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Decireves Septiembre 2010 Para su distribución en la red Sin intermediarios, sin pagos, totalmente libre Con la única consigna de hacerte llegar la música que te gusta o te puede llegar gustar Imprime, distribuye y da a conocer este zine online a todo mundo www.decireves.blogspot.com


LOS GORRONES SUFJAN STEVENS Disquisiciones sobre la gran banda canadiense Como ha avanzado el fuego de la arcadia disco tras disco A proposito de los creadores de Funeral, vamos a ponernos tristes y que nos den café con piquete El FESTIVAL que Monterrey esta a punto de consolidar Una banda extrañisima Dios bendiga al emperador Negro Grupos pocos como Dead Can Dance Las bellisimas y talentosas Guerrapintura No nada mas Arcade Fire es lo bueno de Canada A diez años de la obra maestra de Radiohead (y no es el Ok Computer) Un ente odiado/amado del rock regio dispensa una serie de netas no aptas para los mochos Cada Fonogramatico que aparece tiene una historia grafica muy peculiar La Discada y sus discos minimos Los gorrones y su reflexion sobre las palomas…plop! El creador de Illinoise vuelve a la escena del rock con un disco tenebroso


Por Mr Leaf Valtier www.twitter.com/Mr_Leaf_Valtier

Suenan las primeras notas de una canción, mi mente lo interpreta, es un ritmo simple, después aquel sonido que empezó siendo algo sencillo, se acomoda y se va tejiendo con aires de convertirse en algo diferente, sigo escuchando, detecto tintes de folklore que me remiten a pueblos, ferias y calles perdidas en el tiempo, de pronto aterrizo, misteriosamente me siento feliz con un ritmo que palpita dentro de mí. Canciones que rallan en lo épico, desde el uso de un tic-tac de un reloj llegando hasta la de sintetizadores, así de contrastante es la música de Detektivbyrån . Conformado por dos primos y un amigo, originarios de Gotemburgo , creadores de su propia disquera “Damarkia”, por la cual publicaron sus dos discos. Capaces de crear atmosferas tristes y dignas de un día lluvioso, con colores grises o bien días de celebración y destellos de alegría, son las dos vertientes que con tan solo dos discos en su haber, el primero (E18) de recopilaciones y el segundo (Wermland) con temas inéditos, en los cuales utilizando instrumentos diferentes como el muy poco conocido “glokenspiel” , hasta una común batería o un acordeón. Y es que con solo escuchar una pieza de este grupo sueco, se aprecia la habilidad que llegan a tener con cada interpretación.


Por Rezzo Hoffman www.rockersfuck.com *Escribe en Apagale a esa mierda, revista de rock, arte y urbanidades. En el mundo de la música nada está escrito, la mayoría de los medios dan por sentado que la agrupación con la cual se mide la calidad y la vanguardia hoy en dia es Radiohead, bajo este parámetro si una banda logra tal hazaña de crear un disco con standar asociado a la calidad impuesta por discos del quinteto de Oxford como Kid A o Amnesiac (trilogía de grabaciones que han recibido miles de ovaciones) están por asi decirlo, del otro lado en aras de la añorada búsqueda de la atemporalidad. Muchas agrupaciones hoy en dia hacen discos y llevan en su marca lo indie (DIY) desde los geniales Yo la tengo, The Shins, Decemberists, Neon Neon, The XX, etc, han logrado por la vía de la alternatividad despuntar con pequeños hallazgos sonoros que hacen voltear a los críticos, para que se pregunten a que demonios suena hoy el rock mas propositivo y de bajo presupuesto hoy en dia.


Una de las bandas que han logrado colocarse esa aura de míticas, que despuntan gracias a la inteligencia, el talento, lo hermético en su quehacer musical es sin lugar a dudas Arcade Fire, oriundos del epicentro del rock a nivel mundial (me vale que me digan que ya no es el punto neurálgico del rock y que lo que hoy rifa es Austin Tx) esta banda ha emergido de la escena musical con una discografía de 3 álbumes todos prácticamente perfectos (basándonos en el sentido del estricto control de calidad y la medida puesta por los de Oxford) los álbumes conceptuales no existen hoy en dia (salvo las excepciones) estos canadienses han logrado equilibrar poesía, contenido, garra instrumental, fineza, delicadeza, ímpetu, en una triada de discos diferentes los unos de los otros y aplaudida unánimemente por esos que se hacen llamar "críticos de rock". En Decireves no pretendemos hacer una aproximación en detalles para esos ávidos fans de rarezas de alguna banda, ni datos empíricos, sino simplemente decir Arcade Fire es motivo de noticia en este 2010 por la aparición mas reciente de su estupendo tercer album "The Suburbs" (Merge 2010) el cual en la mejor tradicion de una banda con un sonido propio, rompe sus límites y entrega un trabajo estilizado, melancólico, rockero, de alta clase musical, sin lugar a dudas. La pasión, la entrega, están presentes en este nuevo plato, composiciones tan magníficas como la inicial “The Suburbs” las temperamentales “Ready to start” la curiosa “Rococo” dan cuenta de esta banda, a todas luces con una calidad intepretativa de la cual habrían que envidiarle muchas bandas rockeras del orbe (México-Monterrey incluidas)

