DJ Mag ES #136

DJMAG.ES | JUNIO 2022 | #136

LILLY PALMER S O L O M U N - T H E B L A C K E Y E D P E A S - J E F F M I L L S - L I L LY P A L M E R LA DIÁSPOR A DE LA MÚSICA AFRICANA - MÚSICA ELECTRÓNICA Y CAMBIOS SOCIALES - OFF SÓNAR

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Llegamos al ecuador del año, un 2022 que llega con un calendario cargado de eventos por todo lo alto. Este verano se presenta del todo prometedor y, por fin, tras varios meses de espera, podemos anunciarlo: ¡hemos vuelto a la ansiada normalidad!

Arrancamos el mes de junio con una invitada muy especial en nuestra portada: Lilly Palmer. Nacida en Alemania, la artista se mudó posteriormente a Zúrich donde recibió grandes influencias de su escena underground. La electrónica cautivó rápidamente el corazón de Lilly y pronto se sumergió de lleno en las líneas de bajo y los sonidos rave. El crecimiento de Lilly no se ha hecho esperar; sus sets han resonado fuertemente en la industria y sus actuaciones han generado gran demanda en los amantes de la electrónica más dura. Todo ello y más nos lo cuenta en la interesante charla que tuvimos con la alemana para celebrar su primera portada en nuestra revista.

DIRECCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es

Seguidamente, tuvimos el honor de hablar con el maestro Jeff Mills. El artista de Detroit ha vuelto a hacerlo: su forma de entender y proyectar la música nos ha dejado en jaque una vez más, y nos sorprende ahora dando el pistoletazo de salida a la serie “One Mix” de Apple Music con una mezcla de una hora de duración en audio espacial de Dolby Atmos. ¿Su misión? Ofrecer una experiencia de audio verdaderamente inmersiva con sonido y claridad multidimensional.

DIRECCIÓN DE ARTE Carlos Pego | c.peggo@djmag.es

Con motivo de la inminente visita de Solomun a nuestro país, concretamente a Barcelona para la celebración de Off Week, nos hemos sentado a charlar con el artista para que nos hable de sus expectativas de la edición de este año, de su nueva marca de fiestas, de sus recientes y futuros lanzamientos de remixes del álbum y de cómo se plantea la temporada este año. Os invitamos a descubrir todo lo que el rey de los domingos en la isla ibicenca tiene todavía por ofrecer.

Seguimos en clave internacional para introducir a The Black Eyed Peas. No hace mucho que los BEP sacaron su nuevo y último álbum de tendencia pop latino ‘Translation’, que además contiene colaboraciones con artistas como Maluma, Shakira, Tyga o Nicky Jam. Ahora están poniendo los stages patas arriba con una gira por toda Europa, donde este año pisarán por primera vez el festival Neversea, ubicado en la playa de Constanta. No será la primera vez que los BEP actuarán en tierras rumanas, anteriormente ya han actuado en UNTOLD, festival que, en palabras de ellos mismos: “es uno de los mejores del planeta Tierra”.

Junio es uno de los meses favoritos para los amantes de la electrónica, y no es de extrañar que Barcelona se llene de fans incondicionales de la percusión más eléctrica para uno de sus eventos estrella: el OFFSónar. Durante cuatro días la ciudad condal será testigo del despliegue sin contemplaciones de la nueva edición que OFFSónar tiene preparada. Podéis descubrir los eventos que nos tienen preparados para esta edición en nuestras páginas de este mes.

En cuanto a reportajes, os traemos dos de gran interés. Por una parte, repasamos la importancia que ha tenido la electrónica como banda sonora de cambios sociales. Y por la otra, nos preguntamos “¿qué piensa la escena artística africana que se ha criado y trabaja en la diáspora?”. Si queréis saber la respuesta, os invitamos a leer esta interesante reflexión.

REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es Caterina Günther | gunthercaterina@gmail.com

DISEÑO Y MAQUETACIÓN Macarena Miño | maca@tagmag.es Carlos Pego | c.peggo@djmag.es FOTOGRAFÍA Y VIDEO Pierre Navy | pierre@allinpress.com MARKETING Y PUBLICIDAD Bela Correa | bela@allinpress.com MARKETING INTERNACIONAL Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL Jassi González | jassi@djmag.es

Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

COLABORADORES Eduardo Carbonell, Rohan G. Finger, Bruno Garca, Sergio Parrado, Sergio Bifeis, Victor Fernández, Willy Alcocer, Carlos Flavio, Salvatore Maldera, Leire Zuloaga, Luís V. Kali, Kanedo, Victor Santana, Alejandro Serrano, Pau Guilera.

En tendencias, este mes os hablamos del Simposio Internacional de Arte Electrónico (ISEA), uno de los eventos anuales más importantes del mundo dedicado a la confluencia de arte, diseño, ciencia, tecnología y sociedad. Y como siempre, os traemos las mejores críticas musicales, secciones, ¡y más!

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

EDICIÓN Revista DJ Mag España SL Passatge Carsi, 16 08025 - Barcelona (España)

PATRICIA PAREJA Directora

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

CONTENID O DJ MAG 136 / JUNIO 2022

Secciones

Artículos

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BREVES 60 SEGUNDOS – YORK ANER MIS FAVORITOS – FAST BOO OFF THE RECORD – AIWASKA FOCUS ON – ALL MY THOUGHTS 5 TRACKS –SALDIVAR ELECTRÓNICA & ROLL – FUEGO

SOLOMUN BLACK EYED PEAS JEFF MILLS LILLY PALMER LA DIÁSPORA DE LA MÚSICA AFRICANA MÚSICA ELECTRÓNICA Y CAMBIOS SOCIALES OFF SÓNAR

COCINAMOS CON – DANISM & TRAIN LUCKY 7 – GORDO MI CIUDAD – COLYN TENDENCIAS – ISEA 2022 CÓMO PRODUZCO – RONY SEIKALY EL RINCÓN DE KALI

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Crónicas

Críticas

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96 98 99 10 0 101 102 103 10 4 105

BRUNCH -IN THE PARK MADRID MOSTRA

ÁLBUMES – BRUNO GARCA TRANCE – LEIRE ZULOAGA TECHNO – VICTOR SANTANA ELECTRÓNICA – CARLOS FLAVIO HOUSE – ALEJANDRO SERRANO DRUM & BASS – ROHAN G. FINGER BREAKS – EDUARDO CARBONELL DANCE - EDM – WILLY ALCOCER DEEP – PAU GUILERA

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Breves Autor: REDACCIÓN

SIGHT Y DJ MAG ESPAÑA PRESENTAN MEET THE ARTIST EN SOHO HOUSE BARCELONA SIGHT, la marca de música electrónica que pone la banda sonora a los domingos en la mítica Pacha Barcelona —y próximamente también en Opium Beach Marbella—, ha unido fuerzas con DJ Mag España. Nos daremos cita dos domingos al mes en SOHO House Barcelona, que nos abre sus puertas para celebrar Meet The Artist, un nuevo proyecto fruto de la unión de ambas marcas.

Tendremos una interesante entrevista en el Cinema Room y posteriormente disfrutaremos de un DJ set en el Rooftop de Soho House con uno de los artistas que pinchará esa misma noche en la fiesta SIGHT. La entrevista y el DJ set se podrán disfrutar posteriormente en nuestro canal de YouTube. +info aquí: sightofficial.com y djmag.es

RECORDJET FORMARÁ PARTE DE PRIMAVERA PRO 2022 recordJet formará parte de Primavera Pro 2022 con su charla ‘Presentamos recordJet: Distribución transparente y justa para artistas independientes’, que se celebrará el 9 de junio en el CCCB de 14.00h a 14.20h en el CCCB. La distribuidora musical pretende replantear las estructuras existentes en la industria musical desde la base, y por ello cuestionarán cada detalle acerca de las formas alternativas y justas que existen para hacerlo; se hablará de posibilidades, de transparencia y de honestidad, sirviendo de solución para la nueva industria musical. La charla estará conducida por Niall Doorley, cara visible de la plataforma y responsable de liderar la introducción de recordJet en el mercado español y las operaciones comerciales para la expansión de la compañía en el mercado de habla hispana. +info aquí: recordjet.com/es/

PACO OSUNA PRESENTA NOW HERE: EL CONCEPTO DE SU RESIDENCIA EN HÏ IBIZA Recientemente Paco Osuna anunció su residencia en Ibiza y ahora junto a la revelación del line-up, conformado por 22 artistas que actuarán durante 16 noches del verano, Paco lanza NOW HERE, el nombre y a la vez el lema de su noche en el Club Room de Hï Ibiza.

El concepto detrás de la fiesta es claro, es el mismo sentimiento que ha acompañado a Paco durante toda su carrera, y que se deriva de su pasión por la música electrónica y de su determinación por disfrutar ATOPE el presente. Los DJs convocados por Paco son todos grandes artistas y compañeros a quienes admira, además de un invitado muy especial que le acompañará en la noche del closing. +info & tickets: hiibiza.com

LA EXPERIENCIA FIVE MUSIC LLEGA A ZÚRICH EL 1 DE JULIO DE 2022 Los inimitables FIVE Resorts and Hotels anuncian que FIVE Zurich abrirá sus puertas el 1 de julio de 2022. El nuevo y esperado hotel de 5 estrellas llega de la mano de un concepto innovador que crea una plataforma para la música, el arte, la moda y las experiencias culinarias. Los amantes de la música en Europa ahora tienen un nuevo destino donde acudir para disfrutar The Sound of FIVE. El proyecto llega a Europa y presentará una colección de fiestas increíbles con artistas como Joel Corry, Robin Shulz, Solardo, Jax Jones, Lost Frequencies y muchos más. Los eventos exclusivos de FIVE se replicarán al estilo de FIVE Zurich, trayendo a algunos de los artistas mundiales más importantes a la ciudad. +info: instagram.com/fivezurich/

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MARTIN GARRIX · DON DIABLO · DJ NANO ORO VIEJO SPECIAL SET BIZARRAP · HUGEL · LOST FREQUENCIES · CLAPTONE · JAMES HYPE MAIN SPONSOR

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¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Siempre he sentido amor por la música, pero bailarla en un club fue un auténtico descubrimiento para mí. En los primeros festivales a los que asistí, Awakenings y Aquasella, sentí gran devoción hacia el techno y algunas sesiones de artistas como Richie Hawtin o Dax J se me quedaron grabadas a fuego.

Mis principales influencias artísticas me han llegado por parte de los que considero, a día de hoy, dos de mis mejores amigos: Victor Fernandez y Dave Sinner. Con ellos descubrí mi inclinación hacia la electrónica y mi habilidad para crear música. ¡Descubrí todo un mundo! Realmente, ahí es cuando sentí que mi propósito en la vida era transmitir emociones con mi música.

Acabas de dar el salto a la producción publicando tus dos primeros lanzamientos en BloodyMoon Records y 1994 Recordings. ¿Qué nos puedes contar sobre ello? ¡Esto es algo que me hace especial ilusión! El proceso ha sido largo hasta estar satisfecho con mis propias producciones. En ‘Human Extinction 20XX’, publicado en BlodyMoon Records, quise expresar un mensaje, mi mayor preocupación: que veamos nuestra extinción.

En el tema ‘Acid Drive’, publicado en 1994 Recordings, me centré de manera más contundente en hacer sudar las pistas de baile, el sonido rave con el que sentí gran conexión en mis primeros festivales. ¿Cómo es tu proceso creativo cuando produces? ¿Cómo es tu estudio?

Mi proceso creativo suele variar según el día y el momento, pero me encanta empezar las ideas improvisando en formato live. Mi estudio tiene una parte enfocada al directo para trabajar rápido, fomentando la creatividad y pudiendo así divertirme bailando mientras trabajo en una idea.

YORK ANER

Ya te hemos visto debutar en clubs como Florida 135, entre otros. ¿Qué se siente al poder tocar tu música en lugares tan emblemáticos?

Pinchar en Florida 135 fue una auténtica locura, nunca había trabajado con un sonido tan impactante, ¡fue una sensación increíble!

Años atrás no me hubiera imaginado actuar en clubs de este calibre. ¡Ahora sé que mi sitio está en la cabina!

¡Hola York! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola! Antes de nada quiero agradeceros la oportunidad de poder charlar con vosotros. La gente que me conoce suele decir que soy un cabra loca (risas), pero yo me definiría como una persona que disfruta el momento, tengo una habilidad natural para transmitir bienestar y energía. A veces tengo brotes de locura a raíz de los momentos en los que conecto con la música o la naturaleza, esa conexión que siento es lo que me hace vibrar con el mundo, ¡son instantes únicos! En mi día a día me encanta estar solo, se podría decir que soy un lobo solitario, pero por la noche... ¡Me encantan las pistas de baile! Esta mezcla es la que me define.

¿Qué otros proyectos tienes para 2022?

A día de hoy estoy trabajando en mi primer EP, con el que quiero marcar un antes y un después tanto en mi carrera como en mi sonido.

Además, también ando con otras inquietudes musicales y con el foco en otras vertientes de la electrónica que terminan de definirme como artista. Me haría especial ilusión poder mostrarlas muy pronto.

Finalmente, York, pedimos al invitado de 60 segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue LeDuq: “¿Cómo te ha ayudado la música en la formación de tu identidad?” Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente.

Eres manchego, pero toda tu carrera se ha forjado en Barcelona. ¿Cómo ves la escena electrónica de la ciudad? ¡Barcelona es un oasis en la escena electrónica! Su amplio abanico de eventos semanales nos permite disfrutar de artistas tanto conocidos como emergentes. Fiestas como Boicot en The Bass Valley, entre otras, ofrecen mucho a la escena de la ciudad, aportando cultura y diversidad de artistas. No nos olvidemos tampoco de la cantidad de festivales que se organizan durante todo el año. ¡Considero que Barcelona es una de las capitales de la escena techno internacional!

Escuchar mucha variedad de música es lo que más me ha ayudado y continúa ayudándome a dar forma a mi identidad, fusionando todo aquello que me gusta en un sonido característico.

La pregunta que voy a hacer es algo que me inquieta bastante. ¿Cómo ves la industria de la música de aquí a 40 años?

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Rio

Escúchalo ya en

y muchos más

OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW

Andrea Oliva

OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW OUT NOW

Out Now

M I S

F AV O R I T O S

Mis Favoritos

*Escanea el código QR para descurbir más de Fast Boo

Fast Boo Libro ‘EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO’ Vic: Te podría decir muchos libros que me han marcado a lo largo de mi vida, pero ahora mismo destacaría el último que leí (por enésima vez): ‘El Guardián Entre el Centeno’, una obra maestra que te atrapa desde la primera página.

Track ‘TACO’ Fast Boo: ‘Taco’ de IDK. Un auténtico temazo de esos que hacen que te disloques el cuello por ponerlo en repeat una y otra vez, es como si Dilla hubiese bajado al mundo después de tantos intentos de copia ahora que ya se ha disipado el hype. Kaytranada e IDK se ponen la corona con este track.

Albúm ‘SUPERGHETTO’ & ‘MOTOMAMI’ Crizz: ‘Superghetto’ de Buddy. Me parece un álbum muy sincero y sin pretensiones cutres de hacer mainstream. Buddy hace lo que le apetece y lo hace bien, tiene toques de hip-hop, RnB, experimental, jazzy y buenas vocales. Perfecto para disfrutarlo mientras estás en tu jardín.

Vic: Aunque suene a tópico, estoy muy a tope con ‘Motomami’ de Rosalía, me parece una obra de arte compleja a la vez que sencilla e increíble, tendríamos que valorar más a los artistas que tenemos en nuestro país.

Película ‘STAR WARS, BOBA FET & OBI WAN’ Crizz: Recientemente hice un mega-maratón de toda la saga de Star Wars culminando con Boba Fet. Ya me gustaban antes esas películas –aunque hasta el momento no las había visto en orden–, pero ahora soy un muy fan y estoy deseando ver Obi Wan. ¡Gracias, Disney!

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Hobby ‘MÚSICA, ILUSTRACIÓN & JARDÍN’ Fast Boo: Aparte de la música, que por supuesto es nuestro hobby principal, cada uno de nosotros disfrutamos con algo más.

Crizz: Últimamente me dedico a hacer ilustraciones con técnicas digitales en mi tiempo libre, es algo que me relaja sin sentir que tengo que superarme o llegar más allá.

Vic: Me encanta estar en mi jardín y trabajar en mi huerto, es algo que me apasiona y me sirve para meditar y no pensar en nada. También lo encuentro muy inspirador para hacer música luego.

M I S

F AV O R I T O S

Off The Record

*Escanea el QR y escucha ‘Yungas Road’, lo último de Aiwaska

Aiwaska ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

Hace tiempo decidí que no debía mentir nunca más, porque no siempre sale bien para todos los que forman parte de ese proceso. Obviamente cometo errores y podría volver a hacerlo, pero si soy honesto, no recuerdo la última vez que mentí.

Aquello que siempre has querido que te preguntaran y nadie te ha preguntado.

No tengo miedo a que me pregunten nada, seguramente respondería eso a esta pregunta. Y en cuanto a hacerlas yo mismo, te diré que las personas a las que me gustaría hacerles algunas preguntas todavía no han aparecido en mi vida.

Si se hiciera una estatua tuya en tu ciudad natal, ¿en qué pose te gustaría que fuera?

Este tema tiene mucho que ver con el ego, nunca me había imaginado tal cosa. Pero digamos que si tengo que imaginarlo, entonces veo una estatua de mí mismo flotando en

el aire sobre el suelo, la cabeza levantada hacia el cielo, el cuerpo recto como una cuerda estirada y los brazos y las piernas hacia abajo. Es como si me estuviera preparando para un rápido despegue al espacio. ¿Qué es lo último que haces antes de irte a dormir?

Por lo general, hago un ejercicio especial de respiración meditativa con el que consigo relajar mi cuerpo profundamente y dejo ir la conciencia. Con la ayuda de este ejercicio, te sumerges en un sueño profundo que te restaura muy rápidamente después de un día duro e incluso si solo has tenido 5 o 6 horas de sueño, te levantas lleno de fuerza y energía para las nuevas victorias que tienes por delante.

El momento más embarazoso de tu vida…

El momento más vergonzoso me dio una gran lección en mi vida, fue cuando tenía 18 años. Me dio pereza prepararme para una reunión importante y pensé que podía improvisar y resolver todo durante la reunión. Resumen: perdí un gran contrato.

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FOCUS ON© ON© ALL MY THOUGHTS Autor: Sergio Parrado

Desde la concurrida ciudad de Los Ángeles, Seb Wildblood dirige All My Thoughts, un sello de lo más ecléctico en el que podemos encontrar varios estilos que van desde el deep house hasta el el ambient, pasando por la electrónica, breaks, techno e incluso post punk. Las etiquetas no están en el código genético de esta marca y eso es algo que nos gusta mucho en esta sección. Seb es un tipo muy particular, sin pelos en la lengua y con las cosas muy claras, sobre todo en lo que a su sello se refiere. Artistas como Lex Amor, Tom VR, Kareem Ali, Ebende, Tom Vr o Mauv han plasmado su música en el sello angelino. Este mes, en Focus On nos vamos a la costa Oeste de los Estados Unidos para traeros un sello único.

¿Cuál es el concepto y por qué All My Thoughts?

A

Habiendo dirigido varios sellos en el pasado, para mí All My Thoughts es el resultado de todo lo que he aprendido. La política musical es abierta, hemos lanzado múltiples géneros incluyendo electrónica, ambient, post punk y muchos más.

¿Por qué llamarlo All My Thoughts?

B

Quería ponerle un nombre que tuviera muchos significados. Gran parte de la música que publicamos es bastante introspectiva, así que eso es algo a lo que hace referencia. Además, en un plano más personal, tiendo a pensar demasiado y tengo mis momentos de ansiedad. Dirigir el sello me mantiene ocupado y en el buen camino, así que también tiene que ver con eso.

C

En principio, tiene que ser algo con lo que conecte personalmente, también tengo que creer en el artista, quiero creer que podemos ser parte de su viaje. Me gusta trabajar con un artista en unos cuantos lanzamientos y construir el proyecto, ya que a diferencia de lanzar un disco y seguir adelante, esto me satisface mucho más y creo que también ayuda mucho al artista a tener un hogar que realmente entiende su visión. Por supuesto, esto no ocurre con todos los artistas con los que trabajamos, pero Tom VR es un gran ejemplo de artista con el que hemos trabajado desde cero y me da mucha alegría verle experimentar los frutos de su trabajo. Es uno de los productores con más talento que he conocido.

¿Qué criterios sigues para seleccionar la música de tu sello?

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E

D

¿Cuáles son los planes de futuro cercanos para All My Thoughts? Y, ¿qué hay de tus planes personales?

En un futuro próximo tenemos lanzamientos de Aguila, Wheelman y Project Runaway. En cuanto a mí, estoy a punto de lanzar mi nuevo álbum ‘Do You Feel It Too?’ y voy a hacer una gira bastante extensa hasta finales de año. También estoy a punto de mudarme de casa en una nota personal totalmente no relacionada, he estado sin un estudio durante 18 meses y el nuevo lugar tiene un espacio, por lo que estoy muy emocionado. ¡Encontrar un estudio en Los Ángeles es difícil!

Como comentas, estás a punto de lanzar tu álbum, 'Do You Feel It Too?'. ¿Puedes contarnos la que hay detrás de este lanzamiento?

Este disco pretende no tomarse demasiado en serio, incluso el título es un guiño descarado a 'Can You Feel It?' el mejor disco de house de todos los tiempos… Sé que no estoy reescribiendo el libro de reglas, es solo mi forma de escribir un disco de club funcional con sentimiento.

Mi último álbum era súper introspectivo, para mí, este es lo contrario. También siento que hay una expectativa de hacer el enfoque introspectivo, más de auriculares, de escuchar en casa cuando se escribe un álbum. A diferencia de un EP, pensé que sería interesante hacer justo lo opuesto. También siento que a veces ha habido una desconexión entre mí como DJ de gira y músico/productor. Este disco salva definitivamente esa distancia y es bastante representativo de muchos de los sonidos que me oirás tocar. Se supone que es divertido, ha habido muchas cosas negativas en los últimos años y este es un disco que trata de abrazar lo positivo. También es casi una cápsula del tiempo de un momento de cambio en mi vida al haberme mudado de Londres a Los Ángeles.

F

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué?

Es difícil, probablemente iría a los 80, mi música está influenciada por muchas épocas diferentes, pero en los últimos años me he encontrado cada vez más atraído por la estética ochentera. Un tema del álbum que hace referencia a esto es ‘Lift Me Higher’, y mi próximo EP aún más.

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DJ MAG MINI TEST ¿Un club?

Public Records, New York ¿Una ciudad?

Los Ángeles ¿Un libro?

The Hidden Life Of Trees ¿Una comida?

Taiwanese Mr Bao, Peckham ¿All My Thoughts?

No preguntes

5 TRACKS Saldivar

&ME ‘As Above So Below' [Pampa Records] Partiendo de la base que todo lo que hace &ME se podría catalogar como religión en la música electrónica, este track tiene una cabida especial para mí, pues fue el primer tema que escuché pinchar a Solomun en septiembre de 2018 en mi primera visita a Pachá Ibiza. Como podéis imaginar, fue todo tan mágico que solo recuerdo ese tema, las reverberaciones son perfectas, la comprensión, su desvanecimiento… Un must en mis sets.

Mano Le Tough ‘Primative People’ (Tale of Us Remix) [Permanent Vacation] Este track es increíble, me lo enseñó mi gran amigo Maik Miroux. Es capaz de levantarte el ánimo automáticamente, Mano le Tough nunca defrauda y con esta melodía tan atmosférica genera un ambiente y clímax capaz de levantar cualquier público o sala. La modulación conseguida es de otro planeta.

Steffi ‘Yours’ [Destefster] Cambiando un poco de género, nos encontramos con esta joya del house. Esta canción lo tiene todo: un buen groove y una vocal perfecta que funciona a las mil maravillas en pista. Guardo muy buen recuerdo de esta canción, pues la descubrí gracias a Tale of Us en el closing de Circoloco de 2019. Fue tal la contundencia que quedó grabado en mi retina y en mis oídos para siempre.

Pablo Fierro ‘O Mera Dil' [We´re Here Records] Uno de mis descubrimientos más recientes es este tema –quizás no tan comercial– de Pablo Fierro. Me tiene enamorado, el rollo orgánico junto con la vocal te levanta el ánimo en los días más grises, y en pista, el segundo drop levanta a la gente de manera muy especial. Al final, la música son conexiones con algo o alguien y con esta canción me teletransporto a uno de los días más felices que he tenido, pero eso lo dejamos para otra entrevista…

Safri Duo ‘Played A Live’ [Universal Music] Como gran fan de DJ Nano y su fiesta Oro Viejo, no podía faltar un tema ‘remember’ en esta sección. Creo que todos hemos escuchado alguna vez este tema, y esas percusiones junto con su melodía continúa generándome sentimientos de gran nostalgia. Una nostalgia que, a decir verdad, no logro saber de dónde viene, pues con 25 años que tengo, cuando esto empezaba a sonanr yo estaba viniendo a este mundo.

