PLÁSTICAS FUNCIONALES

PLÁSTICAS FUNCIONALES LA ESCENOGRAFÍA

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PLÁSTICAS

FUNCIONALES

LA ESCENOGRAFÍA Wilson Pelaez Código: 20112016186

Director de Trabajo de Grado: _______________________ Universidad Distrital Francisco José de Caldas Facultad de Artes Asab Proyecto Curricular de Artes Plásticas y Visuales Bogota d.c.

FECHA

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INTRO

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LA RUTA EL ROL

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LA TRAMA

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LAS ACCIONES

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EXPLORACIONES

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CUSTOMIZANDO 49

PUESTA FINAL

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“A los colegas en proyectos personales y colectivos, estudiantes, empíricos y profesionales. Las diversas posibilidades para el desarrollo profesional, a través de enlazar el potencial expresivo del campo de las artes plásticas y visuales con otras áreas del conocimiento, promueven la creación de metodologías de trabajo propias, la renovación de las prácticas artísticas además de generar rutas alternas de emprendimiento y gestión laboral.”

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INTRO

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or su naturaleza expresiva, las artes pueden generar conexiones entre sí, y en otros espacios de creación y trabajo. La conexión se hace presente en muchos aspectos ya sean términos, lógicas o dinámicas que aportan a las iniciativas en danza, literatura, teatro, música y visuales en general. La construcción escenográfica es el territorio en el que fundamento las reflexiones expuestas en este texto (cartilla), pues gracias a la participación, parcial o total, en propuestas de dicha índole y a esos vínculos multidisciplinares, el hecho plástico fue el soporte como disciplina para incursionar de forma profesional en diversos proyectos cuyas experiencias además de la realización artística condujeron a la idealización de un método de trabajo y una alternativa laboral.

Ese modo de operar, que paso a paso ha ido construyéndose para aportar dentro de dichas conexiones, puede identificarse como Practica Artística Funcional; pues desde la experiencia es la comunión entre conocimiento y mecanismos del hacer plástico (dibujo, instalación, fotografía, tridimensional, etc.) con la representación teatral y en este caso, las prácticas de las artes escénicas. Un proceso que surge por las necesidades propias de una puesta en escena que al entrar en dialogo con la imagen abre numerosas opciones para la exploración,

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resultando en una propuesta visual que materializa la idea general de la obra y asegura una unidad de sentido que se transmite al público espectador.

aspectos que se exploran las distintas formas para plantear la idea -o las ideas- de la propuesta visual, definir el concepto general y poder desarrollarlo.

Dentro de esta práctica es válido identificar tres condiciones iniciales propias al contexto de la pieza, las cuales son determinadas y determinantes: un texto base, un contexto de la obra y un pretexto, entiéndase este último como aquello que el director quiere expresar, una problemática, un sentimiento, un estado mental, etc. Es a partir de estos

En el momento de realización, pieza y espacio se amalgaman de forma tal que permiten concebir ese lugar no lugar, el punto escénico óptimo donde la imagen (estática o en movimiento) ayuda a enlazar las cualidades de una pieza de teatro para lograr una Metáfora. Y es que en la creación artística se vale metaforizar por medios como la

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Recrear realidades, fantasías, fragmentos de tiempo, espacios oníricos y mucho más, son pilares de la creación escenográfica y en esta iniciativa se apunta a resaltar dicha labor para ser -desde mi perspectiva y experiencia como artista plástico y visual- “contemplada” como una forma de construcción de sentido.

La Práctica Artística Funcional es en esencia un tipo de creación con valor artístico y reflexiones propias, que se realiza con un fin –sea el uso o la representación- pero cuyas especificaciones están en constante cambio debido a la diversidad de iniciativas que la promueven, esto a la vez mantiene un constante aprendizaje debido a su cualidad principal: La Funcionalidad.

LA RUTA

instalación, el objeto, el sonido o las acciones para recrear universos, épocas, contextos, etc., que den cuenta del suceso representado o interpretado. Es la metáfora lo que estremece y envuelve, lo que conmueve, eso que identifica, incomoda o transforma la percepción del espectador y le brinda la oportunidad de generar sus propias conclusiones. Que visualmente impacte al público, que alimente su curiosidad, que genere expectativa y –por qué no- asombro, hace parte de esa comunión para mantener la atención del público pues la construcción visual vincula todos los aspectos que se desarrollen en escena.

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omo sucede con muchas otras personas y artistas, desde que tengo memoria he utilizado el dibujo para proyectar y dar forma a mis ideas. Inicialmente esbozaba figuras buscando copiar algún personaje, objetos y lugares fantásticos que provenían de la televisión, el cine o los videojuegos. Con el paso del tiempo el reto se transformaba en pro de lograr una mimesis de modo bidi o tridimensional -obviamente a la escala de mis posibilidades-, así que con los medios que tenía al alcance modelaba o construía formas procurando recrear aquello que visualmente me produjese asombro y curiosidad –y la llegada del “Estralandia” o “Armo-todo” a mi niñez fue lo que alimentó aún más ese gusto-. Realizar una actividad constantemente la convierte en costumbre, así que con el paso del tiempo el ocio y el juego adquirieron otros matices y poco a poco pasaron a ser tareas y encargos.

