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DES NOUVELLES, HÉLOÏSE ?

Dessiné par Eithne marsh

Des Nouvelles, Héloïse ?

l'édito Nous nous retrouvons une fois de plus pour vous souhaiter la bienvenue à la 10ème édition de Des Nouvelles, Héloïse ? 10 éditions plus tard, c'est grâce aux différentes approches créatives de chaque nouveau comité que le magazine reste si unique année après année. Je tiens à remercier la formidable équipe de Des Nouvelles, Héloïse ? pour son travail et ses efforts créatifs tout au long de l'année. Ensemble, nous avons fait face à de nombreux défis : la pandémie de COVID-19, les grèves universitaires, et tout cela dans une période de troubles et de divisions politiques mondiales. Si une chose reste claire dans ces temps sombres, c'est que la créativité rassemble les gens. Je remercie également tous les contributeurs de cette année. Sans leurs collaborations engageantes, cette édition et Des Nouvelles, Héloïse ? ne seraient pas possibles. Cette édition de printemps comprend une grande variété d'articles. Du Brexit à l'architecture française, de la philosophie aux critiques de théâtre, nous espérons que la 10ème édition aura tout pour satisfaire vos curiosités et vos envies francophones. Je tiens également à remercier les écoles et lycéens qui ont pris le temps de participer à notre concours de critiques de films. Alors que beaucoup d'entre nous sont diplômés et partent pour leur année à l'étranger, nous laissons Des Nouvelles, Héloïse ? entre les mains des futures équipes prometteuses. De ma part et de celle du comité de cette année, Longue vie à Héloïse !

Index

Pr ntemps Pr ntemps Pr ntemps

2022 2022 2022

Que-est-ce que j'ai appris pendant mon année à Paris ?, Alina Seliverstova

p. 3

Le Démarketing de Marseille, Alice Boon

p. 5

Ni Ici, Ni Là, Chiara Baty Cotte

p. 7

La France : La Naissance de l'Architecture Moderniste, Lillian Wilcox

p. 8

L'Art Français dans La Grosse Pomme, Mariasole Pipino

p. 9

Camus : Comment Peut-On Exister dans un Monde Absurdiste ?, Eithne Marsh

p. 11

L'Art en Dehors du Cadre, Myrtó Katsoulidou

p. 13

Ionesco au Théâtre de la Huchette, Katie-Rose Nandhra

p. 15

Pour Nous, Par Nous - l’Afroféminisme Contemporain, Joy Brooks-Gilzeane

p. 17

« Deux Solitudes » : La Question Linguistique au Québec, Rachel Weller

p. 19

Les Mangas : Quel Avenir pour la Bande Dessinée ?, Theodora Federbusch

p. 21

La Playlist Parfaite pour le Printemps, Ally Azizi

p. 23

Concours Scolaire - Critique d'un Film Francophone

p. 25

Un Poète Mort, Gaby Sambuccetti

p. 28

Les Morceaux que J'adore, Alice Boon

p. 29

Que-est-ce que j’ai appris pendant mon année à Paris ? Un guide théorique des conseils pratiques Alina Seliverstova

Vous finissez de faire votre dernier sac, tout en fermant soigneusement votre valise… Vous êtes sur le point d'embarquer dans la plus palpitante des aventures. Cependant, il y a ce petit élément de doute dans votre

J’ai deux amours, mon pays et Paris, par eux tou jours mon cœur est ravi !

esprit. Suis-je prête à partir pour une année entière dans un pays étranger ? Je n’étais encore jamais allée à Paris, et y déménager me paraissait réellement intimidant !

Crédits : Joséphine Baker, Paul Colin, 1925; 2022 Artists Rights Society (ARS), New York

Première étape : faites vos recherches pour vous préparer ! Créez votre propre carnet de vocabulaire personnalisé.

C'est quoi le tromé ?

Logément

Ça vous dit quelque chose ? Si c'est le cas, ne vous inquiétez pas, car vous avez choisi le bon article à lire.

CAF

Pass Navigo

Voici mon guide en 3 étapes pour déménager ou visiter Paris. La première étape est d’effectuer des recherches, la deuxième étape est de se préparer à ce qui va arriver, et la dernière étape s’agit de s'amuser et de visiter de supers endroits. Ces conseils vous aideront à bien démarrer votre vie à Paris, afin que vous puissiez tomber amoureux de cette belle ville ! Ayant appris le français pendant cinq ans, le niveau de mes connaissances était assez compétent : au début de mon séjour, je pouvais facilement discuter de sujets tels que le féminisme, la philosophie ou encore l’histoire. Cependant, lorsqu’il s’agissait du vocabulaire nécessaire au quotidien, par exemple au restaurant ou dans les magasins, j’étais complètement désorientée. Je vous conseille donc de rédiger une liste de phrases utiles dont vous pourriez avoir besoin pour louer un appartement, vous présenter à l'université, faire une réservation ou simplement demander si les légumes doivent être pesés avant de payer à la caisse. Cela peut sembler super simple, mais c'était incroyablement utile. Et bien sûr, après quelques semaines d'utilisation de ces phrases, elles font partie de votre langage.

Deuxième étape : simplifiez-vous la vie grâce à certains outils technologiques. Téléchargez les applis indispensables pour la vie à Paris !

Dernière étape : amusez-vous ! Prenez le temps d'explorer cette nouvelle ville ! Après un semestre à Paris, je me suis rendu compte que le seul monument que j'avais visité était La Tour Eiffel. Je sais que la vie peut devenir très chargée, surtout quand on doit étudier dans une langue étrangère, mais il est vraiment important d’aussi prendre le temps de se détendre. Voici mes recommandations des meilleurs endroits à visiter à Paris (que les touristes ne connaissent généralement pas). Si vous voulez aller dans un bar ou un restaurant, je vous recommande de visiter les bars secrets. Lavomatic est un bar à cocktails caché dans une laverie. De plus, découvrez L’Épicier, un bar caché qui ressemble à une épicerie. Il est très efficace de faire tout pour vous simplifier la vie à Paris ! Voici les 5 applications les plus utiles que j'utilise ici tous les jours. Tout d'abord, il y a « Flink ». Il s'agit d'un service de livraison de produits d'épicerie, vos produits vous étant livrés dans 20 minutes. Cela peut être super utile si vous habitez loin d'un supermarché ou si vous

Crédit Photo : L'Épicier

Crédit Photo : Lavomatic

n'avez tout simplement pas le temps de faire les courses

Mon autre endroit préféré est un marché et hangar de

(je sais que c’était le cas pendant mes premières

nourriture italienne, situé proche de la Gare de Lyon – La

semaines à l'université). Si vous êtes étudiant, vous

Félicità.

pouvez bénéficier d'une réduction pour votre première

En ce qui concerne les cafés, étant complètement accro à

commande, et ils offrent même souvent des bons

la caféine, ma première déception a été le goût (et le prix

d'achat !

!) du café à Paris. Bien que la seule solution au problème

Ensuite, « Jinka » est une appli utile pour trouver un

du prix ait été d'apporter ma machine à Paris, le problème

appartement à Paris. Les options sont très limitées en ce

du goût a vite aussi été résolu. Voici mes deux cafés

qui concerne le logement des étudiants à Paris. Au

préférés, qui servent vraiment du café délicieux (qui

moment où j'ai commencé à chercher un endroit pour

coute par contre cinq euros). Mon préféré de loin, c’est

vivre, toutes les places dans les logements étudiants

Café Kitsuné ! Un café incroyable, avec des succursales

avaient disparu. Cette application rassemble différentes

dans tout Paris et New York, et qui a en plus une histoire

offres d'agences et de particuliers pour faciliter votre

cool. Moins connu mais avec un café tout aussi bon, nous

recherche.

avons l'Un Grain Décalé : un petit café étonnant et

« Dice » est une application incroyable pour trouver des

indépendant, situé rue Vavin.

événements qui se déroulent à Paris et pour en acheter

Enfin, pour immortaliser votre soirée à Paris, vous pouvez

billets. Et enfin, je vous recommande « ReversoContext »

aussi vous arrêter au Foto Automat, une cabine de photos

et « DeepL Traducteur », deux des meilleures applications

retro à Montmartre !

de traduction. Elles se sont avérées indispensables pour l'université !

La vie à Paris est très enrichissante, que l'on soit touriste

Outre le téléchargement de ces applications, vous pouvez

ou étudiant. Si aucune de mes recommandations ne vous

également utiliser les services suivants pour vous

convient, vous pouvez regarder sur Billet Réduc pour tout

simplifier la vie : avant votre déménagement à Paris, je

événement prochain. J'ai passé un séjour fantastique à

vous conseille de rechercher et de vous inscrire pour la

Paris, et j'espère que cette liste de recommandations,

CAF et pour le Pass Navigo.

bien que non-exhaustive, vous aidera à en passer un aussi.

le démarketing de Marseille : la ville qui dit aux touristes « allez-vous-en » Alice Boon Au fil des années récentes, le monde a connu une baisse spectaculaire du nombre de touristes. Certains s’inquiètent des conséquences économiques tandis que d'autres apprécient le répit bien requis. Alors que les restrictions commençaient à s'assouplir, les hauts lieux touristiques tels que Venise et Barcelone craignaient l'inévitable hausse du tourisme de masse. Marseille, cependant, est allée un peu plus loin et a activement dissuadé les touristes de visiter avec une ambitieuse campagne de démarketing. Le Parc Calanques

national

des

C’est l’un des parcs nationaux les plus pittoresques d’Europe, bien qu’il ne soit pas sur le radar des foules internationales qui ont tendance à se rassembler sur les vastes plages de sable sur la côte. Cette collection de criques entre Marseille et Cassis compte des falaises frappantes et rochers escarpés qui transpercent les eaux turquoise de la Méditerranée. Des plages minuscules de sable et de galets se nichent dans les baies bordées de pins. Les criques ne sont pas faciles à accéder ; il y a une randonnée d’au moins deux heures à travers des collines et des sentiers étroits sur des rochers glissants sous le soleil brûlant avec une journée d'équipement de plage. Mais cela fait partie du charme ; la journée commence et se termine par la randonnée rendant le havre de paix final encore plus gratifiant. Les gens sont de bonne humeur pendant qu’ils grimpent vers les anses élusives, regardant l'océan, et des visages épuisés et hâlés reviennent au crépuscule, la peau encore couverte de sel de mer collant. On comprend alors pourquoi ces calanques sont si populaires.

