DesArte Magazine Volumen 15

VOLUMEN 15

DICIEMBRE/ENERO

DESARTE

Historia y evolución del diseño editorial De manuscritos iluminados a experiencias interactivas El diseño editorial ha sido esencial para plasmar ideas y crear conexiones visuales entre contenido y lector. Desde los primeros manuscritos iluminados hasta las plataformas digitales más modernas, la evolución de esta disciplina es un reflejo de cómo contamos historias y consumimos información.

Los primeros pasos: Manuscritos e imprenta Los manuscritos medievales: Antes de la imprenta, los libros eran obras de arte.

Los monjes ilustraban cada página con letras capitulares decoradas y minuciosas ilustraciones.

Un ejemplo icónico es el Libro de Kells, una joya visual del siglo IX. El giro de Gutenberg: La invención de la imprenta por Johannes Gutenberg en 1440 marcó un antes y un después.

Las tipografías como la Blackletter dominaron esta era, permitiendo la reproducción masiva de textos y democratizando el conocimiento.

Dato curioso: Antes de Gutenberg, copiar un libro a mano podía tomar años. Con la imprenta, esto se redujo a semanas.

Renacimiento y siglo Belleza y funcionalidad

XIX:

El Renacimiento trajo consigo la búsqueda de la claridad y la belleza en los textos. Tipografías como Garamond y Baskerville se convirtieron en símbolos de la época. Los libros eran herramientas de conocimiento, pero también objetos estéticos.

La llegada de la litografía y las máquinas de impresión a color transformaron las publicaciones.

Periódicos y revistas surgieron como medios de información accesibles, incluyendo ilustraciones que capturaban la atención del público.

Ejemplo visual: Una página comparativa entre los textos simples de 1800 y las primeras publicaciones ilustradas del siglo XIX.

Siglo XX: Revolución visual Modernidad en diseño: Con movimientos artísticos como el Bauhaus, el diseño editorial adoptó un enfoque más experimental. Diseñadores como Jan Tschichold introdujeron principios de diseño moderno, priorizando la funcionalidad y la estética minimalista.

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•

La era de las revistas: Vogue y Harperʼs Bazaar llevaron el diseño editorial a nuevas alturas, combinando fotografía, tipografía y diseño modular.

Fotografía y publicidad: Estos elementos se convirtieron en piezas clave para captar al lector y potenciar el impacto de las publicaciones.

El salto al digital: Hoy en día, el diseño editorial no solo vive en papel. Las publicaciones digitales permiten experiencias interactivas con contenido enriquecido, desde videos hasta realidad aumentada.

Tendencias actuales: •

Minimalismo: Priorizar la limpieza visual para una lectura más cómoda.

• Experiencias personalizadas: Los lectores ahora buscan diseños que se adapten a sus dispositivos y necesidades.

Ejemplo: La evolución de revistas como The New Yorker hacia apps digitales que combinan texto, audio e ilustraciones animadas.

Un futuro lleno de posibilidades El diseño editorial seguirá adaptándose a los avances tecnológicos y a las necesidades de los lectores. Desde manuscritos hechos a mano hasta publicaciones que cobran vida en nuestros dispositivos, este arte continúa siendo esencial para comunicar, informar y emocionar. ¿Qué será lo próximo? Quizá revistas holográficas o experiencias de realidad virtual. Lo único seguro es que el diseño editorial siempre encontrará nuevas formas de contar historias.

EL ARTE DEL DISEÑO EDITORIAL: MÁS ALLÁ DE LA ESTÉTICA El diseño editorial es una disciplina que combina creatividad, técnica y comunicación visual. Se encarga de dar forma y vida a libros, revistas, periódicos y todo tipo de publicaciones impresas y digitales. No se trata solo de hacer que una página se vea atractiva, sino de transmitir mensajes de forma clara, efectiva y memorable

¿Qué es el diseño editorial?

El papel del diseñador editorial

El diseño editorial es el proceso de planificación, organización y presentación de textos e imágenes en soportes impresos o digitales. Su objetivo principal es facilitar la lectura y generar una experiencia visual agradable. Para ello, el diseñador editorial utiliza elementos gráficos como tipografía, color, imágenes, composición y espaciado.

El diseñador editorial no solo está a cargo de la parte estética, también debe ser capaz de comprender el contenido para transmitirlo de la mejor manera posible. Trabaja de la mano con escritores, editores, ilustradores y fotógrafos para crear una publicación coherente y visualmente atractiva.

Elementos clave del diseño editorial 1

Tipografía: La elección de la tipografía adecuada es esencial para lograr una buena experiencia de lectura. Fuentes legibles, adecuadas al tono del contenido y con un contraste apropiado marcan la diferencia en la atención del lector.

2

Composición: La disposición de los textos e imágenes en la página es crucial. Una buena composición garantiza que la información se consuma de forma fluida y ordenada. Los diseñadores usan rejillas (grids) para distribuir los elementos de manera equitativa y equilibrada.

3

Color: Los colores no solo decoran, también comunican. En el diseño editorial, el color se usa para atraer la atención, diferenciar secciones y establecer jerarquías visuales.

4

Imágenes: Las imágenes no solo ilustran, también complementan el mensaje del texto. La selección de fotografías, ilustraciones o gráficos debe ser coherente con el tono de la publicación y debe estar bien integrada en el diseño general.

5

Espaciado y margenes: Los espacios en blanco no son vacíos, son respiros visuales. Facilitan la lectura y evitan la saturación de información. Los márgenes, interlineados y espaciados adecuados hacen que la lectura sea más cómoda.

Tendencias actuales en diseño editorial •

Minimalismo: Menos es más. Se busca la claridad con diseños limpios, uso de tipografías sencillas y amplios espacios en blanco.

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Uso de la tipografía como protagonista: Las letras dejan de ser solo texto para convertirse en elementos gráficos protagonistas. Títulos grandes, letras deformadas o efectos visuales llamativos están en auge.

•

Diseño sostenible: En las publicaciones impresas, el uso de papeles reciclados, tintas sostenibles y métodos de impresión eco-friendly está ganando terreno.

•

Interactividad en diseño digital: Con la popularización de las publicaciones digitales, el diseño editorial también se ha adaptado al formato interactivo, permitiendo al usuario hacer clic en enlaces, ver videos y disfrutar de experiencias inmersivas.