-Todo aquello que hoy podría llamar ejercicios, alimentaron lo que ahora considero una base fundamental en la manera como abordo la práctica profesional. – Los retos cambiaron y crecieron -descubrí que lo que me gustaba hacer podría traer recompensa y podría ser una forma de acceder a otras instancias-, instintivamente iniciaba un proceso donde la creación estaba sujeta a ciertos parámetros o necesidades y esa nueva posibilidad alertaba e impulsaba a la búsqueda de otros recursos o medios plásticos diferentes para de-

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sarrollar una idea, donde el aprendizaje por medio de la observación, la memoria y la experimentación se hicieron vitales. Las tareas escolares de esos años, ajenas y propias, eran la excusa perfecta para poner en práctica algo recién aprendido, pues existiendo la posibilidad de realizar un trabajo por encargo existía también la oportunidad de demostrar capacidades y conectar con las expectativas, ajenas y propias, siendo el medio mi manera de ver y hacer.

-Creo que en muchos casos la vida como niños y adolescentes, nos da fichas que con el paso del tiempo se aprenden a usar, a ensamblar para ir construyendo una forma de pensar, de hacer y de ser.Desde luego existen muchas más experiencias y todas con un grado de importancia en algún momento, pero esbozan cómo esas acciones constituyeron un proceso de trabajo. El paso por la facultad de artes amplió el espectro de posibilidades, desde el modo de entender las manifestaciones artísticas hasta las múltiples técnicas y medios de expresión que se pueden emplear.

Dicho proceso represento una exploración en mis propios recuerdos pues fueron y son esas reminiscencias un constante impulso para construir, experimentar, crear. El buscar entender ejercicios y replantearlos dentro del trabajo propio, no importa la línea de profundización, posibilita soluciones y alternativas en la generación y posterior construcción de un proyecto.

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El entorno y la comunidad académica son también una oportunidad para plantearse retos expresivos e intelectuales. Sin pensarlo, y gracias a la casualidad, las Artes Escénicas propiciaron una serie de ejercicios, algunos partiendo del hecho de la improvisación y otros cuya función estaba dirigida a piezas de utilería, que además de solución a una necesidad actoral o espacial para algún montaje, detonaron una costumbre de plantear y replantear modos y técnicas de realización. Los lenguajes escénicos en conjunto con otras áreas, se apoyan para conseguir exponer toda una situación dramática, lo que impulsa a indagar en otras aplicaciones del arte plástico y la variedad de formas de percepción y exploración de la imagen, de las formas en que puede ser utilizada y expuesta, pues sin importar si la creación plástica está o no en un primer plano, cada objeto por pequeño que sea tiene importancia dentro de una escena y hace parte de ese todo que la conforma.

ca, experimentar a partir de otra, conseguir la mimesis de algún elemento, etc., hasta realizar ejercicios de maquillaje (pintura) o diseño de vestuario (dibujo), son acciones que propician una constante búsqueda que poco a poco dibujan una metodología de creación -desde luego si alguien decide ingresar en este campo, desarrollará su propio método-. Es toda una exploración de materiales, técnicas, recorridos, referentes, lógicas y soluciones, apropiadas desde el área visual para conseguir ciertas especificaciones dictadas inicialmente por necesidades puntuales.

-Desde luego no ha sido un proceso sencillo, ni corto y mucho menos dado por terminado pues cada proyecto es único, con nuevas exigencias y la misma práctica impulsa la búsqueda de nuevas experiencias. Transcurridos siete años desde el primer acercamiento, la construcción escenográfica ahora se constituye en mi modus vivendi y una visión artística que impulsa el desarrollo de métodos propios de traPor medio de pequeños trabajos bajo y a nivel individual o colectivo.de utilería –y me refiero particularmente al tamaño- se puede entender también otra particularidad de la creación visual, el uso con un fin específico. Saber entender el contexto de cada pieza, la relación tiene con un personaje, por qué debe verse de una manera singular, nueva, usada, el color que lleva, si es realista o no, depura el proceso de realización para cumplir con su objetivo y la función de la misma. Todo ello sumado a aquel modus operandi de poner en práctica alguna técni-

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EL ROL LA ELECCIÓN

Justificación y Objetivos

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Desde sus orígenes, el teatro ha tenido una fuerte y directa conexión con las áreas visuales pues son ellas las que rápidamente ayudan a justificar la ficción de una puesta en escena. Que cobre sentido para el espectador y logre sumergirlo en la historia son objetivos primordiales, por ello el trabajo y la labor con todos los demás lenguajes artísticos se hace indispensable para materializar una idea.”

Basta con dar un vistazo a la historia del arte para entender que la imagen y la creación visual han sido utilizadas con diversos fines, religiosos, políticos, educativos, críticos, burlescos, etc. El teatro, la danza, la música y las plásticas, emparentadas o no, además de compartir una función social – o al menos espero que lo hagan en algún aspecto- también cooperan entre sí desde sus propios procesos, medios y herramientas con el ánimo de comunicar una idea. Así que alternativas visuales, como el dibujo, la instalación o la construcción tridimensional entre otras, se convierten en una de las rutas que posibilitan mantener la atención del espectador y de allí en adelante todo aquello que gira en torno a su interés, a sus emociones e imaginarios que promueven alguna forma de recordación y reflexión.