Y Monterrey? Que tiene que ver Monterrey con Arcade Fire? nada y a la vez mucho, cuando se supo que Arcade Fire vendría a México la promotora OCESA tuvo las fechas respectivas, una en el Palacio de los Deportes en el DF y otra en el nuevo y a punto de estrenarse (cuando salga este texto ya habrá pisado El Chente Fernandez) flamante Auditorio Banamex, a final de cuentas OCESA y/o la banda decidieron mejor cancelar el concierto en tierras regiomontanas "por cuestiones de logística" y se movió la fecha para los afortunados jaliscienses en Guadalajara. Siendo especulativos podríamos decir que la razón mas fuerte para tomar esa decisión es que "Arcade Fire no es una agrupación popular en Monterrey" (cosa medio idiota ya que en el Hellow Fest-por poner ejemplo-cinco mil gentes bailaban y cantaban al ritmo de una banda hyper indie como los son los Black Lips) aunque yo se lo atribuyo mas al clima de inseguridad que se vive en la ciudad y que evita que buenos conciertos se estén perdiendo en estas tierras (si ud quiere ir a ver a Chayanne o al Bunbury es bajo su propio riesgo-y no me refiero a que si lo vayan a secuestrar) Pocas agrupaciones hoy en dia que generan tanta cantidad de informacion basada en su verdadero quehacer y no en chismes extramusicales, aunque a decir de Wayne Coyne , Win Butler sea un engreido de lo peor, por lo pronto Arcade Fire tiene las armas para asegurar su posteridad en la medida que sigan produciendo obras fuera de serie, para este mundo que se cae.

Nota al calce Una nota más para que nos arda, se presentarán en el Cervantino de este año, a cuarenta dolarucos la entrada.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

Si lograramos definir a este disco con una sola palabra, podría ser "inquietante", considerado como la piedra angular de esta banda, este álbum mítico es objeto de análisis sobre todo por su profunda musica, melancólica, casi sacra, construyeron todo un mito alrededor gracias a la majestuosa ampulosidad de cada uno de sus temas y el mito sobre el cual gira este obscuramente luminoso album (la muerte de algunos parientes de los miembros de la banda mientras grababan el disco) enriquece mas la experiencia, el disco tiene momentos memorables que colindan con la genialidad musical, ejemplos poderosos desde la ominosa y fuera de serie Tunnels (Neighborhood pt 1) la furibunda (oigan ese acordeon a cargo de esa exquisita belleza llamada Regine Chassagne) Laika, la afrancesada Une et sens lumiere, el clacisismo en la plegaria cuasi bachiana The crown of love, la arrogancia y la fuerza de Power on y la con resabios de musica bochornosamente tropical Haiti (cantada en frances) y el concluyente y misterioso The back seat (el asiento trasero de una carroza de funeral?) Disco que los hace despuntar como la banda mas intrigante del rock canadiense (segun la revista TIME)

Biblias de neon, luces de neon, politicos obscuros, mensajes propagandisticos de tintes milenarios, alienacion a nivel mundial, miedo, terrorisimo, todos estos elementos cimbran el entorno de el segundo disco de estos muchachos, con melodias aun mas hermeticas, letras que parecen mantras repetitivos con cierta tendencia hipnotizante, instrumentaciones que colindan con el barroquismo, excesos musicales que no sucumben ante la critica, desde el inicio de este viaje sabemos que estamos ante algo diferente a su placa anterior (la poderosa secuencia melódica a base de un piano casi clasico en Black Mirror) resabios punk, canciones en la linea de la musica clasica pero con el espiritu del rock (Intervention con su arreglo hermoso de acordeon que pareciera una fuga a la Bach) tonadas que parecen sacadas de un mariachi en acido y bien dark , el disco tiene uno de los momentos mas impactantes con una cancion de los tamaños de "Antichrist Television Blues", una cancion con un cambio y ritmos impactantes, el disco finaliza de manera soberbia con una declaracion de obscuridad titulada "My body is a cage", disco impactante y artisticamente impecable.


