Dizz Magazine 3ra edición. Rock VS Reggaetón

El extraño éxito de los Sex Pistols

nos ha robado la

Dizz Magazine Edición No 03.

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Editorial La música es de las pocas experiencias capaces de hacerte reir durante 5 minutos, y llorar a los siguientes 5.

Mis experiencias relevantes de vida siempre las he relacionado con una melodía. Los momentos más felices y también los más tristes. Paradójicamente, a muchos, la música triste nos hace felices.

Cada sonido tiene que tener un sentido para mí. Unos más que otros, pero siempre sensibilizo al extremo mi sentido auditivo cuando hay música de por medio.

Pero la música no es sólo melodía, instrumentos, o voz. Muchas veces, las letras, o el “tempo” son las cosas que le dan sentido al sonido. Es lo que le hace sonar como suena.

Y la forma en que escuchamos una canción también influye en nuestra experiencia sensorial. No es lo mismo escuchar una canción dentro en unos auriculares, que en el auto a todo volúmen, en una discoteca, o en nuestra casa. Cada lugar tiene su propia atmósfera, vibra. Eincluso la compañía hace cambiar el sentido de nuestra escucha.

Y aunque la música levanta muchas pasiones, y nuestra opinión pueda diferir por completo de la de nuestros pares, también debemos ser críticos con respecto a lo que escuchamos. La música también es política, social, y sí, incluso tiene un sentido económico. Es por eso que un verdadero amante de la música no puede solamente “oir”. Cada detalle tiene un contexto detrás. Cada artista tiene su bagaje, y cada época tiene su historia. Sin todo esto, perdemos gran parte de esa experiencia tan hermosa y completa que es la música.

Esta edición, sin embargo, se pasea por una mirada crítica, analítica, y no tan romántica de lo que la música lleva consigo. Porque siendo la música, a nuestro pesar, una de las tantas industrias, también debemos preguntarnos si debemos separar al artista de la obra.

Esta edición es especial porque pongo algunas de mis pasiones: la música, la investigación, el fondo e historia detras de varios temas, y con suerte, hacer que la próxima vez que escuches música, te preguntes algo más que el cómo se creó ese acorde.

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En la historia del rock, podemos nombrar a cuanta banda haya aparecido en la escena con un hit álbum, un One hit wonder, o una Career hit. De estas últimas hay, desde el punto de vista técnico, musical, y todas las categorías que definan “influyente”, realmente pocas. Pero esa es la interrogante: ¿cuándo una banda merece toda la alabanza y lamidas de botas que se le da?

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Aunque los gustos musicales sean muy subjetivos y polarizados, ya sea por una venda de fanatismo, o porque nos creemos los críticos más intelectuales, tenemos que aceptar

que existen aspectos que nos llevan a pensar por qué hemos puesto en un pedestal a cierta banda o músico.

Y si bien podemos hablar solamente de talento musical, ese que ya no se ve mucho hoy, y al parecer, en algunos casos, tampoco en aquellos días, es claro que el simple factor música no da suficiente crédito para dar a luz a un icono. Desde los Beatles hasta los Rolling Stones, cada banda popular y famosa debe haber aportado algo significante para ser considerada como tal ¿verdad?

Empecemos rápidamente en los años 50, donde el rock aún no era un suceso. Se viene a la cabeza a Chuck Berry, Musicazo. En ese entonces catalogado como el padre del Rock N’ Roll. O de Elvis Presley, elevado al título del rey. Ambos tuvieron

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En la historia del rock, podemos nombrar a cuanta banda haya aparecido en la escena con un hit álbum, un One hit wonder, o una Career hit. De estas últimas hay, desde el punto de vista técnico, musical, y todas las categorías que definan “influyente”, realmente pocas. Pero esa es la interrogante: ¿cuándo una banda merece toda la alabanza y lamidas de botas que se le da?

una carga bastante pesada en sus hombros.

Chuck era una eminencia, eso no se puede dudar. Muchas generaciones posteriores ven a este personaje como una inspiración y un modelo a seguir. Fue el precursor de varios riffs conocidos hoy en día. Y a pesar de que algunos de sus grandes éxitos eran realmente covers, definitivamente les impregnó su estilo e hicieron que se convirtiera en lo que hoy conocemos de él. Pero ¿qué más hay qué destacar?

icónico movimiento de caderas, que hizo temblar a muchos, o más bien a muchas, incluso su ropa, eran una declaración.

Ambos músicos fueron una parte importante de su década. Hicieron lo suyo en su tiempo, y dejaron una marca para las futuras generaciones, quienes se identificaban con ellos y los consideraban su influencia. Pero el tiempo pasó, y ni Elvis tocaba bien la guitarra, ni todas las canciones de Chuck eran inéditas.

Chuck fue uno de los pocos artistas afroamericanos que gozó de la fortuna, fama, y atención que otros músicos negros no pudieron. Logró que blancos y negros bailaran con su música en la misma pista y entre ellos, creando una especie de mixtura que solo la música logra.

La particularidad de Chuck fue que sacaba éxito tras éxito. Pero su gran momento llegó en los 70, con el tan usado “My Ding a Ling”, aunque para ese entonces, su “Johnny B. Goode” ya era disco rayado.

Paralelamente, desde el momento en que la audiencia vio por primera vez a Elvis Presley, todos enloquecieron. Era el prototipo Chuckeriano, solo que en versión blanca. De igual forma, muchos de sus singles se popularizaron.