El objetivo en este proyecto es evidenciar la funcionalidad de las manifestaciones plásticas y la comunión a través de la imagen con otras áreas del conocimiento, logrando así distintas formas de realización, de exposición y por supuesto, de

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trabajo. Resaltar la presencia de rutas alternas para las labores artísticas apoyadas en la autogestión y la exploración, así como la inclusión en el mercado laboral a través del emprendimiento y las relaciones interdisciplinarias. Todo ello conduce a generar metodologías de trabajo basadas en el ejercicio de la creación visual y sus experiencias, de prueba y error, del contacto con el público y el mismo medio con lo que este implica.

El diseño y la realización de una pieza funcional, en este caso escenográfica, comprende todo un proceso que exige disposición y concentración, donde se hace necesario investigar y experimentar además de otras variables que surgen según las características de cada proyecto. Cada proceso trae sus propios retos cuyo aprendizaje aporta experiencia para futuros propósitos. En cierta forma el trabajo en la construcción escenografía es una práctica constante de los ejercicios plásticos, de estar prestos a conocer o retomar elementos, planteamientos, ideas y experiencias en pro de resultados que se manifiestan de formas dinámicas expuestas a un público igualmente dinámico con sus propias interpretaciones. Como también existe el hecho de aprender e indagar de otras actividades afines para solucionar y mantener la característica funcional dentro y fuera de lo que se percibe a simple vista.

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LA TRAMA Conceptos y Términos

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n los diversos ejercicios y realizaciones interdisciplinares se hace importante identificar términos que pertenecen a otros campos y que en ocasiones comparten lógicas con las artes plásticas. Puesta en escena, escenografía, espacio, contexto, escena, son algunos ejemplos que transmiten cierta claridad a la hora de entenderlos desde la plástica y hacia el teatro, en este caso; sin embargo existe un cúmulo de posibilidades en cuanto a términos como a otras labores que los promueven, diseño inmobiliario, vestuario, fotografía de producto, decoración y diseño de interiores, vitrinismo, etc. Entre esa variedad que ofrece la comunión entre prácticas artísticas o más áreas profesionales, cuando se identifica el objetivo principal o el aspecto a resaltar, se reinterpretan conceptos que articulan el diseño visual.

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Si el espacio escénico, aparte de entenderse como el área física a ocupar y trabajar, se asimila como el lugar donde convergen otras interpretaciones del concepto espacio, se comprenden otras formas de verlo, como lo es el dramático, representado en lo que el espectador percibirá en imagen y texto hablado; el escenográfico, que va desde el área escénica hasta los espectadores y establece la relación entre ambos siendo ocupado por acciones corporales de los actores y los elementos visuales que los acompañan. El lúdico o gestual es creado por el ejercicio de la actuación; el metafórico es dictado por el componente visual y se percibe según lo demande la misma pieza teatral, a veces más a veces menos; el textual está ligado a las formas del lenguaje poético y el interior está sujeto a la interpretación, son los

hechos o situaciones que en una escena no se ven pero se perciben desde la mirada del dramaturgo, del director, actores, espectadores y desde luego desde la mirada del artista plástico que busca conjugar todo ello a través de la imagen y su instalación en el espacio.

La escenografía o La skénographia para los griegos, fue el arte de adornar el teatro y decorarlo; desde luego el tiempo y los cambios en las formas de ver y pensar de cada época fueron modificando la percepción del termino hasta lo que hoy en día comprendemos con el mismo nombre. Sin embargo dichos aportes históricos prevalecen intrínsecos en el mismo teatro, pues esas visiones pasadas regresan al presente dentro de las posibilidades de representar visualmente una pieza de teatro. Es decir, una

propuesta teatral puede realizarse desde el ejercicio “simple” del decorado, o como en el renacimiento, donde la idea consistía en dibujar y pintar un fondo en perspectiva, o un paisaje como en el naturalismo, en fin. Todas aquellas visiones que se dieron a través de la historia se convierten en referentes a la hora de la realización y son también un recurso como técnica para el artista visual que se dedique a esta labor.

Actualmente la escenografía es más que un recurso para intervenir el escenario o el espacio teatral, pues el término supera la noción de ornamentación y se abre a nuevas posibilidades no solo desde las herramientas con las que se cuenta sino por ir de la mano con los cambios y las transformaciones mismas de nuestra época. Existen estilos, técnicas, guías y demás variables

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aplicadas al teatro de pequeño, mediano y gran formato, inspiradas en el cine, la fotografía, la pintura, la tecnología, la ciencia y muchos otros instrumentos o medios utilizados por los artistas dedicados a esta labor.

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-Desde mi experiencia, considero la escenografía como toda una práctica artística que cuenta con sus propios procesos de creación y exige en muchos otros aspectos de realización que van más allá de la imagen, como el tiempo, los presupuestos y todo lo que implica la gestión y producción. -

LAS ACCIONES Desarrollo

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ste resumen parte de un proceso, a través de la experiencia en el campo de las artes escénicas, y desde luego está en constante renovación debido a las características y posibilidades de dicha labor. La idea es evidenciar y validar un trabajo en el territorio de lo escenográfico donde se permite la exploración y el ejercicio práctico de los quehaceres en cuanto a creación visual, diseño de arte o, como en este caso se menciona, Plástica Funcional.

