a Elio a los principales carteles de la música electrónica ha pasado, mediante genes, a su descendencia masculina… Es muy interesante dar un paso atrás y examinar cuántos DJs se han convertido en atracciones internacionales en los últimos cinco años. Lo curioso es cuántos de ellos lo seguirán siendo dentro de cinco años más.” u


EXCLUSIVE MIX

MENDO Nacido en Ginebra, Suiza, en el seno de una familia de origen español, Mendo se involucró en la música electrónica de pequeño, influenciado por los sonidos de artistas como Erick Morillo, Roger Sanchez y Masters At Work. Con el tiempo, su trabajo pasó a ser reconocido por su compatriota Luciano, quien lo sumó al roster de Cadenza y, desde entonces, se ha convertido en una gran referencia de la industria. Desde el año 2003, fundó el sello Clarisse Records, lugar por donde han pasado artistas de la talla de Hector Couto, Technasia, Cuartero y DJ Sneak, entre otros.

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EXCLUSIVE MIX - VOL 3 - PARTE 1

09. AGENT! “DO YOUR THANG (YVAN GENKINS REMIX)”

01. DJ DEP “DIRTY SYNTH (METODI HRISTOV REMIX)”

10. WADE “SPINED”

02. I HATE YOU “WHATSAPP IS NEW MISTAKE”

11. FANCY IN “DOWN TO THIS”

03. DRASTIC DUO “NEVER SEEN BEFORE”

12. SIMONE LIBERALI “SPEEDY VOICE”

04. ROSS EVANS “CURVE BALL”

13. WADE “RETROJACK”

05. DARIO D’ATTIS & YVAN GENKINS “AFRO CALL”

13. SIMONE LIBERALI “RETROJACK”

06. MIHALIS SAFRAS “DESIRE”

14. WADE “SWAN (MENDO & YVAN GENKINS DUB MIX)”

07. GONÇALO “MENTAL HELP”

15. DJ SNEAK “SECA DE LOCO (MENDO REMIX)”

08. KIKO & SPENCER K “RONDO (OXIA REMIX)”

16. HARVEY & HUNZED “SHEETA (MENDO REMIX)”


SOUNDEXILE La música de Soundexile tiene un común denominador: autenticidad. Su sociedad musical junto a Hernán Cattaneo los llevó a lograr un mayor grado de atención al detalle y, como consecuencia, su música ha recibido el apoyo de productores y DJs del primer orden mundial, como Laurent Garnier, Danny Tenaglia, Hernan Cattaneo, Ben Watt, Satoshi Tomiie, John Digweed y Sasha, entre otros. Representando a su Argentina natal, desde hace años, han estado tocando en los mejores lugares y eventos de la región y han compartido cabina con grandes nombres como John Digweed, James Zabiela, Guy Gerber, Eelke Kleijn, Guy J, Henry Saiz y, por supuesto, Hernán Cattaneo, por nombrar algunos.

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EXCLUSIVE MIX - VOL 3 - PARTE 2 01-SOUNDEXILE “ELECTRIBE” 02-HERNAN CATTANEO & SOUNDEXILE “ALTAIR (GUY J REMIX)” 03. HERNAN CATTANEO & SOUNDEXILE “CITYCISM (RICHIE G REMIX)” 04. SOUNDEXILE “DISTURBED (FRANCO CINELLI REMIX)” 05. MANUEL SOFIA “NAIADS” 06. PETERSKY “FUCK THEM ALL (OLIVERIO & MOS REMIX)” 07. TOLIS Q FT. JAY HILL “MISERY LOVES COMPANY” 08. HERNAN CATTANEO & SOUNDEXILE “CITYCISM (PIG & DAN REMIX)” 09. MARTIN MORNING & MATTIA CUNICO “DUUD (HERNAN CATTANEO & SOUNDEXILE UNRELEASED DUB MIX)” 10. SOUNDEXILE FT. JORGE & MARIA PENSI “CALLING YOU (BODELER REMIX)”

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VOLVER A LA BASE WOLFGANG GARTNER LANZÓ “10 WAYS TO STEAL HOME PLATE”, UN ECLÉCTICO ÁLBUM DE ESTUDIO QUE PRESENTA UNA VARIADA SELECCIÓN DE PRODUCCIONES QUE COMPARTE ELEMENTOS DE DIVERSOS GÉNEROS. LEJOS DEL SONIDO ELECTRO QUE LO TUVO AL FRENTE DEL GÉNERO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, UNA VUELTA A SUS INICIOS EN LA ELECTRÓNICA, DONDE EL FUNK Y EL SOUL GOBERNABAN SUS INTERESES...


¿Has experimentado esto como fanático?

A

cabas de lanzar el álbum recientemente. Luego de unos días en el mercado, ¿cuáles son los primeros pensamientos que podés hacer sobre la recepción del trabajo?

“Ha sido genial. Por ser algo que no hemos promovido o anunciado tanto, que salió en mi pequeño sello discográfico y que no tuvo ningún tour que lo apoye, ha tenido una respuesta abrumadoramente positiva y le ha ido muy bien en los charts.”

Has lanzado en forma gratuita “Speed Of Sound”. Un track hermoso con una vibra y un vocal hermoso. ¿Por qué lo hiciste? “Fue algo así como un gesto o una manera de decirle gracias a la gente que compró el álbum. La canción estaba guardada en mi disco duro y me pregunte a mí mismo: ¿por qué no?”

En el comunicado en que posteaste el regalo, asegurabas que estabas muy orgulloso de que no te hayan cuestionado el no haber ido detrás del sonido por el que eres reconocido, que hacías algo diferente y la gente lo había aceptado. ¿Habías recibido quejas por alejarte del sonido que la gente estaba esperando? “A lo largo de toda mi carrera, sí. Y es algo que le pasa a la mayoría de los artistas. Cuando uno cambia o evoluciona, habrá gente que no estará de acuerdo con esa evolución, que se quedará en el pasado, en lo que solía ser. Como artista que está en constante evolución musical, en el tiempo de las redes sociales, en donde cualquiera puede decir lo que quiera en donde quiera, he escuchado o leído un comentario negativo sobre mi música, como mínimo, una vez al día. Eso es algo que ocurre con la mayoría de los artistas reconocidos de hoy en día. Especialmente, a través de internet. Uno debe tener la piel de un elefante porque, sino, es algo que te volverá loco.”

“Hay tantos artistas que me gustan... ¡cientos! Si alguno saca un nuevo álbum que no me gusta, no importa. Esperaré al siguiente y veré si, en ese momento, coincide con lo que deseo. Esa es mi manera de pensar. Hay artistas que he seguido por más de veinte años que han lanzado música que no me gusta, junto con música que me gusta. Y, cuando lanzan un álbum que a mi no me gusta, me pone contento el hecho de ver que están lanzando música y expresándose. En otras palabras, soy de esos fanáticos que no se preocupan si su artista favorito da un giro en sus producciones o va en otra dirección. De hecho, lo celebro. Es algo bueno y saludable.”

¿Qué artistas te gustan? “Mis favoritos, desde que empecé a escuchar música house en el año ‘93, son Basement Jaxx, DJ Sneak, Armand Van Helden, Tim Deluxe, Derrick Carter y otras leyendas del house. Con respecto a la música electrónica del presente, me encanta Disclosure y todos sus imitadores que, por cierto, son muchos.”

¿Qué hay del álbum? ¿Qué nos puedes contar sobre “10 Ways To Steal Home Plate”? “Es un ejemplo perfecto de lo que pasa cuando uno decide hacer exactamente lo que quiere, sin compromisos con nadie, sin que le importe si a alguien le gusta o no. Afortundamente, parece haberle gustado a la gente.”

¿Cuál es el sonido de este proyecto? “Lo que ocurre con este álbum es que no hay ‘un sonido’. Todos los tracks son completamente diferentes el uno del otro. Una cosa que parece resonar en la gente es la introducción de elementos del disco y el funk a mi música. La mayoría de la gente no lo sabe pero es exactamente la música que solía hacer antes de ser conocido como Wolfgang Gartner. Simplemente, he vuelto a mis orígenes.”

¿Por qué creés que ocurre esto? ¿Qué hay en la mente de un fanático cuando está por escuchar algo nuevo de parte de alguno de sus artistas favoritos? “Cada persona es distinta. Algunos son de mente abierta y otros esperan que suene como ellos quieren que suene. Algunos tienen expectativas y otros sólo esperan. Hay algunos que se sienten con derecho, como si la música fuera hecha para ellos y, si no les gusta, es una especie de traición a su fanatismo. Sienten que, como han comprado tu música en el pasado, uno debe hacer la música como ellos quieren. Esos son los que suelen comentar negativamente en los videos de Youtube y en los muros de Facebook.”

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¿Y por qué dices que es diferente a tus anteriores trabajos? “Es diferente a la música que lanzaba hace seis o siete años, cuando estaba involucrado en el sonido electro lleno de distorsión, con canciones como ‘Undertaker’ o ‘Fire Power’. Pero, a decir verdad, es algo más similar a mis primeros trabajos –lo que hacía hace unos doce años, bajo diferentes aliases, en vinilo. Solía hacer house orientado al disco, al funk... Todo este tipo de cosas. Ahí es donde están mis verdaderas raíces musicales, no en el electro house. A decir verdad, el electro house fue una corta fase dentro del gran esquema de mi carrera en el negocio de la música. La gran confusión se da porque la gente cree que mi carrera empezó con el nombre Wolfgang Gartner y el electro house cuando, en realidad, mi carrera empezó en 2003. Lanzaba temas de disco y house bajo el nombre Joey Youngman, y algunos otros aliases, y viajaba por el mundo entero tocando house underground en clubes, tranportando toneladas de vinilos en bolsos.”

¿Cómo fue el proceso de creación de este nuevo trabajo? “Me tomó unos tres años. Probablemente, porque estuve viajando mucho y, durante ese tiempo, no tenía mucha energía para producir música en mis tiempos libres. Muchas de las canciones las empecé en 2013 y las estuve modificando y actualizando desde entonces.”

¿Dónde lo grabaste? “Toda la música fue grabada en mi estudio hogareño de Los Ángeles. La mayoría de los vocales los grabé en Capitol Records Studios, en Hollywood. Ahí trabajé con la mayoría de los vocalistas que están presentes.”

¿Y estas canciones siempre fueron pensadas para el álbum o se fueron acumulando canciones y decidiste largarlas juntas? “Todos los tracks del álbum fueron pensados para estar en él, si. En el proceso de creación de las canciones, hice algunas otras que no terminaron entrando dentro de la selección final, simplemente, porque no encajaban del todo con lo que había en él. ‘Speed Of Sound’ es una de ellas. Por eso la regalé.”

¿Hay algún mensaje detrás del álbum? “Si. El mensaje es: ‘devolvamos algo de música a la industria electrónica’. Cuerdas, instrumentos, intérpretes talentosos, escritores, cantantes... Eso era la música electrónica y siento que se ha perdido en los últimos años. Una nueva generación de ‘artistas’ y DJs ha invadido la escena y, para muchos de ellos, ascender, ser exitosos y conseguir dinero es más importante que lo que, en realidad, debería ser sustancial: la música. Esto se ha trasladado a la industria musical que está ciega por los flashes, la fama y la imagen de los artistas en el escenario, en detrimento de la música que están haciendo o tocando. La verdadera música ha pasado a un segundo plano y espero que mucha gente se sume junto a mi a tratar de revertir esto, haciendo música electrónica que tenga que ver con la música y no con todos los otros accesorios. Esto no es sencillo. Requiere más que sentarse en una laptop a apretar botones. Se necesita conocimiento en música, aprender a utilizar instrumentos, colaborar con gente talentosa y hacer un esfuerzo constante por hacer mejor música que la que se está haciendo.”


¿Qué hay del arte de tapa? ¿Qué mensaje querías dar con él?

LAS MEJORES DE

“10 WAYS TO STEAL HOME PLATE” “Hurricane Slurricane ft. Dam Funk & E-40”

“Es mi canción favorita. Tiene todo lo que me gusta y fue un verdadero desafío a la hora de producirla ya que había que incorporar muchos elementos con cierto tacto.”

“Y.W.M.O. ft. Gene Noble”

“Es mi segunda canción favorita del álbum. Me gustaría hacer un álbum entero con canciones con esta vibra. Es, sin dudas, una canción de disco house y me permitió volver a mis raíces y conseguir ese groove en el que estaba metido en 1995, cuando empecé a producir y este género estallaba en todos lados.”

“Faded ft. Marc Griffin”

“La tercera favorita. Como pueden ver, hay un patrón aquí. Las tres favoritas son las que más están influenciadas por el funk y el disco. Desde que las hice, desarrollé un nuevo deseo de tratar de revivir esos elementos del funk y el soul en la música electrónica. Fueron una parte muy importante de la música cuando yo crecí.”

“Turn Up ft. Wiley & Trina”

“Usaba esta para abrir mis DJs sets antes y nadie sabía qué era, mucho antes de que salga el álbum. El público siempre enloquecía.”

“Es un mensaje similar: la sociedad sigue aumentando su confianza en los dispositivos electrónicos y la experiencia humana se vuelve, cada vez, menos real. Cuando vas a un evento y todos tienen su celular en frente de su cara, en vez de ver el show, hay algo que está mal, aunque se considere algo normal. Prefiero ver las caras de las personas cuando miro al público, en vez de unos celulares bloqueando sus rostros. Las redes sociales se han convertido en un espacio constante de comentarios negativos, modas y promociones que no hacen más que oscurecer nuestras almas. Lo que intenté decir con la tapa del CD es: apaguen las redes sociales por un rato, dejen el teléfono cuando estén en un evento y vuelvan a conectarse con el mundo real.”

¿Cómo describirías el producto en general? “En los últimos años, cumplí treinta años, pasaron muchas cosas por mi vida personal, me comprometí y, de alguna manera, maduré. Y, con este cambio, dejaron de importarme muchas cosas. Construí mi propio ‘filtro’ y decidí sólo escuchar los comentarios y el feedback positivo. Esto me blindó frente a los que siempre critican y me agregó positividad. Probablemente, por dejar de ver los comentarios negativos constantemente que, como te había dicho, es algo que ocurre a todos los artistas. Creo que, simplemente, crecí y tomé la decisión consciente de usar la música para alimentar mi alma, en vez de preocuparme por complacer a los demás, sabiendo que siempre habrá alguien que pueda disfrutarla.”

¿Qué es lo mejor? ¿Hay algo que no te guste o creas que puede ser diferente? “La canción ‘Hurrican Slurricane’ es mi favorita. Podría hacer álbumes enteros con ese sonido. Tiene todo lo que amo: disco, funk, hip hop y electrónica. ‘Saved’ es, probablemente, la que menos me gusta. De hecho, no la quería incluir en el álbum pero a un grupo de amigos les gustaba mucho y me convencieron de que era buena. Así que la incluí sabiendo que a mucha gente le iba a gustar, a pesar de que, personalmente, no sea más de mi agrado. A veces, como artista, uno no ve su propio trabajo de manera objetiva. A veces, uno debe dejar que los demás hagan ese tipo de decisiones, cuando ha dejado de tener perspectiva sobre una canción.” u

“Feel Right ft. J Hart”

“Es como una adivinanza para mí porque sé que es, probablemente, el tema más pegadizo del álbum pero, para mí, es un poco vieja ya que la hice hace tres años. Me encanta la contribución que hacen los vocales de J Hart. Este será, probablemente, el principal corte del álbum porque ha sido el más popular entre el público. En una gran coincidencia, es la producción más antigua del álbum.” djmagla.com

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CANTANDO

VICTORIA LA BELLA VICTORIA ENGEL GANA TERRENO EN LA ESCENA ELECTRÓNICA INTERNACIONAL CON UN ESTILO MARCADO Y FECHAS CADA VEZ MÁS IMPORTANTES. TODA UNA CARRERA POR DELANTE Y LOGROS YA ESTABLECIDOS, LAS CLAVES DE UNA JOVEN QUE PISA FIRME.

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Todo se fue dando de a poco”, dice Victoria. Ella, como muchos otros artistas nacionales, está viviendo el mejor momento de su carrera, sumando experiencias tanto en territorios locales como extranjeros, ganando adeptos en la escena, sumando horas de cabina y compartiendo line ups con nombres importantes del mundo electrónico.

PINTANDO EL FUTURO Nació el 24 de febrero, un año antes del inicio de los noventa, inmersa en una casa en la que se respiraba arte. Su familia, en gran parte, está compuesta por artistas plásticos y, como no podría ser de otra manera, se inclinó por terrenos creativos. Allí, Victoria se fue empapando musicalmente, con un poco de pop, rock y disco de los ochenta, sumando bandas de su Argentina natal como Virus y Soda Stereo. “Mis primeros encuentros con la música fueron cantando en reuniones familiares”, cuenta llena de frescura. Con siete años, ya jugaba a tener su propio radioshow, en donde presentaba diferentes estilos musicales, grababa sus programas en cassette y llevaba el registro de los hits que pasaba en un cuaderno. Al parecer, la selección musical era algo que siempre despertó su interés. Con el tiempo, la inquietud para estar siempre encima de lo último en términos musicales, la llevó a meterse en el mundo de la música electrónica. Como integrante de una familia de artistas plásticos, por supuesto, se inclinó por esta disciplina. Comenzó a pintar y a cantar y, eventualmente, formó parte como vocalista de una banda de jazz y blues. Algo que no duró mucho ya que demandaba demasiado tiempo. Allí, decidió volcarse de lleno a la producción y al DJing. “En el 2008, empecé a frecuentar fiestas de música electrónica. Me atrapó mucho ver cómo 64

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mezclaban… Como un DJ podía contar una historia a través de los sonidos, ¡cómo manejar una pista! Estaba admirada por sus técnicas.” Luego de un tiempo, y de mucha práctica, Vicky tuvo la oportunidad de musicalizar un segmento de electrónica en un reconocido club de Buenos Aires. Esa experiencia duró unos tres años y fue fundamental para darse cuenta de que su interés iba más allá de la mezcla y comenzó a meterse en la producción, algo que comenzó en 2012. “Fue fascinante empezar a utilizar una plataforma donde podía crear mi propio sonido”, explica.

DE LOCAL Ese mismo año, con algunos amigos, empezó a organizar sus propios eventos. Mientras estudiaba en una escuela de música y cumplía con otros trabajos para poder adquirir nuevos equipos, su carrera comenzó a crecer. “Fui invitada por la gente de We Must a su programa de radio que se transmite por streaming. Seguí haciendo presentaciones en bares y, más tarde, en clubes, hasta llegar al interior del país”, relata. Pero todo terminó de consolidarse en 2014, cuando Emma Buezas, director de Unique Community, le propuso tener una reunión. “A partir de allí, mi carrera dio un giro absolutamente profesional. Me encontré haciendo presentaciones en lugares muy prestigiosos de todo el país, hasta llegar a ser residente del ciclo Crobar Be Techno, en la ciudad de Buenos Aires”, destaca Victoria sobre uno de los ciclos más ricos que ha tenido la Argentina en el último tiempo, donde se ha dado el lujo de compartir cabina con Anja Schneider, Ambivalent, Format:B y Jon Rundell, entre otros. “Recuerdo mi primera presentación en Crobar, junto a Format:B. Fué un gran desafío presentarme en este club ante tanta gente.”

Y, si… Es como ella decía. Todo se fue dando de a poco. Arrancó hace muchos años como un juego. Luego, pasó a ser un hobby y, lentamente, se convirtió en una profesión. “Seguí apostando a pesar de los altibajos”, se enorgullece. “Fui aprendiendo, creciendo y contactándome con gente hasta dar con personas que confiaron en mí y me dieron el lugar para poder expresar lo que llevo adentro.” Como una gran figura de la escena local, Vicky tiene claro lo que pasa en su tierra natal. “En Argentina se genera una conexión realmente fuerte con el público. Cada vez es más la gente que sigue al género, que escucha algo tuyo y luego se interesa por tus sets o producciones. Es realmente muy motivante. Por otro lado, tenemos una escena underground muy grande. Contamos con presentaciones internacionales todos los fines de semana”, explica mientras hace un análisis

Sus INFLUENCIAS femeninas Margaret Dygas

Cassy

tINI

Anja Schneider


más detallado sobre su condición de local y los beneficios que tiene al ser portadora de sangre argentina. “Los DJs que alguna vez visitaron el país saben que se genera algo especial. Tenemos grandes artistas que han crecido aquí. El público es exigente, sabe lo que va a escuchar. Por eso creo que salir de Argentina tiene sus beneficios.”

EL TOQUE FEMENINO Y vaya si tendrá sus beneficios. Victoria ha editado en sellos como Agile Records, Voltaire Music y Deep Tech Records y, gracias a esa presencia en las vidrieras extranjeras, empezó a tener bookings en el exterior. “Hace un tiempo, estaba planificando mis primeras presentaciones en las Islas Canarias cuando me llegó un mail de una agencia Suiza invitándome a tocar a Zurich. Al año siguiente, volví a Europa para realizar presentaciones en Alemania, España, Suiza, Francia, Turquía, Bélgica e Italia”, agrega a la lista. Desde su visión –la cual compartimos-, sus viajes a Europa le han permitido compartir ideas y conocimientos con artistas que residen allí y descubrió un abanico de géneros musicales más amplio, generando posibilidades de aprendizaje más diversas y, en definitiva, más ricas. “La escena del underground es muy grande. Sobre todo, en Berlín. Aprendí mucho estando allí”, apunta quien, además, ya ha tenido la suerte de visitar varios países de la región, entre los que destacan sus presentaciones en la discoteca La Feria de Chile, y en países como Uruguay y Brasil, donde se presentó en la fiesta Crib, en San Pablo. En definitiva, Victoria pasó a ser una verdadera trotamundos, con un pasaporte repleto de sellos y una valija llena de experiencias. Logró su lugar con esfuerzo y perseverancia y fue poniendo en práctica todo lo que fue viviendo, tanto en lo personal como en lo profesional.

“Todo nos enseña”, agrega atinada. Pero hay un detalle que no puede pasar desapercibido. No es fundamental ni determinante pero no se puede negar. En una escena super poblada de DJs masculinos, Victoria impone su espíritu femenino. “En este ambiente hay más hombres que mujeres. He vivido diversas situaciones…

Las MEJORES presentaciones de VICTORIA Club der Visionaere (Berlin) “Es uno de los íconos de esta ciudad, donde pasaron artistas como Ricardo Villalobos, Zip... Allí se genera una atmósfera muy particular. Se caracteriza por sus prolongadas sesiones, donde el público está predispuesto a apreciar un sonido mas experimental.”

Club Cue (Estambul) “Fue un festival que se realizó en una fábrica abandonada, en la ciudad de Vercelli, donde compartí cabina con artistas como Mike Shannon y Dewalta, referentes musicales para mí...”

Nylon Festival (Italia) “Recuerdo que esta fecha fue muy especial, partiendo desde el trato de los organizadores hasta la calidez del público. Me sentí muy cómoda. La conexión allí fue única.”

Algunas más simpáticas que otras, pero las experiencias me fueron enseñando como sentirme cómoda”, explica sin minimizarlo. De hecho, nos cuenta, cuando comenzó a recibir ofertas para tocar, pensó en utilizar un alias para que el hecho de ser mujer no influya en el posicionamiento de su música y que el público sea, en sus propias palabras, más objetivo. “Finalmente, opté por usar mi nombre porque ya había hecho varias presentaciones”, asegura. “De todas maneras, lo que uno puede transmitir con la música va mucho más allá del género.” Otra de las cosas en las que se detiene es que, al ser una minoría en la escena, puede generar mayor expectativa en el público. Posiblemente, haya gente que preste más atención a su presentación por el simple hecho de no haber escuchado a una mujer pinchar jamás. Por supuesto, esto es algo que deberá sostener musicalmente a lo largo de sus presentaciones. Algo que Victoria entiende a la perfección. No se duerme en sus laureles. Muy por el contrario, continúa su ascenso, trabajando firme y sin perder el rumbo. Actualmente, nos cuenta, está produciendo un EP en solitario, que verá la luz en el mes de junio en vinilo. En paralelo, trabajo junto a Javier Carballo en su próximo lanzamiento para el sello Unique Trax y se toma su tiempo para encarar un proyecto junto a Ronan Portela que se orienta al house y al techno más old school. Victoria disfruta mucho de su carrera, de hacer música y de tener la suerte de poder conocer gente y nuevos lugares. “Tengo muchas expectativas con mi carrera. Haber elegido esta profesión y que todo haya ido dándose de esta manera me gratifica muchísimo”, reflexiona. Abierta a lo que pueda llegar a pasar en el futuro, tiene la intención de basarse en Europa y, en algún futuro, crear un sello que se identifique con su sonido. u

Revier (Zurich) “El line up estuvo compuesto por Click Box y Felipe Forte. Se realizó en el último piso del hotel Panamericano, en San Pablo, donde se puede apreciar la vista de toda la ciudad. Muy buena locación. La noche fue excelente.”