Quelles risques cette décision ?

pose-t-elle

Ces dernières années, les Calanques ont connu une énorme augmentation de la popularité, sans aucun doute aidée par le fait que Marseille a été désignée capitale européenne de la culture en 2013. Bien que la majorité des visiteurs soient locaux avec 70% d'entre eux provenant de la métropole AixMarseille, en juillet et août 2020, toutes les calanques d'En Vau, Sormiou et Morgiou ont atteint des pics de 3 500 visiteurs par jour, soit deux fois plus que l'année précédente. En effet, l'année dernière, le parc a attiré trois millions de visiteurs contre un million à sa création en 2012. Le site a un équilibre biologique sensible ; déjà, de vastes zones du parc sont interdites en raison des risques d'incendie dans les forêts et les sentiers de randonnée sont souvent fermés en été à cause de la chaleur et des risques d'incendie. Les visiteurs incessants qui traversent le parc ont entraîné l'érosion des pins et la destruction des habitats naturels, car de plus en plus de personnes piétinent les plantes protégées au lieu de prendre les sentiers soigneusement balisés. Les 8 500 hectares sur terre sont en

mauvais état avec des pins même à risque de se déchausser. Plus il y a de baigneurs sur les rochers, moins la flore peut s'y développer. Au fond de la mer, la posidonie, espèce protégée et habitat naturel clé, est dégradée par l'ancre des bateaux. Ces petites baies sont bondées et manquent d'infrastructures telles que des poubelles, des toilettes et des fontaines à eau. Malheureusement, mais sans surprise, tant de visiteurs entraînent une grande quantité de déchets, de nuisances sonores, de barbecues sauvages et d'embouteillages monstres qui dégradent l'environnement et gâchent l'expérience. quoi faire ? Le plan d’action... Les officiels ont saisi l'occasion avant que les voyages internationaux ne reprennent en force pour lancer une campagne de démarketing à grande échelle. Principalement, au lieu de chanter les louanges des calanques, le site web met en avant tous les problèmes auxquels les visiteurs peuvent être confrontés. Il montre des images de plages bondées avec des messages rebutants qui soulignent « l'eau froide », « accès difficile » et des plages exiguës et envahies par les foules. Le site affirme « De nombreuses images de criques paradisiaques prises dans les Calanques circulent sur les réseaux sociaux… Mais ces photos ne montrent pas la longue marche nécessaire pour accéder aux sites. » et « pour éviter la foule, privilégiez l'automne ou l'hiver » afin de faire réfléchir les touristes. Zacharie Bruyas, en charge de la communication, clarifie que « l'objectif n'est pas de dégoûter les gens mais de les informer sur la réalité » ; le parc veut changer son image à « un site naturel et protégé,

avec un patrimoine exceptionnel, et non un site balnéaire ». Les officiels demandent même aux influenceurs d'Instagram de retirer leurs photos flatteuses des Calanques pour tenter de réduire l'intérêt des touristes. Le parc a interdit les bateaux non autorisés d'amarrer aux criques et a réduit considérablement les places de parking, mais la stratégie principale est l'introduction d'un nouveau système de billetterie. À partir de l'été 2022, les autorités françaises commenceront à tester des permis quotidiens pour la Calanque de Sugiton qui plafonnent le nombre de visiteurs à 200 ou 300 par jour via un site de réservation en ligne gratuit. Les gardes-forestiers vérifieront les permis et effectueront des contrôles inopinés dans un mouvement qui est le premier du genre pour un parc national français. Ils espèrent qu'un meilleur contrôle des foules encouragera un tourisme responsable et conduira à une expérience plus agréable pour les visiteurs.

Laurent Lhardit, adjoint au Maire en charge du tourisme durable, a souligné qu'ils ne voulaient pas arrêter le tourisme mais le rendre plus durable en « augmentant le nombre de lieux qui accueillent les touristes » pour alléger la pression sur le centre-ville et les calanques. Le programme « l’Été Marseillais » inclut des mesures destinées à gérer l’afflux saisonnier comme la promotion de circuits touristiques alternatifs « pour éviter les sites surfréquentés de Notre-Dame de la Garde et Les Goudes ». France

Marseille Les autorités appellent également à une stratégie de démarketing dans la ville, provoquant une dispute avec l'Office Métropolitain de Tourisme qui a annoncé une campagne touristique de un million d'euros pour la ville. 3,5 millions de touristes ont fréquenté Marseille l'été dernier, soit une augmentation de 60% par rapport à 2019 en raison d'une augmentation du tourisme domestique. En conséquence, le maire a demandé à l'office du tourisme d'arrêter la promotion et de se concentrer plutôt sur plus de ressources pour accueillir les touristes qui visitent déjà.

Pendant que Marseille a mis en place une campagne localisée, la France dans son ensemble fait également pression en faveur du tourisme plus durable. Par exemple, la région PACA s'est associée avec l’application de navigation Waze afin d'informer les utilisateurs des sites surfréquentés et de proposer des destinations alternatives. Comme l'a dit le ministre délégué chargé du tourisme, Jean-Baptiste Lemoyne, « Cette crise, c'est aussi un moment pour repenser le tourisme, le tourisme tricolore et essayer de prendre un temps d'avance peutêtre », dans ce cas, en mettant en place des politiques touristiques durables en prévision des futures vagues de touristes dans les étés à venir. 6

ni ici, ni là Chiara Baty Cotte Je ferme la porte rouge qui mène à mon appartement, et je me plonge dans la rue pluvieuse de Londres. Je suis en route pour le consulat français, après avoir enfin trouvée un rendez-vous pour renouveler mon passeport français. Une abondance de pensées concernant le Brexit me brise le cœur aujourd’hui, cela fait cinq ans que 52% de la population avec qui je cohabite sur cette petite île ont brutalement décidés qu’ils ne souhaitaient plus faire partie de cette équipe, ce groupe débordant de diversité et d’histoire. Comme Christopher Marlowe l’avait parfaitement dit, « l'Europe, c’est comme avoir un nombre infini de richesses ». J’avais seulement 14 ans en 2016, mais la fierté et l’importance de mes deux pays, la France et l’Angleterre, n'était guère un mystère pour moi. Alors que je regardais le train arriver, je commençais à réfléchir, et à disequer mon état d’esprit le matin du 23 Juin 2016. Je m’étais réveillée avec l’esprit tout engourdi, avec le cœur lourd, pas seulement à cause du fait que, maintenant, la Grande Bretagne ne faisait plus partie de l’Union européenne, mais simplement pour cette émotion que je n’avais guère ressenti auparavant, du long de mes 14 ans vécus naïvement dans le Peak District. Je me sentais comme un paria, un exclu, je n'avais pas le passeport anglais comme mes copines, mais elles n'avaient pas de parents

européens non plus, donc est-ce que j’allais toujours être une proscrite ? Maintenant, plus que jamais, c’est sûr. Je descends du premier train et attend avec impatience que la Jubilee line Westbound arrive au quai. Une Française en Angleterre, une Anglaise en France. Que puisje faire pour qu’on me considère comme je suis vraiment, une jeune fille bilingue, père anglais et mère française ? Pourquoi dois-je me battre pour être ce que je suis vraiment ? Entre les cartes d’identité, le passeport anglais et le passeport français. Les règles imposées par l'Angleterre suite au « divorce » sont la cause d’une nouvelle crise d’angoisse, qui me perturbe chaque fois que je voyage, je dois prouver aux douaniers que j’ai le droit d’être en Angleterre. Même si mon père est anglais, cela ne suffit pas. Je me sens comme un étranger dans le pays que j’appelle une moitié de ma patrie. D’ailleurs, à la suite du Brexit, il est pratiquement impossible de trouver des rendez-vous pour les renouvellements des passeports. Donc, fin décembre, je me suis trouvée dans l’aéroport de Genève, avec ma carte d’identité en main. J'ai dû passer 45 minutes assise sur un banc, pendant que quelques douaniers discutent entre eux, débattant sur mes droits, si je pouvais passer la frontière avec la seule pièce d'identité que je possède.

La carte d’identité est un mystère maintenant, une hallucination comme l’idée que l’Angleterre n'avait jamais fait partie de l’Union européenne. En me levant de mon siège pour descendre du métro et commencer la petite marche qui mène jusqu’au consulat, une dernière pensée me traverse l’esprit. Avant d’avoir commencé mes études supérieures à Londres, je me souviens du matin où j’ai reçu un mail me demandant une preuve de domiciliation en Angleterre, car si je ne pouvais pas le prouver il aurait fallu que je paye les frais internationaux. Bien entendu, j’avais déjà fourni toutes ces informations, la seule cause de ce mail étant mon passeport français. La sortie de l’Union européenne s’avère beaucoup plus complexe que ce qu’avaient dit ces chantres. Aujourd’hui les effets du Brexit sont clair est net : la perte de la population active, cette population active terriblement travailleuse, qui faisaient peur à la classe ouvrière anglaise, qui avaient peur de la libre circulation des migrants et des refugiés, affirmant au passage que les citoyens des pays les plus pauvres prenaient leurs emplois et leurs avantages. C’est pour ces raisons que je me sens comme une étrangère, ni ici, ni là.

7 .

La France : la naissance de Lillian Wilcox l'architecture moderniste ? On pourrait dire que Le Corbusier est l’individu qui déploie le mouvement de Modernisme. Mais qui est-il ? Qu'a-t-il accompli pour la société et pour le monde de l'art et du design ? Qu'est-ce que le mouvement moderniste et qui étaient les agents impliqués ?

Crédit Photo : Pinterest

En fait, le Modernisme en tant que concept, est l’utilisation des nouvelles technologies non seulement dans la construction de bâtiments mais aussi avec la conception de meubles et autres choses. En particulier, le Modernisme se concentre sur l’utilisation de nouveaux matériaux tels que l’acier et le béton. Le mouvement a suivi le fonctionnalisme et le minimalisme. Bien que le Modernisme soit présent aux États-Unis depuis la fin du 19ème siècle grâce à Frank Lloyd Wright, c’est Le Corbusier qui a réellement fait connaître le mouvement en Europe.

Le Modernisme a eu de grands avantages pour la société car il a souvent réimaginé la façon dont les gens pouvaient vivre, en ajoutant des caractéristiques qui permettent un style de vie plus communautaire avec les voisins. Le modernisme n’est vraiment devenu officiel qu’après le développement du Congrès International d’Architecture Moderne (CIAM) à la fin des années 1920. C’est à ce moment-là que le mouvement est devenu international, que les architectes ont pu voyager et se rendre visite afin de partager leurs idées. Crédit Photo : Centre Pompidou-Metz en ligne

Premièrement, Le Corbusier (né Charles-Édouard Jeanneret-Gris) était principalement un architecte mais aussi un créateur des meubles, peintre et sculpteur. Il est peut-être le plus célèbre des designers du mouvement moderniste. Né le 6 octobre 1887, Le Corbusier a commencé son travail dans les années 1920. En 1926, il définit une architecture moderne, selon cinq caractéristiques : le toit terrasse, le plan libre, la façade libre, les pilotis et la fenêtre-bandeau. Le Corbusier exerçait aussi une grande influence sur l’Urbanisme avec ses plans pour un nouvel environnement pour les peuples. De cette manière, il est surtout connu pour avoir conçu « l'Unité d’Habitation », un nouveau concept de logement dans plusieurs endroits en Europe. La plus célèbre est La Cité radieuse à Marseille, qui est connu comme le modèle du Brutalisme. De plus, Le Corbusier organise également le Congrès International d’Architecture Moderne qui avait pour objectif de diffuser les principes du mouvement moderne.

Crédit Photo : France.fr

Bien que le modernisme existe depuis un siècle maintenant, il y a encore beaucoup de gens qui le rejettent en tant que concept. Il y a ceux qui pensent que le modernisme et les bâtiments de Corbusier sont moches et ils n’acceptent pas ce genre d’architecture. Les architectes modernistes ont suivi l'idée que la forme suit la fonction et que les bâtiments doivent être pratiques, sans suivre une référence historique particulière, ce qui a provoqué des complications entre certains membres de la société, et en provoque encore aujourd’hui. Les gens ne l'aiment pas du tout, car le concept du Modernisme consiste à se débarrasser des traditions historiques et significatives et à repartir de zéro. De plus, Le Corbusier lui-même était également une figure largement contestée. Il a créé un plan pour Paris, après avoir déclaré en 1920 qu'il fallait démolir Paris pour recommencer. Évidemment, les gens n'ont pas soutenu cette idée et elle n'a jamais été concrétisée.