-Como anteriormente me refería, los primeros trabajos que realicé en teatro consistían en encargos de utilería, diseño, creación de objetos y, en varios casos, intervenirlos de alguna manera. Y esto conducía a una nueva forma de “mostrar” que abrió las puertas a más actividades.

De ahí en adelante y por adherencia, ese cumulo de experiencias esbozaron un método de trabajo

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que hoy en día puedo describir por etapas, cada una con sus características y las cuales creo de suma importancia para mi proceso y espero sirvan de ayuda al lector interesado en esta misma labor o alguna similar.-

ACTO 1 Desde el inicio o la inclusión en un proyecto, existe una noción básica que ilustra de alguna manera lo que pretenden en cuanto a imagen el director, dramaturgo, o la persona a cargo, todo ello basándose muchas veces en un texto guía, sea un libreto, un primer borrador de la obra, un libro, incluso una historia narrada, etc. De allí surgen algunos bocetos iniciales que pueden o no contemplar un material y tal vez un concepto específico que vaya ligado a la idea del montaje.

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El “encargo” comienza con esta primera reunión o conversación y es importante – al menos para mí es de gran relevancia- compartir dicho texto guía para conocer más a fondo como debe encajar aquello a realizar y si dicho trabajo apunta a diseñar y construir, a recorrer lugares y conseguir objetos, a buscar materiales e intervenir el espacio o a muchas otras posibilidades que puedan aparecer.

ACTO 2 La lectura detallada del texto a escenificar arroja imágenes que reflejan las primeras impresiones de su contenido, en varios casos se desvanecen pero hay ideas, sensaciones, atmosferas, tonos, colores, etc., que logran permanecer hasta el resultado final, –Personalmente prefiero realizar dos lecturas para

depurar esas imágenes iniciales-.

Cada texto describe particularidades que ayudan a enfocar espacios o lugares que son mencionados en sus acotaciones, este punto puede ayudar a aterrizar las ideas de lo que se puede o no hacer plásticamente.

–para mi es fundamental la temporalidad de la obra y el contexto donde se busca representarla porque permite dilucidar ciertos límites que mantienen la esencia de la misma-.

Si por ejemplo la obra es La Tragedia del Rey Ricardo III (William Shakespeare), se entiende que hay un referente histórico y un contexto específico, caballeros, batallas, reinos, etc. Sin embargo, puede que al director no le interese realizar una puesta en escena de época sino que prefiere recrear la situación durante

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la primera mitad del siglo XX o en la actualidad. En cualquier tipo de lectura, las imágenes se crean por la capacidad del escritor de transmitir ciertos estados, atmosferas, personajes, cualidades y acciones con un desarrollo particular y en lugares particulares. Así pues, el texto guía en sus acotaciones genera un sin número de posibilidades, de espacios y relaciones entre estos, los personajes y los objetos. Eso es el qué, ahora la labor del diseño visual es ocuparse del cómo, pensar en el tipo de intervención, de materiales y algún recurso o técnica para dar forma a esa idea.

El arte plástico al colaborar con el arte escénico le aporta la dimensión metafórica al universo de la obra: al reinterpretar el texto desde una perspectiva visual, entendiendo qué se puede expresar como imagen en el espacio y como vincula de forma poética todos los elementos de la puesta en escena. Es brindarle en cierta modo complejidad -me explico-, un lector puede comprender los detalles de un lugar o del estado de un personaje cuando esta frente a un texto narrativo, en cambio, un espectador cuenta con un tiempo reducido, el de la obra, donde en aproximadamente una hora y media –a veces menos- debe “com-

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prender” lo que se representa y en su imaginación “ver” lo que dicha situación significa y esconde o lo que la condiciona, un crimen, la culpa, la depresión, etc. En el espacio físico se metaforiza el espacio narrativo, épocas, relaciones, estados y demás; en sí, la imagen busca potenciar ese algo que se encuentra en el centro de toda la historia, de los personajes, ahí es donde el arte plástico crece como elemento artístico dentro del arte escénico.

Por ello la importancia de conocer el texto guía para entender las necesidades de la puesta en escena y solucionarlas a través de la creación plástica.

ACTO 3 En este punto del proceso –y es mi caso particular- revisar y redibujar los bocetos iniciales es algo que vale la pena tener en cuenta, pues ya con la idea global y entendiendo lo que se quiere contar con la obra, se reconsideran las posibilidades y desconfiar -en un buen sentido- de la primera visión es una precaución o una alternativa, bien sea porque se esta se queda corta en lo que desea expresar, porque no es viable o es dispendiosa, no es funcional, excede el presupuesto, etc.

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El boceto es un punto de especial relevancia si se quiere hacer un trabajo más depurado. El dibujo además de ser punto de partida para recrear las ideas, las aterriza, y es que en cada versión que se pueda esbozar se aclaran las cualidades del diseño que se esté trabajando, por ejemplo si el material pensado facilita la movilidad y estabilidad de la escenografía, si el peso es acorde, si lo es la resistencia (pues en muchas ocasiones se interactúa con ella), si el número de elementos facilita o no el montaje y desmontaje de la misma, si el tamaño es apropiado, si necesita más o menos accesorios, elementos, etc., y desde luego si el diseño planeado es verdaderamente funcional o no. Desde luego todas estas variables y las dudas que se despejan van ligadas a los tiempos establecidos para el desarrollo del proyecto (recopilación de material, construcción, prueba y montaje) y el presupuesto del mismo, aun así siempre hay aspectos difíciles de prever que aparecen en el proceso de creación y que lógicamente se deben solucionar.