Pero Elvis fue un poco más allá. Los movimientos emergentes juveniles se identificaron más con él, yendo a pasar a un escenario más global.

Sus álbumes se vendían como pan caliente. Su personalidad, su ya

Finalmente los 60 llegaron. El boom del rock N’ Roll explotó. Bueno, no realmente. El rock, como lo conocemos ahora no era un término que se pudiera aludir a este género.

El blues, el R&B, y el rhythm se acercaban más a su etimología. Para esto, unos jóvenes Beatles, desde un lejano y desconocido Liverpool aparecieron para, aparentemente “cambiar la música para siempre”.

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En décadas posteriores, serían considerados la efigie del Rock N’ Roll de los 60. Pero si nos ponemos más técnicos, The Beatles no es verdaderamente Rock N’ Roll, sino más bien un pop con evidentes influencias de Blues. Ciertamente Los Beatles universalizaron un género antes exclusivo de negros y minorías, y lo expandieron hacia un espectáculo audiovisual. Quién no conoce el famoso video de “All my loving” en el show de Ed Sullivan, que dejó a todos boquiabiertos y alborotados por más. Y es que 4 jóvenes guapos, bien vestidos, con un buen ritmo, y aparte talentosos; ¿qué esperaban?

La llegada de los Beatles a Norteamérica ayudó a catapultarlos a la verdadera fama. No es que en Europa fueran unos donnadies.

¿

A partir de su primer álbum, sus apariciones en la TV inglesa eran regulares y su álbum se posicionó muy bien. Pero es que hay algo en la industria norteamericana que hace que todo pareciera más grande.

Allá todo despegó para ellos. La beatlemanía nació. No pisaban una ciudad sin que una estampida apareciera en busca siquiera de una mirada. La prensa también ayudó

L

A LLEGADA DE LOS BEATLES A NORTEAMÉRICA AYUDÓ A CATAPULTARLOS A LA VERDADERA

FAMA.

a que esta locura se desborde.

Bastante. Los relacionistas públicos, ni que hablar.

Pero poco a poco sus apariciones en cualquier lugar dejaron de ser mera coincidencia. Cada álbum se regía bajo alguna no tan misteriosa estrategia publicitaria

QUÉ HAY DE LOS

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MONKEES, LOS ANIMALS, O LOS ZOMBIES...?

que se armaba cada vez que los escarabajos se presentaban en la escena pública. En ocasiones, hasta su música se veía relegada a un segundo plano cuando se trataba de la popularidad de los personajes.

quienes se inspiraban, otros como el paradigma que había que seguir, y otros en cambio los veían como un grupo que simplemente tuvo suerte y que no merecía la atención que tuvo.

Llegados los finales de los 60, las cosas cambiaron. Otros géneros empezaron a dar la lucha al Rock N’ Roll. Era una carrera para ver quienes superaban la algarabía que había causado The Beatles y una forma de probar que no eran los únicos.

Es claro que los Beatles han aportado grandes cosas a la industria de la música en su totalidad, no solo como banda, sino como el gran culto a la personalidad. Pero a veces no podemos sino detenernos ahí.

Muchos los imitaban, para otros los Beatles eran unas musas de

Quizás los ojos de amor hacen que no veamos el panorama completo.

Y a eso se remonta todo; a la

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Los fans, la prensa, el equipo detrás de ese “espectáculo”, la industria en su totalidad somos los instigadores de

INSTI tal divinización. Solo ocasionalmente los mismos músicos. Con esto no se está desvalorizando su virtuosidad, pero ¡vamos!, el mismo Mc Cartney ha dicho en varias ocasiones que escribir sus canciones no ha sido la gran cosa, y que de hecho, algunas son menos profundas de lo que creemos o del sentido que queremos darles. Esto no tiene nada de malo.

Las canciones más triviales han roto records, y a veces justo por eso nos gustan tanto, pero los “yeahs” de los Beatles son más ovacionados que sus cancones más elaboradas.

La cosa con sobrepopular una banda de fans y de atención es que no vemos más allá de lo que en otras instancias, fuera evidente.

Los Beatles, así como Chuck y Elvis

R E S

eclipsaron el talento, o más bien la atención hacia otros músicos, algunos más complejos, más técnicos, con mucho más qué decir. Con esto no intentamos

menoscabar todo lo que lograron estos músicos, que innegablemente ha sido bastante, sino transparentar un poco esa venda.

A pesar de que el rock es ahora un género demasiado amplio siquiera para intentarlo, si nos ponemos más técnicos, cada Beatle tiene cola que les pise. Seguro, la banda como un conjunto es fenomenal, pero qué hay de Los Monkees, Los Animals, o Los Zombies, menos conocidos y por supuesto menos promocionados, pero con sonidos más experimentales y con álbumes que fácilmente podrían haber logrado lo que el Sgt. Pepper.

GADO Al igual que los Beatles, los Rolling

Stones son más apreciados por la gran lengua de su logo que por su música. Kiss armó un gran imperio con su imagen, que hasta vende ataúdes con sus fotos. Pero su música ha tenido altibajos que si se juzgara el aspecto música, no estarían donde están hasta ahora.

De esas hay decenas de bandas, que disfrutaron de un éxito que no se equiparó necesariamente con sus habilidades musicales, o con la cantidad de influencia musical, sino más bien con un golpe de suerte, con un gran fanatismo por el personaje, por el aporte a la cultura popular, o simplemente por alguno que otro escándalo.

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fascinación ante un simple mortal para convertirlo en dios.