DESCUBRE A SALDIVAR ESCANEANDO EL CÓDIGO QR:

ANUNCIO LILLY PALMER

!"!#$%&'(#) * %+"" Autor: SERGIO BIFEIS

Cuando un servidor se enteró de que Axel Boman iba a publicar un nuevo álbum, supe al instante que iba a ser un discazo. No tenía pruebas, pero tampoco dudas, y es que las expectativas con el DJ y productor sueco no pueden estar mejor fundamentadas. Para empezar, él es una de las tres cabezas que dirigen el sello Studio Barnhus junto a Kornél Kovács y Petter Nordkvist (aka Pedrodollar), una disquera que durante más de una década ha sabido coger el pulso a la música de baile europea con criterio propio. Fuera de esto, es un artista que ha maravillado en Pampa, Mule e Hypercolour y además forma parte de la dupla Talaboman junto a John Talabot. Pero, sobre todo, en el lejano 2013 editó Family Vacation, su álbum debut que fue una auténtica delicia.

Hemos pasado por una larga espera hasta la publicación de su nuevo disco llamado ‘Luz/ Quest For Fire’, que en realidad son dos trabajos en uno. ¡Cómo no confiar!

Si me animo a reseñar este gran LP es porque por fin tengo el triple vinilo en mis manos y se postula a ser uno de esos lanzamientos más destacados del año. La música de Boman siempre ha mostrado una versatilidad fuera de toda duda basada en una amalgama de sonidos cálidos que, además de frescura y calidez, tienen un empaque hipnótico donde ritmos, melodías, samples –y los recursos que se saca de la manga el productor– casan de manera orgánica y natural dejando un poso de regustera en

el oyente. Una faceta que explota y cohesiona en su esperado segundo trabajo en largo, que efectivamente hace una clara referencia a la película ‘En Busca del Fuego’ de 1981. En su edición en 12” también cuenta con un texto de Erik Lavesson y el diseño de la portada es de Robin Ekemark. Un disco donde se ha pensado hasta el más mínimo detalle.

FUEGO Lo interesante de ‘Luz /Quest For Fire’ es que son las dos caras de una misma moneda, completando una a la otra. Se pueden disfrutar de maneras independientes con 9 cortes cada parte que, si bien están diferenciadas, al mismo tiempo presentan una interconexión a través de la música, el diseño y las palabras.

Esto nos pone ante un gran trabajo conceptual de fondo que va más allá del baile. Además, Boman demuestra ser un artista abierto a la colaboración de sus círculos más cercanos y la propuesta se enriquece con la presencia de Kamohelo –el vocalista de Off The Meds–, Baba Stiltz, Bella Boo, Man Tear, Miljon y el saxofonista Kristian Harborg, todos ellos muy cercanos a la órbita de Studio Barnhus.

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Por un lado, ‘Luz’ consta de temas mucho más contemplativos y dub, producciones de duración más corta y con un carácter psicodélico marca de la casa. Posiblemente es donde sale a relucir su faceta más experimental buscando diferentes combinaciones estilísticas que pueden ir desde lo ácido a lo funk, todo ello con unas sugerentes intenciones diurnas mucho más emotivas, sentimentales, evocadoras y hasta nostálgicas con algún corte de house celestial que no renuncia al hedonismo.

El complemento a todo esto es ‘Quest For Fire’.

Nueve cortes en los que la nocturnidad, y por lo tanto la oscuridad y recogimiento, hace acto de presencia representando la búsqueda de la luz y el calor, que se traduce en una prolongación en la duración de los temas y en el que se invierten los valores anteriores. Aquí hay mucho más nervio y, sin renunciar a la psicodelia, se nota la intención de Boman de encontrar una trascendencia, un momento de clímax y de volver a un hábitat natural que se nos ha arrebatado durante dos años. Es el regreso a nuestra cueva favorita donde arde nuestro fuego interior. Ambos trabajos, que en realidad son uno, desarrollan un concepto más que acertado con una electrónica exquisita. El sueco lo ha vuelto a hacer y solo tengo ganas de ver cómo defiende semejante obra magna en directo.

SALTEADO DE TOFU INGREDIENTES › Tofu (o pollo/ternera) › Ajo › Jengibre › Chile rojo › Guisantes › Maíz baby › Judías verdes › Pimiento rojo › Brotes de soja › Champiñones › Bolsita de arroz

SAZONAR CON

› Aceite de sésamo tostado › Salsa de soja › Rodajas de limón › Semillas de sésamo

Hoy voy a cocinar un salteado de tofu con jengibre, ajo y muchas verduras diferentes sazonado con aceite de sésamo y salsa de soja. Consejo: ¡no calientes el aceite de sésamo! Pica finamente o ralla el ajo y el jengibre.

Quita las semillas y pica finamente la guindilla roja. Recorta las judías verdes y córtalas por la mitad. Pica todas las demás verduras al gusto. Corta el limón en cuartos. Corta tu tofu en cuadrados de 2 cm.

Tiempo 20’

Nivel de dificultad ¡Sencillo!

• Coge una sartén grande (o un wok), ponla a fuego medio-alto y añade un chorrito generoso de aceite de oliva.

• Una vez que el aceite esté caliente, añade el tofu a fuego alto y cocínalo. Mantén el tofu dándole vueltas en la sartén y cocínalo hasta que esté crujiente por fuera.

• Una vez el tofu esté crujiente, baja el fuego ligeramente de alto a medio y añade el ajo y los chiles rojos. Cocínalo todo durante 1-2 minutos. Consejo: ten cuidado con el chile si no lo quieres demasiado caliente.

• Vuelve a subir el fuego y añade todas las verduras; las judías verdes, los guisantes dulces, el maíz, los champiñones, los brotes de soja y el pimiento rojo.

• Cuando todas las verduras estén chisporroteando, sigue removiendo todo en la sartén durante 2-3 minutos y luego añade el jengibre.

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• Mientras se cocina el jengibre, añade la bolsa de arroz al plato y remuévelo. Luego añade un chorrito de agua (100 ml) a la bolsa de arroz vacía y añádelo a la sartén. Esto crea vapor para cocinar las verduras.

• Continúa removiendo el arroz y las verduras durante 1 o 2 minutos más, asegurándote de que no se pegue nada mientras se cocina todo.

• Retíralo del fuego y mézclalo con 4 cucharadas de salsa de soja, 4 cucharadas soperas de aceite de sésamo tostado y un chorrito de jugo de limón.

• Sírvelo en cuencos y sazónalo con semillas de sésamo y una rodaja de lima al lado. ¡Que aproveche! *Ingrediente clave: la salsa de soja y el aceite de sésamo que añades al final le dan todo el sabor. Todas las verduras se pueden cambiar a tu gusto y el plato puede prepararse con pollo o carne de res en lugar de tofu.

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Gordo Autor: PATRICIA PAREJA

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

‘Hip Hop Hooray’ de Naughty By Nature.

‘Hip Hop Hooray’ fue la primera canción de rap que escuché tras mudarme a Guatemala.

Ahí es donde pasé mi infancia, y Naughty By Nature siempre me hace volver a estar allí con mi familia y amigos. Este track me hace sentir nostalgia. ¿Cuál fue el primer álbum que compraste?

‘Get Rich or Die Tryin’ de 50 Cent.

50 Cent es una leyenda. Él me inspiró para empezar a producir hip-hop e ir más allá. Cuando escucho este álbum lo único que me apetece es meterme en mi estudio lo antes posible.

¿Cuál es el álbum más cursi de tu colección?

‘Toxicity’ de System of a Down.

Mucha gente podría no esperar esto de mí y podría esperar una canción de Hip-Hop o algo por el estilo, pero el álbum ‘Toxicity’ es en realidad uno de mis álbumes favoritos. System of a Down son auténticas leyendas. ¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

‘Lonely Day’ de System of a Down.

‘Hypnotize’, el álbum que contiene ‘Lonely Day’, fue en realidad el primer álbum de rock que compré. Recuerdo haberlo comprado en Target por 13€. ¿Qué álbum estás escuchando actualmente?

‘Paradise Again’ de Swedish House Mafia.

Los chicos hicieron una reaparición brutal. Lo que es aún más increíble es que añadieron a Gordo a su próxima gira. ¡Estate atento a las próximas fechas!

¿Qué álbum es el que más atesoras?

‘Letting People Go’ de Carnage.

Esta canción significa mucho para mí porque representa a mi abuela, a mi familia y a todo lo que hemos pasado. Sobre todo lo que han pasado ellos para darme una vida mejor. ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

‘EENIE WEENIE’ de Gordo.

Es un track en el que estuve trabajando durante mucho tiempo. Fue una de esas pistas que se demoró en salir, pero finalmente salió a la perfección y se publicó en el momento adecuado. Estoy más que orgulloso del resultado final y es una locura cada vez que la pincho en directo.

Mi Ciudad

Ámsterdam Colyn nos habla de sus lugares favoritos.

Colyn

The Loft The Loft es un lugar increíble en el norte de Ámsterdam. Justo al otro lado del río IJ desde la Estación Central, en el piso 16 de la Torre ADAM, The Loft ofrece una vista increíble de la ciudad y las puestas de sol y los amaneceres son absolutamente impresionantes. Por lo general, The Loft es el lugar perfecto para eventos, especialmente durante la semana de ADE aquí en Ámsterdam. He tenido la suerte de pinchar allí en algunas fiestas y siempre hay un ambiente especial, la gente siempre está muy unida y entregada. Si alguna vez tienes la oportunidad de asistir a un evento allí, ¡no te lo pierdas!

Vondelpark Vondelpark es bastante conocido por los turistas, y al mismo tiempo es uno de los lugares favoritos de los habitantes para pasar el rato. Vivo a unos minutos caminando del parque y durante el confinamiento era el lugar donde venía a vaciar la mente al final del día. Si pudiera, daría una vuelta por el parque todas las noches y disfrutaría de este pequeño oasis verde en el corazón de mi ciudad. Hay algunos lugares geniales en el parque para tomar una copa o comer algo, como por ejemplo: Blauwe Theehuis y Vondeltuin. Definitivamente es un lugar a tener en cuenta si quieres relajarte en un espacio al aire libre y envuelto en la naturaleza.

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De Marktkantine Desafortunadamente, se ven obligados a cerrar el club este mes de junio, cosa que me rompe el corazón…

Colyn

De Marktkantine es el club al que llamaría ‘mi segundo hogar’, he pinchado allí innumerables veces en los últimos 5 años.

Desde la sala principal hasta la segunda sala, pasando por los stages subterráneos clandestinos, ha sido un lugar donde he podido nutrir y perfeccionar mi técnica como DJ y avanzar en mi carrera.Pasé de hacer el warm up en la segunda sala a ser el headliner de mi propia fiesta en la sala principal el noviembre pasado. Además de ser un lugar en el que pude desarrollarme profesionalmente, también conocí a muchos nuevos amigos mientras pasaba el rato en el club.

Lokaal Van De Stad Este es uno de mis lugares favoritos para pasar el rato cuando hace buen tiempo. Está bastante cerca de mi casa, aproximadamente a 5 minutos a pie, lo que lo hace ideal para salir e ir a comer o tomar algo. Tienen una bonita terraza en la orilla de uno de los lagos artificiales de Ámsterdam, en el lado oeste de la ciudad. La ubicación geográfica también hace que el sol se ponga en el lado de la terraza, lo que hace que sea muy agradable estar afuera hasta bastante tarde. Tienen una buena selección de alimentos frescos y una gran oferta de cervezas artesanales. Definitivamente es un lugar ideal para tomar algo si estás en el área oeste.

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TENDE

ISEA 2022 - Posibles: el arte electrónico aterriza en Barcelona Autora: Helena Bricio

El Simposio Internacional de Arte Electrónico (ISEA) es uno de los eventos anuales más importantes del mundo dedicado a la confluencia de arte, diseño, ciencia, tecnología y sociedad. Cada vez existen más artistas que se dedican a la música electrónica y al sonido que incorporan en sus prácticas artísticas obras o experiencias que se relacionan con el arte electrónico. Por este motivo, Tendencias se acerca al epicentro que aúna las distintas sinergias y posibilidades del arte electrónico internacional.

El evento se ha celebrado en más de 26 ocasiones en todo el mundo, y después de más de 10 años desde la última vez que pisó suelo europeo, aterriza en Barcelona. La 27ª edición del ISEA tiene la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) como socia principal y agente impulsor y convertirá la ciudad en la capital del arte electrónico del 10 al 16 de junio.

El objetivo del simposio es acercar las intersecciones entre arte, ciencia y tecnología a la ciudadanía y este año la nueva edición de ISEA lleva por lema “Posibles”. Además, una extensa red de instituciones culturales entre las que figuran el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), el centro cultural Arts Santa Mònica, la New Art Foundation, el nuevo hub de arte, ciencia y tecnología Hac Te, el MACBA, el Ayuntamiento de Barcelona —a través del Instituto de Cultura y

del Departamento de Ciencia y Universidades— y el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya colaborarán con ISEA para que el evento se desarrolle en una semana dedicada al arte electrónico.

Más de 50 propuestas culturales se darán lugar en Barcelona. ISEA es interdisciplinar, interinstitucional, intersectorial e internacional, lo que permite reunir en un solo evento un congreso para la investigación académica e independiente, un programa de conferencias abierto, mesas redondas, un espacio de encuentro profesional, un conjunto de exposiciones de piezas artísticas, demos y prototipos, talleres, performances y charlas de artistas abiertas a la ciudad y a la ciudadanía con la complicidad e implicación de agentes locales e internacionales.

Una entusiasta comunidad internacional y local llegará a ISEA dispuesta a trabajar conjuntamente para desarrollar este campo interdisciplinar dedicado al arte electrónico, reforzándose así el papel de Barcelona como una ciudad líder en investigación y producción científica y en intercambio y creatividad cultural en el contexto nacional e internacional.

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N CI AS Al ser un evento multifacético que busca explorar las intersecciones entre el arte, el diseño, la ciencia y la tecnología en todos sus aspectos y “posibles”, se podrán disfrutar instalaciones sonoras y obras artísticas como d’Eco a Siringa de Josep Manuel Berenguer, que tiene como eje central la configuración de la voz y sus sonidos o Especies I, II y III de Mónica Rikic, que se centra en imaginar las posibilidades de evolución de la inteligencia artificial, así como las consecuencias para la condición humana mediante un conjunto de dispositivos robóticos.

La exposición principal, La irrupció, está comisariada por Marta Gracia, Jara Rocha y Enric Puig Punyet e incluye más de una veintena de obras de la convocatoria, desarrollándose del 9 de junio al 21 de agosto en el centro de Arts Santa Mònica. También enmarcadas en ISEA, el CCCB acogerá el grueso de conferencias del simposio del 13 al 15 de junio, estando algunas de ellas relacionadas directamente con las posibilidades de la escucha y llevadas a cabo por profesionales del sector como Maria Lucilia Borges, que presentará su investigación “En busca de la esquizomáquina: para una (im)posible escucha”; Estelle Schorpp, que presentará “Écosystème(s): una instalación sonora auto-interactiva” o Budhaditya Chattopadhyay, con su investigación “Desgrabar la naturaleza”.

Por otro lado, del 26 de mayo al 23 de julio, Cal Massó acogerá, como novedad, una exposición bajo el nombre de BEEP COLLECTION: ORIGINS. Comisariada por Roberta Bosco y Stefano Caldana que reunirá las últimas obras de arte digital incorporadas a la .BEEP {collection;} y mostrará el resultado de una de las becas de producción concedidas por ISEA2022, Rain beats de Josecarlos Florez.

Por último, combinando el modernismo con el arte electrónico, del 9 al 30 de junio, el Recinte Modernista de Sant Pau acogerá una exposición de arte digital con cinco obras de la convocatoria ISEA2022 Barcelona y veinte piezas de la Colección .Beep, así como proyecciones de mapping los días 14, 15 y 16 de junio.

Créditos fotos: ISEA 2022

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CÓMO

PRODUZCO >2022

RONY SEIKALY Cómo produje ‘Ephemeral’, mi single incluido en el álbum Moonwalk lanzado el 6 de mayo en Stride.

El plugin –o sintetizador– que utilicé fue Omnisphere y Prophet. ¡Me encanta Omnisphere, es muy fácil de usar y tiene muchos sonidos para elegir! La profundidad del sintetizador también es increíble, no se nota que no es un sintetizador analógico. El Prophet Sequential es una bestia: me dio las polifonías para Ephemeral que busqué durante mucho tiempo. Ese sonido exacto que tenía en mi cabeza, no pude producirlo con nada excepto con el Prophet. Cuando encontré ese preajuste, tuve que modificarlo para obtener el sonido que realmente necesitaba para completar el track.

En cuanto a los drum samples, en esta pista en particular utilicé una mezcla de Roland Drum Machine y samples de Vengeance. Elegí esta batería para dar la calidez y profundidad general que que-

ría para Ephemeral, y así acompañar las melodías melancólicas del track.

les, pero hay que tener cuidado, porque puede saturarse rápidamente.

Hablando ahora del framework y plugins utilizados para procesar los leads de esta pista; el sonido principal se creó con Prophet y tuve que ajustar el preset al sonido que quería. Cuando recibí las vocales, supe que necesitaba algo más profundo para acompañarlas. Me tomó un tiempo, pero finalmente encontré el sonido que necesitaba. Me encanta cómo la voz y el lead se complementan entre sí.

Lo que aprendí sobre la producción musical mientras producía esta canción es que, por mucho que te guste un track, el público tiene la última palabra. Tenía un primer borrador de la pista y me encantó cómo sonaba en el estudio. Después de probarlo en un show y ver que no funcionó de la manera que imaginé que lo haría, tuve que volver al estudio y editarlo. La verdadera prueba siempre está en la pista de baile.

No estoy seguro de si esto es un truco de producción, pero añadí un efecto con el que doblé el bombo y puse la segunda secuencia muy baja para que tuviera más graves. Esto realmente funciona si necesitas algunas frecuencias adiciona-

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Escanea el QR para escuchar 'Moonwalk' de Rony Seikaly

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

El calorcito ya está aquí y con él la temporada de verano vuelve con total normalidad a las playas nacionales. Aprovechando el buen tiempo os traigo música fresquita, llena de alegría sintética y en forma de acid, disco y minimal. Tres nuevas referencias que os servirán para estar al día en la música electrónica y dos entrevistas para poneros al tanto de estos dos grandes profesionales.

ALF CHAMPION & MDHNTR

Nuevo lanzamiento de una de las parejas de productores más interesantes del panorama mexicano Alfa Trigueña

No es un secreto que México es uno de los países con más artistas en auge dentro de este género denominado slow disco, el cual en muchas de las ocasiones hace un uso reiterativo de letras en español. Digamos que Alfa Trigueña es uno de esos sellos guatemaltecos que apuesta por este enorme e interesante abanico de artistas amantes de los slow beats.

Y como tal, os adelanto la segunda referencia que presenta la etiqueta, la cual viene firmada por el dúo Alf Champion y MDHNTR. Además, el

EP incluye un par de remixes de un artista al que tengo muy en el foco. Su nombre: Shema.

Como de costumbre, os dejo las imágenes QR para que podáis disfrutar de toda la música.

TRACKLIST 01. AFL CHAMPION & MDHNTR – Ragggamufin 02. AFL CHAMPION & MDHNTR – Circumvehor (Accinge) 03. AFL CHAMPION & MDHNTR – Dull The Will 04. CHAMPION & MDHNTR Feat Marcos – Car 05. CHAMPION – Dull The Will (Shkema Remix) 06. CHAMPION – Circumvehor (Sheka Remix)

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(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

CYCLOID DYAXIS – DAME TU AMOR

El misterioso productor regresa a la disquera belga con un quinto álbum: ‘Dame Tu Amor’. Una extensa colección de originales ácidos y lentorros que no podrás dejar de escuchar FenixFire Records Cycloid Dyaxis es un productor de los bajos fondos de Bélgica. Siempre he intentado conocerle un poco más a través de las etiquetas con las que trabaja, pero es imposible. A él solo le importa la música y que sus ideas artísticas calen en el público. Y así es como este chico no deja que nos preocupemos de los aspectos banales como la imagen, otorgando siempre la mayor importancia a cada uno de los quince tracks que conforman este nuevo trabajo titulado ‘Dame Tu Amor’. Ácido y electro a bajos bpms, llenos de míticos samples e hilados con maestría, este es el corto resumen de su quinto largo, disfrútalo a través del código QR.

AZARIA & HOOCHIE COOCHIE PAPI – AVENTADOR

La etiqueta nacional Golden Soul nos deleita de nuevo con una potente referencia discoide Golden Soul Records Desde Bélgica nos vamos a España pasando primero por Berlín, lugar donde actualmente reside uno de los dueños de la etiqueta, Jaime Rodriguez aka James Rod. Junto a él encontramos a Carlos (Azaria) y Aleito, los tres conforman el equipazo de Golden Soul. Acaban de lanzar una nueva referencia firmada por uno de ellos junto a la colaboración de Hoochie Coochie Papa, otro misterioso productor del que poco sabemos. Electro y Disco sintético es lo que suena en este nuevo Aventador. Ácido y electro a bajos bpms, llenos de míticos samples e hilados con maestría, este es el corto resumen de su quinto largo, disfrútalo a través del código QR.

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al tanto de

PAKRAC

Bélgica y su fenómeno musical resurgen de sus cenizas como el Ave Fénix FenixFire Records Tengo la gran suerte de conocer a grandes profesionales muy involucrados en el mercado discográfico underground y ecléctico. Y así es como –dentro de esta amplia amalgama de sellos discográficos que inunda el mercado– aparece en escena Willem Voet aka PAKRAC. Label Manager de dos de los sellos más constantes que conozco, Dark Distorted Signals y Fenixfire, dj especialista en EBM y New Beat, además de productor musical. Acaban de salir las dos últimas referencias de sus dos sellos, DDS y FFR y le entrevisto con motivo de mi interés en poneros al tanto de este gran personaje.

Buenas, Willem. Lo primero que nos gustaría decir es que es un placer que estés con nosotros en “El Rincón de Kali” para DJ Mag ES. Una vez hechas las presentaciones vamos con la primera pregunta: ¿Te consideras productor, dj, dueño de un sello o un conjunto de todo?

Veamos cómo puedo contestar a esta pregunta. La mayoría de los DJ no producen y la mayoría de los productores no se dedican a hacer sesiones de DJ. En mis inicios fui DJ de vinilos. En aquel entonces cargar con todos ellos era una auténtica sesión deportiva. Hoy en día todo el mundo parece ser DJ. Me gusta producir, pero cada pista lleva mucho curro así que a día de hoy me considero dueño de un sello principalmente. ¿Qué puedes contarnos sobre el proyecto Pakrac?

Un buen productor no se ve condicionado por el estilo.

Pakrac es mi alter ego a la hora de hacer ‘old school’

techno. A la hora de hacer un techno más serio uso otros seudónimos. Pero tenemos que preguntarnos qué es el techno serio. Ahora trabajo en algunas pistas de Dark Distorted y algunos cover de mi otro sello FenixFire y siento que ambos sellos están evolucionando. Esperamos llegar a una audiencia más amplia sin perder ese toque underground que nos caracteriza. Pero ser underground no significa nada, no nos importa ser mainstream mientras mantengamos la calidad.

FenixFire y Dark Distorted Signals son sellos que ya conocemos pero, ¿hay alguno más?

Están pasando muchas cosas. Hemos creado otro sello; Mucho Mas Music con dos amigos que han entrado en el mundillo. Mis actuales sellos formarán parte de un todo con sellos como Easter Egg, Pink Flamenco y otros sellos que están aún por ver la luz.

De entre todos los productores con los que has trabajado, ¿cuál es tu favorito?

Cycloid Dyaxis está entre mis favoritos. Me gusta también el estilo de TRF y estoy seguro de que aún le queda mucho por madurar. Otro productor con el que tuve muy buenas experiencias fue Jack Matthew Tyson. Me parece un tío con una gran calidad a la hora de producir. Por último, también mencionar a Ordin Air y su capacidad de producir capas melódicas en la música techno.

Cuéntanos alguna primicia, por favor.

Darren Bayer se encargará del remix de una pista compuesta por Tyson bajo Dark Distorted Signals. Este remix verá la luz bajo FenixFire. Va a ser una pista brutal. ¡Muchas gracias por la entrevista, Luis!

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al tanto de

EDDY ROMERO AKA SATURNZ OTHER SOUL

El productor nacional y label manager nos pone al tanto de su experiencia en la industria musical EXPmental Records Quiero presentaros a todo un profesional del mundo discográfico. Este productor, dj y label manager gestiona su sello EXPmental Records y además coordina y gestiona la PR de otros muchos sellos underground. Charlamos con él para conocerle un poco mejor y que nos dé algunos detalles de sus proyectos. ¡Hola Eddy! Sabemos que eres de la vieja escuela. Eres productor y dj con una dilatada experiencia, label manager, agente de bookings,... ¿Se puede hacer algo más?

Siempre se puede hacer más y de hecho yo lo hice con la pandemia, monté una empresa nueva de artistas y label management enfocada sobre todo a la orientación artística, promoción y marketing. Así que sí, siempre se puede hacer más. Además de llevar mis artistas y hacer mis eventos, también tengo tiempo para ser padre y dedicarlo a mi familia, que para mí es lo más importante ahora mismo. La pandemia también me dio tiempo para ellos y lo agradezco enormemente.

Como dueño de un sello, ¿qué nos puedes contar como experimentado label manager que eres con más de 100 referencias editadas en EXPmental Records? ¿Qué futuros lanzamientos tienes preparados?