De allí en adelante se pueden probar colores o texturas para el resultado final y –de ser el casoaspectos de iluminación que la favorezcan y fluyan con el montaje (tonos de luz, sombras, ambientes, luces puntuales, efectos, etc.).

-Desde la percepción de este servidor, el dibujo siempre va ligado al proceso de trabajo sin importar que el resultado sea bidimensional, tridimensional o algún tipo de instalación, es una herramienta que facilita visualizar el proyecto, despejar dudas, sacar de apuros y en ocasiones hace parte del mismo apareciendo como una animación o proyección, incluso hay casos donde un buen boceto puede cruzar la línea y llega a ser parte del montaje o aparecer en la publicidad del mismo.En ocasiones, y si los tiempos lo permiten o de ser necesario, dichos bocetos pasan al plano tridimensional y se realiza una “maqueta” para visualizar de otra manera las variables ya mencionadas, es otra manera de evaluar o replantear las ideas ya definidas y verificar algún aspecto particular de ellas, tamaño, ubicación en el espacio, luz, efectos, etc.

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Investigaciรณn y Recorridos + Referentes

EXPLORACIONES

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espués de tener en claro las necesidades del montaje y las posibilidades metafóricas que pueden lograrse vistas a través del dibujo o la maqueta, algunos procesos de trabajo exigen, por pequeña que sea, algún tipo de investigación, un cambio en la forma del método o el realizar recorridos que alimenten una idea y la fortalezcan. Y es que por la diversidad de temas, situaciones, lugares y temporalidades que se pueden exponer en el teatro, la labor escenografía –en Colombia, o al menos en Bogotá- se extiende a actividades que van más allá del hecho de diseñar y construir. El teatro es proclive a extremos visuales, una obra puede necesitar ser lo más naturalista posible o puede que busque ser todo lo contrario. Y es ahí donde la posible solución consiste en buscar, recorrer espacios y lugares con el fin de recolectar objetos, de entender procesos ya sean de fabricación o manufactura, e incluso identificar tipos de acabado –si es que el proyecto exige algún tipo de mimesis-, aparte nunca está de más conocer otros materiales, técnicas, formas de producción o por qué no, pensar en elementos serializados que puedan convertirse en una instalación, cualquiera que sea la excusa perfecta para el desarrollo de la idea central del montaje.

-Explorar en pro de materiales y objetos, nuevos, usados, viejos o muy viejos, comunes, extraños, etc., y tener una noción básica de su fabricación o uso, es también una manera de refrescar ideas y abrirse a otras posibilidades-.

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Otra forma de encaminar la idea es desde luego dentro de la misma historia del arte. En las nuevas corrientes y en diversas manifestaciones artísticas, se encuentran referentes que aportan o se consolidan como punto de partida a la hora de recrear visualmente una pieza teatral.

Por ejemplo, las imágenes históricas son clave para entender la temporalidad, o algún tipo de representación, costumbre o vestuario. A partir de dichas creaciones icónicas se puede trabajar en torno a un tipo de color o paleta de colores, a un contexto, a una sensación, un personaje, un paisaje, un lugar o si es el caso y necesario representar un algo o un alguien de forma mimética.

Además de revisar obras de artistas reconocidos, existe un buen número de creadores visuales que han ejercido alguna labor dentro del teatro, y en diversos niveles de participación o enfoque, actividades que van desde la colaboración en el diseño, desarrollo de la construcción, asesorías en montajes, aspectos puntuales de la realización y mucho más, incluso la misma dirección general. Y no es difícil encontrar maestros del arte que a través de la historia y en la actualidad resaltan por sus trabajos en teatro o que por su experiencia y técnica componen todo un estilo visual en dicho campo. Algunos como William Kentridge quien a partir del dibujo genera complejidades como instalación o animaciones, haciendo de todo ello en conjunto una construcción tridimensional; mantienen presente en esta labor el hecho de que menos es más y que la recur-

sividad es una estrategia valiosa, sobretodo en un contexto como el nuestro donde, aunque felizmente surgen cada vez más grupos de teatro, no siempre se cuenta con el capital (monetario) para competir con grandes compañías o grupos de trayectoria. Otro ejemplo es Barbara Limburg quien a partir de su trabajo consolidó su propia empresa, realiza escenografías de mediano y gran formato, impulsa a retar el trabajo propio, a complejizarlo y solucionar eficazmente con los recursos que se cuenta o se tienen a disposición, reutilizando material o haciendo uso de otros no convencionales. Por último y para no extender la lista, están Anselm Kiefer quien dentro de su actividad creativa recurre a otro tipo de funcionalidad, donde una pieza plástica ayuda a concebir una obra de teatro y viceversa, donde un trabajo escenográfico puede a la vez ser una pieza de arte, así que la obra juega

e interactúa tranquilamente en cualquier espacio, con el cubo blanco o con el cubo negro, las artes plásticas y el teatro, respectivamente.

