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Celebrando os diálogos sobre arte a partir de Pernambuco, surgiu a Propágulo. O compromisso desta iniciativa é promover, através de diferentes plataformas, discussões pertinentes ao universo artístico. Com formatos reestruturados a cada edição, entre reportagens, entrevistas, textos críticos e ensaios, a revista Propágulo reflete, portanto, a intenção de proporcionar uma conversa em meio às inúmeras vozes que compõem a produção contemporânea das artes visuais.

Equipe Propágulo Bruna Pedrosa: produção executiva Guilherme Moraes: curadoria, editoração, educativo, revisão e mídias sociais Heitor Moreira: projeto gráfico e design digital Marianna Melo: expografia e montagem Nathália Sonatti: editoração, coordenação editorial e revisão Rod Souza Leão: gestão de projetos, design digital, revisão e mídias sociais

Redação biarritzzz Caetano Costa Dadu Maria Figlioulo

Daniel de Andrade Lima Fefa Lins Guilherme Moraes

Heitor Dutra Marie Carangi

Conselho editorial Ariana Nuala

Moacir dos Anjos

Chico Ludermir

Valkiria Dias

Colaboradores Abròs

Fernando Pereira

Luciana Freire

amoriamorim

JEAN

Ramonn Vieitez

Bisoro

Joana Liberal

Thaís Medeiros

Bruno Alheiros

João Lucas

Cristiano Lenhardt

Léo Malafaia

propagulo

propagulo@gmail.com

Revista semestral, Recife - PE, ISSN 2596-2213

perceber as camadas de saberes e os caminhos percorridos por esta edição dupla é um exercício de escuta ativa e observação atenta que nos permite caminhar além dos universos dos trabalhos e sentir as proximidades das interações e relações registradas nas entrevistas. e, quem sabe, ainda encontrar nesse processo faíscas ou interrogações de nossas próprias ranhuras. tentar traçar, através de palavras, um vislumbre dos processos presentes nas próximas páginas parece insuficiente. é necessário nos atentarmos aos gestos, sensações e texturas que atravessam as diferentes configurações temporais e narrativas recortadas aqui. mas, para isso, como não tocar em nossas ficções? os afetos, a vida, os desejos. as correspondências e não correspondências, a partir das quais vamos nos partindo e nos repartindo ao atribuirmos sentido àquilo que nos atravessa… alimentar as energias tem sido uma tarefa difícil em um cenário de distanciamentos sociais, desmontes e suspensão de direitos. é preciso continuarmos andando com estratégia e cuidado, mas é urgente também conceder espaço para sonhar e ficcionalizar em meio às trivialidades da vida. é por isso que venho convidar você a perambularmos de mãos dadas em pontes invisíveis, a encarar a curiosidade e a incerteza com coragem, pois a partir daqui podemos seguir para qualquer lugar ou lugar nenhum, cabe a nós decidirmos.

Nathália Sonatti

Sumário

4 caminhos para conhecer Fefa Lins

Daniel de Andrade Lima

Fazer a barba Fefa Lins

As coisas mais lindas do mundo Guilherme Moraes

Onde cabe a teta, afinal? Dadu Maria Figlioulo

conversa transyto

Alhures e beyond

biarritzzz e Caetano Costa

Heitor Dutra

Estetática

Galeria

Marie Carangi

4 CAMINHOS PARA CONHECER

FEFA LINS

UMA APRESENTAÇÃO E DOIS CONVITES POR DANIEL DE ANDRADE LIMA Este texto é escrito em caminhos que buscam, cada um, diferentes acessos ao trabalho de Fefa Lins; eles são autônomos e livremente combináveis. São quatro entradas dentre várias possíveis.

Cada caminho tensiona uma pergunta, cuja resposta não está no texto. Este é um mapa sem trajeto desenhado, feito para levar por onde guiar o interesse.

UM MAPA DE MOMENTOS – DE DESENHO E DE PINTURA Quais memórias carregamos de momentos que, acreditamos, são marcantes para que sejamos quem somos?