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os Sex Pistols son una de las bandas más “controvertidas” de todos los tiempos.

Muchos no se cansan de afirmar que han revolucionado el rock, el espectáculo, la moda, y que han sido los “creadores” de la actitud punk.

Y aunque uno, o varios de sus miembros ni siquiera sabían tocar su instrumento, su álbum debut (y el único) no tiene nada de amateur.

Contaron con un sonido experimental, sí, pero nada mal ejecutado. Pero el sonido de su álbum no tiene nada

que ver con que por todas partes se escuche hablar de esta banda. A lo mucho cuatro canciones realmente son recordadas. Fue la puesta en escena de sus primeras tocadas lo que levantó cejas. Para bien y para mal. Su discurso de importarles una mierda todo, hacer literalmente lo que se les da la gana, su look, su actitud de desidia y enojo no pasaron desapercibidos. En ese entonces la escena punk no estaba consolidada. Había bandas que empezaban a marcar un ritmo punk rudimentario, pero no se había visto nada como los escupitajos que Los Pistols lanzaron en sus primeras presentaciones.

El grupo se volvió icónico a tal punto que una ideología, creada en parte por ellos mismos, se contradijo con sus “principios”. Cuando Sid Vicious entró al grupo, reemplazando al bajista Glen Matlock, fue por su amistad con Johnny Rotten, no porque fuera precisamente un buen músico. En tal caso, sería todo lo contrario. A la banda le convenía; Sid era un buen retrato punk. Sus

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Nevermind the bollocks no era solamente un nombrecillo. Fue el álbum que expandió al Rock N’Roll, y lo que influyó a otros artistas a atreverse a mostrar el dedo del medio y ver cómo te aplauden por ello.

actuaciones arriba del escenario, su consumo de drogas, su vestimenta, incluso su forma de hablar constituía la imagen punk que los hizo famosos.

Jhonny Rotten no se quedaba atrás; su particular voz y forma de cantar (o vociferar), además de su actitud hizo que el espectáculo fuera exactamente eso, una interesante, cruda y callejera puesta en escena.

Varias de sus apariciones tenían que ver con la anarquía que querían expresar. Y lo paradójico es que fue en realidad su manager, Malcolm McLaren quien maquinó estos planes, para publicitar su álbum.

Uno de ellos fue la presentación en un bote justo el día en que la reina conmemoraba un aniversario, nada menos que tocando la canción “God save the Queen”, siendo objeto de un obvio arresto. Lo mismo pasó con su moda. Los Pistols fueron modelos de esa emergente era donde mientras más roto, desaliñado, y zarrapastroso se vea, mejor.

Nevermind the bollocks no era solamente un nombrecillo Fue el Album que expandi al Rock N Roll y lo que influy a otros artistas a atreverse a mostrar el dedo Es verdad que varios músicos, entre ellos el mismo Jimmy Page ha admitido ser fan, y otros como Kurt Cobain han declarado sentirse muy identificados con su música y todo lo que representaban en ese entonces.

Muchas de las anécdotas con Sex Pistols han sugerido que su imagen y actitud fue lo que los ha influenciado.

Fueron los primeros en retratar el movimiento punk en Inglaterra. Los 70 eran todavía una década algo puritana, donde la rebeldía a ese punto no era bien vista. Los Pistols

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Con el paso del tiempo, Nevermid the Bollocks no fue un paradigma musical. La banda lo era. Los excesos, los shockeantes espectáculos, los escándalos que envolvieron a Sid y Johnny, porque pareciera que los Sex Pistols eran solo estos dos, dejaron en la sombra al álbum que aparentemente los llevó al éxito. De hecho, en sus primeros conciertos la audiencia era menos que escasa. Muchos abandonaban el lugar, otros los abucheaban, los que sí se quedaban criticaban a la banda por su falta de “talento”.

Pero por otro lado la banda tuvo sus seguidores, quienes creían que no

importa cuán mal toques, si tienes estilo lo puedes lograr, y otros que creían fervientemente en la ola que estaban creando.

Con todo, los dotes musicales no eran tan desafiantes, como sí su personalidad. Sid Vicious subido al escenario a mimetizar tocar un bajo, que ni siquiera sabía tomar con las manos, los escupitajos de Johnny, la cantidad de sangre que Sid salpicaba con sus cortes en vivo, los efectos de las drogas, la cantidad de insultos que proferían los hizo merecedores de un trono en el Rock N’ Roll.

Y bueno, Nevermid… ¿El qué?

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cambiaron eso, y lo hicieron una tendencia.

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Ahora ya no se piensa en disco, ni siquiera ya en la nube. Esta generación Z, y la A quiere música dentro de sus aplicaciones. El “multitask” es que llaman.

La cantidad de álbumes completos que se escuchan ahora ya no se pueden comparar con el número de “sencillos”. Un álbum completo sería demasiado para esta generación. A eso lo llaman vintage. O suerte.

Los LPs primero, luego los CDs eran la esencia de la música. Pasarse 40

o 50 minutos escuchando arte, o un fiasco, si era el caso, hacía que toda la producción de un álbum tenga un satisfactorio sentido. Además, escuchar música en tiempos de LP era todo un proceso. Si querías pasar de un artista a otro, o de un lado A, a un lado B, tenías que levantarte a cambiarlo. Es ahí donde el arte de escuchar un álbum completo era una verdadera experiencia sonora. Incluso muchos álbumes se produjeron de tal forma que una canción termine al inicio o mitad de la próxima. Los álbumes continuos le daban un toque más conceptual a su música. El Dark Side of the Moon de Pink Floyd, por ejemplo.

