Olafur Eliasson

Olafur Eliasson Artista visual

Editorial Paniagua

Copyright © 2020 Olafur Eliasson. Derechos reservados Diseño editorial: Montserrat Paniagua Primera edición: Noviembre del 2020 Editorial Paniagua www.editorialpaniagua.com.mx

ISBN: 397-874-124-951-0

“Cuando ves que la realidad es relativa, hay más probabilidades de cambiarla”.

Ă?ndice 08 Semblanza 09 Reconocimientos 10 Luz 22 Color 34 Formas 44 Agua

Formado en la Real Academia Danesa de las Bellas Artes, Olafur Eliasson es un artista visual conocido por sus esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones que juegan con reflejos y colores y desafían la manera en que percibimos nuestro entorno y nos movemos en él.

Su propósito no se limita a la creación de obras de arte y a la experimentación según los modos habituales ya consolidados. Quiere mucho más. Aspira a educar al espectador para que se abra a nuevas formas de percepción y de comprensión del mundo a través de su participación e inclusión en la obra de arte. Estimula sus percepciones y sensaciones para que vea la realidad desde otros prismas y tenga una experiencia y un conocimiento nuevos de su propia subjetividad.

La obra de arte tan sólo está completa cuando se produce la interacción entre ella y el espectador, cuando éste aporta su experiencia y su interpretación, convirtiéndose así también él en creador de la obra. Esta estética de la recepción está, pues, muy lejos ya del concepto de obra de arte como “obra en sí”, es decir, en la que únicamente habría lugar para un solo concepto y una única interpretación apropiada, la del significado dado por el autor. El trabajo de Eliasson se nutre, en cambio, de la pluralidad de significados aportados por el espectador.

Lo que Eliasson nos propone es una transformación de nuestra manera de observar la realidad, una toma de conciencia de nuestros prejuicios y condicionamientos, para abrirnos a otro modo de relacionarnos con ella.

Redes sociales

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Reconocimientos 1999

Premio Benesse de Benesse Corporation por La obra The Spiral Pavilion, creada para la Bienal de Venecia, y en la actualidad exhibida en Kunsthalle Bielefeld.

2004

Premio Nykredit de Arquitectura y la Medalla Eckersberg por pintura.

2005

Medalla Príncipe Eugen por escultura.

2006

Crown Prince Couple’s Culture Prize.

2007

Premio Joan Miró de la Fundación Joan Miró.

2010

Premio Quadriga, sin embargo regresó el reconocimiento un año más tarde al enterarse de que Vladímir Putin sería galardonado en 2011.

2013

Goslarer Kaiserring y Premio Mies van der Rohe, junto a Henning Larsen Architects.

2014

Premio Eugene McDermott de Artes en el MIT (Instituto de Tecnología de Massachusetts); el premio se considera una inversión para el futuro trabajo creativo del artista, no un premio por proyecto o logro en particular.

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luz

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The Weather Proyect (2013). Tate Modern, Londres.

The Weather Proyect En esta instalación se emplea una pantalla semicircular, un techo de espejo y niebla artificial para crear la ilusión de un sol. Marcos de aluminio forrados con papel de espejo se suspendieron del techo para crear un espejo gigante que duplicó visualmente el volumen del pasillo, junto con una pantalla semicircular en la pared del fondo, colindando con el techo de espejo. Iluminado por aproximadamente 200 luces de monofrecuencia, el semicírculo y su reflejo crearon la imagen de una enorme puesta de sol.

Al caminar hasta el otro extremo de la sala, los visitantes pudieron ver cómo se construyó el sol, el reverso de la estructura del espejo también era visible desde el piso superior del museo.

La estructura está diseñada para que el visitante tenga una experiencia, no sólo de la importancia del tiempo atmosférico en nuestra supervivencia desde tiempos inmemoriales y en la configuración de nuestras estructuras sociales, sino también de la relación del tiempo existencial con nuestras limitaciones.

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Contact (2014). Fondation Louis Vuitton, Paris.

Contact Esta obra es un espacio en forma de cuadrante que confronta al espectador con una línea de luz de monofrecuencia a lo largo de la pared curva de la habitación. Las dos paredes restantes, rectas y cubiertas de espejos, efectúan una extensión visual de la obra, creando la impresión de que el espectador está de hecho presente en un espacio circular, rodeado por una banda de luz de monofrecuencia: la “línea del horizonte”.

Desde la pared curva y la línea del horizonte, el piso se inclina suavemente hacia el punto central, dando a los visitantes la impresión de estar de pie sobre una esfera enorme.

La línea estática de luz crea una tensión en la conciencia espacial del visitante. La exposición aborda las relaciones entre el cuerpo, el movimiento y el sentido del yo, entre las personas y su entorno.

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Symbiotic seeing (2018). Kunsthaus, Zürich.