Supermarket (Zurich) “Este club es uno de los íconos del underground en Zurich. Fue la última fecha de mi tour por Europa, en noviembre del 2015, donde conté con la presencia de varios amigos y colegas.”

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PAR A H C U M N CO UN

A I C N E POT

MARCELO MEDINA & MARIO SEGOVIA SON LAS DOS PARTES DEL DÚO PARAGUAYO DE DJS Y PRODUCTORES CONOCIDOS COMO M2M.

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V

ienen ganando espacio en la creciente escena paraguaya gracias a sus sets explosivos que les permitieron acceder a la chance de compartir cartel con artistas de la talla de Hardwell, Dimitri Vegas & Like Mike, Martin Garrix, Quintino, NERVO y DVBBS, por nombrar sólo algunos de una extensa lista. Sin embargo, en sus inicios, la realidad era muy diferente a la actual. “Empezamos haciendo radio online. Se llamaba La Previa Online. Un día, nos invitaron para tocar a un boliche pero de manera separada. Decidimos tocar juntos por una cuestión de horarios y la experiencia nos gustó. Así fue que empezaron a salir las cosas y estamos trabajando juntos desde finales del 2013”, nos cuenta un Marcelo muy entusiasmado, recordando el tiempo transcurrido. En el 2015, produjeron el track “Metrazooka”, uniéndose a otros jóvenes talentos como Agustín Gandino y NM -Nelson Mendoza-, con un estilo electro, fiestero y apto para grandes escenarios. Éste fue su debut en Beatport, a través de Ensis Records, y, hoy, ya cuentan con su coproducción “Follow Me” -junto al holandés Sherano- como parte del Airborne Artist Agency ADE 2015 Sampler y lo definen como house melódico. “Nuestro tema fue parte del compilado del mismo sello que se presentó como material del 2015 y, ahí, fue lanzado como uno de los mejores temas del año pasado”, destaca Marcelo y hace un balance diciendo que les fue muy bien y que, en este 2016, ya tienen agendado ir a tocar a Brasil en marzo y a Irlanda en julio. Por su parte, Mario acota que el estilo que difunden como M2M va más hacia el electro house, al trap y al hip hop. “Hacemos una mezcla de todo. Buscamos ser bastante fiesteros y dar mucha energía al show”, explica el joven DJ.

para presentarse en un evento llamado Holi Fun. Marcelo completa la lista aclarando que les tocó presentarse, también, en Brasil y Estados Unidos y agrega, orgulloso: “El viaje que tenemos previsto para ir a tocar en Irlanda al Horizon Music Festival, el 2 de julio, será nuestra primera vez en Europa. Claudio Vierci, nuestro manager, nos había comentado que había una posibilidad de ir a tocar allá y se pudo concretar. Iremos a lo que será la primera edición del festival que se va a realizar en ese país y cuenta con grandes productores a nivel mundial… Cuando vimos el video del festival, y apareció nuestro logo, ¡fue algo increíble! Además, estamos terminando de armar el tour por Europa, agendando fechas en otros países. Vamos a ver qué más surge…” Además de presentarse en diferentes fiestas, boliches y shows, se dan a conocer por el radioshow “Venus Global Mix”, el exponente radial del EDM, un programa que lleva más de 10 años al aire en el que diferentes hosts se van sucediendo. “Tenemos un radioshow en Radio Venus que va de lunes a viernes y es considerado el programa más importante de electrónica a nivel país. Los fines de semanas nos dedicamos a tocar. Estamos siguiendo esta rutina hace ya un año”, asegura Mario. A pesar de haber hecho radio anteriormente,

en forma online, Marce señala que esto es totalmente diferente: “Lunes y martes nos enfocamos a los lanzamientos para mantener actualizada a la audiencia. También, incluimos nuestros tracks y otros de producción nacional mientras que, el fin de semana, buscamos ser la previa a la salida al boliche.” Les consultamos acerca de los perfiles a los que apuntan a la hora de producir música y ambos coinciden en señalar a Dimitri Vegas & Like Mike como norte pero, también, incluyen a G.T.A y Slander. Sin embargo, aclaran que, en un set, se acercan más a lo que es el dúo de Miami G.T.A por lo ecléctico, diferente, loco, sorprendente y movido que suenan en vivo. M2M es parte del line up del próximo Life in Color a realizarse en Asunción el 23 de abril, donde se presentarán junto a Crespo, Alok, Robin Schulz y Alesso. Nos adelantan que tienen preparada una sorpresa ya que van a estar lanzando un tema nuevo al que llamaron “Maranhao”. Un track que tiene un estilo jungle y que ya cuenta con early support de Fight Clvb, Jewelz & Sparks, Pink Panda, HIIO, Stafford Brothers y Zombie Kids. ¡Esperamos escucharlo! u Texto: ANNABEL PITAUD

En medio de la entrevista, se puede notar un perfecto equilibrio entre ambos, como el ying y yang, donde uno es más hablador y energético, mientras el otro es más calculador y observador. Por supuesto, el resultado es una suma bastante productiva. En el 2015, estuvieron llevando sus sets a todo el interior del Paraguay en lo que se llamó “Out of Mind Tour”. Recorrieron varias ciudades junto a otros DJs como HIIO, Oliver Twizt y Mark Shakespeare, y cruzaron la frontera llegando, incluso, a Corrientes, en Argentina, djmagla.com

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25 AÑOS

DE EXPERIENCIA INNATA ELVIS Y RICKY LLEVAN TODA UNA VIDA INMERSA ALTERANDO EL AMBIENTE MUSICAL DE COLOMBIA, NO SÓLO EN EL ROCK SINO, TAMBIÉN, EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y SUS DERIVADOS. CONMEMORAMOS LAS DOS DÉCADAS Y MEDIA DE ESTADOS ALTERADOS E HICIMOS UN FLASHBACK DE SUS CINCO ÁLBUMES PARA SABER POR QUÉ EL PROYECTO HA MARCADO A MÁS DE TRES GENERACIONES.

ESTADOs ALTERADOS (1991) Desde mediados y finales de los años ochenta, el synth rock colombiano proponía no atarse a esa melancolía que abundaba dentro de otros géneros. De algún modo, su primer álbum propuso adaptarse a esa corriente pero extirpando algunos sonidos para marcar un camino más new wave y futurista. ¿Estamos en lo correcto? “No sabemos de otros referentes del synth rock colombiano en aquella época, ya que no existían. Nuestro primer álbum fue una contra respuesta a lo que se vivía en Medellín aquellos años donde la violencia, el sonido y la estética de la ciudad cambiante, como consecuencia del narcotráfico, hicieron de nosotros unos extraterrestres a nivel audiovisual. Lo que sí sabemos es que, diez años antes, grupos como Nash, de Medellín, liderado por Víctor García, quién sería nuestro productor en dos álbumes y, a su vez Ship, de Bogotá, liderado por Jorge Barco, habían empezado a integrar, en su sonido, sintetizadores, el mellotrón -aparato hermoso y escaso, abuelo del sampler- y, a su vez, los originales Moog de indescriptible calidad sonora. Antes de que Ricky y Tato -miembro de Estados que abandonó

la banda en el 2010- llegaran a Estados Alterados, tuvieron un proceso de experiencia con un proyecto cercano al new wave. Se podría decir: más pop. Se llamó, inicialmente, Trama y, posteriormente, Código. Además, Elvis y Ricky fueron testigos de uno de los eventos que, de una manera u otra, determinó la base, años después, de Estados. Fue la visita, en 1986, de un proyecto liderado por Dieter Moebius, Conny Plank y Steffen, artistas que dieron vida al movimiento Krautrock en Alemania y que influenció el movimiento musical electrónico en Europa y el mundo entero.” Los sencillos “Muévete” y “El Velo” se editaron en 45... ¿Cómo fue tener un formato que, en ese momento, entraba en desuso por el auge del CD? “En 1989, el CD todavía no se veía llegar al mercado con una banda de nuestro género y menos en el país. Existía el LP y el formato 45 RPM. Nuestro primer proyecto independiente fue ese sencillo de 45 RPM en 1989 que impactó por su sonido electrónico a un país que estaba acostumbrado al clásico sonido rock donde predominaban los instrumentos clásicos pero sin mucha tecnología. Gracias a Discocentro, en aquellas galerías de San Diego, tuvimos el apoyo incondicional de una de las tiendas más reconocidas por su calidad sonora en nuestra ciudad. Tanto así que, allí mismo, en su patio,

dimos un concierto en una tarde soleada inolvidable. Para 1991, cuando grabamos nuestro primer álbum, el clásico “Estados Alterados”, había unos cuantos cercanos a la disquera que no querían que el grupo tuviera el material en CD, ya que lo consideraban -en aquel momento- un artículo de lujo que, se creía, debía pertenecer a unos pocos. Para nuestra sorpresa, la disquera de ese momento no dudo en prensar nuestro álbum en CD -incluyó un bonus track no presente en los otros formatos-, LP y cassette.”

CUARTO ACTO (1993) ¿Cómo fue para ustedes vivir el cambio y la influencia de internet en la industria musical? “Para nosotros, la tecnología del internet se dio como una curiosidad más a explorar, y terminó por verse reflejada en la primera página web de Estados Alterados. Algo que, para su momento, nadie sabía el impacto posterior que iba a tener. Esto se dio gracias a Glenn Arango, un amigo de Tato que, ya estando en Estados Unidos, nos ayudó a tener una plataforma para la misma. Si no estamos equivocados, esta primera página fue la primera de un grupo colombiano en la red y fue


entre el año 1993 y 1995. Hasta ese momento, la industria musical seguía aferrada a su formato clásico y las disqueras a su control absoluto de la industria. Vaya sorpresa se llevarían, años más tarde, con el arribo de las descargas masivas de música por medio de la plataforma Napster y sus hijitos que, inicialmente, eran gratis y que, hoy por hoy, intentan reevaluar su forma de trabajo como plataformas musicales con un costo donde las ganancias son mínimas.” En “Cuarto Acto”, se escuchan tres partes: el contexto histórico, la orgánica y la sintética, ¿cuál viene primero? “Se podría decir que todas a la vez. En esto de la música no hay un orden absoluto en el proceso creativo. Ya, quizás, dentro del proceso de elección de lo que se queda, se vuelve un poco más matemático pero, en sí, veníamos de grabar un primer álbum que, para los estándares regulares de ese momento, rompió con los esquemas tradicionales de lo que se escuchaba y se hacía en Colombia. Y quizás, con cierto atrevimiento, ¿por qué no decirlo?, en Latinoamérica. Recuerden que, en ese contexto, la única manera de grabar un álbum era que te ofrecieran un contrato en una disquera y, con ello, la empresa ya te hacía sentir que te estaban haciendo ‘el favor’. Así que nuestro sonido electrónico llegó a la casa por tradición de la música tropical en Colombia. Allí nos recibieron con un nuevo sello que ellos querían desarrollar con la meta de tener, también, en su casa, bandas de rock. El experimento fue muy valioso y allí es donde converge lo orgánico y nuestro sintético mundo. Estuvimos rodeados de Fruko y de Alfredo de La Fe, entre otros artistas. Ellos, por cuestiones de disquera, fueron parte de ese proceso de aprendizaje para todos nosotros. ¡Qué experiencia! Tanto para nosotros como músicos, como para aquellas personas, como Carlos Alberto Acosta “Cal”, quien creyó en las posibilidades de consolidar la industria del rock en Colombia. Después de su paso como periodista y DJ en una de las más importantes cadenas de rock de nuestro país, La Superestación, en aquella época, le apostó al rock en nuestro idioma como ningún otro en aquellos años.” La armonía puede ser entendida como el orden de los sonidos y, también, como el orden divino del cosmos. Entre estas dos armonías, ¿cómo ven esa relación con su música y, concretamente, con “Cuarto Acto”? “El orden de los sonidos lo teníamos claro pero estábamos navegando en una dimensión semidesconocida… En un cosmos que ni ellos -la disquera- nos entendían totalmente y, nosotros, a ellos, tampoco. Éramos de otro planeta. Unos jóvenes adultos con ganas de grabar lo que tanto queríamos: nuestra música. Lo que vivimos fue como estar en el espacio y que de pronto

te digan: “tenemos un viaje interestelar”. Nos montamos en la nave, llegando, de pronto, a un mundo desconocido llamado isla tropical, con los mejores equipos de grabación a los cuales habíamos tenido acceso y un contacto con seres extraordinarios llamados artistas de música tropical, deseosos, que intentaron lograr y entender nuestro lenguaje. Sabíamos que, afuera, había otro cosmos que nos entendería mucho mejor con nuestro lenguaje y, por eso, estamos aquí, 25 años después…”

ROJO SOBRE ROJO (1995) Hace poco se lanzó un documental de Discos Fuentes. De algún modo, diferentes artistas de la disquera como Fruko, Alfredo de la Fe o Diego Galé -por no mencionar todos-, fueron personas vitales dentro de los arreglos y la esencia musical de “Rojo Sobre Rojo”. ¿Qué tanto aportó cada artista dentro de la estética y sonoridad de Estados Alterados? “Ellos fueron parte de lo que sería, sin darnos cuenta, uno de los primeros experimentos integrando ritmos afro-colombianos con un sonido electrónico en nuestro país. Lo que, hoy, muchos definirían como world music se dio, allí, sin planearlo. Lo más interesante de ese proceso con estos maravillosos artistas fue el aprender de ellos y crecer en nuestra experiencia como músicos. Los violines de Alfredo de La Fe le dieron a “Seres de La Noche” la dimensión que se buscaba. Fruko, con sus arreglos en varias canciones abrió ‘El Armario’ con ‘Algo más que Compasión’, que buscábamos con ‘Lléname de Estrellas’. Diego Gale, en ‘Ángel Perdido’, le dio a esta canción toda una cadencia sincopada con su percusión en un ¾ intencional, contando uno, dos, tres, uno, dos, tres…”

ROMANCES CIENTIFICOS (2010) Desde “Romances Científicos” decidieron ir armando la colección pero, ¿cuánto tiempo les tomó armar todo? “En realidad, el proyecto del box set “Colección Estados Alterados 5/25” empezó a ser concebido durante la grabación de “Intruso Armónico”, en la finca de Ricky llamada ‘La Alterna’, durante una preproducción en el oriente antioqueño y en los estudios de grabación en Los Ángeles y su masterización en Nueva York. Citamos estas ciudades porque, en cada una de ellas, se maduró un proceso de creer que se podía concebir una colección de nuestros cinco álbumes que tanto

productores como técnicos, nos llenaron de confianza para lograr un sonido y producción que nos dejase satisfechos. Durante este proceso, a Wolf Guarín, artista plástico que ha sido parte de Estados y quien fuese el impulsor de la imagen de “Intruso Armónico”, se le encomendó la tarea del box set, pero era momento de darle oportunidad a alguien que había sido parte del proyecto en la parte de merchandising y que, para este momento, tenía todos los argumentos y experiencia para dedicarse al box set. Caro García, hija del productor de nuestro primer y último álbum, sabía de nuestra historia, del camino que hemos recorrido y, en un viaje a Los Ángeles, se le insinuó la idea de darle libertad en su creatividad gráfica para con el proyecto. Terminó consolidándose en Medellín para nosotros aprobar o sugerir detalles del trabajo y cómo lo queríamos conceptualizar. El box set es, sin falsas modestias, una obra de arte, que incluye diseño, fotografía y guías de cada álbum a nivel visual y narrativo, en donde los íconos o figuras que representaron cada álbum de Estados son parte interactiva de esta colección. En ella, se trató de respetar y valorar el trabajo de todos aquellos que han hecho parte de Estados Alterados a través de la historia. Además, para cada librillo, tanto Elvis como yo, nos tomamos el tiempo de sentir y escuchar cada álbum para plasmar por escrito lo vivido en cada momento.” ¿Y en esa travesía de armar la colección, qué sintieron? “Mucha alegría de escuchar, sentir y saber que hemos sido participes del sonido de este país, de valorar 25 años con altas y bajas, de saber que, como nos decían hace poco, un cuarto de siglo no los cumple cualquier proyecto artístico en nuestro medio y, menos, como lo hemos sabido llevar como concepto grupal y, podríamos decir, colectivo. Por supuesto que se recuerdan a los que no quisieron o pudieron continuar siendo parte de este proyecto pero, al mismo tiempo, esperando que también se sientan partícipes de esto. Es, de una manera, el mejor regalo para los seguidores y aquellos que empiezan a darse cuenta de la historia de Estados Alterados. Al fin y al cabo, gracias a todos por estar ahí y ser parte de esto.” Para mucha gente, su música es melancólica, triste y, a veces, nostálgica. ¿Qué es lo que siempre han querido transmitir en particular? “Más allá de querer o tener un objetivo, hemos reflejado, en nuestras canciones, lo que somos. Se trata de dejar que cada uno interprete sus vivencias con nuestras canciones, a su manera. De que, a cada huella que se tenga en la vida, la gente pueda inmediatamente coexistir con Estados Alterados.” ¿Cómo sienten que ha cambiado el panorama musical durante todo este tiempo? djmagla.com

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“El panorama musical, a nivel creativo, ha crecido exponencialmente al lado de internet. Como en todo, el péndulo de la música, hoy, está en un lugar en que nadie sabe el rumbo de lo que antes se daba por hecho. Refiriéndonos a que tú adquirías tu música por medio de un vinilo, cassette o CD y, de ahí para adelante, la fórmula estaba calcada por las disqueras y, si contabas con apoyo de los medios tradicionales, se conectarían con tu proyecto. Hoy, puedes hacer y rehacer y, si se es inteligente y se cuenta con un poco de visión, puedes reconocer tu espacio entre miles y miles de proyectos. Lo que sí es de destacar es la inmediatez con la que el oyente, hoy, decide acercarse a un proyecto y de cómo, los que se hacen llamar artistas, toman provecho de ello. Es importante concebir proyectos y que las personas se tomen el tiempo de conocerlo. Es importante trabajar en tu proyecto y madurarlo. Hoy, se pasa de una canción a otra en segundos y todo apunta a que, si no es ya, no es nunca. Vivimos en un afán que la música ha sufrido con ello, donde la estética, el arte, el concepto y la composición pertenecen a un submundo que existe pero para el cual hay que tomarse el tiempo de descubrir. Estamos en un momento donde la gente creería estar leyendo un libro entero y a lo que reducen su experiencia es a leer sólo un capítulo. El mismo artista ha caído en esta trampa de producir y producir, sacrificando el verdadero arte como tal.”

INTRUSO ARMONICO (2014)

¿“Intruso Armónico” fue un disco que sorprendió a los fans y ayudo a cambiar la percepción que el público tenía de Estados Alterados? “Esperemos que ‘Intruso’ haya cumplido el objetivo. De lo que sí estamos seguros es que es un disco que reúne madurez, curiosidad, experimentación y crecimiento de nuestra parte. Tanto Elvis como yo crecimos con el álbum en todo el sentido de la palabra. Todo esto, respaldado por una producción de la mano de un Alterado más, como lo sintió Víctor García, nuestro productor, amigo y músico invitado, Juan Gallego. Además, en este laboratorio de ideas estuvo Wolf Guarín, quién fue el artífice de la pieza de arte alrededor de ‘Intruso Armónico’ y quién nos llevó a apostarle al vinilo, después de muchos años sin hacerlo. Además, nuestro dúo dinámico de producción en vivo, nuestro equipo de medios, agente y músicos en vivo -Juan Gallego, Camilo Lucena, Natalia Valencia y Felipe Carmona- hacen de esta historia lo que somos. ¡No somos un grupo de masas, no tenemos que ceñirnos a la corriente principal y en este disco hicimos uso pleno de esta libertad!” 70

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¿Cómo se destaca “Music Complete” dentro de la discografía de Estados Alterados, teniendo en cuenta que éste es el primer álbum donde sólo quedaron Ricky y Elvis? “Elvis y yo no sentimos que la labor está completa. Estamos en un proceso de crecimiento como nunca antes lo habíamos experimentado, nos sentimos libres en muchos aspectos y, durante estos años, hemos crecido como músicos y artistas. En Estados Alterados las ideas fluyen con mayor facilidad. No estamos solos. Tanto Elvis como yo –Ricky– somos los líderes de un proyecto que queremos y del que nos sentimos responsables, manteniendo la armonía que un grupo necesita en su convivencia diaria. Elvis y yo basamos este proyecto en la amistad y el arte como expresión. Sin las personas que forman parte del equipo, tanto en la parte gráfica y creativa, en la comunicación, como los músicos que son fundamentales y que nos acompañan en este proceso, esto no sería posible.” ¿Cómo se acercan a cada proyecto? En el caso de Ricky, no es lo mismo trabajar como psiquiatra y entender la música desde la ciencia y, en el caso de Elvis, como docente universitario y diseñador industrial. ¿Cómo hacen para compenetrar esos gustos y retratar todo dentro de la música? “La ciencia y el arte se complementan el uno con el otro. Todavía, hay muchos que creen que son dos campos diferentes, no compatibles, pero no es así. Con los años, hemos logrado diversificarnos como artistas gracias a nuestro contacto con la ciencia, con la docencia y con otros mundos. El artista de hoy debe ser integral, ya no se trata tan sólo de ejecutar un instrumento sino, también, de cómo te involucras y analizas el mundo que te rodea, cómo aplicas tu conocimiento en tu arte, cómo multiplicas tu potencial creativo a través de la ciencia. En eso, Elvis y yo hemos logrado confluir muchas ideas que se reflejan en el proyecto. Durante la producción y grabación de nuestros discos hablamos de mil cosas, además de música. Eso se refleja en el producto final.” ¿Cómo describen ese viaje cósmico por el que han transitado tanto tiempo? “Un viaje en una galaxia que todavía tiene muchos agujeros negros pero que, con convicción y sin entrar en rutas facilistas, sabemos que vamos por un camino, quizás más largo, pero lleno de aventuras. Estas son la razón del por qué seguimos explorando y, ¿por qué no decirlo?, continuar siendo la fuente de inspiración para otros viajeros que se atreven a despegar y explorar mundos desconocidos y arriesgados como el nuestro.” Entonces, ¿se puede decir que ustedes, desde sus diferentes gustos y campos explorados, difunden un mensaje sobre cómo la música ejerce un papel en la vida?