Pero la noción de sencillos apareció.

Era más una estrategia comercial, que cualquier otra cosa. Si una canción atrapaba el oído del público, ¡bingo!, seguro que van a escuchar el álbum completo. Los sencillos eran esas canciones aptas para ser escuchadas en la radio, y debían tener potencial para dar paso al lanzamiento del álbum.

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La música ya no es lo que era.” “Antes sí se escuchaba música”.

Sí, lo sabemos. Hablamos como un abuelo. Pero es que las cosas han cambiado. Eso hasta un sordo lo sabe. Lo que sí es cierto es que la forma de consumir; así es, de consumir música, ha cambiado. Se ha vuelto otra moneda de intercambio.

Lamentable para unos. Conveniente para otros.

la música era novedosa, e incluso dio paso a una nueva dinámica y experiencia sonora.

El cassette, odiado por muchos, añorado por otros, fue el primer medio para escuchar sencillos. Claro, el sonido no era el mejor, pero al menos podías llevarlo a todas partes, y hacer tus propias mezclas. El cd más después hacía las cosas más fáciles y compactas en términos de almacenamiento, y en cuanto al cuándo y cómo escuchar música.

Pero pasado el tiempo, los LPs se fueron convirtiendo en un accesorio de colección bastante costoso y pesado, y el Cd en un material brillante para hacer manualidades.

Con el proceso de la música a lo digital, y la creación de un escandaloso Napster para el intercambio gratuito, de pronto bastaba con hacer clic para escuchar una canción.

Así nació el intercambio de música. Se popularizó mucho el pedir una canción a cambio de otra por internet.

Era un verdadero milagro. La socialización digital a través de

Eso, hasta el episodio donde Lars Ulrich demandó a Napster por violar derechos de autor. Está por demás decir que Napster era una página “ilegal”, pues los artistas no recibían ni un peso. Sin embargo, existe un largo y a veces aburrido debate sobre si Napster, y todas las plataformas gratuitas que vinieron después les robaban a los artistas, o si democratizaban y globalizaban la música, antes privada sólo para aquellos que compraran el álbum entero.

Y si bien este tipo de práctica, donde compartías canciones sueltas de tu artista favorito haya facilitado las cosas para todos, también le quitó el poder al artista, tanto monetario como en términos de la producción musical.

Con el internet, la mejor forma de comercializar los sencillos fue justamente con plataformas de intercambio de música. A medida que lo digital avanzaba, también la industria. Spotify, Apple Music, Deezer, y todas las aplicaciones de

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Pero entonces, otro “obstáculo”, por llamarlo de alguna manera apareció. Aquí es donde las licencias musicales entran, y en menor medida los conciertos y giras. Y nos olvidamos de algo que en los últimos años parece ser el mayor incentivo para aumentar las ganancias: las redes sociales. Sin redes, el músico no existe.

Esto hacía que más músicos nuevos entraran al radar, que los antiguos se modernizaran, y que los artistas del momento se posicionaran.

Entonces se gesta una discusión sobre si las funciones que ahora tienen las redes realmente hacen que el artista explote al máximo su talento, y si es el medio más idóneo para promocionar su música.

No cabe duda de que la función música en la redes sociales ha hecho que esta sea parte fundamental en la creación de contenidos y en la exposición masiva de los artistas y creadores d e contenido.

Pero esta exposición n o contribuye en gran medida

a que la canción (ya no hablamos de álbumes) sea apreciada en su totalidad, sino que hace que un pequeño fragmento, limitado a 15 segundos sea usado como un simple accesorio para el video de un baile, o una publicidad, por ejemplo.

A simple vista es cierto que las redes sociales exponen a un artista.

Hoy, es la mejor forma de que sea descubierto por más personas, y por ende, que su música sea más consumida. Es una oportunidad para comercializar, ganar más dinero, imponer un estilo y género. Pero la realidad es que muy pocos álbumes completos llegan a tener tanto éxito en redes sociales como lo hacen sus sencillos. Y en términos prácticos, esa canción con millones y millones de reproducciones no se traduce en ventas discográficas, ni interés por conocer al artista, mucho menos pagar por un disco. Si acaso se transforma en la venta de un sencillo como lo hace Apple desde hace ya un tiempo. Más bien se traduce en acudir a Spotify o a la plataforma de mejor conveniencia, y escuchar esa

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streaming, permitieron a la música llegar fácilmente a más personas.

Y se fue democratizando en su totalidad.

canción una y otra vez.

Lo que hace más precario el esfuerzo puesto en toda la producción del álbum en conjunto. Desde el concepto, hasta el mensaje.

Y entre esos gigantes que se han apoderado de la forma de escuchar música, y que han ido evolucionando y revolucionando está Tik Tok. Esta aplicación de contenido en video es un puente entre la promoción de artistas y el público. Se ha convertido en el medio para promocionar y colocar a los artistas. Algo así como un banner musical

Las millones de reproducciones que supone un video con la música de un artista dentro de Tik Tok pueden ser presumiblemente positivas.

Imagínense; millones de personas escuchando una misma canción, millones de personas usándola, millones de personas viendo videos con esa canción. La viralización es solo cuestión de tiempo. Pero pensémoslo de nuevo. ¿Cuántos segundos promedio de la canción realmente se escucha? No más de 15. Con suerte los 30 que dura un video estándar en la aplicación. Y aquí la pregunta es ¿realmente se escucha la canción? ¿O solamente ese segmento en particular? Y si lo pensamos mejor, ese fragmento que se viraliza, anula automáticamente el resto de la canción.