Symbiotic seeing En esta exposición se ocultan láseres en las paredes de una habitación oscura, que proyectan franjas de luz de colores sobre la niebla que se libera periódicamente en el aire. Vórtices en miniatura, corrientes y volutas de niebla se arremolinan por encima de los visitantes, reacciona al calor corporal y al movimiento que se encuentran debajo de la niebla para involucrar al espectador directamente en la producción de su entorno.

La exposición nos invita no solo a reflexionar sobre el cambio climático, como consecuencia de la acción humana, sino también a comprender al ser humano como parte de un sistema más amplio.

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Your uncertain shadow (colour) (2010). Tate Modern, London.

Video: https://drive.google.com/file/d/1igqC5dGKdm41TdusCvMpDefN8wz4u6nm/ view?usp=sharing

Your uncertain shadow (colour) Para crear esta obra se alinearon cinco focos de colores, dirigidos a una pared blanca. Una luz verde colocada junto a otra luz verde, seguida de una luz magenta, una luz naranja y, finalmente, una luz azul. Estos colores se combinan para iluminar la pared con una brillante luz blanca.

Cuando el visitante ingresa al espacio, su sombra se proyecta, y al bloquear cada luz desde un ángulo diferente, aparecen cinco siluetas de colores diferentes.

Además de la sombra oscura creada donde se obstruyen las cinco luces, los colores de las otras sombras (una amarilla, una violeta, una cian y dos magentas) reflejan las propiedades del color aditivo. La superposición de las cinco siluetas produce más matices. A medida que los visitantes se mueven por el espacio, acercándose y alejándose de las luces, las siluetas cambian en intensidad y escala de color.

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Your uncertain shadow (colour) (2010).

Guggenheim Museum Bilbao.

Your uncertain shadow (colour) (2010).

The Winter Palace of Prince Eugene of Savoy, Vienna, 2015.

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color

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Your rainbow panorama (2006). Aarhus Kunstmuseum, Denmark.

Your rainbow panorama Esta estructura ofrece a los visitantes vistas panorámicas de la ciudad, el cielo y el horizonte.

La pasarela elevada de 360 grados tiene 150 metros a la redonda y está acristalado con vidrio de colores del arcoíris. Visible desde lejos, la obra divide Aarhus en varias zonas de color y actúa como un faro para las personas que se mueven por la ciudad, un efecto que se intensifica por la noche cuando las luces que recorren la circunferencia de la pasarela la iluminan desde el interior.

La estructura fue creada para borrar los límites entre el interior y el exterior, un lugar que se transforma en algo incierto al no saber si se ha ingresado en una obra de arte o en una parte del museo. La incertidumbre es importante, ya que exhorta a las personas a pensar y a sentir más allá de los límites dentro de los cuales están acostumbrados a funcionar.

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Feelings are facts (2010). Ullens Center for Contemporary Art, Beijing.

Feelings are facts Para esta exposición, un espacio completamente en blanco se llena de niebla artificial y se ilumina desde arriba con una cuadrícula de luces fluorescentes de colores. Las luces dividieron la niebla en campos de rojo, verde y azul, los colores primarios. Cuando dos colores se encuentran, se mezclan creando transiciones de cian, magenta y amarillo.

La visibilidad es muy reducida, lo que provoca en los visitantes sensación de inseguridad y supone un reto al sentido de la orientación.

Para aumentar la sensación de desorientación, se bajó el techo de la galería y se construyó una rampa que va desde la entrada hacia la parte posterior del espacio, donde la rampa y el techo se curvan abruptamente hacia arriba. Para compensar la inclinación del piso, los visitantes tenían que ajustar constantemente su equilibrio, cambiando su peso y postura, con solo los campos de color para guiarlos intuitivamente a través de la densa atmósfera.

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Room for one colour (1997).

Guggenheim Museum, Bilbao.

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Room for one colour (1997).

21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan, 2009.

Room for one colour (1997).

Video: https://drive.google.com/file/d/1D8gPw7QvNGHi_CYf6aF7R6BmVEb-AMTK/view?usp=sharing

Room for one colour En esta exposición, lámparas monofrecuencia montadas en el techo de una habitación blanca emiten una luz amarilla que reduce el rango visual de los espectadores a amarillo, negro y gris.

Se busca hacer reflexionar al espectador sobre la realidad de nuestro entorno, que es condicionada por nuestra percepción de esta, ya que la visión no es objetiva y estar conscientes de ello nos puede ayudar a vernos a nosotros mismos “bajo una luz distinta”.

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Colour experiment no. 78 (2015). Long Museum, Shanghai, 2016.

Colour experiment no. 78 Esta exposición cuenta con una serie de discos, pintados de distintas tonalidades de amarillo, naranja, rojo, verde, azul, índigo y violeta, están montados en las paredes de una pequeña habitación.