L'Art Français dans la Grosse Pomme Mariasole Pipino Après une année de disparition complète, j’ai finalement eu l'opportunité de voyager de l’autre côté de l'Atlantique. En fait, après 7 heures d’avion, j’ai atterri à New York City. Fasciné par les gratte-ciel infinis et par l'installation autour de la ville, je n'ai pas remarqué la chute de température de -10° qui s’est installée en très peu de temps. La seule solution pour ne pas congeler fus de me ruer dans les musées de la ville et de m' immerger dans l’art et la culture. C'est en visitant des lieux comme le MoMa de NYC, le Guggenheim ou le MET, que je me suis attardée sur des artistes français.es et me suis retrouvée à analyser et decouvrir encore plus la culture française en me trouvant de l’autre côté du monde. J’ai eu la possibilitée d'observer de l'avantgarde, de l'impressionnisme et du surréalisme à travers des artistes tels que Matisse, Renoir, Courbet, Manet, Gauguin, Degasse, Redon et Magritte. J’ai donc décidé de partager avec vous les tableaux qui m’ont le plus marqué.

véritable art du peintre Henri Matisse, qui donne de la chaleur à ses concepts, et construit ses tableaux avec des couleurs et des lignes au point de donner vie à ses combinaisons : dans leur logique, cellesci forment alors une composition achevée, dont on ne pourrait enlever ni une couleur ni une ligne sans réduire l'ensemble à une juxtaposition aléatoire de lignes et de couleurs en vrac. Selon l'artiste, le but du tableau :

« La Danse est de [...] fixer sur la toile toute la grâce du désir et toute la beauté de la nature, toute la joie de l'être vivant, dans une représentation qui exclut totalement toute allusion à la mort »

En fait, l’objectif soutenu par Matisse dans ses œuvres d'art est de transmettre la puretée et le courage à travers des couleurs élémentaires comme le bleu, le jaune ou le rouge pour représenter l'âme humaine dans sa profondeur et sa nudité. Cette idée porte l’essence rudimentaire du mouvement avant-garde français.

Henri Matisse, La Danse, 1909

En première place, il y a Henri Matisse et son huile sur toile de 1909, La danse, dans sa première version. De façon intéressante, ce tableau n’est pas la simple reproduction de l'objet (comme le croient encore certaines intelligences superficielles), mais il constitue le

La représentation d'Hina et de Fatou par Gauguin, marquée par une grande disparité dans la taille, l'échelle et la coloration des personnages, semble refléter leur ancienne querelle.

Le second artiste qui a conquis mon cœur est Paul Gauguin. Hina Te Fatou est la représentation par Gauguin d'un ancien mythe polynésien, dans lequel Hina, l'esprit féminin de la Lune, implore Fatou, l'esprit masculin de la Terre, d'accorder aux humains la vie éternelle. Une requête que Fatou refuse.

Paul Gaugin, Hina Te Fatou, 1893

Au premier plan, la figure nue d'Hina est bien visible, tandis que Fatou, peinte à partir de la poitrine, est plus grande que nature à l'arrière-plan. Mais il n'y a pas de milieu, la distance qui les sépare semble infranchissable. La particularité de Gauguin est qu'il entre dans la psychologie féminine de ces femmes ; il veut plonger dans cette réalité invisible qu'il cherche à travers ses œuvres qui poursuivent des visions intemporelles. Tout dans ses toiles veut refléter un monde magique qui ne correspond pas aux difficultés objectives que l'artiste rencontre.

Je m’attarde par la suite sur Degas et son tableau La Classe de Danse (1874). Cette œuvre et sa variante au Musée d'Orsay à Paris, représentent les peintures les plus ambitieuses que Degas ait consacré au thème de la danse. Vingt-quatre femmes, des ballerines et leurs mères, attendent pendant qu'une danseuse exécute une « attitude » pour son examen. Jules Perrot, un célèbre maître de ballet, dirige le cours.

Pour conclure, attardons nous sur le travail de René Magritte. Un œil énorme et isolé regarde fixement le spectateur : Le Faux Miroir (1928). Son coin interne gauche a une qualité vive et visqueuse. Il semble important de mentionner l’artiste cultivé et excentrique, mais aussi connaisseur d'art raffiné, Odilon Redon. L’artiste se consacre au début de sa carrière artistique et jusque dans les années 1890 aux techniques du dessin et de la gravure (dessins au fusain, eauxfortes, lithographies), refusant délibérément d'utiliser la couleur. Il a illustré divers textes d'auteurs français, dont Baudelaire et Mallarmé, et a réalisé en 1882 une série de lithographies pour Edgar Allan Poe. Dans ses œuvres en noir et blanc, d'obscures visions intérieures se matérialisent, exprimées sous forme d'images fantastiques confinées aux atmosphères irréelles des rêves ou parfois aux atmosphères délirantes des cauchemars.

Edgar Degas, La Classe de danse, 1874

La scène imaginaire se déroule dans une salle de répétition de l'ancien Opéra de Paris, qui a récemment brûlé. Sur le mur à côté du miroir, une affiche de Guillaume Tell de Rossini rend hommage au chanteur Jean-Baptiste Faure, qui a commandé le tableau et l'a prêté à l'exposition impressionniste de 1876. Degas démontre que chaque couleur n'est pas importante en soi, mais se trouve influencée par toutes celles qui l'entoure. Ainsi, les ombres se colorent, les tutus se remplissent de nuances et de reflets et le satin brille au soleil. Bien que les coups de pinceau rapides et légers rendent les jupes exceptionnellement légères et aériennes, prêtes à capter les reflets mouvants de la lumière, l'artiste conserve fermement la construction spatiale car il n'a jamais abandonné le dessin « auquel la nature et l'éducation l'avaient destiné », montrant ainsi immédiatement sa singularitée par rapport à Monet et aux autres impressionnistes.

Odilon Redon, Pégase captif, 1889

Un sujet récurrent est l'œil, qui est cependant détaché de la physionomie humaine. L'image fantastique est chargée de valeurs symboliques liées à l'idée d'un voyage mental caractérisent ses tableaux pleins des significations.

René Magritte, Le faux miroir, 1928

Les détails anatomiques de cette zone et sa surface brillante contrastent avec le noir mat de la pupille de l'œil, qui flotte, désarticulée, dans un ciel limpide et nuageux d'un bleu céruléen. Bien que les zones entourant l'iris de l'œil soient soigneusement ombrées et modelées, donnant l'illusion d'un jeu de lumière sur une forme tridimensionnelle, le ciel ne présente aucune trace de complexité ; ses nuages gonflés sont magnifiquement peint, mais pas son étendue bleue qui semble simpliste. En conséquence, le ciel semble être vu à travers une fenêtre circulaire plutôt que reflété dans un oeil. L'œil était un sujet qui fascinait de nombreux poètes et artistes visuels surréalistes, étant donné sa position de seuil entre le moi intérieur et subjectif, et le monde extérieur. Le photographe surréaliste Man Ray a possédé un jour Le faux miroir, qu'il a décrit de manière mémorable comme une peinture qui « voit autant qu'elle est vue ». Ses mots définissent parfaitement le caractère troublant de l'œuvre : elle place le spectateur, bloqué entre le fait de regarder à travers l’oeil et d'être regardé par un œil qui s'avère vide. Elle s'ouvre sur un vide qui, malgré toute sa beauté rayonnante, remplie de nuages cumulus, semble nier la possibilité d'une existence humaine.

Albert Albert camus camus :: comment comment monde monde absurdiste absurdiste ??

eithne eithne marsh marsh

Lors des années quarante, une nouvelle philosophie fut introduite par Albert Camus : la philosophie de l’absurde. Bien que celle-ci ait pour origine la philosophie de l’existentialisme qui nous dit que Dieu n’existe pas et donc il n’y a ni de l’ordre, ni de sens dans la vie - Camus n’était pas existentialiste. L’absurdisme explique que l’homme vit dans un monde dont il ne comprend pas le sens - la vie n’a pas de sens et, le fait qu’on le cherche est absurde, puisqu’il n’existe pas. Le monde dans lequel on vit est irrationnel, indifférent et vide de sens - notre existence est complètement arbitraire et il n’y a pas de plan divin - elle est absurde. Si on accepte ce fait, on pourra se libérer des chaînes de l’espoir de trouver quelque chose transcendantale, et finalement de vivre une vie authentique.

explications rationnelles aux questions du sens de la vie tout en existant dans un monde irrationnel est absurde.

le Monde dans lequel on vit est indifférent - Notre existence Est arbitraire - elle est absurde

Cependant, le fait que nos vies sont désespérées et dénuées de sens n’est pas une mauvaise chose. Une vie sans sens est une occasion de vivre sans illusion. Si on rejette l’idée d’un « jugement final » et de la vie après la mort, on peut se concentrer sur nos propres vies et ce dans quoi on trouve du plaisir. L’absence des valeurs morales absolues et transcendantes signifie qu’on est complètement libre de les créer nous-mêmes, indépendamment des pressions sociales.

Camus était athée et il ne croyait pas à la vie après la mort. Sa philosophie commence avec la rejection de la religion - en trouvant que Dieu n’existe pas, on conclut que la vie n’a pas de sens. En fait, Camus lui-même décrivait la religion comme une illusion - c’est le « suicide de la philosophie ». Au fond de notre nature, l’homme est un être fini et rationnel. La religion transcende nos capacités de compréhension et donc on ne peut jamais concevoir d’un être infini, comme Dieu. Par conséquent, la signification qu’on attribue à la vie, quoiqu’elle soit, est une construction de l’esprit humain.

La difficulté face à laquelle on est confronté en tant qu’êtres humains est que nous sommes rationnels et nous avons un désir naturel de créer de l’ordre dans ce que nous ne comprenons pas. On cherche la clarté et on essaie d’attribuer un sens à la vie alors que, en même temps, on existe dans un univers absurde. En bref, le fait qu'on essaie de trouver des La littérature de l'absurde 11

Crédit Photo : Woodrow Cowher

expose le désarroi des hommes, en les décrivant comme des étrangers face à une existence dont ils ne maitrisent pas la signification. Dans son roman Le Mythe de Sisyphe (1942), Camus décrit l’état de la révolte contre l’absurdité de la vie. Se rebeller est une façon d’exprimer la liberté et la rébellion ultime vient d’une forme de plaisir que l’on trouve dans quelque chose qui est censé être une punition. Sisyphe était puni par les Dieux parce qu’il essayait de les défier - il était condamné à faire rouler un gros rocher en haut d’une colline pour l’éternité et, une fois arrivé au sommet, le rocher redescendait la colline, et il devait recommencer le processus. Les Dieux choisissaient cette punition parce qu’ils pensaient qu’il n’y avait rien de pire qu’une vie de désespoir, dépourvue de sens. Cependant, Camus nous encourage de considérer le fait qu'en y trouvant de la joie, Sisyphe accomplirait la rébellion ultime. De plus, son roman L’Étranger parle d’un homme qui est vraiment étranger à la société dans laquelle il vit, tout en existant à ses marges. C’était publié en 1942, après la première guerre mondiale, et donc il était écrit pendant une période de

peut-on peut-on exister exister dans dans un un pessimisme extrême - en plein milieu de la deuxième guerre mondiale. Le protagoniste, Meursault, rejette les institutions sociales, comme la religion et le mariage : il adopte la philosophie de l'absurde.