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Sin músico Sin redes, redes, el el músico no no existe. existe.

Esto hacía que más músicos nuevos entraran al radar, que los antiguos se modernizaran, y que los artistas del momento se posicionaran.

Más aún, esa canción es editada una y otra vez; se acelera la velocidad, se cambia el tono de la canción, o hasta se cambia el nombre de la misma cuando se sube nuevamente un video.

Tik Tok está lleno de singles y amateurs, que claro, crean un nicho donde pueden migrar a otras aplicaciones como Spotify o Youtube, pero cuyos artistas ni siquiera han grabado álbum alguno, porque ya no es tan rentable hacerlo. Estos son más bien considerados creadores de contenido, y se vuelven famosos por un “hit de Tik Tok”, por el número de seguidores y usuarios que usan sus canciones, o por volver a una canción famosa con las variaciones que le hacen a la canción.

Y cabe preguntarse también; ¿acaso la música tiene que pasar por el filtro Tik Tok para ser oficial? Es entendible que la inmediatez de los tiempos actuales hace que no haya mucha oportunidad para detenerse un momento, ponerle play, y escuchar la canción de principio a fin. Pero ¿alguna vez podremos dejar de influenciarnos de Tik Tok para descubrir música nueva? ¿O llegará el día en que volvamos en el tiempo, y podremos desenfundar un disco que dura aproximadamente 45 minutos para de hecho escucharlo?

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Los derechos de un artista en Tik Tok, si bien han cambiado drásticamente, habiendo retirado cientos de canciones de la plataforma, en sus inicios no fue así. Tik Tok era un país donde la música flotaba libremente sin necesidad de atribuir mucho al autor. La canción aparece en un extremo, a veces sin portada, a veces con otro nombre, e incluso con atribución a algún usuario que subió dicha canción.

Seguramente todos nos hemos topado con canciones alteradas por mezclas de sonidos que crean una nueva versión. En la historia, ha habido canciones relanzadas por el mismo artista que incluso sobrepasan el éxito de la original.

En Tik Tok, estos remixes son sonidos nuevos y pegadizos que funcionan como ancla para captar la atención del público, que se relacionan con el video, o que simplemente se escuchan bien para las generaciones actuales, pero que en ocasiones avergüenzan a las pasadas. O en los mejores casos, canciones que simplemente se desempolvan y gozan de un puesto privilegiado en las listas de hits gracias a usuarios que han usado su música y que por fortuna dieron buenos resultados al hacerse virales.

Dreams de Fleetwood Mac, o Rasputin de Boney M llegaron a Tik Tok en el 2020 y 2021, volviendo después de tantísimos años para romper las listas. Bueno al menos por el tiempo que duran las tendencias. Y eso nos lleva a otro punto; la fugacidad de las tendencias. Incluso, y sobre todo en música.

Una canción puede llegar a ser viral durante un tiempo prolongado, pero pasa lo que en redes sociales; siempre llega algo más. Muchos artistas que saben la estrategia de música en redes sociales compiten por un “primer lugar” en las tendencias de Tik Tok, con sonidos a los que ya acostumbraron a los usuarios y que son tan familiares

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que solo basta con colocarlos en la palestra.

Pero volviendo con Rasputin, la canción se modernizó, y en parte se perdió entre uno de los tantos sonidos superpuestos que le daban un ritmo pegadizo a la canción. Muchos aún piensan que este éxito es el original, y que la verdadera canción es una de las tantas versiones.

Hoy Tik Tok asciende a las aplicaciones con más licencias musicales que otras. Los usuarios van allá a descubrir música. La mayoría de videos que se reproducen allí llevan fragmentos, tanto de licencias musicales, como de creaciones y samples de los mismos usuarios.

Es la oportunidad y la plataforma perfecta para dar a conocer los dotes de producción y mezcla de algunos aficionados. Y Tik Tok hace lo suyo; los sonidos son coreografiables, hay una sincronización de voces, sketches, entre otros. Pero esos 15 o 30 segundos, ese coro, ese pequeño fragmento no le hace nada de justicia a la canción. Y por supuesto, tampoco al artista.

Para ganarle al algoritmo, los usuarios usan aquellas canciones que están en tendencia, las virales, las que todos están usando, lo que también supone que aún más personas descubran, o usen esa misma canción al navegar por la aplicación.

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Pero quedándonos con Rasputin, también se viralizaron un par de remixes, no lo vamos a negar, bastante pegadizos, que sí, tenían la esencia de la canción original. Esto hizo que... ¿volviera a resurgir? No realmente. Los “samples”, término usado para describir esos sonidos tomados de la canción original han sido usados y abusados en Tik Tok e Instagram. Los samples han sido una herramienta bastante útil, hasta el punto de hacerse incluso más populares que la canción original. Un Hipertexto de un hipertexto.

ciende a las ap k as lic ac u a s r u i os v io Los an al l

licencias m m ás us ic a on c m ú r s i s r i le c b a. e u c n s de a á

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s.