Un disco que comienza con una tonada en apariencia feliz y hasta optimista (y mas trat谩ndose de esta banda) pareciera indicar que las cosas han cambiado y que se volvieron manieristas en su sonido, pero cuando el sonido de la segunda pieza de este disco hace su arribo "Ready to start" las cosas se acomodan de nuevo para el escucha que esper贸 con paciencia el nuevo trabajo de Arcade Fire, aun asi hay una curiosa luminosidad que devela hasta cierta tranquilidad (algo mismo que sucede en Mexico con un grupo "denso" como lo es La Barranca que se ilumino un poco con bello disco Providencia del 2008) en pos de dejar aun lado la obscuridad de sus grabaciones anteriores (a mi entender esta banda pinta para hacer cosas aun mas obscuras y densas que cualquier banda de dark punk o de post punk ) lo chido de Arcade Fire es que esto lo logra con el empleo (parad贸jico) de instrumentos que no tienen nada que ver con el rock (acordeones, xilofonos, violines) canciones buenerrimas en general que aportan nuevos colores a la banda, sin lugar a dudas se entiende de quien se influenciaron grupos como Picastro, The Antlers, Final Fantasy y Detektyvyvbran. Para mas detalles de este disco vayan directito a la Discada.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

La mesa estaba puesta, señoras y señores, la tercera edición del festival Hellow Fest que parece (ora si) ser el FESTIVAL que Monterrey necesitaba para saciar la sed de música de altos vuelos que casi no se oye individualmente en estas violentas tierras, con una asombrosa capacidad para reunir gente de las mas variopintas formas (metaleros, skaseros, cumbieros, hipsters, poperos etc) el festival tiene una logística y una envidiable forma de organizar las cosas que la neta me quede asombrado,(muérete de envidia MtyMx) con promoción por radio, television (hasta vi anuncios en el rancheril Multimedios Television) chavitos modernos con look de MGMT, chavitas electro,chavitos electro, rockerillas,rockerillos, punketas,punketos posers, siempre me he sentido en la necesidad de decir que el común denominador de los rockers en Monterrey es que colindamos mas con las modas gringas, no se si esto pase con los rockeros del DF en su Vive Latino pero la verdad me impresiona la gente de talante guero que ronda por estos rumbos(diria mi abue Q.E.P.D. "puro guero de rancho" y si la neta, parecía el Coachella, y eso que nunca he ido al Coachella-y ni iré jojojo, decía un amigo con el que fui al HF "este pedo parece mas de gringos que de regios" y no deja de tener razón, la oferta casi fue nula para bandas ya no digamos nacionales mucho menos para el talento regio, solo los She's a tease y los Lemons (los primeros, sobrevaloraditos por algunos medios de aquí y los segundos mucho menos osea nifunifa) cuando llegamos estaba el proyecto solista de Diego Solórzano (ex Dynamite) ahora nombrado Rey Pila, música potente, una banda cohesionada, asi que el que dijo que el rock(cito) mexicano no está en un buen momento y que sus intérpretes chafean El Rey Pila demuestra que se puede hacer música sin amagues, poderosa, con tintes electrónicos, mas rápido que nunca nos instalamos para ir a ver a una banda de la cual ya habia venido oyendo comentarios favorables, Dorian, quinteto español que ejecuta un power pop de alto nivel,comandados por un frontman carismático, sintetizadores, guitarras, una chava guapísima al piano eléctrico, rock bailable a la Franz Ferdinand de primer nivel (aunque el vocalista estaba molesto por que la guitarra no se oía muy bien) al final le hicieron reverencia al respetable, las instalaciones chidas del Estadio de Beisbol Monterrey mas que excelentes, todos los cuerpos tirados en el césped, echándose un canutito, asoleandose, tomando color, las guamas carísimas! (80 varos!) en fin, nos lanzamos a... A ver a Adanowsky, ya tenía ciertas referencias de este bato (hijo del psico-mago-farsante-escritorensayista-productor-director de cine y tirador-de-mamadencias de origen chileno Alejandro Jodorowsky) y pensaba que iba a llevarme una decepción, mas mi sorpresa fue ver a una banda de músicos rifadísimos, el Adanowsky con toda la garra instrumental y cantada echándose unos blueses y canciones de sabor funkie (a pesar de un idiota que se paso gritando una sarta de tonterías tipo "Pinche puto, échate una de mariachi!" o "A la verga Mamadowsky" etc) ya de ratón nos fuimos a ver a una banda que tenía ganas de ver : The Soft Pack, retros, duros, rockearon chingon, su vocalista Matt Lamkin aventó arengas pro México, se sentían a gusto, un sonido que emergía del CBGB neoyorkino (aunque ellos son de California) en esa tarde los Soft Pack le reverenciaron a Ramones y Lou Reed (un momento curioso fue ver a la vocalista de The Sounds Maja Ivarsson robarle la audiencia un ratito a esta banda y pasar a saludar y besar a la gente que estaba viendo a The Soft Pack) después de la banda citada nos fuimos hechos madre a ver a la sensación hipster por excelencia, The Black Lips que pusieron hasta la madre a la gente, fans hardcore, sudor, estamina, desmadre, garage de altos vuelos, efectos apantallantes y efectivos para acentuar el ruido de la banda, este grupo que esta firmado por Vice Records y que provoco un slam a como hace un buen no los veia de esa magnitud (los putazos en todo su esplendor) un baterista hiperquinético que sudaba mil calorías por segundo aporreando y cantando al mismo tiempo lo cual llevo a mi camarada a exclamar "está cabrón hacer esa cosas al mismo tiempo".