Retos del diseño editorial en la era digital El paso de la impresión al mundo digital ha supuesto un gran desafío para el diseño editorial. Ya no solo se diseñan páginas estáticas, sino que ahora también se deben tener en cuenta dispositivos de lectura como tablets, smartphones y lectores de e-books. Los diseñadores deben considerar la adaptabilidad del diseño a diferentes tamaños de pantalla y la posibilidad de incluir elementos interactivos.

Conclusión El diseño editorial es mucho más que hacer "bonitas" las páginas. Es una herramienta de comunicación visual que busca facilitar la comprensión del contenido y guiar al lector de forma eficaz. En un mundo saturado de información, el diseño editorial sigue siendo clave para destacar y captar la atención de la audiencia. Desde los libros impresos hasta las publicaciones digitales interactivas, el diseño editorial está en constante evolución, adaptándose a las necesidades de los nuevos lectores y los cambios tecnológicos.

DISEÑO EDITORIAL EN LA INDUSTRIA DE LA MODA ARTE, TENDENCIA Y COMUNICACIÓN VISUAL

Introducción El diseño editorial ha desempeñado un papel fundamental en la comunicación de la moda. Desde las icónicas portadas de revistas como Vogue, Harper's Bazaar o i-D hasta los catálogos de temporada de las grandes firmas, el diseño editorial no solo presenta las tendencias, sino que las transforma en arte visual. Este campo combina la tipografía, la fotografía, el diseño gráfico y la narrativa visual para capturar la atención del lector y transmitir el mensaje de la marca.

El poder de la portada Las portadas de las revistas de moda son uno de los elementos más reconocibles de la industria editorial. La elección de la fotografía, el uso del color y la tipografía desempeñan un papel crucial para captar la atención del lector en los quioscos y en el mundo digital. Las portadas de ediciones especiales, como los "Septiembre Issues" de Vogue, se convierten en verdaderos acontecimientos en la industria de la moda, con producciones millonarias y la participación de los artistas más reconocidos del mundo.

El diseño editorial de una portada no solo busca ser impactante, sino que también debe comunicar la identidad de la revista. La elección de la modelo, la posición de la imagen y la distribución de los titulares son decisiones que se toman con precisión para generar el mayor impacto visual.

Narrativa visual y diseño interior El interior de una publicación de moda sigue una narrativa visual cuidadosamente pensada.

Cada edición tiene una historia que contar, ya sea una temática de "alta costura", "estilo urbano" o "moda sostenible". Las editoriales de moda (shootings fotográficos) se construyen con una visión global: la elección de modelos, la dirección de arte, la composición de páginas y la ubicación de los textos deben estar alineadas con la temática general.

Aquí, la tipografía juega un papel esencial. Las revistas de moda suelen usar fuentes elegantes, modernas y atemporales para transmitir sofisticación. Sin embargo, algunas publicaciones alternativas o de vanguardia apuestan por fuentes experimentales para romper con la tradición y generar un impacto disruptivo.

Catálogos de moda: el diseño que vende A diferencia de las revistas, los catálogos de moda tienen un objetivo claro: vender productos. Aquí, el diseño editorial debe enfocarse en la claridad, la simplicidad y la presentación atractiva de los artículos. Las imágenes de alta calidad, los colores neutros y las composiciones minimalistas son características habituales.

El objetivo es resaltar la prenda o el accesorio, evitando distracciones.

El diseño de catálogos ha evolucionado con la digitalización.

Los "lookbooks" digitales o los catálogos interactivos online permiten a los usuarios hacer clic en los productos para ver detalles o comprarlos de forma directa. Esta convergencia entre el diseño editorial y la experiencia de usuario (UX) está transformando la forma en que las marcas presentan sus colecciones.

Tendencias actuales en diseño editorial de moda El diseño editorial está en constante evolución. Estas son algunas de las tendencias más destacadas: 1

Diseño minimalista: El "menos es más" sigue siendo una tendencia clave. Diseños con mucho espacio en blanco, tipografías limpias y fotos en gran formato destacan en revistas y catálogos.

2

Estilo retro y nostálgico: Muchas publicaciones están recuperando la estética de los años 80 y 90 con tipografías bold, texturas granuladas y colores saturados.

3

Collage digital: Se están popularizando diseños que mezclan fotografía, ilustración y recortes digitales, especialmente en revistas de moda alternativas.

4

Interactividad digital: Los catálogos digitales permiten interacción, desde zooms en detalles de las prendas hasta la posibilidad de comprar directamente desde la página.

El papel del director de arte y el diseñador editorial El diseñador editorial y el director de arte son los dos roles clave en la creación de una publicación de moda. El director de arte se encarga de la visión global del proyecto, definiendo la temática, el estilo visual y la narrativa de la edición. El diseñador editorial, por su parte, ejecuta las ideas del director de arte, asegurándose de que la tipografía, el diseño de página y la disposición de las imágenes se mantengan coherentes con la línea artística definida.

En muchas ocasiones, la frontera entre ambos roles se difumina, especialmente en proyectos independientes o en revistas de moda alternativas, donde una misma persona puede ocupar ambos puestos.

Conclusión El diseño editorial en la industria de la moda es mucho más que una cuestión estética. Se trata de una disciplina integral que combina arte, comunicación y estrategia. Desde las portadas icónicas hasta los catálogos digitales, cada elemento gráfico y cada página están pensados para captar la atención y transmitir el mensaje de la marca.

El futuro del diseño editorial en moda está marcado por la digitalización, la interactividad y la apuesta por la sostenibilidad. Las nuevas generaciones de diseñadores tienen en sus manos el desafío de crear experiencias visuales cada vez más memorables. Ya sea con una portada impactante o un lookbook interactivo, el diseño editorial en moda seguirá siendo un referente de innovación y creatividad.

EL PODER DE LA TIPOGRAFÍA CÓMO LA ELECCIÓN DE LA LETRA DEFINE LA IDENTIDAD EDITORIAL

Introducción En el mundo del diseño editorial, la tipografía es mucho más que simples letras en una página. Es una herramienta fundamental que puede transformar la experiencia del lector, definir la personalidad de una publicación e influir en la forma en que se recibe el mensaje. Desde los libros clásicos hasta las revistas de vanguardia y los portales digitales, la elección tipográfica se convierte en un acto creativo cargado de significado.