Broderagem Óleo sobre tela 108 x 115cm - 2021

Cercado por quadros inacabados em seu apartamento no Recife, Fefa Lins pinta uma natureza morta. Enquanto a maioria dos quadros do artista envolve um longo processo de trabalho centrado em retratos, este foi feito em poucas horas e não figura diretamente um corpo humano. As manchas que formaram a pintura tornam cognoscíveis uma caixa de cigarro, uma vela, uma bomba de asma, uma fruta: vestígios dos usos de algum corpo. Como se tornou comum em sua obra, afinal, Fefa parte de uma composição que o faz repensar as suas próprias práticas. Horas mais tarde, um vídeo percorrendo os trechos da pintura figurariam em seu perfil no Instagram — “estudos de equilíbrio e derretimento ao som de Kamasi Washington; a natureza morta como eu”.

Em algum momento dos 2010, uma professora do curso de arquitetura da UFPE recebe um trabalho do qual descontaria, de cara, dois pontos. Era um desenho feito com esquadros e escalímetro no papel manteiga. Como molho, inclinações van goghianas o reconfiguravam: céu laranja, grama avermelhada e casa azul, coloridos por lápis de cor. Anos mais tarde, o interesse de compor através de cores reincidiria; o desenho técnico, não. Arquitetura, me conta Fefa, não é necessariamente um curso para quem gosta de desenhar. 07

Natureza morta - Óleo sobre tela - 38 × 27cm - 2021

Em algum lugar de Casa Forte, pinturas sacras decoram uma casa de classe média: uma santa ceia na sala, um Jesus branco próximo à cama dos pais. Em seu quarto, Fefa adolesce desenhando — entre personagens de anime e o interesse pela pintura — um retrato para sua namorada. No auge do Facebook, retratos são trocados no grupo “Selfless portraits das minas”, a partir de sorteios anônimos que pareavam participantes. Entre desenhos de si e de outras pessoas, Fefa passa a usar tinta aquarela e, enquanto fabula curvas e ângulos, intercala os traços grafitados com as manchas da tinta. Pintar e desenhar, parece, fazem corpos de maneiras diferentes.

PINTURA-PERFORMANCE Quais poses do trabalho de Fefa são imitáveis? Quais são familiares? Quais não? Sentado sobre a sua cama, Fefa Lins olha para o celular. O aparelho está conectado à sua câmera, posicionada sobre um tripé à sua frente. Olhando para o smartphone, Fefa vê o que vê a câmera. Nu, ele abre as pernas e olha a sua própria buceta. Muda, talvez, a posição do rosto, reorganiza os membros, organiza o tronco, faz escolhas sobre o quão fechada deve ser sua cara. Olhando pelo celular, que reflete a câmera, que aponta para si, ele tira a foto. Horas mais tarde, no computador, vê a própria imagem: muda luzes e cores, pinta e cola digitalmente. Ele transforma o fundo, se apropria de materiais da internet, de outras pinturas e de fotos suas. A foto do seu corpo — que partia de uma composição entre gestos encenados e mol-

dados pelo cotidiano — é recomposta no digital. Tempos depois, a imagem estaria projetada sobre uma tela em que Fefa iniciaria um processo instaurador de crises: pintar e repensar mais uma vez a si até que a imagem que pinta pare de provocá-lo a pintar mais. Assim, o corpo de Fefa é moldado (no cotidiano), recoreografado (por ele mesmo), triplamente computado (no celular, na câmera e no computador), reformulado (no Photoshop) e refeito (no ato prolongado de pintar). Cada um desses passos, ele me diz, fala algo para si. Investigar a própria performance é um hábito antigo para Fefa, que, desde a infância, se tornou proficiente em refletir sobre o seu com09

portamento a partir de como era regulado em termos de gênero. As poses, os objetos, as ficções e suas relações amorosas aparecem na pintura na medida em que apresentam e expandem seu corpo. Assim, como pontua, “a imagem é a própria gestualidade que vai puxar o tom do quadro”. O corpo dele existe antes da imagem, mas também durante e depois, e, ele diz, o pensamento da pintura está sempre presente no seu processo, mas o trabalho o excede. Ao falar de sua prática, não é à toa, então, que Fefa recorra a termos como performance, montagem e manipulação digital. Sua pintura é multiplamente performática; não só

porque encena o seu corpo, mas porque sublinha que pintar é um ato no qual o performer está no fazer a si e ao quadro. Ele me lembra que ser pintor nunca foi “só pintar”: sempre envolveu determinadas técnicas de ver, tanto no uso artístico da câmara escura quanto no olhar hegemonicamente treinado de muitos pintores. Ver e aparecer são atos, e, certamente, se fazer (no cotidiano e na arte) é um processo que precisa articular regulações e fabulações. A pintura de Fefa, então, parece ser uma pintura-performance, não só porque parte do gesto e porque convida uma sucessão de atos seus, mas porque é uma aparição de si mesmo que transforma quem pinta e, talvez, quem vê.