Ser label manager no es una tarea fácil, tienes que decidir qué material sacar y qué puede funcionar dentro de tu estilo, sobre todo porque para cada EP la inversión es alta entre mastering, carátulas, promoción etc. Pese a que muchos digan que esto no sirve, yo lo hago todo. Si quieres tener un producto de calidad y que sea visible, es imprescindible todo esto, y que nadie te cuente lo contrario… porque no es así. Ni Bandcamp es lo te venden, ni pasar música a los coleguitas significa que te estén escuchando. Hay que cuidar muy bien cada punto en un sel-

lo y yo, en mi caso, ya no saco con sellos que no tienen un mínimo de promoción y cuidado con lo que sacan. Se está perdiendo el valor de la música y es deber nuestro otorgárselo.

En tu vertiente musical sabemos que además estás inmiscuido en otro proyecto llamado Saturnz Soul Other Soul, con el que acabas de sacar un disco. ¡Cuéntame más!

SOS es mi primer Aka artístico que utilizaba en los 90 para hacer música electrónica, ambient, experimental y derivados. Con los años fui utilizando otros y perdí este, pero cansado ya de la música de pista y su movimiento, hace unos años quise volver a hacer lo que siempre me ha gustado, así que decidí revivir Saturnz Other Soul y también en forma de sello. De momento tengo 5 referencias en la calle y hago lo que realmente me apetece. ¿Tu formato para actuar es como Dj o tienes también el formato Live?

Realmente yo fui productor antes que DJ, así que siempre he realizado más lives que sesiones. Debido al bajo cache de los lives que hubo por culpa del boom, decidí pinchar. Pero sí, he vuelto al live primero con SOS, habiendo tocado ya en varios festivales. También me metí en otro proyecto con una cantante de Trip Hop electrónico, pero este se disolvió por la crisis sanitaria. Ahora como Eddy Romero estoy planteando también otro live, creo que el formato directo es lo más correcto para que quienes producimos música podamos presentar nuestro producto y dejar las sesiones para otros momentos concretos donde se quiere plasmar una cultura o un gusto musical concreto.

Y para finalizar, ¿Qué actuaciones tienes para los próximos meses? ¿Habrá un nuevo álbum para SOS? Después de dos años de parón terminando mi último tour en India en marzo de 2020, este 2022 parece que todo lo que se perdió viene con fuerza, así que me veréis este verano en la semana de Sónar en Barcelona, en Ibiza, en Faro Portugal, Tanzhaus West Frankfurt, Berlín y más por confirmar. Respecto al álbum, estamos en ello con ambos akas, ¡una para todos y todos para una! ¡Muchas gracias por la entrevista, Kali!

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MLADEN SOLOMUN DIYNAMIC MUSIC

Solomun

solomun Solomun regresa a Barcelona

Autora: Patricia Pareja Casalí

Desde que Mladen Solomun —mejor conocido como Solomun— iniciara su carrera musical allá en 2004, el crecimiento en la escena del DJ y productor bosnio no se hizo esperar. Hoy en día ya ha sido tres veces ganador de los premios DJ Awards en las categorías de Mejor Productor y Mejor DJ de Deep House y es uno de los artistas más reconocidos en la escena electrónica a nivel mundial. Su sonido se mueve entre el techno, el house y deep house y nos ha reconocido que en privado escucha un abanico mucho más amplio de géneros que le influencian en la composición de sus mixes.

Solomun, además, es dueño de su propio sello Diynamic Music, marca que con el paso de los años ha incrementado vertiginosamente su popularidad posicionándose como uno de los sellos de referencia en la escena hoy en día. A través de él han lanzado artistas como Kollektiv Turmstrasse, Adriatique, H.O.S.H., Innellea, Tunnelvisions, Adam Port o Dubfire entre muchos otros. Y esto no queda aquí; el bosnio es dueño de su propia fiesta y tiene lugar cada domingo de verano en la mítica Pachá Ibiza. Bajo el nombre Solomun +1, Solomun invita semanalmente a un artista que realmente despierta algo en él y conducen la música entre ambos a lo largo de la noche; primero en solitario para luego pasar al b2b y cerrar la noche.

Se cumple un año ahora desde que Mladen lanzara su último álbum 'Nobody Is Not Loved’, un álbum con un potente mensaje del que ahora empieza a lanzar los remixes de los tracks. Maceo Plex o Trance Wax han sido dos de los primeros remezcladores, y el bosnio nos ha adelantado que irá lanzando el resto a lo largo del verano, culminando con una caja de vinilos.

Con motivo de la inminente visita de Solomun a nuestro país, concretamente a Barcelona con motivo de la celebración de Off Week, en DJ Mag España hemos podido sentarnos a charlar con el artista para que nos hable de sus expectativas de la semana de Sónar de este año, de su nueva marca de fiestas, de sus recientes y futuros lanzamientos de remixes del álbum y de cómo se plantea la temporada este año.

Además, nos hemos interesado por saber si alguna vez ha considerado mantener su residencia en la isla hasta que se retire de la música…

Y nos ha contestado sin tapujos. Si queréis saber la respuesta, además de conocerle más en profundidad y descubrir todo lo que este artista tiene todavía por ofrecer, os invitamos a leer las siguientes líneas.

Disfrutadla tanto o más de lo que hemos disfrutado nosotros haciéndola, ¡nos vemos en la pista de baile de Diynamic Outdoor en Barcelona, y en Pachá Ibiza cada domingo!

Bienvenido, Mladen, es un auténtico honor tener esta charla contigo para DJ Mag España. Estamos en pleno junio y en España, concretamente en Barcelona, este mes tendrá lugar el Festival Sónar y Off Week. Como es habitual, el sábado 18 tendrá lugar tu fiesta Diynamic Outdoor. ¿Qué expectativas tienes de esta edición tras dos años sin celebrarse el festival en nuestra ciudad?

Gracias por recibirme. Celebrar Off Week en Barcelona es una tradición que viene de lejos para nosotros, está en el calendario anual de eventos de Diynamic desde hace unos diez años y seguimos viniendo porque la mezcla de gente esa semana crea una energía increíble. La escena local de la ciudad tiene un gran background y educación musical, y muchos seguidores de la electrónica de otros países van hasta Barcelona durante esa semana específicamente para explorar los eventos musicales de toda la ciudad. A todo ello añádele un clima perfecto y tendrás la combinación más increíble para crear un gran espectáculo.

El cartel es bastante especial esta edición, ya que hemos visto nuevos nombres que no estamos acostumbrados a ver en este festival. Cuéntanos más sobre ellos y sobre su sonido.

Así es. Es posible que hayas visto que el tipo de lanzamientos que hemos estado haciendo en el sello varía mucho en cuanto a artistas y sonido. En mis sets también me gusta mezclar, experimentar, construir puentes entre géneros y, naturalmente, esto se traduce en el sello; estamos en constante desarrollo y por lo tanto en Diynamic hay un flujo constante de cambio.

Esa es la verdadera razón por la que todavía nos divertimos tanto con las cosas que hacemos; somos, en pocas palabras, auténticos fans de la música. Esta es también la razón por la que elegimos invitar a los artistas que admiramos y respetamos, algunos de los cuales, por supuesto, ya han lanzado en Diynamic.

Como hablábamos, este año Diynamic Outdoor volverá a Barcelona. Sin embargo, el festival que tenía el mismo nombre en Amsterdam el próximo 4 de junio ha cambiado a “Nobody Is Not Loved Festival”, convirtiéndose en el primer festival bajo este nombre, el mismo que tu disco. ¿Cómo de significativo es este cambio?

Comenzar con el concepto NINL nos ha dado un cierto impulso. Sentimos que Ámsterdam sería una gran ciudad para lanzar este proyecto, y vemos un potencial aún mayor para la diversificación musical en el futuro, un espectro aún más amplio de artistas y sonidos: programarlo para este año fue solo el primer paso y, al pensar dónde hacerlo, Amsterdam fue la elección lógica para nosotros. ¿Por qué habéis mantenido el nombre en Barcelona y no en Ámsterdam? Me pregunto si cambiarás el nombre la próxima edición de Off Week en Barcelona…

Bueno, nunca sabemos lo que nos depara el futuro, pero por ahora Barcelona es Barcelona y Ámsterdam es Ámsterdam.

El festival Nobody Is Not Loved es parte de un proyecto más grande que comenzó con mi álbum. Por su parte, Diynamic Outdoor Barcelona es nuestro evento tradicional de Off Week y seguiremos haciendo eventos Diynamic en el futuro.

Cuando lanzaste 'Nobody Is Not Loved', tu misión era compartir una historia con tus oyentes a través de la música: "la música ama a todos sin importar quién eres, cómo eres o lo que crees". Ahora que el álbum se escucha desde hace casi un año, ¿cuál ha sido el feedback? ¿Sientes que tus oyentes han recibido el mensaje correctamente?

La historia aún no se ha contado por completo: todavía hay un video musical final que se lanzará en el Festival NINL, además del festival en sí, que es parte de la historia.

Hablando ahora de todo lo que ya ha salido, debo decir que estoy muy feliz. El proceso de creación, el lanzamiento y haber podido tocarlo en stages repletos de gente ha sido increíblemente gratificante, especialmente porque recibí muchos mensajes de personas que me dijeron que entendieron el mensaje subyacente, el meta-nivel que intentamos representar.

“AUNQUE DURANTE MIS PRESENTACIONES PINCHO PRINCIPALMENTE MÚSICA ELECTRÓNICA, EN PRIVADO ESCUCHO UN ESPECTRO MUY AMPLIO DE GÉNEROS” El 8 de abril lanzaste los dos primeros remixes de tu álbum 'Nobody Is Not Loved’. 'Kreatur der Nacht' fue uno de ellos y se trata de una pista muy especial para ti que comprime el sonido de tu infancia en una sola canción. ¿Por qué sentiste que Maceo era el artista ideal para remezclar este track tan especial?

Maceo es uno de los artistas más talentosos de nuestro tiempo. Le conozco desde hace años y le aprecio mucho, no solo como DJ y productor, sino especialmente como remezclador, por lo que quería que se convirtiera en parte del proyecto. Le preguntamos con qué pista conectaba más y su respuesta fue ‘Kreatur der Nacht’.

Y 'Night Travel', el tema que cierra el disco con voces robóticas del cantante de Editors, Tom Smith, y que tiene el potente mensaje "no soy tu salvador, pero estoy de tu lado", ahora ha sido remezclado por Trance Wax. ¿Qué destacarías de este remix?

Soy un gran seguidor de Trance Wax desde hace bastante tiempo y su sonido es muy fiel a su nombre. Es genial escuchar cómo se las arregló para envolver el original en este bonito y moderno abrigo.

Lanzarás más remixes durante el verano. ¿Puedes adelantarnos más de esos próximos remixes y colaboraciones?

Así es, el próximo paquete de remixes que se lanzará incluirá a DJ Koze y Matthew Herbert, y luego a me y Keinemusik. Y habrá más después de eso, ¡así que estad atentos! ¿Vas a lanzar solo packs digitales o vinilos también? Si es así, ¿cuándo podemos esperar el vinilo?

Tan pronto como haya lanzado todos los paquetes digitales, tendremos una gran caja de vinilo que contendrá todos los remixes.

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Dejando a un lado tu álbum, me llaman especialmente la atención tus mixes mensuales ‘Momentum’. ¿Hay algo especial que te influencie para producirlos?

Aunque durante mis presentaciones pincho principalmente música electrónica, en privado escucho un espectro muy amplio de géneros. Me encanta descubrir e indagar, y con la llegada del streaming, el abanico de música mundial siempre está al alcance de la mano.

Para la lista de reproducción de Momentum puede ser cualquier cosa que realmente me llegue; desde baladas pop de los 80 hasta post punk bangers o música disco socialista.

Hablando del streaming, recuerdo que una vez dijiste “la música es la vacuna, tiene un poder divino”… ¿Por qué entonces te negaste a hacer live streamings durante el tiempo que no pudimos asistir a clubes/festivales o reunirnos?

Vi que muchos colegas geniales comenzaron a hacer live streamings desde sus casas o desde clubes vacíos y, por supuesto, me planteé hacerlo yo también una y otra vez, para darme a mí y a la gente algo de alegría y esperanza. Pero finalmente decidí no hacer ninguno durante el confinamiento porque no creo que lo digital pueda reemplazar lo analógico. Soy amigo de las posibilidades digitales si complementan o amplían el mundo analógico real, pero si se supone que deben reemplazar el mundo analógico, me di cuenta de que no podía estar de acuerdo con eso. Tal vez soy demasiado anticuado o demasiado romántico. Simplemente no podía imaginarme tocar música en una live streaming sin sentir a la gente, sus reacciones, sus necesidades, sus vibraciones,.. sin toda esa fusión. ¿Cómo se presenta esta temporada de Solomun +1 en Pacha Ibiza?

Recientemente pinché en el opening de Pacha en Ibiza, el equipo ha renovado todo el espacio y para mí la nueva sensación del interior es excepcional. Aparte de eso, nos mantendremos fieles a nuestro concepto: yo y un invitado guiando a nuestros bailarines durante la noche, primero individualmente y luego b2b. Siempre disfruto el proceso de traer a mis invitados +1 y trato de mezclarlo año tras año: algunas caras conocidas con las que me encanta pinchar y otras más nuevas que me han llamado la atención recientemente.

En el futuro, ¿alguna vez has considerado mantener tu residencia hasta que te retires de la música? ¿O preferirás tocar solo en una selección de tus festivales/clubes favoritos?

Si tuviera que reducir el número de mis espectáculos, por supuesto sería más selectivo en el tipo de shows en los que tocaría; probablemente serían en solitario y fuera de lo común, pero trato de no preocuparme por las cosas que están tan lejos, porque al final, casi todo llega de manera diferente a como tú lo imaginas. Trato de hacer mis planes de año en año y hacer lo que siento bien en ese momento.

He aprendido que eso es lo que mejor me funciona.

Un deseo para esta temporada.

Compartir momentos a la luz de la música es una de las cosas más bonitas que tenemos. Hagamos que esta temporada sea memorable para todos nosotros. ¿Tienes algún nuevo proyecto o lanzamiento a lo largo de 2022 del que no hayamos hablado? ¡Cuéntame!

Como sabéis, vendrán más remixes de mi álbum a lo largo del verano que culminarán con la caja de vinilo completa al final. Aparte de eso, hay algunos remixes más que he hecho para otros artistas, dos de los cuales son ÄTNA y José Gonzalez.

Muchas gracias por tu tiempo, Solomun. ¡Los mejores deseos del equipo de DJ Mag España! ¡Gracias a vosotros también y nos vemos en Barcelona el sábado 18 de junio!

The Black Eyed Peas DEBUTAN ES TE AÑO EN NE VER S E A FES TIVAL

“LA FRECUENCIA DE LA POSITIVIDAD Y EL AMOR CONECTA A LAS PERSONAS EN TODO EL MUNDO” Autora: Patricia Pareja Casalí

¿Quién no conoce a The Black Eyed Peas? will.i.am, apl.de.ap y Taboo llevan más de 25 años dedicándose a la industria y con el paso de los años no han hecho más que forjarse un gran lugar en la escena a base de trabajo duro, dedicación y versatilidad, mucha versatilidad. De hecho, el trío —antes cuarteto— destaca especialmente entre el público por su estilo tan variopinto con tracks que rozan el más puro estilo pop/dance como ‘I’ve Got a Feeling’ con David Guetta hasta tracks latinos como ‘Mamacita’ con Ozuna y J. Rey Soul o ‘RITMO’ con J Balvin.

No hace mucho que los BEP sacaron su nuevo y último álbum de tendencia pop latino ‘Translation’, que además contiene colaboraciones con artistas como Maluma, Shakira, Tyga o Nicky Jam entre otros. La pasión de sus fieles seguidores alrededor del mundo —además de los muchos nuevos que van haciendo por el camino— se ha desatado y ahora están poniendo los stages patas arriba con una gira por toda Europa con paradas en lugares como Irlanda, Luxemburgo, España, Italia, Alemania o Rumanía, donde este año pisarán por primera vez el stage del festival Neversea, ubicado en la playa de Constanta. No será la primera vez que los BEP actuarán en tierras rumanas, anteriormente ya han actuado en UNTOLD —de la misma compañía que Neversea—, festival que, en palabras de ellos mismos: “es uno de los mejores del planeta Tierra”. ¡Hola chicos! Estamos encantados de dar la bienvenida a The Black Eyed Peas a nuestra revista este mes. Recuerdo que ya desde pequeña os escuchaba, y es que lleváis más de 25 años en la industria de la música y sois todo un referente. ¿Cuáles diríais que son las claves para haber mantenido una carrera exitosa como artistas internacionales a lo largo de los años? [will.i.am] Creo que la frecuencia de la positividad y el amor conecta a las personas en todo el mundo... Cuando te apetece levantarte y bailar, aunque las palabras a veces estén en un idioma diferente que no entiendes, la música simplemente te atrae y hace que te sumerjas en ella; ya sea en un espectáculo en vivo o en una fiesta de karaoke, al público le encanta cantar y aprender las letras mientras bailan y se divierten. ¿Cuánto ha afectado el último año de confinamiento a vuestra música, estilo y sonido?

[TABÚ] Nos enfocamos mucho en hacer música que anime y brinde alegría y optimismo, incluso en la incertidumbre de la pandemia sabíamos que queríamos crear música que celebrara un mañana mejor y trajera positividad, buenas vibras. Nos encanta hacer colaboraciones con muchos artistas latinos de los que somos grandes seguidores, y solo queríamos contribuir a lo increíble que es el estado internacional de la música en este momento.

Siempre estamos dispuestos a contribuir y darle el toque de Black Eyed Peas mientras honramos y celebramos a las personas con las que tenemos la bendición de trabajar.

Vuestro último álbum bajo el nombre ‘Translation’ fue lanzado entonces. ¿Cómo fue lanzar un álbum en un momento tan extraño?

[APL] Definitivamente fue muy diferente tratar de interpretar las canciones virtualmente en lugar de en vivo... tuvimos que usar mucho la imaginación y actuar el uno para el otro en el escenario.

Nunca perdimos la esperanza de que algún día el mundo volviera a la normalidad y pudiéramos tocar estas canciones en vivo, pero la pandemia fue una oportunidad para aprender nuevas formas de seguir brindando alegría a las personas en estas nuevas circunstancias. Por ejemplo, usamos nuevas tecnologías para mejorar los espectáculos virtuales y seguimos creando música que inspirara a la gente a seguir moviéndose y bailando. Pero sin duda echamos en falta tocar todos nuestros temas en vivo. ¡Nos vamos a poner al día este verano! [will.i.am] Cuando las supuestas “dos semanas de estar en casa” se convirtieron en meses, fue un duro golpe darnos cuenta de que presentar nuestro nuevo álbum en vivo ante un gran público era algo que no sucedería durante bastante tiempo. Por mucho que queramos conectarnos con nuestros seguidores de todo el mundo con este nuevo trabajo, en lugar de quedarnos sentados y preocupados (como mencionó Apl), comenzamos a experimentar con escenarios remotos, cámaras guiadas por robots, software de video y nuevas tecnologías que nos permitieron actuar de manera segura, distanciados como grupo aún estando todos en el mismo escenario.

Este último álbum ha venido cargado de sonidos latinos y vocales en español, bastante diferente a temas como "'I've Got a Feeling" con David Guetta, y esta es otra prueba de vuestra versatilidad como artistas. ¿Qué es lo próximo de vuestro trabajo en el estudio? ¿Hay alguna nueva colaboración en proceso?

[APL] Sí, podemos asegurarte que viene un nuevo álbum y una nueva colaboración. No quiero revelar demasiado porque, ya sabes, queremos sorprenderos con el nuevo sonido y el estilo de este próximo álbum. PERO sí te puedo decir algo: tenemos muchas sorpresas para vosotros :) Habéis estado actuando en todo el mundo y no hace mucho, estuvisteis en el Festival UNTOLD por primera vez y declarasteis que "es uno de los mejores festivales del planeta Tierra". ¿Qué ingrediente creéis que hace que un festival como UNTOLD sea tan especial?

[APL] Yo diría que la mezcla de todos los géneros musicales, desde la electrónica hasta la música en vivo, hizo posible brindar una experiencia memorable. El festival no solo tiene un sonido, sino que hay música para todos en UNTOLD. [TABÚ] La energía de la gente dicta el festival, por lo que nuestro trabajo como artistas es traer la energía y mantener el entusiasmo para la próxima actuación si no somos los headliners del cartel. ¡El ingrediente principal que se necesita es energía y buena vibra!

Este año 2022, además, debutaréis en el festival Neversea de Rumanía el próximo mes de julio. Con los años, los festivales en la playa se han convertido en una tendencia. ¿Qué esperáis de Neversea?

[APL] Mucha fiesta y gente divirtiéndose junto al mar y tomando el sol. Cuando vayamos allí, vamos a llevar la energía y a disfrutar el ambiente de playa. También estamos deseando que lleguen nuestras fechas en España, ya que actuamos por casi todo el país; desde Madrid a Valencia pasando por A Coruña y Cádiz.

[TABOO] Va a ser un no parar y la mejor fiesta en la playa... ¡¡al más puro estilo Black Eyed Peas!! ¿Qué fue lo último que os hizo felices y por qué?

[APL] Empezar a trabajar en el álbum en solitario de J Rey Soul. Ella estuvo disfrutando con los Peas en el escenario durante un tiempo, y ahora podremos ver su trabajo en solitario, que todavía está por llegar.

[TABÚ] ¡Ver y disfrutar en vivo mis dos canciones grabadas en el estudio y grabar más música! ¿Qué otros proyectos tenéis este 2022? ¿Próximas colaboraciones, lanzamientos,...? ¡Contadnos!

[TABÚ] ¡Próximamente habrá nueva música y videoclips! Estamos muy emocionados de veros a todos próximamente en festivales y esperamos estar en vuestras nuevas listas de reproducción ;) Muchas gracias por vuestro tiempo, chicos.

[BEP] ¡Gracias a vosotros!

J EFF M I L L S la n z a el pr i mer

‘One M i x’ en aud io espacia l PA R A A P P L E M U S I C

Jeff Mills

“el mundo en el que vivimos ahora es solo

Autora: Patricia Pareja Casalí Fotógrafo: Manuel Obadia-Wills

El maestro Jeff Mills ha vuelto a hacerlo: su forma de entender y proyectar la música nos ha dejado en jaque una vez más.

El estadounidense es uno de los artistas más prolíficos que ha dado a luz la ciudad de Detroit, a lo largo de su carrera musical ha demostrado ser uno de los artistas más importantes e innovadores de la música electrónica y con el paso de los años sus producciones han revolucionado la manera en la que entendíamos el techno.

Ahora, Jeff sorprende dando el pistoletazo de salida a la serie ‘One Mix’ de Apple Music con una mezcla de una hora de duración en audio espacial de Dolby Atmos. ¿Su misión? Ofrecer una experiencia de audio verdaderamente inmersiva con sonido y claridad multidimensional.

Tras el lanzamiento el pasado otoño de un nuevo programa que permite identificar y compensar adecuadamente a los creadores que participan en la creación de las mezclas, la llegada del audio espacial es el siguiente paso natural en el compromiso de Apple Music con el sonido y los DJ mixes.

La mezcla del DJ y productor de Detroit lleva por título ‘Outer to Inner Atmosphere: The Escape Velocity Mix’ y está completamente inspirada en el cosmos. El set también relanza oficialmente la aclamada serie One Mix de Apple Music, donde cada mes se añadirán nuevas mezclas a medida que los mejores DJs de música electrónica y dance se pongan al frente de One Mix con Dolby Atmos.

Además, Axis Records —el sello fundado por Mills destinado a explorar dentro y fuera de los espectros del techno— cumple ahora 30 años y para celebrarlo, el artista lanzó su nuevo álbum ‘Mind Power Mind Control’ el pasado 20 de mayo. Se trata de un álbum conceptualmente muy distinto a los anteriores y, en palabras de Jeff, “de todas las cosas que he hecho, creo que este es probablemente el álbum más importante”.

Os invitamos a disfrutar la charla de leyenda que tuvimos con este mago del sonido, para que sea él mismo quien os descubra los entresijos de su ‘One Mix’ en audio espacial, además de todo aquello que le ha llevado a crear este nuevo y último álbum y por qué es tan especial y distinto a todo lo anterior.

Hola Jeff, es un auténtico honor tener este encuentro contigo para DJ Mag España. Has sido el primer artista que ha hecho el ‘One Mix’ en audio espacial para Apple Music. ¿Qué tipo de herramientas e instrumentos musicales has usado para crear este sonido inmersivo?

Gracias. La mezcla es una combinación de diferentes tipos de mixes y la última parte es en realidad solo percusión. Para

crear este ‘One Mix’ espacial e inmersivo, hablé con ingenieros para lograr traer tanta percusión como fuera posible a mi estudio, y colocarlo todo de modo que pudiera reproducir el sonido en tiempo real. El mix es un segmento que va hacia el final del mismo, y el concepto era tratar de replicar lo que en el espacio se podría sentir como estrellas fugaces, el centelleo de las estrellas, el Sol, la rotación de los planetas y cosas similares.