1. La tipografía como identidad visual La tipografía no solo comunica palabras, también transmite emociones, estilos y valores. De la misma forma que el logotipo de una marca se convierte en su símbolo distintivo, la tipografía define la esencia visual de una publicación. Un ejemplo claro se observa en revistas de moda como Vogue, donde la elección de una tipografía elegante y clásica refuerza la sensación de sofisticación. Por otro lado, publicaciones de carácter alternativo, como The New Yorker, apuestan por fuentes con una fuerte identidad que se asocian inmediatamente a su propuesta editorial.

2. Factores a considerar en la elección de la tipografía A la hora de seleccionar una tipografía para un proyecto editorial, los diseñadores deben tener en cuenta varios factores clave: •

Legibilidad

•

Personalidad

•

Coherencia

•

Versatilidad

D

3. Tendencias tipográficas actuales en diseño editorial Las tendencias tipográficas evolucionan con el tiempo, influidas por los avances tecnológicos y las necesidades estéticas del mercado. Algunas de las más notables en el diseño editorial actual incluyen:

4. Ejemplos de publicaciones icónicas que destacan por su uso tipográfico Existen publicaciones que han pasado a la historia por el uso audaz e innovador de la tipografía.

A continuación, algunos casos destacados:

• T i p o g r a f í a s personalizadas

• National Geographic

• Minimalismo impactante

y

"bold"

• Combinación de fuentes contrastantes • Apuestas por lo retro y "vintage"

• The New York Times • Monocle • Wired

REVISTAS DIGITALES VS. IMPRESAS ¿CÓMO HA EVOLUCIONADO EL DISEÑO EDITORIAL EN LA ERA DIGITAL? Introducción El mundo editorial ha experimentado una transformación radical con la llegada de la era digital. Las revistas impresas, que durante décadas dominaron la industria de los medios de comunicación, ahora compiten con sus versiones digitales. Esta evolución no solo ha cambiado la forma en que los lectores consumen contenido, sino también ha influido profundamente en el diseño editorial. Pero, ¿cuáles son exactamente las diferencias entre ambos formatos? ¿Cómo ha cambiado la forma de concebir el diseño en estos dos mundos?

1. La experiencia de lectura táctil vs. interactiva •

Revistas impresas: La lectura de una revista impresa ofrece una experiencia táctil e inmersiva. La textura del papel, el grosor de la portada, el acabado mate o brillante, y hasta el olor de la tinta se convierten en parte del ritual de lectura. Este aspecto sensorial es irremplazable y proporciona una experiencia física que no puede ser replicada por lo digital.

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Revistas digitales: En contraste, las revistas digitales ofrecen una experiencia interactiva. Se pueden incluir videos, animaciones, enlaces interactivos y otros elementos multimedia que enriquecen el contenido. Este tipo de experiencia permite una navegación dinámica, donde el usuario no solo lee, sino que interactúa con el contenido. Además, las revistas digitales se adaptan a distintos dispositivos, como tablets, teléfonos y ordenadores.

2. Cambios en la composición y el diseño •

Composición en revistas impresas: El diseño editorial tradicional se basa en la organización de elementos estáticos fijos, como la tipografía, el uso de retículas (grid) y la selección de imágenes que se imprimen en un formato inmutable. La armonía visual y la jerarquía de la información son esenciales para guiar al lector de manera fluida a través de las páginas.

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Composición en revistas digitales: En el mundo digital, la composición se adapta a pantallas de distintos tamaños y formatos.

Los diseñadores deben considerar la responsividad, asegurándose de que el contenido se vea correctamente en móviles, tablets y ordenadores. Además, los elementos no son estáticos: los videos, los efectos de desplazamiento (scrolling) y las interacciones táctiles obligan a los diseñadores a pensar más allá de la "página fija" y crear experiencias más fluidas y adaptativas.

3. Tipografía: de la permanencia a la dinámica •

En las impresas: La elección tipográfica en las revistas impresas busca la legibilidad, la elegancia y la coherencia visual. La tipografía se selecciona de acuerdo con el concepto editorial y se mantiene constante a lo largo de la publicación. La elección del papel y la calidad de la impresión también afectan la forma en que se perciben las letras.

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En las digitales: La tipografía en las revistas digitales está en constante movimiento. No solo debe adaptarse a distintas pantallas, sino que también puede cambiar de tamaño, estilo o color de forma interactiva. Las fuentes web (webfonts) permiten una mayor variedad de opciones, pero también plantean retos de compatibilidad entre navegadores y dispositivos.

4. Colores e imagen CMYK vs. RGB •

Impresas: Las revistas impresas utilizan el modelo de color CMYK (Cian, Magenta, Amarillo y Negro) para la reproducción de imágenes. La selección de colores y su impresión precisa son esenciales para lograr un acabado atractivo. Además, el uso de tintas especiales o efectos como estampado, barniz UV o relieves agrega un valor estético.

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Digitales: Las revistas digitales utilizan el modelo RGB (Rojo, Verde y Azul) para pantallas. Este sistema permite un rango de colores mucho más amplio que el CMYK, pero los colores pueden variar dependiendo de la configuración de la pantalla.

Los diseñadores deben asegurarse de que los colores se vean bien en cualquier dispositivo, controlando el contraste y la accesibilidad visual.

4. Colores e imagen: CMYK vs. RGB •

Impresas: Las revistas impresas utilizan el modelo de color CMYK (Cian, Magenta, Amarillo y Negro) para la reproducción de imágenes. La selección de colores y su impresión precisa son esenciales para lograr un acabado atractivo. Además, el uso de tintas especiales o efectos como estampado, barniz UV o relieves agrega un valor estético.

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Digitales: Las revistas digitales utilizan el modelo RGB (Rojo, Verde y Azul) para pantallas. Este sistema permite un rango de colores mucho más amplio que el CMYK, pero los colores pueden variar dependiendo de la configuración de la pantalla. Los diseñadores deben asegurarse de que los colores se vean bien en cualquier dispositivo, controlando el contraste y la accesibilidad visual.