importance », et qu’il ne vaut pas la peine de changer sa vie, en conformant aux institutions sociales. Son indifférence assure qu'il se détache de la société ; il répète toujours « ça m'était égal » et il ne pense jamais aux conséquences de ses actions, ce Même le style d’écriture de ce qui le met à l’écart de la société. roman nous montre l' indifférence de Camus. Le fait qu’il emploie Une vie sans sens des phrases courtes, en utilisant un vocabulaire simple indique qu’il est une occasion voulait que le lecteur comprenne de vivre sans que son protagoniste était son porte-parole. Le roman est écrit illusion au passé composé au lieu du passé simple, ce qui n'était pas À la fin du roman, le lecteur se courant dans la littérature de rend compte que le fait que notre l'époque - il est rendu étranger de protagoniste ne pense jamais aux la société dans laquelle il était conséquences de ses actions sert publié. Tout comme Meursault est à mener à sa chute. Le roman est étranger à la société, le roman lui- divisé en deux parties et, à la fin même ne s’y intègre non plus. de la première, son comportement change tout d’un L'histoire commence avec la mort coup. Auparavant, on l’avait vu de la mère du protagoniste - il va à comme un personnage passif et l’asile de vieillards pour recevoir indifférent. Cependant, comme des informations à propos de son Sisyphe, Meursault commence à enterrement. En découvrant se rebeller - il devient une qu’elle aura un enterrement personne physiquement religieux, il ne comprend pas agressive. Il est à la plage avec pourquoi parce qu’il ne voit pas ses amis et il marche avec son l’importance de la religion ; il voisin de palier, Raymond - celuitrouve que la mort « ne signifiait ci est un homme violent. Ils rien ». Son comportement est rencontrent des hommes arabes, sans doute absurde tout au long dont l’un est le frère d'une femme du roman - il commence une liaison illicite avec une femme, Marie, le lendemain après l’enterrement de sa mère - il n’est pas en deuil. En outre, même s’il a une relation physique avec cette femme, il ne veut pas se marier avec elle. Il n’apprécie que des plaisirs physiques, en pensant que le mariage « n’avait aucune Crédit Photo : Jeffrey Hummel

avec laquelle Raymond a eu une liaison. Ils entrent en conflit et, ayant complètement perdu sa sensibilité à cause du pouvoir de l’« insoutenable » soleil, Meursault tire sur l’un des hommes arabes, qui est simplement connu sous le nom de « l’Arabe » pendant la deuxième partie du roman. Il lui tire cinq fois, ce qui est un exemple pertinent de la philosophie de l’absurde. L’Arabe est déjà condamné à mort, mais le protagoniste lui tire quatre fois de plus précisément pour mettre l’accent sur la volatilité de la vie, et que la mort est toujours inévitable. Ce n’est pas seulement ce qu’il fait qui le rend étranger à la société, c’est aussi ce qu’il ne fait pas. En fait, Meursault est observateur, il perçoit tout ce qui se passe dans ses environs mais il ne peut ni s’y connecter ni exprimer ses émotions d’une manière humaine. Ce manque d’émotion nous indique qu’il n’est pas touché par le fait qu’il ne peut pas trouver un sens profond de la vie, il le crée quand même en restant fidèle à ses propres croyances, et en rejetant les règles imposées par des institutions sociales. On pourrait même dire qu’il est courageux en ne montrant aucun regret pour ses actions. En fait, il montre plutôt un certain ennui pour ce qui lui arrive en conséquence de ses actions, comme son emprisonnement après qu’il est condamné pour le meurtre de l’Arabe. Il n’a aucune peur de la mort - il l’accepte. Il devient martyre de la vérité, il est sans doute absurde. 12

L'Art en dehors du cadre Myrtó Katsoulidou

Photo de la vue de l'hôtel Pappas, extraite de leur site web.

Je me demande souvent si les artistes pensent à l'impact que leurs tableaux auront sur le public lorsqu'ils les peignent. Savent-ils quelles émotions ils vont susciter ? Les souvenirs qu'ils vont réveiller ? Je sais que la réponse est non, car je sais que toute œuvre d'art n'est que le reflet de la perspective de l'artiste sur la vie, de ce qu'il sait, de ses propres expériences. Pourtant, je me le demande.

Il y a très peu de moments dans ma vie où il a suffi d'un seul regard pour qu'une œuvre me transporte dans un souvenir enfoui si profondément dans ma tête que je ne m'en rendais même pas compte. Faire en sorte que le public se voie dans une œuvre d'art est une qualité extraordinaire que peu d'artistes possèdent. L'un de ces rares artistes est Claude Monet.

Chaque été, ma mère, ma sœur et moi allions rendre visite à nos grands-parents à Corinthe, dans le sud de la Grèce, et passions tout l'été avec eux. Le frère de ma mère venait nous chercher à Thessalonique et nous conduisait jusque-là bas. Six heures de voiture, ou « deux cigarettes loin d’ici », comme il le disait en plaisantant. Il n'y a pas grand-chose du voyage luimême dont je me souviens avec précision ; aussi jeune que je l'étais, j'étais plus préoccupé par le fait de dormir pour tout le voyage qu'autre chose. Cependant, ce dont je me souviens, comme si c'était hier, ce sont ces quelques secondes, juste avant que nous atteignions les premiers hectares de la ferme de mes grands-parents. On sentait que nous étions proches car l'air était plus chaud ; un voile de poussière était balayé sous nous par la brise d'été, en provenance du champ d'oliviers situé en face de la ferme. Nous sommes arrivés juste à l'extérieur, avec grand-mère Sevasti, dont trois cousins portent le nom, ouvrant le portail pour la voiture et grand-père Yanis, qui a également donné son nom à trois petits-enfants car l'originalité n'a jamais vraiment prospéré en matière de noms dans la famille - assis sur la véranda, attendant de nous accueillir. C'est ainsi que j'ai su que l'été était là.

Antibes de Claude Monet dans La Gallery Courtauld

La première fois que j'ai vu l'un des tableaux de Monet représentant Antibes (1888), c'était à la Courtauld Gallery, parmi quelques autres grands noms du monde de l'art : Manet, Degas, Van Gogh… Exposé au centre de la galerie, et rangé par paire à un autre de ses tableaux, Effet d'automne (1873) à Argenteuil, Antibes est un tableau que l'on ne peut s'empêcher de remarquer, ou dans mon cas, dont je ne peux détourner les yeux. C'est l'une des dix peintures d'Antibes que Monet a exposées au public, dans le cadre d'une série expérimentale qui se concentrait sur la représentation d'un motif spécifique, ou dans ce cas un paysage, sur différentes périodes.

Elle représentait son nouvel amour pour le paysage méridional, ce qui était tout à fait inhabituel pour l'époque. Bien sûr, Monet n'était pas du genre à suivre les normes.

C'est cette invitation que mon esprit a acceptée, me ramenant à ces étés à Corinthe et à nos voyages en voiture vers la plage. Comme nous étions les invités, notre oncle proposait de nous y conduire, nous et nos cousins, chaque après-midi, avant le coucher du soleil. Il nous emmenait au meilleur endroit de la ville, une petite plage isolée près de l'hôtel Pappas. Elle était située un peu plus loin du centre-ville animé de Loutraki, cachée entre les palmiers et les hibiscus.

l'artiste devient nous, et nous sommes lui L'intérieur de la Galerie Courtauld

Plus précisément, le tableau représente un pin renversé dans le Jardin de Pinède, dans le Sud de la France, pendant une journée d'été, regardant la mer, avec l'île de Sainte-Marguerite qui apparaît faiblement à l'arrière-plan. Au premier coup d'œil, nous remarquons le style expressif des différents niveaux de teintes bleues, complétés par les éléments subtils des tons terreux du brun et des jaunes qu'il utilise dans l’œuvre et qui imitent les faisceaux de lumière et les ombres. Cela intrigue l'œil du spectateur, mais c'est en regardant de plus près que nous pouvons distinguer l'immensité de ses détails. L'objectif de Monet était de capturer le passage du temps, de « nous donner littéralement une impression de ce que c'est que d'être dans le sud, d'être entouré de cet air bleu »*. Ceci est encore accentué par la présence évidente de sa licence artistique, lorsqu'il s'agit de la texture de l'œuvre : ses coups de pinceau. Si distinctifs et uniques, les coups de pinceau audacieux soulignent non seulement l'idée d'une brise d'été, mais sont également une technique de base pour les peintures de Monet.

L'objectif de Monet était de capturer le passage du temps Influencé par l'art japonais, dont Monet était un avide admirateur, il vous encourage à travers la composition du tableau, dont l'objet principal est le pin placé non pas au centre du tableau mais à sa gauche, à prêter attention aux détails, aux pierres du rivage où se tiennent l'arbre et l'artiste et aux maisons floues le long de la côte à l'arrière-plan. Il nous oblige à ‘être vraiment dans le présent et à remarquer des choses que nous avons tendance à négliger ou à prendre pour acquises’. Parallèlement, en étendant au-delà du cadre le sol rocheux sur lequel se trouve le pin, Monet nous invite à poursuivre cette imagerie sur le côté, avec notre propre imagination, faisant de nous l'artiste.

Pour y arriver, nous devions conduire en zigzaguant sur les collines, avec la mer bleue étincelante à nos côtés, qui nous suivait tout au long du chemin. Juste avant d'arriver à l'hôtel, se passait une chose étrange à la mer : nous pouvons voir physiquement les courants changer, car le vent divisait la mer : une moitié toujours pleine de vagues indisciplinées et l'autre moitié « lisse comme de l'huile », comme on dit en Grèce. Une fois que nous étions arrivés, nous savions toujours qu'il fallait aller tout au bout de la côte, car c'était beaucoup plus paisible que le reste. Nous passions des heures et des heures à se baigner dans l'eau rafraîchissante de la mer, qui était aussi bleue que le ciel, contrastant avec la chaleur écrasante de l'été. Mes cousins et moi inventions toutes sortes de jeux pour passer le temps, depuis la construction des châteaux de sable les plus élaborés que vous ayez jamais vus jusqu'au plongions d'un pont vieux, par défi. Lorsque le soleil se couchait et qu'une légère brise se levait, nous remballions nos affaires et rentrions à la ferme pour nous reposer avant de recommencer le lendemain C'est le sentiment de nostalgie qu'a déclenché en moi l'image d'Antibes de Monet qui m'a attiré vers ce tableau. C'est sa représentation de la chaude lumière du sud, parallèle à celle de mes jours d'été à la plage de Corinthe, et ces teintes bleues englobant toute la toile sont les mêmes que celles qui englobent mes souvenirs d'enfance au soleil. Je sais que l'art véritable n'est fait que comme un reflet de la perspective de l'artiste sur la vie, de ce qu'il sait, de sa propre expérience. C'est la raison pour laquelle il touche tant de gens, car plus une œuvre est personnelle, plus nous pouvons nous identifier à elle et sommes capables de nous y voir. L'artiste devient nous, et nous sommes lui.

*Citation tirée de la vidéo 'Monet in Mind: Curator in Conversation', par la Galerie Courtauld.