“Si vamos a la hipótesis darwiniana de la selección natural creo que Estados Alterados ha sobrevivido por creer y evolucionar, por generar una forma de vida alrededor del sonido. Aquí no se vale el ‘si hubiéramos’. Dentro de Estados Alterados se permite soñar y creer en la experimentación, en el riesgo de ejecutar y no hablar más de la cuenta.” Estados Alterados es una banda que en los últimos diez años no ha sido apadrinada por un sello fuerte y, sin embargo, ha logrado concretar grandes cosas, fuera y dentro del país. ¿Cómo forjar esto sin cambiar el espíritu independiente que los caracteriza? “¿Cómo? Ha sido una labor supremamente dura y difícil pero, los que estamos y creemos en el proyecto, sabemos lo que estamos haciendo y porqué lo hacemos. En este período, Estados Alterados ha continuado siendo un centro base de conocimiento y experiencia para artistas y personas que han hecho parte de este proyecto a nivel creativo. El espíritu del cual hablas es un sentimiento que fluye entre el público y nosotros. Cuando haces una labor con argumentos sólidos, y el sonido e identidad que caracterizan tu ADN ya es parte de muchos, ese es el motor para continuar. El ser libre e independiente en el mundo artístico tiene sus ventajas y desventajas. Ya quisieras tú poder sólo dedicarte a la composición y a tocar tus conciertos después de levantarte en un hotel pero, en muchas ocasiones, nos ha tocado ser roadies, managers, stage managers, diseñadores, cobradores, o todo esto a la vez. En los últimos años, hemos logrado consolidar un equipo de trabajo que merece nuestro reconocimiento no sólo por su grandeza en el trabajo sino por su convicción de sentirse parte de Estados Alterados y de creer en este proyecto de 25 años.” La palabra independencia suena bonita pero, ¿qué significa realmente ser una banda independiente? “Ser independiente significa estar pensando en cómo vas a dar lo mejor en tu próximo paso. En el caso nuestro, como artistas audiovisuales, estamos conectados las 24 horas con sucesos y posibilidades de acción. Para lograrlo, se debe realizar un esfuerzo a todo nivel. Tanto desde el aspecto de crear una empresa, como del respeto por el trabajo en grupo y de cómo valorar a cada persona que hace parte del equipo de trabajo. El microcosmos de Estados es el resumen de una sociedad social demócrata donde, en ocasiones, a uno de nosotros le toca redireccionar objetivos con la claridad para mantener la motivación y las ganas de alcanzarlos. El querer tener y cumplir metas implica una planificación a corto, mediano y largo plazo, como en cualquier empresa. Nos preocupamos por generar una conexión genuina y directa donde el seguidor o persona que está descubriendo al grupo se preocupe y sienta este proyecto como de sí mismo ya que es la plataforma base para poder continuar. Se trata


de que la gente se sienta parte del proyecto, de la importancia a nivel independiente de su aporte, de su apoyo, de lo que significa comprar un vinilo, un CD, una camiseta, de la compra de un boleto para un concierto… Por esto y mucho más, Estados Alterados es una banda siglo XXI y, como tal, esperamos que, algún día, si regresa una disquera a nuestro mundo, la honestidad y libertad del poder creativo sea la primera cláusula del contrato. Por ahora, estamos satisfechos con nuestras propias reglas de juego.” En estas dos décadas y media, ¿cuáles han sido los aspectos más gratificantes de poder manejar su música, estilo, esencia y estética? “Lo más gratificante es haber logrado mantener un concepto alrededor de una identidad, de lo que somos, de dónde venimos… Y es curioso que sea, precisamente, en el concepto de identidad en lo que diferimos de la mayoría de la música que se hace actualmente en nuestro país. En nuestro caso, es una fuerza vital que la gente reconoce en nuestro sonido. La evolución y el crecimiento dado por el aporte de músicos y personas que son, o han sido parte de Estados, ha sido inmenso. Hemos logrado conformar un equipo de trabajo en un medio donde, lo que hoy prima, es el nosotros y no el yo. En Estados Alterados, desde el principio, hemos sabido trabajar como grupo y eso es lo que nos tiene aquí, hoy, después de 25 años.” Si la carrera de Estados Alterados no hubiera sido formada de manera independiente, ¿en qué punto creen que estarían actualmente? “Más bien, si a la carrera de Estados como proyecto independiente no se le hubiera sumado el concepto de ser grupo, de crear empresa, de crecer como individuos, de ser colombianos, de soñar y de mantener los pies en la tierra. Si Elvis y yo no disfrutáramos de la ciencia, las artes y la inventiva en general, Estados Alterados no existiría. Somos el resultado de muchos factores que se confluyen y es el resultado de lo que somos hoy.” ¿Y qué ha sido lo más difícil de mantener durante el tiempo? “Lograr equilibrar las cargas entre el esfuerzo físico, mental y económico para que Estados Alterados sea lo que es: un proyecto audiovisual independiente, con su propia personalidad, donde el público tiene una carta de presentación de que en Colombia se tiene mucho más que de aquel salpicón tropical que reina en nuestras calles, manoseando impúdicamente el concepto de identidad que hoy denominan música urbana.” Dentro de la música electrónica, hay artistas que han influenciado a DJs y músicos, como David Lynch. ¿Qué artistas jugaron un papel fundamental en su carrera? “Como David Lynch hay varios personajes o artistas que nos han llevado a buscar el más allá. Al momento de responder esta pregunta, despego

a Marte, David Bowie, a quien debemos el poder de la reinvención y experimentación a nivel artístico en toda su dimensión. A su vez, Cerati, quien, casualmente, el día del lanzamiento de nuestro álbum ‘Intruso Armónico’ en el Teatro Pablo Tobón Uribe, murió después de años de sueño. Él, quizás, es el referente hispanoamericano más cercano a la admiración y el respeto junto a Miguel Bosé. Y no podríamos dejar a un lado el movimiento Krautrock alemán por el que hoy podemos hablar de la música electrónica. En fin, podríamos hablar de música clásica, experimental… hay mucho qué decir.” Para ustedes, ¿qué tanto ha sido el legado que han marcado dentro de la escena electrónica y synth rock colombiano? “El legado no lo escribimos nosotros. Eso le toca decidirlo a otros. Si hemos sido pioneros, si somos referentes de pocos o muchos. Bienvenido sea el continuar creando y creyendo en lo que somos. Ya, al final, cuando nosotros viajemos a otro mundo, sabremos si en realidad o no valió la pena tanto esfuerzo y convicción por lo que tanto queremos: la música.” ¿Cuáles fueron esas razones para que ustedes se convirtieran en los embajadores del rock electrónico hispanoamericano? “Qué bueno saber que somos embajadores y más aún de todos los hispanoparlantes. De lo que sí estamos seguros es que el experimentar por 25 años con elementos electrónicos, en un medio donde los sintetizadores, la batería electrónica, los samplings y el sonido industrial no se traducían en nuestra música y entorno, abrió un camino para muchos. El creer que esto era factible, que se podía hacer bien, aún, con limitantes a nivel técnico e infraestructura.”

“Sin darnos cuenta, quizás, lo que se resume en la pregunta es el objetivo de una colección. No podíamos dejar pasar estos 25 años sin celebrarlos. Es un regalo de estos primeros 25 para ustedes, para la persona que disfruta del verdadero arte. La Colección 5/25 es una pieza de deseo y una crónica audiovisual que se sintetiza en sesenta canciones y que no podíamos dejar a un lado, pues el que está apenas llegando a esta historia llamada Estados Alterados tendrá un recorrido por muchos mundos y momentos a describir. Y, el que la conoce, que se prepare para vivir una experiencia equiparable a una banda sonora de sus propias vidas, como ya muchos seguidores nos lo han expresado de múltiples maneras.” ¿Cuál es el reto ahora? “Viajar al más allá y saber que se puede. En este momento de noticias tan difíciles para nuestro país, nos enteramos de que la película ‘El Abrazo de la Serpiente’ está nominada a los Óscar y, quizás, para cuando se lea éste artículo, Colombia ya tenga su primer premio Óscar. Esta noticia, inmediatamente, cambió el panorama del país y, si bien, no arregla los problemas, nos da una confianza en que sí se puede salir de las dificultades. Creemos el arte puede cambiar las cosas y motivarnos a enderezar la ruta. Sin dudas, el arte puede salvar este maltrecho mundo. ¡Y estamos trabajando en ello!” u

Aparte de reflejar su historia, el box set presenta toda la estética sonora, audiovisual, cultural y el contexto histórico. ¿Se puede decir que están dejando una huella para futuras generaciones? djmagla.com

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EL SELLO DISCOGRÁFICO TRANSMAT CUMPLE TREINTA AÑOS. HABLAMOS CON SU JEFE, DERRICK MAY, SOBRE LA HISTORIA Y EL PRESENTE DE UNA PLATAFORMA QUE HA SIDO FUNDAMENTAL PARA EL DESARROLLO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA. DE DETROIT AL MUNDO ENTERO, TRANSMAT SIGUE FIRME, CON LA IDEA FIJA...

DESDE EL

ORÍGEN


¿Qué hacías cuando decidiste empezar el sello? “Hablaba con Juan Atkins acerca de la evolución que esperábamos de la música electrónica.”

¿Cómo era la escena electrónica en ese entonces? ¿Qué ocurría en Detroit? “Juan Atkins y Rick Davis eran la escena electrónica en Detroit.”

¿Y por qué decidiste empezar el sello? ¿Cuándo se dio? “Todo tuvo que ver con ver a Juan hacer música. Teníamos conversaciones acerca de ser músicos negros intentando hacer música electrónica. Yo era un discípulo de Juan. Él era mi profesor, mi hermano y mi amigo.”

¿Había alguien que te ayudaba en los inicios? “No, nadie. Sólo nos ayudábamos entre nosotros.”

¿Y cómo se fue desarrollando el equipo de trabajo del sello con los años? “No había un equipo. Eramos sólo nosotros. Hacíamos la música, la vendíamos, hacíamos la promoción, la subíamos a los camiones y la llevabamos a lugares como Chicago o Nueva York. Si alguna compañía discográfica o distribuidora, como DJ International, no quería pagarnos, un amigo mío me llevaba manejando a Chicago a conseguir el dinero.”

DERRICK ELIGE LA COLUMNA VERTEBRAL DE TRANSMAT

¿Y cómo fue la evolución? “Desafortunadamente, no fue muy productiva.”

¿Qué grandes diferencias podés marcar entre aquellos días y el presente del sello?

R-TYME – “R-THEME” PSYCHE – “NEUROTIC BEHAVIOR”

“¡Hemos sobrevivido! Eso es lo que importa.”

¡Sobrevivieron unos 30 años! ¿Qué se siente llegar a cumplir un logro como este? “No siento nada, honestamente. Mi razón es la siguiente: siento que hay muchos artistas talentosos con los que no pude trabajar. Creo que, por esta razón, no he completado mis objetivos con el sello. No estoy diciendo que Transmat sea un fracaso pero creo que hubo muchas posibilidades que no desarrollé en el momento correcto.”

JAY DENHAM – “FADE TO BLACK” DIGITAL JUSTICE – “IT’S ALL GONE PEAR SHAPED CHOICE (LAURENT GARNIER & SHAZZ) – “ACID EIFFEL”

¿Cómo tomás las críticas negativas? ¿Te interesa leerlas? “Tenés que encontrar lo bueno en lo malo. Es parte del juego. Si no puedes aceptar lo malo, deberías salirte del juego.”

¿Y suelen parecerte acertadas? “A veces, sí; a veces, no. No puedes complacer a todos.”

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¿Qué es lo mejor acerca de Transmat? “La mentalidad, la actitud, la filosofía.”

¿Qué cosas diferencian al sello del resto? “Nunca me importaron las masas. Nunca busqué el camino sencillo. Siempre salí de lo simple buscando cosas especiales, a los creativos, a los que nadie les había dicho que sí.”

PRÓXIMOS

LANZAMIENTOS TRANSMAT CELEBRA SU 30° ANIVERSARIO CON UNA SERIE DE LANZAMIENTOS

KARIM SAHRAOUI ETERNAL LIFE PART 2 01. FATHER’S LEGACY 02. PRELUDE

AZIMUTE - PARADOX 01. PARADOX

HIROSHI WATANABE MULTIVERSE 01. THE MULTIVERSE 02. THE LEONIDS 03. SOUL TRANSITIONS 04. APERTURE SYNTHESIS

DEEP’A & BIRI - ECHOIC MEMORIES 01. ECHOIC MEMORIES 02. 1406 DAYS 03. FORMS OF SADNESS 04. RITUAL

¿Qué necesita un track para ser lanzado mediante Transmat? “Necesito que mis artistas sean pacientes porque me tomo mi tiempo. No me apuro para nada. Busco esa música que supera el paso del tiempo. Como siempre, busco artistas que se destaquen –no a artistas que quieran lanzar una moneda al aire. Así que, los artistas que figuran, se sostienen en el tiempo. Lanzan música en otros sellos pero hacen música especial, particular, para Transmat. Y por eso lo logran. Muchas veces, cuando los artistas hacen música para el sello, su carrera pasa a un nuevo nivel. Pensemos en Kenny Larkin, Stacey Pullen, Carl Craig… todos fueron parte de la escuela inicial de Transmat. Jay Denham, también. Y hay muchos otros que tuvieron la chance de entender la disciplina. La razón por la que trabajé con esta gente es que busco gente que entienda que no se trata de hacerse famoso o tener la oportunidad de hacer más música. Tiene que ver con cambiar la manera en que la gente ve el todo… Entender la disciplina y el foco real de la misión. Es inútil, en algún modo, porque estamos en el fondo de la cuestión. ¿Quién nos está escuchando? ¿Quién presta atención? Lo importante es no prestar atención a quién está escuchando sino cuánto tiempo durará la música. Así se podrá seguir escuchando. Entonces, es por ello que siempre he tenido una manera particular de buscar artistas. Nunca decidí sumar a un artista porque está en un buen momento. Me gusta pensar que busco artistas que tengan las herramientas para permanecer por un buen rato.”

¿Cuántos tracks recibís semanalmente y cuántos de ellos terminan firmando? “¡Ninguno! No aceptamos demos. Quiero conocer a los artistas. Quiero saber de ellos y sentir que corresponden a la imagen, a mi estado mental.”

¿Cuál es el proceso para lanzar un track en Transmat? “Paciencia, paciencia y más paciencia.”

¿Qué artistas tienes en vistas para sumar al roster del sello? “Se van a enterar pronto.”

¿Cuáles son los artistas más representativos del sello? “¡Todos!” u

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En la pista

EN LA PISTA

La convivencia del UNDERGROUND Estuvimos en Playa del Carmen para vivir lo mejor del BMP Festival... Texto: SOL PELTENBURG | Fotos: ALIVE COVERAGE

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omenzamos nuestro viaje instalándonos en la zona céntrica de Playa del Carmen para, luego, recorrer un poco y darnos una idea de lo que íbamos a vivir durante el festival. Cuando se hacía de noche en la turística zona de la Riviera Maya que está bañada por las costas del Mar Caribe, partíamos hacia la oficina central del festival donde, todos aquellos privilegiados que podían asistir, pasan a retirar sus pases de tres, siete o diez días. Nosotros, emocionados, cumplíamos el objetivo y lográbamos acreditarnos sin mayores inconvenientes.

Teníamos planeado llegar a La Salsanera, esa misma noche, antes de las 2 de la mañana para poder disfrutar un poco del techno que había allí. Algunos problemas de logística nos retrasaban y, minutos antes de las 3 de la mañana, ingresábamos al salón. La fiesta de la noche la llevaba adelante FORM, sello discográfico del francés Popof, quien se presentaba acompañado por Julian Jeweil y Animal & Me, estos últimos dos actos en formato live. Un gran line up para comenzar nuestra aventura. La Salsanera es un predio reconocido en Playa del Carmen. Con un agradable mix entre un club de salsa y el estilo del lugar, presenta dos pistas: el mainfloor y el roof floor. El techo es de paja y no hay paredes

que separen la pista de la calle, sólo unas altas cañas que dejan afuera a los peatones. ¡Eso da una sensación increíble! Al entrar, primero, está la terraza. Allí se agrupan los fumadores que no tienen permitido saciar su vicio dentro del recinto. En la parte trasera, la barra se hace presente, con algunos mozos que se encargan de tomar los pedidos de las filas de mesas altas que se ubican en ese sector. Derecho desde la entrada, esquivando uno de los grandes parlantes, se accede a la pista central. Aquí tampoco hay paredes que separen. Simplemente, bajando el escalón, uno se sumerge en la oscuridad. Aunque, a decir verdad, la luz de la calle no deja lugar para la penumbra. En todo momento hay luz. Al fondo, detrás de la barra –que también cuenta con techo de paja-, está la escalera que nos lleva al roof floor. Allí hay mesas al estilo VIP y unas lámparas rojas. En el centro de la pista, se hace presente una enorme maseta con sus bordes haciendo las veces de asiento, con maderas que lo rodean. Hace calor. Unos 28 grados, nos avisan. El sonido nos envuelve y sorprende por su nitidez y ya está tocando Julian Jeweil, con su presentación en directo que es, más bien, un híbrido: un DJ set en el que incorpora algunos elementos extra que interpreta in situ. Un poco más oscuro de lo habitual pero siempre enérgico. Para las cuatro de la mañana, su presentación nos tiene a todos en vilo y nadie parece querer irse. Le sigue Popof. El francés arranca algo sensual, para bailar, con el track “Fomo” de Lauern Lane y, rápidamente, hace la transición hacia su sonido. Tech house con bombos del techno y bajos llenos de groove, donde lanza bombas como “Rotate” del ascendente Mihai Popoviciu o “Soul Reactions” de Miguel Bastida, que genera una locura colectiva que nos sorprende. Julian Jeweil lo acompaña, durante toda la presentación, y en la intimidad de la fiesta, bailamos todos juntos y, cuando el cierre se hace inminente, nos agrada pensar todo lo que queda por delante… La estadía en México es agradable y lo pasamos genial. La zona es ideal para el turismo y, como la mayoría de los asistentes, mezclamos las fiestas con algo de exploración. Después de una excursión que nos ocupa el sábado, llegamos a la tarde del domingo frescos, reponiendo energías en nuestro lugar de descanso. A la noche, planeamos nuestra ida a la siempre interesante fiesta Music On pero nos enteramos de un acontecimiento imposible de dejar pasar. Dubfire y Richie Hawtin están preparando una presentación en formato back to back gratis, en la calle. El increíble evento se llama “Technotacos” y tiene lugar en “El

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PLAYA DEL CARMEN, MÉXICO

Fogón”, una de las más famosas taquerías de todo Playa del Carmen. Los gigantes del techno plantaron una cabina al lado de la taquería y se disponen a hacer un back to back en medio de la peatonal. Algo único. No sólo es increíble la experiencia por lo musical sino, también, por lo que se está generando. La calle se llena de gente y todos disfrutan de lo que ocurre. Algunos comen tacos, otros han venido sólo a bailar. Un niño baila al ritmo del techno en los hombros de quien, creemos, es su padre. No puede tener más de 5 años. Emociona lo que se vive. El underground se apoderó de las calles en Playa del Carmen que, a esta altura, ya están completamente intransitables. En términos musicales, es como si Richie se estuviera amoldando al sonido de Dubfire y gobiernan los tracks de SCI+TEC. Artistas como Ricky Ebner y Sinisa Tamamovic se escuchan mediante los parlantes y el techno es protagonista. Oscuro, con groove, la calle está más oscura que el medio de la selva. Una experiencia única gracias a una propuesta sin precedentes que quedará en nuestro recuerdo por siempre. Y aún queda noche por delante. Teníamos planes. Podemos haber ido de vuelta a descansar después de semejante experiencia pero tenemos una cita con Paco Osuna y Marco Carola, protagonistas de la noche que se viene en Music On.

En la pista

La residencia que tiene Carola en Ibiza hace algunos años ha crecido hasta convertirse en una reunión de culto de la música electrónica y todos quieren vivir aquella experiencia, al menos, una vez. Cuando llegamos a Blue Parrot, uno de los mejores predios que tiene Playa del Carmen, a orillas de la costa, Paco Osuna musicaliza el ambiente. La escencia de Playa del Carmen vive dentro de este predio y, con palmeras, techos de paja y madera por doquier, seguimos disfrutando de predios rústicos en su máximo esplendor. Un set espectacular, impregnado de tech house prolijo, tiene a todos bailando. Unos españoles que nos cruzamos por allí, nos aseguran que se trata de una de las mejores sesiones del artista. La línea certera con destellos de house que se combinan con percusiones se disfrutan y Marco Carola aparece en escena. En vez del típico traspaso de cabina en donde uno corta su performance y el otro inicia desde cero, hay un pequeño back to back de diez o quince djmagla.com

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En la pista minutos que hace que los despistados ni se enteren del cambio. Rodeado de mujeres y artistas reconocidos como, por ejemplo, Jamie Jones, Marco monta un verdadero espectáculo. Un tech house a lo Music On, de ese que ha adquirido un groove arrollador, con vocales que te transportan a Ibiza ida y vuelta, y otros temas conocidos como “Frequency” de Mendo y Danny Serrano o el clásico “I Get Deep” de DJ Le Roi. La fiesta es completa aquí en Blue Parrot e, incluso, Marco se extiende por una hora más de lo esperado. Son las siete cuando empezamos a retirarnos del predio… Una vez más, decidimos pasar un día sin fiesta para disfrutar de la increíble naturaleza en las costas mexicanas del Mar Caribe . Es que lo del domingo nos dejó pasmados y el lunes no supimos más que relajar. El martes, sin embargo, salimos de nuevo a explorar la noche del BPM Festival y partimos hacia el singular terreno en donde se erige The Jungle. Luego de andar un rato por caminos de tierra, llegamos al complejo que sólo posee una carpa que se posa sobre la pista y una cabina llamativa. Toda de madera, con luces que cambian de color con cada uno de los DJs que se hacen presentes. Desde donde entramos, hasta donde se hace presente la pista, vemos una buena cantidad de puestos de comida y barras que, incluso, tienen espacio para el confort de los clientes, con mesas, sillones y hamacas. Allí, además, las marcas aprovechan para realizar sus acciones y unos particulares auriculares gigantes tienen a muchos asistentes sacándose fotos. El VIP, algo alejado de la cabina, está elevado del suelo, llamando la atención cuando ingresamos. Detrás de los límites del espacio, la selva se eleva enorme, haciendo de este, nuestro lugar favorito de todo el festival. Musicaliza H.O.S.H. que, como esperamos, acorde al horario, ameniza con un progressive fino, fiel al sello, que sube lentamente. La transición con Kollektiv Turmstrasse se da pasadas las once de la noche y el estilo cambia un poco. Aunque cuesta acomodarnos, terminamos disfrutando de la presentación del dúo que, desde hace tiempo, forma parte del roster que encabeza Solomun. Las gogo dancers van y vienen y la música oscurece con los minutos, hasta que el jefe sale a escena y el aplauso general ensordece. Las gogo dancers vuelven a las tarimas, coincidiendo con el inicio del set del propio Solomun. La música, desde ahí, es increíble. Se suceden tracks que sólo alguien con su nivel de sofisticación puede hacer sonar con tanta harmonía. Sí que sabe cómo mover al público. Sube los BPMs

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cuando hay que hacerlo y baja la euforía con sonidos sutiles. Es una clase magistral de parte de un número 1, en un lugar soñado. Para nosotros, sin dudas, es lo mejor del festival y el track “Better For My Brain”, de Pele y Shawnecy, sigue resonando en nuestras mentes. A minutos del cierre, la lluvia parece querer escuchar el set de Solomun. Por suerte, la logística no se hace desear y las vans nos llevan directo a nuestro refugio a descansar. El miércoles tenemos una cita imperdible en Wah Wah Beach Bar. Elrow se instala en México con una de esas fiestas que sólo ellos saben producir. Está pensada durante el día. Más precisamente, desde el mediodía hasta las nueve de la noche. Cuando llegamos, el back to back de Tony Varga y De La Swing ya se está llevando adelante, lleno de techno contemporáneo llenando el ambiente. La presentación no es tan dura como parece cuando entramos y, acertados por el lugar en donde están tocando, se pasean por varios géneros sin dejar de lado el ambiente festivo. Ese que explota, a minutos de las siete de la tarde, cuando está por empezar el artista principal del evento y que se revoluciona con una catarata de papelitos lanzados desde el escenario que invaden toda la pista y no dejan ver. A minutos de las siete, Paco Osuna toma las bandejas y pone algo de tech house. Paco sabe cómo mover al público al atardecer. Lo habíamos visto hacía unos días y volvíamos a presenciar su performance, en un ambiente distinto. La decoración, como se debe esperar de un evento de Elrow, es impactante. En la mayoría de las fiestas del BPM, se trata sólo de la música y algunos pequeños estímulos. Aquí, todo es fiel a su estilo. Elrow es una fiesta loca y la gente llega a enloquecerse. El predio, Wah Wah, tiene el piso de arena y todas las paredes están llenas de telas espirituales colgando. El techo está infestado de folletos de Elrow. La cabina no tiene pantalla pero, a los costados de la pista, unas ventanas al estilo zona roja de Ámsterdam presentan a varias personas moviéndose con poses eróticas.