5. Accesibilidad y sostenibilidad •

Impresas: Las revistas impresas, por su naturaleza física, consumen recursos materiales como papel, tinta y energía en su producción. Esto ha llevado a la industria a buscar alternativas más sostenibles, como el uso de papel reciclado o tintas ecológicas.

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Digitales: Las revistas digitales son más sostenibles en términos de materiales, pero tienen su propio impacto medioambiental debido al consumo de energía de los servidores y dispositivos. Sin embargo, permiten una mayor accesibilidad, ya que cualquier persona con un dispositivo electrónico puede acceder a ellas. También se pueden personalizar con funciones de accesibilidad para personas con discapacidades visuales o auditivas.

6. La distribución: quioscos vs. plataformas online •

Impresas: La distribución de las revistas impresas se realiza a través de quioscos, librerías y envíos por suscripción. El alcance está limitado geográficamente y depende de una logística de transporte.

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Digitales: La distribución de revistas digitales es global e inmediata. Se pueden descargar desde plataformas especializadas, sitios web o aplicaciones móviles. Esto permite llegar a audiencias internacionales y facilita la actualización del contenido en tiempo real.

El diseño editorial ha tenido que adaptarse a los nuevos formatos digitales sin abandonar el encanto de lo impreso.

Ambos mundos coexisten, cada uno con sus fortalezas y debilidades. Las revistas impresas siguen siendo símbolos de coleccionismo, lujo y exclusividad, mientras que las digitales ofrecen inmediatez, interactividad y accesibilidad global. El futuro no parece inclinarse hacia un solo formato, sino hacia la convivencia de ambos, donde cada uno encuentra su público y su espacio. Lo que queda claro es que el diseño editorial seguirá evolucionando para adaptarse a las necesidades y expectativas de los lectores modernos.

¿Cuál fue Su primera conexión con el mundo del cinematográfico?

Fue durante un viaje de fin de curso, cuando tenía apenas 11 o 12 años. Nos propusieron participar en un concurso de cortometrajes por grupos, y esa fue la primera vez que actué delante de una cámara. Ese día se encendió una chispa que no se apagaría y que años después terminó convirtiéndose en mi vocación. ¿Recuerda una obra, película o libro que cambió su visión del mundo?

La película “Cadena de favores”, me marcó profundamente. Me hizo reflexionar sobre el egoísmo y me inspiró a querer construir un mundo mejor sin esperar nada a cambio.

Una película o serie que volvería a ver mil veces.

Sobre todo, me gustan series que me permiten relajar la mente y me hacen sentir como en casa. “Aída”, “Plats Bruts”, “Rick y Morty”, “Los Simpson”, “Aquí no hay quien viva”... Son las típicas series que pongo cuando no sé qué ver o cuando vuelvo muy cansado a casa. ¿Qué director o directora le gustaría que dirigiera su próximo proyecto?

Si pudiera elegir a cualquiera, me encantaría trabajar con Rodrigo Sorogoyen. Me fascina la calidad de sus historias y la autenticidad de los personajes que crea. Es magnético, y me gustaría mucho conocer de primera mano cómo es trabajar con él. ¿Qué artistas o creadores han influido más en su carrera?

Siempre he buscado inspiración en actores con perfiles cercanos al mío, y a medida que voy creciendo, también van cambiando mis referentes.

Actualmente, admiro mucho a Paul Mescal y sigo de cerca su trabajo. Lo admiro profundamente como actor. ¿Qué le inspira en su proceso creativo?

Depende mucho de la producción y del personaje que voy a interpretar, pero lo que más me apasiona de actuar es la posibilidad de contar historias desde diferentes perspectivas y la profundidad que se puede encontrar en cada personaje. Me encanta investigar todas las opciones y decidir cómo y por qué voy a mostrar ciertos aspectos y no otros.

Entrevista realizada por Nerea FerGom Agredecimientos a Gran Vía Comunicación

¿Cómo elige los papeles o proyectos en los que participa?

Una canción que siempre le acompaña cuando está trabajando.

Por ahora, simplemente los elijo porque son los castings que logro pasar. Aún no estoy en un punto de mi carrera en el que pueda escoger proyectos, pero siempre trato de encontrarle algo positivo a cada papel en el que trabajo.

"Snow (Hey Oh)" de Red Hot Chili Peppers. Es una canción que me motiva y me da fuerzas para cualquier tipo de rodaje.

Una manía en el set o escenario…

Un regalo. Son las que te permiten explorar, mejorar y expandir tus límites.

Nunca llevo el móvil encima. Siempre lo dejo en el camerino o lo más lejos posible del set. Aunque esté en "modo avión" y sin alarmas, me aterra que pueda sonar en medio de una escena. Además, me ayuda a mantenerme concentrado y a conectar mejor con el equipo de grabación. La parte negativa es que nunca tengo material del set para compartir en redes, ni siquiera después de que se estrene el proyecto.

Un personaje que le encantaría interpretar y aún no ha tenido la oportunidad.

Me encantaría interpretar un personaje de acción, alguien que tenga escenas épicas que requieran entrenamiento físico para poder realizarlas.

Si su vida fuera una película, ¿quién le gustaría que interpretara su papel?

Yo mismo. Espero que nadie pueda interpretar mi historia mejor que yo mismo.

Un momento inolvidable en su carrera.

Recibir la noticia de que formaría parte del reparto principal de la tercera temporada de La Reina del Sur. Eso significaba que iba a pasar siete meses en Colombia, viviendo mi sueño.

Hacer escenas difíciles para usted es...

.¿Qué papel ha sido el más desafiante para usted hasta ahora?

Creo que el de Fedor en “La Reina del Sur”. Tuve que aprender muchas habilidades nuevas para interpretarlo, además de actuar en otros idiomas, lo cual fue un gran reto.

María, La Sombra de la Tierra es un proyecto muy esperado. ¿Qué le atrajo de esta serie cuando se la ofrecieron?

Lo primero que hice cuando me convocaron para la prueba fue leerme el libro de Elvira Mínguez, que aún no había tenido ocasión aunque lo tenía en mi lista de prioridades, ya que la admiro mucho. Con lo que la posibilidad de trabajar con Elvira, ya era un gancho para mí suficiente. El libro me atrapó desde la primera página. Así que al comprobar que me convocaban para el personaje de Atilana, mi emoción se vino arriba y empecé ya a imaginar cómo abordar ese personaje tan oscuro y atractivo a la vez. ¿Cómo describirías a su personaje, Atilana, y qué fue lo que más le gustó de interpretarla?