Ionesco au Théâtre de la Huchette Katie-Rose Nandhra Niché dans un petit coin des ruelles passantes de Saint-Michel, le théâtre de la Huchette continue à prospérer en tant qu’artefact vivant de l’avant-garde parisien. Depuis 1957 il abrite le Spectacle Ionesco, un ensemble de deux courtes pièces qui marquent l’émergence de l’écrivain roumanofrançais dans le domaine théâtral de l’après-guerre. L’héritage d’Eugène Ionesco, l’« anti-auteur » autoproclamé, vit encore dans la mise en scène de La Cantatrice chauve (1948) par Nicolas Bataille et de La Leçon (1950) par Marcel Cuvelier : chaque semaine, du mardi au samedi, un public d’au plus 85 spectateurs s’installent dans un petit monde de vérités vides, logiques étrangères et réalités confuses qui dépassent l’absurde et se trouvent plutôt dans l’insolite.

le théâtre de la Huchette continue à prospérer en tant qu’artefact vivant de l’avant-garde parisien La Cantatrice chauve est née des tentatives vaines d’Ionesco d’apprendre l’anglais. Ayant perdu son temps en suivant la méthode Assimil, écrivant des phrases consciencieusement afin de les mémoriser, il a remarqué qu’il n’écrivait que des truismes : « Il y a sept jours dans la semaine », « La planche est en bas, le plafond, en haut ». Selon ses propres mots, ces choses sont « aussi stupéfiantes qu’indiscutablement vraies ». De telles qualités inspirent donc sa parodie des habitudes et des raffinements anglais, qui se déforment sous un recueil de fragments décousus du langage, de mots lancés au hasard qui dissimulent tout sens narratif. Par conséquent, ce qui se démarque le plus, et ce qui s’exagère au point d’aller loin du seuil de tolérance – avant de

Crédit Photo : tootlafrance.ie

retrouver le chemin vers la drôlerie – c’est la répétition persistante. Le narrateur ouvre le spectacle en éliminant tout doute quant à l’héritage du couple Smith : « Intérieur bourgeois anglais, avec des fauteuils anglais. Soirée anglaise. M. Smith, Anglais, dans son fauteuil et ses pantoufles anglaises, fume sa pipe anglaise et lit un journal anglais, près d'un feu anglais… ». Le doux rythme de sa voix dirige la notion même d’anglicité vers une absurdité poétique, pour que chaque énonciation du mot qui suit sonne aux oreilles comme un dispositif hypnotique. En effet, la voix monotone de Mme Smith trahit encore plus la fadeur de la vie qu’elle partage avec son mari muet, à qui elle parle de leur réalité inepte en long et en large. Le temps passe avant que ce M. Smith dise un mot : assis à côté de sa femme, il reste le visage caché par son grand journal, la fumée et les claquements de sa langue étant ses seules preuves de vie.

Le doux rythme de sa voix dirige la notion vers une absurdité poétique comme un dispositif hypnotique. Un troisième personnage, Mary, s’introduit dans l’action d’une façon similaire, sans invitation. En entrant en scène, elle déclare à tous, d’une manière qui rappelle péniblement la monotonie des cours scolaires de langue, « Je suis la bonne. J'ai passé un après-midi très agréable. J'ai été au cinéma avec un homme et j'ai vu un film avec des femmes. À la sortie du cinéma, nous sommes allés boire de l'eau-de-vie et du lait et puis on a lu le

journal. » On peut concevoir assez cyniquement que les élèves dans la vraie Angleterre de nos jours soient aussi mécontents de leurs études en français qu’était Ionesco il y a 74 ans de ses études en anglais.

les élèves en Angleterre sont aussi mécontents de leurs études en français qu’était Ionesco il y a 74 ans de ses études en anglais. L’effet saccadé qui caractérise les paroles de la pièce se reproduit dans sa présentation ; effectivement, le spectacle dans son ensemble, donne l’impression d’une animation image par image. Les déplacements rigides des personnages – les baisers entre les couples, Mary tirée toujours chantante hors de scène, les allers-retours de Mme Smith, alors qu’elle va ouvrir la porte à plusieurs reprises – font que, sur cette scène déjà si petite, ils ressemblent à des figures en argile, dont le mouvement apparaît rapide, presque automatique, mais est en réalité un processus long et soigné. De telles impulsions sont accompagnées par des coups de sonnette mystérieux qui semblent devenir de plus en plus fréquents et de plus en plus forts, et qui ne sont jamais expliqués – sauf par le raisonnement du pompier qui conclut tout simplement, « Lorsqu'on sonne à la porte, des fois il y a quelqu'un, d'autres fois il n'y a personne. » Après une suite d’exclamations chaotiques qui semblent ne servir qu’à prononcer des phonèmes – « T’en as une couche ! », « Tu m’embouches »,

« Sainte Nitouche touche ma cartouche » – la pièce atteint une fin circulaire. Mme Martin, assise dans le fauteuil de Mme Smith, à côté de M. Martin fumant, annonce : « Tiens. Il est neuf heures. » Le rideau se ferme rapidement, comme la transition à la fin d’un diaporama sur l’écran noir, laissant le public dans un flou obscur. Quelques minutes plus tard, quand les spectateurs sont rentrés des toilettes et les comédiens ont changé de costume, le rideau se rouvre pour présenter La Leçon. Cette pièce est une exagération parodique du concept anthropologique de « Schismogenèse complémentaire » ; c’est-à-dire, une démonstration de comment le comportement d’un côté suscite un certain comportement de l’autre. Joué dans La Leçon, ce phénomène est poussé à l’extrême : bien que sa distribution soit deux fois plus petite que celle de La Cantatrice chauve, la tension croissante semble rendre la scène encore plus exigüe. Une folie les entraîne paradoxalement dans des directions à la fois opposées et similaires et comme on voit les deux personnages rendus de plus en plus fous, on se retrouve immergé dans cette folie nous-même.

Le rideau se ferme rapidement, comme la transition à la fin d’un diaporama sur l’écran noir, laissant le public dans un flou obscur. Une fois que la bonne a fait entrer l’élève et l’a laissé seul, nous sommes témoins de la détermination de ce dernier d’impressionner son professeur et d’apprendre de lui autant que possible. Elle lisse ses couettes blondes, elle arrange sa robe – toute bouffante, en vichy rouge et blanc –, elle pose avec grand soin toutes ses fournitures de bureau sur la petite table devant elle. À l’arrivée du professeur, leur dialogue est rempli d’une courtoisie presque écœurante – « Mais oui, Monsieur, je suis à votre disposition, Monsieur », « À ma disposition ? ... Oh, Mademoiselle, c'est moi qui suis à votre disposition. Je ne suis que votre serviteur ». Pourtant, désormais, leurs raffinements se perdent dans une transformation psychologique

l’enthousiasme et l’obstination de l’élève s’oppose au désespoir torturant du professeur qui vole la vivacité de sa cadette pour nourrir son obsession irrépressible. mutuelle : l'enthousiasme et l'obstination de l’élève s’oppose au désespoir torturant du professeur qui vole la vivacité de sa cadette pour nourrir son obsession irrépressible. Il est bientôt évident que l’addition constitue la somme totale des capacités de la jeune élève ; une fois qu’on passe à la soustraction, les personnages semblent opérer sur des plans de réalitées entièrement différentes. Peu importe la méthode qu’emploie le professeur pour démontrer que quatre moins trois ne font pas sept – lever et baisser ses doigts, arranger et retirer des bouteilles – c’est sa logique qui lui est étrangère. « …trois ou quatre ? Quel est le plus grand ? Le plus grand trois ou quatre ? Dans quel sens plus grand ? ». Initialement, l’incompréhension de l’élève porte une certaine ironie, dans le contexte de la grande ambition qu’elle a exhibé ; cependant, comme nous avons l’impression que les tentatives vaines du professeur pour lui faire entendre raison ne cessent jamais, nous nous trouvons affecté par une sorte de gêne, un vrai inconfort. Le tournant, c’est l’abandon de l’arithmétique et le commencement d’un cours de philologie. Le professeur décide d’ignorer l’avertissement de sa bonne – « Monsieur, surtout pas de

Crédit Photo : Giovanni Coruzzi/

philologie, la philologie mène au pire… » – et, de la même manière qu’il était incapable d’enseigner à son élève l’arithmétique, son élève est maintenant incapable de mettre fin à la folle litanie où se trouve son professeur. Sa modestie du début a disparu ; il est maintenant comblé par son obsession philologique, chantant presque une suite d’ordres que l’élève ne comprend pas – « Alors ; dites, cou, comme cou, teau, comme teau… Et regardez, regardez, fixez bien… ». Plus il persiste, plus elle souffre : sa douleur semble s’intensifier, mais il ignore chaque fois qu’elle crie, « J’ai mal au dents ». La voix retentissante du professeur, le concert des coups de pied de l’élève sur le sol, surstimulent les sens du spectateur à tel point qu’on se sent aussi torturé que nos personnages par le bruit qui résonne si violemment dans la petite salle. Finalement, un rebondissement frappant fait taire l’élève hyperactive en même temps qu’il nous faire découvrir la vraie nature d’un homme dont le voile de politesse a été détruit – un mouvement ionescien qui bouleverse le public et provoque des grands rires à la fois. Dans une ville déjà si riche en arts du spectacle, le théâtre de la Huchette est un vrai bijou. On peut certainement déduire que ces deux petites pièces ont profité d'un si long séjour parce que l'anti-théâtre d'Ionesco a été rendu intemporel par les mises en scène de Bataille et de Cuvelier, même à titre posthume. Ils maîtrisent l'art de transporter le public non pas dans la vitalité de la tradition dramatique, mais plutôt dans un espace qui la déconstruit, qui met au jour le cynisme dans la comédie et le comique dans le macabre.

ⒸRue des Archives/AGIP 16

Pour nous, par nous l’Afroféminisme contemporain Joy Brooks-Gilzeane Malgré une longue tradition d'organisation anticoloniale, antiraciste et féministe en France, on ne sait pas grand-chose de l'histoire de l'Afroféminisme. Son origine remonte au début du 20ème siècle, à l'initiative des sœurs Paulette et Jeanne Nardal qui animaient un club de lecture chez elles, à Paris.

Crédit Photo : Catherine Deudon. Bibliothèqu

e Marguerite-Durand. Roger-Violet.

Une grande partie du travail des organisations féministes noires a été effectuée par deux groupes importants : la Coordination des Femmes Noires et le Mouvement pour la Défense des droits de la femme Noire (Modefen). Ces groupes sont nés d'un accueil historiquement hostile à la mobilisation des mouvements de femmes noires en Europe, dans le contexte de la décolonisation, de la deuxième vague des mouvements de libération des femmes et du mouvement des droits civiques aux États-Unis. Malgré un appétit pour le changement social et structurel contre l'oppression des femmes noires, tant aux États-Unis qu'à l'étranger, l'organisation autonome des activistes a connu un parcours difficile.

En France, la non-mixité est un sujet qui suscite des avis mitigés de la part du gouvernement et du public. Les réunions non-mixtes sont des rassemblements qui s'adressent spécifiquement à des groupes unis par une identification sociale ou politique. Ces réunions sont utilisées par différents groupes, tels que les groupes féministes, antiracistes et LGBTQ+, car elles offrent un espace sûr aux personnes marginalisées pour parler de leurs luttes et former une communauté. Cependant, cette approche a fait l'objet de réactions négatives et de controverses, car les personnes qui ne sont pas incluses dans ces espaces affirment qu'une forme de racisme inversé est perpétuée. Le défi auquel sont confrontées les organisations afroféministes contemporaines est la lutte contre l'opposition à leur autonomie politique, sous la forme de politiques républicaines et universalistes et de réactions gouvernementales à leur travail. Les reseaux sociaux et l'internet permettent aux gens de se connecter d'une manière impossible auparavant. La proximité géographique, ou son absence, n'est plus un facteur préjudiciable à l'importance de la mobilisation politique. Compte tenu de leur format relativement nouveau, les reseaux sociaux et l'internet n'ont pas fait l'objet d'une cooptation comme cela à pu etre le cas pour d'autres médias grand public tels que les journaux télévisés et la presse écrite traditionnelle. Les afroféministes peuvent donc se tailler de nouveaux espaces qui sont définis par ceux qui y participent et non par des groupes extérieurs. Par exemple, Mwasi, fondé en 2014, est un collectif Afroféministe français engagé dans de multiples combats de libération. On peut lire sur leur site web : « Nous nous organisons en non-mixité en genre et en race, c'est à dire : ouvert aux femmes et aux personnes assignées femmes, noires et métisses. Notre afroféminisme est une réponse politique et collective au système raciste, hétéropatriarcal et capitaliste. »

Au lieu de cela, les collectifs afroféministes en France ont été chargés de former leurs propres espaces afin qu'ils puissent fournir un récit alternatif à la vision commune de l'histoire présentée dans la société française. C'est cette réécriture de l'histoire qui se poursuit au XXIème siècle, avec des blogueurs qui se servent de Twitter et de YouTube pour documenter leurs expériences en matière de race et de genre. Cela fait partie d'une archive accessible à tous, permettant un discours historique inclusif, antiraciste, anti-impérialiste et féministe.