La cara frontal de la mezcla es un DJ mix, pero a su vez es donde la música está más secuenciada. Lo que traté de conseguir es que, al principio, estuviera diseñado para ser un tipo de mix inspirado en la atmósfera, donde a pesar de que no te movieras al ritmo de la misma, siguieras sintiendo tu espacio, básicamente tu espacio acústico. Luego, a medida que avanzas en el mix las cosas empiezan a ajustarse y hay varias transiciones que se introducen en estos diversos segmentos.

En definitiva, no es un mix como tal de principio a fin, sino una combinación de distintos segmentos. ¿Hubo algo especial que estuviste escuchando antes de empezar a trabajar en ello? Algo que te haya influido especialmente y hayas tomado como referencia.

Sí. Durante semanas estuve buscando información e investigando las conversaciones de las misiones espaciales de la NASA, el control del espacio, las conversaciones que tienen normalmente antes de lanzar una nave espacial y en qué consiste todo el proceso.

Y, sobre todo, traté de pensar qué tipo de formato le daría a esta mezcla en función de esas conversaciones. ¿Crees que el sonido inmersivo y multidimensional será una tendencia en un futuro cercano?

Quizás llegue a ser más que eso, más que una tendencia. Creo que si llega el día en el que seamos capaces de replicar de manera tridimensional — o en cuatro o cinco dimensiones — la manera como suenan las cosas, y logramos engañar y condicionamos totalmente a la mente para creer que en realidad estamos rodeados por el Amazonas o el océano, entonces sí. Si logramos hacer eso, entonces no solo cambiará la industria del entretenimiento y la música, sino que también cambiará la educación. Y si cambia la educación, entonces nos cambiará a nosotros, cambiará todas las cosas que sabemos, todas las cosas que creemos que son así, ubicaciones exactas y, básicamente, la naturaleza. Lo que sabremos de la naturaleza será mucho más profundo y detallado, mucho más impactante.

Será realmente curioso experimentar el momento en el que seamos capaces de recrear todo eso. Hablando ahora de tu sello, este año celebras los 30 años de Axis Records y lo haces con un nuevo disco 'Mind Power Mind Control', que vio la luz el pasado 20 de mayo. ¿Por qué es tan diferente a los anteriores? ¿Cuál es el concepto de este álbum?

Conceptualmente, este nuevo álbum trata de la observancia de la capacidad de la mente y lo que es capaz de hacer, de lo que es capaz de proporcionarte para que puedas crear y de lo que es capaz de hacer para protegerte a ti mismo, para escoger los lugares, para hacer que veas el mundo desde diferentes perspectivas… De todas las cosas que he hecho, creo que este es probablemente el álbum más importante, especialmente en el momento en el que estamos, ya que el mundo aún está en transición en esta era de las nuevas tecnologías, de los ordenadores y las redes sociales —donde nos comunicamos en formas que nunca antes habíamos podido. Esta era nos está enseñando cosas sobre nosotros mismos y eso nos da un gran conocimiento y un gran poder, pero para poder usarlo sabiamente, tenemos que evaluar qué son realmente el poder y el control mental. Quiero decir, nunca tuvimos que abordar esto de esta manera antes, ¿verdad?. Por lo tanto, creo que, de todas las cosas que he creado, esta es probablemente la más importante en términos de en qué momento surge —a principios de siglo—, cómo hay tanto cambio en tanta transición y cómo puede tener un lugar en la vida de los jóvenes a medida que avanzan a través de las próximas décadas. Solo quiero señalar que hace 100 años fue la era industrial y llevó aproximadamente 50 años para que terminara antes de que comenzara la era de las tecnologías. ¿Qué será lo próximo? No estoy muy seguro, pero creo que las cosas por las que estamos pasando ahora nos están enseñando para esta próxima fase de la evolución.

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¿Es este álbum, de alguna manera, una crítica a la sobrecarga de información que existe en la sociedad actual?

No lo definiría como una crítica, no estoy tratando de hacer una advertencia, pero sí tratando de sugerir que la situación no está filtrada. Me refiero a que hoy en día existe un tipo de tecnología mediante la que te pueden rastrear en cualquier momento y en cualquier lugar, por lo que lo que sugiero es que, tal vez, una forma de sentir que tenemos el control es mediante el poder de controlar nuestra propia mente para controlar lo que pensamos. Si dependes de servicios privados y empresas e industrias para informarte sobre lo que debes saber, entonces podrías estar en problemas. Sabes que puedes ser vulnerable a la industria, a los negocios y a la economía, por lo que tener control sobre tu mente es realmente lo único corto y seguro que uno puede hacer, y con este álbum lo que pretendo es abordar precisamente eso.

“ TENER CONTROL SOBRE TU MENTE ES REALMENTE LO ÚNICO CORTO Y SEGURO QUE UNO PUEDE HACER, Y CON ESTE ÁLBUM LO QUE PRETENDO ES ABORDAR PRECISAMENTE ESO" En el artwork podemos ver una foto tuya con lo que parece ser tu propio reflejo, además de una marioneta. ¿Qué me puedes decir al respecto?

Sí, así es. El artwork fue trabajado con gran detalle, de hecho tuvimos bastantes problemas para crearlo. La fotógrafa fue Lisa Spindler, es una fotógrafa muy icónica en Detroit, tuve la idea y llevó casi un año crearla, y realmente se trata de una foto muy simple. Pero es muy, muy compleja por la iluminación, es sugerente, lo que llevo puesto también es sugerente, la secreción también es sugestiva… Es el tipo de imagen que da una gran cantidad de información si la miras muy de cerca, pero a primera vista es aparentemente simple y eso es lo que estoy tratando de relacionar con la tecnología: parece simple, pero es muy complejo lo que hace en nosotros.

Como si nos controlara…

Sí, nos controla pero en realidad no parece que lo haga, y este control es algo que le pasaremos a nuestros hijos, y ellos podrán pasarles a sus hijos. Tener cierto control sobre la comprensión es crucial y bíblico, y en esta imagen lo podéis comprobar: ves a una persona con un traje muy apropiado o lo que sea, y está transmitiendo lo mismo que muchos de nosotros estamos sintiendo en este momento sobre este tipo de manipulación.

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JEFF MILLS En el álbum, las pistas reflejan experiencias humanas. En 'Hatsumi' encontramos el anhelo de los años que ya pasaron, pero siempre luchando por la innovación en nuestras vidas. En 'Vemillion' se refleja cómo la mente puede parecer a veces una jungla... ¿Te has inspirado en experiencias propias para crear el sonido de cada track? ¿Hay algo autobiográfico en estas historias?

Sí, por supuesto. De hecho, siempre hay una cierta cantidad de experiencias propias en cada álbum, pero en este las hay especialmente… debido a lo desordenado que está (risas). Me refiero a la inestabilidad del mundo en el que vivimos ahora mismo. La Tierra sigue girando, pero se siente como si fuera extraño, hay demasiada gente haciendo demasiadas cosas extrañas por razones extrañas.

Todo ello está teniendo un efecto en mí, en la forma en la que hago música y probablemente también en la forma en que la escuchas, en lo que recuerdas de ella y en cómo la usarás. Y así es. Es una cadena de conversación, una cadena de sentimientos que conecta a la gente.

Imagino que has notado que el templo de la música es lento, es muy lento, y eso —en mi opinión— remite a la idea de que es más serio, y necesito que el oyente lo escuche todo. Hay veces en las que la música oscila entre los 120 y 140 bpm, y simplemente pasa volando. Pero yo necesito que el oyente sienta y escuche todo lo que está ahí, porque esa es mi intención en realidad. Es importante consumir un bpm más lento también, y el álbum es eso. Hay temas muy interesantes y espero que la gente lo escuche.

Para cerrar, me encantaría saber — en referencia al álbum, sobre el concepto del mismo y sobre la historia que hay detrás de él—, ¿qué crees que puede hacer la sociedad para tener ese ‘control mental’, para redirigir su estado de ánimo y mantenerse menos ansiosos o confusos? O, ¿qué haces tú para lograrlo?

Lo cierto es que yo no puedo, me gustaría poder, pero soy una persona muy nerviosa (risas). Creo que es por eso que soy músico y lo único que puedo hacer es tratar de darle sentido poniéndolo en mi música. Déjame darte un ejemplo rápido: mucha gente piensa que estoy muy conectado con el tema del espacio, los viajes y cosas por el estilo. Y sí, eso es cierto, pero es mucho más profundo que solo eso. Lo que realmente estoy tratando de decir es que el mundo en el que vivimos ahora es solo un preludio de lo que está por venir.

Creo que la idea de no entender algo, no poder calcularlo, no poder explicarlo ni racionalizarlo, es algo a lo que deberíamos acostumbramos. Vivir con cosas que no tienen sentido es una de las mejores cosas que nos pueden pasar. Hablamos constantemente de ir a otros planetas, dejar la Tierra,… y es posible que tengamos que dejar este planeta en un futuro, los niveles del mar están aumentando y estamos perdiendo masa terrestre. Ahora, nosotros tenemos que sentirnos cómodos con la idea de sentirnos incómodos, aprender a vivir con eso y encontrar algo que pueda ayudarnos a lidiar con ello. Yo elegí la música.

Tú elegiste la música, y muchos de nosotros elegimos escucharla. Muchas gracias por tu tiempo, Jeff.

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FOTÓGRAFO: MANUEL OBADIA-WILLS

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FOTÓGRAFO: MANUEL OBADIA-WILLS

4.6 RITTER BUTZKE - BERLIN - GERMANY 5.6 SOLA FESTIVAL - KASSEL - GERMANY 17.6 OFF SONAR SPECIAL - BARCELONA - SPAIN 18.6 ABRACADABRA ELECTRONIC FESTIVAL - KLUSTERS - SWITZERLAND 23.6 MORGANA - NEW YORK - USA 24.6 ELECTRIC FOREST FESTIVAL - MICHIGAN - USA 01.7 BALATON SOUND FESTIVAL - BALATON - HUNGARY 03.7 SOPHIE - MALAGA - SPAIN 15.7 COLOURS OF OSTRAVA FESTIVAL - OSTRAVA - CZECH REPUBLIC 17.7 SEA YOU FESTIVAL - FREIBURG - GERMANY 30.7 MONEGROS FESTIVAL - FRAGA - SPAIN 05.8 PLAGES ELECTRONIQUES FESTIVAL - CANNES - FRANCIA 06.8 OURS - FRANKFURT - GERMANY 20.8 GALERIJA BELGRADE SERBIA 22.8 SONUS FESTIVAL - PAG ISLAND CROATIA 25.8 EL BAILE - PACHA - IBIZA 27.8 ZE MAMMA - PARIS - FRANCE 03.9 EL ROW TOWN - AMSTERDAM - HOLLAND 04.9 OCTAN - IBIZA -SPAIN 10.9 DECIBEL FESTIVAL - FLORENCE ITALY 17.9 NITSA - BARCELONA - SPAIN 21.9 PARADISE AT AMNESIA - IBIZA - SPAIN 24.9 FLASHFORWARD - CHARLEROI - BELGIUM

LILLY PALMER “NO QUIERO COMPROMETERME DEMASIADO CON UN SONIDO, ME GUSTA DEJAR ESPACIO PARA LA CREATIVIDAD” Autora: Patricia Pareja Casalí

Arrancamos el mes de junio con una invitada muy especial: Lilly Palmer. Nacida en Alemania, la artista se mudó posteriormente a Zúrich donde recibió grandes influencias de su escena underground. La electrónica cautivó rápidamente el corazón de Lilly, lo que finalmente la llevó a querer sumergirse de pleno en las líneas de bajo, los sonidos rave y las melodías intrigantes en lo que posteriormente se formalizaría en su carrera musical como DJ. El crecimiento de Lilly no se ha hecho esperar; sus sets han resonado fuertemente en la industria y sus actuaciones han generado gran demanda en los amantes de la electrónica más dura.

Afincada recientemente a las afueras de Ámsterdam —bien conocida también por su floreciente escena electrónica— Lilly afirma que está viviendo un sueño hecho realidad. Su carrera musical avanza sin descanso y ya ha lanzado en sellos como Senso Sounds, Octopus Recordings y recientemente ha lanzado su último EP ‘We Control’ a través de la reconocida marca de Adam Beyer, Drumcode. Además, protagoniza varios de los carteles de los mejores festivales y clubes del mundo —sin ir más lejos, el pasado mes de mayo la vimos romper la pista de baile de la mítica Amnesia Ibiza en el opening del club.

Os invitamos a descubrir a la alemana en una charla cargada de buena vibra, donde hablamos de su carrera musical, sus inicios en la electrónica, sus proyectos y lanzamientos, de su sello Spannung Records, de cómo se las apaña para encontrar un equilibrio entre su agenda y su vida personal, ¡y mucho más! ¡Hola Lilly! Es un placer tener esta charla contigo, estamos encantados de tenerte en nuestra portada de junio.

La temporada de Ibiza acaba de empezar y estás en el line up del Opening de Amnesia. ¿Cuáles son tus expectativas de la temporada tras los últimos dos años sin eventos en la isla?

Esa es una excelente primera pregunta para nuestra entrevista. Creo que los últimos 2 años han sido muy desafiantes para nuestra industria y más aún para un lugar como Ibiza. La isla vive en gran medida de que gran parte de la gente que se dedica a la música se reúna allí durante

el verano, ya que tienen lugar eventos increíbles en algunas de las discotecas más legendarias con los mejores DJs del mundo. Esto no ha sido posible durante dos años y creo que solo por eso las expectativas para esta temporada son enormes. Como bien dices, estaré pinchando en el Opening de Amnesia y eso aumenta enormemente mis expectativas. Me encanta la isla (¿a quién no?) y volver así y ser parte de ella es simplemente un sueño hecho realidad para mí. Creo que va a ser increíble.

Recientemente hiciste nuestra sección Lucky 7, donde te preguntamos por el tema que te recuerda a tu infancia y tu respuesta fue ‘L'amou Toujours’ de Gigi D'agostino. ¡Nada que ver con tu sonido de ahora! Cuéntanos, ¿cómo empezaste en la música electrónica?

Me crié en un hogar donde toda mi familia estaba loca por la música y mi padre era –y continúa siendo– un fan absoluto del metal, así que mi primer contacto real con la música fue el metal, y reconozco que todavía me encanta. Cuando tus padres te llevan a tus primeros conciertos siendo joven, naturalmente te deja huella y la música que me cautivaba por aquel entonces era del estilo de tracks como ‘L'Amour Toujours’, que ya no tiene nada que ver con mi gusto actual.

Cuando tenía 17 años, unos amigos me llevaron a un club techno en Berlín y me emocioné mucho. Para mí, existe una conexión entre el metal y el techno; esos ritmos rectos y despiadados con tanta fuerza me hacían olvidar todo lo que me rodeaba y me fascinaron, y tengo que admitir que me convertí en una verdadera raver, fui a los mejores clubes de distintos países y me llevó a decidirme por querer ser DJ y dedicarme a ello. Mi amor por la música me llevó a conocer a mi manager, con quien tuve una amistad durante muchos años antes de empezar a trabajar juntos. Él ya se dio cuenta de lo que la música significaba para mí y cuando volvimos a hablar de dedicarme a ello profesionalmente, me retó y me dijo que me lo gestionaría si le enviaba un DJ mix de 1 hora que lo dejara boquiabierto. Dicho y hecho, después de un tiempo tuve el mix que creí que podía ser el que lo cambiaría todo. Se lo envié, me llamó después y me preguntó "¿cuándo vamos a empezar a poner el mundo patas arriba?". El resto es una bonita historia.

ALEMANIA ES EL HOGAR DEL TECHNO 2 0 2

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“ALEMANIA ME HA INFLUENCIADO MUSICALMENTE COMO NINGÚN OTRO PAÍS” Naciste en Alemania, poco después te mudaste a Zúrich y ahora vives cerca de Ámsterdam. ¿Cuánto influyó tu Alemania natal en tu sonido inicial?

Los clubes de techno en Berlín —o los de mi región natal— son increíbles, como Rakete en Nuremberg. Para mí, Alemania es el hogar del techno, algunos otros DJs pueden no estar de acuerdo conmigo, pero la cultura rave de los años 90 -–de la que desafortunadamente no pude formar parte pero lo hubiera hecho de haber nacido por aquel entonces-– trajo el techno al mundo. También había el techno de Detroit, precursores en Bélgica y muchos otros más en desarrollo, pero por alguna razón para mí Alemania es el país de origen de la música electrónica, el lugar donde surgió el techno y, por lo tanto, Alemania me ha influenciado musicalmente como ningún otro país.

En el momento en el que te iniciaste en la industria de la música, empezaba a normalizarse que hubieran más mujeres DJs. Aún así, la escena todavía se estaba adaptando a ello, ¿sientes que tuviste más dificultades para crecer en la escena solo por ser mujer?

Empecé hace como 7 años, en aquel momento ya había un buen número de mujeres que estaban empezando a darse a conocer en la escena y, desde entonces, ese número ha aumentado considerablemente. Hay leyendas como Monika Kruse o Nina Kraviz que han existido durante muchos años y que han logrado carreras increíbles, así que creo que siempre ha habido grandes mujeres que han sido DJs durante mucho tiempo. Claramente, antes había un dominio más masculino y desafortunadamente hubo –y todavía hay– demasiados hombres a los que les sienta como un puñal ver a mujeres que se proponen tener éxito, y las miran con ojo crítico. Y luego también están los casos especiales de misóginos que esparcen odio, aunque al final es la envidia la que habla por ellos. Especialmente al principio, cuando empecé a adentrarme en la industria, tuve que escuchar cosas que eran tan insípidas que incluso me planteé dejar de pinchar, pero mi manager me apoyó y me preparó para todo ello. Hoy en día preferiría referirme a este período como un “contratiempo” en mi línea del tiempo. Por suerte, soy capaz de alejar ese tipo de cosas de mí con gran facilidad, al día siguiente simplemente me levanto de nuevo y no miro atrás. Lo que al principio era un obstáculo por ser mujer, con el tiempo se ha convertido cada vez más en una ventaja. Puede sonar un poco simple e incluso estereotípico, pero el éxito siempre es la mejor respuesta. Una vez lo has logrado y ya estás posicionada, los enemigos generalmente recurren a nuevas víctimas. Es un ciclo interminable y realmente estresante, pero algunas cosas son difíciles de cambiar. Por regla general, una mujer no le quita un booking a otra mujer, se lo quita a un hombre y entonces puedo entender que haya algunos compañeros que estén preocupados. Personalmente, realmente no me importa, juzgo a las personas y a los DJ por su carácter y por si me gusta lo que hacen, pero definitivamente no por su género.

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¿Cuáles son las lecciones o aprendizajes más importantes que has recibido al formar parte de esta evolución en la escena? Y con ello me refiero a una industria más inclusiva con más mujeres.

No creo que sean lecciones específicas de la industria. Las personas suelen ser quienes son, los que odian van a odiar y los que aman van a amar. Puedes hacer mucho por ti misma para ser capaz de afrontarlo; yo medito, hago ejercicios de respiración, salgo mucho al aire libre, hago deporte y también me tomo mi tiempo para desconectar por completo de todo. La música ciertamente define mi vida y es probablemente la parte más importante de ella, pero no lo es todo. Siempre debes ser fiel a ti mismo y no dejar que puedan contigo, pase lo que pase en este mundo loco. Lo hago porque tiene un significado para mí que es mucho más que querer tener éxito.

Has crecido enormemente en la escena y formas parte del line up de los festivales más grandes de la industria como Awakenings, Tomorrowland, Medusa Festival,... y recientemente también estuviste en el gran evento que elrow hizo en Madrid —la edición especial de elrow Town. ¿Cómo viviste la primera edición de este megaevento de la marca en la capital española?

Fue pura magia. Mi equipo y yo hemos sido grandes seguidores y fans de elrow durante años y nunca imaginé que alguna vez pincharía allí. Cuando confirmamos el booking, me puse a bailar de alegría en la playa cerca de nuestra casa. Todos estábamos muy emocionados y actuar allí fue una experiencia única e increíblemente formativa. El amor, la gente que trabaja para elrow, todos los detalles, la creatividad, cómo cuidan de su familia, los fans y los ravers, todo fue simplemente increíble y ahora formar parte de su line up una y otra vez me llena de orgullo. ¿Cómo consigues encontrar el equilibrio entre tu vida artística y tu vida personal? Teniendo en cuenta tu agenda, pienso que debe ser algo difícil…

Sí, de hecho no es fácil, pero soy muy organizada y tengo un gran equipo a mi alrededor, así que en los breves momentos que estoy en casa puedo relajarme bastante cuando no estoy ocupada respondiendo entrevistas, sentada en el estudio o haciendo otras cosas relacionadas con mi vida como DJ. Es un gran desafío equilibrar todo esto, pero hasta ahora lo he llevado muy bien, aunque no sé qué te diría si habláramos de este tema nuevamente después del verano tan ajetreado que tengo por delante (risas).

Recientemente debutaste en el sello Drumcode de Adam Beyer con tu EP 'We Control'. Todo el EP es bastante enérgico y lleno de sonidos rave. ¿Crees que hoy en día hay una tendencia general a que el techno sea cada vez más duro?

Sí, ahora mismo está emergiendo, pero siempre ha estado ahí.

Realmente no estoy muy de acuerdo con esa tendencia… Me encanta pinchar duro, pero también necesito variedad y algo diferente como ‘We Control’, por ejemplo. A veces, me gusta incluir acordes un poco funky, cambios de ritmo y luego otra línea de bajo con ritmos duros. No quiero comprometerme demasiado, me gusta mantener siempre un cierto espacio para la creatividad. Creo que ya puedes reconocer mi sonido, de hecho ahora mismo estoy sentada en el estudio con un gran hombre que me conoce bien en este sentido, Egbert. Con él no solo comparto mi vida, sino que también desarrollamos el sonido juntos en el estudio y me ayuda como productor, y continuará desarrollándolo conmigo en el futuro.

¿Cómo está siendo el primer feedback al pinchar el EP en tus actuaciones?

Siempre pruebo las primeras versiones antes de lanzar nada para sentir y comprender qué encaja y dónde podría haber margen de mejora. Así es como me abro camino hacia la versión perfecta para mí. Esto lleva más tiempo, por supuesto, pero en mi opinión merece la pena. Siempre hay cierta tensión cuando tocas un tema tuyo por primera vez. Te preguntas: ¿a la gente le gustará?, ¿dejarán de bailar?, ¿cuál será la reacción general?,…

Cuando al final te das cuenta de lo mucho que le gusta a la gente, sin duda es una sensación genial y sublime.

Has publicado a través de sellos como Drumcode, Senso Sounds, Octopus Recordings o SpaceMonki entre otros.

Además, tienes tu propio sello Spannung Records. ¿Cuál es la salud del sello? ¿Qué es lo próximo?

El sello es pequeño pero poderoso, nuestro objetivo es la calidad y no la cantidad. Lanzamos no más de 5 o 6 singles al año y acabamos de confirmar los lanzamientos del 7 al 10. Entre ellos se encuentra una melodía monstruosa acid de Frankyeffe llamada ‘Are You Ready’ a la que Adam Beyer ya le ha dado support, un número de un gran y emergente DJ en Berlín, otra melodía dura de Egbert y por último, pero no menos importante, una mía y con eso concluye el plan de lanzamientos para este año. ¿Y qué es lo próximo en tu trabajo de estudio? ¿Hay alguna colaboración en marcha?

Actualmente estoy trabajando en nuevas pistas para Drumcode y otra melodía para mi sello Spannung para 2023. Luego hicimos una edición de un clásico absoluto de techno que es una arma en mis sets. Veremos si lanzamos oficialmente la mezcla, me pondré en contacto con los chicos en breve. No está prevista ninguna colaboración en mi agenda en este momento, simplemente no tengo tiempo y prefiero concentrarme en mis propios lanzamientos. Una colaboración sería tal vez algo que me plantearía de cara a 2023, y en ese caso la verdadera pregunta sería… ¿con quién?

Muchos de nosotros, cuando intentamos desconectar, ponemos música. En tu caso, ¿cómo desconectas de la música?

Con largos paseos por la playa, paseos a caballo y, por último, pero no menos importante, practicando kitesurf.

Egbert y yo somos adictos a las cometas y tratamos de volarlas en todos los lugares donde estamos juntos.

“ME ENCANTA TOCAR EN FESTIVALES, LA ENERGÍA ALLÍ ES INCLUSO MÁS ABRUMADORA” ¿Prefieres tocar en un club cerrado o en un festival al aire libre? ¿Por qué?

Me encanta tocar en festivales, la energía allí es incluso más abrumadora que en los clubes, aunque nunca me gustaría perder la intimidad de un club. Al final, siempre depende de la noche o del show. elrow Madrid fue simplemente increíble y Mayday en Dortmund fue abrumador. Después de 2 años, montar una rave como esa de nuevo fue impresionante. De repente, una generación completamente nueva de ravers estaba allí después de un descanso de 2 años en Alemania, y lo estaban pasando en grande.

Disfruté ambos sets y ambos eventos fueron totalmente diferentes, pero increíblemente buenos al mismo tiempo. ¿Cuál ha sido tu lugar favorito, y dónde sueñas tocar y aún no lo hayas hecho?