Despues de la catarsis de los Labios Negros siguió un cuate (ignoro el nombre de la persona) ahí a pinchar en una Mac y la neta estuvo así como que medio soso en comparación con el enorme Steve Aoki el año pasado (y mas después de el atascón de punk y garage de los BL), entre hip hop, The Killers y rolas mas o menos conocidonas-hasta remixeó a Zoe!!- estuvo bien pero no fue para tanto. La música sonaba electro, popera, rockera (en ese orden) Maja Ivarsson y Cia se subieron al entramado y a la audiencia le dijeron subliminalmente “esto es rock y se chingan” pasaron por cada uno de los hits de The Sounds, la vocalista al parecer se subió emputada (esas señales con el dedo de en medio a su guitarro lo comprueban) pero bailó, cantó, brincó, gritó, se paso la mano por el coñó y sus partes (gulp!) nobles, fingió hacerle el sexo oral a su guitarrista , cuerpazo, belleza, talento para esta banda que se asemeja mucho a Blondie (acéptenlo, fans) hizo con la gente lo que quizo (aventó una toalla, escupió) sus músicos al final aventaron baquetas y se despidieron uno por uno dejando a tres haciéndole a los percusionistas con un set de tarolas electrónicas, genial. El momento esperado por muchos fue la aparición en escenario de el músico Devendra Bandhart, con una banda de apoyo de excelentes ejecutantes este maestro se puso a pachequear literalmente con sus atmósferas sesenteras, el Devendra del Cripple Crow (con bendición de San Pitchfork) el Devendra de Megapuss, el Devendra que es remixeado por Toy Selectah (sonó Carmensita mas folkie y deliciosa que nunca) mucha gente se alejo al no entender de todo que trataba de explicar el buen Devendra (hablo en espaniol) sus fraseos tan peculiares, sus aires para el spoken word, me recordó un tanto a cuando Frank Zappa se ponia a dialogar con su audiencia (y de hecho Devendra se parece mucho al creador de The Yellow Shark y Man from Utopia) El cierre esperado por muchos, Zoé con su loco cantante Leon Larregui, hit tras hit (aunque yo solo cante las del Memorex Commander a mi entender su mejor disco) Leon traía un sombrerito de Indiana Jones y un talante flaquísimo, sus músicos la neta crearon buenas atmosferas espaciales gracias a la sabia utilización de los sintetizadores, guitarras como paredes de sonido, visuales en 3D que en algunos casos se miraban excelentes y en otros no tanto, al final en aras de sonar revolucionario el buen Leon (a lo mejor andaba borrachín) decia que “que vergüenza de pais” (por que ellos ya se codean con el primer mundo) “que no había nada que festejar en este bicentenario” usando frases trilladas que sonaban mas a hueco panfleto político que los mas ultras vitorearon como si fuera un lider político inmaculado, quizas el unico prietito en el arroz-aparte de una imbécil fan que todo el tiempo se la paso gritando mamadencias sobre Zoe diciendo que ese guey era lo mas sexy del mundo (¿?) y que tenia ganas de tirarselo saliendo del Fest (buen festival repito, excelente organización y criminales precios de comida y bebidas, un robo) Esperemos a ver que sucede el año que viene (y que dejen que haga la curaduria otra banda para ampliar la diversidad de estilos).


www.ashcities.blogspot.com

En la historia de la música, y sobre todo dentro de eso que llamaos rock, existen claves que nos ayudan a entenderlo. Como puntos en un mapa que trazan una ruta. Momentos, discos pero sobre todo bandas que, pueden gustarnos o no, pero indiscutiblemente marcaron la música y el rock. Nombres hay muchos y nombrarlos no tiene caso. En ese mapa del rock, de rutas definidas hay líneas tenues que no todos logran ver, que conducen por caminos más sinuosos y de destinos inciertos, y por su naturaleza peligrosa, pocos de los que logran ver esas rutas se atreven a caminar esos senderos. Sin embargo, como aventurero arriesgado, quien se arriesga a ese viaje descubre joyas incalculables en el camino, o al final de éste, joyas que son su tesoro personal.