Y Romeo Castellucci quien desde su formación como artista plástico y su trabajo como escenógrafo, conformó toda una metodología de creación desde los saberes y dispositivos visuales, configurando su propia manera de ver y hacer teatro, lo que hace que sus obras sean una versión diferente y compleja de lo que puede llegar a ser un montaje teatral.

No hay que pasar por alto el Cine y la Fotografía, además de algunas series de televisión –que, en mi caso, hicieron lo suyo en el desarrollo de mi afinidad por la imagen-, porque tienen sus propias cualidades a la hora de transmitir ideas. También –por gusto personal y profesional- el Video Clip de la cultura Pop y Rock contemporánea

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se convirtió en un banco de referentes visuales a la hora de pensar una puesta en escena. Si bien es otro tipo de lenguaje, se realiza con similares recursos, herramientas y técnicas. Este medio, en muchos casos, plantea imágenes contundentes y de calidad que resultan de apostarle a aquello que se registra y expone de otra manera, más detallada y con más caracteres, pero cuya realización parte de los mismos principios.

-Puedo decir que uno de mis favoritos es “Losing my Religion” de R.E.M, video dirigido por Tarsem Singh y al cual siempre regreso para encontrar o evaluar ideas, puntos de partida, pues el manejo de color y de luz inspirados en las pinturas de Caravaggio, los elementos de utilería, vestuario y maquillaje hacen parte de todo un montaje fantástico que incluye sets o locaciones, lugares no lugares, fabricados intencionalmente para transportar y recrear una historia exaltada también por la música-.

Estas búsquedas de referentes son generalmente alternativas que nos resultan familiares o muy cercanas a la hora de tener una base para efectos de qué hacer, cómo desarrollarlo y cómo se podría ver; son maneras de plantearse ejercicios o retos creativos que aplican para varias prácticas artísticas. Sin embargo, es lógico que cada quien opte por escoger el tipo de referentes que más aporten a la hora de realizar alguna propuesta o que se acerquen en algún aspecto al proceso de trabajo.

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CUSTOMIZANDO Pruebas + Construcciรณn + Montaje

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efinida la idea y una vez se haya planeado en su mayoría el cómo se va a realizar -vale recordar que en muchos procesos se gene-ran cambios o soluciones de última hora que no estaban preconcebidas-, es recomendable, aunque no es una obligación, realizar algunas pruebas de estructura, material, color, acabado, etc., según sea el caso y si lo amerita el diseño y el trabajo a realizar, o si el tiempo lo permite.

Estas pruebas brindan una noción en cuanto a cómo va a lucir el objeto terminado, si realmente tendrá un peso adecuado (para trabajos de cierta escala) y en cuanto a otros diseños, si las piezas se pueden fabricar o se deben conseguir con terceros, esto en favor de realizar un trabajo profesional que favorezca el montaje y garantice la calidad del trabajo a realizar, pues no es un secreto que, cuando se está iniciando en esta actividad muchas de las labores pasan por nuestras propias manos, es parte del proceso y del aprendizaje saber dividir el trabajo, algunas funciones y tareas procurando mejorar el ritmo en los tiempos, agilizar procesos complejos y logrando optimizar aspectos puntuales del proyecto en realización.

La labor escenográfica pone en evidencia los pormenores y quehaceres del campo de las artes plásticas, a partir de la creación bidimensional y que según se dé el caso, se pueden utilizar rutas diversas para obtener resultados diversos, hasta lógicamente llegar a la construcción tridimensional. Entendiendo lo tridimensional como todo aquello que ocupa un lugar en el espacio y

que para cuestiones de teatro probablemente se piense con ciertas características, funciones, tipos de acabados y detalles particulares.

Hay una variedad de posibilidades a la hora de construir o poner en marcha la realización de una escenografía, por ejemplo si el objeto es alto se debe pensar en su estructura, si es un pieza maciza o hueca, si es única o si la conforman varias más pequeñas y ensambladas, o si en general esta se divide en paneles de tamaños similares, etc., estas dan como resultado las cualidades que acreditan la funcionalidad del trabajo, pues este no solo consiste en el aspecto visual que va acorde con el texto y la puesta en escena, además se pueden procurar otras características que ayuden al transporte, ensamblaje, montaje, desmontaje y posterior embodegado del o los objetos. Por ello es importante y responsable seleccionar un material específico y adecuado, que si no se conoce a totalidad pueda someterse a pruebas para evidenciar sus ventajas y desventajas a la hora de utilizarlo con un fin en particular. Todo ello conduce a favorecer la disposición en el espacio de la pieza global y el trabajo con la misma, si estos factores convergen satisfactoriamente y si además resalta el aspecto visual que logra ligar el concepto de la obra es porque la labor realizada es definitivamente funcional.

-Desde mi perspectiva, una escenografía es como una pieza viva, no solamente se expone sino que complementa en muchos casos la

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acción de un personaje, aporta significado y debe funcionar dentro y fuera de las tablas. Dejar que una pieza sea un objeto inerte es desaprovechar su significado, la creatividad de quien trabaja con ella y la experiencia de quien la percibe como espectador. No siempre los lugares son iguales entre si y conseguir que el resultado pueda ubicarse en diferentes espacios es un reto de creación que abre la posibilidad y la oportunidad para que este tipo de creaciones artísticas puedan llegar a más personas-.