UM DESEJO DE PINTAR O DESEJO Em que momentos das nossas vidas desejar e elaborar se borram? Depois de mais de uma hora de entrevista, pergunto a Fefa Lins qual o seu interesse em retratar outras pessoas, quando a maior parte da sua obra é voltada para as autonarrativas. Sem pensar muito, cogita: “talvez para falar de quem eu sou dentro de uma relação, quem eu sou dentro desse coletivo”. Com um pouco mais de hesitação, adiciona que às vezes só quer pintar “aquele rostinho lindo”. Minutos antes, Fefa falava sobre como descobriu o prazer de manipular a tinta na própria exploração da pintura, especialmente

depois de fazer cursos intensivos em 2015. As técnicas com as quais Fefa trabalha no pintar envolvem manufaturar camadas, preencher o quadro com tons diversos, misturar materiais e constituir imagens por manchas grossas e finas, criando trechos e detalhes, passeando pelas partes mais figuráveis e pelas mais abstratas de cada rosto, corpo e lugar. Ele empreende prazer no labor de pintar, criando a imagem já materialmente, com tamanho e peso, “enquanto um objeto mesmo, algo que existe”, como diz. São imagens

que são feitas com seus gestos e são, para ele, táteis. O artista me conta sobre um prazer erótico que aparece quando está trabalhando com as tintas e explica que muitas vezes os quadros voltam para ele em momentos sexuais de seu cotidiano.

O prazer estético e o prazer sexual compartilham muita coisa em comum e os dois bagunçam o desejo de pintar com o desejo que emerge da pintura. Às vezes, pintar também é desejar um rostinho lindo.

COMUNICAR UMA DISSIDÊNCIA O que queremos ver quando buscamos ver os outros? “O trabalho não é meu corpo, o trabalho é uma reflexão que eu tenho sobre o meu corpo, é uma forma de interpretar que poderia ser sobre outros corpos, mas eu me sinto confortável com o meu”, conta Fefa Lins. Nas frases anteriores, ele costurara os problemas das pinturas que olham para mulheres a partir de desejos patriarcais, os anseios em torno de acabar parecendo muito autocentrado e os limites de querer dar conta de como outros corpos podem aparecer. A reflexão condiz com uma preocupação recorrente: a de que a sua profissionalização enquanto artista tem a ver com uma compreensão do próprio trabalho enquanto uma forma de comunicação, refletindo sobre paradigmas da arte. Assim, sua investigação parece atuar sobre como as regulações sociais e estruturais se atualizam no seu corpo singular. Mais do que se vincular a uma ideia do que seriam representações de um corpo transmasculino não-binário, Fefa compreende que voltar-se para si mesmo é parte de sua dissidência:

“O que a gente produz com isso é algo que é questionador pra gente também: você faz o trabalho e depois ele te conta um bocado de coisa que você não sabia ainda”. Porque Fefa olha para seu próprio corpo, consegue, com propriedade, comunicar as vinculações entre expressão de gênero, sexualidades, desejos, prazeres e sofrimentos, que ressoam em outros corpos. O seu trabalho, então, mais do que se ater conceitualmente a temas, parece comunicar — no sentido de projetar, tornar comuns — seus afetos e conflitos, que, daí, já não são só seus. É isso que me permite, por exemplo, sendo eu alguém que desvia de maneira tão diferente da de Fefa, olhar para os seus quadros e, ainda, encontrar neles algum tipo de acolhimento para os meus próprios conflitos. Daniel de Andrade Lima é bacharel, mestre e doutorando em Comunicação pela UFPE, com ênfase em estética e culturas da imagem e do som. É especialista em Sistema Laban/Bartenieff de estudos do movimento pela Faculdade Angel Vianna. Atua como teórico e prático do corpo e da mídia.