Godspeed You! Black Emperor es uno de esos puntos pintados en tinta que se ha borrado en el mapa del rock, de trascendencia evidente y de anonimato autoimpuesto. Originarios de Montreal iniciaron como un experimento punk que se dio a conocer en la escena local con el cassette “All Lights Fucked on the Hairy Amp Drooling” limitado a 33 copias, en aquel Diciembre de 1994 la banda sólo consistía en Mike Moya, Mauro Pezzente y el que posteriormente se convertiría en el vocero del grupo, Efrim Menuck. De esos primeros tres miembros la alineación a variado a lo largo de su carrera, llegando a contar hasta con 15 miembros, siendo así más una miniorquesta que un grupo de rock como lo conocemos, es sin embargo su alineación de 9 miembros la más famosa y perdurable. En 1997 lanzaron su primer LP con el nuevo sonido de la banda, “F A ∞” y 1998 una re-edición en CD con arreglos y arte diferente. En este disco presentaron el concepto de Godspeed You! Black Emperor como tal, música que juega del rock a la música académica y de cámara, actitud punk, negación de todo mercantilismo y los temas recurrentes de política, desolación, desesperanza, guerra y nihilismo. Después vino el EP “Slow Riot for New Zerø Kanada” en 1999, y un año después el que es considerado su obra cumbre, el disco doble “Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas To Heaven” También conocido como “Levez Vos Skinny Fists Comme Antennas To Heaven” es un trabajo que engloba a la perfección todos los conceptos al rededor de esta misteriosa banda empeñada en moverse en la obscuridad y lejos de los reflectores. Más que un trabajo de rock, es una sinfonía a la modernidad, decadente y triste. Álbum doble que sólo contiene cuatro canciones, divididas en movimientos, como piezas de cámara. Un trabajo devastador por su belleza, aplastante por su fuerza y duradero por su universalidad. La caída de la raza humana, el declive de la civilización. En 2002 lanzan el que es su último trabajo hasta la fecha, “Yanqui U.X.O.”, que si bien no llega al poderío de sus trabajos anteriores, no desmerece en absoluto, tras este álbum entran en un silencio indefinido, enfocándose a las muchas bandas alternas que los integrantes tienen, y es en este presente 2010 que anuncian su regreso. Sólo 9 ciudades americanas, y un ATP en Inglaterra, ni una fecha más, ni una menos. Esta posiblemente sea nuestra última oportunidad de presenciar el sonido del fin del mundo en vivo. Godspeed You! Black Emperor, que tomó su nombre de un documental japonés en blanco y negro sobre una banda de motociclistas, es un caso raro, rarísimo dentro del denominado rock, porque se mantiene distante, casi como un observador ajeno, y mira con ojos de escrutinio, y luego retuerce lo que ve para crear música que es como el último aliento de Dios muerto a manos de hombres ciegos. Es una agrupación que canta sin cantar y toca melodías descarnadas, que aumenta su vandalismo sonoro con secciones de cuerdas que son bellas y tristes, y con sampleos de voces desencantadas y algo dementes, como dementes son estos québécois. Son uno de esos puntos en el mapa que parece no ser interesante, que no es turístico, que no tiene paisajes dignos de postal, pero los que se atreven a visitarlo, solo por su falta de encanto convencional, descubren un sitio abrumador, que aplasta con su belleza extraña, y cautiva por su peculiaridad. Godspeed You! Black Emperor tiene su nombre inscrito en la historia del rock, pero no en la historia oficial, sino en la contada de manera ágrafa. La historia no oficial, la subterránea, en donde las joyas más brillantes son admiradas por pocos. Es el extraño caso del Emperador Negro.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Dead Can Dance es un grupo que se ha malentendido desde un principio, al menos en mi experiencia al conocerlos, debido a que le tocaron los principios de los ochentas, cuando el punk estaba en su apogeo, y todo lo que fuera experimental ca铆a en lo dark (es el caso de Diamanda Galas, The Cure o Depeche Mode que les ocurri贸 lo mismo).


Y en mi caso también el conocimiento fue parecido, y cómo buena adolescente posmodernista que no convivía con personas reales, los llegué a conocer por recomendaciones de personas en latinchat, cuando en el noventa y ocho existía el cuarto “gótico” y no había pleitos ni búsquedas por ligues fáciles. Entre nombres de grupos que hasta después llegaría a escuchar, estaban los de la muerte puede bailar, o Dead Can Dance. Y es algo que he visto entre los que apenas les nombran al grupo, creen que se trata de algo metalero doom, punk o en la actualidad de electrónica ácida, pero nada más alejado de la realidad. Eso me lo demostró napster cuando daba a conocer todo lo músical y nuevas puertas se abrían. No recuerdo exactamente cual fue la primera canción que bajé, pero la que más se ha quedado en mi memoria es la de “the snake and the moon” pues con esta siempre imaginé una historia de una princesa conquistando desiertos en una noche árabe, y luego sería “The spider's stratagem”. Seguramente fue el elemento animal lo que hizo que me gustara desde el principio, pues aunque no eran las guitarras o lo sórdido a la que estaba acostumbrada, era cómo el acercamiento a lo africano y tribal, incluso a lo hindú, ciertamente daban un sentimiento de tristeza o de infinidad de la vida, pues tampoco remite a la alegría, mas bien trata de la existencia en sí. Añísimos después vi que usarían bastante en animaciones flash otra canción llamada “Enygma of the absolute” pues es sólo unas cuantas percusiones y una voz desgarrada, corta pero precisa. Con estas pocas referencias poco o nada conocía de la banda, no sabía de integrantes, ni de discos y hasta llegué a pensar que probablemente se trataban de un autoengaño y que a lo mejor no eran tan conocidos ni famosos.