La aplicación no es una hacedora de artistas, sino una agente de relaciones públicas, una muy poderosa por cierto, que crea un impacto y una gran colección de One Hit wonders. La experiencia musical quedó relegada a esos que coleccionan vinilos, CDs, casettes, o incluso los que todavía tienen una biblioteca digital, que si bien aún son muchos, están siendo absorbidos por las plataformas de streaming, y los millones que escuchan su

Entonces, muchos álbumes conceptuales, experimentales, secuenciales, simbólicos, y que no se limitan a 15 o 30 segundos de melodía no son apreciados como se debe, y el pequeño recuadro de sonido no justifica lo que un artista puede hacer con su música, cómo la lanza al mundo, y todo lo que puede conseguir con su música si tan solo les diésemos la oportunidad de escucharlo completo, o al menos por más de 15 segundos como si de un loop se tratara.

To Tik

Pero cuando un artista se reduce a una pequeña porción de una canción, lo que queda es el famoso One Hit Wonder. De estos hay muchísimos en Tik Tok. De hecho, esta es una característica de los artistas emergentes en la aplicación.

Un álbum puede posicionarse entre las listas de música solamente por una canción. ¿Será entonces que toda la producción fue en vano, y que ahora los productores musicales se dediquen a lanzar canciones sueltas para Tik tok?

música, o una parte de ella dentro de las aplicaciones sociales.

Ho

Tik Tok se caracteriza por la redundancia. Claro, hay variedad en sus contenidos, pero la música se repite durante su esplendor. Y por supuesto esto tiene un porqué; la letra con sangre entra. Te meten incansablemente una canción en la cabeza para que la consumas. Y gracias a esto se extiende a las listas de éxitos, se masifica, haciendo que los negocios entre las discográficas y la aplicación sean más redituables.

Pocas veces esos hits se transforman en un álbum completo, y menos aún, uno exitoso de principio a fin.

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REGGAETÓ

No es chiste. Ni inicios de los 2010, donde el reggaetón y el rock eran agua y aceite. Y tal vez el infierno se congele para los que lo sentenciaron cuando estos géneros se juntaron. Llegamos al año,

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N Y ROCK…

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o más bien a la década donde esta ya es una realidad. ¿Cómo pasó? ¿Qué salió mal? ¿O bien?

La respuesta puede estar asociada a los tiempos en los que vivimos.

C

Cuando el rock se consolidó como un género perteneciente a la contracultura hubo muchos detractores.

El rock se volvió rebelde, contestatario, y no precisa o necesariamente por los músicos.

Cuando evolucionó y se desperdigó en varios subgéneros, la brecha se abrió cada vez más. El glam no se llevaba muy bien que digamos con el punk, a pesar de que ambos nacieron del mismo padre. Y eso pasó también con el black metal, que no soportaba al soft rock.

En fin. El origen tan amplio del rock permitió que estas rivalizaciones ocurrieran. Si no, ¿cómo explicamos el día de la Demolición de la música Disco? Es cierto que tal vez el rock no fuera el responsable decisivo de esto, pero buena parte de ello estalló en su nombre.

El rock ha sido uno de los géneros musicales más controvertidos y escandalosos de la historia de la música, aunque no el único.

Sus inicios y la evolución que ha tenido han estado bañados de temas políticos, culturales, sociales y religiosos. Es que la música en general es todo eso y más. Y como en todo, la competencia sobre saber quién o qué es mejor también llegó, con mucha saña, al ámbito musical.

Unos blues y rhythm se ramificaron, dando origen a varios estilos musicales, que a su vez se transformaron en el Rock N’ Roll, y

así sucesivamente. Las posibilidades de expansión del rock eran infinitas, justamente por la diversidad de ritmos en que se devanaba. Pero algunos subgéneros eran muy celosos de su origen y de su sonido.

El punk se quería desapegar de sus orígenes y convertirse en un hijo ilegítimo del rock N’ Roll. Casi lo logra.

Conforme otros sonidos se fueron consolidado, el rock ya no era el único género contestatario. El reggae clamaba paz y libertad desde los 60, con letras más pacíficas, eso sí.

Luego, un hip hop que respondía a temáticas sociales, culturales, y en general a varias controversias que lo hacían parte de una contracultura transformada. Sin embargo, la

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La música protesta se ambientó en contextos de guerra y manifestaciones. Estas canciones fueron útiles en sus tiempos, reclamando un lugar en la música que perduró mucho tiempo.

El rock latino fusionó sonidos norteamericanos y europeos, pero se hizo su espacio y consiguió su séquito.

Los géneros tropicales todavía estaban enclaustrados en America Latina. Esto pese a que algunos de los mayores exponentes de salsa vivían, se presentaban y grababan en Nueva York. La “inclusión” no llegaría hasta que cierta música que combinaría géneros de distintos lugares, tanto del América Latina, como de Norteamerica y el Caribe se gestó.

Para muchos, el reggaetón es nuevo, o al menos como lo conocemos ahora. Pero lo cierto es que el género ha estado cocinándose desde los años 90. Lo que se debate es si fue en las cocinas de Puerto Rico, República Dominicana, o Panamá.

La variedad de géneros que combinó el reggaetón se remonta desde el rap de Nueva York, pasando por el reggae, electrónica, y el dembow, probablemente el ritmo que más lo representa, y que se basa en el dancehall y beats repetitivos.

BLUES RHYTHM

DIERON ORÍGEN A VARIOS ESTILOS MUSICALES QUE SE DERIVARON EN ROCK. El reggaetón también se diversificó y aunque no se puede hablar propiamente de subgéneros, lo que sí ha hecho es seguir la tendencia, incorporar sonidos más lentos, más rápidos, nuevos, y fusionarlos con casi todos los ritmos tropicales. Eso ha hecho que últimamente haya ganado el gran terreno que tiene mundialmente, nos guste o no.