Bichana - Óleo sobre MDF Naval - 50 × 70cm - 2021

FAZER A BARBA

por Fefa Lins

“Pensamos retrospectivamente através da mãe, se somos mulheres.” Frase famosíssima de Virginia Woolf mas que confesso que só fui conhecer ao ler Jack Halberstam em A Arte Queer do Fracasso. Halberstam reflete em seguida que a afirmação sugere que “se não pensarmos retrospectivamente por meio da mãe, não somos mulher”. Esse recorte de pensamento me engatilha a pensar sobre algumas memórias que, se chegaram a entrar em álbuns de fotos, foram quase apagadas ou escondidas. Uma dessas lembranças está imortalizada em uma foto de família, em que meu pai, sentado entre minha irmã mais nova e eu, transparece um desconforto que até hoje nos afasta. Olhar essa foto dói. E também liberta. E embora seja uma imagem riquíssima de tensões e signos, uma única fotografia não revela a repetição da performance. Aqui não se vê todos os dias e noites que vesti as roupas folgadas do meu pai e finalizei com uma barba tosca feita com o rímel seco da minha mãe. E os olhares, as palavras e as proibições. Essa nuvem de memórias evaporadas também esconde aqueles sonhos e projeções que eu tinha em ser entregador de garrafão de água ou jogador de futebol. Entendo hoje que eu queria e acreditava mesmo que iria crescer para ter aquele corpo forte e viril. Mas o que a vida me toma, a arte traz de volta. Que sorte eu tenho por poder me refazer e desfazer a cada foto e a cada tela.

Sem título - Óleo sobre tela 130 × 105cm - 2020

conversa transyto

Caetano Costa & biarritzzz

Faz o teu, bença! - Fotoperformance - 2018

18 22:15

22:15

Trocas entre biarritzzz e Caetano Costa entre Recife (PE), Nova Lima (MG), Fortaleza (CE) e São Luiz (MA)

b - Ontem, quando nos falamos para alinharmos essa conversa-transyto, te cumprimentei com um meme que, logo de cara, foi respondido com uma frase desse mesmo vídeo... Isso me fez pensar em como essa linguagem, do meme, que funciona enquanto processo de se comunicar e de se ver e existir no mundo, é também uma cultura que encontra no deboche força motriz, sendo ele um meio e um fim nesse espiral comunicacional.

essa foi a última figurinha que eu usei

02/03/2021

Você criou o grupo “conversa transyto”

Automaticamente, percebo que talvez seja disso que se trata a epistemologia do deboche, esse conceito-trabalho que tu tem imaginado, uma organização de conhecimento a partir da subversão, deslocamento cômico; sistemas de interpretação e produção de conhecimento sob uma perspectiva do humor/ironia/sarcasmo, dentro de um banco de linguagem compartilhado, como é o caso dos memes, que permeiam nossas falas e trocas.

Significado - Aquarela sobre folha de dicionário - 21 X 29,7cm - 2018

Mas no fundo acredito que, justamente por estar atrelado à minha prática artística e a como processo meu pensamento e me comunico, não sinto essa real necessidade. Potencialmente, pelo tanto de trocas e vezes que respondi a várias pessoas sobre, em outras entrevistas, podcasts, conversas informais com amigues artistas, curadores e as que não necessariamente têm interesse por arte, devo ter externalizado sistematicamente o que compreendo da epistemologia do deboche, como a vejo empregada no mundo, o que pode ser colocado em prática a partir dela, porém todas as vezes através da oralidade. Uma das coisas que mais me atrai nesse jogo (SIM, UM JOGO!) é a agilidade mental necessária para formular uma resposta. Não acredite que ao emitir uma mensagem ácida deva receber mel em agradecimento. kkkk

CC - O mais engraçado a respeito da epistemologia do deboche está relacionado à minha falta de vontade de me debruçar em desenvolver algo mais denso a seu respeito. Por hora, penso que deve ser a forma que se espera: um texto denso, com referências nos moldes acadêmicos. Além do mais, no auge de um devaneio, arrisco a chamar meu modo de pensar e fazer o que entendo como trabalho em arte por “epistemologia”.