Estaba lejos de la realidad, sencillamente se trataba de un grupo de música del mundo, o algo así como el New Age, pero no en cursilerías fáciles como Yanni o Era (que debo admitir de este último, también me gusta). Dead Can Dance es un poco más terrenal. Fue hasta hace poco que supe que tanto habían influído en la música, y además el cine, pues el camino se dirigió a hacer bandas sonoras para películas. Esto lo confirmé también cuando vi Lisa Gerard, la de la voz flexible y lúdica, colaboró en la película Gladiador, con Russel Crowe, y a su vez, cómo banda, han colaborado en películas y documentales de la naturaleza, y es que aplica muy bien con el estilo de la música. Fue hasta hace poco, de un mes para acá que me obsesioné con ellos y pude bajar la mayoría de los discos, unos ocho en total, si acaso me faltaron canciones, pero con ello se da la escencia casi completa. El primero fue homónimo, salió en 1984, la portada ya da una noción de música del mundo, al ser una máscara africana, en blanco y negro, con letras griegas. La primera canción comienza con detonaciones y después viene la paz, lo etéreo y ligero. El concepto del nombre no era apocalíptico, sino que se trataba de una significación de resurrección, cómo en las antiguas religiones, cuando la muerte no significaba un fin, sino un comienzo y que todo se movía en un circulo, de la muerte surge la vida y así va la continuidad, por lo tanto la muerte puede danzar con nosotros. Después seguirían otros discos con nombres relacionados a este concepto, cómo Spleen and ideal(1986), Within the realm of a dying sun(1987), Serpent's egg (1988), Aion (1990), Into the labyrinth (1993), Toward the within (1994), y Spiritchaser (1996). Quizá se pueda hablar de un post punk tardío en el primer disco puesto que usaban guitarras, pero estas eran acústicas, y una que otra percusión, pero conforme avanzaban a otros discos todo iba cambiando hasta llegar al uso de sonidos de aves, flautas y panderetas, más otros instrumentos tribales o hindús, incluso orientales, de los cuales desconozco el nombre, pero son identificables. Los encargados del grupo son dos personas: Lisa Gerard, la vocalista, y Brendan Perry, ambos provenientes de Australia, más invitados que van y vienen (lo cual explica lo ecléctico en su música). Me enteré de cuando vinieron por primera vez a México en el 2005, no fui a verlos por ignorancia, por desconocimiento, pero creía que seguían juntos, lo que no sabía es que se habían separado y regresaron para la gira, sólo por nostalgia, al menos así lo dijeron. Probablemente pudiera haber otra, los miembros parecen dispuestos, sino fuera porque estan ocupados haciendo otras cosas relacionadas con la música. Algo que cabe destacar con ellos es que si uno busca relajarse lo logrará, no sin antes haberse sentido un poco perturbado por algunas canciones inesperadas, pero el sentimiento de lo terrestre estará ahí.


La importancia de llamarse

Hace 20 años en Canadá, mucho tiempo antes de que existiera una banda llamada Arcade Fire, hubo un grupo de Ontario llamado Cowboy Junkies, quienes en 1988 lanzaron al mercado un disco tan inmaculadamente hermoso y celestial. El nombre del álbum era The Trinity Sessions; y aunque es uno de los discos más bellos jamás grabados, es al mismo tiempo uno de los más injustamente ignorados y desconocidos. Quien no lo haya escuchado nunca, no sabe de lo que se pierde.

El grupo fue formado en el año de 1985 por Michael Timmins (guitarra) y su amigo de infancia Alan Anton (bajo); más adelante se les unieron Peter Timmins quien se encargó de la batería, y Margo Timmins que ocupó el puesto de cantante. Los tres hermanos Timmins venían de una familia dedicada al mundo del entretenimiento. Tenían otra hermana llamada Cali, la cual era actriz y saltó a la fama con la serie televisiva Ryan’s Hope. Los cuatro, junto con John Timmins (otro hermano) eran descendientes de Noah Timmins, un explorador minero y fundador del pueblo que lleva su apellido. Aunque tenían muchas influencias country y sureñas en su música, los Timmins y compañía no eran para nada vaqueros ni mucho menos adictos a ninguna clase de drogas, si acaso a la música. El nombre Cowboy Junkies lo eligieron al azar, ya que se aproximaba una gira. En 1985 lanzaron su primer disco llamado Whites off earth now!! Cabe mencionar que Margo era muy tímida, jamás había cantado en público, pero eso no impidió que su voz frágil, delicada y melancólica impregnara de belleza cada tema grabado. 1988 fue el año de su consagración al lanzar el mejor disco de su carrera, su obra maestra. El inconmensurable The Trinity Sessions. Una muestra palpable del esfuerzo humano; un claro ejemplo que demuestra que cuando sobra el talento, la imaginación y el amor al arte, se pueden lograr grandes cosas con pocos recursos.