Atilana es una mujer que se ha construido desde la rabia y el dolor, y que ha encauzado todo su sufrimiento y su fuerza vital a través del odio. Es muy fuerte, y está muy dañada, pero nunca tira la toalla, porque piensa que en la venganza puede encontrar alivio.

Es muy retador encarnar a alguien que habita un lugar tan oscuro, supongo que ese es uno de los motivos por los que necesitaba bromear en cada pausa del rodaje, para aligerar tanta carga. Ha sido mucho más placentero de lo que me esperaba, y me ha regalado la valentía de mirar mi propia negrura sin prejuicio.

La serie se ambienta en un entorno rural y trata temas de familia y conflictos. ¿Cómo fue trabajar en una historia que refleja un tiempo y un lugar tan específicos?

Siento que es una historia bastante presente aunque la ambientación sea rural y de hace más de un siglo. Tuvimos cuidado a la hora de la expresión oral, para no caer en la naturalidad mal entendida como cotidianeidad. Y todo el trabajo de Arte, Caracterización, Vestuario y Foto ha sido importantísimo para entrar en ese tempo y la textura que la historia necesita.

Desgraciadamente el maltrato y el abuso siguen tan vigentes ahora como entonces y disponemos en nuestras vidas, propias o cercanas, de muchos casos en los que inspirarnos para dar vida a estas historias.

La Sombra de la Tierra toca temas como el poder y la venganza. ¿Cómo cree que estos temas conectan con el público actual?

Pues justo concuerda con lo que te decía. Seguimos viviendo en una sociedad en la que se premia cierto tipo de poder, en la que se educa para querer conseguirlo, o para asumir no tenerlo. Trabajando en el personaje, alguien me dijo, no recuerdo de qué autor era la cita, que “no hay mayor rabia que la del esclavo”. Atilana pasa de estar en un lugar de obligada sumisión, a ser ella la que ejerce el poder por fin, aunque arrase con lo que tenga que arrasar. Sigue habiendo esclavitudes hoy en día aunque no tengan la misma forma que entonces. Con eso creo que podemos empatizar todos.

La serie también trata de conflictos familiares. ¿Cómo se preparó para abordar las relaciones entre su personaje y los demás?

Afortunadamente vengo de familia numerosa que proviene de familias numerosas. Los vínculos familiares, los saludables, los nocivos e incluso los que están llenos de rencor, no me son ajenos. Y luego la propia vida, y mi maternidad, que también está llena de claroscuros, me han dado mucho material del que poder tirar.

Además de La Sombra de la Tierra, sabemos que tiene otros proyectos. ¿Qué nos puede contar de Invisible, la serie que se estrena en Diciembre en Disney+?

Que proviene de otro libro maravilloso, lo primero. Invisible aborda también el maltrato y el abuso, desde otro prisma y con un código muy diferente.

Mezclando la fantasía en algunas ocasiones incluso. Creo que también va a ser un bombazo, eso sí!

Invisible es muy diferente de La Sombra de la Tierra. ¿Cómo fue pasar de un personaje a otro en dos proyectos tan distintos?

Son los regalos que tiene esta profesión, cuando trabajas, claro. El poder transitar de un personaje a otro y de una historia a otra. Primero rodé Invisible, y ahí, aunque la Directora de ese instituto no es muy empática, por lo menos intenta ser políticamente correcta, cosa que no sucede en absoluto con Atilana, ella ya está harta de agachar la cabeza. Además el contexto, la dirección y la épica de las historias es muy distinta.

Tiene también el estreno de la obra de teatro 1936 en Noviembre. ¿Qué significa para usted formar parte de esta producción y qué esperas que el público experimente al verla?

Estoy feliz de volver a trabajar con este equipo, con el que ya llevamos dos montajes anteriores, Shock I y Shock II. Es un tipo de proyecto como hay pocos. En el que hemos estado investigando durante dos años antes de ponernos con los ensayos para el estreno. Éste además es más grande, en elenco, en duración y en implicación personal, porque es nuestro Shock propio, la Guerra Civil. Espero que el público pueda experimentar la cantidad de emociones que recorren la obra, que quizá descubra cosas y datos que no conocía y ojalá, que contribuya a buscar los encuentros pacíficos ahí donde hay desacuerdos ideológicos. Que el espanto de la guerra no se olvide para poder evitarlas. ¿Cómo le ha sido posible compaginar la serie y el teatro? ¿Es un reto cambiar entre el trabajo en televisión y el escenario?

Jejejeje, sí es un reto enorme. Pero es un problema de abundancia y eso es un privilegio tal y como está el panorama. Compaginar es complicado y voy por días, como mucho por semanas para poder cuadrarlo todo. Y, afortunadamente, cuento con un soporte familiar que me permite casi desaparecer de casa por temporadas para poder llegar a todo.

Con varios proyectos a la vez, ¿hay algo que haya aprendido de estos personajes que sientas que le ha enriquecido como actriz?

Todos los personajes te dejan regalos, aprendo en cada proceso mucho. Y es una parte que me encanta de mi profesión. Diría que para mí es uno de los mayores atractivos que tiene, poder encarnar realidades distintas y habitar emociones, palabras y experiencias que en la vida son poco probables. En concreto de estos proyectos, que me han supuesto un desafío grande de comprensión humana de sus motivaciones y acciones, me llevo un aprendizaje que siento que me ha hecho crecer mucho. ¿Qué destacarías de su experiencia trabajando con Elvira Mínguez como directora de La Sombra de la Tierra?

No tengo palabras para ello. Me cuesta verbalizarlo. Me vienen las palabras gratitud, placer y admiración. Por muchas cosas, sobre todo, por la enorme calidad humana que tiene para todo, para escribir, actuar, dirigirse a todo un equipo y compaginar su enorme sentido del humor hasta en situaciones dolorosas o críticas. Me ha llevado de la mano desde la primera reunión que tuvimos y ahí ya me enamoré. El personaje y la oportunidad que me daba ya tenían para mí todos alicientes que hubiera podido desear, pero además ella me ha ayudado a hacerlo con mucho juego. Me encantaría repetir!!!