La solidarité liée à leur mobilisation est au cœur de leurs objectifs. Pour de nombreuses femmes, leurs identitées sont soumises à de multiples niveaux d'oppression, à savoir la race, la classe sociale et la sexualité. Cette interaction a été qualifiée de double, voire de triple péril par des chercheurs américains, avant d'être classée sous le terme d'intersectionnalité. En 1989, le professeur Kimberlé Crenshaw a inventé le terme « intersectionnalité » et l'a utilisé comme cadre d'analyse juridique pour comprendre comment différents aspects des réalités sociales et politiques d'un individu interagissent pour former différents modes de discrimination et, à l'inverse, des privilèges.

L’Afroféminsime ne donne pas seulement l'espoir d'un avenir dans lequel les femmes noires ne sont pas opprimées, il génère également une nouvelle lecture de l'histoire, incluant des femmes puissantes qui ont eu un impact énorme sur la culture et la société française.

De nombreuses afroféministes contemporaines ont suivi ce modèle d'analyse, mais il convient de noter que cette ligne de pensée était évidente avant la théorisation de l'oppression par Crenshaw. Dans une interview, Lydie Dooh-Bunya, fondatrice et présidente du Modefen, a révélé sa déception face au manque de solidarité des grands groupes féministes envers les violations des droits de l'homme des groupes marginalisés. Elle poursuit en disant qu'il est essentiel pour les femmes noires d'exprimer leur oppression et de s'y opposer activement, afin de devenir véritablement autonomes. La France a une riche histoire de féminisme et de libération sexuelle, avec un renouveau important après les événements de mai 1968. Pour une grande partie de la gauche française, cette période a été un tournant crucial, un moment où les individus ont été fortement incités à se dissocier des politiques précédentes et à se tourner vers la création d'un nouveau récit. Dans le même ordre d'idées, les limites de l'organisation féministe traditionnelle sont devenues de plus en plus évidentes, car elle avait tendance à ignorer les différences internes au sein des groupes féministes. Il n'était plus possible de perpétuer une idéologie fourre-tout, centrée sur les expériences des femmes blanches de la classe moyenne européenne.

En général, on sait qu’une langue est toujours un reflet

« Deux

d’une culture. Au Québec, la situation n’est pas différente. Le mot « bienvenue » comme une réponse à un remerciement, en plus d’être expression d’accueil, en est

solitudes » :

un bon exemple. L’expression fonctionne comme « you’re welcome » en anglais et constitue donc d’un anglicisme ; une des principales particularités du français québécois par rapport aux autres variantes du français. On y trouve

la question

l’omniprésence des anglicismes grâce à l'intime proximité de l'anglais depuis le milieu du 18ème siècle.

linguistique

Il s’agit davantage de deux parties opposées ou de « deux solitudes » ; comme le dit le titre du célèbre

au Québec

roman canadien d’Hugh MacLennan.

Rachel Weller

Retournons dans le passé pour un moment. En 1763, après

« Madame, juste un mot pour vous dire merci beaucoup pour le cours d’aujourd’hui ».

200 ans de domination française suite aux exploits de l'explorateur Jacques Cartier, la Nouvelle-France cède officiellement à la Grande-Bretagne. Bien que cette cession ait créé beaucoup de perturbation politique,

« Bienvenue, Rachel ! »

l'héritage le plus notable de la Nouvelle-France est Attendez. Elle m’a dit quoi ? « Bienvenue » ?

l'identité francophone durable de ses descendants et la

Ma première introduction à la variété linguistique de français québécois s’est à peu près passée comme ça. Même si j’ai dû faire mon échange à distance, assise à ma table de cuisine à plus de 5000 km de Montréal, les bizarreries canadiennes étaient néanmoins évidentes. Au début, ma décision d'étudier à l'Université de Montréal est née d'une certaine lassitude par rapport au fait le français

bataille des langues qui en découle. Au Québec, le français et l'anglais représentent bien plus que deux façons différentes de faire signe aux conducteurs de s’arrêter ( « arrêt, stop » ) ou d’accueillir clients sans présupposer leur langue parlée ( « bonjour, hi » ). Il s’agit davantage de deux parties opposées ou de « deux solitudes » ; comme le dit le titre du célèbre roman canadien d’Hugh MacLennan.

m’ai toujours été enseigné dans une perspective européenne.

Découvrir

comment

une

poche

francophonie persiste, enclavée dans un environnement de plus en plus américanisé, était donc extrêmement intéressant pour moi. Malgré les restrictions de voyage qui m'ont empêchées de le vivre en personne, je me suis quand même posée la question : comment les Québécois francophones négocient-ils cette singularité ?

Même si j’ai dû faire mon

Curieusement, l’enjeu principal du débat linguistique n’est

échange à distance [...] les

pas le bilinguisme en lui-même. Personne ne contestera

bizarreries canadiennes

certaine mesure, la capacité de parler plus d’une langue,

étaient néanmoins évidentes.

qu’une ville dans laquelle les habitants ont, dans une représente une richesse inestimable. En effet, l’enjeu réside plutôt dans le fait qu’il y a, dans la région de Québec, un vrai bilinguisme de compétition au lieu d’une collaboration. Aujourd'hui, le rapport de force entre les mm

deux groupes fondateurs du Canada semble être caractérisé par un déséquilibre déterminé, en partie, par le phénomène de la mondialisation. L'anglicisation constante des sphères

À LIRE

publiques québécoises et l'immigration croissante - surtout de personnes dont la langue maternelle n'est pas le français - sont des facteurs qui en témoignent. Avec cela, vient la perspective très inquiétante que le français est menacé de disparition. Bref, la survie du français dans l'océan anglophone qu'est l'Amérique du Nord ne sera jamais assurée. Et à ce titre, la possible disparition du français au Québec représente une urgence nationale canadienne. C'est peut-être le moment de considérer sérieusement le spectre des « deux solitudes » et de chercher à promouvoir une sorte de solidarité qui respecte et protège la coexistence de la langue française et anglaise. Il faut reconnaître qu'il est question de pérennité, de préservation et de promotion ; étant donné que le français est indissociable de ce que signifie être Québécois. On espère que le Québec se doit toujours de prendre des mesures pour

Joséphine Bacon - Un thé dans la toundra / Nipishapui nete mushuat (2013) - un beau recueil de poésie qui traite de la préservation de la culture autochtone. Gabrielle Roy - Bonheur d’occasion (1945) Dany Laferrière - L’énigme du retour (2009)

protéger sa spécificité linguistique. Laissons les gouvernements canadiens s'occuper de la logistique politique de cette question. En attendant, si le français québécois vous intrigue, consultez

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Cinq à sept - Koriass Ciel - FouKi

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Ça va - Émile Bilodeau

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Dehors - Émile Bilodeau Dans not’salon - 2Frères

Hugh MacLennan, Crédit Photo : Alchetron

On ne change pas - Céline Dion (admets-le, une icon <3) Pour que tu m’aimes encore - Céline Dion Les Étoiles Filantes - Les Cowboys Fringants Le but - Loco Locass (pour tous les fans de hockey sur glace !)

Theodora Federbusch En France, en 2021, la vente de Mangas a pour la première fois dépassée celle des bandes dessinées. Une BD sur deux vendues contre un Manga uniquement, et la croissance constante des ventes au cours des années suggère que cela est bien parti pour ne pas s’arrêter là. En 2020 déjà, et malgré la crise sanitaire, 22,3 millions de Mangas ont été vendu, une augmentation de 18 % face à 2019. Mais pourquoi donc un tel succès ? Paradoxalement, pour 2020 et 2021, ce sont les mesures face à la pandémie qui ont pu être facteur de ventes grandissantes. Pass culture offrant à tout jeune de 18 ans 300 € à dépenser dans divers domaines culturels, confinements, couvre-feux, anxiété croissante et augmentation du temps libre… Le manga a su conquérir à travers des titres issus de toutes les générations Tant de raisons qui ont fait du Manga un moyen de se divertir depuis chez soi. Peu coûteux grâce à ses impressions en noir et blanc sur du papier très fin, le manga a su conquérir le marché du livre à travers des titres issus de toutes les générations. Une intemporalité du genre, qui constitue certainement un autre facteur de son succès. Le top 10 des volumes de Mangas vendus en 2020 en France le souligne bien : 7 des titres du classement sont des séries datant des années 90/2000. C’est le cas de Naruto (1999) qui occupe trois places du classement, avec un tome vendu toutes les 30 secondes, d’après son éditeur Kana. Dragon Ball Super (2015) dont la parution en France, Dragon Ball remonte à 1993 et One Piece (2000) occupent également de bonnes positions dans le

classement. Les aventures du pirate à chapeau de paille d'One Piece comptent désormais plus de 1000 chapitres (et plus à venir) ainsi qu’une future adaptation en série live-action par Netflix. Une popularité toujours plus grandissante pour une œuvre pourtant de plus d’une vingtaine d’années. Netflix [...] contribue à popularité florissante grâce à l’accessibilité de visionnage que la plateforme apporte

Cela ne signifie cependant pas que le marché du Manga est vieillissant. Bien au contraire. Ainsi, des volumes comme le premier tome de Demon Slayer (2017) ou My Hero Academia (2016) se placent respectivement à la 3ème et 7ème positions du classement. Des nouveaux titres à succès comme Spy X Family (2020) affluent sans cesse sur le marché et leurs adaptations animées propulsent les ventes vers de nouveaux horizons. Les ventes du premier tome de Chainsaw Man (2018) en France ont doublé lorsque la bande-annonce de son adaptation animée est sortie. Tokyo Revengers (2017), mêlant gangs et voyages temporels, a vu les ventes du Manga augmenter de 670 % au Japon, face au succès de son adaptation animée. Netflix qui s'est lancé dans la diffusion de ces adaptations animées, contribue à popularité florissante grâce à l’accessibilité de visionnage que la plateforme apporte. Elle devient une concurrente à celles entièrement dédiées aux animés comme Wakanim, ADN et Crunchyroll. Comme elles, Netflix commence à présent à étendre ses horizons vers les animations d’autres pays asiatiques comme la Chine.