La historia detrás de la grabación es por demás curiosa. Los Timmins persuadieron a los oficiales de la iglesia de la Santísima Trinidad de Toronto para que los dejaran grabar el disco en el interior de la misma, claro que para esto tuvieron que inventar que estaban grabando un especial de navidad para la radio, y pagar $250.00 dólares por sesión. La grabación comenzó el 27 de noviembre de 1987. La iglesia fue elegida por el efecto natural de reverberación, algo que logró darle un toque muy intimista al álbum. Todo fue grabado con un solo micrófono; eso, aunado a una limitadísima pero excelente producción por parte de Peter Moore, dio como resultado un álbum cautivador, cálido, intimo, exultante, inclusive aterrador, pero sobre todo muy gozoso.

El álbum comienza de una manera excelente con Mining for Gold, interpretada por Margo Timmins totalmente a capella. Las atmósferas de este himno transmiten una sensación de estar suspendidos en el tiempo sobre una montaña. Apenas termina esta canción, cuando entra una armónica ejecutada magistralmente por Jeff Bird (mandolina, violín), y el rasgueo sencillo de la guitarra acústica de Michael. Juntos arropan las bellísimas voces de Margo y John Timmins (guitarra, voces de apoyo), y el acordeón de Jaro Czwewiner. Juntos recrean la hermosa Misguided Angel. El tercer track es un homenaje a Elvis Presley y a la clásica “Blue Moon”. Es una vuelta de tuerca, una mezcla de la original combinada con una nueva canción. El resultado se llama “Blue moon revisited (song for Elvis)”, la cual incluye un gran bajeo circular de Alan Anton. I don’t get it, es un country oscuro, muy sensual y cabaretero. Una especie de Portishead con sombrero y botas. Enigmático y cautivador. Con una armónica aullante cortesía de Steve Shearer, toques de jazz y un excelente solo de guitarra. Le sigue a este tema, una revisión de I’m so lonesome i could cry del gran Hank Williams. Una magnífica interpretación minimalista en donde destaca el bajo de Anton, la batería casi imperceptible de Peter, pero sobre todo las guitarras de Kim Deschamps (pedal steel, dobro, slide), y la voz de Margo, cuya interpretación tan sentida y convincente podría hacerte cortar las venas, o al menos llorar tus penas con un vaso de alcohol. To love is to bury en cambio, es un tema muy tranquilo y evocador, en las que destacan el acordeón de Jaro Czwewiner, el violín de Jeff Bird, y la guitarra slide de Kim Deschamps quien realmente se lució en este disco. La discreta 200 more miles, es un pequeño himno desapercibido, una joya con tintes oscuros, un tema minimalista en lo que importa más es la letra. Dreaming my dreams with you es una especie de vals. Toda una belleza, es quizá el tema más luminoso de todo el disco. Working on a building es uno de los mejores temas. Una especie de jazz rock progresivo, el cual da la sensación de que en cualquier momento va a explotar, pero siempre logran contenerse en el borde. El track 10, es un cover de Sweet Jane, la famosa composición de Lou Reed; si la original suena muy dulce y festiva, la versión de Cowboy Junkies suena tan triste. Me atrevo a decir que es incluso superior a la de Reed. Esta versión fue incluida en el soundtrack de Asesinos por Naturaleza (Natural Born Killers) de Oliver Stone en 1994, lo cual los catapultó más a la fama. La penúltima canción es Postcard Blues, otro tema absolutamente minimalista, el cual sólo incluye una armónica por parte de Steve Shearer, una guitarra, y la voz de Margo. Un blues primitivo, totalmente oscuro y aterrador. Walking alter nigth cierra con broche de oro esta obra maestra. Un blues con todas las de la ley. Si el tema anterior destacaba por su austeridad, este en cambio, está dotado de una rica instrumentación; un gran tema de despedida, un gran finale el cual parece haber sido grabado más que en una iglesia, en un cabaret de mala muerte. 52 minutos de emociones puras capturadas en un pedazo de plástico o vinil. Altamente recomendable para almas solitarias y corazones rotos. No apto para depresivos y suicidas.

CODA Cowboy Junkies es un excelente grupo. No lo dudo para nada. Ha entregado grandes discos después del Trinity Sessions: The Caution Horses, 1990 Black Eyed Man, 1992 Pale Sun Crescent Moon, 1993 Lay It Down, 1996 Miles from Our Home, 1998 Waltz Across America, 2000 Open, 2001 In the Time Before Llamas, 2003 One Soul Now, 2004 Early 21st Century Blues, 2005 At the End of Paths Taken, 2007 Trinity Revisited, 2007 Sin embargo, por una extraña razón, su álbum Trinity Sessions los estigmatizó como una banda de culto. Más que bien, llevar este apelativo es un mal que las bandas tienen que soportar. Es algo que los limita, encuadra, encierra; una especia de ratonera, un hámster en una rueda que por más que haga no puede salir de allí. Aunque tienen el consuelo de una enorme cauda de fans que siempre estarán allí apoyándolos en las buenas y en las malas, comprando todos los discos, y que siempre estarán presentes en todos los conciertos. Los Cowboy Junkies seguirán haciendo buena música, no lo dudo, como dudo que logren superar un disco excelso como The Trinity Sessions. Sólo queda apelar a los buscadores musicales que se sumerjan en la discografía cowjunkiesca, que los conozcan, que los disfruten, que los difundan, porque esta banda canadiense es mucho más que una simple banda de culto.