A la hora de elegir sus papeles, ¿qué es lo que más valora o le motiva?

No siento tanto que sea yo la que elige, porque eso de elegir, en realidad me lo estoy pudiendo permitir desde hace relativamente poco. Si no hay trabajo, ya me entusiasmaré con el que venga. Pero si puedo elegir, me fijo en el equipo humano primero, y después en el personaje y la historia. ¿Qué espera que el público se lleve de La Sombra de la Tierra cuando la vea?

Espero que se lleven un impacto que, creo, es lo que provoca. Y que el poso que deja se vaya notando poco a poco a lo largo del tiempo. Espero que disfruten porque es una maravilla de imagen, de interpretaciones y de historia. Y espero que haga reflexionar sobre las consecuencias, aparentemente invisibles, pero profundamente destructivas, que dejan el maltrato y el abuso.

Para finalizar, ¿qué otros proyectos o desafíos le gustaría explorar en el futuro?

Pues mira, esta pregunta siempre es muy difícil de responder porque no tengo deseo de hacer ningún personaje concreto. Sin embargo, cuando me llegó el de Atilana, pensé en esta pregunta. Pensé, esto es lo que me encantaría hacer. Así que espero que lo que me depara el futuro sea algo que me sorprenda y me fascine. De momento sólo te adelanto que ya me han pasado un texto de teatro con el que he tenido el mismo flechazo, pero como queda bastante tiempo, aun no puedo decir qué es…

“Hacer comedia y hablar de tabúes es muy liberador” POR: Nerea FerGom Agradecimientos: mcartistas

Lorea, has tenido una carrera muy diversa en el cine y la televisión. ¿Cuándo se dio cuenta de que querías dedicarte a la actuación?

Creo que no ha habido un momento en el que dijera “quiero dedicarme a esto”, porque no creía que fuera posible. Desde muy pequeña me ha encantado el escenario, el baile, las historias y el teatro, pero no lo veía como una opción laboral, hasta que me he encontrado trabajando de ello. Si que recuerdo que solía pensar que hacer funciones, como las que hacía con mi grupo de teatro, mucho más a menudo y cobrar por ello tenía que ser absolutamente increíble.

Ha trabajado en proyectos muy diferentes, desde la comedia hasta el drama. ¿Qué leatrae más como actriz: hacer reír o conmover al público?

Puuf. Que pregunta más difícil. Hasta ahora he trabajado más en comedia, me encanta y no quiero dejar de disfrutar y de hacer disfrutar con ella, pero si que tengo ganas de retarme con otros géneros. Por ejemplo, he hecho alguna cosa de terror y me ha encantado. También le tengo muchas ganas al drama. ¿Qué diría que es lo que más le define como actriz?

Mi curiosidad insaciable, el esfuerzo y la espontaneidad.

En su carrera, ¿hay algún actor o actriz que haya sido una gran inspiración?

Aitziber Garmendia, que ahora casualmente es compañera mía en Muertos, S.L. A nivel internacional admiro mucho a Emma Watson y a Emma Stone.

Vaya Semanita ha sido un referente de la comedia en la televisión vasca y este 2024 vuelve después de muchos años. ¿Cómo se siente al formar parte de su regreso?

Para mí es muy emocionante. Es un programa muy querido por el público y ha sido bonito sentir todo ese amor, esa ilusión y esa expectativa que se generó con el anuncio de la vuelta de Vaya Semanita. Yo veía el programa de pequeña, lo disfrutaba mucho y admiraba a los actores, que ahora son mis compañeros. Así que, a mi yo del pasado le lanzo este un mensaje: “Querida Lorea de 10 años, que estás sentada con tu bocata de jamón viendo el programa. Yo ahora estoy grabándolo ¿qué flipe verdad?” ¿Cómo ha sido el proceso de volver a grabar este tipo de sketches que marcaron a tantos espectadores?

Había muchas expectativas y cierta presión por no defraudarlas, pero sobre todo hemos sentido la ilusión y las ganas de la gente de volver a disfrutar del programa.

¿Siente que ha habido cambios significativos en la manera de hacer comedia desde entonces?

Sí, claro. Vaya semanita es un programa muy pegado a la actualidad y que se ríe de lo que nos ocurre en nuestro día a día. Por lo tanto, dado que el contexto ha cambiado, la manera de hacer comedia también.

La serie siempre ha sido conocida por su sátira de la realidad social y política. ¿Cree que el humor de Vaya Semanita sigue siendo igual de relevante hoy en día?

Totalmente. Creo que el humor es una herramienta muy sanadora y reconciliadora y en una sociedad tan crispada y cada vez más polarizada, creo que es un antídoto muy valioso. ¿Qué nos puede contar de los nuevos sketches y personajes en los que ha trabajado? ¿Algún personaje favorito que disfrutes interpretar en Vaya Semanita?

Muchas veces hago personajes que reflejan realidades de los jóvenes y es divertido reírse de nosotros: adolescente que quiere actualizar a su padre, jóven que lleva a sus padres a la oficina porque el jefe le ha “echado la bronca”, cirujana en prácticas, instagramer y mucho humor entorno a las redes sociales,... Curiosamente he disfrutado haciendo de influencer y dando grima, deja mucho espacio para el juego y para salirse de lo natural. Interpretar personajes más adultos como ertzaintza, teleoperadora o presentadora de televisión también me encanta, porque en otros formatos no tengo la posibilidad de hacer este tipo de personajes.

Muertos S.L. ha tenido mucho éxito con su primera temporada, y la segunda está a punto de estrenarse. ¿Cómo ha sido para usted formar parte de una serie tan original y qué podemos esperar de la segunda temporada?

Me encanta hablar de temas tabú y creo que Vaya Semanita y Muertos, S.L. tienen eso en común. “Una serie que transcurre casi íntegramente en una funeraria” me dijeron cuando me llegó el proyectó y ya ahí me enamoré. Además, es el primer proyecto que hago a nivel nacional, así que para mí es muy ilusionante.