En la pista “Rediance”, de Cryptik, y el remix de Radio Slave del track “All I Think About Is Death”, de Scuba. La noche vuelve a recuperar el sondo Life & Death y el viaje se hace eterno. Nos perdemos en los beats hipnóticos hasta que nos sorprende el final.

La música de Paco nos mantiene en movimiento pero el foco lo tenemos puesto en la producción. Papeles blancos vuelven a salir para todos lados, dejándonos ciegos, y unas pelotas inflables vuelan encima del público. Incluso, personas en sancos pasean entre los asistentes, dando una sensación extraña, entre una kermesse, un circo y la locura total. Lo de Elrow nos deja enloquecidos. Disfrutamos a más no poder, con los pies en la arena y nos vamos temprano en la noche de miércoles. El viernes hay una fiesta que llama nuestra atención. A esta altura, decidimos volver a uno de los lugares donde mejor la pasamos y The Jungle gana la pulseada. Allí, se presenta el showcase de Life & Death, con un gran line up que tiene a los jefes del sello, acompañados de algunos pesos pesados de la escena. Cuando llegamos, inicia Mind Against, ante un público que no destaca por su cantidad de asistentes. Sin embargo, aquellos presentes enloquecen con la sesión. La forma en que estos pasan música es muy peculiar y los tracks presentan estructuras similares, distintas al resto. El sonido es claro y se relaciona directo con ellos. Con todo esto, saben cómo conectar con la gente y, por supuesto, nos enfocamos nosotros, también. Es una especie de progressive oscuro que presenta melodías y no se aleja nunca de la pista de baile. “Astral”, su coproducción junto a Tale Of Us, genera la locura general, justo cuando llega el turno de Nina Kraviz, una de las adiciones más extrañas que tiene el line up. Sobre todo, pensando en su sonido ácido, inmerso en una noche más ligada a géneros voladores. Si bien hay diferencias entre lo que suena con Mind Against, Nina se encarga de sacar un poco de rigidez a su sonido y agregar algo de melodías, manteniendo viva la escencia de Life & Death. Para el final, Tale Of Us recibe las bandejas de parte de Nina y sorprende el hecho de que sólo haya uno de los dos integrantes del dúo. Luego de algunos problemas con el audio, la performance se encamina, la prolijidad en las mezclas gana terreno y la selección musical se lleva sonrisas de todos los asistentes. La jungla baila al ritmo de temas como

Al día siguiente, nos lamentamos sabiendo que es nuestro último día de festival. Partimos hacia la última de nuestras fiestas, el sábado por la noche. El sello de Dubfire realiza su showcase en Blue Parrot y nos interesa ver de qué se trata. El line up es imponente y, curiosos, queremos investigar. El primero en tocar es Shaded quien, a diferencia del resto, es el único en tocar en formato live. Con groove y sonidos propios, se lanza con producciones personales y esos vocales pitcheados que funcionan como una de sus marcas registradas. Sus tracks “Lick Tease” y “Love Bug” se hacen lugar y el ritmo de la noche parece venir cargado. A menos de una hora de la medianoche, se hacía el turno de Oliver Huntemann. Este hombre si que es prolijo. Su groove es incontrolable y la potencia de sus tracks no parece ensuciarse nunca. Tirando algunos de sus clásicos, como “Schnitzel”, enloquece a la audiencia con frescura, determinando un warm up atinadísimo para dejarle todo en bandeja a Hot Since 82. El hombre que se hace presente en nuestra tapa, da un giro musical– inesperado, para nosotros- que sube la temperatura de Blue Parrot. El techno se derrama sobre la pista como si fuera lava y todos nos prendemos fuego al ritmo de su sonido. Sabremos pronto que está calentando las cosas para el próximo invitado que, hasta ese momento, permanece como sorpresa. Para nuestro agrado, se trata del italiano Joseph Capriati, uno de los grandes talentos del techno de hoy en día. Son las 2 de la madrugada y suena “Solar System”, un clásico suyo. Su música, sorprendentemente, aparece algo más melódica que el resto de las performances, incluyendo hasta vocales femeninos a su selección. Todos esperan por Dubfire, quien, una hora más tarde, se hace presente, para el delirio de un público que quiere recibir algo de parte del jefe de SCI+TEC. De ahí en más, todo es fiesta. Lo que hace Ali con su público sólo él puede hacerlo. Techno hecho y derecho en Blue Parrot. Para el final, Capriati se le suma y un último back to back se graba en nuestros oídos. El underground convive en Playa del Carmen. Los géneros se entrecruzan, los artistas comparten sus sonidos, la gente lo disfruta y nosotros lo vivimos. n

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En la pista

VOLANDO ALTO

Hardwell pasó por Sudamérica con su tour mundial I AM HARDWELL: UNITED WE ARE. Vivimos la experiencia desde cerca...

Texto: ANNABEL PITAUD | Fotos: LESLIE LAGUARDIA

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n una entrevista previa, una hora antes de subir a escena a presentar el I AM HARDWELL Wolrd Tour, Hardwell llega hasta donde estamos esperándolo y, muy amablemente, con su rostro que aún conserva las facciones de un niño, saluda a todos. “Hola, soy Robert. Un gusto conocerlos”, dispara. En el 2015, el joven oriundo de Breda, había pasado por Asunción como parte del cartel del festival Illusion Music Festival y, si bien su presentación había sido disfrutada por los fanáticos que lo siguen, se esperaba poder disfrutar de este show en toda su amplitud. Hacía algunos meses, estaba confirmada su llegada a Sudamérica con el tour que viene desarrollando desde el 2013, que lo tiene como principal protagonista. “El año pasado, pasaron muchas cosas pero la pasé muy bien con todo lo que hice”, resume. “Lancé el álbum “United We Are” -¡porque siempre es importante seguir produciendo!- y, desde entonces, estoy viajando con este tour”, dice con un rostro que refleja satisfacción total por el camino recorrido. Para este jovencito de 28 años, llega un momento en el que, si tienes mucho éxito, debes dar algo en retorno. Algo de eso ocurre con su fundación. Un claro ejemplo del deseo de Robert por devolver algo… “Una vez, estaba en India y comenzó a llover muy fuerte. Vi a unos niños en la calle que estaban buscando abrigo y eso me rompió 80 djmagla.com 80 djmagla.com

el corazón. Entonces, decidí devolver algo a India y no frené hasta lograrlo. Justamente, fue donde realizamos el primer show de la Fundación, en el pasado mes de diciembre”, explica y asegura que habrá más shows de United We Are Foundation en 2016, uno de los mayores shows que ha realizado en su vida. “No veo la hora de poder llevarlo a más países”, asegura y, aquí, le hacemos un lugar… Como todos deben saber, Hardwell llegó al primero puesto de la lista del Top 100 DJs en el 2013, por primera vez, convirtiéndose en el artista más joven en conquistar el cetro que, además, mantuvo por dos años. Mientras hablamos unas palabras con él, que llega un rato antes de su show al predio, la noche va llegando y el público empieza a hacerse presente en el predio. Es la primera visita del I Am Hardwell en toda la región y llega de la mano de Miller Genuine Draft como el evento más importante del verano en Asunción. El día anterior, pasó por Lima donde hizo vibrar al público peruano, marcando la llegada del tour a Sudamérica. Así, el 30 de diciembre, lo esperamos en la ciudad veraniega de San Bernardino, ubicada a escasos cuarenta minutos de Asunción. El show es la conjugación ideal de varios elementos, entre los que se encuentran los deseos de él mismo y una producción propia que funciona a la perfección. Para las tres fechas, todo un

equipo de holandeses lo acompaña y apoya a la producción local, incluso, trayendo elementos de infraestructura para la finalización del producto. Para preparar el ambiente, habiéndose ganado un lugar como el acto previo, Kill The Buzz se encarga de amenizar a los presentes con sonidos que van elevando la temperatura. Algunos remixes de tracks clásicos de Michael Jackson ayudan a que todos se vayan enchufando. Para la 1.30 de la mañana, llega el turno del gran protagonista –en Argentina, sería a las 3 de la mañana. La duración del set de Hardwell, en este show, es de tres horas y pretende llevarte en un viaje difícil de conseguir en sus típicas presentaciones festivalescas de una hora y media. Durante este tiempo, los temas que salen de la consola siguen un guión perfecto, de manera que coinciden con los efectos de pirotecnia, con las luces y las imágenes que reproducen las pantallas. Todo esto, encuadrado dentro del increíble escenario con techo en forma de ala delta que se ha elevado y que se reproduce a lo largo de todo el tour, en los tres predios en donde se realizan las presentaciones. Haciendo juego con la forma triangular del techo, unas imágenes de triángulos comenzaron a jugar y conjugarse en la pantalla de fondo: se juntan,


SAN BERNARDINO, PARAGUAY se pintan, se rellenan, se despintan, se desintegran y vuelven a aparecer. Apenas iniciado el show en San Bernardino, saluda al público. “¡Hola, Paraguay! ¿Cómo están? ¡Manos arriba!” Con esta señal, se lanza el show y todos los presentes pasan a ser cómplices del artista. Llega lo mejor y todos deben sostener el baile. La presentación es variada y presenta los temas de siempre y los actuales. Sus clásicos y los éxitos del momento coinciden. Es, básicamente, la historia de su carrera contada durante tres horas. Como no puede ser de otra manera, tomo empieza con el nombre que da vida al álbum de estudio. “United We Are” sirve de introducción al viaje y, desde allí, se desata la locura. Sus éxitos “Mad World”, “Dare You”, “Young Again” y hasta su reciente colaboración junto a Afrojack “Hollywood” se hacen un lugar en la presentación, coincidiendo con los éxitos que ha estado tocando durante su carrera: “Secrets” de Tiesto y KSHMR, “Bad” de David Guetta junto a Showtek y su remix de “A Sky Full Of Stars” salen de los parlantes a todo volumen, ayudando a elevar la temperatura de un público que, lentamente, va camino hacia el delirio colectivo. Al grito de “Come on!”, Hardwell se sube a la consola y arenga a un público que ya está entregado a su fiesta y no falta la bandera paraguaya en manos del DJ. A las 4.30 de la mañana, cuando una tenue llovizna comenzaba a sentirse y la pirotecnia aparece en el oscuro cielo, el DJ se despide en medio de gritos y aplausos de sus fans en Paraguay hasta la próxima visita. Nosotros lo seguimos hasta Buenos Aires, donde volvemos a disfrutar de su presentación, una semana más tarde… n

HARDWELL RESPONDE... ¿POR QUÉ DECIDISTE TRAER EL SHOW A SUDAMÉRICA? “Desde que empezamos con el tour mundial, Sudamérica ha sido muy importante para mí. Con mis shows y en los festivales que toqué, la respuesta en las redes siempre fue increíble. Hay muchos fanáticos aquí. Teníamos que venir con este concierto. Esta vez, elegimos Paraguay, Perú y Argentina. Y es increíble. Disfruto mucho estar en Sudamérica. Y, como dije, los shows están llenos, así que, es genial.”

¿QUÉ ES I AM HARDWELL? “Bueno, I Am Hardwell es más un concierto que uno de mis shows normales como DJ. Toco por tres horas y, durante esas tres horas, se puede disfrutar de mi propio escenario. Es como una pirámide. Hay muchos visuales, luces... Es más como un concierto. Como mi propio festival.”

¿CUÁL ES EL OBJETIVO DETRÁS DEL FESTIVAL? “Como te dije, es como mi propio concierto. Quiero llevar a la gente en un viaje. Un viaje musical de tres horas. Por supuesto, incluyendo música de Hardwell. El tema es que, cuando me contratan para tocar en un festival, sólo tengo entre sesenta y noventa minutos de show. Y, con I Am Hardwell, en tres horas, puedo tocar cosas viejas, otras cosas más nuevas. Una combinación de todo.”

EL PRIMER SHOW DE I AM HARDWEL FUE EN 2013. ¿QUÉ RECUERDAS DE ESA EXPERIENCIA? “En este punto, estamos en el segundo tour de I Am Hardwell: ‘United We Are’. Es el tour mundial de mi álbum. El primer I Am Hardwell show fue mi primer tour internacional. Lo que recuerdo del primer show, lo primero que se me viene a la cabeza es que mi padre cumplía años. Fue un 27 de abril en 2013, en el Heineken Music Hall, en Ámsterdam. El comienzo fue increíble. Todos estaban muy nerviosos porque nadie sabía si podíamos vender el Heineken Music Hall. Y lo vendimos. Nadie esperaba un viaje así, en ese entonces. Pensábamos en Ámsterdam y, de pronto, terminamos tocando en todo el mundo. Ha sido un gran viaje. Y estoy muy contento con todo lo que hicimos con el I Am Hardwell. Incluyendo grandes shows en todo el mundo. Recuerdos en Alemania, el Madison Square Garden, en Nueva York… ¡Muchos lugares para nombrar! Definitivamente, algo que voy a recordar el resto de mi vida.”

DESPUÉS DE ESTO, ¿QUÉ QUERÉS SEGUIR HACIENDO? “Quiero seguir haciendo los shows de I AM Hardwell. Seguimos trabajando en el de ‘United We Are’ pero, definitivamente, vamos a trabajar un nuevo concepto y a seguir viajando por todo el mundo porque es lo que más me gusta. Me encanta viajar por el mundo. Especialmente, con mi concierto. Es lo que más disfruto.”

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En la pista

PANAMÁ: EL FUTURO LLEGÓ The Day After es uno de los festivales más interesantes que presenta el verano latino y partimos en enero a vivir la experiencia en la capital panameña. Producción, nombres establecidos y talentos ascendentes en un festival que sienta las bases de una escena en franco ascenso... Texto: MARTIN MENESES y CINDY MÉNDEZ | Fotos: GERARDO PENSANTE (MAINSTAGE) y JOSEPH ROJAS (BEATPORT STAGE)

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n enero, la llegada del verano panameño se anuncia con un lujoso y selecto line up que se hace presente en uno de los festivales más importantes de la región centroamericana. En su tercera edición, regresaba el reconocido The Day After Festival 2016 -TDA16-, con producción de la empresa panameña ShowPro, presentando dos escenarios montados para hacer vibrar el alma de los asistentes y un headline glorioso que tenía como invitados a la realeza del trance, Above & Beyond; al dúo multifacético Jack Ü; y al DJ y productor ruso Zedd, que llegaba en medio de de su “True Colors Tour”. Con este tipo de encuentros, es lógico asegurar que Panamá ya se encuentra en el radar de los festivales internacionales, agregándole un amplio potencial turístico al país centroamericano. Llegabamos con muchas expectativas a Panamá donde, en el bellísimo Hard Rock Hotel Megapolis -un enorme edificio ubicado en el corazón de la ciudad de Panamá-, se llevaba a cabo la atestada rueda de prensa en la que nos ibamos a enterar todo lo que iba a acontecer en los días que se iban a suceder. El viernes 15 de enero no se hacía esperar. Era el primer día de festival y nosotros ya estabamos en el epicentro de la fiesta, en la Plaza Figali, a metros del Oceano Pacífico. El público llegaba, poco a poco, mientras en el mainstage se encontraban los talento nacionales, activando las sonrisas de los presentes -y de ellos mismos, sobre todo. Eran Kenny Vangomez y el reconocido DJ Fidel Coronado, quienes se encargaban de demostrar que Panamá tiene embajadores del EDM, dignos de compartir un escenario de estas características con la élite. A medida que las horas pasaban, el público seguía llegando y, con gritos de alegría, recibía a una amiga de la casa: la DJ norteamericana Jack Novak hacía disfrutar a sus fans con su música y estilo únicos en el show panameño. Al finalizar aquella agradable presentación, de parte de la ex modelo oriunda de Chicago, todo estaba servido para que Quinten van den Berg, conocido por todos bajo el alias Quintino, debutara en el festival. Con una presentación de lo más enérgica, hacía gozar al público hasta el último beat, regalando un recorrido musical amplio que cerraba con su colaboración junto a Yves V, “Unbroken”. Cada vez se ponía mejor el ambiente y, el siguiente encargado de hacer bailar al público en el mainstage dejaba en claro qué era lo que se venía: “La música no tiene límites”, decía. Algo que nosotros íbamos a ir descubriendo en su presentación, que explotaba en ritmos, refrescando el escenario principal con una variedad de sonidos que se alejaba de lo que venía sonando. Era Jauz, quien determinaba una de las más fuertes conexiones con el público en el primer día de show. Con la gente encendida, el dúo holandés Blasterjaxx tomaba la posta. Con algunos de sus más interesantes reworks, y un envidiable manejo de la pista y de sus movimientos, la presentación tenía todo lo que el público quería, aún, sabiendo que lo mejor estaba por venir. El dúo británico Above & Beyond era el protagonista de la primera noche y todos esperabamos ansiosos. El momento llegaba y los primeros beats de “Another Chance”, una de sus más recientes producciones, erizaban la piel de todos los 82

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presentes en la Plaza Figali. Oficialmente, la terapia había comenzado. “Buenas tardes, Panamá”, se materializaba en las pantallas y el público se sumergía en la música. El único integrante del trío británico que se hacía presente era Tony McGuiness, quien se mostraba emocionado de estar en el país centroamericano. El show, como no podía ser de otra manera, era un viaje lleno de música y atrapantes visuales, en donde podíamos probar una porción de lo que se trataba su gira mundial. Entrada la madrugada, el público comenzaba a disiparse, mientras el DJ ruso Arty tomaba el mando para cerrar la primera de las noches en la Ciudad de Panamá. Con un set poderoso, con fuerza para levantar los ánimos del público, el sonido de Arty, con tintes de trance que se involucran en el progressive house para grandes escenarios, nos daba lo que necesitábamos para partir en busca del merecido descanso. El segundo día del festival arrancaba, nuevamente, con talento nacional del bueno: empezaba todo con el estilo inigualable del local Navaz y, seguidamente, la transición dejaba en las bandejas a Gian Varela, otro de los DJs locales que se está moviendo fuerte en la escena latinoamericana. Ellos eran los encargados de dejar bien parado al país frente al público del TDA. El ambiente se activaba lentamente y, cuando se aproximaban las ocho de la noche, subía a escena el dúo portugues Club Banditz. El acto forma parte del roster de nuestros amigos de AfterCluv y, con un estilo de EDM súper marcado –que pueden escuchar en su radioshow Red Alert-, iban poniendo el ambiente a tono para otro día lleno de platos fuertes. De pronto, la pista comenzaba a llenarse y era el turno de otro internacional. Anevo, el suizo que viene haciendo de las suyas, sobre todo con sus remixes a grandes estrellas como Adele, Calvin Harris y Justin Bieber, regalaba su música para el deleite de los asistentes, con un sonido distinto que caía excelente en la recepción del público. Y, si de sonidos distintos hablábamos, llegaba el turno de cambiar el rumbo con la presencia femenina de Mija. La nueva promesa bajo el ala de Skrillex salía con su vitalidad al grito de “Los amo, Panamá”, cuando empezaba a bajar un poco la temperatura en la capital del país. Su presentación tenía lo suyo y continuaba por encandilar ojos y oídos de panameños y demás presentes. Antes de la medianoche, el dúo GTA se ponía el overol y salía a la cabina con sed de mezclas. Activaban el ambiente que estaba cada vez más fresco con producciones poderosas, mezcladas de manera dinámica. Nos extrañaba la falta de un lugar para la prensa, donde pudiéramos, al menos, cargar los teléfonos celulares para seguir al día con la cobertura. Pero el holandés Sander Van Doorn llegaba y allí volvíamos a concentrarnos en el escenario, mientras, en el Beatport Stage, curado para sonidos del underground, Magda musicalizaba el ambiente. El show del señor Van Doorn no pasaba desapercibido y dejaba con ganas de más a los que allí disfrutabamos de lo que el TDA nos ofrecía. Pero era el turno de Yellow Claw, el trío que anticipaba ser uno de los shows más increíbles de la noche. Dando saltos en la cabina, se mostraban emocionados y su música hiperquinética sacaba el calor de los cuerpos que yacían en la plaza. Dejaban todo preparado para que suba la tensión y, al finalizar su set, los quince minutos de intervalo elevaban nuestra curiosidad. Sabíamos que llegaba el turno de los headliners del sábado:


CIUDAD DE PANAMÁ, PANAMÁ

Jack Ü era, quizás, el acto más esperado de todo el festival. El nivel de locura colectiva estaba por las nubes y la puesta en escena, con sus propios visuales, hipnotizaba a Panamá. Con una presentación algo corta, mezclaban –como bien saben hacer- todo tipo de géneros, incluyendo algo de tradición panameña entre beats electrónicos. Así, el segundo día llegaba a su fin. Entre las expectativas que teníamos para degustar lo último del festival, el domingo desfilaban por el mainstage varios DJs: el costarricense Bartosz Brenes, el puertorriqueño DJ Dano y, dejando una muy buena impresión, la australiana Tigerlily. Cuando oscurecía en Panamá, llegaba Don Diablo a escena. El artista, en un español perfecto, daba las gracias por haber sido invitado al TDA y su set era acompañado por unos visuales de gran calidad. La selección de tracks dejaba ganas de más pero ya llegaba el turno de las rubias, también australianas, que todos conocemos como las Nervo. Buena música y ese encanto que desprenden sobre la cabina, dejaban una agradable sensación en los que presenciábamos la fiesta. El receso llegaba para las 11 de la noche, mientras se ajustaban los detalles para que el ruso Zedd salte a escena. Anton Zaslavski llegaba inmerso en su gira con “The True Colors Tour” y no nos imaginábamos lo increíble que sería. La producción sobrepasaba todo lo que se había visto hasta el momento, con confetti, humo criogénico y, por supuesto, su música como protagonista. La reunión de artistas que propone el festival es rica y tiene una gran conjunción entre talentos reconocidos y ascendentes nombres que, el día de mañana, serán los que gobiernen la escena internacional de la música electrónica. Esperamos volver el año próximo disfrutar, una vez más, de la producción que ofrece. n

En la pista


VIBRANDO La última celebración del 2015 Texto: ANNABEL PITAUD | Fotos: LESLIE LAGUARDIA

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a última maratónica propuesta del 2015 arrancaba con un lindo atardecer, cuando los portones se abrían a las 18 horas para dejar pasar a los fanáticos que se apostaban, desde hacía ya varias horas, en el ingreso principal del Jockey Club Paraguayo. En esta ocasión, la apuesta de Beatbrations contaba con una larga lista de DJ que llegaban al país para celebrar un excelente año electrónico de la mejor manera posible: bailando y saltando con la música que conjugaban en las consolas. En el mainstage, al aire libre, el kick off lo daba TRQSE para, luego, abrir paso a Pali Acosta, una joven DJ que durante toda su presentación ponía todo de sí, bailando y tocando a la vez, logrando levantar el ánimo de la gente que ingresaba al predio lentamente, con alguna bebida en mano para aplacar el intenso calor. Los M2M despedían el atardecer con un set enérgico que se extendía unos minutos en la noche. El siguiente turno era de los Twisted Bros quienes lograban producir un quiebre en la atención del público con el tema “When Angels Deserve to Die” de System of a Down. Continuaban con todo un set bastante variado donde, también, incluían éxitos actuales de la electrónica, el hip hop y el reggae, mezclando clásicos como “Sweet Dreams” y “Better Off Alone”, de Alice Deejay. El que seguía era Agustín Gandino. Este artista, con un set para diferentes gustos, tiraba algunos clásicos del rock como “Jump” de Van

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Halen y “Final Countadown” de Europe, junto a recientes producciones que dan la vuelta al mundo como “We Are All We Need”, de Above & Beyond, o “Hello”, de la británica Adele, entre los mejores recibidos por el público que seguía llenando el predio. El último DJ local en el escenario principal era Emilio Marín. Irónicamente, Marín es un reconocido pionero de la música electrónica paraguaya, encargado de haberla difundido en radios de Asunción, además de impulsar la técnica de mezcla de vinilos y CDs mediante la sincronía de beats, pero nunca antes había sido parte de un show de este calibre. La temática que presentaba rodeaba un abanico de temas del house y tracks actuales que tenían una muy buena recepción y eran muy disfrutados por el público. En paralelo a todo esto y de la misma manera, los artistas locales iban tocando en el segundo escenario llamado Ologram. Este se había dispuesto en uno de los salones del Jockey Club y la idea del espacio tenía que ver con ofrecer un lugar para los seguidores de las corrientes del underground, con DJs que se ajustan a ese perfil. Así, se daban lugar en las bandejas artistas como Alex B., Chic Floyd, Nilsen, Murilo, Fatherboard y DJ Rod. La pista se iba llenando tímidamente… Retornando al centro del festival, el sector campo se encontraba ya en un punto bastante álgido. Justin Mylo estaba al frente y la audiencia tenía mucha curiosidad por saber más acerca de este chico a quien Martin Garrix está apoyando y lo lleva de gira con él. Mylo priorizó


En la pista los sonidos instrumentales en un set mucho más tranquilo de lo que se venía con Adventure Club. Estos canadienses fueron acompañados por odaliscas, quienes bailaron y se contornearon hasta pasada la medianoche. Mientras esto ocurría, Martin Garrix ya estaba en el backstage y se tomaba un tiempo para instantáneas con sus fans, en su mayoría, ganadores de competencias para lograr un preciado lugar en el meet and greet. Garrix se mostraba como lo que es: un chico de 19 años que está feliz con lo que hace y eso lo lleva alrededor del mundo, donde conoce a un montón de gente que lo adora y disfrutan de su música. El line up seguía con las Nervo. Estas hermanas que, como siempre, se mostraban muy cercanas a su público. Se las pasaron tomando fotos con el celular mientras tocaban, con una onda bien arriba, altamente contagiosa, jugando con sus fans y conquistándolos de nuevo. Sonaban sus trabajos “Ready For The Weekend”, “Haute Mess” y “Like Home” y hasta se daban el lujo de hacer coros con el público, versionando a Pitbull con “yo no quiero agua, yo quiero bebida”, mezclado con la guitarra de Nirvana en “Smells Like Teen Spirit”. Mientras tanto, en el Ologram Stage, llegaba el turno de Amine Edge & Dance, ya con la pista llena de seguidores de la onda underground que siempre pregona esta fiesta ya reconocida en Asunción. Las Nervo cerraban el set con una muestra de “Africa” de Toto y el clásico de Queen “We Will Rock You”, entre el humo y los saltos, mientras se preparaba para subir Martin Garrix.