Es muy difícil decir cuál ha sido mejor, creo que tendría que dar más de dos medallas de oro. En términos de actuaciones en clubes, tuve tantos buenos conciertos que es muy difícil destacar solo uno. Donde todavía quiero pinchar es cada vez más difícil de decir porque ya hay muchas cosas confirmadas. Ciertamente, en Timewarp (pincharé pronto para ellos), en Sonne Mond & Sterne no pude pinchar a pesar de que me llegó la solicitud porque ya estoy bookeada todos los días, así que espero poder ir el próximo año, y también en Kappa Music Festival y tal vez Space Miami. Si lo pensara un poco más podría decirte más lugares pero estos son los que me vienen a la mente ahora. ¿Qué podemos esperar de Lilly en los próximos meses? ¿Algún proyecto nuevo que no hayamos comentado? ¡Dinos! ¡Esta entrevista contiene muchos de mis próximos planes! Una cosa que me emociona mucho es hacer un Essential Mix de BBC Radio 1, ese siempre ha sido uno de mis mayores sueños y se ha hecho realidad, pero además de esto todo va tan bien de momento que tampoco me quiero pasar de la raya. Las cosas también necesitan tiempo para desarrollarse, así que por el momento todavía no estoy planeando en un álbum o en mi propia serie de eventos ;-) Muchas gracias por tu tiempo, Lilly. ¡Todo el equipo de DJ Mag España te desea lo mejor en tu próspera carrera musical!

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C O M U N I DA D E S D E N O S TA LG I A

MÚSICA AFRICANA QUE ATRAVIESA LA DIÁSPORA

Autora: Jessica Kariisa Traducción: Helena Bricio

¿Cómo resuena el auge mundial de la música africana para los artistas electrónicos en la diáspora?

Son tiempos muy emocionantes para quienes se inician en la música africana y para quienes ya la conocen, pero ¿cómo se sienten al respecto quienes se han criado y trabajan como artistas en la diáspora? En términos de producción y consumición, esta escena artística tiene un punto de vista único sobre este cambio cultural. Jessica Kariisa habla con Nazar, Hagan, Juba y Chief Boima y les pregunta: ¿Cuál es el verdadero significado de la música de "su tierra" hoy en día?

A principios de la década de 2000, en el balcón del segundo piso del mercado Bugolobi de Kampala había un pequeño y discreto tenderete. Estaba repleto de ordenadores, escáneres y otros aparatos electrónicos, y lo regentaba un joven que por un módico precio ofrecía servicios digitales al vecindario. A parte de su clientela habitual, había un buen número de emigrantes de Uganda que añoraban su país y que, cuando se acercaba la hora de marcharse al extranjero, le pedían a este hombre que les grabara CDs de música local para llevárselos a ciudades como Londres, Boston o Washington D.C. La música de estos CDs evocaba el calor de la nación ecuatorial durante el invierno, ponía banda sonora a las reuniones con sus compatriotas y educaba también a sus retoños (nacidos y criados “fuera") en aquella cultura que sus nombres y rostros delataban, pero con la que no tenían más que una conexión inestable.

Cuando pedían aquellos CDs, si no especificaban lo que querían, es decir, si pedían cualquier cosa que sonara en la radio ugandesa, podían acabar con un single de Rihanna o Sean Paul en él, robando un espacio precioso que podría haber sido ocupado por artistas locales como Bobi Wine, Jose Chameleone o Blu 3. Después de un agotador viaje a través del océano, lo último que querían escuchar era material radiofónico occidental: querían escuchar a la escena musical africana que sólo podían escuchar "en casa".

Hoy en día pedir un CD así sería curioso, por no decir ridículo. El acceso a la música africana se ha disparado en las dos últimas décadas: una visita rápida a Spotify o YouTube arroja innumerables listas de reproducción de música ugandesa organizadas por años y géneros. De la misma manera, la influencia de los artistas nigerianos arrasa en el pop mundial y el amapiano y el gqom sudafricanos en los clubes de todo el

mundo, haciendo que la visibilidad de la música africana alcance niveles insólitos en Occidente. El péndulo de la influencia cultural ha oscilado tanto en sentido contrario que si hoy se hiciera una mixtape de éxitos de la radio estadounidense, habría pop africano en ella.

Son tiempos muy emocionantes para quienes se inician en la música africana y para quienes ya la conocen.

Mientras que los primeros pueden disfrutar del vértigo del descubrimiento, los segundos pueden deleitarse con una voz experta. Ahora bien, ¿qué piensa la escena artística africana que se ha criado y trabaja en la diáspora? Esa nostalgia de aquel grupo que se apartó de la corriente principal, y que para muchos sirvió de influencia temprana, ha dado paso a un mundo en el que los ritmos africanos contemporáneos son omnipresentes. En términos de producción y consumición, esta escena artística tiene un punto de vista único sobre este cambio cultural. Por ello, hablamos con cuatro artistas de origen africano que viven y trabajan en la diáspora -Nazar, Juba, Hagan y Chief Boima- sobre la evolución de su propia relación con la música africana a lo largo de los años, sobre cómo ha afectado a su arte y qué significa para el futuro.

"Me inspiro en muchos países diferentes, no sólo los africanos, así que es difícil encasillarse, lo que el sonido siempre está evolucionando" - Hagan Un hilo viral en Twitter de una joven liberiana estadounidense de 20 años enumeró los éxitos del pasado que, como ella misma dijo, "tenían asfixiada a la comunidad africana". La lista estaba compuesta por clásicos subsaharianos que trascendieron las fronteras: “Premier Gaou" de Magic System (Costa de Marfil), "Karolina" de Awilo Longomba (República Democrática del Congo), "African Queen" de 2face (Nigeria) y "Vulindlela" de Brenda Fassie (Sudáfrica).

En la lista también había canciones liberianas y ghanesas que no tenían el mismo nivel de éxito panafricano, pero que resonaban dentro de las comunidades específicas en las que creció esta joven usuaria de Twitter. La viralidad del hilo (y el animado debate que suscitó para aquellas canciones que no se incluyeron) refleja la resistencia de las microcomunidades y la nostalgia que los adolescentes de la diáspora africana sienten por la música que nunca salió al extranjero.

El artista británico-ghanés Hagan, cuya música electrónica bassy ha sido publicada en sellos como Gobstopper y One Level, pudo acceder a esta música gracias a su tío. "Dentro de la comunidad ghanesa del Reino Unido, se le consideraba uno de los mejores DJs", dice.

"Se reunían para diversos eventos, como bautizos y cumpleaños, y él siempre tenía material musical fresco porque era la conexión entre los músicos ghaneses y los DJs de la radio. Yo absorbía esos sonidos aunque no quisiera".

A los 16 años, Hagan empezó a apoyar a su tío en las giras, haciendo breves pinitos como DJ por su cuenta. Este aprendizaje previo agudizó su comprensión del ritmo. Cuando empezó a hacer música ya como Hagan, la incorporación de los sonidos que escuchaba mientras era pequeño a los géneros que estaban floreciendo en Londres surgió de forma natural. "A lo largo de este periodo, fui construyendo y reforzando esa conexión entre algunos de los ritmos que escuchaba en la música ghanesa con la música nigeriana y otras músicas de África occidental", recuerda.

"Fui también a una iglesia ghanesa y muchos de los ritmos de allí eran muy parecidos a los que tocábamos en nuestras veladas y fiestas. Cuando estaba en la universidad y el UK funky estaba en auge, empecé a identificar los ritmos que escuchaba de niño en el UK funky. Quería añadir mi propio giro al género y ver si podía incorporar algunos de los elementos que escuchaba en mi infancia.”

Puedes escuchar ese esfuerzo en su EP de debut de 2011 “Deep In The Village”. En la última canción, "Talking Drum", las pistas de percusión se sitúan en bucles simultáneos: siendo uno de ellos de funky estándar del Reino Unido, y otro un bucle interior que rellena los espacios con cencerros y ritmos sincopados, llevando las innumerables influencias del género de vuelta a sus fuentes africanas.

"Cuando descubrí el kuduro y el kwaito, ya no sentí la necesidad de escuchar tanta música americana o europea. Me parecía una injusticia que el mundo entero no lo conociera. La música hecha por los artistas locales, con sus ritmos, era mucho más rica" Nazar La música africana proporcionó un sentido de comunidad y pertenencia a mucha gente, pero para algunas personas, el hecho de no poder participar en su propio proceso de descubrimiento no hizo más que aumentar la desconexión que sentían con el continente. Antes de la aparición de los servicios de streaming, las redes sociales y YouTube, la transferencia de la cultura a través de la música solía producirse a través de canales estrechos e ineficaces.

Había sonidos nostálgicos que transmitían los adultos, música que normalmente hablaba más bien a una generación mayor. Había intermediarios, como el tío de Hagan, que tenían líneas directas con las industrias musicales de su país. Sin olvidar el esfuerzo tan costoso que suponía viajar. Pero todas estas opciones requerían al menos un intermediario. Para cuando la música llegaba a los oídos de cualquier niño africano de la diáspora, los sonidos podían estar anticuados, o peor aún, la experiencia auditiva se limitaba a lo que el intermediario tuviera a su disposición, lo que aumentaba la desconexión.

El artista angoleño Nazar pasó gran parte de su infancia en Bélgica y recuerda muy bien esta desconexión. De niño, la música africana no le resonaba. "La música africana siempre sonaba de fondo, pero no me interesaba mucho, y mi relación con ella era bastante indiferente porque era joven y la asociaba con mis padres", nos cuenta. "A ellos les encantaba esta música, y yo no veía qué tenía de especial. A mí me ocurría lo mismo que a algunos franceses con Jacques Brel o la Variété Française. No lo veía como algo guay".

Hasta que Nazar no se trasladó a Angola a principios de la década de 2000, con 14 años, no empezó a verse reflejado en la música. "Cuando empecé a conocer la música de los adolescentes angoleños, fue cuando mi relación con la música africana empezó a ser más interesante, y me empujó a querer hacer música", subraya. Su álbum de debut en 2020 para Hyperdub, “Guerilla”, utiliza la música del kuduro para enfrentarse al recuerdo traumático de la guerra civil de Angola.

"Cuando descubrí el kuduro y el kwaito, ya no sentí la necesidad de escuchar tanta música americana o europea", continúa. "Sentí que era una injusticia que el mundo entero no lo conociera. La música hecha por los artistas locales, con sus ritmos, era mucho más rica".

"También hay muchos artistas que salen de África Oriental y que tienen un estilo de África Oriental, pero también un lado electro no orígenes y sus referencias, siempre se puede integrar eso con los polirritmos africanos" - Juba Cuando la tecnología GSM llegó a África a principios de la década de 2000, allanó el camino para facilitar el acceso a Internet y a los smartphones. En Nigeria los teléfonos móviles eran la principal vía para conectarse en 2010 y casi el 30% de las personas tenían acceso normal a Internet. El auge de los blogs musicales a mediados de la década de 2010 y el aumento del uso de YouTube fueron los primeros signos de un cambio radical para quienes escuchaban música africana en el extranjero.

En Londres y Nueva York, el azonto ghanés y el afropop nigeriano daban el salto digital a las costas occidentales más rápido que nunca. Con el tiempo, el acceso cambió rápidamente: se pasó de una canción o un álbum ocasional a un montón de álbumes y recopilaciones disponibles en servicios de streaming y sitios web.

La DJ británica-nigeriana Juba vive en Berlín. Comenzó su carrera pinchando afrobeats. "En 2009, 2010, cuando era adolescente, empecé a escuchar canciones como “Yahooze" de Olu Maintain, “Don't Dull” de Wizkid y “Dami Duro” de Davido", recuerda. "Escucharlos en la escuela, junto a mis compañeros de África Occidental, fue probablemente el momento más impactante para esa música, porque de verdad supuso una ruptura de esquemas. Por fin podíamos asociar un nivel de frescura con nuestras culturas que no pudimos hacer mientras crecíamos".

Una de las plataformas digitales más populares para la música nigeriana, la ya desaparecida iRocking.com, tenía un eslogan al principio de sus vídeos: "En cualquier momento, en cualquier lugar". Para los fans del afrobeats en la diáspora, a medida que la década de 2010 llegaba a su fin, esta afirmación no podía ser más cierta. "Después de la universidad, íbamos a fiestas de afrobeats en locales africanos", dice Juba, "pero ya podías entrar en un club comercial y escuchar que ponían 'Joanna' o algunas de las primeras canciones de Burna Boy. Fue entonces cuando me dije: 'Vaya, esto sí que está trascendiendo'".

"Por eso me metí de lleno en esta industria, porque encontré ese espacio y me dije: 'esto es algo precioso'.

Quería tomar el club del que era DJ residente y recrearlo en el resto del mundo" - Chief Boima Mientras tanto, en el underground, Chief Boima, un DJ sierraleonés-estadounidense, activista cultural y una de las mitades del dúo transatlántico Kondi Band, organizaba fiestas que unían los puntos de América Latina, el Caribe y África con los sonidos de los clubes de Estados Unidos y Europa. Se formó una escena con almas afines como DJ /rupture y Matt Shadetek -quien fundó el colectivo Dutty Artz, al que Boima está afiliado- y llegó a conocerse como "global bass".

Boima recuerda la sensación de asombro ante la velocidad del intercambio y su impacto en las escenas del extranjero. "Vi cómo se hacían cosas como el moombahton en Mauricio. Esa conexión directa estaba traspasando a su dancehall comercial", dice.

"Vi lo mismo en Brasil cuando vivía allí. De repente, alguna tendencia de Internet se orientaba hacia el funk local y era como, ‘¡guau! ¡Internet ha llegado a la vida real'. Fue sorprendente hace 10 años".

Aunque este intercambio aún no había llegado a los sonidos predominantes de EE.UU. y Europa, las semillas ya habían sido plantadas en la diáspora en escenas que empezaron en Internet como el global bass, el afrobeats y el gqom, ofreciendo un atisbo de lo que podría deparar el futuro.

Esta explosión de acceso reubicó la conversación en torno a la música africana desde los márgenes hasta el centro. La música nigeriana, la nación más poblada del continente, y en menor medida la sudafricana, ha dominado y sigue dominando el debate, pero, de manera panafricanista, también ha dejado más espacio a otros artistas de la diáspora.

Nazar es optimista respecto a la gama de posibilidades que tiene ahora la comunidad musical africana y espera ver una flexibilidad reflejada en su propio trabajo. "Siempre he visto la trayectoria de DJ Lag como algo inspirador. Admiro su profesionalidad, su ritmo de trabajo y que no tenga miedo de soñar a lo grande sólo por ser africano", dice. " Aunque haga música de kuduro, he hecho temas con [el artista sudafricano de gqom] Citizen Boy, y surgió de forma natural; sin que tuviera que pensar, 'oh, ahora estoy haciendo gqom'. Pero ya sabes, sigo soñando con poder hacer ritmos para raperos estadounidenses".

Nazar hace giras habitualmente por toda Europa. Ha compartido cartel con DJ Lag en dos ocasiones, la primera en el festival Unsound de Polonia en 2018. Más recientemente, tocó en el Festival CTM de Berlín este enero. Dicho esto, las especificidades culturales encarnadas en la música de Nazar a menudo se pierden en muchos oyentes no angoleños. Se ve obligado a dar más explicaciones de las que le gustaría.

"Tuve un concierto justo antes de la pandemia en Ámsterdam, en el que estuve hablando durante una hora antes", recuerda. "El mismo público acudió al espectáculo, y de hecho fue uno de mis mejores espectáculos, porque siento que por fin pudieron entender todo el asunto. No me gusta mucho hablar de mi obra -siempre he querido ser uno de esos artistas en los que el arte habla por sí mismo-, pero siento que sigue siendo necesario que exprese lo que hay detrás."

A Boima no le preocupa demasiado la falta de especificidad en el mainstream, siempre y cuando exista un underground saludable.

"Nosotros, como humanos, creamos la singularidad en nuestras conexiones personales e íntimas, y creo que los clubes lo permiten", dice. "Por eso me metí de lleno en esta industria, porque encontré ese espacio y me dije: 'esto es algo precioso'. Quería coger el club del que era DJ residente y recrearlo en el resto del mundo".

Juba, cuyo trabajo como DJ se ha inspirado últimamente en el techno, considera que el ascenso de los géneros sudafricanos es una forma eficaz de establecer conexiones entre los afrobeats con los que creció, los sonidos africanos más de nicho y los géneros electrónicos americanos y europeos a los que está expuesta regularmente.

Explora estos hilos y sus vínculos en su programa de radio mensual Afroelectronik en Cashmere Radio.

"Creo que mi música se ha vuelto un poco más oscura", dice. "Al vivir en Berlín y frecuentar la escena de clubes, he empezado a incorporar más sonidos acid y house a mi música. De este modo, los géneros puente perfectos suelen ser el amapiano, el gqom, el kuduro o el house afroangoleño. También hay muchos artistas procedentes de África oriental que tienen un estilo de África oriental, pero también un lado electro no específico del género", continúa. "Por sus orígenes y sus referencias, siempre se puede integrar eso con los polirritmos africanos".

Si la especificidad cultural es un objetivo viable para el underground, la capacidad de moverse sin una etiqueta más limitante que la de "pop" es lo que Hagan ve como el futuro de gran parte de la música africana transfronteriza. Esto permite que artistas como él puedan relacionarse más libremente con sus variadas influencias, en lugar de quedarse limitados a lo que una persona en el poder haya decidido que significa que la música sea o no sea africana.

"Quieres que alguien escuche tu música y diga: 'Sí, esto es un sonido Hagan', no 'Esto es afro-lo que sea'", dice. "Me inspiro en muchos países diferentes, no sólo en África, así que es difícil encasillarse, lo cual es bueno, porque significa que el sonido siempre está evolucionando".

El trabajo más reciente de Hagan, el EP de cuatro pistas 'Forward Focus', se publicó el pasado octubre, y tiene prevista nueva música para este verano.

En 2018, Spotify entró en algunos países africanos: Sudáfrica, Marruecos, Egipto, Argelia y Túnez. En octubre de ese año, también lanzó el Afro Hub, donde se organizaron todas sus listas de reproducción de música africana contemporánea, incluyendo African Heat ( la más popular), una lista de reproducción de "clásicos" y una serie de listas regionales y de géneros específicos como Bongo Flava de Tanzania y Afro R&B.

En la actualidad, la página tiene el mismo formato. Hay una lista de reproducción de amapiano y gengetone de Kenia en la parte superior, pero también hay adiciones más esotéricas: una llamada Gone Abroad, otra titulada Internet Famous. La primera incluye al nigeriano CKay, el favorito de TikTok, y, curiosamente, a DJ Snake; la segunda tiene la sencilla descripción "iykyk" -if you know, you know - (“sí lo sabes, lo sabes”).

A finales de 2021, Spotify se había introducido con éxito en otros 40 países africanos, lo que sitúa a la empresa sueca en menos de 10 países para su omnipresencia en el continente. Al escuchar su lista de reproducción Radar África, en la que se destacan "los nuevos artistas más interesantes del continente africano y la diáspora", llama la atención lo similar que suena todo.

Fuera de los idiomas nigeriano y sudafricano, predomina el inglés, y la gama de géneros es limitada. En lugar de mostrar la diversidad del continente, parece que está más enfocada a mostrar cómo diferentes partes del continente pueden sonar igual, o al menos evocar el mismo estado de ánimo.

La cara oculta de un mayor acceso y visibilidad es que, cuando choca con una economía impulsada por los beneficios, las comunidades se convierten en mercados. La escucha se convierte en "compromiso", una métrica entendida a través de vistas, seguidores y comentarios. La conexión con nuestra cultura musical pasa a ser mediada por una corporación que busca más suscripciones de pago, en lugar de por personas que conocemos.

"Es una nueva forma de explotación", nos dice Boima. " El método antiguo consistía en que un hombre blanco de clase media, en el que confiaban los hipsters con ingresos disponibles en el Norte Global, se posicionaba como una autoridad y decía: 'Boom, esto es genial', y explotaba. Pero ahora, la gente sube la música por sí misma. El intermediario queda fuera de juego. Las formas de explotación se han transformado a lo largo de los años, pero siguen siendo fundamentalmente una cuestión de imperio, de supremacía blanca y de capitalismo".

Incluso en lo que respecta a ganar dinero, la distribución dista mucho de ser equitativa. El coste de los datos en el continente sigue siendo prohibitivo. En 2019, en América 1GB de datos representaba el 2,7% de los ingresos de una persona en promedio. En toda África, esa cifra se disparó hasta el 8%. Lo que llamamos visibilidad en el escenario global se limita a los privilegiados que pueden permitirse suficientes datos de forma regular para subir su música, grabar vídeos y viajar al extranjero.

Para los artistas africanos de la diáspora, estos retos no tienen por qué ser desalentadores. Pueden ser oportunidades para tender puentes. Nazar reconoce su privilegio, pero se siente esperanzado de que pueda tener un efecto positivo en el panorama musical.

"Tener un pasaporte europeo ha tenido un profundo impacto en mi carrera", dice. "Puedo estar presente en los espectáculos, mientras que muchos de mis compañeros en África están atascados con problemas de visado y todos estos obstáculos. No siempre es porque no tengan los medios.

"Tampoco han pasado suficiente tiempo en Europa como para conocer las discográficas y cómo funciona la industria", continúa.

"Como crecí idolatrando a los artistas que siempre tenían estos espectáculos por todo el mundo, y se hicieron grandes sin comprometer su arte, quiero intentar hacer lo mismo con el kuduro.

No podemos estar todos en la misma categoría, pero todos somos artistas africanos".

Si algo queda claro en este momento es que, por mucho que cambie, el espíritu de la comunidad sigue vivo para los africanos de la diáspora, en busca de un trozo de hogar.

La música electrónica

COMO BANDA SONORA DE CAMBIOS SOCIALES Autora: Caterina Günther

Como profunda amante de la música y todo lo que la envuelve, varias veces me he preguntado cuál es su verdadero valor y por qué siempre hemos estado tan ligados a ella desde tiempos ancestrales. La música como expresión artística tiene una gran influencia en nosotros: puede sanar, estimular la reflexión, educar, derribar fronteras y reconciliar. Si esto lo extrapolamos a nivel grupal, ¿puede la música ayudar a que se produzcan cambios a nivel colectivo? Ha habido muchos casos a lo largo de la historia en los que la música ha sido una herramienta de transformación social, demostrando su poder de unión entre personas, convirtiéndose en un recipiente artístico para expresar emociones cuando las palabras no son suficientes. El cambio social provocado por la música a lo largo de los siglos ha movido gobiernos e impulsado revoluciones, ya que a través de esta forma de arte se puede lanzar un mensaje profundo y propagarse de manera más fácil entre las masas.

En el caso de la música dance se vuelve más evidente cuando, desde sus orígenes, los valores que ha promovido son los del amor, la inclusión, la felicidad y la unidad. La primera escena de club que se creó gracias a los partygoers, artistas y promotores colocaron la música en el foco principal de lo que estaban construyendo, convirtiéndola en una fuerza de unión que creaba un espacio seguro para todo el mundo sin importar la raza, sexualidad, edad o género.

El nacimiento del techno en Detroit y la comunidad afroamericana, 1980.

DETROIT

La música dance nunca ha estado desvinculada de la política, de hecho, los inicios del techno surgieron como una necesidad de acción contra el declive y la decadencia de Detroit y como un subproducto y forma de protesta de la lucha afroamericana. Aunque hoy en día el techno pueda parecer un fenómeno asociado con Europa y caracterizado por el hedonismo y el disfrute, sus raíces están impregnadas de protesta negra y de una complicada situación en Detroit 40 años atrás.

El surgimiento del techno fue en el contexto de una ciudad postindustrial donde la industria automovilística había sido destruída, además de la fuga de Motown Records a Los Ángeles, cuya mudanza confirmó el declive cultural de la ciudad en esos años.

Fue en este momento cuando los creadores del Detroit Techno, los pioneros Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson ‘The Belleville Three’, armados con cajas de ritmos y con una profunda admiración hacia las aportaciones Kraftwerk y Funkadelic, se vieron obligados a explorar nuevas vías sonoras, a la vez que utilizaron la música como herramienta de liberación.

techno

Así como el actual movimiento Black Lives Matter articula una agenda de cambio para redirigir los recursos hacia políticas más constructivas, la música y la cultura creada por el techno de Detroit en los años 80 tenían como objetivo desmantelar las estructuras coloniales y empoderar a la comunidad afroamericana y latina a reivindicar sus derechos a través del clubbing, el techno y el house.

La trinidad del techno de la segunda ola de Detroit fue el colectivo musical y sello discográfico Underground Resistance, probablemente el afloramiento político más militante del techno moderno de la ciudad michiguense. Con una estética musical grunge y una estrategia musical anti-mainstream, UR –la abreviación del grupo– tuvo mucho peso en la promoción del activismo político en el 1989.

Formado en sus inicios por Mike Banks, Jeff Mills y Robert Hood, Underground Resistance adaptó el empuje del techno pionero de Detroit a las circunstancias sociopolíticas del momento dando paso a una música más orientada hacia la consciencia y el cambio.

La política de identidad de UR se podía entender mejor como un intento de restablecer la lealtad con las comunidades afroamericanas de los barrios marginales, a la vez que promovía identidades políticas y culturales que explícitamente iban más allá de la etnicidad.

La cultura del ballroom, la música house y el colectivo queer, 1960 — Actualidad.

Otro fenómeno impregnado de activismo y acompañado de baile y música fue la aparición de la subcultura del ballroom, un entorno en el que a través de la música house se celebraba la diversidad sexual y el empoderamiento de todas las razas señaladas dentro de una época donde el racismo y la xenofobia estaban muy presentes en la sociedad americana a los años 60 y 70. De esta manera, los ballrooms se convirtieron en un refugio para la comunidad LGTBI y ayudaban y enseñaban a las comunidades marginales a sustituir la autopercepción de culpa y vergüenza por sentimientos de orgullo, dignidad y aceptación.