Es un lujo trabajar con unos compañeros tan talentosos y a la vez cercanos y divertidos. Visionamos la segunda temporada hace un tiempo y nos encantó. Creo que está todavía mejor que la primera. La evolución de los personajes es muy ocurrente y el cariño que se les tiene,por haber visto la primera, hace que se empatice mucho más con lo que les pasa. Además, las tramas autoconclusivas de cada capítulo centradas en los clientes de la funeraria están muy divertidas.

Estás en pleno rodaje de la tercera temporada. ¿Cómo ha evolucionado su personaje en Muertos S.L. y qué ha sido lo más desafiante de esta producción?

En la segunda y tercera temporada descubriremos una característica de Laia y una manera de relacionarse con un tema concreto que el público no espera y que para mi esto ha sido muy divertido de interpretar. En cuanto a lo más desafiante de esta producción, si soy sincera, quizá haya sido la lucha con mi autoexigencia.

Muertos S.L. tiene un enfoque muy particular y ha conquistado a una audiencia fiel. ¿Qué cree que es lo que hace que esta serie sea tan especial para los espectadores?

Creo que el guion es brillante y mis compañeros son geniales. Además, el formato falso documental con cámara al hombro y el uso del zoom hace que sea una serie muy diferente y atractiva.

Tienes una carrera muy activa. ¿Hay algún género o tipo de papel que aún no haya interpretado y que le gustaría explorar?

Muchísimos. Soy muy curiosa, me gustan mucho los retos y explorar cosas nuevas. Ademásndel género dramático, me gustaría explorar más el terror. Desde pequeña he dicho que doy perfil de “niña diabólica”, jajaja. La ciencia ficción, las distopías y las películas filosóficas son de mis géneros favoritos, así que trabajar en algún proyecto de este tipo también me encantaría. La Lorea de 10 años que veía Vaya Semanita con su bocata de jamón, también quiere responder a esta pregunta y dice: “me encantaría hacer algún personaje con poderes, que mueva objetos o haga cosas extraordinarias. Ahora, a veces intento mover cereales imitamdo al personaje de Matilda en la película de Danny de Vito que lleva ese mismo título y la gente me mira raro. Les explicaré que estoy ensayando para un proyecto que haré dentro de 20 años”.

En cuanto al futuro, ¿hay algún proyecto del que pueda hablarnos?

En cine, acabo de participar en el largometraje “Las Reglas de Osha”, un thriller de terror sobrenatural dirigido por Ángel González. Próximamente, saldrá la segunda temporada de Muertos, S.L. en Movistar+ y, en cuanto a Vaya Semanita, estamos grabando todas las semanas y podéis ver el programa los jueves a las 23:00 en EITB2 o sino online en la web “nahieran”. Por otro lado, la serie que fue mi primer proyecto profesional y que he protagonizado durante las últimas 5 temporadas, estrena la 11º temporada el 22 de noviembre en EITB1. En teatro, y ya con esto termino la promo chapa, estamos de gira con la obra “Solo Hasta Mañana”. Ojalá nos encontremos en los teatros o a ambos lados de la pantalla. Gracias por leer hasta aquí.

PEPE NUFRÍO EL ANTIHÉROE DE “LA MODERNA”

¿Qué fue lo primero que pensó cuando le llegó la propuesta para participar en “La Moderna”?

Lo primero que pensé fue: "¡Qué suerte!". No hay muchos proyectos en nuestra profesión que te permitan grabar todos los días. La mayoría de las veces, trabajas por temporadas o participas en proyectos donde tu presencia es puntual. Pero en una serie diaria, la dinámica cambia por completo. Es una oportunidad única, una bendición para cualquier actor. A la vez, sentí respeto por el reto que suponía enfrentarse a esa constancia diaria, pero la parte positiva pesó más. ¿Le dio vértigo incorporarse a una serie tan consolidada?

Más que vértigo, sentí respeto. Entrar en una maquinaria ya en marcha es como ser el "niño nuevo" en el comedor de un colegio: ¿Dónde me siento?, ¿con quién hablo? Por suerte, el equipo técnico y artístico nos recibió con los brazos abiertos. Desde el primer día, me sentí parte de una gran familia. De hecho, no hay ni una sola persona en el equipo con la que no me lleve bien. Todos trabajamos con un objetivo común y se crea una energía mágica en el set.

Entrevista Nerea FerGom Agradecimientos Ramón Pilacés

¿Qué nos puede contar de su personaje, Iván Pedraza?

Iván es el clásico antihéroe. Intenta hacer el bien, pero siempre acaba haciendo todo lo contrario. Viene de una familia poderosa donde su padre, Emiliano, le ha impuesto unas expectativas que nunca ha conseguido cumplir. Esto lo convierte en un personaje con muchos matices, inseguridades y contradicciones. Es un chico que lucha por encontrar su sitio en la sociedad. Su complejidad hace que nunca te aburras al interpretarlo. ¿Tiene algo en común con Iván?

Existe un cliché entre los actores que dice que los personajes llegan a nuestras vidas para enseñarnos algo. Y es verdad. Mientras que Iván vive en un mundo dramatizado, encuentro similitudes con él. Ambos tenemos un buen fondo y, como él, a veces me siento luchando por encontrar mi lugar.

Eso sí, Iván tiene una oscuridad que yo no comparto, pero explorarla me ha permitido aprender mucho de mí mismo. ¿Cómo es grabar una serie diaria?

Grabar una serie diaria es un auténtico maratón. Es un trabajo descomunal, pero también un regalo. Estás todos los días en el set, aprendiendo y creciendo como actor. Eso sí, nunca dejas de estudiar. Terminas de grabar y ya tienes que empezar a estudiar el guion del día siguiente. Los fines de semana no son del todo libres porque debes encontrar tiempo para prepararte. Es una de las tareas más exigentes de la televisión, pero a la vez, la más enriquecedora. ¿Cómo fue trasladarse al Madrid de 1930 a través del set y el vestuario?

Cuando te pones esos trajes de época con cortes que ya no se ven, sientes que te transportas a otro tiempo. Los guionistas también cuidan mucho los detalles lingüísticos de la época, así que el cambio de registro es total. Al principio, todo se siente extraño, pero poco a poco te adaptas. Ahora, a veces me descubro usando expresiones de los años 30 en mi día a día.

Iván Pedraza no es precisamente el chico más amable del salón de té. ¿Cómo fue ponerse en esa piel?