Ahora, a lo nuestro. Si el reggaetón, género por de más popular y global se ha hecho su espacio, empujando clásicos o éxitos del momento a puestos nada envidiables, y arrebatando estatuillas de premios de poca reputación hoy en día, era cuestión de tiempo para que también haya querido meterse en terrenos hasta hace poco, inexplorados.

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música latina o hispanohablante estaba un poco desligada de la anglosajona, con sus propias luchas y revoluciones. Aunque hubo algunos infiltrados que lograron combinar estilos y géneros.

The Metallica Blacklist Metallica

Ha tenido 21,053,866 reproducciones desde su lanzamiento en el 2021, y 6,234 diariamente.

El reggaetón ya se mezcló antes con géneros impensables, pero no tan sorprendentes como la cumbia, o el pop. Es que la música a partir de los 2010s se fue convirtiendo en qué es lo que más da dinero; qué suena más, para hacer de lo mismo; qué género no ha sido tan explorado, y explotado, para así traerlo a la esfera.

El reggaetón entonces ya no era exclusivo de instancias hispanohablantes. Logró migrar, y obtener una residencia permanente.

Se llevó bastante bien con el hip hop, el trap, el R&B. Esos géneros de los que de hecho salió. Pero no tanto con otros, que lo miraban de reojo y en cada ocasión que podían, lanzaban sus mordaces opiniones.

El amadísimo hip hop de los americanos le dio la mano al reggaetón para que más personas lo “conozcan” en lugar de juzgarlo a primera vista, u oída. Así, este se fue haciendo contactos, y abriendo puertas en el mercado musical global, haciendo colaboraciones y sacando éxitos, según las principales listas digitales.

Mientras tanto, el rock se estaba quedando atrás, no como música, sino como uno de los principales géneros en entrar en los oídos de los más jóvenes, como lo hacía antes.

Los éxitos del rock en comparación con el reggaetón en los últimos 10 años no tuvieron muy buenos números que digamos. El mejor rock sería entonces para muchos, el “de antes”, “el viejito”, lo cual no era muy atrayente para las cortas edades.

Claro, hay millones de excepciones.

Pero sin duda el estilo de vida juvenil también contribuyó a que otros géneros en lugar del rock entren a formar parte de sus playlists.

Poco a poco el rock se veía arrinconado a una ya inmensa escena, al principio rival; era impensable poner una canción de rock y más luego una de reggaetón.

Estas rivalidades, como en la etapa del hip hop, o del punk, se vio impulsada por fanáticos exaltados y con una animadversión, ya sea de uno u otro género, por cualquier razón posible.

Pero pasó algo que ya ocurrió en los 80; una fusión impensable,

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El día se sitúa en 1986. Los protagonistas fueron los raperos Run- DMC y la banda de rock Aerosmith, más específicamente Steven Tyler y Joe Perry. Antes de este encuentro, ninguna de las dos partes había escuchado del otro. Aunque Steven de hecho sí que había escuchado rap, y confesó que le agradaba.

Pero hay que observar que la colaboración le vino mejor a Aerosmith que a Run-DMC. Los rockeros estaban pasando por una mala racha después de que hayan sido una de las bandas más grandes de los 70, y en cambio DMC estaba casi en pleno auge.

La estrategia de combinar estos sonidos fue en parte idea del productor de los raperos, quienes pensaron que sería buena idea mezclar ambos géneros. Y no se equivocaron.

Ni fue la primera vez que lo hicieron. La canción elegida fue “Walk this way”, lanzada en 1975 por Aerosmith, y que tuvo mucho éxito en los años 70 y una de las canciones que los catapultaron al éxito y que encabezó varias listas

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alk this way fue “sampleada” por uno de los DMC, antes de que la colaboración con Aerosmith se llevara a cabo.

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A pesar de que el hip hop y el rock no se llevaban particularmente bien, esto era simplemente porque el uno no conocía al otro. Hasta que ocurrió algo que en los años 80 fue insólito, raro e incongruente. El hip Hop se unió al rock. 2 géneros polarizados, controversiales en su estilo, contrarios en ritmo, pero pensándolo bien, muy similares en cuanto a sus orígenes. Ambos tenían estímulos sociales, políticos y culturales qué abordar, solo que no se habían encontrado, por lo aparentemente distinto de su música y los lugares que frecuentaban.

El día que el hip hop y el rock tumbaron paredes

Si bien la música es un compendio de varios géneros y sonidos entrelazados, desde que se creó la noción de clasificar la música, los géneros se desvinculaban unos de otros, causando cierta animosidad.

ROCK desdeñable, hasta detestable para cierto bando. Y ¿por qué? Porque al igual que en el paso de los 70s a los 80, las cosas cambian, y por supuesto eso incluye a la música.

El 2021 sería el año donde los que apostaban que el reggaetón y el rock jamás se podían juntar, perdieron.

Con Metallica a la cabeza, como en antaño sería su escandalosa vida, se prendió una antorcha de escandalosa sorpresa para casi todos. Incluyendo los más neutrales.

Y no sólo eso, sino que prendieron ese fuego con uno de sus álbumes más predilectos, casi como queriendo picarle a la herida.

El Black Album de 1991, en conmemoración por sus 30 años fue relanzado, con un nombre que indicaría lo que los fanáticos de la banda habrían querido. “The Metallica Black List” tuvo una serie de colaboraciones nada inadvertidas, un tanto extrañas, y definitivamente inesperadas.

artistas latinos que formaron parte del álbum fueron, Juanes, José Madero, Mon Laferte, entre otros.