El baile que crearon fue el voguing, caracterizado por pases de baile inspirados en las modelos de la revista Vogue y en el antiguo arte egipcio y africano. La música que sonaba en estas batallas queer era mayoritariamente house y disco que sonaba en las pistas de baile de clubes como Paradise Garage o The Shelter.

Así pues, los voguers bailaban al ritmo de canciones con hi-hats y sintetizadores muy marcados, a la vez que se liberaban de todos los prejuicios y escapaban de sus etiquetas.

Más que una simple banda sonora de acompañamiento, los tracks de house fueron una parte integral de la creación de estas elaboradas actuaciones. Mientras los participantes se reunían en los clubes nocturnos, los DJ combinaban su selección musical según la categoría de la noche, aunque todos los himnos que definen el ballroom son mucho más que hits, sus mensajes glorificaban el espíritu de la feminidad y la sensualidad.

“Es más que música, es una actitud”, explica Niall Connolly, un DJ de ballroom del Reino Unido. “La sociedad dice que no vales nada, pero la música dice lo contrario, eso te hace saber que no estás solo”. Algunos de los tracks que marcaron este movimiento social fueron ‘Love is The Message’ de MFSB, ‘Love Hangover’ de Diana Ross, el clásico ‘Can You Feel It’ de Mr. Fingers, ‘Fly Life’ de Basement Jaxx o el icónico track de Fast Eddie, el primer productor de house de Chicago, ‘Let’s Go’, producida en 1989.

El papel del techno en la reunificación del pueblo alemán, 1989.

Detroit fue la ciudad donde nació este estilo, pero Berlín es ahora conocida como la capital mundial del techno, ya que tomó este estilo musical y lo incorporó en su cultura emergente en los años 90. Nos remontamos a los años 80 cuando se creía que Berlín no tenía futuro, donde la escena musical era radical y muchos artistas sentían que no encajaban en la sociedad. Durante años, los grandes edificios abandonados que fueron destruidos en la guerra permanecieron vacíos, fue allí cuando los jóvenes seguidores de la música electrónica tuvieron una oportunidad de prosperidad. En estos edificios desalmados fue donde empezaron a organizar fiestas ilegales, dando lugar a un movimiento clandestino en el que las fiestas y venues se iban difundiendo con el boca a boca.

En ese momento el ‘raving’ era ilegal. Nadie tenía derecho a reunirse para bailar y escuchar música. Parece una pesadilla, ¿verdad?... Pero es lo que aquella generación tuvo que vivir. La música techno se consideraba política, y también se decía que iba en contra del sistema, por eso la mayoría de clubes no tenían licencia ni contratos. Aun así, la gente se reunía y montaban fiestas de varios días en entornos industriales donde, básicamente, no había reglas.

Los años anteriores a la caída del muro, la radio de la Alemania Oriental se censuró, obligando a los jóvenes a acercarse al muro donde allí podían -si tenían suerte-, captar señales de radio de las ondas de la Alemania Occidental. Eso creó una división durante años no solo física, sino también cultural. Con la caída del muro, los años de represión soviética dejaron una sociedad con ganas de libertad y diversión y muchos edificios administrativos vacíos, en los que la música techno jugó un papel fundamental en la unión de las dos Alemanias con movimientos como la legendaria Love Parade.

Al derrumbarse el muro, los alemanes orientales ya eran libres de asistir a las fiestas de techno, así que empezaron a transformar los edificios industriales en verdaderos clubes de baile, muchos de ellos considerados hoy en día mecas del techno.

Con el tiempo, la escena clubber en Alemania empezó a regularse, dado que el Gobierno vio el potencial turístico y de ingresos para la ciudad, brindando apoyo y permitiendo que el negocio tecnológico de la ciudad creciera más rápido que en otros países. Para potenciar todavía más la escena nocturna berlinesa, el gobierno alemán eliminó los horarios de cierre –las fiestas duraban días y días–, o los dresscodes, es por eso que todavía hoy existen clubes con este concepto, como por ejemplo el mítico club KitKat. A finales de la década se celebró en la capital alemana la primera Love Parade. Nació como una especie de movimiento político en el verano del 89, organizado por Matthias Roeingh –también conocido como Dr. Motte–, un DJ de la escena underground berlinesa que quería utilizar el lenguaje internacional de la música como un medio para difundir la paz y el amor.

Este evento hizo que, a través de la música techno, se unieran Oriente y Occidente y se sintieran conectados otra vez.

No solo jugó este papel de reunificación el Love Parade, también hubo una serie de clubes que fueron muy importantes en ese momento crucial. Uno de ellos fue el Tresor, que acogía a jóvenes de la Alemania Oriental y Occidental y allí tenían su espacio de reunión para bailar y disfrutar. Allí se demostró que en las pistas de baile era el lugar donde más conectaba la gente cuando la política no podía. De esta manera, el impacto del techno y la caída del muro de Berlín fue enorme. De hecho, el techno no gozaría de esta popularidad hoy en día sin la caída del Muro. La imagen propia entre alemanes había cambiado de forma drástica, así como la percepción del país a ojos del mundo. Ese momento ayudó a que se dejara de relacionar Alemania con la Segunda Guerra Mundial y pasó a relacionarse, en gran medida, con la Love Parade.

LOVE

Second Summer Of Love, 1988 En 1967 fue cuando el Summer of Love original tuvo lugar. Dos décadas más tarde, en el verano del 88 nació un movimiento en el Reino Unido que se extendería hasta el 89, un movimiento a través del cual los jóvenes británicos se expresaron a través del sonido del acid house. Con influencias de Detroit, Chicago, Alemania e Ibiza, el movimiento rave internacional en UK lo hizo suyo redefiniendo la vida nocturna de las generaciones más jóvenes.

El Second Summer of Love apareció en un entorno económico desfavorable en el que la industria textil de Gran Bretaña se había paralizado por completo obligando a muchas fábricas y almacenes a cerrar. Estos venues se convirtieron en sitios ideales para organizar fiestas ilegales donde el foco principal se centraba en los nuevos sonidos que se estaban gestando en la era rave y el consumo de sustancias, principalmente el éxtasis. En esa época, esta nueva droga fomentaba un espíritu de amor, comunidad, respeto y euforia. Uno de los aspectos más positivos que tuvo este cambio en el comportamiento de los jóvenes respecto a la fiesta fue la unión en la sociedad; no había sentido de división por clase o raza, todos estaban unidos a través del amor por la música, el baile y la diversión. En estas reuniones ilegales en los warehouses, miles de personas se movían en sincronía como un engranaje perfecto.

"El tema de las raves era realmente importante: los punks, las pandillas de hooligans, los skinheads, los rockabilly… las raves borraron todo eso. Las raves eran una locura, había un gran nivel de libertad. Solía pararme delante de los warehouses sintiendo lástima por la gente que no estaba allí para presenciarlo o ser parte de esa revolución absoluta”, explica Gavin Watson, fotógrafo del movimiento rave. ”El rave era más punk que el punk, porque los jóvenes ni siquiera pensaban en violar la ley, solo querían bailar. El espíritu era increíble”.

Las fuerzas autoritarias y leyes del Reino Unido pusieron trabas a las discotecas y clubs nocturnos, lo que favoreció la demanda de ravers que querían seguir disfrutando de la libertad y del espíritu del amor. Esta intensidad que se vivió a lo largo de esos dos veranos se rebajó en el momento en que el gobierno de ese momento empezó a tomar medidas drásticas para terminar el auge de fiestas sin licencia.

A esto se le sumó un gran número de muertes relacionadas con el consumo de drogas, que dio lugar a la aparición de nuevas leyes de justicia penal en 1994.

Hoy en día todavía se puede sentir el impacto del Second Summer Of Love con el auge de la música electrónica y los grandes festivales alrededor del mundo, aunque muchos puedan pensar que el espíritu rave se haya perdido a causa de la gran comercialización de la música dance.

Y es que no hemos de olvidar que la escena electrónica nació a raíz de la necesidad de crear comunidad para un grupo de personas y colectivos marginales, con el objetivo de darles un hogar independientemente de sus orígenes y sexualidad. Así nació y así seguirá el espíritu de inclusión con el que se fundó este género musical, que seguirá brindando una oportunidad para sentirse parte de una familia en la que se respetan todas las diferencias entre iguales.

DESPLIEGUE MASIVO DE ELECTRÓNICA EN JUNIO CON OFFSÓNAR 2022 ¡Ya está aquí uno de los eventos más esperados del año! ¡Y qué ganas teníamos de que volviese!

Junio es uno de los meses favoritos para los amantes de la electrónica, y no es de extrañar que Barcelona se llene de fans incondicionales de la percusión más eléctrica para uno de sus eventos estrellas: el OFFSónar.

Durante cuatro días la Ciudad Condal será testigo del despliegue sin contemplaciones de la nueva edición que OFFSónar tiene preparada. Como complemento ideal al Sónar Festival, del 16 al 19 de junio se espera que Barcelona vuelva a vivir una semana musical que la posicione como una de las ciudades claves en el panorama electrónico internacional.

Con una elaborada selección de innovadores sellos discográficos, marcas y sesiones innovadoras del ocio y la cultura electrónica, OFFSónar presenta su formato festival “boutique” y dividirá su programación en tres espacios arquitectónicos dentro del Poble Espanyol; cada uno con una personalidad distinta que acogerá propuestas acordes a ella.

Circoloco da el pistoletazo de salida a la nueva edición de OFFSónar, abriendo el festival el próximo jueves 16 de junio. La marca y sello ibicenco tomará la Plaza Mayor. Por otro lado, ese mismo día, el sonido clásico del house de Detroit retumbará en la zona del Monasterio junto a la leyenda viva de la ciudad del motor, Carl Craig. Pero como era de esperar, OFFSónar no se contenta con dos propuestas

y saca su as para el escenario Carpa & Picnic, cuya cabina estará capitaneada por la artista belga Amelie Lens, presentando su sello que nunca duerme, Exhale.

OFFSónar Special tendrá lugar el próximo viernes 17 de junio en la Plaza Mayor y traerá consigo a dos de los nombres más esperados de la escena, Paul Kalklbrenner y Boris Brejcha, que estarán acompañados del directo de la multiinstrumentista Giorgia Angiuli y la artista alemana Ann Clue, siempre con un ojo en las técnicas más experimentales en sus sets cargados de energía. Damian Lazarus y su sello discográfico Crosstown Rebels llega por primera vez con su evento GET LOST, que debutará en Europa y se podrá disfrutar entre el Monasterio, Carpa & Picnic y la zona de la Terrrazza como novedad.

El séquito de fans de Adam Beyer estará contento al saber que el DJ y productor suizo estará con su sello Drumcode el próximo sábado 18 de junio en la Plaza Mayor. En line up que el famoso sello ha configurado para la cita promete cumplir con las expectativas de quienes disfrutan de las melodías vertiginosas y aceleradas, pero de momento tendremos que esperar un poco más para descubrir qué artistas harán que desgastemos nuestras zapatillas.

Ese mismo día se podrá disfrutar también del retorno de un evento curado por Storytellers presentando: WooMooN y Storytellers con actuaciones en directo y una puesta en escena que te hará entrar en un mundo paralelo mágico en la zona del Monasterio y Carpa & Picnic.

Si tres noches de electrónica sin parar te saben a poco, OFF Sónar ha preparado un cierre monumental para el domingo 19 de junio.

Así que no nos extrañaremos si sucumbes a la tentación cuando leas que todo el Poble Espanyol estará capitaneado por INNERVISIONS, el sello fundado por fundado por Steffen Berkhahn –conocido popularmente como Dixon–, Kristian Rädle y Frank Wiedemann. OFF Sónar cerrará con una gran selección de artistas del sello que ofrecerán sus sonidos innovadores y futuristas.

El programa entero de eventos ya ha sido revelado en las redes para esta edición de OFFSónar 2022, y los tickets ya están a la venta en la plataforma Resident Advisor.

A día de hoy, los eventos Circoloco y OFFSónar Especial ya han colgado el cartel de Sold Out, así que si todavía no tienes tu entrada para el resto de eventos, ¡hazte con la tuya antes de que se agoten!

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Ubicación: Poble Espanyol, Barcelona Fecha: 16, 17, 18, 19 de Junio 2022

CRÓNICAS

IN THE PARK MADRID, ÉXITO ROTUNDO CON EL MAESTRO GARNIER

La cuarta entrega de Brunch -In The Park Madrid fue uno de los eventos más destacados en esta primavera en la capital Autor: Gonzalo Gil Fotografías: Elena Blanco

Brunch -In The Park Madrid ofreció al público de la ciudad de Madrid uno de los eventos que se recordarán durante mucho tiempo. Se palpaba en el ambiente que iba a ser una cita que nadie quería perderse, buena prueba de ello es que a falta de poco más de una semana ya habían colgado el cartel de Sold Out por cuarto domingo consecutivo.

Admirable gestión por parte de todo el equipo que conforma Brunch In The Park. El día comenzó con una temperatura muy agradable, un sol suave que permitió que se pudiera disfrutar desde primera hora.

La programación para este ofreció una evolución exquisita, de menos a más para concluir con la más que esperada visita del maestro galo.

GELA Nos invitó a comenzar con ritmos relajados perfectamente encajados para la primera hora del Brunch -In the Park Madrid. Una sesión con mucho sentido, tanto por localización como por horario. Saber estar y saber hacer.

MOXIE Al igual que Gela supo reconocer el momento en el que debía realizar una transición para pasar al siguiente nivel. Supo coger el testigo con clase y llevar la coherencia de muy buena manera. Fresca y alegre, perfecto para una tarde de Brunch -In the Park Madrid en el Real Jardin Botánico Alfonso XIII.

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PEREL La alemana se metió al público en el bolsillo desde los primeros instantes de su actuación. Para algunos era la primera vez que la veíamos actuar y nos encantó. Sumado al plus en los momentos en los que micro en mano soltó algunos de sus nuevos singles recientemente publicados en el álbum, ‘Jesus Was An Allien’, para el mítico sello Kompakt. ¡ESCANEA EL QR PARA DISFRUTAR CÓMO FUE PEREL EN BRUNCH-IN!

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LAURENT GARNIER Todo lo que podemos decir de esta mítica leyenda es poco, desde el primer momento arrancó como un trasbordador hacia el espacio.

Sin parar de moverse, sin parar de bailar, su energía se transmitía a borbotones. Ecléctico, melódico emocional y sobre todo pistero.

Con un set de tres horas muy al estilo Garnier, levantó a todo el público en repetidas ocasiones. Una auténtica gozada poder disfrutar de este artista en Brunch In The Park Madrid.

MADRID

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Una de las mejores noticias que nos deja este evento es que esto no quedó aquí. El pasado fin de semana domingo día 22 de mayo en una nueva localización, parque lineal del Manzanares, Brunch In The Park Madrid nos invitó a disfrutar de Dixon, Mano Le Tough, Lola Haro y Lidia de Nova.

Brunch no falla y esta temporada nos tiene preparada una programación exquisita tanto en Barcelona como en la capital, en Madrid.

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BARCELONA

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Primera Edición de Mostra Barcelona Autora: Helena Bricio Fotos: Elena Blanco, Jordi Vidal, Paquito Pizarro, Studio XXIX, Sub Radio, Toni Rosado, @dontlikephotos

Las primeras ediciones de un festival siempre son especiales, sobre todo cuando se trata de proyectos promovidos por organizaciones cuyo trasfondo está cimentado en el respeto hacia la música y hacia las diversidades que conviven en la escena electrónica. El manifiesto de Mostra Barcelona estaba claro desde el primer momento: "construyamos desde la pista de baile un cambio en la escena. No toleraremos ningún tipo de actitud sexista, homófoba, tránsfoba, queerfoba, racista o gordófoba.”

Pero… ¿de dónde sale Mostra Barcelona? Con el firme objetivo de hacer escena en Barcelona, Mostra nace durante el periodo del confinamiento por el COVID-19 siendo seleccionado como uno de los proyectos finalistas del programa CREAmedia de Barcelona Activa de 2021. Para Mostra la nueva normalidad de los festivales no puede ser la normalidad que ya conocíamos; los pilares deben ser la cooperación y la creación de comunidad, apostando por lo local, la inclusividad y la sostenibilidad. Además, detrás de los hilos que mueven Mostra está un grupo de profesionales con trayectorias diversas pero involucradas en la escena de la música electrónica y cultural de Barcelona, implicadas en proyectos como Paral·lel Festival, EMMA, Calma, Sónar+D, Fab Lab, Comissió Nocturna, Cross Club, Nero Club, hidden traffic, Dust Trax, Vanity Dust, The Garage of The Bass Valley, Independent Beats u Ona de Sants.

Con semejante carta de presentación no se podía hacer otra cosa que viajar hasta Barcelona en Semana Santa, del 11 al 17 de abril, para experimentar de cerca el espíritu que Mostra había estado cultivando durante los últimos meses de trabajo. Además, Mostra había guardado silencio para no desvelar su ubicación, y no se supo hasta un par de meses antes que Hangar -un centro abierto para la investigación y la producción artística- y el Castillo de Montjuïc serían los espacios que acogerían las jornadas del festival. Dos localizaciones, cuatro días, 26 artistas y más de 35 horas de música que no nos íbamos a perder.

El lunes 11 comenzaban las jornadas gratuitas Mostra’m, con talleres y charlas promovidas por diferentes colectivos y personalidades vinculadas a la escena electrónica de Barcelona.

En este primer encuentro pudimos disfrutar de un taller de

Fotografía: Paquito Pizarro

customización de carteles con el apoyo de L’Automàtica, colectivo de diseñadores gráficos, poetas, artistas e ilustradores de Barcelona agrupados y agrupadas en una asociación cultural autogestionada. El Observatori Contra l’Homofòbia organizó una mesa redonda el martes 12 con el objetivo de visibilizar y denunciar la LGTBI-fobia en Cataluña junto a artistas como Anika Kunst, Friedriich, Isamit Morales o Rebel Bunnie. Por último, el miércoles, Mostra ofreció una charla-taller conducida por Simon Lee, fundador de ReRoot, enfocado en sostenibilidad donde se exploraron distintas iniciativas sostenibles.

Tras esta primera toma de contacto y espacio para la reflexión e intercambio, nos adentramos de lleno en las actuaciones musicales del jueves en Hangar, en su Sala Ricson, donde el impecable sonido y la oscuridad casi total creaban el espacio perfecto para promover la escucha. El viaje al infinito pilotado por D.Humo durante dos horas abrió la tarde, impulsado por una banda sonora sideral con temas que nos transportaban a otras galaxias como ‘Lucidity' de Lucid Dreams (Astral Industries) o ‘Virgo Rebellion’ de Caterina Barbieri. El viaje cósmico nos allanó el terreno para quedarnos en hipnosis durante el directo de Nueen, cuyos vocales iniciales nos incitaban a esa constante repetitiva de la que bebe la electrónica, acompañada de latigazos ácidos y entradas y salidas a espacios más rítmicos y progresivos para volver al punto de partida, la repetición constante. La noche se cerraba con la mesa llena de cables y sintetizadores modulares para la esperada actuación en directo de LF58 (Filippo Scorcucchi, Neel), quienes nos mantuvieron en un bucle cavernoso, oscuro y oscilante.

El viernes la Mostra comenzaba al mediodía con el set onírico de Nono. Durante dos horas presentó una selección de temas protagonizados por voces arrulladoras como las de Kajsa Lindgren en ‘Korall’ o las de Ana Roxanne en ‘Immorality’, que abrieron paso a los espacios acuosos y exploratorios que Timnah Sommerfieldt había preparado para su relevo de la Sala Ricson. La mañana se cerraba con el directo de Perila, acompañándose de su propia voz para crear capas de sonido que se superponían en una línea sonora ambient edificante y oceánica.

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El sábado, Mostra se despedía de las mañanas en Hangar apostando por dar espacio a distintos colectivos, sellos, artistas, coleccionistas y tiendas de vinilos en “La Fira”, un mercado del vinilo de acceso gratuito.

Una vez más, durante toda la jornada hasta las 17:00 la Sala Ricson de Hangar acogió sesiones como la de Balmat DJs (Wooky + Philip Sherburne) y los directos de Ylia y LOG (Perila y Ulla Strauss). Cabe destacar que los artistas Héctor López, Ferran Belmon y Marta Ghrtsa llevaron a cabo los visuales en Hangar de la primera edición de Mostra.

El impresionante Castillo de Montjuïc con sus imponentes vistas al Mediterráneo fue el enclave para las jornadas vespertinas hasta las 2:00 de la madrugada del viernes y sábado, y para la jornada completa del domingo. Neel abrió la tarde del viernes con un set híbrido que comenzó con melodías ambient y paisajes sonoros para ir poco a poco calentando la pista progresivamente, alcanzando un pulso constante hacia la mitad de la actuación y terminando con melodías percusivas que daban paso al directo alienígena de ABSIS mientras la noche caía por completo en Montjuïc. El deep techno del DJ y productor catalán Massa puso el broche final a la primera noche del festival. !nertia abría la jornada del sábado en el castillo con un directo que osciló entre el ambient y las melodías percusivas, acariciando incluso tambores de guerra en capas solapadas. La noche continuó con el directo de Vand seguido de una sesión de dos horas a manos y vinilos de Laura BCR. Fue precioso poder sentir cómo la luna llena iluminaba la pista mientras la productora y DJ nos conducía por un túnel líquido y subterráneo al son de ‘Ringing Bass’ de Mike Parker. Reggy Van Oers y Aleja Sánchez cerraron la noche con un B2B letal que no permitió que nos quedáramos quietas.

La mezcla de asistentes que llevaban varios días al pie del cañón no contrastaba demasiado con los curiosos y curiosas turistas que se acercaban al escenario del castillo la mañana del domingo para escuchar actuaciones como la de Vicki Siolos o Alicia Carrera. A mitad de la tarde la intensidad sonora del castillo se hacía inminente al ritmo de la selección que artistas como Paula Koski y Cobahn ofrecieron a un público donde abundaba el buen rollo y las ganas de pasárselo bien disfrutando de la música. El sol y el calor mediterráneo nos acompañó durante todo el día, lo que hizo que más de uno que simplemente “pasaba por allí” (el acceso al festival estaba abierto al público) nos acompañase hasta el final de la noche.

Fotografía: Studio XXIX

La calidad del directo de Estrato Aurora marcaba el horizonte entre el día y la noche y en él nos perdimos dejándonos llevar por su impecable técnica para la que no hay crónicas ni palabras que puedan describir lo que allí escuchamos.

Claudio PRC tomó el relevo en la entrada noche con temas como ‘Boîte à tartines’ de Les Boucles Absurdes, cuya marimba se mezclaba con el contínuo infinito que se iría desarrollando a lo largo del set con temas como el remix de Luigi Tozzi para ‘Trembling’ o ‘Alumen’ de Forest On Stasys. Mostra culminó su semana al ritmo de la selección de Patrick Russell, que ofreció un set tan heterogéneo como el propio festival, con melodías ambient que saltaban a los ritmos rotos para entrar en espacios cavernosos y downtempo y romper de nuevo el contínuo con percusiones vigorosas.

No cabe duda de que el propósito que Mostra se había propuesto se cumplió, la familiaridad que se respiraba en el ambiente, la seguridad y la limpieza tanto por parte de los asistentes como por parte de la organización no hacen más que augurar que esta no será la primera vez que Mostra se celebre. Por muchas más ediciones tan cargadas de ilusión, buen rollo y calidad musical tan brutal como la primera, ¡larga vida a la Mostra!

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Fotografía: Paquito Pizarro

Fotografía: Jordi Vidal

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Fotografía: Jordi Vidal

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Fotografía: Paquito Pizarro

Fotografía: Toni Rosado

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Fotografía: Paquito Pizarro

Fotografía: Jordi Vidal

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Críticas - ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

OST & KJEX Songs from the End of the World Snick Snack Music

Junio, el mes elegido por la peculiar pareja noruega Ost & Klex para lanzar su nuevo álbum. Lo hacen regresando a Snick Snack Music donde ya publicaron allá por 2007 algún que otro 12”. El dúo aparca a un lado el periplo por Diynamic Music y Crosstown Rebels para emprender nuevas aventuras en una casa que también les es familiar. No en vano, Trulz & Robin son viejos amigos, nada mejor para capitanear junto a ellos un futuro de viento favorable. Si deshojamos musicalmente el nuevo disco, encontraremos casi una decena de canciones donde impera la electrónica de baile amable con aperturas hacia el house noventero como ‘Little Boxes’ o ‘Nocturne’. La EBM de bandera retro-futurista (‘Dickie's Pix’) o lo industrial suavizado por el pop (‘Laila’). Sin olvidarnos del techno vocal y pegadizo de ‘The Gallery’.