Não kkkkk

Você

00:26

tu chega quando??

isso é tu ne?

01:53

01:11

00:11

Assim como um meme geralmente tenta sintetizar a mensagem que se refere à menor parte da memória, ideias, imagens, fatos ou acontecimentos — ou parte delas — o deboche utiliza da mesma ferramenta para comunicar.

EFÊMERO - Performance Instalativa - 2019 Registros: Fernando Pereira

Amiga, minha passagem já foi mudada duas vezes 01:56

00:07

Caetano

b - e a oralidade, que a gente fala tanto quando tratamos de resgate, de culturas orais ancestrais, tidas como ágrafas, de América e África — a oralidade parece que ainda é sempre deferida. nos nossos discursos a gente tá numa tentativa de inversão de valores, mas o mundo continua pedindo tudo explicado, mastigado, dentro dos moldes dos textos ocidentalizados, ora militantes ora academicistas... e o que não for explicado dentro do texto não é “explorado”, não gera discussão e lucro, não sofre do extrativismo que paga as contas. será?

Não foi uma “decisão estética”, eu só tinha essas cores Acrílica sobre tecido de algodão - dimensões variadas - 2018 Foto: Léo Malafaia

Processos são tão complicados né, tem cada pausa que da dó 00:11

Caetano

06/03/2021

Ricos, devolvam nosso dinheiro! - Tinta acrílica sobre tecido de algodão - Dimensões variadas - 2018 Foto: JEAN

Novas utilidades para instrumentos de adestramento dos mesmos que desensinaram a cagar de cócoras - Ready-made da série: (Re)significado e (Re)significância - dimensões variadas - 2018/2021

b - detesto a forçação de barra que tão fazendo com esse termo.

CC - “quem fala o que quer escuta o que não quer”. Cresci ouvindo isso em vários lugares, uma frase pequena que exprime uma série de conceitos e situações que, se fosse pra explicar nos moldes da intelectualidade ocidental, teriam que ser descritos em vários tomos. E é por conta desse poder de síntese que existe no meio da cultura popular/tradicional (ou outro nome qualquer que a academia deu), que é a mais contemporânea de todas as manifestações, que eu consulto primeiro o que urge dela. Mas de qualquer forma não adianta nada, pois pra geração Z eu já sou “cringe”. Fiquei com a estranha sensação de não ter memória.

09:36

Espero que tu tenha a conversa pois eu perdi tudo, pois não fiz backup e troquei de celular. 09:35

Caetano

Volte sempre/Obrigado colagem analógica e intervenção sobre papel de embrulho - 14,8 × 10,5 cm - 2018

ALHURES É verdade que pintar acalma. Nem sempre, mas, por vezes, a pintura é uma atividade que nos penteia os cabelos com seus longos dedos. É um carinho em você mesmo. Há vezes em que os fios se enodam e uma furtiva lágrima desliza dos olhos. Mas por que pintar se não para sentir prazer? Se não pelo cafuné da tinta no pincel? Dizem que existe quem goste da sensação de ter os cabelos puxados em determinados contextos. Não é incomum definir-se como “terapia” atividades manuais que requerem alguma artesania, como tricô, origami, cerâmica ou pintura. São práticas que dão prazer pela manipulação de matéria e por seu caráter repetitivo (o preenchimento das áreas com cor na pintura, a coreografia da agulha penetrando na trama do bordado, o giro do torno de cerâmica…); “meditativo” se soma à lista de adjetivações. Eu quero falar de algo que tem me dado bastante prazer, a viagem da prática da pintura. Tenho pintado para estar em outro lugar e, com isso, sinto o prazer do nomadismo. Este prazer escapista não diz respeito apenas à manipulação da tinta. Não é apenas um prazer que sustenta esta prática. Sabemos que terapias (se vamos reivindicar o termo) eficazes não têm a ver com prazer. 26