Al tirar de una cuerda, se prende una lámpara de luz blanca, haciendo que el color de los discos se restaure. Cuando se apaga la luz blanca, la habitación se ilumina con una lámpara monofrecuencia, que hace que los discos aparezcan en tonos negros y grises. Pero cuando se enciende la luz blanca de frecuencia completa, el ojo humano puede ver los discos con los colores normales.

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Colour experiment no. 78 (2015). Tanya Bonakdar Gallery, New York, 2017.

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FORMAS

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La situazione antispettiva (2003). Danish Pavilion, 50th Biennale di Venezia, Venice.

La situazione antispettiva Esta estructura es una cápsula espinosa con una pequeña escalera que conduce a su interior en forma de cueva.

La obra contiene aproximadamente 250 caleidoscopios hexagonales de acero inoxidable que sobresalen dentro y fuera de ella. Hay tres tamaños diferentes de caleidoscopio, cada tamaño representado en una variación hacia afuera y una variación hacia adentro.

A través de los extremos abiertos de los caleidoscopios, los espectadores pueden vislumbrar el interior pulido y complejo de la obra incluso antes de subir por la escalera que conduce a la entrada.

Una vez dentro, el espectador se enfrenta a múltiples reflejos fragmentados de sí mismo, otros visitantes, el espacio circundante y manchas de luz distorsionadas.

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Your unpredictable path (2016). Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul.

Your unpredictable path Esta obra cuenta con más de mil esferas de vidrio con tamaños y colores diferentes, colocadas y agrupadas en una pared negra para forman una gran composición. Los tonos suavemente luminosos de las esferas y el estilo orgánico de su disposición hacen referencia a fenómenos astronómicos como constelaciones y nebulosas.

Mientras es espectador camina a lo largo del largo muro, puede sentirse como si estuviera viajando entre las estrellas. Cuando se acerca a la obra, se ven innumerables reflejos invertidos del visitante y su entorno en las superficies traseras revestidas de espejo de las esferas de vidrio.

Al cambiar continuamente, en respuesta a sus movimientos y los de los demás, estas reflexiones dinámicas enfatizan lo efímero y la contingencia del momento presente.

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Your spiral view (2002). Tate Modern, London.

Video: https://drive.google.com/file/d/1uZNNaHUTMZ-d4e1WYtCWzbNfhE3eePhm/view?usp=sharing

Your spiral view Esta estructura es un túnel de aproximadamente ocho metros de largo, construido con placas de acero ensambladas en dos conjuntos de espirales que se enrollan en direcciones opuestas.

En el interior de la obra, el visitante se encuentra dentro de un caleidoscopio, reflejando su camino por el túnel de una manera fragmentada.

Los reflejos realzan la vertiginosa sensación de movimiento creada por las paredes irregulares.

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agua

Beauty (1993). Tate Modern, London.

Beauty Esta obra hace alusión a una cascada que funciona por medio de un aspersor, que rocía agua dentro de un cuarto totalmente negro y oscuro. Frente a la cascada está dirigido un foco que proyecta luz hacia ésta, generando un arcoíris en movimiento. Los colores del arcoíris son generados cuando la luz rompe el espectro visible en una gota de agua.

Si existen muchas gotas, existen muchos colores.

La experiencia de los efectos visuales generados por la interacción del agua y la luz cambia dependiendo de las posiciones de los visitantes dentro de la habitación, la obra de arte existe solo por la unión de la vista y el objeto, es única para cada espectador.

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Beauty (1993). Moderna Museet, Stockholm, 2015.

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Waterfall (2016). Palace of Versailles.

Waterfall Esta estructura es una cascada que está sostenida por una torre construida con vigas de acero amarillo. Las bombas transportan agua a través de tubos hasta una plataforma en la parte superior de la torre.

La estructura grande visible de la cascada llama la atención sobre la construcción de este elemento de la naturaleza, así como de los jardines a su alrededor, mientras que el agua que cae destaca la presencia de fuerzas naturales mayores que juegan en este entorno artificial, como la fuerza y la dirección del viento o las condiciones de la luz en un momento determinado.

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Riverbed (2014). Louisiana Museum of Modern Art, Denmark.

Video: https://drive.google.com/file/d/1ZfFMx-DDtuxNQAVpoEgc1_iSoXgrNdic/view?usp=sharing

Riverbed En esta exposición se recrea un paisaje robusto y encantador, compuesto por un cauce de río y tierra rocosa. La corriente de agua corre por entre piedras y entre las galerías. Los visitantes caminan por este paisaje interior sin horizonte ni luz natural, deteniéndose para tomar una piedra, tomar la temperatura del agua, dejar hundir la pisada en la suavizada tierra, mirar, contemplar y dejarse envolver.

La exposición cuestiona el significado y la experiencia del propio museo, y las complejidades de la relación entre el artista, la construcción y el espectador. Al explorar el proceso de habitar el espacio, se direcciona la atención del visitante hacia la propia obra, fomentando al visitante a explorar el paisaje. Por lo tanto, el visitante es a la vez la exposición en ella.

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