Cabe recalcar que el álbum también tuvo colaboraciones de artistas y bandas dentro del metal y el rock.

Pero los artistas que causaron una impresión, no necesariamente positiva, fueron los latinos.

Y de nuevo, ¿por qué? La respuesta ha sido negada por parte de la misma banda, más allá de que quisieron hacer algo “especial” por el aniversario del que fue uno de sus álbumes más importantes, y el que casi los catapultó al éxito en esos años.

Otra posible razón es que como ya se dijo, la música cambia, y la escena también. Hoy es una digital, donde las tendencias priman, y para bien o para mal, los artistas deben seguirlas si quieren estar dentro de las listas musicales, o simplemente en el radar de intereses de la nueva generación. Porque la música en estos años ya no se desenvuelve en terrenos de si está bien o mal poner 2 géneros peleado, con o sin razón, sino de ¿acaso esto nos dará las ganancias monetarias que necesitamos? O ¿acaso esto hará que la nueva generación nos tenga en cuenta? Y sobre todo, si esta estrategia los seguirá manteniendo en el nivel en el que otros artistas, mayormente urbanos, se regocijan.

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GGAETON

Como introducción, y quizás la más escándalosa de alguna forma fue la colaboración de J Balvin a la canción “Whenever I may roam”. En esta era, casi totalmente digital la cantidad de comentarios de todo tipo no se hizo esperar ni un segundo. Otros

Y algo particular con Metallica que ya muchos conocían. Es una de las bandas más mainstream y comerciales que existen en el rock, y sorprendernos porque hayan

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musicales tanto en Europa como Estados Unidos. Pero ¿por qué esa canción?

Walk this way fue “sampleada” por uno de los DMC, sin saber de quién era la canción, mucho antes de que la colaboración se llevara a cabo como parte del rapero de experimentar con sonidos.

Y de hecho este tipo de prácticas no eran nada desconocidas en el hip hop. Ya la música disco había hecho lo propio en sus inicios, y esto fue una de las características de su sonido, así que el uso de samples era algo muy usual.

Esta mezcla también fue una forma de insertar a Run- DMC en el entonces mainstream musical. Su productor Rubin creía que hacer una colaboración haría que los raperos se colocaran en la esfera, y que los rockeros pudieran volver al pedestal de donde se estaban tambaleando. Y qué mejor que con una poco común.

La canción se terminó grabando y fue colocada en el álbum Raising Hell de los raperos, volviéndose tan popular y alcanzando un buen lugar en las listas, que el experimento fue todo un éxito para ambas partes.

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Qué nos quedó de esta colaboración: un video y una canción tan populares, pegajosos, y divertidos hasta el día de hoy; un cambio en la dinámica musical, que rompió un aparente límite entre 2 géneros de los que antes no nos hubiéramos imaginado que se puedan unir. Nadie perdió su reputación como músico, no hubo un masivo abucheo por parte del público, ni el resentimiento de los fans del rock, al menos no de muchos, más específicamente de los de Aerosmith. Al contrario, en muchas ocasiones, esta canción es más conocida del lado de Aerosmith, que la versión original, y el video todavía sigue siendo uno de los más icónicos de la historia, donde podemos ver 2 de los más grandes de los 80. Tal vez deberíamos aprender de este suceso.

tomado el camino de la moda es inútil. El álbum fue el pretexto perfecto para que los críticos más crueles tengan cierto cargo de conciencia. Lo recaudado en la venta del álbum sería destinados a varias fundaciones de la banda, así como otras que quisieron apoyar.

Bastante sospechoso y conveniente en términos monetarios, en realidad.

Aun así, más allá de las motivaciones caritativas, lo que encendieron es una gran discusión sobre los principios, o falta de ellos por parte de la banda en hacer una colaboración como tal.

Los tildaron de alejarse de sus inicios, de su género, donde todo lo que no sea rockero es una pose.

Por el otro lado, el del reggaetón, no se tuvo una mayor reacción, más allá de algunas burlas, indiferencia, y en el mejor de los casos, el oír por primera vez algo de Metallica. Para los que no están dentro de ningún bando, esto fue fuente principal de parodias y memes. Lo cierto es que sí tuvo reacciones. Tal y como quiso la banda. Porque no hay tal cosa como mala publicidad. A pesar de tal revuelo, el escandalillo no duró más de lo digitalmente posible en estos efímeros tiempos. Todos

pasaron a lo siguiente de la agenda.

A diferencia de la colaboración que hizo Aerosmith con Run DMC, las de Metallica, con la cantidad de artistas de todo tipo no dieron los frutos esperados, ni en los puestos musicales, ni en lo comercial, sino solo en el ámbito cultural, y vaya que dio de qué hablar.

Y entonces nos encontramos con que convivir con la nueva era depende de colarse en la fiesta que está viviendo la nueva generación, si es posible verse, actuar, y casi calcarse en ellos si lo que se quiere es relevancia, sobre todo con respecto al ámbito musical.

Metallica también pasó a lo siguiente.

Algunos fans se desligaron de la banda, otros también lo superaron, y a otros simplemente les dio igual.

Este experimento sirvió para darnos cuenta de que por más que uno sea fiel a algo, no se puede parar el paso del tiempo, ni detener las tendencias, sino acaso sacar provecho con ellas, y definitivamente tomar las cosas como son, una era tras otra. Incluso la música. Porque si no hubiera habido un jazz, jamás habría un rock.

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A nuestro auspiciantes no les gusta la música.

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