Lo más esperado arrancaba con el grito del rubio: “¡Hola, Paraguay! Estoy muy feliz de estar aquí… ¡Hagan ruido!”, no decía con su micrófono. Fue suficiente para explotar. En las pantallas, los símbolos de su logo, con los “+” y las “x”, iban subiendo y bajando por niveles, dando un efecto de movimiento con los beats a toda potencia. Entre el humo, el fuego y los distintos bloques de pantalla que hacían malabares con la imagen del joven DJ holandés, sonaba “Bad” de David Guetta y Showtek , junto al arsenal de hits que arrasaron los charts durante el año. No faltaba la foto de Garrix con todos sus fans que estaban decididos a apoyarlo hasta el fin de su set. Al día siguiente, como premio a los que allí estuvieron, la increíble imagen con la audiencia aparecía en el instagram del DJ. La madrugada de un día feriado nos daba permiso para que Beatbrations sea el genial broche de oro para un 2015 que rebosó de electrónica en todas sus corrientes. Eran las 3 de la mañana cuando en el espacio Ologram se bailaba con Victor Ruiz y Any Mello, las figuras brasileras que habían montado una buena rave en ocasiones anteriores en el paí y hacían lo mismo en esta ocasión. Ahí, la fiesta se extendió por varias horas más, sobrepasando el timeline del mainstage y llegando al amanecer... n

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En la pista

LUCIANO,

por partida doble El oriundo de Suiza de sangre chilena es uno de los artistas más queridos y respetados en el circuito internacional pero, cuando llega a Chile, su condición de figura se multiplica. Pasó en febrero, para realizar dos presentaciones en el país andino, y lo seguimos... Texto: ORNELLA VALLANA | Fotos: ZOOK PHOTOGRAPHY

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a fiesta del verano”, decían muchos de los que salían del recinto, el pasado 13 de febrero. Claramente, así se había vivido la noche que habían organizado en conjunto el Club La Feria y Club del Sol Sunshine. El día había contado con la presencia de un sol radiante y, para la noche, el cielo estaba despejado y con aura veraniega. La región chilena de Valparaíso se preparaba para recibir a muchos asistentes en vísperas del Día de los Enamorados en el Dunares Resort & Club Mantagua. Sorprende lo que genera la visita de Lucien Nicolet a nuestro país. Desde las generaciones más instruidas en la música electrónica, hasta quienes están comenzando el interminable camino de los beats electrónicos, saben quién es y qué tipo de fiesta nos va a traer. Por supuesto, recordados son sus comienzos en tierras chilenas, en el mítico Club La Feria, lugar donde iba a tener una segunda presentación, dos días después, en la intimidad de un evento para 300 personas. Una sesión más íntima y exclusiva.

Pero aún era sábado y la atmósfera de alegría y expectación se iba generando con los warm ups en formato back to back de Pablo Inzunza, Felipe Pöll, André Butano, Felipe Venegas, Alejandro Vivanco y Gustavo Allendes. Todos héroes locales que habían sido seleccionados para compartir cabina con el headliner de la noche. Si había algo que caracterizaba este evento, sin dudas, se trataba de la autenticidad de la escena chilena: No era una noche de internacionales, era una ocasión para concentrar lo mejor de lo nuestro. Más de 3000 personas llegaban para bailar y celebrar juntos la llegada del del amor. 86

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Siendo casi las dos de la mañana, Luciano se preparaba para tomar el mando en la cabina. Una expectación fulminante, un juego de luces que se sincronizaba con los aplausos del público y un recibimiento único que no se le da a ningún otro artista en nuestro país -sólo comparable con lo que genera Ricardo Villalobos-, eran los claros indicios de que se venían por delante las tres horas de música que el creador de Cadenza Records tenía para nosotros. Sonidos elegantes y mezclas inteligentes, como las hace ningún otro, nos llevaban a todos por un viaje musical que difícilmente olvidaríamos. La facilidad que Luciano tiene para traspasar de un estilo a otro -una selección de tracks que van desde el tech house puro, pasando por el techno en sí y despegando con tambores tribales y vocales casi celestiales-, generaba una fiesta pura en el lugar. Y había varios momentos de la noche que marcaban el rumbo de su presentación. Comenzando con tracks de lo último de Circus Recordings, como el track “Waiting For The Rhum” de Bimas, pasando por míticas producciones como el ya clásico “Enfants” del Villalobos, el nacido en Suiza ya tenía a todos comiendo de su mano. A medida que las sesión iba creciendo, aparecían percusiones enérgicas como en la versión que tocó del track “Dope” del DJ y productor Butch u otros, como el remix que Four Tet creó del track “Opus” de Eric Prydz, convertido en uno de los temas más discutidos –y tocados- en el pasado verano de Ibiza. Así, el típico sonido de Luciano se paseaba por el recinto, sin descanso, uno tras otro. Los minutos pasaban y la sesión contaba con elementos percusivos cada vez más dominantes. El sonido tribal llegaba de la mano de Andre


VALPARAISO & SANTIAGO DE CHILE, CHILE

Toma y su “Rhythm In The Jungle” y, lentamente, la sesión mermaba, declarando un final apasionante que se metía de lleno en el techno, con “Run Baby Run” de Paul Ritch. Los 180 minutos pasaban y Luciano demostraba su figura de estrella internacional y la habilidad que lo llevó a ser reconocido como uno de los mejores en su estilo. Y no era un adios. Simplemente, nos decía hasta luego. Dos noches después de la épica jornada, nos reubicábamos en la capital del país, Santiago de Chile. Era hora de que Luciano regresase a su casa, a uno de los lugares donde todo comenzó. Un club con más de 16 años de historia en la escena electrónica chilena, considerado el más importante del país y, ¿por qué no?, entre los cinco mejores de toda Sudamérica. Club La Feria entrega más de 150 fiestas al año a su público y, aún así, todos coinciden que, la noche en que Luciano se hace presente -como cada año-, sigue siendo la más importante. Para las nueve de la noche, La Feria ya recibía a los primeros asistentes que no se querían perder la velada. Ansiosos, deseaban conseguir uno de los exclusivos cincuenta cupos disponibles en puerta para disfrutar del evento. Unas doscientas entradas habían sido vendidas en la preventa –la cual se había agotado casi al instante- y sólo quedaba la expectativa de aquellos que podrían conseguir su ingreso. Quizás, eso sea lo mejor de La Feria. La intimidad que brinda el recinto hace las cosas súper interesantes. Su capacidad para trescientas personas ha hecho maravillas con las presentaciones de artistas como John Digweed, Guy J, Danny Tenaglia, Pan-Pot, Chris Liebing, Juan Atkins, Kevin Saunderson, Nick Warren, Josh Wink y Ricardo Villalobos, entre otros, y no había dudas de que, ese lunes 15 de febrero, Luciano haría lo mismo. La experiencia de vivir una sesión tan cercana no siempre es accesible en los países de Latinoamérica y no éramos los únicos que habíamos asistido el sábado al convocante evento y volvíamos a permitirle al artista que nos haga bailar, dos días más tarde. Para las 11 de la noche, Antonio Hales –amigo personal de Lucianoentregaba la pista a André Butano, antecediendo lo que sería la presentación del protagonista de la noche. Mientras tanto, desde la Sala Mistral –un bar de alta coctelería, especial para recargar energías antes de salir a la pista- Oliverio, la mitad del dúo argentino Soundexille, amenizaba el ambiente con sonidos más tenues en un ambiente relajado. Pasada la medianoche, Luciano nos daba todo lo

que habíamos ido a buscar. Volver a la cabina que a uno lo vio crecer, hace más de quince años, es algo que no sucede todos los días y se lo podía ver contento. El reencuentro entre el artista y su público quedaba plasmado en un sonido que, lanzado desde el increíble sistema de sonido Funktion One –uno de los mejores de Sudamérica, sin dudas-, se lucía por su potencia y nitidez. Yendo por terrenos más clásicos, atinado si tomamos en cuenta la historia que había detrás de tal evento, lanzaba tracks como “Radio Bembal” de Akaquela y el esperado remix que Andrea Oliva hizo alguna vez de su track “Rise Of Angel”, marcando el pico máximo de emoción de la noche, con los suaves acordes de piano que se suman a la pacífica melodía que no se pierde en ese tech house constante. Para aquellos afortunados que disfrutaron de ambas veladas –y, para los que no, también-, un recuerdo que quedará en sus oídos y retina por mucho tiempo. El 2016 ya ha tenido en Chile uno de sus fines de semana más intensos. Esta vez, de la mano del capitán Luciano. n djmagla.com

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De gira con EELKE KLEIJN El holandés realizó un extenso tour por seis ciudades de Argentina. Su experiencia en primera persona...

A

rgentina ha estado creciendo mucho en el último tiempo en lo que a ciudades que reciben artistas respecta. Hace un tiempo, todo pasaba por Buenos Aires y es muy saludable entender que hoy, incluso, hay artistas que pasan por el país del mate sin siquiera tocar la capital. Si bien este no fue el caso del holandés, que sí se hizo presente en la Ciudad de Buenos Aires para debutar en Crobar, lo que realizó fue un claro ejemplo de este crecimiento. Seis ciudades preparadas para recibir a un protagonista de la escena electrónica. Seis ciudades que disfrutaron del tour de un artista de renombre que nos contó, en primera persona, cómo se vivió tal travesía.

CUBE BA - Mar del Plata

CEPAS ARGENTINAS - San Juan “Siempre que toco en algún lugar por primera vez, toco más de mi propia música. ¡Fue excelente ver como mi track ‘Lovely Sweet Divine’ destrozó el lugar!” 88

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“Muy emocionado de tener un avión privado para nuestra parte final del viaje entre Buenos Aires y Mar del Plata. Quince minutos después del despegue, tuvimos un problema técnico y la radio se rompió. En estado de emergencia, tuvimos que volar de vuelta a Buenos Aires y viajar en automóvil. Unas cuatro horas después, llegamos a Mar del Plata. Afortunadamente, el lugar estaba repleto y el público hizo que todo valga la pena.”


En la pista

OUTSIDE THE BOX - Rosario “Lo que más me gusta de Rosario es el hecho de que la gente está involucrada en terrenos profundos de la música electrónica. Eso me da la oportunidad de empezar mucho más deep que en cualquier otra parte del mundo y es algo que me encanta. ‘A Tale Of Two Lovers’ se sintió como una verdadera bomba y eso fue una experiencia increíble.” Fotos: JUAN AFANADOR

MÚSICA EN EL DESIERTO - Córdoba “Primero que todo, un gran reconocimiento al promotor por producir un festival bajo las circunstancias que se presentaron, con la lluvia que había caído allí los días previos a Música en el Desierto. Para este show, preparé un set con algunas joyitas que no suelo tocar o que me había olvidado que tenía. Por ejemplo, el remix de Peter Horrevorts del track ‘Technocolor’ de Wehbba, con toda su vibra disco, que funcionó genial.”

CROBAR - Buenos Aires “Entre Córdoba y la fecha en Crobar, tuve el privilegio de quedarme en Buenos Aires por cuatro noches. Este tour quedará grabado en mi por siempre ya que tuve la oportunidad de conseguir unos tickets para ir a ver el concierto de los Rolling Stones en La Plata. Pararme en el campo entre miles de argentinos que se la pasaron cantando y saltando hizo que sea una experiencia imposible de olvidar. Y eso me puso en el perfecto estado para tocar en Crobar por primera vez, donde el público se quedó bailando hasta el final. 7.30 de la mañana y ni un alma abandonó la pista.” Fotos: JUAN AFANADOR

CLUB AL SUR - Mendoza “Desde que toque ahí el año pasado, tengo un sentimiento especial por Mendoza. Fuimos a la bodega Familia Zuccardi y disfrutamos de unos vinos y una comida increíbles. Con esta imagen fresca en mi cabeza, terminé el tour de manera perfecta. ¡Y lo mejor de todo es que fue el set más íntimo de todas las fechas!” n n

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Bass REVIEWS BAD BOY ORANGE badboy@djorange.com

9.0 ANNIX

Forever LP

Playaz Recordings

Annix, el dúo de Cheltenham, Inglaterra, funciona como colectivo que alberga las producciones de Konichi y Decimal Bass. Su segundo álbum los encuentra con un sonido mucho más pulido y ajustado. Con el anticipado “Work For Nothing” hicieron olas y con el larga duración siguen sorprendiendo. Con “What You Now”, mantienen a la pista saltando; “Paper”, junto al MC Gumster, es un inmenso hard stepper; y “Axshun” es un intenso jump up con condimentos neuro. Así, podríamos seguir enumerando... ¡Este LP no tiene desperdicio!

9.0

2011, regresa con este simple tenebroso y de galopantes ritmos quebrados. Se junta con Serum para entregar el sesudo y pesado “Heist Flick” de programación con ingeniería de precisión. Ya en solitario, en “Clash”, Kabuki ofrece más trucos de línea de bajos para pistas de baile, que evoca recuerdos del sonido V clásico, con las vibraciones que fluyen en plenitud en un acelerado groove.

8.0 L33

Karate LP Sampler Eatbrain

El resplandor rojo del sol poniente se derrama por el suelo del dojo. Uno de los guerreros samurái más poderosos de Eatbrain proyecta su silueta oscura contra el telón de fondo, espera la noche y no teme a la muerte. Es que esos años de entrenamiento le dieron la destreza para defenderse en la pista de baile con movimientos neurofunk letales. En esta muestra de cuatro tracks adelanta su álbum “Karate”: “Clublife”, “Bloodbrain”, “Earthbounce” y “Zealot” están listos para tomar por asalto los clubs más intensos.

Roni Size & Krust Formulate EP

9.0

Full Cycle

Luego de 9 años de inactividad, el seminal sello de Bristol regresa con “Formulate”, un inédito clásico jungle grabado originalmente en 1993 por los jefes del sello, Roni Size y Krust, quienes decidieron desempolvarlo para que DLR, con el tradicional sonido de Full Cycle, lo actualice al 2016, con una perfección sorprendente, y Hodgson baje un cambio con una versión a medio tiempo. La frutilla del postre es la reedición del clásico pistero “Snapshot”, de Size, que remata con una groovera y enérgica versión a cargo de Swindle.

7.5

Mefjus

Votado por los fans drum & bass de todo el mundo como el mejor álbum del 2015 en los D&B Arena Awards -nosotros te lo avisamos en la tercera edición de DJ Mag Latinoamérica- llegan los remixes de “Emulation”, el álbum debut de Mefjus, quien se supera en esta entrega mejorando lo creado con las versiones de “Suicide Bassline” y la contundente “Continuous VIP”. Pero esto se pone más pesado, aún, cuando un seleccionado de los productores más rudos de la movida ponen su óptica: Audio con “Godzilla”, “Expedition” por Inside Info y Ed Rush en “Taking”.

9.0

V Recordings

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8.0 Fourward

8.0 Mob Tactics

The Storm

Shogun Audio

Desde Austria, llega el drum & bass turbo recargado de Fourward, con tres proyectiles teledirigidos a la pista de baile. “The Storm”, en colaboración con MC Linguistics, “Mashed” y “Spike VIP”. Daño asegurado…

Get Dirty / Shark Tank

Viper Recordings

Ya el título y el MC en el track te lo taladran: vamos a ponernos sucios y, después de escuchar esas turbias líneas de bajo y punzantes beats, habrá que pegarse una ducha. ¡Completa “Shark Tank” que muerde!

Nymfo

Marching Machines EP

8.0

Dispatch Recordings

Desde Holanda, Nymfo, infecta las pistas de baile de todo el mundo, inflexible en las frecuencias más bajas y aplicando groove funk. Para arrancar se junta con DLR en “Affliction” que, fiel a su título, inflige castigo letal desde el principio. “Forward Motion”, en colaboración con Total Science, susurra voces metálicas y una pared de sublow; “Marching Machines” lubrica y quita el óxido a los mecanismos más trabados; y, para cerrar, en “Pitchfork”, Nymfo le da la vuelta al sonido futurista del tech step.

8.0

Loadstar

Spectrem

RAM

Technique Recordings

Lifeline / Switch

Culture / Shaolin

Otra jugada ganadora de RAM que, en este ciclotímico simple de Loadstar, combina el emotivo melódico, armónico y radial “Lifeline” para ir en el sentido opuesto con el monumental detona pistas “Switch”.

Los australianos Spectrem componen un estimulante drum & bass electro funk con los sonidos del lejano oriente en “Culture” y aplican más magia ninja Wu Tang en “Shaolin”, con shurikens rasantes y todo.

ALIX PEREZ

Critical Music

Heist Flick / Clash

90

7.5

RAPIDITOS

Emulation The Remixes

Kabuki & Serum Kabuki es uno de los padres fundadores de la escena drum & bass de Alemania. Editando en la legendaria V Recordings desde

Hospitality son las fiestas de Hospital Records, que no paran de crecer. El año pasado, organizaron 82 noches en 20 países. Tratando de representar un poco la atmósfera de estos encuentros, este contundente compilado reúne 25 piezas de alta calidad que no habían sido editadas anteriormente. Va por todo el espectro de la música bailable por arriba de los 160 bpm, desde el aplastante “Bomb Squad” de Resonate al refrescante “Constellations” de Fred V & Grafix. Incluye High COntrast, S.P.Y, Metrik y muchos más.

Varios Artistas Hospitality 2016 Hospital

9.0

01. Richie Brains Heartbreaker

Ivy Lab vs Alix Perez

02. SHADES

Critical Music

03. Deft

Arkestra EP

Desde hace años Ivy Lab y Alix Perez sorprenden a la audiencia de música electrónica más allá del drum & bass con proyectos como “20/20” y “Shades”, respectivamente. En 2016, combinan fuerzas para lanzar este “Arkestra EP” que resulta precioso y diverso. Se define entre el soulful más profundo y conmovedor, con bellas piezas como “Maiden”, “No One Else” y los mid-tempo, experimentales y hip hoppers, “Tell Dem” y “Stop It”; pasando por el galopante y suave “Arkestra” y el soulero y trascendental “The Last Night”.

Metabass

Cronx - 20/20

04. Alix Perez x Skeptical Elephant Dreams

05. Krust

Kloaking Device (Fracture Edit)

06. Halogenix Laugh Party

07. Eprom Yeah

08. Alix Perez x Ivy Lab Maiden - Critical Music

09. Tsuruda x Huxley Anne Papaya - Descarga gratuita

10. Hyrogliphics Slowalk


Deep House REVIEWS LEMONADE lemonade@deportedmusic.com

RAPIDITOS

Cool People

8.0

Keep The Rhythm EP Tulipe Records

En esta edición de nuestra entrevista trimestral, le damos lugar a este dúo de españoles que, con muchas horas de estudio, va logrando que sus tracks suenen cada vez mejor. Acá les presentamos su último trabajo y unas preguntas para que los vayan conociendo… A la hora de producir, ¿hardware, software o ambos? “Actualmente, trabajamos con Ableton como plataforma principal para el montaje de los tracks, añadiendo diversos plug ins. También, usamos Maschine como instrumento externo para crear las bases rítmicas. Este método nos ayuda mucho a la hora de crear.” ¿De qué se trata Soleid Music? “Es el sello discográfico de Davis Museen, del que formamos parte. Estamos trabajando en conjunto, en un proyecto para llevar a Soleid lo más alto posible.” ¿Hacia qué sonido se vuelcan a la hora de pinchar en una disco? “Nos gusta poner de todo. Por supuesto, cada música tiene su momento pero sí es verdad que nos gusta mucho el house y sus influencias mas old school, como el garage y jackin’ house. Siempre nos hemos caracterizado por el sonido underground. Nos encanta mover la pista.”

COOL PEOPLE

01. Cool People

“Looking Up” - Tulipe Records

8.0

7.5

Mona Lazette

Journeyman

Toy Tonics

Anjunadeep Otra magnífica referencia de uno de los sellos mas representativos del género. Esta vez, el dúo Journeyman retorna a la plataforma con un exquisito disco. “Undone” es un delicioso downtempo con tintes de los ochenta que se desarrolla entre melodías finas y vocales súper agradables. En el otro lado, encontramos “Just A Man”, con un sonido hipnótico y relajante donde predominan los pads, vocales y un glorioso xilofón. ¡Para escucharlos y viajar una y otra vez!

Pressure Pressure

Undone

Mona Lazette es una de las nuevas vocalistas interesantes que han aparecido en la escena. Luego de varias exitosas colaboraciones, se presenta en formato solista con un track fresco y groovero. Una melodía vocal exquisita y pegadiza, con un aroma soulful que deleita los oídos. Los remixes están a cargo de Jad And The Ladyboy, The Rhythm Odyssey y Art Of Tones. Este último, el gran destacado. Una vez más: ¡Gracias, Toy Tonics!

9.0 James Dexter

Have It Like That EP Dessous Recordings

El talentoso joven inglés sigue demostrando su enorme capacidad a la hora de crear ritmos y generar ambientes. Sus finos sonidos de baterías siempre encuentran una nueva manera de hacernos bailar. El nuevo EP, lanzado a través de la plataforma de Steve Bug, satisface nuestras expectativas con cuatro originales de altísima calidad. Buenos samples vocales, oportunos sintes y calientes líneas de bajos que despertarán cualquier pista. ¡Muy bueno!

7.0 Luca Doobie & Ricky Leo

8.0

04. Konnect

This House (Original Mix) Pura Music

05. Jeremy Urbano

El italiano Luca Doobie, dueño de un sonido que lo caracteriza, suele lograr ambientes grooveros y profundos con sus trabajos. Este disco no es la excepción y, continuando con su línea deep con toques tech, descubrimos este EP llamado “Confessions”. En este trabajo podemos disfrutar de todas sus habilidades a la hora de mezclar sonidos. ¡Go, Italy!