por Heitor Dutra Surgem histórias para mim. Elas se apresentam como habitantes da minha pintura. Um braquiossauro que vem beber água da piscina para se hidratar afasta os cisnes que lá navegam, não por seu tamanho bestial de monstro extinto, mas por seu hálito não ser de eucaliptol, algo que, como todos sabem, os cisnes não toleram. Estas aves monogâmicas têm fama de esnobes, como tantas coisas que são lindas. Elas preferem manter distância. Tentei tocar o sol, não consegui... quis pegar o reflexo da lua na água da piscina, mas estava gripado. Pensei em pendurar-me com os dois braços num arco-íris, mas achei que era um movimento cafona. Cores demais, sabe? É pra isso que os olhos servem, eles agarram-se nas coisas que nós apenas sonhamos em tocar, morder, beijar, roçar, possuir, lamber, acariciar, estapear, liquidar, exterminar, etc… esses imperativos que a beleza evoca. Pois bem, a questão é: estes elementos e suas respectivas relações vieram de alhures, e pousaram aqui. Sendo a minha pintura, fui eu que os catei, presumo. Parece-me que a própria prática da pintura, o exercício diário, possibilita

E BEYOND o deslocamento das espécies, das grandes manadas de gazelas e dos coletivos de cisnes. A superfície da tela sustenta migrações.

Estar alhures; como estar na época em que esta era uma palavra em uso. Parece-me que em francês ailleurs tem o mesmo significado que em português, sendo empregada correntemente. A expressão d’ailleurs quer dizer “além de”, “de outro lugar”, “aliás” e “além disso”; par ailleurs, significa “de outro modo”, “por outro lado”... pensemos também na palavra inglesa allure, que traduz um poder de atração, de sedução e de fascínio. Aprendi essa palavra no game Pokémon Go, ao me deparar com o verbo to lure, atrair. O jogador podia atrair os pokémon deixando em determinado local um “lure”, um atrator de criaturas. Estamos, por vezes, em outro lugar; que fala, sometimes, uma outra língua. Acredito não ser coincidência que, em francês, “asas” são ailes e que ailles seja a terceira pessoa do presente do subjuntivo do verbo aller, ir. Estamos indo longe para não sair do lugar.

Quero dizer que viajamos, quando pintamos, para fora da matéria da pintura. Não se trata, contudo, de transcendência ou ascensão. Trata-se de durante uma pandemia acessar a possibilidade de ver os jardins do sultão; de mãos lavadas, certamente. Pintar é alimentar os tigres, é servir-lhes chá preto e bolinho de goma. Pintar um quadro com a televisão ligada no noticiário configura uma grande dificuldade para esta figura patética, o pintor alienado. Patético, vocês sabem, vem de pathos. Então o pintor viajante é um afetado. E falando em patos, é preciso não confundir cisnes e gansos. Embora as duas aves desempenhem funções aparentemente parecidas no delicado sistema do qual são peças, têm comportamentos e temperamentos próprios e se ligam a cadeias semiológicas distintas, sendo um o elegante símbolo do amor romântico (cafona - comovente) e o outro o agressivo animal de fazenda (bucólico - ameaçador). Nada que o noticiário da hora do almoço nos informe, naturalmente. Esses são afetos despertados alhures e que acessamos nas nossas viagens para fora das notícias.

O veraneio - Acrílica sobre tela - 30 x 40cm - 2021

“Pintura é projeção. É fingir que tinta é carne, é embarcar no avião da Barbie. É brincadeirinha que media viagens.” Refiro-me aqui a uma alienação voluntária. O emprego desta arma de guerra é fundamental em tempos de quarentena. Quando a sirene do toque de recolher dispara, o pintor já tem que ter se retirado para as areias de Waikiki ou para as casas de chá de Isfahan. Essas viagens devem ser embaladas a vácuo, sem interação com terceiros e regadas a litros de álcool em gel. A assepsia, na verdade, está na ontologia deste tipo de passeio… ora essa, embarquei numa digressão… perdoem esse pinga-pinga de escalas. Retifico: estes desvios prescindem de higiene. Viajar na sua cabeça, ao infinito e além, é seguro, evita-se a vida — é isso que a pintura de quarentena faz, sem parar de ir e voltar na ponte aérea Cretáceo–Hogwarts. Ela se constitui: nômade e estática; fuga na imanência. 30