Ainsi, quand Wakanim propose Link Click un animé chinois (appelé « donghua ») suivant l’histoire de deux garçons qui atténuent les regrets de leurs clients en remontant le temps à travers des photos, Netflix propose Heaven official’s blessing (2020), adaptation d’un web novel LGBTQ+ chinois à succès. Même les Mangas ont donc pu trouver un potentiel concurrent Le contenu pop culture des autres pays asiatiques gagne en popularité et présente une offre rafraîchissante pour des consommateurs avides de nouveauté. Même les Mangas ont donc pu trouver un potentiel concurrent. Les Webtoons, ou webcomics, gagnent de plus en plus en notoriété. D’origine sud-coréenne, on en retrouve maintenant de toutes les nationalités. Ces bandes dessinées numériques dont le style graphique rappelle le Manga ou Manhwa (Manga coréen) se lisent principalement sur téléphone portable, case par case, ce qui rend la lecture bien plus agréable. On en trouve sur diverses plateformes ou applications, qu’elles soient gratuites ou payantes, mais le géant sud-coréen de l’industrie est Webtoon, une application gratuite (bien qu’il soit possible moyennant une petite somme d’accéder aux chapitres en avant-première). Entre deux stations de métro, rien de plus simple que de combler son avec les titres proposés par la plateforme Entre deux stations de métro, rien de plus simple que de passer le temps avec les titres proposés par la plateforme. La présence de Webtoons coréens sur la version américaine, expliquée par l’origine de l’application, se retrouve presque éclipsée par une abondance de séries étrangères, principalement américaines. On retrouve alors les titres comme Lore Olympus (2018) dont une adaptation en roman est parue récemment, et une adaptation animée est à venir sur Netflix. C'est une interprétation moderne de la légende d’Hadès et Perséphone. De plus, unOrdinary (2016) - l’histoire des lycéens dotés de super-pouvoirs dans une société autoritaire et élitiste.

Si la bande dessinée française semble perdre de l’importance face à ces nouveaux types de bandes dessinées, c’est là qu’elle pourrait pourtant s'y réinventer. Le Manfra (manga français) Radiant (2013) de Tony Valente a même décroché une adaptation animée au Japon, après y avoir été traduit et publié. Les Webtoons semblent également être une future alternative à la BD. Les facteurs qui pouvaient dissuader l’achat de celle-ci (le prix et l’accessibilité), disparaissent dans ce format en couleur comme la BD, mais la plupart du temps gratuit et disponible en ligne. Certains Webtoons à succès comme Bâtard (2021), l’histoire d’un jeune homme dont le père est tueur en série, ou True Beauty (2018), celle d’une jeune fille passionnée de maquillage, sont désormais accessibles à la vente en format relié sur le marché français, et cela même après avoir été présent gratuitement en ligne sur l’application française. Bien que les titres les plus populaires de la plateforme soient encore coréens ou américains, Webtoon France démontre sa volonté d’introduire des titres français par l’établissement de concours, comme son homologue américain. Les participants publient trois chapitres de leurs webtoons, et les votes du public et du jury déterminent celles qui se verront officiellement certifiées Webtoon France. Une somme d’argent est évidemment à la clé et tous les auteurs dont les histoires sont officiellement publiées par Webtoon reçoivent un salaire. Ses utilisateurs peuvent donc découvrir facilement des titres français, gratuitement et en toute légalité. Les Webtoons pourraient alors offrir une alternative à la BD, et un moyen de faire connaitre son œuvre en ligne avant la sortie de son format physique alors très proche d’une BD. Quels seront les prochains grands succès du manga, la BD franco-belge traditionnelle va-t-elle remonter la pente ? Ou bien allons-nous assister à sa réécriture ? Seul le temps nous le dira. Crédit Photo : Shonen Jump Manga, Glénat, Shonen Jump Manga, Penguin, Shonen Jump Manga, Kioon Shonen

La playlist parfaite Quelle meilleure façon de débuter le printemps, qu'avec de la musique classique composée par des musiciens français ? De Debussy à Saint-Saëns, préparez-vous à une saison belle et romantique.

« Deux Arabesques » de Claude Debussy Composée entre 1888 et 1891, alors qu'il avait vingt ans, cette pièce est une des premières œuvres impressionnistes qui suit le mouvement artistique du même nom. L'impressionnisme en musique se concentre sur la délivrance des émotions déclenchées par un sujet plutôt que sur une image détaillée. La musique dessine une scène ou une atmosphère et Debussy le fait bien en décrivant la beauté de la nature dans les Arabesques. Cette pièce vous permet d'imaginer l'éclosion graduelle et gracieuse des fleurs en vous imprégnant des couleurs et du vent doux qui l'accompagne. Au fur et à mesure que les notes s'élèvent, vous vous sentez également élevé, comme si vous flottiez avec les nuages. Quelle belle façon de commencer votre journée !

« Le Cygne » de Camille Saint-Saëns Le Cygne est mon préféré, surment parce qu'il est joué par un violoncelle solo – une voix que l'on entend à peine car elle est souvent éclipsée par les violons. C'est la treizième et avant-dernière œuvre dans le mouvement de la suite musicale de Saint-Saëns, Le Carnaval des Animaux, ainsi que la plus célèbre.

Le Cygne est la seule pièce que Saint-Saëns a souhaité jouer en public, parce qu’il pensait que les autres mouvements de la suite ruineraient sa réputation de compositeur sérieux. Il y a eu des adaptations de cette œuvre et les plus célèbres sont celles d'un cygne mourant chantant sa première et dernière chanson, après être resté muet toute sa vie.

« Miroirs, M.43 : III. Une barque sur l’océan » de Maurice Ravel Outre la présence de fleurs et d'animaux, nous ne pouvons pas oublier l'eau, la clé de voûte de la nature. Un peu plus sombre que les deux premiers morceaux, cette œuvre reflète les mouvements d'un bateau sur les vagues. Si le printemps est une belle saison, pour conserver sa beauté, il doit passer par ses sautes d'humeur les jours de pluie. Un peu comme l'eau qui peut être si claire et calme mais se transformer rapidement en quelque chose de turbulent et d'agité. Cela nous rappelle qu'il faut respecter la nature telle qu'elle est et que nous devons prendre soin d'elle. Les montées et descentes rapides des notes vous rappelleront le fracas des vagues en mer et vous donneront le vertige au bout d'un moment.

« Symphonie fantastique, Op. 14 : II » Un bal d’Hector Berlioz Ce morceau s'ouvre sur un sentiment de renouveau après de fortes pluies et le comportement turbulent de l'eau, il y a le bonheur et la liberté. Cette œuvre peut nous donner l'impression d'être sous substance, ce qui nous laisse penser que Berlioz était sous l'influence de l'opium lors de l’ecriture de cette pièce. On peut ressentir ici l'état d'ébriété et de flottement du compositeur qui apprécie la beauté de la nature au milieu d'un bal ou d'un festival où l'on se retrouverait au coeur du chaos. La rêverie de la nature et la folle réalité du festival enferment le sujet au sein de ces deux mondes, le plongeant dans une confusion constante entre ce qui est réel et ce qui ne l'est pas. Ne soyez pas surpris si vous commencez à valser avec vos amis dans votre salon au coucher du soleil !

pour le printemps « Shéhérazade : II. La flûte enchantée » de Maurice Ravel Inspiré par l'héroïne et narratrice des Mille et une nuits (1717), Shéhérazade, cet opéra raconte l'histoire d'une jeune esclave qui s'occupe de son maître, lorsqu'elle entend son amant lui jouer une chanson à la flûte. La jeune fille trouve la musique à la fois triste et joyeuse, les notes jouées ressemblant à « un mystérieux baiser ». Vous serez ému par le désir de la chanteuse de voir son amant, qui est si proche et pourtant si loin. L'amour est beau puisque vous pouvez pousser les limites afin d’aimer votre moitié, quelles que soient les circonstances, mais aussi tragique si vous n'êtes pas en mesure d'être avec elle.

Roméo et Juliette / Acte 1 : « Ah, je veux vivre » de Charles Gounod La valse la plus célèbre de Roméo et Juliette, Ah, je veux vivre, un libretto français écrit par Charles Gounod d'après l'œuvre éponyme de Shakespeare (1597), est un changement de scène par rapport à l'émotion de la flûte enchantée. Il s'agit de la liberté retrouvée quand on est sans amant, de la liberté de la jeunesse qui disparaîtra quand on sera marié. Il nous rappelle qu’il est important de profiter de sa jeunesse et d'en tirer le meilleur parti, ce que Juliette souhaite faire. Il y a un sentiment de naïveté et de désir de rester dans son enfance, sentiment auquel nous pouvons certainement tous nous identifier, étant dans une période de notre vie où nous devons bientôt quitter définitivement notre jeunesse et devenir de véritables adultes. Notre jeunesse est une « douce flamme » que nous devons « [la] garder dans [nos] âmes ».

Ally Azizi

« Claire de Lune » de Claude Debussy Est-ce vraiment le printemps si vous n'avez pas Claire de Lune en fond sonore ? Je pense personnellement que Debussy est le maître du printemps car il est capable de retranscrire les émotions qui chantent la beauté de la nature. Il utilise des poèmes comme source d'inspiration pour sa musique et celle-ci n'en est pas si différente. Claire de Lune est basée sur le poème éponyme de Paul Verlaine, écrit en 1869. Le poème traite de la coexistence de la tristesse et du bonheur projetés par le clair de lune, la première étant cachée par le second. Le printemps apporte la liberté d'exprimer ses émotions et il n'y a pas de mal à être triste car on peut finir par le surmonter.

« Printemps : I. Très modère » de Claude Debussy Pour terminer sur une note joyeuse, je vous propose Printemps de Debussy. Son inspiration pour cette suite orchestrale est basée sur le livre de Sandro Botticelli, Le Printemps. Il déclare qu’il veut « exprimer la genèse lente et souffrante des êtres et des choses dans la nature, puis l’épanouissement ascendant et se terminant par un éclatante joie de renaître à une vie nouvelle en quelque sorte » (Jean Barraqué, Debussy, Paris, Seuil, coll. « Solfèges » (nº22), 1962, 250). Si vous avez déjà échoué à tenir votre résolution du Nouvel An, vous pouvez prendre un nouveau départ au printemps ! L'hiver peut entraver notre progression dans la vie, mais nous pouvons toujours trouver la rédemption dans la saison fleurie.

CONCOURS SCOLAIRE ! THÈME : CRITIQUE D'UN FILM FRANCOPHONE

Première Place

Crédit Photo : Guy Ferrandis

UNE CRITIQUE PAR VICTOR LAZKANI St. Paul’s School

La Haine raconte l’histoire d’un trio de jeunes banlieusards représentant trois cultures différentes que l’on pourrait trouver dans les cités d’une banlieue parisienne: maghrébine et musulmane, ouest-africaine et juive. Vinz (Vincent Cassel), Saïd (Saïd Taghmaoui) et Hubert (Hubert Koundé), passent leur temps à errer sans but et à rivaliser avec la police. Réalisé́ par Mathieu Kassovitz en 1995, le film cherche à souligner les problèmes sociaux qui sont à l'origine du titre: « La Haine ».

Ce film est tourné en noir et blanc pour dépeindre la banalité́ et la froideur de la vie en banlieue. Le cadre suburbain de La Haine et le tournage présentent un contraste complexe avec les stéréotypes typiques de la culture française, entre gastronomie et luxe. Cette étude au microscope de la vie des citoyens de la classe inférieure, s’oppose à l'une des scènes d’ouverture où on voit une vue de la Terre depuis l’espace, que Kassovitz utilisé pour lier la thématique du film a des problèmes de société à l'échelle mondiale.