Under Movement (Original Mix) My Little Dog

06. Puce

But When The Morning Comes (Cool People Remix) Soleid

07. Arthur M.

Love Holds Life Feat. Lena Grig (Costa Mee Remix) Soleid

08. West.k

Anyway Feat. Cotry (Tosel & Hale Remix) Indiana Tones

09. Cool People, Angelo M.

Plustikote (Original Mix) Deer Dear Mafia

10. Konnect

Bright Lights (Original Mix) Soleid

8.0

Kevin Yost

Teenage Mutants & Jonas Saalbach

Leena Music

Click Records

Dont Give In EP A través de dos décadas, este fantástico productor, propietario del afamado I! Records, ha estado presente en la mayoría de la las bateas de todo aquel que esté familiarizado con el deep house. La nueva entrega contiene tres originales donde se destacan las milimétricas baterías, ambientes misteriosos, gruesas líneas de bajos y vocales sutiles. Si bien los tres tracks son geniales, nuestro destacado es “Dont Give It”. Puro ritmo, cortesía del sello hermano de Mobilee Records.

The Hamburg Years Pt.2 Teardrop Music

El destacado de esta edición es para uno de nuestros artistas favoritos, dueño de un sonido lujoso que ha depurado a lo largo de su extensa trayectoria y que, ante los constantes cambios en las tendencias musicales, siempre se muestra moderno e innovador. En la segunda parte de la trilogía “The Hamburg Years”, el alemán ataca con cuatro tracks elegantes, de ambientes refinados pero, a la vez, sumamente bailables. Si buscan keys, pads, vocals y mucho groove de paladar housero, revisen lo nuevo del amo de Teardrop Music.

Nite Grooves

Call The Drumma (Original Mix) Roush Fight It (Juanito Remix) Soleid

LOVEBIRDS

Confessions

02. Daniele Dovico, Katal 03. Die Grotev

9.0

8.0 Purple Disco Machine Tank Drop EP Kittball

A un año desde su debut en este ascendente sello alemán, el ecléctico productor Purple Disco Machine vuelve a la carga. Con una perfecta combinación entre sonidos del house old school, ritmos neoyorquinos y un bajo característico del funk, ha compuesto una verdadera bomba de pista. ¡Una pieza de colección!

Elision

En el 2014, la compañía holandesa Click Records, abocada a la producción de fiestas en el continente europeo, creó su propio label. A través de su plataforma, han editado grandes artistas de la escena y, en su release número 44, sellan a esta dupla de alemanes que nos muestra su costado mas deepero. ¡Un trackaso para calentar las pistas de baile!

8.0 Peter Makto & Gregory S

Augmented Reality Jesus Was Black

Peter Makto & Gregory S son una dupla de húngaros que vienen trabajando a la par hace algunos años. En su ultimo trabajo de estudio, nos muestran su madurez a la hora de componer música. Sonidos atmosféricos, vocales y pads, sin descuidar ningún detalle, ¡consiguiendo un groove exquisito! El release salió a la venta a través del joven sello teutón Jesus Was Black. djmagla.com

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Techno REVIEWS

MEKAS micromekas@gmail.com ARIEL RODZ arielrodzba@gmail.com

RAPIDITOS 9.0 EL ETAPP KYLE

8.0

Axiom

Z.I.P.P.O.

El ucraniano, integrante de Ostgut Ton, edita su segundo EP en Klockworks. Muy fiel a su refinado sonido, que siempre nos brinda estructuras melódicas y profundas, totalmente atmosférico y envolvente, presenta un promedio muy balanceado de ambient y techno. El EP está compuesto de cuatro tracks, entre los que destacamos “Luna”. Único e imperdible.

FIDES

Klockworks

Shadow Self Este joven productor italiano, que se encuentra en franco ascenso, ha editado un nuevo EP en su propio sello discográfico Fides con un sonido muy particular. “I Was There” es la producción que abre el lanzamiento con una melodía disonante y personal. Por el otro lado del lanzamiento, aparecen “Dilemma” y “Fobia” dos trabajos que tienen el énfasis puesto en sus melodías memorables. Un EP destacable de parte de un artista al que hay que serguirle el hilo.

8.0 Nick Curly Mindshake Records

En esta nueva entrega, que llega de parte del sello perteneciente a Paco Osuna, aparecen dos tracks originales de Nick Curly junto a un remix a cargo de Egbert. Una gran adición del sello, con música del artista de Mannheim, en un disco contundente que presenta el sonido que caracteriza al label.

9.0 Svida

Mad Science En este release del sello Klap Klap, Svida nos trae un interesante release con sonidos techno mentales en el track “Mad Science” que, además, viene con un remix a cargo del increíble Samuel L. Session. Las otras dos pistas que completan el rico EP, “Monday Groove” y “Black Thursday”, nos muestran un lado más experimental y armonioso.

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7.0 Farceb

Return Of Nibiru ARTS

Farceb es un joven productor argentino que tiene muchísimo potencial. Nicolas Bornia, el hombre detrás del alias, edita su primer vinilo en el sello italiano ARTS. “Return of Nibiru” refleja su sonido lleno de techno crudo, donde el principal track es “Phase Modulation”. El EP ya cuenta con el apoyo de grandes artistas de la escena mundial.

8.0

Gorilla

Klap Klap

muy clara. “Circles” es un EP ruidísmo que está aplicado y diseñado para la pista de baile. Además, incluye un remix del dúo Cassegrain.

Flug

8.5

A Safe Hiding

Ninos Du Brasil

El argentino radicado en Barcelona edita el primer álbum de su extensa carrera en el sello alemán Nachtstrom Schallplatten. El trabajo, que se editó tanto en formato vinilo como digital, es un álbum ecléctico que está compuesto por tracks ambient, con un poco de breakbeat, electrónica, acid y techno. De manera acertada, logra explorar minuciosamente todos y cada uno de los límites que tiene los géneros en los que ahonda. “A Safe Hiding” es un trabajo memorable.

Hospital Productions Los grandes temas suelen aparecer desde lugares inesperados y, esto, se hace realidad en el último lanzamiento de Ninos Du Brasil. “A Magia Do Rei” es un techno roller con cuerdas del horror que se presentan sobre densos ritmos pero el que destaca es “Algo Ou Alguem Entre As Arovres”. Percusiones tribales con reminiscensia africana con detalles robóticos hacen un excelente trabajo.

Nachtstrom Schallplatten

7.5 Stephanie Sykes Circles Vent

La talentosa residente de Jaded, Stephanie Sykes, edita su segundo vinilo en Vent. Un gran match de tracks que rondan los terrenos del techno, con un perfil de experimentación sonora

Para Araras

9.0 DJ Skull

9.0 Delano Smith

The Drum Chiwax

En este lanzamiento, Ron Maney, bajo su reconocido alias DJ Skull, nos recuerda al sonido de los primeros tiempos del house de Chicago y el techno de Detroit. Masterpiece!

From Silence (Black Vinyl) Susitech

Una vez más, Delano Smith hace entrega de una gran obra conceptual con sonidos de pads armónicos, dub techno, y su clásica atmósfera característica. ¡Imperdible!

8.5 Cari Lekebusch

Premonition (Yellow / Black Splatter Vinyl) H-Productions

Con un sonido 100% techno, el sueco Cari Lekebusch nos brinda dos tracks sólidos y consistentes, ideales para warehouses y nightclubs.

8.5 Archivist Pathfinder Blankstairs

8.5 Interesante disco que presenta cuatro tracks impresos. En “Pathfinder” se muestran diferentes variables del techno y es un vinilo que no puede faltar en ninguna batea. Para oídos finos...

DAN CURTIN 01. Myles Serge ‘Tolo’ - Metamorphic Recordings 02. D-Knox ‘Africa Calling (Titonton Flip)’ - Sonic Mind 03. Discrete Circuit ‘Incursion (MB Edit)’ - Beard Man 04. Ben Long ‘Sirius’ - GND Records 05. I-Robots ‘Own Existence (Los Hermanos Remix)’ - Opilec Music 06. Population One ‘Multiple Choice’ - Out-Er 07. Philipp Petit ‘Suspended (Len Faki Remix)’ - Figure 08. Marco Bailey ‘Break Of Day (Christian Wunsch Mix)’ - MBR LTD 09. Slam ‘Parallel Phase’ - Soma 10. Paul Mac ‘Chances Are’ -


Trance REVIEWS MARCELO FRATINI djmarcelofratini@hotmail.com

RAPIDITOS

Solarstone & Gai Barone

9.0

10

Pure Trance Vol. 4 Pure Trance

Los compilados de Pure Trance se conviertieron en los lanzamientos más esperados del género por su amplitud sonora. El encargado de mezclar la parte 1 fue un gran referente del progressive trance, Gai Barone. La segunda parte, quedó en manos del jefe, Solarstone. Hablamos con él sobre este lanzamiento… ¿Por qué sumaste a Gai Barone como invitado para este lanzamiento? “Trato de traer a alguien nuevo para cada edición de la compilación. Orkidea, Giuseppe y Bryan, todos pusieron su estampa en ella y, esta vez, luego de la edición de Kearney a todo gas, quería ir por un lugar más profundo. Gai es súper humilde y generoso y, además, tiene un sonido particular muy interesante. Difícil de encontrar. ¿Creés que la gente va a estar esperando otra cosa para este lanzamiento? “Precisamente. La variación es la clave, aquí. Mantener a la gente emocionada e interesada es vital para traer algo nuevo a la mesa en cada edición. Mi mezcla es bastante cercana a lo que deberían esperar –es esencial que así sea, creopero el invitado siempre abre un poco el rango a nuevas audiencias. También es importante entender que los DJs con los que trabajo saben cómo construir una noche, que son parte de una pintura más grande…” ¿Cómo te sentís cuando la gente reconoce la compilación como sinónimo de calidad? “Es un gran sentimiento. Significa que mi propia atención al detalle no pasa desapercibida. Siento pasión por esta música y siento que mi rol con respecto al trance es llevar la bandera, demostrar lo brillante que es al público.”

MARCELO FRATINI

01. Will Atkinson

Subconscious - Subculture

02. Will Rees

Interlude - Kearnage Recordings

03. Kris Morton

The Noble Six Meteora

Subculture

Andrew Alexandrov, más conocido en la escena trance como The Noble Six, nos trae su más reciente material, editado por uno de los sellos que, a lo largo del 2015, nos brindó excelentes lanzamientos y que, sin dudas, lo seguirá haciendo este año. Esta vez, el sello perteneciente a John O’Callaghan nos trae “Meteora”, un track con mucha fuerza y con una melodía con tintes old school que genera un clímax a mitad de la canción, digno del trance. Otro de los candidatos a liderar el Top Ten, sin lugar a dudas.

9.0 Coming Soon & Bryan Kearney Anti Social Media

Muchos se preguntarán qué resultado daría la fusión entre Coming Soon & Bryan Kearney, y la respuesta es una sola: “¡Una bomba!”. En conjunto, ambos productores nos presentan “Anti Social Media” mediante el sello Spin Twist Records. Próximo a lanzarse, ya es uno de los más tocados en los grandes festivales de trance y psy. Una excelente combinación de ambos artistas que da como fruto un muy buen trabajo…

04. Arctic Moon

Data Ghost (Extended Mix) - FSOE Scorpion – Who’s Afraid Of 138?!

06. Duncan Newell & Lee Van Willem Whitechapel - Touchstone Recordings

07. Sean Mathews

Epiphany - Infrasonic Recordings

08. Cold Blue

Poseidon - Outburst

09. Ciaran McAuley

Maria (Extended Mix) - Pure Trance

10. Luciano Martinez

Fire – Paradise Garage (Make The Beat)

9.0 Duncan Newell & Lee Van Willem Whitechapel

Touchstone Recordings

Seguimos con buenos lanzamientos. En este caso, uno perteneciente a la familia de sellos de Solarstone: Touchstone Recordings. Esta plataforma nos entrega excelente material denominado “Whitechapel” de parte de los productores Duncan Newell & Lee Van Willem.

10 SAM JONES Let Loose

Kearnage Recordings

8.0 Arctic Moon

Data Ghost (Extended Mix) FSOE

Y si de trance hablamos, no puede faltar la entrega de uno de los sellos referentes del género. “Data Ghost” es el nombre de lo último del polaco Thomas Popielarski, conocido como Artic Moon. Como podemos apreciar, se presenta siempre fiel a su estilo y con esa fuerza que lo caracteriza a la hora de plasmar sus ideas a través de un track. No dudamos que es otro de los fieles candidatos al Top Ten del género. ¡Una gran entrega de FSOE! Como era de esperarse...

Spin Twist Records

Orbital – Outburst Records

05. Chris Schweizer

Resumimos esta pista en su melodía “partida en dos”, por así decirlo. Le hace erizar la piel a todo aquel que lo escuche. Un muy buen debut de Touchstone en nuestro reviews. ¡Esperemos que este sea sólo el primero de muchos!

8.0 Johan Gielen vs Peetu S Festivo (Johan Gielen Remix) Outburst

Otro de los sellos que nos brindó excelentes lanzamientos, sin dudas, fue Outburst. En esta ocasión, presenta el último trabajo de unas de las leyendas vivientes del género, como es el belga Johan Gielen que, junto al finlandés Peetu S, dio vida a “Festivo”. Un track muy particular que posee algunos arreglos de la vieja escuela del techno trance junto a una melodía en batucada que le sienta perfecto al nombre. Un muy buen trabajo de ambos. ¡Esperamos pronto tener más material de ellos!

8.0

De la mano de Kearnage, el sello perteneciente a Bryan Kearney, el galés Sam Jones nos presenta su último trabajo, “Let Loose”. Una excelente pista donde se fusiona una melodía característica del uplifting junto con el poderoso sonido del tech trance como base principal del track. Es uno de los temas más tocados por los DJs a la hora de demoler cualquier pista y sin dudas, uno de los candidatos a liderar el Top 10 del género. Damaged sigue en constante ascenso con sus lanzamientos. En esta edición, damos a conocer lo último de dos referentes de la escena psy como lo son Nicola Capobianco -más bien conocido como Liquid Soul- y Zyce, con la colaboración de Solar Kid. “Anjuna” llega, también, remixado por el inglés Jordan Suckley. Es uno de esos temas para no parar de bailar que, al escucharlo una vez, se llega a la conclusión de que es una bomba. ¡Bien por Damaged! Esperamos más novedades...

8.0 Lostly

Coffin Corner Outburst

¡Otra gran entrega de Outburst! En esta ocasión, de la mano del alemán Lostly que nos trae “Coffin Corner”, su más reciente single. Fiel a su estilo, nos entrega material con mucha energía. Sabíamos que esta no iba a ser la excepción…

Liquid Soul & Zyce ft. Solar Kid

Anjuna (Jordan Suckley Remix) Damaged Records

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TECH HOUSE REVIEWS FESTA BROS info@festabros.com

RAPIDITOS 8.5

8.0 Marco Lys

Knee Deep In Sound

Desde el sello discográfico del momento, que lleva adelante Hot Since 82, nuestro artista de tapa, llega el italiano Leonardo Gonnelli con “Roxan”. Presentando un acid housero, el track se pone súper intenso y groovero, con un irremediable destino hitero. ¡Está claro que ya es parte de un Top 50!

Un productor con muchos años en la escena llega con un release en el prestigioso sello Incorrect y, como no podía ser de otra manera, se sumó el remix de Uner. Vocales muy buenas y un toque de techno. El EP presenta, en total, cuatro tracks con mucha variedad. La producción “Evathing” cuenta con el remix de Max Chapman, al que tambien se le debe prestar atención.

8.0 9.0 Perel

Charles Manson (Darius Syrossian Remix) Do Not Sleep

El sello discografico Do Not Sleep se desprende de la famosa fiesta que Darius Syrossian lleva adelante en Ibiza. En esta ocasión, el mismo dueño se encarga, con este remix, de definir el estilo que llevará adelante con su plataforma. Mucho groove e intensidad con un bajo muy marcado y los hi hat arriba, bien fuertes, ¡caracteriza del sonido de Darius!

Audiohell & Bimas The Hole 8 Bit

Desde el sello de Gorge y Nick Curly llega un increíble EP del italiano Audiohell en colaboración con Bimas. El track “The Hole”, que le da nombre a todo el lanzamiento, tiene la estampa del histórico sello discográfico y, a decir verdad, es una excelente producción. Como siempre, ¡8 Bit da en la tecla! Súper recomendale. ¡Bombazo!

9.5 9.0 Edu Imbernon & Los Suruba Shadows Of Rigadon Suara

Tomando un lugar relevante en la escena mundial, los españoles no dejan de sorprender. En este caso, saliendo, también, en un sello español, Los Suruba y Edu Imbernon nos traen un poco de techno house muy atmosférico. Estos dos, súper amigos entre si, presentan sonidos al viejo estilo progressive, en una increíble combinación con lo moderno. Esten atentos a Suara y a este EP con remixes de Clarian. 94

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9.5

Deported Music

Incorrect

Roxan

Animal Trainer

Edu Escartin Groove Night

SLW (Uner Remix)

LEONARDO GONNELLI

8.5

Chus & Ceballos ft. El Chino DreadLion

Edu Escartin es un artista argentino que promete mucho. Aquí, editando para el label de Festa Bros, deja en claro su habilidad en las bandejas. ¡Recomendable!

7.0 Ben Remember We Feel

Toolroom Trax

Toolroom es una de las casas discográficas que se encarga de seguir indagando y encontrar nuevos talentos. Aqui, con un sonido underground, muy cargado y oscuro, el de Ben Remember es un gran descubrimiento.

6.0 Jay Kurmis, Nukov & Yelmet Refresh

Moon Harbour

Desde la plataforma del consagrado Matthias Tanzmann llega el EP “Refresh”, producto de la colaboración entre Jay Kurmis, Nukov & Yelmet. Este release ocupa un buen lugar entre las últimas novedades de la industria pero Moon Harbour tiene cosas mejores...

My Favorite Robot

El dúo Animal Trainer nos trae su última producción tech house, con sus tientes profundos. Excelente track que vio la luz en el afamado sello My Favorite Robot... Estamos muy contentos de que vuelvan a Sudamérica en mayo. ¿Qué artistas de Hive se van a presentar en el Baum Festival en Bogotá? “Nosotros también estamos esperando volver a Sudamérica. Estamos enamorados de la energía de la gente y de la increíble comida. Por lo que sabemos, somos los únicos artistas de Hive Audio tocando en el Baum Festival. Todo un honor...” Cumple 10 años el sello. Escuchamos el compilado “10 Years Hive” y nos gustó mucho. ¿Hay planes para nuevos álbumes este año? “Gracias. Se siente como si hubiéramos empezado ayer pero el tiempo pasa volando y ya pasaron 10 años. Planeamos hacer otro álbum de Animal Trainer en 2017. Quizás, sale por Hive Audio. No estamos seguros.” ¿Qué planes hay para el dúo? “Planeamos un álbum para el 2017. Ahora, terminamos unos diez tracks después de un largo enero. Los enviaremos y estamos curiosos por ver dónde saldrán. Nuestro foco en 2016 es hacer EPs amigables. Tenemos remixes para Andhim en Monaberry y otro en Freude Am Tanzen para Eating Snow y uno para Sabb en Hive Audio.”

SNILLOC

01. DJ T.

Music is Theraphy - Moon Harbour Recordings

02. Darius Syrossian

Back to Truth (Nick Curly Remix) - Definition:Music

Keep It Dancin (Supernova Remix)

Stereo Productions Los italianos Supernova, dueños de Lapsus Music, hicieron, desde nuestro punto de vista, el mejor remix de este EP. La remezcla del dúo tiene reminiscencias del sonido house de los noventa y forma parte de un gran EP para el label español.

Aeron

03. Markus Homm

8.5 Oxia

2soul (Martin Landsky Remix) - Bondage Music

04. Claire Ripley

Only You - Knee Deep In Sound

Give A Feeling

05. Ray Okpara

Material, uno de los sellos discográficos del momento, presenta a Oxia con su track “Give A Feeling”. Este, además, ha recibido la remezcla de parte de Olivier Giacomotto. Profundo y groovero, ¡con un sonido hipnótico que te queda en la cabeza dando vueltas! Recomendadísimo.

06. Audiojack

Material

Puma Suade ft Tobias Neugebauer - Smiley Fingers Vibrate - Hot Creations

07. Matthias Tanzmann, Daniel Stefanik Volta - Moon Harbour Recordings

08. Marcos Baiano

Ridicolous (System2 Remix) - B.SOUL Music

09. Snilloc

Marino Loco - HiFly Music

10. NTFO

Lagioale - 20/20 Vision


EDM REVIEWS

KEVIN MUTER kevinmuter@hotmail.com

RAPIDITOS 7.0

7.0

Henry Fong & Halfway House

Keanu Silva

Pump Up The Jam

F.E.A.R. ft. Sanjin Fly Eye Records Este productor de Los Ángeles lanzó su hibrido de future house y fidget en la histórica discográfica Mad Decent de Diplo. Para los amantes de un sonido más atípico, este tema es imperdible.

Spinnin’ Records A lo largo de los años, el clásico de Technotronic ha sido revivido por distintos artistas y en distintos estilos. Esta vez, llegó la versión de Keanu Silva que desarrolla un future house muy interesante.

8.0

8.0 Addiction

Afrojack & Hardwell

Make The Beat

Revealed Recordings

Lost Voices

9.0 Cid No!

Musical Freedom

Pocos productores, en este momento, tienen un sonido tan único y particular como el que tiene CID y esto se nota al escuchar su nuevo single “No!”. El track contiene partes del tema de R&B de los noventa “No Scrubs” pero pitcheado para abajo y esto lo hace único. Además, el tema se va desarrollando muy de a poco, con un groove muy fino y marcado que va subiendo sin perder la cordura. Salió por Musical Freedom, el sello de Tiesto y es único en su género...

8.0

Hollywood

Make The Beat sigue sorprendiéndonos día a día con su gran catálogo, que le da lugar a distintos artistas nuevos para exhibirse y mostrar material. En este caso, el trio Addiction se luce con su primer track “Lost Voices”.

Siempre es llamativo cuando dos artistas de tan grueso calibre colaboran por primera vez. En este caso, los dos holandeses no decepcionan con una bomba que nos hace acordar a sus orígenes en el género.

ALBERT NEVE

“Clothes Off” es el nuevo single del dúo argentino compuesto por Marcelo Mato y Nicolas Borromeo. Come & C viene teniendo un ascenso prominente y su ultimo single “Limitless” estuvo rotando en radios locales durante varios meses. En este caso, junto a Alexia Bosch, hicieron un cover del tema “We Don’t Have To Take Our Clothes Off”. ¡Está buenísimo y tiene un videoclip imperdible!

Get Down - Musical Freedom

Damn - Smash The House

05. CID

Love Is Blind (Sebjak Remix) - Big Beat

06. Throttle & Oliver Heldens Waiting - Heldeep

07. Angemi

Closure - ETNA

08. Chocolate Puma

Popatron - Spinnin’ Deep

09. Deorro & Uberjak’d ft. Far East Movement When The Funk Drops - Universal

10. Eric Prydz Opus - Pryda

Heldeep Records

DANNIC & HIIO

El productor holandés del momento, Oliver Heldens, se une a Throttle, el hombre sensación de Estados Unidos, para crear un tema distinto: funky, movido y con una vibra bien típica de los noventa. Ambos artistas han tenido grandes éxitos, últimamente. Oliver Heldens en su colaboración con Tiesto y Throttle con su tema “Together”, que está siendo usado por Hillary Clinton en su campaña para presidente. En este caso, “Waiting” cuenta con unos pianos marcados, unos riffs de guitarra funkys y unos vocales pitcheados que quedan sensacionales.

Sony Music

02. Tiesto & Tony Junior

04. Chuckie & Albert Neve

9.0

Waiting

Clothes Off

I’ll House You - Spinnin’ Records

Mescal Kid’s Magic - Free download

Oliver Heldens & Throttle

Come & C

01. Jungle Brothers & Don Diablo

03. Nom De Strip

9.0

8.0 Firebeatz & Schella Dat Disco Swindle

El dúo sudamericano más importante de EDM, HIIO, no deja de sorprendernos. Desde su formación en el año 2012, no dejan de crecer exponencialmente. En este caso, se juntan con uno de los más grandes exponentes del género para colaborar en el primer lanzamiento de su nuevo Sello discográfico Fonk. “Funky Time” es un track que, como bien indica su nombre, tiene elementos muy movidos. Especialmente, la línea de bajos. El tema llegó al Top 3 en Beatport y tiene el apoyo de DJs como Hardwell, Tiesto, David Guetta y Afrojack, entre otros. Imperdible.