O coração errante da pintura serpenteia por túneis que são passagem para afetos de um corpo que simula outro. A pintura está morta. Seu coração nunca bombeou mais do que fantasias vitalistas. E é da vida simulada que a pintura, com sua notável perenidade, se nutre. Pintura é projeção. É fingir que tinta é carne, é embarcar no avião da Barbie. É brincadeirinha que media viagens. Um último aviso é o de arrumar bem as malas. Marie Kondo não pode vos ajudar. A viagem demanda organização. Não caia no engano de supor que escapar para longe signifique evitar a lida com o caos externo. Ainda mais se considerarmos que um passeio mental passa, obrigatoriamente, pela pista do caos interno, constituído das mesmas velocidades infinitas do caos de

Sete barbas chás e bolos especiais - Acrílica sobre tela - 100 x 100cm - 2021

fora, isto é, trata-se de uma só desordem. Fingir não é o procedimento que defendo. Ir alhures é inventar, criar. Logo, trabalho que parte de ideias e de seus desdobramentos, e isto não tem fim, vocês sabem. Traçar um plano na bagunça, este é o empreendimento. Apertem os cintos, há promessa de turbulências e a frouxidão não vai nos levar muito longe, desconfio. Para seguir na linha de fuga da vassoura da bruxa, é preciso aprender a voar; o que se faz, imprescindivelmente, caindo.

Para estar aqui e lá, ausentar-se e reaparecer, é necessário se organizar; recusar certos estímulos, não sobrecarregar seus receptores, para ir alhures e beyond, quem sabe... A pintura pode ser um pé no chão, nesse sentido. Ela organiza meus passeios. É nossa agência de viagens. Oferece traslados. Café da manhã incluso.

Confeitaria Paradisa bombons e rocamboles Acrílica sobre tela - 100 x 100cm - 2021 Inverno com agave Acrílica sobre tela - 50 x 40cm - 2021

A casa de praia de Tia Carla com cerejeira e garagem com duas vagas - Acrílica sobre tela - 16 x 22cm - 2021

Sailor Sol I - Acrílica sobre tela - 16 x 22cm - 2020

Domingo em Paradisa (série) - Acrílica sobre tela - 16 x 22cm (cada) - 2019

AS COISAS MAIS LINDAS DO MUNDO por Guilherme Moraes Curador-educador e editor da Propágulo. Investiga a relação entre curadoria educativa e mediação cultural.

Não vejo outra possibilidade, ao discorrer sobre o trabalho de Heitor Dutra, senão em propor um olhar acerca de um processo que encontra rigorosas formas de coerência a partir de situações fincadas em absoluta contradição. Quase como em um estalo, qualquer vislumbre conclusivo a respeito do que se passa dentro das imagens propostas pelo artista, qualquer categoria interpretativa aqui oferecida, nos levará ao seu imediato contrário. Concluir será, em diversos momentos, concordar com uma relação promíscua e recatada com o seu simétrico oposto. O que proponho aqui é um constante exercício de hifenização ao tentarmos adentrar em um espaço narrativo onde a sinonímia e a antonímia se entrelaçam por não terem mais o que fazer senão apontarem, a um delicioso contragosto, para um mesmo lugar. Aludo aqui a uma prática de produção de imagens que se abrem em um universo tão autêntico quanto artificial. Uma amálgama entre o tédio e a excitação. Um recorte de mundo lido como afetado na mesma medida que se denuncia espontâneo. Consiste em um processo sincero a 36

ponto de ser autoconsciente ao extremo e, talvez também por isso, ser de uma inocência sem tamanho. É um ultraje amável. É debochado e fatalmente solene. “Alegre-triste e triste-alegre; honesta-irônica; sincera-falsa e melancólica-festiva o tempo todo. Pra mim, algumas das coisas mais lindas do mundo são assim.” Disse-me certa vez, em uma troca de e-mails. Temos que ter em mente que os enredos que Heitor propõe são resultados de processos intensos de recontextualização, fricção e convívio de inúmeras visualidades e tempos que lhe afetam. Trata-se da invenção de narrativas provenientes de uma cadeia infinita de signos que lhe atravessam a partir de um mundo inchado por imagens. “Estou pintando plásticos, Barbies e Legos numa situação absolutamente fake de paraíso tropical estereotípico. É uma tragédia de amor na sociedade de consumo. Há um desconforto nas ligações entre as figuras, cada uma deslocada, mas não demarcadamente deslocada, apenas levemente alheia.” A partir de seu trabalho, Heitor oferece um roteiro para o fracasso de quem ousa