Aquel otro aspecto funcional de una escenografía se hace evidente en el transcurso de la construcción, pero es necesario estar siempre alerta para lograr ajustes o cambios que beneficien a la idea original y realcen las propiedades de la pieza en construcción. Según el proceso de realización y pensando siempre en la función principal y los materiales con que se está fabricando, se pueden imaginar opciones que mejoren o que al menos hagan más cómodo el trabajo y la interacción con dicho elemento. Es decir, en ciertos momentos del proceso es bueno formularse preguntas como, qué se puede agregar para facilitar su movilidad, si puede o no contener otros objetos, si es necesario desarmarlo para su almacenamiento, si puede funcionar como varios objetos a la vez, si es fácil de transportar, qué tipo de resistencia posee o logra soportar más elementos, etc. Esto confirma que un proyecto está en constante evaluación en pro de cierta efectividad y de ser definitivamente una solución para la generalidad del montaje.

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Existe otro aspecto al que se debe enfrentar en varias ocasiones – sino en todas- el artista dedicado a la creación escenográfica, y es el hecho del montaje, pues en muchos casos la labor no acaba con la materialización de la pieza sino que es necesario ubicarla en el espacio y esto trae sus propias variables. En este punto el mismo escenógrafo pone a prueba la funcionalidad de la pieza, pues lo primero que se debe tener en cuenta es como esta se va a movilizar, esto incluye pensar el trayecto, tiempos, el modo de transporte, etc., de estar completamente armada en el lugar donde se construyó es lógico pensar cómo saldrá de allí, cómo será su embalaje, transporte, descarga e ingreso en el sitio donde será reconstruida.

De la funcionalidad de la pieza depende la comodidad a la hora de sortear dichas limitaciones –tanto para el constructor como para quien la transporta, quienes colaboran en

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su montaje o instalación (técnicos de sala) y obviamente, los que interactúan con ella-. El peso y la resistencia de la misma serán examinados y puestos a prueba en este punto del proyecto. Una vez esté en el lugar del montaje, se planea su ubicación en el espacio teniendo en cuenta el texto previamente leído, las acotaciones del mismo, las sugerencias del director o la persona que esté a cargo y desde luego las características del mismo espacio –cabe aclarar que en nuestro contexto, la mayoría de teatros de pequeño y mediano formato, poseen dimensiones distintas y áreas de trabajo diferentes, son disimiles en cuanto a luz, altura, tramoya -si la hay y si esta es necesaria o no para ubicar la escenografía-, accesos, superficie (algunos permiten anclar elementos al suelo, otros no), hasta el simple hecho de contar con conexiones eléctricas a baja altura puede variar.

Luego de ello, inicia la labor central del montaje donde la o las piezas son armadas o ensambladas y ubicadas según el plano o los términos de la obra, es en este momento donde el segundo aspecto en cuanto a funcionalidad se hace evidente, si todo se ensambla correctamente o si se asegura de diversas maneras, si se cuelga, o si se soporta con peso, etc., todo según el diseño y las características del espacio lo dicten; un buen diseño funcional agiliza esta etapa o al menos la hace poco dispendiosa. Lamentablemente los tiempos con los que generalmente se cuenta son muy cortos – y hago referencia a todo el proceso de creación-, y los espacios solo brindan pocas horas o máxime un día para las labores de montaje, hay que tener en cuenta que el grupo necesita realizar ensayos antes de la muestra lo que acorta aún

más el tiempo al equipo de trabajo.

Terminado esto, se revisa y de nuevo se prueba adecuadamente su totalidad, no en vano es precavido verificar su estabilidad, resistencia, equilibrio y demás; se ultiman detalles o se hacen correcciones por eventos inesperados y en seguida... la exposición.

-En este punto creo que el montaje de la pieza se debe pensar de la mejor manera, si fuese en una galería de arte o el área de trabajo en un teatro, es igual, se debe procurar una factura a la hora de exponer la obra, tener en cuenta todos los factores que inciden en ella y cómo se va a mostrar al espectador-.

Posteriormente y según sea el caso, se realizaran pruebas de luz y, si se cuenta con experiencia, se puede sugerir un diseño de iluminación o algún cambio para maximizar el aspecto visual al igual que

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PUESTA FINAL

la atmosfera en momentos clave o de la obra. Luego, el trabajo con los actores permitirá ver en totalidad el resultado de una actividad que –como mencione antes- es colectiva y permite la comunión entre diversas formas de creación. En todo este transcurso de situaciones, como artista es inevitable el ir y venir de ideas y reflexiones, en cuanto al proceso, al montaje y a todas las particularidades del proyecto que está por estrenarse. Es una especie de retroalimentación dictada por cada pequeño resultado o etapa del proceso, y que –en mi caso- apunta a organizar ideas y recopilar experiencias para futuros proyectos.

Sucede siempre que cada resultado arroja nuevos imaginarios o versiones de los mismos ancladas en la memoria y que probablemente más adelante pueden resolver o ser la solución a una necesidad específica, solo que a través de ese conjunto de vivencias se dibujan nuevas rutas, unas más rápidas, otras más elaboradas, pero con el mismo fin, el cómo ponerlas en práctica. Al igual que las diversas situaciones en cuanto a producción, pros y contras de la fabricación, las relaciones de costo-beneficio y más hechos que inciden y circulan alrededor de una labor creativa, generan costumbres y cambios apuntando siempre a solidificar y mejorar un proceso de creación.