8.0 R3hab & Burns Near Me

Spinnin’ Records

Fadil El Ghoul -más conocido artísticamente como R3habjunto a Burns hacen un tema muy raro con bajada bien deep house y un drop bien agresivo, cargado de bajos y secuencias bien típicas del nuevo género de moda: bass house. El tema en sí es bastante simple y con una fórmula que se repite constantemente pero no por eso deja de gustar o llamar la atención. Lo más interesante del track, quizás, es el juego que hace entre las capas de bajos que se van formando luego del drop.

Spinnnin’ Records

Pocos temas sorprenden, hoy en día. Habiendo tantos géneros, cuesta encontrar material original que se destaque. “Dat Disco Swindle” es uno de esos que, al escucharlo, uno se sorprende. Toma elementos de la música disco y del garage inglés, con estructura EDM y bajos de fidget para dar una combinación única. Los holandeses de Firebeatz siguen sorprendiendo al readaptarse constantemente.

Funky Time Fonk Recordings

7.0 Ummet Ozcan

Wake Up The Sun Spinnin’ Records

La nueva faceta EDM cada vez le sienta mejor al experimentado ingeniero de audio Ummet Ozcan. Con una bajada muy rara -con un vocal masculino-, riffs de guitarras medio country al mejor estilo Avicii y un arpegio bastante trancero, Ummet

nos muestra su versatilidad al componer. “Wake Up The Sun” se convierte, entonces, en un híbrido que cuenta con distintos elementos que lo hacen único en su estilo.

8.0 Tiesto & Tony Junior Get Down

Musical Freedom El multifacetico y legendario Tiesto decidió incursionar en el nuevo género de moda bass house. Para esto, se unió al holandés Tony Junior e hicieron “Get Down”, un tema híbrido, raro, con partes atresilladas, wobbles y otros elementos que rompen el esquema de lo convencional. El tema estuvo en las cima de ventas en distintos portales y sonó en festivales y eventos alrededor del mundo.

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TECHNEWS

ALTRUISMO SINTETIZADO

Gonzalo Solimano nos habla de Unlock Art Lab. p.98

UN SELLO EN CAJA La nueva propuesta de Ditto.

p.100

MIRANDO AL FUTURO DIRECTO AL OÍDO El monitoreo de oído gana terreno. p.101

Pioneer DJ continúa su reinado con las nuevas CDJ y DJM de la gama Nexus.

A SONIDO PIONERO Pioneer empezó a instalar sistemas de sonido...

p.102

EVOLUCIÓN DIGITAL

Analizamos algunos softwares para DJs. p.105

EXPERIMENTAL

Jimmy Van M y Diego Tuñón hablan de su proyecto...

p.106 96

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hora que vivimos en la era dorada de la tecnología, cada vez estamos más a la espera de ofertas de alta calidad de parte de cada uno de los pedazos de tecnología que usamos y con los que interactuamos en nuestra vida diaria. Ha llegado el momento en el que la industria de la música electrónica debe dar un paso más en el juego, abrazar por completo la nueva ola de divagaciones tecnológicas y empezar a entregar el tipo de productos que puedan utilizar lo mejor de estas nuevas altas calidades. Pioneer DJ ha movido sus fichas para asegurarse que su principal kit cabinero no quede guardado en los armarios de los DJs y continuó este cambio con la introducción de nuevas variantes de las mejores representantes de su gama: el CDJ2000 NXS2 y el DJM900 NXS2. Estas nuevas adiciones a su gama existente presentan una completa revolución para poder entregar una experiencia sónica sorprendente. Ya que los límites de lo que se puede hacer en términos sonoros han sido traspasados, los DJ y productores pueden hacer uso de todo el potencial del audio de alta calidad -que ha sido de dominio de unos pocos audiófilos- con este kit instrumental que solía ser para unos pocos de la elite. Ahora, esta tecnología puede estar en manos de cualquier persona que te cruces por la calle. Las capacidades de almacenamiento ya no

son un problema para las computadoras de hoy, los discos duros y los reproductores de audio. Como resultado, fanáticos y usuarios pueden guardar cada vez más grandes archivos de audio en sus diferentes hardwares. El utilizado y bastante desatinado formato MP3 estará pronto en su tumba -incluso, antes que el vinilo- y un nuevo formato ocupará su lugar. El MP3 ha sobresalido en el mercado por necesidad, más que por deseo. Todo esto beneficia a los amantes de la música ya que, ahora, tu música no debería estar obligada a salir de formatos comprimidos de baja calidad y los DJs podrán tocar tracks de mejor calidad, como salidos directo del estudio. Incluso, los sistemas de sonido de los clubes están siendo diseñados con el mejor audio posible, con discotecas como Ministry Of Sound uniendo fuerzas con empresas como Dolby, para darle a los asistentes una experiencia de sonido en su más alta calidad. Con este gran salto en la tecnología de los sistemas de sonido, la industria hallará la manera de mantener ese ritmo y, así, poder sacarle el mayor jugo posible a estos nuevos sistemas y formatos de audio. Los fabricantes, además, deberán invertir para desarrollar el hardware que los DJs usarán, con la certeza de que todos estos nuevos avances tecnológicos estén contemplados. Sin dudas, se trata de una revolución del sonido que se va dando


TECH

TEMPORADA DE BANDEJAS Technics vuelve al ruedo y Sony no se quiere quedar atrás... CONTACTO

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en algunos clubes alrededor del mundo y, ahora, la posibilidad de disfrutar una noche en la pista con música de alta calidad es una completa realidad. Ya no hablamos de unas cajas hechas en casa que disparan sonido fuerte y crudo si no que se trata de algo mucho más detallado y claro que llega a las pistas de baile desde el sistema de sonido. Como resultado, Pioneer DJ ha dado el salto -y no hay dudas de que el resto seguirá ese camino. La nueva CDJ NXS tiene una refinada lista de características que rápidamente la ubican dentro de la categoría para audiófilos -ahora, con una tarjeta de sonido de 24 bits, permitiendo reproducir formatos FLAC y ALAC. Estas mejoras se podrán apreciar claramente en los ambientes de los clubes, con los nuevos sistemas de sonido que están siendo instalados. Otras mejoras, también, se han hecho por el lado del software y, ahora, cuando buscan un track, los DJs podrán utilizar un teclado QWERTY completo, como en cualquier búsqueda en un ordenador. La cantidad de hot cues se ha duplicado -ahora, hay ocho en total. Algo que abre las posibilidades para ser aún más creativos a la hora de editar y mezclar los tracks. Sumado al hecho de que el CDJ2000 NXS2 tiene, ahora, la habilidad de entregar información más detallada del Rekordbox. El DJM900 NXS2 tiene, también, sus mejoras. Ahora presenta un procesador de 64 bits, dándole calidez y detalle al sonido. Presenta cuatro entradas phono para DVS y dos entradas de auriculares, para que resulten más sencillos los back to back, una modificación pequeña que significa un gran avance. Las nuevas bandejas y el mixer funcionarán como plataforma para los dispositivos de audio de alta calidad que llegarán en el futuro y Pioneer DJ continuará siendo el estándar de la industria, ubicado en las cabinas de los clubes alrededor del mundo entero, durante la década que se viene. n

Luego de constantes rumores, masivas solicitudes en Change.org y un primer bocado de avance por parte de la compañía japonesa en septiembre pasado, Panasonic ha hecho oficial, durante su exposición en la feria de tecnología CES 2016 de Las Vegas, el regreso de uno de sus objetos más preciados y solicitados por melómanos, amantes del arte de los vinilos y verdaderos DJs alrededor del planeta: las míticas tornamesas Technics SL-1200. Corría octubre de 2010 y Panasonic dejaba de fabricar sus legendarias tornamesas de alta gama Technics, olvidándose de las más de 3,5 millones de unidades vendidas que había registrado desde su creación en 1972. Una triste noticia que se extendió durante más de un lustro pero, afortunadamente, tuvo su fin gracias al sostenido crecimiento que vienen registrando las ventas de vinilos alrededor del planeta -no a la altura de los números de antaño, pero lo suficiente para dar fuerza a su esperado retorno. Según indicaron desde Panasonic, serán dos las versiones que se lanzarán de la codiciada bandeja. Primero, para mediados de este 2016, se lanzará un stock limitado de 1.200 unidades para conmemorar el 50° aniversario de la clásica serie SL-1200 y llevará por nombre Technics ‘Grand Class SL1200GAE. Posteriormente, a finales de 2016, estará disponible la versión standard con disponibilidad ilimitada y bajo el nombre Technics 1200G.

En medio de la revolución que generó el anuncio en la feria norteamericana, hubo otro gigante tecnológico que quiso dar su golpe. Sony presentó la PS-HX500, en un claro intento por diferenciarse de la legendaria empresa Panasonic al ofrecer un producto novedoso que, lejos de ubicarse en terrenos estrictamente analógicos, pretende congeniar ambos mundos al ofrecer la posibilidad de convertir los discos de vinilo a formato digital. Una apuesta fuerte de parte de la compañía basada en Tokio. Es cierto que, a la hora de pinchar unos vinilos, el PS-HX500 tiene varios contrincantes en la actualidad pero, su posibilidad de digitalizar audios, parece ser su principal novedad. Estos audios se almacenarán automáticamente en un dispositivo USB mediante la tecnología Direct Stream Digital –DSD-, creada por Sony, y, además, contará con un software exclusivo para poder editar aquellas grabaciones que han sido almacenadas. Su calidad de construcción parece ser de gran calidad, robusta y de alumino, y luce muy bien con su color negro mate y su aspecto minimalista. Según informan, rondará los 500 euros cuando salga en Europa por el mes de abril. El 2016 ya tiene dos grandes contrincantes con nuevos elementos para salir a la lucha. El vinilo parece estar en el medio y seguir creciendo en un mundo que, dentro de todo su volumen digital, presenta vestigios de resistencia. n

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TECH

ALTRUISMO SINTETIZADO Unlock: Art Lab es una propuesta que nace desde la pasión. Gonzalo Solimano nos contó los pormenores de un deseo convertido en proyecto... INVITAMOS a Gonzalo a las oficinas centrales de DJ Mag Latinoamérica para hablar sobre su bien más preciado. Un idea que comenzó como sello discográfico y tuvo entre sus filas a artistas como Barem, Guti y Alexis Cabrera antes de su explosión internacional. Hoy ese proyectó mutó hacia diversos territorios. La propuesta leva unos doce años en la escena local y ha estado desde siempre ligada al lado más artístico que tiene la escena electrónica en Argentina. Lejos de ser un proyecto improvisado, la propuesta no sólo es amplia sino que ahonda en muchas de las cuestiones que hacen a la industria y, aunque podría verse inserta en cualquiera de nuestras secciones, tiene un lado tecnológico que no puede pasar desapercibido. “Cuando empezamos con Unlock, las cosas no eran como ahora. Las propuestas del underground no tenían la fuerza que pueden tener hoy. 98

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Era un poco más cerrado, en lugares más puntuales”, explica. Ellos empezaron, primero, con fiestas alternativas -que fueron sumando algo de fuerza gracias a la calidad de las mismas y a la explosión que surgió la escena local en general- y con un sello discográfico. Con el tiempo, la producción se volvió el fuerte de Unlock y muchas marcas utilizaron sus servicios para realizar sus acciones y propuestas. Llegó la prosperidad y, con ella, se abrieron las puertas de la experimentación. “Hoy por hoy, la discográfica sigue. Editamos vinilos que vendemos en Nueva York, Tokio, Berlín, Londres, Barcelona… ¡en todos lados están los discos!”, se enorgullece. Unlock va por todos los frentes pero, aquí, bajo las arcas de nuestro espacio para la tecnología, nos metemos de lleno en uno de los conceptos que llevan a cabo: Unlock Art

Gonzalo Solimano junto a Ernesto Romeo

Lab. “Él es Ernesto Romeo, un ícono en el mundo de la síntesis”, empieza a contarnos Gonzalo en detalle. Nos muestras las fotos del último evento que tuvo lugar en el Hipodromo de Palermo, donde, antes de la fiesta nocturna que tuvo como protagonistas a Sonja Moonear y a Christian Burkhardt, se realizó un workshop en el Salon Oval del predio en el que se juntaron algunos de los artistas más importantes que tiene la síntesis a nivel local. La pasión de Gonzalo emerge e, instantes más tarde, termina explicándonos un poco de historia sobre síntesis y el inicio de algunas de las corrientes principales que tuvieron lugar en los Estados Unidos, de la mano de Robert Moog. Nos quiere contar, quiere que sepamos, y nosotros entendemos un poco más del por qué lleva adelante este proyecto: pasión. “Hoy por hoy, la inmediatez de todo, ha hecho que sean muchos los artistas que emergieron y hay mucha cantidad de sellos discográficos nuevos. Lo digital dio canales para que todos expongan su música y hay muchas cosas dando vueltas”, expone. En todo este cambio, continúa, hay mucha gente que quiere salirse del estándar y, para ello, no queda otra que


TECH

Christian Burkhardt

El próximo lanzamiento de la plataforma discográfica será la primera de una serie de vinilos especiales que combinarán diversos aspectos artísticos. Serán colaboraciones musicales que se irán develando a lo largo del año y que, finalmente, se editarán todas juntas en CD, junto a el arte de tapa realizado por la artista Gisela Faure que, divido en los cuatro lanzamientos, terminará por verse en su totalidad con la cuarta y última referencia, y que los fanáticos podrán tener en formato poster dentro del CD. El primero de la serie verá la luz en mayo y contará con música de talentos locales como Franco Cinelli, Fosky, Leonel Castillo y Jorge Savoretti.

volver a las bases. “Hoy, producir con loops y cosas pre armadas se da constantemente. Hay tanto de eso que la gente quiere destacarse y crear su propio sonido personal. Y, en el presente, la síntesis modular está viviendo un fenómeno increíble. Volver un poco a las raíces va en busca de eso, de que sea más personal”, asegura. Esa filosofía lo ha llevado a crear este tipo de propuestas. “Unlock siempre fue pensado para tener un espacio local. Después de muchos años, yo me di cuenta que buscaba todo en el exterior. Somos nietos de inmigrantes y existe la cultura de que todo lo mejor está en el exterior. Y, para mí, no es así. Eso es algo que tenemos que pelear y que tiene que ver con nuestra educación. Si nosotros no generamos espacios para que los chicos vengan a capacitarse e intercambiar información, nunca vamos a dejar de mirar hacia afuera.” Asi, Gonzalo, y todo su equipo de trabajo de Unlock, tiene esa premisa. Generar el espacio para darle vida a esta movida analógica que ha estado resurgiendo como necesidad en los últimos años del dominio digital. Unlock:

Bruno De Vincenti

Art Lab es una plataforma de contenidos artísticos. Reúne a artistas plásticos, artistas audiovisuales, DJs, productores, bandas y todo tipo de formas artísticas con el objetivo de crear un conjunto que empuje hacia el mismo lado. “El Art Lab intenta ver de qué manera se pueden hacer las cosas y Unlock, como productora, intenta respaldar esa propuesta y llevarla a cabo. Entonces, viene un artista con su propuesta y nosotros los ayudamos en eso. Fomentamos, también, muchos proyectos entre los artistas.” Cada fiesta Unlock Night tiene, durante el día, su workshop y, sin pagar entrada, la gente se puede acercar a conocer un poco más sobre la movida. “Lo que hacemos es arrimar a determinados líderes del mundo de la música para que se abran y comuniquen sus formas de trabajar y demás”, explica. La idea es abrir los conocimientos de todo el que quiera con una propuesta de lo más altruista que tiene como objetivo la propagación de diversas técnicas con el único fin de educar a aquel que quiera sumergirse en este mundo. Un verdadero laboratorio de arte, curado para todo curioso que quiera pegarse una vuelta… n djmagla.com

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TECH Record Label in a Box

Textos: WILL BAKER / MICK WILSON

UN SELLO EN CAJA Ditto es una nueva compañía que busca darle a los DJs y productores una mano para meterse en el mundo de la música dance, ayudándolos a crear su propio sello... s dificil ser un DJ/productor en los días que corren, tratando de hacer ruido en E una industria cada vez más saturada que está llena de competidores. Una forma segura de que posen la vista en tu trabajo es crear un hit que tenga éxito y ponga tu nombre en boca de todos. Sin embargo, la mayoría de las veces, esta teoría es más escuchada que experimentada. Conseguir que un sello lance uno de tus tracks puede ser tan dificil como conseguir los primeros espacios para tocar. Una forma de sortear este obstáculo es lanzar el tema en tu propio sello. Este es un camino que ha pagado dividendos a muchos DJs del circuito internacional actual. Por ejemplo: Jamie Jones y su Hot Creations o Solomun y Diynamic. Lanzar tus propios temas en tu propio sello puede ser una excelente forma de hacerte escuchar pero muchos nuevos en el juego se preguntarán: ¿cómo hago para crear mi propio sello y lanzar los temas que me llevarán de escenario en escenario? Aquí es donde Ditto, la empresa creadora de Record Label In A Box, entra en juego. Han creado un producto que, potencialmente, puede dejar atrás todas las frustraciones y el trabajo duro que requiere intentar lanzar tu propio sello discográfico y ayudarte a convertirte en la próxima súper estrella. Record Label In A Box es una tienda ideal para cualquiera que quiera armar su propio sello. Ofrece una serie de servicios que te ayudan a convertir tu sueño en realidad. Es una oferta distinta de parte del mundo de los sellos discográficos. Hay algunas agencias que ofrecen los servicios de dirección y management de tu sello pero es la primera vez que ha sido empacado de esta manera, siendo posible etiquetarlo como un producto y un servicio al mismo tiempo. ¡Y en una caja! Lo que los usuarios compran es una caja que tiene varios productos que ayudan a crear el sello -dependiendo del paquete que hayan comprado. Hay cuatro paquetes en oferta: el paquete básico a uno cien dólares, el premium a más de doscientos cincuenta, el profesional casi a quinientos y, finalmente, el paquete empresa, casi llegando a los cuatro mil dólares. Cada paquete ofrece una lista de servicios que incluyen el registro del sello, la creación de una cuenta bancaria, el acceso a préstamos, outlets de distribución como Spotify y iTunes y el registro en PPL 100 djmagla.com

-una sociedad de derechos-, un dominio web para tu sello, un calendario online de eventos de la industria a lo largo del año y, más importante, una completa campaña publicitaria con relaciones públicas y redes sociales para cada lanzamiento y un programa de capacitación de doce meses. El nivel de servicio depende del paquete que sea elegido. La “caja”, además, incluye algunos extras para ayudar en el camino, como un diario personalizado para manejar responsabilidades. Además, te otorgan un certificado para probar tu registro en PPL, contratos físicos que incluyen licencias para los sonidos –algo muy importante para asegurarse que las cosas se hagan de manera legal- y un pen drive que ya viene cargado con la información de la compañía, junto con copias digitales de los contratos y una plantilla que te ayuda a armar los contratos con tus propias especificaciones. Todas estas cuestiones son esenciales para dirigir un sello desde el lado administrativo. El elemento creativo depende de ti, al igual que los actos que, potencialmente, firmarías ya que, si todo funciona, sumar DJs y su música sería el próximo paso. Record Label In A Box está pensado para dos mercados. Primero, para aquellos que no saben mucho de la industria electrónica, este

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paquete provee acceso para principiantes a una rica cantidad de información y apoyo en sus diferentes movimientos. El segundo mercado está enfocado en aquellos que, simplemente, no tienen tiempo de encargarse de los detalles que tienen que ver con el armado y el cuidado de un sello. El tiempo es dinero y este paquete tiene como objetivo liberar el tiempo de los artistas para manejar otros asuntos como, por ejemplo, entrar al estudio a hacer algo de música, mientras Ditto se encarga del papeleo y el proceso de administración. Con todos estos productos y servicios dentro de una sola caja, es atractivo para aquellos que cuentan con el presupuesto para darle inicio. Hay diferentes paquetes para la variada necesidad de los usuarios. Ditto presenta una oferta única que no está siendo replicada por otras empresas, todavía. Puede que sea de ayuda para los que no se han animado a dar este paso… n


TECH Monitoreo de oído Textos: MICK WILSON

DIRECTO AL OÍDO El monitoreo de oído es la última tecnología adoptada por DJs pero, ¿funciona? ay muchas opciones para los DJs cuando se trata de auriculares estos días pero la H mayoría se sigue inclinando por los modelos grandes que cubren la oreja. Sin embargo, los avances tecnológicos han empezado a cambiar las cosas y podemos ver un nuevo diseño tomando fuerza entre algunos pequeños grupos. Lo toman prestado de las bandas en vivo, en la forma de monitoreo de oído -IEM, por sus siglas en inglés. Esto ya lleva unos años funcionando, sobre todo, en los escenarios de los artistas tocando en vivo. Las unidades eran súper costosas, con productos por encima de los mil dólares, y solían estar construídas para cada oreja en particular. Pero, con el paso de los años, las cosas han ido cambiando y el monitoreo de oído pasó a ser algo más accesible para los que estamos fuera de la burbuja del éxito, con productos a una fracción de precio, con modelos por cien dólares. Pero, ¿por qué? ¿monitoreo de oído? El beneficio principal es que los portadores de los auriculares estan lo más cerca posible del canal auditivo, permitiendo que el sonido que se hace presente pase directo a donde tiene que pasar, dando la posibilidad de escucharlo a niveles más bajos de volumen -ayudando a no destrozarse el oído. Además, ayuda a separar el sonido externo, otorgando más claridad y detalle en el sonido. Los DJs han escuchado acerca de estos beneficios y, ahora, están empezando a usar el monitoreo de oído en los escenarios y en los clubes. Si funciona para artistas tocando en grandes estadios, seguro funcionará para DJs en festivales, ¿verdad? DJ Mag decidió que sería bueno hecharle un vistazo a tres versiones que están dando vueltas, para ver si este tipo de monitoreo funciona en un ambiente para DJs.