Al principio, costó porque no tengo esa personalidad, o al menos no la muestro tanto. Entrar en ese aspecto de la personalidad de Iván fue un reto.

Pero un consejo de Miguel Ángel Muñoz me cambió la perspectiva: "Si vas a ser un tirano, disfrútalo. No siempre tendrás la oportunidad de interpretar a un canalla". A partir de ahí, decidí disfrutarlo y permitirme explorar esa parte de mí.

Si no fuera Iván, ¿qué otro personaje de la serie le hubiera gustado interpretar?

Aunque Iván me fascina, si pudiera elegir, me gustaría interpretar a Pepita o Maruja. No por el hecho de interpretar a una mujer, sino porque son personajes con una misión muy noble: cuidar a los demás y poner a otros por delante de ellas mismas. Me parece un reto interesante que puede enseñarte mucho como persona.

La relación de Iván con Mercedes Morel parece ser clave para su evolución. ¿Qué puede contarnos de esta historia? (Sin spoilers, por supuesto) Desde mi punto de vista, Iván y Mercedes, aunque diferentes, son más parecidos de lo que parece. Ambos están buscando su lugar en el mundo.

Existe un dicho: "Dios los cría y ellos se juntan", y creo que este es el caso. A medida que se van conociendo, se moldean mutuamente, generando una relación que evoluciona de forma muy interesante.

El reparto de “La Moderna” es de lujo. ¿Cómo ha sido trabajar con sus compañeros?

Un auténtico regalo. Quiero destacar la experiencia de trabajar con Miguel Hermoso, Lola Marcelli y Carles Sanjaime, que interpretan a Emiliano, Maruja y Don Fermín. Con ellos, no solo actúas, también aprendes. Verlos en acción es una clase magistral cada día. Me esfuerzo por estar a la altura, pero lo mejor de todo es el ambiente de compañerismo que se genera en el set.

Rodar en una época tan distinta debe tener sus retos. ¿Qué fue lo más curioso que aprendió sobre los años 30?

Sin duda, el lenguaje. No podemos usar expresiones actuales, como "vale".

Al principio te sorprende cuántas veces dices "vale" sin darte cuenta. Es un reto constante controlar ese detalle para no romper la magia de la época.

Iván es un personaje desconecta después de complicadas?

intenso. ¿Cómo grabar escenas

Desconecto quitándole peso. Cuando termino, abrazo a mis compañeros, hablo con el equipo técnico y me salgo de la burbuja de intensidad. Hay un gran profesor de actuación, Fernando Piernas, que dice: "Pasado pisado". Es una gran lección. No sirve de nada llevarte el peso del personaje a casa.

Si pudiera tomarse un café o un té con cualquier personaje de “La Moderna”, ¿a quién elegiría?

Sin duda, elegiría a Lola Marcelli. Es una mujer con una enciclopedia de experiencias e historias para contar. Ha leído, visto y vivido tanto que con ella siempre es todo un privilegio. ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Mi próximo proyecto es vivir el presente. Los actores a menudo nos preocupamos por el futuro, pero yo prefiero disfrutar del ahora. Este momento con “La Moderna” es irrepetible, el equipo con el que trabajo no se volverá a reunir igual. Mi mayor deseo es emocionarme cada día y aprovechar cada instante en el set.

Inaugurado en 1979 bajo el nombre de "Museo Camón Aznar", el actual Museo Goya se encuentra en un edificio histórico que combina la elegancia de la arquitectura renacentista aragonesa con la modernidad de sus salas expositivas.

La transformación en Museo Goya se produjo en 2015, con el objetivo de resaltar la figura de uno de los pintores más importantes de la historia del arte universal. La renovación trajo consigo una nueva narrativa museográfica, enfocada en la vida y obra del genio de Fuendetodos.

Un recorrido por la obra de Goya y mucho más El Museo Goya ofrece una amplia muestra de la obra del pintor aragonés, permitiendo a los visitantes adentrarse en su universo artístico y comprender su evolución creativa. Estas son algunas de las secciones más destacadas del museo:

Escrito por Nerea FerGom En colaboración con Museo Goya Colección Fundación Ibercaja Evervom comunicación

Obras de Francisco de Goya: El recorrido incluye una selección de pinturas originales y bocetos, pero lo más destacado son las series completas de sus grabados más icónicos, como Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra, La Tauromaquia y Los Disparates.

Estos grabados muestran el lado más crítico y reflexivo de Goya, abordando temas de denuncia social, política y la naturaleza humana.

El museo también alberga piezas de artistas contemporáneos y predecesores de Goya, como Rembrandt, Durero y Piranesi. Esta colección permite contextualizar la obra de Goya dentro de una tradición artística más amplia.

En sus últimos años, el museo ha ampliado su colección con obras de arte contemporáneo, generando un diálogo entre el legado de Goya y la creación artística actual.

Visitar el Museo Goya es una experiencia que va más allá de la simple contemplación de obras de arte. Desde la recepción hasta la última sala, el visitante se ve envuelto en un viaje sensorial y emocional. La distribución de las salas está diseñada para crear un relato cronológico y temático de la obra de Goya, acompañado de recursos interactivos, paneles informativos y elementos audiovisuales que enriquecen la experiencia.

Actividades y eventos El museo también se ha consolidado como un espacio vivo y dinámico, con una programación que incluye talleres, visitas guiadas, conferencias y actividades educativas. De este modo, se convierte en un centro de aprendizaje continuo para niños, jóvenes y adultos.

El Museo Goya de Zaragoza es un espacio esencial para comprender la magnitud de la obra de Francisco de Goya y su impacto en la historia del arte.

Con una colección que combina tradición y modernidad, una ubicación privilegiada y una oferta educativa de primer nivel, este museo se ha consolidado como una visita imprescindible para los amantes de la cultura y el arte. No importa si eres un experto en Goya o un visitante casual, el Museo Goya te invita a descubrir, reflexionar y dejarte inspirar por la magia del genio aragonés.

Información práctica •

Dirección: Calle Espoz Zaragoza, España.

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Mina,

23,

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Horarios: De martes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00. Domingos y festivos de 10:00 a 14:00. Cerrado los lunes.

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Entradas: El precio de la entrada general es de 4€, con descuentos para estudiantes, jubilados y grupos.