Kassovitz expose la réalité́ des ethnies sociales et minoritaires qui vivent dans les banlieues parisiennes les plus pauvres : les cités. Plusieurs parallèles sont faits avec la culture des ghettos américains. « C’est à moi que tu parles ? » dit Vinz. Une réplique du film Taxi Driver (1976) est un des quelques exemples de cette influence dans La Haine. Ce passage nous montre que les trois protagonistes et les autres banlieusards ne semblent pas s’identifier avec les cultures chic ou populaire de France. Kassovitz démontre également l’exclusion sociale dans la scène où ils se déplacent à Paris intra-muros et visitent une galerie d'art dans laquelle il parait évident qu’ils y sont étrangers. L’influence américaine est une fois de plus dépeinte à travers l’utilisation de la musique hip-hop entrelacée avec Non, je ne regrette rien d’Édith Piaf. L’histoire de la vie de cette dernière est celle de l’enfance de l’abandon et l’apprentissage brutal d’une vie injuste, qui peut être associée à n’importe quel membre de la population de la cité. Ici, à Vinz, Saïd et Hubert, qui considèrent le monde comme le leur.

La tension omniprésente définit l'atmosphère du film. Que ce soit la tension entre les trois protagonistes ou entre eux et la police, ou le fait que partout où ils vont, ils semblent attirer problèmes ou brutalité policière, ce qui est un indicateur de l’injustice sociale et raciale sous-jacente vécue dans la banlieue parisienne. Bien que le film soit une tragédie, plusieurs scènes comiques permettent aux spectateurs de se détendre brièvement, souvent grâce à Saïd, qui joue le rôle d’un blagueur dans le film. En dépit de sa sortie en 1995, les sujets abordés par La Haine sont toujours d’actualité à l'échelle internationale et dans le monde francophone. On pourrait attribuer cela à la profondeur de l’exploration de thèmes communs vécus par les jeunes de nombreuses minorités ethniques et sociales et à la dynamique du trio qui est vive, agressive et pleine de complexités, ce qui joue avec le cœur et l’esprit des spectateurs du monde entier.

les Quatre Cents Coups

e m è i x u e D Place

UNE CRITIQUE PAR JEMIMA ALI Lady Eleanor Holles School

Les 400 coups (1959) est plein de nouvelles idées et techniques, car il est un des premiers films de la Nouvelle Vague, un mouvement cinématographique en France qui a changé le monde du film, dont Truffaut fut un pionnier. Truffaut a commencé le film avec une nouvelle technique, un montage de Paris de la fenêtre de la voiture. C'était la première fois que ce style de tournage était utilisé, donc Truffaut était le créateur. Cette technique crée un sens d’immersion pour les spectateurs, car il est comme ils sont dans la voiture eux-mêmes, ce qui établit le monde d’Antoine Doinel. De plus, la scène utilise des lieux parisiens célèbres, comme la tour Eiffel, ce qui donne aux spectateurs un sens de familiarité. Le style de la Nouvelle Vague est évident dans les trucages et le cadre pendant le film. Truffaut a utilisé la lumière naturelle, avec laquelle il a tourné la plupart du film à l'extérieur, et de lieux bien connus, ce qui établit l'idée de réalisme, qui est une idée importante pour les films de la Nouvelle Vague. Avant la Nouvelle Vague, les films, pas seulement en France, mais aussi à Hollywood, étaient plus positifs, mais dans les années cinquante, il y a eu un changement. Les nouveaux réalisateurs de cette époque avaient grandi pendant la deuxième guerre mondiale, dans une France encore en convalescence. Par conséquent, ils étaient désenchantés par la nature joyeuse de l'industrie cinématographique et ont ressenti le besoin de montrer de vraies vies et de vrais problèmes, ce qui a conduit à l'importance du réalisme.

Crédit Photo : Alamy

Dans le film, le réalisme est un thème important, ce qui est évident dans plusieurs d’aspects du film. Le film reflète la vie de Truffaut, comme une autobiographie où Antoine Doinel est l’alter ego de Truffaut. De cette manière, les problèmes d’Antoine Doinel reflètent les problèmes de beaucoup de jeunes français, ce qui crée un lien entre les spectateurs et le personnage principal. De plus, Truffaut dépeint des sujets plus controversés qui n'avaient pas été montrés dans les films auparavant, comme les anti-femmes. Tandis que la Nouvelle Vague commençait à dépeindre des personnages féminins plus complexes, Truffaut le faisait dans son propre style. Les anti-femmes, les femmes qui sont contre les stéréotypes, par exemple pas maternelles ou infidèles, sont une représentation des femmes dans la vie de Truffaut, ce qui est évident dans le personnage de la mère d’Antoine, qui ne l'aime pas et a une liaison extraconjugale. Avant la Nouvelle vague le cinéma a stéréotypé les femmes et on leur donnait peu d'individualité, mais Truffaut et les autres réalisateurs de ce temps, comme Agnès Varda, ont changé cela. Truffaut utilise beaucoup de nouvelles techniques et idées, comme le réalisme, nouveaux styles de tournage et femmes complexes, dans Les 400 coups, ce qui est important car il peut refléter non seulement sa vie, mais la vie des spectateurs, donc il présente un film plus personnel que ce du passé et il prend sa place parmi les fondateurs de la Nouvelle Vague.

nikita une critique par sam kenny

Troisième Place

tonbridge tonbridge school school Regarder Nikita, le film de Luc Besson de 1990, a été une expérience nouvelle pour moi. La juxtaposition entre la violence extrême et les émotions brutes m’a particulièrement intriguée. Le film commence par un braquage ayant lieu dans une pharmacie et se termine par une fusillade dans laquelle Nikita tire une balle à travers la tête d’un policier. À partir de ce moment-là, la vie de Nikita change complètement. Les symptômes de manque la transforment en une personne constamment violente. Cependant, en entrant dans un espace qui semble être un hôpital ou une prison pour sa mort inévitable, une chose un peu bizarre se passe : sa mort est simulée. Sans sa permission, elle est enrôlée dans le programme d’une agence gouvernementale secrète qui existe pour créer des assassins. Sans aucune chance de s’échapper, elle se soumet à cette formation, qu’au bout de trois ans elle peut enfin quitter. Pendant le reste du film, on lui ordonne alors de faire des missions à tout moment. Pour moi, Nikita, interprétée par Anne Parillaud, est la « Femme Fatale » classique, un mélange époustouflant de gentillesse chaleureuse et d’agressivité psychopathe. Mais au fur et à mesure du film, son humanité et son amour pour Marco créent des problèmes et perturbent son travail de tueuse. Le thème de sa féminité est en constante évolution. Au début du film, elle ne semble pas consciente de sa féminité, mais elle découvre progressivement comment être une femme et comment davantage en profiter. Crédits Photos : Film on Paper ; Pinterest

À cause de sa relation avec Amande (Jeanne Moreau), elle se transforme complètement, à la fois à l’intérieur et à l’extérieur. L’énorme changement externe, que l’on voit dans la scène avec Amande - au cours de laquelle il y a une transformation grâce au maquillage, reflète son changement interne qui est tout aussi primordial puisqu’elle devient de plus en plus féminine. La chose qui m’intéresse le plus aussi est le changement de sa chambre à mesure que le film progresse. Sa chambre est en effet utilisée comme un moyen de montrer son changement de personnalité. Au début, après être arrivée, la chambre est semblable à une prison, n’ayant rien d’accueillant ou chaleureux. Ensuite, la chambre est transformée, à travers des graffitis qui reflètent sa situation problématique. Cependant, quand elle sera enfin libérée, sa chambre devient alors un endroit accueillant et paisible. L’utilisation des détails dans la représentation de cette idée qui m’intéresse le plus dans ce film. Pour conclure, au début, Nikita semble légèrement étrange (comme de nombreux films français), mais au fur et à mesure du film j’ai apprécié la nature merveilleuse de jeu des acteurs et des thèmes. Il s'agit d'une expérience cinématographique semblable à peu, et j'y ai pris un plaisir incommensurable.

Un poète mort Gaby Sambuccetti Henry Wallis, The Death of Chatterton, 1856

Un poète mort n’écrit plus N’écrit plus ? Non, il n’écrit plus. Mais il était vivant et il écrivait. Oui, mais maintenant il est mort, et il n’écrit plus. Mais quand il écrivait personne ne l’a lu. Qui, mais alors il est mort, et alors, il n’écrit plus. Je l’ai vu : il buvait un scotch. Mais un poète mort, est mort. Bien mort. Il y avait une rumeur indiquant que Il a frappé son éditeur, et après ça, il a fait de même chose avec un traducteur. La mère, Sa propre mère, ne voulait pas acheter son livre. Mais un poète mort, il est mort, et il n’écrit plus. L’histoire est toujours la même histoire, et j’ai vu des morts dansant, volant, chatant. Mais le poète n’écrivant pas en ce moment, non. Et des toutes les morts, la sienne était le plus prévue au monde. cependant, il n’écrit plus.

De son corps sorti des paroles Ecrire des paroles sur le papier c’est une façon de les faire mourir, dans un temps, un moment présent qui s’est déjà passé. Et maintenant le poète est mort, et ses poèmes sont similaire à chiens aveugles, près de la mère, comment oses-vous demander : Pourquoi le poète est-il mort ? Un poète est mort. Tous les jours ils enterrent des poètes ; et à côté des tombes, il y a encore plus de chiens aveugles, donnant des oiseaux à beaucoup plus de mots et ces mots donnent naissance même après la mort... et au-dessus, ils font des révolutions, ils créent le chaos dans nos quartiers, et dans les états, les nations, notre propre maison. Et ce poète mort N’écrit plus, N’écrit plus, Plus, Pas. C’est une honte. Il avait l’air d’être un gentil garçon. Il avait l’air bouleversé. Il avait l’air ivre… Mais on s'en fout ? Pour quoi a-t-il tant écrit ? Il aurait pu trouver un meilleur travail, un travail décent, un travail rémunérateur, un travail qui laisse les choses de la même manière qu’elles étaient.

LES LES MORCEAUX que j'adore MORCEAUX Alice Boon

La musique francophone a une réputation inégalée ; il suffit de mentionner les chanteurs français et cela va évoquer des noms emblématiques tels qu'Édith Piaf et Jacques Brel. Ce sont des chanteurs d'antan, cependant, cette playlist vous présente des musiciens francophones plus contemporains pour, espérons-le, vous donner un aperçu des playlists des jeunes français d'aujourd'hui. De la chanson française au pop belge, du rap à l'indiepop suisse, il y en a pour tous les goûts !

Amour Plastique

Par Videoclub - électro pop Leur style musicale est influencé par les années 1980.

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fortement

Voyage Voyage

Par Desireless - synth pop La chanson s'est classée première au hit-parade dans plus de 10 pays européens.

La même

Balance ton Quoi

Par Angèle - pop Elle parle du sexisme et de la mysogynie qui existent dans la société.

L'homme Nouveau

GIMS a travaillé avec Sia, Pitbull, Maluma, Sting, Lil Wayne entre autres. Il était auparavant membre du groupe hip-hop Sexion D'Assaut.

Jaloux

Par Jérémy Frérot - pop Il a atteint les quarts de final de The Voice: la plus belle voix entre le duo Fréro Delavega.

Kid

Par GIMS et Vianney - rap

Par Dadju - rap La chanson s'est classée première au hit-parade français.

Clic Clic Pan Pan

Par Eddy de Pretto

Par Yanns - rap C'est sur tiktok que Yanns a initialement trouvé le succès musical

Il se définit comme « non genré ».

Nuits d'été

Carmen

6 29

Par Stromae - rap Une adaptation de l'aria « L''amour est un Oiseau Rebelle » de l'opéra Carmen du compositeur George Bizet.

Par Oscar Anton et Clementine - indie pop Oscar Anton a écrit cette chanson avec sa petite sœur, Clémentine, pendant le confinement de 2020.

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Numéro 10 printemps 2022