supor qualquer coisa com base no que vê, na mesma proporção em que torce pelo encontro com o outro, como quem vibra para uma criança que pedala pela primeira vez numa bicicleta em sua direção. “Peço que não espalhe que quero que as pessoas se identifiquem. Eu gosto de que quem tenha o que olhar tenha o que sentir.” Mas por onde começar a olhar? Pelo gordo bocejo do hipopótamo? Pela caneca de lego rosa ao lado do vaso de porcelana chinesa? Pela baleia encalhada na beira de piscina? E o que se deve comentar? Para o nosso alívio, talvez seja seguro nos referirmos aos elementos que reconhecemos em nossos repertórios. Ou será melhor apontar para a beleza de um arabesco dourado? Mais interessante referir-se à figura que prova a maestria daquele que domina seu ofício? E o reflexo no mar? E a frivolidade posta na medida certa? E o texto de quem escreve sobre o que se vê? Neste jogo escorregadio e cheio de armadilhas, engana-se quem pensa Heitor como onisciente de todo o processo que propõe a quem se depara com sua obra. Perguntei-lhe algumas vezes quem de fato saía ferido após a experiência com seus trabalhos. Em uma polimorfa tática de sedução, talvez o primeiro a tropeçar seja o artista. E aí reside uma das preciosas provas de sinceridade de seu trabalho, de seu mundo construído através de um fracasso fabuloso. “Eu sinto ter sido bastante verdadeiro na maioria das pinturas e coisas que já fiz na vida, e operando sempre através dos artifícios. Quando digo que só pinto coisas que gosto demais, não estou brincando. Se eu tenho

um problema com determinado elemento, porque acho feio, ou eticamente questionável, não quero que ele habite minha pintura.” Seria equivocado classificar essa seleção de imagens em seu trabalho como provenientes de um processo sem critérios. Há uma nítida noção de responsabilidade do artista no ato de enxertar cada imagem em seus quadros. Não se trata de uma passividade resultante em transposições automáticas. As paródias-homenagens pintadas por Heitor, por mais que apresentem uma heterogeneidade gritante, assim são formadas por incrustações meticulosas de iconografias que lhe tocam. Servir chá para as visitas; saber que música tocar enquanto elas, desconfortáveis com a teatralidade do ambiente, perguntam-se sobre a incongruência entre aqueles que foram também trazidos ao pátio; não é um ato neutro. Heitor opera através da constante proposição de relações. “Como posso apresentar ironicamente coisas pelas quais sou ap aixonado?” Nestes vagos enquadramentos é que constrói seu país de fabulosa inquietação. Um universo imagético transplantado e cheio de apliques. Através desse carinho ácido com aquilo que lhe é tão caro, o artista preenche suas telas com duplas de Kim Kardashians, cegonhas-bico-de-sapato, parasaurolophus sangrando e Renault Twingos verde-água indiscretos. Cada elemento carrega, dentro de si, histórias — de amor, de encanto — muito próprias, muito sinceras. Só assim para terem sido convidados a habitarem sua festa de faz de conta. É tudo uma grande brincadeira. É tudo extremamente sério. 37

Heitor Dutra é representado pela Garrido Galeria (@garridogaleria), no Recife. No segundo semestre de 2021, realizou nela a exposição “Desculpas Pelas Quais”, juntamente com a artista Marcela Dias, e com curadoria de Steve Coimbra e Guilherme Moraes. 38

Sábado nas imediaçoes de Paradisa Acrílica sobre tela - 80 x 80cm - 2020 Sete barbas chás e bolos especiais (detalhe) Acrílica sobre tela - 100 x 100cm - 2021

por Dadu Maria Figlioulo

Graduada em Arquitetura e Urbanismo pela UFPE, Marie Carangi tem um dos seus primeiros voos na arte do corpo com a performance Gritofonia, executada no Lesbian Bar em Recife. Com uma caixinha de som, a artista gritava contra o microfone criando “um campo de reverberação que ficava se retroalimentando.”