BOTTLER Journey Work

CABARZA, PETE ZORBA & FRIENDS Different Stories

InFiné

Late Night Stories

Se respira franqueza y buenas dosis de cariño. No hablo de un álbum escrito con una acústica y tirando hacia el pop de césped, se trata de un LP de diez canciones volcadas con la electrónica de baile y la amistad. No en vano, Cabarza (Jason Herd) y Pete Zorba han sido amigos y artistas prolíficos en la escena dance de Manchester desde principios de los noventa. Desgraciadamente Pete estuvo luchando los últimos años contra un cáncer cerebral y finalmente falleció en 2021. Este trabajo fue compuesto durante esa lucha, y ahora que se publica, es desde luego una hermosa recompensa póstuma que todos deberíamos escuchar y sentir. Musicalmente, estamos ante un ejercicio nutrido de techno y house vocal dócil; melódico y de membrana sensible.

‘Hallelujah’, con sampleos a The Happy Mondays incluidos, es fundamental.

Esta pareja neoyorquina está a la vanguardia estadounidense de la electrónica de baile abierta y exigente. Pat Butler y Phil Shore publican, por fin y tras cinco años metidos en el estudio, un álbum debut marcado por joyazas como ‘Chrysalis’, ‘Vinyl’, ‘Tacoma’ o ‘Weed’. La libertad creativa que acepta y abarca el dúo es riquísima. Vamos a encontrarnos desde techno de texturas urbanitas a espasmos sintéticos donde el pop y el soul se dan la mano. Un buen ejemplo es ‘Melatonin’. Intercambian con acierto tempos sombríos con vocales pegadizos. Algo similar sucede en ‘Mako’, en esta ocasión la voz es cosa de la cantante de Samurai Velvet. Una canción tan desgarradora como contemporánea y humanizante. ¿Se baila? Sí, y si es con los ojos cerrados y los brazos en jarra, mejor.

CASINO TIMES A Change In Motion

VARIOUS fabric presents TSHA

Omena

fabric Records

No suelen fallar en fabric. Se nota, llevan tiempo en esto, tienen un gran oído para las compilaciones en formato mix y no menos vista para, además de grandes artistas de la escena, descubrirnos futuras promesas. Una nueva generación de productores y DJ que bien puede representar la joven TSHA y que yo apuntaría son ya una realidad. Teisha Matthews –quien ya ha firmado con Ninja Tune, ha sido secundada por Bonobo, Rinse FM o la mismísima BBC Radio 1- se marca una sesión de hora y cuarto donde prolifera el house y el techno de tintes noventeros no exento de esencia rave (UK hardcore) y azotes ácidos. Sonido underground y retro pero actual. En este desfile de hasta 25 cortes nos presenta a su vez artistas también emergentes como Elkka, Posthuman, Jacques Greene o UNCLE KNOWS.

La nota de prensa que acompaña el lanzamiento procura marcar el terreno desde el principio. Se nos anuncia que este disco sonará como si John Carpenter estuviese haciendo un directo a las cuatro de la madrugada en un club de esos montados en los bajos de un edificio. No sé yo si hasta ese punto, el caso es que Casino Times (Joseph Spencer y Nicholas Church) exploran las infinitas posibilidades entre la masa sintética y la mutación del beat. Un careo deslumbrante entre sonidos espaciales, bass y rítmica espinosa en ‘Passing By’. Directamente broken beats saturados adornados de falto sampleo vocal y más efectismo, todo venido del teclado (‘End Of Civilisation’).

Ahí no queda el entramado. Las posibilidades crecen cuando se atreven con el electro-rap (‘Something Else’, con DUANE) o el funk marciano con vocoder incluido (‘Unfold’).

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Críticas - ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

FILM FILM Qilla Records

Para mí la gran novedad y sorpresa del mes. Ni papa tenía de este productor de Nueva Delhi, Sanil Sudan a.k.a. FILM, ídem sobre el sello indio Qilla. La cuestión es que este hombre se ha currado un álbum homónimo realmente estimulante. En prácticamente una hora cohesiona colchones ambientales con ritmos rotos de la vieja escuela (yo diría del Instituto, los 90) y techno tornadizo. Dentro de esta fórmula, este nuevo gurú irá mutando sabiamente de humor y color. En ‘Call Me’ por ejemplo se fija una electrónica paisajista de beats vaporosos, pero en otros cortes el mando es para el electro robusto de aires y graves nu-skool: ‘DBRK’. O criaturas a medio camino (‘I’ve Always Liked Trance’) que también downtempo de domada fierecilla entre el dub y la oscuridad alemana (‘Formless’).

HARVEY MCKAY Anatomy Of A Drum Machine

L’ENTOURLOOP La clarté dans la confusion

Kneaded Pains

XRay Production

Se publica el esperado tercer y nuevo álbum del colectivo galo L’Entourloop. Un enjambre que a su vez es un puro desafío. Hasta 20 pistas componen este ‘La clarté dans la confusion’, y en ellas, no menos de 32 invitados de excepción. Sobre todo MC, vocalistas y músicos de estudio de la talla de General Levy, Lady Chann, Bounty Killer, Alborosie, Degiheugi, Lyricson, Flowdan, Killa P... e incluso las barcelonesas Las Ninyas del Corro. El resultado impresiona, al contrario de resultar un quilombo sin rumbo ni sentido, la escucha seguida es compacta. Un trayecto plagado de beats gordos, mucho sampleo, hip hop y la versión más digital de los sonidos jamaicanos. Canciones que literalmente se salen: ‘Calling Dancers’, ‘Florilège’, ‘Fi Di Yut’, ‘Eternal Roses’ o ‘People is Massive’. Booyah!

Harvey McKay encara su segundo álbum de estudio, y lo hace con un sugerente título: ‘Anatomy Of A Drum Machine’. Así que me metí a escuchar este LP como si desatornillase y me pusiera a investigar las tripas de esos maravillosos cacharros que tantos beats nos han disparado. Dicho esto, el discurso que encontraremos en sus treces cortes da perfectamente la talla. Es mayoritariamente techno de colmillos afilados, aún con eso, tan macizo de bombos como de impacto emocional. Los mejores ejercicios en este sentido son ‘Father’ y ‘Milk Snatcher’ (increíble pista esta). Perrito piloto también para el amigo cuando confronta el BPM con detalles sintéticos y espaciales (‘Osc’). Cuando se pone indomable (‘Echo’, ‘Glasgow Kiss’) e incluso cuando tumba el tempo sacándole rédito a la mutabilidad rítmica (‘Purple’, ‘Horizon’).

SEB WILDBLOOD Do you feel it too?

TECHNO PARA DOS Drama

All My Thoughts

Nadaville

El mexicano Techno para dos, Raúl Villamil, es uno de los valores emergentes más sobresalientes de la nueva escena electrónica de aquel lado del charco, y a quien poco a poco iremos disfrutando más por Europa tras lucirse en festivales como Day Zero o Sónar México ya lo han catado por Estocolmo, Bristol, Barcelona… El caso es que su crecimiento continúa firme y, tras bordarlo en 2020 con ‘HOPE’, ya tenemos en nuestras manos su nuevo disco ‘Drama’. En él, y durante siete intensos capítulos, sigue profesando su entusiasmo por la IDM y el techno volátil alimentado de atmósferas y texturas contemporáneas. En su propuesta caben tanto las emociones como los detalles urbanos, terrenos soleados y túneles encapotados. De su nuevo trabajo destacaría ‘Drama & Bass’, ‘Metadrama’ y ‘Even More Dramatic’.

Se trata del segundo álbum de estudio del londinense Seb Wildblood. Uno de esos ‘todoterreno’ que lleva más de una década metido de lleno en la industria de la música de baile tocando todos los palos, incluso el de capo de sello discográfico: All My Thoughts, donde ya publicó su estreno a lo grande. Como productor demuestra también que ha mamado muchas y largas noches de club en cabinas de su ciudad natal, y desde las que proponía ritmos intrincados –a la vez que frescos– patrimonio del house, la electrónica de subsuelo y los UK beats de múltiples caras. Magnetiza y vigoriza con pistas muy fáciles de digerir. No hace falta ir de sabio para disfrutar con cortes como ‘Jobi’, ‘Dream Nocturnal’, ‘By the Reservoir’ o ‘Lift Me Higher’.

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Críticas | TRANCE Autora: LEIRE ZULOAGA | leire@djmag.es

LUFTHAUS To The Ligth (Fideles Remix)

[Armada Music] ‘To The light’, segundo sencillo del misterioso proyecto de Lufthaus en Armada Music, ¡copa nuestro chart este mes! Esta vez, gracias a la maravillosa remezcla que los italianos Daniele Aprile y Mario Roberti -más conocidos como Fideles- se han marcado. En contraste con el original, este remix coloca las voces en el centro de atención y las abraza con retumbantes sintetizadores de fondo sombrío en lugar de adornarlas con estribillos musicales optimistas. La huella oscura de las melodías aterciopeladas complementan la aspereza en los sentimientos sinceros del single, acentuando el aura misteriosa y subyacente que envuelve la letra del original para dar, como resultado, uno de los remixes más distintivos del dúo Fideles hasta la fecha. ¡Enorme!

JORDAN GILL Recoil / Red Line

PAVEL KHVELEEV & AVIS VOX Flame

[JOOF]

[Black Hole Recordings]

Tras su aparición invitada en JOOF Radio, el canadiense afincado en Vancouver Jordan Gill ha generado un gran impacto con trabajos como ‘Recoil/ Red Line’ presentado dentro de la casa JOOF Recordings. Un increíble EP de dos pistas donde el canadiense demuestra una depurada maestría en las nuevas técnicas de conducción musical en la electrónica. De corte oscuro y alta carga progresiva, ‘Recoil/ Red Line’ resulta un trabajo absolutamente excepcional, llevando la pista de cualquier club al punto óptimo de energía gracias a synths incendiarios que se desarrollan a través de las bombas estructurales de ambos singles. Con un punto ácido y un progresivo abrumador que invita al movimiento desde el primer beat, este EP será de tus preferidos si buscas la máxima intensidad en la pista.

El ruso afincado en la ciudad alemana de Frankfurt, Pavel Khveleev, nos presentaba junto a su esposa y vocalista Avis Vox el single ‘Flame’ como una de las propuestas más que interesantes dentro del gigante Black Hole Recordings. Un single seductoramente melancólico donde la voz de Avis Vox crea un ambiente suntuoso con sus sensibilidades más espaciales, donde Pavel aporta su magia y énfasis sonora a través de la curva, el giro, la transformación melódica y elaboradas distorsiones que nos adentran en un territorio artístico propio. El dúo nos ofrece una producción musical muy depurada y peculiar en un single cargado de detalles en las elaboradas construcciones musicales de este productor. Toda una inmersión tonal de la mano de Pavel Khveleev y Avis Vox con ‘Flame’. ¡Fantástico!

JOSE DE MARA & IVAX Love Of Yesterday

ARMIN VAN BUUREN Y SHAPOV Welcome Home EP

[ARCADIA]

[Armada Music]

No contento con cerrar el 2021 remezclando ’1998’ de Binary Finary en el label de Armin Van Buuren –convirtiéndose en la canción trance más pinchada del año a nivel mundial, según 1001 Tracklists– y tras un primer lanzamiento este año en Kryteria Records, el madrileño José de Mara recala en su propio sello con ‘Love Of Yesterday’ junto al desconocido e increíblemente talentoso productor nacional IVAX, dejando claro que Arcadia continúa apostando por los nuevos talentos dentro de nuestras fronteras. ‘Love Of Yesterday’ es una canción pure progressive acompañada de un vocal house que, unido a los aires tranceros y la renovada sonoridad del label, hacen de este EP un trabajo sublime para representar la nueva etapa de Arcadia. ¡Felicidades!

Interpretado por Armin Van Buuren en el escenario principal del Ultra Music Festival de Miami este pasado mes de abril en el ya mítico OVO Wembley Arena, con el masivo ‘Let’s Rave, Make Love’ y el melodioso ‘Welcome Home’, este EP creado en una sincronizada unión junto al Dj y productor ruso Shapov –ex miembro del proyecto electrónico Hard Rock Sofa y conocido por su trabajo en películas como Fast & Furious 6, The Lego –la película de Batman–, series de Netflix como Quicksand o Werewolf así como The Last Days of American Crime– haciendo de este EP toda una bienvenida a algunos de los sentimientos más importantes del mundo actual que nos llevan a terminar, tal y como empezamos, ¡con Armada Music como protagonistas!

TWINWAVES 01. PAIPY ‘Heaven’ (Extended Mix) [Monster Neos] 02. RAMIN ARAB ‘New World’ (Extended Mix) [ZYX Trance] 03. SANANI ‘Metaverse’ (Extended Mix) [Redux 138] 04. KENNY PALMER ‘Wild Gods’ (Extended Mix) [Trancessential Recordings] 05. SNEIJDER ‘Magika’ (Extended Mix) [FSOE Recordings] 06. DJ XBOY & BLUE SECTOR ‘Nankurunaisa’ (Extended Mix) [Think Trance] 07. CRAIG CONNELLY, PAUL DENTON ‘Quantum Eraser’ (Extended Mix) [FSOE Recordings] 08. UDM ‘Airwave’ (Extended Mix) [Ablazing Records] 09. N-SKING, STNX ‘ERS’ (Extended Mix) [Kinected Recordings] 10. BIGTOPO, THE OLD GUARD ‘Oni’ (Extended Uplifting Mix) [Suanda Dark]

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Críticas | TECHNO Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

JEFF MILLS Mind Power Mind Control

Axis Records Uno de los padres del Techno está de vuelta con un álbum nuevo y un concepto musical del propio LP muy interesante. Todos sabemos que el nivel de información en internet es demasiado, por no decir abrumador. Jeff nos invita a que pensemos por nosotros mismos sin limitar nuestra mente con tanta sobreinformación. Como bien dice su creador: “es mejor muchas veces mirarnos al espejo para poder avanzar y así tener una visión global”.

Techno, secuencias hipnóticas y jazz experimental hilados de un concepto que te lleva a una meditación constante. Sería un álbum perfecto para liberar tu mente de una manera experimental haciendo yoga, por ejemplo.

Jeff, gracias por tus ganas de crear música totalmente atemporal con una visión que solo los auténticos genios tienen. Álbum para coleccionista y precioso cover. ¡Conseguid esta maravilla! Larga vida a Axis.

STEFAN VINCENT Inhabiting The Same Space In A Di erent World EP

BALLET MECHANIQUE Rebuild EP

Symbolism Records

EPM Music

Desde las oficinas de EPM en UK nos llega un EP increíble.

Ballet Mechanique es el nombre artístico del holandés Jeroen Borrenbergs, un mítico productor de la escena de Ámsterdam. Su buen gusto con las máquinas en el estudio le llevó a Delsin Records y muchos más sellos de renombre. Esta vez nos presenta un EP magnífico en EPM Music; cuatro tracks con un sabor a Detroit Techno pero con un toque a funk añejo. Una musicalidad increíble con esos pads tan característicos del sonido facturado en los años 90, pero con eje de coordenadas directo a la ciudad del motor.Tracks muy profundos pero sin olvidarse de la pista de baile. Un gran disco. Buen trabajo, Jeroen.

El nuevo disco del sello de Ben Sims esta vez nos trae un concepto musical diferente al groove al que Ben nos tiene acostumbrados. Este EP firmado por Stefan Vincent con una dirección musical orientada al Techno minimal –pero a su vez muy pistero– no defraudará a ningún usuario que quiera levantar una pista de baile. Cuatro tracks 100% up para tus sets e incluso para hacer una mezcla increíble con el tercer plato, ya que las secuencias hipnóticas te llevan a un mundo monofónico (pero a su vez muy funcional para la pista de baile). El señor Ben Sims tiene muy buen oído y sabe muy bien lo que hace. Hazte con tu copia porque seguro que vuela.

ALNA Trust EP

MARCAL Only Forward EP

Out Of CTRL

Hardgroove

Desde Dispersion nos llega el nuevo EP de Alna. Productor de UK pero con unas raíces muy firmes entre el acid techno y todo el movimiento techno inglés. Este EP está compuesto de cuatro tracks; dos originales y dos remixes. Uno de ellos llega de la mano de Jerome Hill y el otro de Fred Asquith. Un disco muy completo con techno que consigue mantener la pista de baile caliente, hasta hacer transiciones perfectas con esos breaks que tanto nos encantan y así salir del bombo a negras continuo. Todos los tracks son muy buenos, pero destacaría el remix de Jerome Hill por esos vocales tan bien sampleados. Un disco que no defraudará a nadie.

Hace unos meses hablamos de Marcal, este gran artista brazileño que últimamente nos está regalando con su talento grandes discos. Cuando escucho su música rápidamente me doy cuenta de sus influencias: desde techno americano hasta llegar al minimalista, pero a su vez muy contundente. Cuatro tracks que no defraudan a nadie con una gran claridad sintética y esos chords que te llevan a tener la pista de baile echando fuego.

Un increíble disco que seguro que agota sus existencias rápido. Destacaría ‘Neuropeptide’ como una auténtica bomba de mano para la dancefloor.

ANNA [Drumcode & Afterlife] 01. WEHBBA ‘Dynamo’ [Drumcode] 02. ADAM BEYER VS DJ RUSH ‘Control’ (ANNA Remix) [Drumcode] 03. HAAI VS JON HOPKINS ‘Baby, We Are Ascending’ [Mute Records] 04. GLASKIN ‘Stalactite Cave’ [Hotflush Recordings] 05. PLANETARY SOUND SYSTEM ‘Say It Loud’ [Token] 06. RAXON ‘Input Robot’ [Ellum] 07. ANNA VS WEHBBA ‘Unio Mystica’ [Exhale] 08. VICTOR RUIZ ‘Beirut’ [Forthcoming on Drumcode] 09. RADIO_SLAVE ‘Acid Dip’ (Emergency On Planet Acid Remix) [Rekids] 10. KASHPITZKY ‘Reckless’ [Be As One]

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Críticas | ELECTRÓNICA Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS | carlos@djmag.es

KIWI Hedonistic Tendencies

Polari Records Kiwi está de vuelta en Polari Records, el ya prestigioso label del DJ y productor Cormac. ‘Hedonistic Tendencies’ da título a un lanzamiento dividido en 2 partes en el que el artista explora su lado más salvaje, y nos presenta 4 pistas brutales llenas de su mejor impronta como productor. House colorido a raudales inundan tracks como ‘Hedonistic Tendencies’ e ‘Italian Tango’, mientras que en la segunda parte del lanzamiento ‘String Theory’ y ‘More Raves’ se encargan de aportar los elementos necesarios para hacer que el público se derrita por completo con estos dos bangers de la temporada. Destacamos ‘String Theory’, un track para matar de amor una pista de baile en una sola jugada.

LOCAL SUICIDE Eros Anikate

EX PONTO In A Quarry

Iptamenos Discos

Offen Music

Ya estamos en el ecuador del año y los discos por los que será recordado 2022 van apareciendo. Local Suicide nos presenta su álbum debut a través de 11 piezas en las cuales el dúo expone una temática moderna, aventuras místicas y líneas musicales un tanto oscuras y gamberras; todo ello atado a los conceptos de amor e Inspirado en los viajes y experiencias que encontraron durante la pandemia junto a amigos como: Lee Stevens, Curses, The Hidden Cameras, Sissi Rada, Skelesys, Theus Mago, Hard Ton, Kalipo y la leyenda griega del new wave Lena Platonos. Iptamenos Discos nos deleita con un lanzamiento que conecta muy bien las raíces del Ebm con las nuevas corrientes electrónicas como el dark disco.

Bravo, Local Suicide, este es el disco que necesitábamos.

El músico, compositor y productor australiano Ex Ponto, también conocido como Ivan Maši , ha autoeditado docenas de álbumes con el colectivo de improvisación Council of Elders y la banda experimental no-wave Wunderlust. Ahora aterriza en Offen Music, el sello de uno de los preferidos de esta casa y no es otro que el maestro Vladimir Ivkovic. Ex Ponto nos presenta un viaje a través de lo mejor de su fascinante galaxia sonora a través de 3 pistas en clave electrónica de gourmet y ritmos a baja combustión ideales para crear un ambiente especial en pista. Este EP está dedicado al reconocimiento de los pueblos aborígenes australianos Wurundjeri y Boon Wurrung de las naciones Kulin.

A-TWEED Serena EP

IÑIGO VONTIER, CONCRETE Kiodo EP

HEARec

Penrose Records

Penrose Records, sello de David Ponziano, está de vuelta con otro potente release a cargo de los genios Iñigo Vontier y Concret. Este nuevo EP presenta ‘Kiodo' y 'Buconero', dos meteóricas pistas psicodélicas cargadas de pura lisergia electrónica para dar un punto especial a la noche.

En el apartado remixes, este lanzamiento no se queda atrás y cuenta con la magia de Lauer, que se quita la capa disco para ofrecer una explosión mucho más oscura con su versión de 'Kiodo', mientras que el afiliado de Dischi Autunno, Javi Redondo, activa el modo trippy con su ácido en cascada, texturas retorcidas y campanadas locas. Kiodo Ep es un lanzamiento diseñado para la hora punta de la noche.

A-Tweed es el apodo de Ant De Oto, dj y productor italiano afincado en Roma. Durante los últimos años, Ant ha desarrollado una estética musical única combinando un número considerable de influencias estilísticas, su música es un verdadero viaje alrededor del mundo que él mismo define como: Acid Weird Slow Disco. Su nuevo trabajo se titula Serena y es una exhibición pura de la maestría del sonido de Ant lleno recursos creativos, influencias EMB, Disco y un torrente de patrones de sonidos oscuros. El lanzamiento incluye dos mezclas originales y dos notables remixes de dos nombres muy estimados de la escena: el argentino Balam y el francés Cornelius Doctor.

DAVID PONZIANO 01. THE RHYTHM ODYSSEY ‘Dr Dunks’ [El Cid - Phantasy] 02. CROMBY ‘Fly Away’ [Craig Knowes] 03. IÑIGO VONTIER, Croncret ‘Kiodo’ (Lauer rmx) - [Penrose Recs] 04. PABLO BOZZI ‘Street Reign’ [Pinkman] 05. SARA DZIRI ‘Horizons’ [Optimo Music] 06. HEADBIRDS ‘Madamenes’ [Rhythm Cult] 07. RADIOACTIVE MAN ‘Lord Of Dem Tings’ [Asking for Trouble] 08. NAUM GABO ‘Sleep C’mon 2021 Bass Mix’ [Optimo Music] 09. JUSTIN JAY, Denham Audio ‘Swarm’ [Time is Now Records] 10. BDB ‘Boss Rhythm’ [Feel My Bicep]

100

Críticas | HOUSE Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

NAU LEONE Mind Energy

Be Your Own Como ya nos anunció con su anterior ‘Endless Loop’, Nau Leone continúa con su línea de lanzamientos enfocados a la pista de baile. Este 2022 ha entrado pisando fuerte, con ganas de movimiento, de volver a la vida normal y a las cabinas.‘Mind Energy’ es un track repleto de fuerza –sin dejar de lado su parte meditativa– que ofrece una delicada fusión de ambient y electrónica. Mezclando sintetizadores analógicos y digitales con voces sampleadas, piano, poderosos kicks y envolventes graves, esta canción nos dirige por una travesía de sensaciones. ‘Mind Energy’ viene acompañada de su cara B, un single lanzado anteriormente, ‘Endless Loop’, creando así el mix perfecto para la pista de baile. Además, este trabajo mantiene una línea narrativa que demuestra que sus composiciones no son nihilistas, sino que forman parte de un proceso en el que, gracias a la maestría de su autor, es fácil entrar. Por eso mismo, lo mejor de este trabajo no es tanto lo que contiene, sino lo que promete; hecho el balance necesario, se sabe que lo que tiene que venir de Be Your Own en el futuro será todavía mejor.

SANTÉ & RE.YOU Road To Sanrey

GLORIA LVS

LSF21+

Masterskaya

Después de haber seguido carreras en solitario de gran éxito y respectivos proyectos individuales de más de una década, vuelven ahora con un proyecto colaborativo. Este ‘Road To Sanrey’ resume muchas de las intenciones de estos singulares productores, buscando la novedad sin perder la nostalgia, mientras juegan con el género sin caer en trucos previsibles, ni tampoco en la arrogancia de los que se enrocan en un género o manierismo para demostrar que tienen personalidad. Santé & Re.You buscan la novedad sin perder la nostalgia, mientras juegan con el género pero sin caer en trucos previsibles, ni tampoco en la arrogancia de los que se enrocan en un género o manierismo para demostrar que tienen personalidad.

Un poco igual que hace Diamont Dancer con ‘Concepts’, que publica en el sello de ambient y música experimental Canoa Snake Records, sello fundado por el valenciano Nacho Marco. Y es que, para alcanzar la simpleza y la lucidez se requiere –paradójicamente– experiencia y capacidad de saber liberarse de la limitación de los condicionamientos, y este trabajo es también una saludable muestra de ello.

Vuelve GLORIA, la compositora, productora y vocalista residente en Budapest que experimenta con el sonido electrónico y los clichés musicales. Interesada en la percepción de la música y la experiencia sensorial, todos sus temas suenan marcados, reconocibles e innovadores.‘LVS’, su último lanzamiento, ofrece al espectador un fascinante viaje por el universo de los géneros electrónicos. Y es que GLORIA crea música que funciona en todos los escenarios y trasciende los géneros. Su apertura a una amplia gama de sonidos es lo que la ha convertido en una de las favoritas, pero también en alguien que opera en su propio mundo musical paralelo. GLORIA no deja nada atrás y confirma la misión que siempre ha tenido la música electrónica: jugar con el presente y avanzar hacia lo desconocido, más allá del entretenimiento. El resultado es un trabajo tan experimental y profundo como intenso y adictivo, mientras nos transporta progresivamente –como pocos productores con cierta fluidez están dispuestos a hacer. No sabemos qué nos depara el futuro, pero sí sabemos que este disco es testimonio de un presente turbulento e incierto que quedará en nuestra memoria para siempre.