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a escenografía representa una forma en la cual, con la práctica de muchos ejercicios aprendidos en mi vida de manera empírica y a través de la academia, puedo acceder a muchos rincones de mi imaginación, y de alguna manera hacerlos reales, palpables y con la oportunidad de presentaros a los ojos de otros mientras contribuyen a una labor colectiva de creación, representación y -ojalá- transformación.

Los retos que impone cada trabajo, si bien son diferentes y muchas veces complicados o difíciles de resolver, son una manera de explorar en el conocimiento propio a la vez que una posibilidad para abrirse a nuevos saberes y formas de creación. Creo que esta es una de las mayores cualidades de dicho trabajo, nunca se limita a una sola posibilidad o un solo tipo de respuesta, método, formula o técnica, cada nuevo proyecto lo demuestra, siempre hay sorpresas a la hora de enfrentar nuevos retos, de buscar solucionar de formas alternativas y a veces recursivas, incluso impulsando la necesidad de investigar materiales, procesos, técnicas, artistas, etc.

Estas prácticas multidisciplinares muestran y permiten la relación con otros saberes y formas de expresión. Cuando un proyecto está expuesto al trabajo colectivo reconoce de muy buena manera los aportes desde otras perspectivas, saberes y sensibilidades, sea de un director de teatro, un actor, un luminotécnico, etc., pues cada uno posee sus propias reflexiones y es a partir esas otras experiencias y

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conocimientos surgen nuevas visiones de como alimentar y explotar dicha realización para generar significado. Así que una escenografía – y en sí cualquier forma de trabajo colectivo- se hace dinámica al estar en comunión con otras prácticas que buscan un mismo objetivo. Y se suma también otro tipo miradas y puntos de vista que retroalimentan la labor en el campo de las artes escénicas y desde luego la práctica como artista, la acción corporal, movimientos, texto hablado y expresiones que transforman el trabajo y juegan entre el concepto y la funcionalidad desde otro modo de creación. Cuando una mesa de noche puede ser mesa y en un instante cambiar de significado, forma e imagen y pasa a convertirse en otro objeto y en otro y otro, todo ello gracias a la interacción que puede brindarle un actor, un personaje con sus movimientos o el mismo guion de la obra, se experimenta otro aspecto reflexivo dentro creación visual y es que –desde mi perspectiva- siempre será cíclico; cuando el proceso parece estar finalizado simplemente ha completado una etapa y ahora es susceptible a que nuevos factores incidan en él revelando otras o más características, tal vez cualidades o defectos, y promoviendo así un nuevo período enfocado a la realización, investigación, registro, circulación, exposición, etc., lo que sería ideal para cualquier manifestación artística, mejor aún cuando además el espectador percibe y reinterpreta dicho entorno, ejercicio que conlleva promover aún más múltiples imaginarios.

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Desde luego y como es lógico, cada práctica artística de esta índole trae toda clase de experiencias, que en conjunto son un llamado a la reflexión y a desarrollar una forma de trabajo pues, en cierto punto o ciertos momentos, se distingue la creación del ámbito laboral, lo que exige compromiso, responsabilidad y seriedad. Los contratiempos son inevitables pero saberlos sortear permiten crecer como persona, artista y en este caso como emprendedor.

-Si algo he aprendido en el tiempo dedicado a realizar escenografías además de depurar mi propio método de trabajo, es a entender el trabajo colectivo, a respetar otros tipos de relación y sus propias reglas o procesos. Ver y ser consciente de las dificultades que tiene esta labor, como muchas otras actividades, en nuestro país y nuestro contexto donde los tiempos, presupuestos, demoras, costos, desconfianzas y excesos de confianza, etc., son temas que en cada situación se toman de maneras distintas, lo que hace aún más necesario el desarrollo de un método de trabajo óptimo para nosotros los “principiantes” o quienes decidimos arriesgar y establecer una forma diferente de actividad. Toda labor de emprendimiento debe sortear obstáculos de diversa índole y son estas experiencias las que abren la posibilidad de crecer como persona, artista y gestor de otra clase trabajo-.

Este pequeño manifiesto es para quienes estén interesados en generar o incursionar en otros campos

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por medio de la práctica artística y sobre todo para aquellos colegas que viven – como muchos hemos vivido - la incertidumbre de qué hacer con su trabajo, si bien opté por arriesgar en el terreno de las artes escénicas, dar la pelea a través de mi trabajo y lo que puedo lograr si existe la oportunidad (oportunidad que uno mismo puede crear), también es un llamado a crear trabajo a partir de las capacidades y la creatividad de cada quien, no es fácil, pero – soy de los que creen - que las artes plásticas tienen la facultad de moldearse o complementarse con otras disciplinas, saberes y que haceres, a veces solo hace falta un impulso, una excusa sin importar lo pequeña que se vea para iniciar esa labor de emprendimiento para poner en práctica el conocimiento propio, experiencias, ideas, y por qué no sueños, a fin de lograr un modo alternativo de vida.

Este proceso no acaba aquí, para este momento ya se dibujan nuevas metas, que traerán sus propias dinámicas y retos, pero estos se irán sorteando mientras se adhieren más experiencias y cambios con el ánimo de mantenerse y crecer.

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