01. FLARE AUDIO. Estos son conocidos por su estilo único y sus aspectos sonoros. Se jactan de entregar el sonido con la mejor calidad. Sus auriculares para monitoreo R2 Pro son una maravilla de la ingeniería. Y son realmente pequeños. Hechos de titanio, estos R2 Pro tienen un muy buen sonido. Tienen que escucharlos para creerlo -tienen una presencia sonora profunda y gran calidad, especialmente por tratarse de algo de este tamaño. Los R2 Pro encajan perfecto en las orejas y, gracias al terminado en titanio, son tan cómodos que se pueden usar por un largo rato. El usuario pueden elegir de una selección de distintas formas, con la almohadilla inteligente “Comply” siendo la más similar a un auricular moldeado de manera especial para su oído. flareaudio.com

02. AUDIOFLY AF180s. Estos son auriculares profesionales para monitoreo de oído creados por una compañía australiana que ha estado creando estos dispositivos para artistas en sus tours desde hace tiempo. Estos auriculares están basados en aquellos que, comunmente, son utilizados por los artistas en los escenarios. Los AF180s tienen cuatro drivers guiando los monitores, que entregan un sonido tremendo: rico, profundo, espacioso y acertado. Una vez más, DJ Mag se sorprendió con lo bien que sonaban al ser tan pequeños. Bueno, no son tan pequeños como los R2 pero, igual, es considerable su tamaño. Con respecto a la forma en que se utilizan, los AF180s son amigables y precisos debido a su forma ergonómica. Incluso, vienen con una variedad de espumas para el oído para todos los gustos. audiofly.com 03. ETYMOTIC RESEARCH HF3s. Comparado con los otros dos, estos son los más simples a la vista. Los HF3 suenan lo suficientemente bien pero, de las tres opciones, probablemente, sean los que menos definición de sonido tengan. Mientras el sonido general es bueno, la profundidad de los bajos no es tan detallada como en los otros dos y el rango de frecuencias no es tan

amplio. Pero, pongámoslo en perspectiva. Los otros dispositivos cuestan entre cuatrocientos y quinientos dólares, mientras que los HF3 apenas superan los cien. Hay una gran diferencia en precios y performance pero queríamos mostrarles que la inserción al mundo de los auriculares de monitoreo no es necesariamente tan costosa. etymotic.com Una cosa que debemos decir con todos estos equipos es que la experencia de escucha es muy distinta a la de los auriculares que se apoyan en la oreja. Especialmente, en los ambientes de club. La respuesta de los bajos, aunque es buena, difiere de aquellos auriculares que poseen un driver de 50 milimetros para disparar el sonido en tus oídos. Este tipo de escucha te entregará fuertes frecuencias bajas sólo si pensamos en la experiencia sonora que entregan. Si la necesidad es que los bajos revienten, será mejor ir en busca de otra opción. Sin embargo, si la idea es que el sonido sea claro, estos seguro cumplirán con las expectativas y harán bien su trabajo. n djmagla.com 101


TECH Pioneer Pro Audio Textos: MICK WILSON Fotos: DAN REID

SONIDO PIONERO Pioneer sale de la cabina para meterse en la pista de baile con las instalaciones de Pro Audio... ioneer está en una posición única. Domina el mundo de las P cabinas en clubes de todo el mundo

de éxito desenfrenado: mientras hay otras marcas que se las ingenian para ganarse un lugar en cabinas y set ups personalizados, es raro y sus consolas son un elemento -especialmente, en la élite- entrar a básico en todos los kits que los DJs ascendentes desean para sumergirse un sala y no encontrar un kit Pioneer dentro de ella. Sin contentarse con en la experiencia total del DJing. Porque, para muchos, si no tiene ese este dominio de la industria, Pioneer ha girado su atención, desde las logo, no forma parte de la lista de lo que un DJ necesita. El dominio de cabinas hacia la pista de baile, y, lentamente, ha estado orquestrando Pioneer es la envidia de las demás compañías y su estilo y sus productos sus movimientos para meterse de lleno en la posición correcta para suelen ser copiados. Es una historia

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y buscar la manera de hacerse un lugar en otras áreas, sin las trabas que puede llegar a tener una compañía tan grande. Una de estas áreas nuevas es Pro Audio. Más específicamente, los sistemas de sonido y las Hace unos años, la industria se instalaciones. Es en este lugar -en revolucionó con las noticias que decían que Pioneer había quebrado esta nueva área de negocios-, donde está empezando a hacer ruido. y que había sido vendido por su DJ Mag tuvo la suerte de salir a compañía matriz. Esto llevó a que algunos crean que era su momento pasear con el equipo de Pioneer, al final del pasado verano europeo, y que no iba a pasar mucho hasta que sigan el camino de otro de los para experimentar y conocer los sistemas que han estado instalando gigantes que supo tener el mundo del DJing: Technics. Por suerte, para en clubes y espacios en todo el la escena, esto estuvo muy alejado mundo. Debemos decirlo: quedamos impresionados. Su sistema de de la verdad y la división y venta bandera, el GS Wave, se ha ubicado de la sección para DJs de Pioneer en sitios como el Sankeys Ibiza, le permitió, en esta nueva etapa, un espacio conveniente para tal tener la libertad para expandirse dominar, incluso, esta área de club con sus instalaciones sonoras y sus altavoces. ¿Puede Pioneer repetir el éxito que tuvo tras las bandejas y llevarlo a la pista?


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equipamiento. A simple vista, el sistema es una bestia: es enorme, tiene una imagen intimidante y suena tal cual se vé. Está diseñado para hacerte sentir, además de oir, la música. La ingeniería que conllevan estos altavoces es pura precisión y el sonido que emanan es algo increíble. El sonido de Sankeys incluye cuatro subs GS- Wave, cuatro horns GSWave, ocho lows GS-Wave y cuatro lens GS-Wave –cada uno ubicado en una de las esquinas de la pista, tirando el sonido directo al medio. Además, hay cuatro TWPOD GSWave, twitters omnidireccionales que llenan cada uno de los espacios muertos, asegurándose de que todos en la pista estén inmersos en la increíble calidad del sonido.

El set up en Sankeys es grande y ruidoso pero, al mismo tiempo, lo suficientemente delicado para que la información que llega a los GS Waves sea detallada. Así, se desprende que todas las tonalidades musicales que salen de los parlantes se transporten a la pista con absoluta claridad. De hecho, el proceso es parte de un trabajo en equipo, ya que el ingeniero en sonido del espacio es fundamental para que todo suene así de bien. El ingeniero puede ecualizar el sonido para cada género musical, en cada momento de la noche. A medida que más gente ingresa a la pista, la dinámica del sonido y la acústica cambia, algo que puede afectar la forma en que todo suena. Los

amplificadores Powersoft que dan energía han sido cuidadosamente seleccionados para trabajar mano a mano con los parlantes y proveer el mejor set up posible. Y no es sólo en los agradables climas de Ibiza que Pioneer ha estado instalando sus parlantes. Han dado unos pasos más en esta área, con trabajos en todo el mundo. Sin dudas, su mejor instalación es Magdalena, en Berlín. Este set up monstruoso incluye ocho pilas como las que hay en Sankeys, y ofrece un muro de sonido que no tiene precedentes. Mientras que esta matriz es ruidosa, el objetivo era asegurarse de que el sistema funcionase dentro del cuarto, y no sea sólo sonido ensordecedor saliendo por todos lados. Alex Barrand –Manager de Pioneer Professional Audio- le dijo a DJ Mag: “Los GS Waves entregan un sonido poderoso que se puede disfrutar toda la noche sin sentir fatiga. Ruidoso no es el término que queremos escuchar y, muchas veces, eso queda olvidado. Un sistema alineado correctamente puede hacer más ruido, incluso, que uno lleno de parlantes. Cuando tienes las ondas sonoras alineadas correctamente puedes experimentar la máxima energía acústica. ¡De eso se trata!”

Alex dejó en claro que es importante la experiencia técnica de los ingenieros –de todo el equipo de Pioneer Pro Audioque trabajan con los espacios para asegurar que el sistema sea correcto para el club. “Los sistemas reaccionan diferente en cada lugar así que no importa cuántas veces hayas instalado uno, deberás usar tus habilidades para hacerlo funcionar con la acústica específica que tiene.” Esta verdad se puede ver mirando hacia otro proyecto en el que Pioneer se embarcó: montar un sistema de altavoces en una flota de barcos para la tripulación de Float Your Boat, también, en Ibiza. El desafío aquí era asegurarse que el sonido fuera verdadero pero, además, que la instalación pueda resistir y continuar en los estándares más elevados. Los parlantes que llevaron al barco, del rango XY, pueden verse menos dominantes que los GS Waves pero siguen entregando un sonido punzante y afinado que llena el espacio sin demasiadas fugas. Esta era otra consideración que debían tener ya que, en esta instalación, la contaminación sonora debía tenerse en cuenta. Algo que no fue un problema cuando Pioneer equipó el penthouse de Ushuaia Tower. El trabajo fue otra increíble instalación personalizada que debía permitir transformar el ambiente a uno de club –ya que, regularmente, hay fiestas allí. Todos estos factores variables juegan un papel importante en la creación de los sistemas de sonido, que pueden mantenerse de pie frente a los competidores establecidos que ya han sacado una gran tajada del mercado. Los esfuerzos de Pioneer Pro Audio están ganando credibilidad –especialmente, en las pistas de baile-, ubicándolo en una posición que da indicios de crecimiento. n pioneerproaudio.com djmagla.com 103


TECH Digital Software

Textos: MICK WILSON

EVOLUCIÓN DIGITAL DJ Mag posa la vista en algunos de los mejores softwares que existen para los DJs digitales modernos... n los primeros días de la supremacía del DJing digital, la pelea se basaba en E ver qué software permitía la experiencia

más cercana a las bandejas. Native, Serato, MixVibes y Virtual DJ eran los principales contendientes que se debatían el primer lugar en esta batalla. Sólo algunos han sobrevivido, dejando a los DJs una notable selección para elegir a la hora de crear una mezcla digital...

Ableton Live ha avanzando mucho desde que los DJs empezaron a usar al Live como una herramienta de mezcla. Antes, la función warp le permitía a los DJs mantener las mezclas estables sin preocuparse por la desincronización, una gran preocupación en aquellos días, antes de los beneficios/ desventajas -elijan la que quieran- del sync y el BPM matching. Hoy, es difícil ver a un DJ usar el formato live sólo para mezclar música. Es común que se use de una manera algo más compleja, incorporando elementos y sintetizadores, junto a otros equipos y controladores. Y con la nueva función link del Live, es obvio que Ableton seguirá promoviendo este tipo de presentaciones. El Live es una gran herramienta de producción que le permite a los DJs/intérpretes llevarse lo que tienen en el estudio para compartirlo con la audiencia. “Crea, termina e interpreta”, es el lema en el que se basa el Live y, justamente, eso es lo que hace. Si eres un creador musical aventurero, aquí es donde deberías poner la atención. Si estás en la transición de DJ a intérprete electrónico, el Traktor de Native Instruments puede ser el siguiente paso de tu evolución, introduciendo nuevos elementos a la performance del DJ, con posibilidad de remixar y deconstruir los temas gracias al flamante formato STEMs y a los remix decks. Tiene algún acercamiento al Live sin perder la escencia del DJing. Hay un giro importante en la filosofía de Native que los ve acercándose al territorio del Ableton Live, borrando los límites entre el DJing y las performances en directo. El Traktor ha pasado por varias modificaciones -especialmente, ahora, con el formato STEMs- que lo muestran como algo más que una simple plataforma para DJs, con espacio para ser más creativos, expresarse y entregar una performance más completa que una simple mezcla. La nueva dirección puede verse en sus recientes ofertas de hardware -el Kontrol S8, S5 y D2. Han desaparecido los grandes platos y aparecieron los pads y las bandas táctiles. De hecho, esto es algo que Native hizo hace un tiempo, favoreciendo un acercamiento más lineal

al arte de las mezclas que se puede ver en el software de la marca y en la manera en que se desarrolla. Serato DJ, Rekordbox y Virtual DJ siguen poniendo el énfasis en tener un vinilo como símbolo. De hecho, todos estos formatos digitales se ven similares gráficamente, mientras que Native ha puesto esa vista como secundaria y está allí para DJs que tocan con DVS. Con Traktor, lo visual pasa por las ondas de audio, los remix decks y la vista de STEMs que dominan la pantalla. Serato DJ ha recorrido un largo tramo desde su encarnación original. Ahora es una gran pieza de software para DJs que se las ha ingeniado para ganar fanáticos en el mundo electrónico. Originalmente, pensado como una herramienta para DJs de hip hop y para hacer scratching, Serato conserva la tradición, en donde la habilidad recae en los dedos del DJ -lejos de los efectos y la sincronización de beats. Con los años, sin embargo, ha pasado por una metamorfosis estructural. El énfasis sigue estando en el arte del DJ pero, ahora, viene con Beat Sync, una seria batea de efectos y algunas otras herramientas que sirven a la performance y lo convierten en uno de los softwares más importantes por sus políticas que ayudan a que todo esté más claro. El Rekordbox DJ es una nueva adición al pack y, mientras algunos pueden pensar que ha llegado tarde al juego, otros no dirán lo mismo. Sentarse y observar cómo se desarrollaba el mundo del DJing digital le permitió a Pioneer tener el tiempo suficiente para ponerse al día y satisfacer la demanda de los modernos DJs. Rekordbox DJ es para tocar -simple y llano- y, aunque incluye algunos modos de acción interesantes, no se entromete en el espacio de Ableton. Rekordbox se está poniendo en contra de lo que, generalmente, sería considerado un software para DJs estándar. Lo bueno es que aquí no hay demasiados cambios con respecto al workflow que tienen los DJs con las CDJs por lo que, el traslado hacia el formato digital, no será traumático. Y así estamos. Un breve repaso de lo que anda dando vueltas, ¡y no hablamos de las que están basadas en aplicaciones móviles! Seguramente, hablaremos de ellas en la próxima edición... n djmagla.com 105


TECH En el estudio con Jimmy Van M y Diego Tuñón Textos: HERNÁN PANDELO Fotos: DELFINA VINCENTI

EXPERIMENTAL Jimmy Van M y Diego Tuñón nos abrieron las puertas del estudio donde han empezado a trabajar juntos... ara esta nueva edición de “En el Estudio…” fuimos a hablar dos P personalidades musicales de mundos

¿Cómo se conocieron y por qué decidieron trabajar juntos? ¿Qué los llevó a desarrollar un proyecto como este?

Con la experiencia en el mundo de la música electrónica de parte de Jimmy y los conceptos musicales y el conocimiento de la región de parte de Diego, integrante de una de las bandas más influyentes que tuvo Latinoamérica en los últimos años, llevarán adelante dos proyectos en paralelo con sutiles diferencias y un objetivo más que claro: innovar en el mundo electrónico aportando algo de frescura…

“Siempre me interesó desarrollar ideas para la música electrónica y ya pasó mucho tiempo desde lo de Delta Heavy… Es tiempo de hacer algo. Diego ha conseguido gran éxito con Babasonicos desde hace años y, después de habernos conocido, quedó claro que nuestra inspiración y dedicación para crear son similares. Fue una de esas situaciones en donde todo se dio de manera correcta. En 2015, nos conocimos en Frank’s, un bar de Buenos Aires en el que mi amigo Diego Romero estaba tocando. Poco tiempo después, nos pusimos en contacto y nos juntamos para improvisar un poco. Pensándolo bien, no nos tomó mucho

distintos que, desde hace poco tiempo, llevan adelante una serie de proyectos ambiciosos relacionados al mundo electrónico, a la producción de música de calidad y a la tutela y al apoyo de nuevos talentos.

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tiempo hasta que las ideas empezaron a fluir. Hablamos un poco más de nuestros proyectos y tuvimos una mejor idea de dónde veníamos En ese momento, Mater ya era un proyecto y él me contó de Xperimental que, en ese entonces, estaba pensado como una plataforma online para Latinoamérica. Después de conocer un poco más sobre su experiencia con Babasonicos y mis proyectos como Delta Heavy Tour, los pensamientos de Diego sobre el apoyo a talentos latinos fueron mutando con el marco que definimos para Xperimental. Ahí, llevamos la idea al estudio con algunos productores e intérpretes. Ahora estamos en esa etapa. Tenemos ideas para llevar estos actos en vivo a varios lugares. Vamos a verlo una vez que desarrollemos los proyectos de Xperimental y Mater un poco más.”


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¿Qué cosas tienen en común o cómo se complementan? “Venimos de terrenos muy diferentes. Yo he estado muy involucrado en la escena de la música electrónica y Diego lo ha estado con su exitosa banda Babasonicos. Sin embargo, nuestras personalidades son bastante similares, algo que se traslada a un espacio común, cuando se trata de gustos musicales. Cuando escuchamos nuestro trabajo, solemos emocionarnos con los mismos sonidos, las mismas texturas y la misma vibra. Además, aspiramos a realizar un trabajo con la mejor calidad posible.” ¿Van a remixar algunos de los lanzamientos? “Originalmente, el plan era no lanzar mucha música nuestra en estas plataformas pero necesitábamos un remix para el primer lanzamiento de Mater y decidimos hacerlo. Fue una gran experiencia desde el principio así que decidimos continuar haciendo música para nuestras plataformas.” ¿Qué artistas van a estar involucrados en esta primera fase? “Para ambos sellos, decidimos ir en busca de artistas en los que vemos talento y potencial

para crecer. Con el primer lanzamiento de Xperimental, decidimos mantenernos en el terreno local, ya que tenemos muchos artistas en estas tierras. Algunos de los que estarán incluidos son Ulises, Vlad Slacker y Hakinen. Para Mater, vamos a estar lanzando cosas de talentos fuera de Latinoamérica. Los primeros tres lanzamientos incluyen a los artistas Peet, Revy, Excercise One y Pedro Aguiar. Diego y yo trabajamos en ambos sellos para acercarlos un poco más.” Teniendo en cuenta los trabajos que han hecho en el estudio juntos, ¿cuál es el set up que utilizan? “Por el momento, Diego y yo hemos estado grabando en el estudio de Babasonicos, un estudio de grabación profesional. No todos los estudios tienen el lugar apropiado para trabajar pero, por suerte, el de ellos, sí. Ahí podemos inspirarnos y tiene las herramientas necesarios para captar esos momentos de inspiración. Creo que en las fotos van a poder verlo bien.” ¿Han producido algunos tracks originales también? “Hemos estado hablando mucho de eso, últimamente, pero no hemos comenzado a producir ningún track original, todavía.

Tenemos la idea de armar un EP vocal, basado en el verano europeo. Ya que todavía no hemos llevado nuestras ideas la estudio, no estamo seguros de la dirección que tomaremos en cuanto al estilo. Una cosa es segura: ambos entendemos que el trabajo con los vocales debe ser acertado así no se convierte en algo muy típico o muy pizzero. Vamos a tomarnos nuestro tiempo y esperamos que salga bien.” ¿Cuál es el proceso que tienen cuando entran al estudio? “El proceso es bastante fluido. Diego es un músico experimentado con una gran experiencia a la hora de grabar así que nos ha resultado sencillo entrar a terrenos creativos y grabar. Por ejemplo, con nuestro remix para Peet –en el debut EP de Mater-, fuimos al estudio con el pensamiento de mantenerse fiel a los samples originales del tema. Todo el proceso de armar el esqueleto nos tomó unas cinco horas. Luego, unas horas más para la mezcla y listo. Con el remix a Revi –el segundo lanzamiento de Mater- nos tomó un poco más porque agregamos un poco de material original para complementar. Trabajamos en él por cuatro horas diaras, durante tres días. Frenamos una semana, antes de finalizarlo djmagla.com 107


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en una última sesión. Mientras más rápido entendemos los procesos creativos del otro, más rápido podemos tener otras ideas. Estamos muy emocionados por lo que puede venir este año.” ¿Cómo es un día típico en el estudio? “Varía, realmente. Hay días en donde es pura experimentación. Probamos ideas, efectos, usamos los equipos de manera no convencional. A veces, te podés pasar el día entero buscando el golpe o la línea de bajos correcta. Y están, también, los días donde te enfocás en los arreglos y las mezclas. No hay un acercamiento normal cuando entrás al estudio. Creo que mucho se basa en querer ponerle estructuras a la música. Cuando esto no ocurre, uno tiene mayor libertad y puede vagar por diversos terrenos. Las fechas límite ayudan, a veces, a encontrar resultados pero, otras veces, uno desea haber tenido más tiempo…” ¿Cómo empiezan un nuevo proyecto? “Generalmente, los tracks originales tienden a tomar más tiempo que un remix. Con los remixes, uno tiene una selección de partes musicales del original para trabajar como base. Es un proceso un poco más sugestivo ya que tenés algunos de los principales elementos para reinterpretar. Para los trabajos originales, hay que crear todo desde el principio. Además, no usamos loops o samples pre armados, a menos que sea algo como un snare, un hi hat o un bombo. Hay un amplio rango de posibilidades y no nos confinamos a un elemento existente.” ¿Qué software usan para la producción? “Diego usa, principalmente, Pro Tools. Yo, Ableton live. Son aplicaciones distintas que encajan con nuestros acercamientos personales. Pro Tools es para grabar sonidos en vivo como sintes, bombos, percusión. Brinda grabaciones en muy alta calidad. Ableton está más preparado para la experimentación ya que puedes ir probando otras ideas.” ¿Qué podemos esperar de Mater y Xperimental en el futuro? “Acabamos de lanzar nuestro primer lanzamiento con Mater y estamos muy contentos. Ha recibido un gran feedback. En Marzo, tenemos el segundo lanzamiento con grandes remixes de Excerise One, Pedro Aguiar y Diego y yo. Xperimental tendrá su primer lanzamiento en abril o mayo. Lanzaremos, además, el Xperimental Mater Radio Show en marzo. Sigan de cerca las novedades sobre eso. Saldrá música de calidad en ambos sellos. Eso es lo que nos lleva a lanzar música, por eso hacemos las cosas de manera constante. Nos enfocamos en armar un equipo de artistas que ofrezca algo genuino. Ha sido un proceso hermoso hasta el momento. Esperamos que las cosas se sigan desarrollando este año.” n 108 djmagla.com


HOUR ADRIAN

Adrian Hour es uno de los talentos latinos que mayor crecimiento ha experimentado en último tiempo. El apoyo que recibió de parte de Mark Knight, jefe de Toolroom Records, fue fundamental para este nuevo proceso de su carrera como artista. “Tuve mucho apoyo de parte de Mark. Vengo poniendo música hace diez años pero el primer gran artista que puso su atención en mí y me dijo que me quería ayudar fue él”, explica sobre quien es, hoy, su amigo y colega. Desde ese entonces, este joven argentino dejó sus otros trabajos y dedicó su vida entera a la música y ya ha sabido representarnos alrededor del mundo entero, compartiendo cabina con los nombres más grandes que tiene la industria electrónica. “Mark me dijo que yo tenía facilidad y rapidez para adaptarme muy rápido a los cambios y creo que es una de las claves para sobrevivir.” Antes de irse a vivir a Europa, en busca de la expansión de su carrera, nos reveló sus siete de la suerte... Texto: HERNÁN PANDELO

¿Cuál es el track que te recuerda a tu juventud? “Soy fan de muchos estilos de música. Empecé mucho con lo que era el heavy metal y el rock nacional. Si tengo que pensar en uno, te diría ‘Everlong’ de Foo Fighters. Yo escucho ese track y me acuerdo mucho de la época en que era un adolescente así que, si tengo que elegir uno, elijo ese. Hasta el día de hoy, lo sigo escuchando y me encanta.” ¿Cuál fue el primer disco que compraste? “El primer CD que compré fue un remix de unos compilados que salían de D-Mode o algo así. Eran compilados. Yo tampoco tenía mucha llegada a la música electrónica. En ese entonces, el internet era por pulso. Y, mi primer vinilo, fue cuando estaba fanático del techno, era uno de Mauro Picotto. Era el tema ‘Taub’, de Megamind, remixado por Picotto. Un tema que rompe todo. Hasta el día de hoy lo tengo. Está un poco roto pero lo tengo.” ¿Cuál es la canción más pizzera de tu colección? “Estuve revisando un poco mi biblioteca musical y voy a decir uno que es un clásico que, para algunos, puede ser pizzero y, para otros, no. A mí me sigue gustando y, hasta el día de hoy, suena en alguna fiesta. ‘I Feel Love’ de Donna Summer. Para mí, no es pizzero pero sé que, dentro del techno, para muchos, puede serlo.” ¿Cuál es la canción que te hace llorar? “A decir verdad, me da un poco de vergüenza pero hubo momentos en que la música me hizo llorar. Recuerdo un track, de hace muchos años, que es ‘The Sky Was Pink’ de James Holden, pero la versión ‘Icelandic’, que era sin kick. Sólo melodía. Ese track, hasta el día de hoy, me sigue volando la cabeza. Tiene mucha emoción. Hubo varios pero creo que, si tengo que elegir uno, es ese.” 110 djmagla.com

Y, últimamente, ¿qué álbum estás escuchando? “De lo nuevo que estuve escuchando, el último álbum de Stephan Bodzin, ‘Powers Of Ten’, me encantó. Y, ahora, salió el álbum de remixes y es ese. Hay una versión de Dominik Eulberg que, para mí, es la mejor. No fue la que más pegó pero es mi favorita. El álbum de remixes de ‘Powers Of Ten’ es mi elección.” ¿Cuál es la canción en tu colección que más adoras? “Si bien no es un track que pincho en mis sets, fue una gran experiencia. Voy a elegir la colaboración que hice con Mark Knight e Indiana. Es un sonido un poco más electrónico tirando al pop. La emoción que tiene ese track lo convierte en mi track favorito de la actualidad. Se llama ‘Dance On My Heart’ y salió hace poco. Unos dos meses…” ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos? “Hay muchos pero, si tengo que elegir uno, es un track que me recuerda a un amigo que ya no está conmigo. Lo escucho y no lo puedo creer.

Es ‘Gebrunn Gebrunn’ de Paul Kalkbrenner. ¡Bombazo! Ese es mi favorito de todos los tiempos.” u


DJ MAG LA 009  

Febrero 2016

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