DEER JADE & VANDER Intergalactic Tango

MEG WARD Check My Beats

The Gardens Of Babylon

Needwant Records

El singular productor Meg Ward vuelve, y lo hace con el single ‘Check My Beats’, una de las apuestas más arriesgadas del artista. De hecho, casi podríamos decir que estamos ante un trabajo serio, cuidado con esmero, que se presta a empezarlo y no volver a la realidad hasta que no haya acabado: los auriculares son como la bombona de oxígeno que permiten bucear hasta el fondo de esta gran rotación sonora, de esta órbita cósmica, y estar ahí en un estado de fascinación hipnótica. Siguió su instinto y empezó a producir lo que realmente sentía que debía hacer, sin dejar de hacer propuestas tan interesantes como singulares que han puesto en entredicho el manido tópico de que no se está produciendo nada que salga de la uniformidad en el mercado. Por eso mismo, no es baladí si decimos que ha recibido apoyo de plataformas como la misma BBC. Y es que hay artistas que para ir más allá de su sonido, saben cómo reencontrarse de nuevo, para crear un sonido cuyo punto de partida no nazca tanto del intento de traspasar fronteras como de recuperarlas.

Con remixes tan pirotécnicos de artistas como Chambord y Pandhora, los artistas Deer Jade & Vander se unen para formar un ‘Intergalactic Tango’ tan sensual como reflexivo. Estamos ante música house sin límites.

Música house que te hace tanto bailar como dejarse escuchar en casa.

El conjunto de este disco es el resumen de muchos días trasteando con sintes excepcionales, hasta dar con un sonido lleno de color, orgánico y serpenteante, que consigue filtrarse por cada poro de la piel hasta electrizarnos por completo. Cada track consigue que el oyente salga de sí, abra su mente y encienda la llama de la esperanza en un mundo en el que parece que se ha perdido toda idea de futuro. Los pads, arpeggios y leads con poderosas líneas de bajo se rebelan con fuerza en este trabajo, mostrando su constante búsqueda de innovaciones sonoras. En definitiva, estamos ante un disco con un sonido clásico, que sin sonar a lo habitual y típico, nos transmite un buen ambiente y atmósferas muy agradables.

Una delicia para los paladares más exigentes.

DEER JADE 01. OLIVER KOLETZKI, Oliver Klostermann ‘Oliver's Silly Jam’ (Original Mix) [Stil Vor Talent] 02. NICO STOJAN & DAVID MAYER ‘Fling’ (Original Mix) [Ouïe Recordings] 03. OMRI SMADAR & ROY SHPILMAN ‘Adama’ (Original mix) [Hard Fist] 04. SOCKO ‘Red Wet Dress’ [The Gardens Of Babylon] 05. ITAI ‘Flame Of The Pine Cone’ (Deer Jade Remix) [Camel Riders] 06. KINO TODO ‘Disco Love Song’ [Blue Shadow] 07. DOR DANINO ‘Lieverd’ (Original Mix) [Maccabi House] 08. TAL FUSSMAN ‘Od Lo’ [EngraveLTD] 09. VANDER ‘The Metaverse’ (Original Mix) [Happy Campers] 10. SAM SHURE FEAT. FRANCESCA SIANO ‘Sopra il Mondo’ [Stil Vor Talent]

101

Críticas | DRUM & BASS Autor: ROHAN G. FINGER | finger@djmag.es

ANTHROPIC X MUR No Need To

Fraktal Sound Desde Budapest, los camaradas de Fraktal Sound cocinan a fuego lento todas sus referencias, sacando música a cuentagotas, pero siempre cuidando mucho la calidad y trabajando muy bien cada lanzamiento. Es por ello que desde que nacieron en 2019, potentes medios como Vision Radio o Drum & Bass Arena se han hecho eco de sus trabajos. En esta ocasión lanzan un single de manos del austriaco Anthropic, en el que el tema principal ha sido coproducido junto al sevillano Mur. Dos artistas emergentes que tejen sus atmósferas personales de forma muy fluida, dando como resultado un tema de aires deep pero enfoque rolero que aúna misterio y seriedad, a la par que emoción y frescura.

RAINFOREST Antihero

SD & QUADRANT & IRIS Neon Memory

Conveyor Audio

Delta9

El joven sello Conveyor Audio, nacido hace poco más de medio año bajo la unión de varios sospechosos habituales de la escena de Lisboa, nos presenta su tercera referencia en el mercado, en la que han contado con un buen amigo de esta redacción: el productor mexicano Rainforest, abriendo así el espectro sonoro hacia otros sonidos cercanos al jungle todavía inexplorados en el sello. Un EP titulado 'Mass Madness' que abre con este sublime ‘Antihero’, un temazo de rolling funk que evoluciona a combustión lenta en sus baterías y es sus vientos cargados de groove hasta llegar a un nivel totalmente incendiario. El trabajo contiene otros tres temas —de enfoque más profundo— teniendo entre ellos una evolución escalada desde la faceta más enérgica del tema de apertura a la más introspectiva en el de cierre.

El científico italiano del drum & bass está de vuelta en el ultraprolífico laboratorio Delta9 con un estupendo EP. En esta ocasión SD, bajo el título de 'Neon Memory EP' compila tres temas en solitario y dos colaboraciones, una de ellas junto a Nemy, y otra de ellas, como tema que da nombre al EP, junto a los norteamericanos Quadrant & Iris, de quienes nunca hemos ocultado nuestra más absoluta admiración. Un temazo retrofutirista de arpegios cósmicos y aura etérea, de esos que te trasladan a un set de rodaje de peli sci-fi ochentera y te hacen flotar a través de una atmósfera siniestramente luminiscente y cautivadora, y que rompe con el enfoque más oscuro y contundente del resto de temas.

CODA FEAT GQ Equinox

SEDO Jorogumo

Charge Recordings

Skalator Music

Sedo juega en casa de nuevo. Tras sus lanzamientos en Symmetry, Delta9 o Tesseract, vuelve al sello a través del que le conocimos, Skalator Music.

En esta ocasión, el portugués trae dos excelentes cortes ('Jorogumo' y 'Talisman') repletos de crudeza y 'vibez' pistera, y como siempre, con ese toque personal a caballo entre el techstep y el roller, con baterías limpias y precisas fusionadas con bajos pesados. El trabajo verá la luz en las principales plataformas digitales el 9 de junio, disponible sólo a través de Bandcamp, un tema extra titulado 'RPG' con un sabor más cercano al tech funk.

Sin duda este mes Portugal toma el control. ¡Saludos a toda la massive de nuestro país vecino!

El señor Coda desembarca por segunda vez en la base del legendario Mampi Swift, esta vez acompañado por el mítico GQ a las voces. Muy buena esta próxima referencia de la escudería, donde Charge Recordings vuelve al sonido jungle con mucha fuerza a través de dos potentes tracks. El principal, titulado 'Equinox', es un puro banger al que no le hace falta nada más que una batería, un bajo y la descomunal voz de GQ. 'Morse Code' da un sabor totalmente diferente al ser instrumental y ofrecer una buena ración extra de amen breaks que se prestan mucho a la mezcla, demostrando sobradamente porque Coda es en la actualidad uno de los productores más buscados por los DJs.

NUNO FORTE 01. OPTICAL 'To Shape The Future' (Remix) [Metalheadz] 02. LEMON D 'That Amen Trk II ???' [Valve Recordings] 03. DJ DIE 'Roller Ball' [Full Cycle Records] 04. BOYMERANG 'Still' [Prototype Recordings] 05. Q PROJECT 'Champion Sound' (Total science Hardcore Will Never Die Remix) [C.I.A.] 06. NASTY HABITS 'Shadow Boxing' (The Remix) [31 Records] 07. DIGITAL & SPIRIT 'Phantom Force' [Phantom Audio] 08. CALIBRE 'Mr Maverick' [Signature Records] 09. MARCUS INTALEX 'Zumbar' [Soul:r] 10. DILLINJA 'Tronik Funk' [Test Recordings]

102

Críticas | BREAKS Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

KRAFTY KUTS Let's Roll

Against The Grain Against The Grain, subsello de Super Charged, es bien recordado por los amantes de los ritmos rotos por sus grandes lanzamientos en la década de los 2000. El sello fue iniciado originalmente por Freddy Fresh y Krafty Kuts y, después de una breve pausa, se relanzó en 2008 dirigido por Lloyd Seymour, también conocido como Skool of Thought. Algunos de los himnos de artistas como Freestylers, Pendulum, Krafty Kuts, Plump DJs, Splitloop, Deekline and Wizard, Praga Khan, Ed Solo, Skool of Thought o The Breakfastaz, vieron la luz a través de esta casa. Tras otro largo parón del sello, hemos tenido la grata noticia de su vuelta en formato digital con lanzamientos como 'Gotcha' de Plump DJs o el más reciente 'Let's Roll' de Krafty Kuts.

MAURO NAKIMI Selected Works

JMKL nUKeRain

Bandcamp

Banger Records

El productor gaditano Jesús Gómez, anteriormente conocido en la escena breakbeat como J-Psycobeat, vuelve a nuestras páginas como Mauro Nakimi. Entre otros estilos, el electro ha sido parte fundamental de su carrera y dedicación a este género lo ha llevado a ser calificado por diferentes medios y revistas de renombre como uno de los artistas independientes más completos en la actualidad. Es en el electro en lo que ha centrado su alias Mauro Nakimi y en esta nueva serie, titulada 'Selected Works', Jesús nos ofrece una ventana a su visión musical, con una selección exquisita de electro atmosférico y contundente. De momento están disponibles los dos primeros volúmenes, titulados 'Octava Recurrente' y 'La Apatía del Burgués'.

Miguel Avrametz es un artista multidisciplinar de Odessa, Ucrania, más conocido como JMKL, productor, arreglista, músico, ingeniero de sonido y cantante. En 2018 publicó un álbum a través del sello ucraniano-americano Rune Recordings. Un sello indispensable en cuanto a progressive breaks, del que ya hemos hablado en más de una ocasión. JMKL también está metido en diversos proyectos musicales como BASS NCORE, Carematica o PARAPSYCENTER, además de ofrecer sus colaboraciones vocales de ragga, bajo el alias Jahmaikl, que han sido publicadas por sellos como Elektroshok Records o Distorsion Records. En este caso inaugura el sello Banger Records, junto a EvilSound, con una mezcla de big beat, progressive breaks y sonido industrial. Las voces son de la también ucraniana Valeria Reehard.

LEE COOMBS Tech Phunk EP

ELECTRO FORCE Celestial Break EP

Thrust Recordings

303 Records

Thrust Recordings es la casa de Lee Coombs, fundada en 1998 para lanzar las producciones de sus diferentes alias. Recientemente, anunciaba su nuevo trabajo 'Tech Phunk', con todo el sabor de sus clásicos trabajos.

Si nos damos un paseo por su Bandcamp, nos encontraremos la extensa colección 'Hard To Find And Unreleased Dubs', compuesta por 7 partes, en las que Combs recopila verdaderas obras maestras. Si te parece poca la cantidad de singles y álbumes de breaks y acid bajo Lee Coombs y Phazon, o de electro bajo la formación The Freakazoids, no te puedes perder la joya de la corona. El recopilatorio 'Hard To Find Jams' reúne trabajos remasterizados de sus alias y formaciones de la era rave, como Exodus To Paradise, The Invisible Men y Frog Junkies.

Después de años como DJ por todo el mundo y de residir en los mejores clubes de Nueva York, DJ Duke comenzó a producir a mediados de los 80 y visitó uno de los sellos de la ciudad con algunas demos, pero después de que le pidieran cambiar la música decidió mantener su propia visión creativa y abrir su propio sello, Power Music, donde publicó infinidad de trabajos bajo diversos alias y subsellos. Como comentábamos hace un par de años, su catálogo está remasterizado en Bandcamp, una oportunidad única para obtener clásicos de alias como Johnny Funk, Techfunkers, Roxy Breaks o Electro Force. De este último, publica ahora, casi 30 años después, una continuación de aquel acid breaks 'Getting High'.

DELTA [Kamikaze Records] 01. SAO MIGUEL ‘Hope In Balance (Jody Wisternoff & James Grant Remix)’ [Anjunadeep] 02. KRYDER ‘Wish (Original Mix)’ [Armada Music] 03. SØNIN ‘Titan (Original Mix)’ [Anjunadeep] 04. APOLLO X HANNA BOLEYN ‘Riptide (UR2wo Remix)’ [Champions Records] 05. BROTHERS OF FUNK & JAMIE BLUE ‘Bass & Armony (Original Mix)’ [Gigabeat] 06. COLORAY ‘Broken Mirrors (Baril Remix)’ [!K7 Music] 07. FRANKY WAH ‘More Than You'll Ever Know (Original Mix)’ [SHÈN Recordings] 08. KID KUN ‘Moments (Original Mix)’ [Lost City Archives] 09. URBANO ‘Next to You (Original Mix)’ [Distorsion Records] 10. MUTANTBREAKZ ‘Reeces (Original Mix)’ [83]

103

Críticas | DANCE - EDM Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

AREA The Spirit Of Area

Previous Records Año 1998. La macro-discoteca Area Cöncor co-lidera la música de baile en Cataluña, y es uno de los principales templos en toda España (y sur de Francia, por cierto). David Oleart y Abel Almena son sus DJs residentes; Javier Aguilar, su lightjockey. En paralelo, el dúo Fraktal (Pedro Miras y Alberto Tapia/Albert Neve) conquistan ya España y Latinoamérica. Sólo ellos sabrán cómo pasó, pero pasó: estas 5 leyendas se unieron para crear el primer disco de la que acabaría siendo una de las sagas musicales más determinantes de la historia de la música Dance en España: AREA. Esta obra maestra de la producción musical, esta oda a la perfección técnica, a la melodía y al sentimiento vuelve a la vida en una edición remasterizada y con una emotiva sorpresa...

YEYO Hasta Salir El Sol

VIL ANDERS Never Leave

K1 Recordz

Addicting Records

Como te dije en la presentación del disco en Unika FM, Yeyo querido, “para hacer esta canción, hay que ser –ya no solo buen productor– sino, realmente, buena persona”: esta melodía y letra no pueden salir de un mal corazón. Sergio Bello cumplirá 36 años este 21 de Junio. Sirva este artículo como humilde pero emotivo regalo de cumpleaños para este virtuoso DJ y productor que la madrileña ciudad de Fuenlabrada ha visto nacer y crecer. Y cuando digo crecer, lo digo en toda la amplitud de la palabra: a día de hoy, DJ Yeyo es uno de los 3 referentes principales del Hardstyle en España. El sello mexicano K1 Recordz (2011), piedra angular del Hardstyle en el país azteca, publica este poema musical. He tenido la suerte de pincharlo y ver el espectacular resultado.

Javier Villar de la Garma (Madrid, 1992) comenzó su andadura en el 2019, es decir, mucho -muchísimo- más tarde de lo habitual en la profesión del DJ y/o productor. “Nunca es tarde si la dicha es buena”, dice el refrán. Pues oye, aquí la dicha está siendo, efectivamente, muy buena. Y es que hablamos de alguien que ya ha compartido single -y cabina- con artistas de la talla de B Jones; que desde 2021 acumula lanzamientos en sellos tan importantes como After Dark, Addicting Records, Clipper’s o RNC Music Italia; que alcanza cifras de más de 100.000 reproducciones al año; que dirige su propio medio de comunicación, ‘Beats&Repeat’. Vuelve a acertar el señor Marsal Ventura al publicar en su sello este cuidadísimo Electro House con toques Future Rave.

LORIS BUONO & ALEXANDER CRUEL (OMY CID & NEOMOOD REMIX) It’s A Game

TELEMACHUS FEAT. KILLA P Wickedest Ting

Revealed Music

High Focus Records

Una de las escasísimas excepciones en las que la calidad de una remezcla "obliga" a comentar esta en vez del tema original de los italianos Loris Buono (Milán, 1986) y Alexander Cruel: (Barletta, 1997). Fusión maravillosa: el español Omar Cid (Vigo, 1994) y el marroquí Neomood (Karia Ba Mohamed, 2004) pertenecen a culturas y generaciones diferentes, pero se unen para crear este magistral remix que publica -válgame Dios- el mismísimo Hardwell. Omar había ya publicado por Armada y conseguido que su música sonase en Tomorrowland apoyada por Nicky Romero, Dash Berlin o Jay Hardway. Por su parte, Neomood se movía entre las prestigiosas Sovereign, FHC o Tipsy Records. Productores, en fin, más que consagrados, que dan un paso más allá con este rompedor (¡qué pegada!) Bass House de influencia Electro House.

El polifacético artista David Webb Born nació en Londres (1984), pero eligió Madrid para vivir. Para hacernos una idea del calibre del personaje, reproduzco las palabras del mismísimo The Guardian: “una de esas figuras ligeramente oscuras que ha ayudado a la música británica a avanzar más de lo que la mayoría de la gente probablemente nunca sepa”. Creedme, queridos lectores; no se suele salir en el periódico más importante de la historia de Reino Unido por publicar un álbum de electrónica. Con una nominación a ‘Álbum del año’ en su anterior trabajo, Telemachus vuelve con un álbum de estudio absolutamente poliédrico, variadísimo dentro de la electrónica, donde destaca este single que nos ocupa; excelente producción técnica, sonoramente muy creativa que mezcla funky, dance, break-beat y rap. ¿Imposible? No para él.

MR. BLACK 01. MR. BLACK, OFFER NISSIM ‘Mucho Bien’ [Revealed] 02. VA MO LA ‘Sun Is Dark’ [V3] 03. MR. BLACK, MARK SIXMA ‘Shine’ [Revealed] 04. MR. BLACK ‘Acid Rave’ [Revealed] 05. ARTBAT ‘Flame’ [Upperground] 06. AGE OF LOVE ‘The Age Of Love’ (Charlotte de Witte & Enrico Sangiuliano Remix) [Diki Records/N.E.W.S.] 07. HARDWELL ‘Into The Unknown’ [Revealed] 08. VA MO LA ‘Trip To Fantasy’ [V3] 09. HYBIT ‘Hypnotherapy’ [Hybit/Revealed] 10. DAVID GUETTA, MORTEN, ROLAND CLARK ‘Alive Again’ [Musical Freedom]

104

Críticas | DEEP Autor: PAU GUILERA | pau.unmuted@gmail.com

PER HARMMAR Collapse

Constant Black Empezamos el mes con la primera referencia a cargo del artista sueco Per Harmmar en una de las variantes del sello Constant Black. El artista, en esta ocasión, se enfoca en sonidos más deep-minimal con un toque más oscuro de lo habitual. Esta pista se compone de un solo break, pero no obstante no está a falta de groove y movimiento a lo largo del track. Hats con mucha movilidad y unos sonidos de synth muy elegantes y dinámicos son las armas principales de este track, muy enfocado para el inicio y el cierre de la noche. El ascenso de Per Harmmar durante los últimos años ha sido notable, siendo uno de los habituales en fiestas como FUSE-INFUSE, una de las marcas líderes de este sonido en la actualidad en el panorama underground.

ASVAJIT Glider

ROBIN RAFA Soulfoul

Blind vision records

Headzup

Referencia del mes de mayo en el sello del dj y productor francés Wlad protagonizada por el joven y emergente artista Robin Rafa con referencias en sellos de renombre como son Depeerfect, Swere Digital y Metafloor Records. Cuando escucho ‘Soulfoul’, me la imagino sonando en cualquier local open air con buenas vistas, ya que da esa sensación perfecta que te teletransporta a esa situación por su frescura y buena vibra. Los toques de piano constantes son el gran fuerte de esta pista que, sin duda, llega a todo su esplendor en el minuto 4 y siempre bien acompañada de un bassline muy elegante, pero que deja el protagonismo total a estos sonidos de chord y piano que brillan durante toda su duración. No cabe duda que debemos seguir con mucha atención a este artista durante los próximos años.

Uno de mis sellos fetiche a nivel de dub-minimal y deep-minimal es sin duda Blind Vision Records, calidad absoluta en todas sus referencias y de esos pocos labels que siempre mantienen una línea muy parecida en todos sus releases. ‘Glider’ es el segundo track de un EP formado por 3 pistas y a manos del productor afincado en Sri Lanka, fundador del sello Jambutek. Pista totalmente enfocada –bajo mi punto de vista– para el warm up del club a primera hora de la noche. El bassline se va contestando con los sonidos de chords en casi toda la duración de la pista y siempre acompañado por una combinación de 2-3 closed y open hats muy sutiles. Muchas veces, en términos de producción, se comenta que ‘menos es más’ y no es necesario incluir una gran cantidad de elementos para que un track sea de buena calidad. Sin duda, este es un gran ejemplo.

YAMEN & EDA Infinite Diversity

ALEX RANERRO Insistent

One records

Berg audio

One Records es de esos sellos que en la actualidad lanza sus releases en cuentagotas, pero siempre con EPs muy especiales y con un sonido absolutamente único –casi imposible de encontrar en otros labels del mercado de la música underground. Capitaneado por el artista londinense Subb-an, aquí nos trae un EP de varios artistas como Joe Kerr, Youandewan, y concretamente el track que analizamos es del dúo francés habitual de One records Yamen & Eda. Los 130 bpm sorprenden al arrancar la pista, pero rápido nos damos cuenta que no tiene nada que ver con la velocidad, sino la colocación y composición de los elementos. Un bajo muy, muy sutil en un tono muy sub y roto dan paso a los elementos principales del track: las percusiones y los leads, que no paran de aparecer y desaparecer durante toda la duración del track. Un sonido muy, muy personal el de este dúo francés que muy pocas veces decepciona, por no decir nunca.

Finalizamos la sección de junio con un artista con un bagaje enorme dentro del sonido deep-minimal y fiel siempre a su sonido dentro de todas sus producciones, escuchar ‘Insistent’ es escuchar Alex Ranerro en toda su esencia. El nivel de la producción es altísima: elementos de percusión, pads, basslines en perfecta armonía y combinación. En ningún momento sentimos que el track se venga abajo ni pierda ese groove, también destacaría el break del minuto 3:30; escuchar cómo van entrando los fx sutilmente de fondo –dándole amplitud y profundidad a la pista– es una auténtica delicia. Tampoco nos extraña viniendo del label que viene como ES Berg Audio, que ha contado en sus filas con artistas como Traumer, Janeret y Chris Stussy entre otros, y que han alzado al sello hasta convertirlo en uno de los más respetados por gran parte de la escena de música de baile underground.

ANDREW AZARA 01. ORLANDO VOORN ‘Tenderness’ [Heist Recordings] 02. FABE ‘To Our Existence’ [Cecille Records] 03. ANDREW AZARA, TIMMY P ‘Heldens Groove’ [Origins Records] 04. SALLY C ‘Give it To Me’ [Big Saldo's Chunkers] 05. AZTECA ‘Cirque Du Freak’ [Key Records] 06. SHERBERT ‘Paralysis by Analysis’ (Madvilla Remix) [Dark Side of the Sun] 07. D'JULZ ‘Highway’ [Bass Culture Records] 08. LUCAS ALEXANDER, HARRIE SUMMERS, JOEY RICH ‘Move It’ [FourThirty2] 09. SUCASA ‘Time Travel’ [Locus] 10. PAUL JOHNSON ‘I'm A Freak’ (And Your Girl Is Too) [Nite Life, 1995]

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ARTURIA VCOLLECTION 9: LA COLECCIÓN DE REFERENCIA Autor: KANEDO

Arturia vuelve a actualizar su producto insignia, la reconocida suite premium para creadores de música V-Collection. Fiel a su filosofía de traer al presente instrumentos icónicos del pasado, con la flexibilidad y sencillez de las herramientas del futuro, la marca francesa incluye más que interesantes novedades en esta 9ª versión de este estándar profesional. ¿Qué tiene de nuevo?

MÁS INSTRUMENTOS Korg MS-20, reviviendo un clásico analógico con una arquitectura semimodular.

SQ80V, un sintetizador lo-fi que combina infinidad de formas de ondas digitales con potentes filtros analógicos.

Augmented Strings, una nueva colección de cuerdas sampleadas con un control de morphing profundo.

Augmented Voices, combinando la voz humana con sintetizadores y controles de expresión.

Además de estas mejoras, V-Collection 9 también añade 14 nuevos bancos de sonido para cada instrumento con más de 1000 nuevos presets y mejoras importantes en el workflow traducidas en mayor rapidez y estabilidad.

Una vez más, Arturia nos demuestra el porqué de su reputación en el mercado.

Las actualizaciones constantes escuchando a sus usuarios, aplicando sus peticiones en cada nueva versión, siguen manteniendo a la V-Collection en lo más alto, y esta 9ª versión no es para menos.

INSTRUMENTOS REDISEÑADOS CS-80V, rediseñado para obtener un sonido cinematográfico evocador.

Prophet 5V, ahora reconstruido como instrumento independiente.

Piano V, un piano de última generación con 12 diferentes modelos, desde el piano de cola vintage al cinematográfico moderno.

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JOSEPH CAPRIATI P

R

E

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N

T

S

F R I D A Y S

JULY 22ND

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AUGUST 5TH

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AUGUST 19TH