Por Eduardo Tex www.laspalomasalvolar.com Benditas las mujeres y mas cuando se trata de musica roquera de alto octanaje, ahí estan desde las legendarias Janis Joplin, Grace Slick, Patti Smith, Debby Harry, Tori Amos, Kate Bush, Bjork, Pj Harvey, Beth Gibbons etc . No se si las chicas de Warpaint esten conscientes o quieran entrar en la categoria de consagraciones clasicas en la historia del rock, estas jovenes intérpretes hacen una mescolanza asombrosa de rock, shoegaze, brit, noise, psicodelico, despliegan su arte sin prisas y evitan toda costa el ser llamadas rockstar, nada mal para 4 mujeres guapisimas con pinta de hipsters o brujas malevolas que hacen un caos a base de lo mas elemental (guitarras, bajos, baterias inmisericordes) Todo comienza con la típica historia de las bandas de púberes que se conocen desde chavitas, en este caso Theresa Wayman, Emily Kokal, y las hermanas Shannyn Sossamon y Jenny Lee Lindberg, su colección de discos que les heredaron sus padres, sus gustos por cierta musica fueron forjandolas hasta que en su natal Los Angeles California se ganaron la reputacion con los fans y criticos del indie rock adeptos, amen de escribir muchos de los temas que conformarían su primer entrega en forma, el hermoso EP Exquisite Corpse (2009) Si ud se sumerge en este EP sabrá de lo que estoy hablando, canciones que parecen reptiles y se arrastran delicadamente a la espera de acechar a su presa, desde la inicial Burgundy con su marcado acento que perfila canciones que estallan entre paredes de sonido, escuchese tambien las sensacionales Elephants de riff etereo y una bateria que explota en uno de los cambios de ritmo mas interesantes o tambien en la misma linea una cancion como Stars que tiene una de las atmosferas mas inquietantes de la que yo tenga memoria, pero nada como esa inmaculada cancion , casi sacra, titulada Billie Holiday donde de asombrosa manera deletrean melodicamente el nombre de esta gran jazzista y que la hace el momento cumbre de este EP. Al igual que muchas bandas que logran despuntar en base al talento y la creatividad , estan firmadas para un sello de prestigio y cuando salga este numero de Decireves estará en las tiendas el primer álbum oficial de estas chamacas titulado The Fool (Rough Trade 2010) que quizas pueda perfilarse para lo mejor del 2010 debido a los alcances y las expectativas que ha generado este combo de ninfas rocanroleras. Nadie como las mujeres para hacer música celestialmente demoniaca, honesta, devastadora, demos gracias a Dios o quien sea para que la musica y mas si es de carácter femenino perdure por los siglos de los siglos, asi sea.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com


Qué se puede decir de este álbum que no se haya dicho antes? Que es la obra maestra absoluta de Radiohead, que supera al Ok Computer al romper su estilo caracteristico de rock espacial progresivo para meterse en los terrenos de la electrónica iracunda y experimental de sellos como Ninja Tune o Warp Records? Dos de octubre (fecha fatídica en la historia política y social mexicana) el disco mas esperado por la crítica en el año 2000 se recibió con poco entusiasmo ya que era un disco que comenzaba con una obertura electronica en la tradicion de grupos como Boards of Canada o Plaid o Broadcast , la pagina de la banda solo ponia el art cover que inquietó a muchos, los famosos blips-cortos promocionales para anunciar el disco- pusieron en jaque a las cadenas de videos que antes eran eso (canales de videos) sin sencillos en rotacion (en la mejor tradicion de bandas de antaño, las cuales decian-como Led Zeppelin-que un disco vale por el conjunto completo de canciones y no por un sencillo y 13 canciones de relleno) se monto una gira pagada por la banda sin anuncios de corporativos con un adeucado sonido e iluminacion que dejaron impactados a los espectadores, se unieron a la comitiva de musicos en pro de Napster, el arte del disco especial era un libro para colorear con alucinantes diseños de Stanley Donwood y Dr Tchock (osea Thom Yorke) la musica era un perfecto amasiato de tecnologia, musica bailable desestructurada, sonidos que evocaban a lo mas picudo de Pink Floyd (How to dissapear completely) experimentos en la onda del click and cut concretamente lo que hacen Sean Booth y Rob Brown-alias Authecre- (la experimental Kid A) recordaban a Brian Eno (Treefingers) y volvia al rock mas tradicional de King Crimson y la melodia beatlesca. Sin lugar a dudas uno de los albumes fundamentales de la decada pasada que con pericia, astucia y talento musical (Thom no es el genio iracundo sin la ayuda de Greenwoods, Selway, O´Brien) para dar como resultado a este disco, que ya tiene sus diez añotes de existencia, muchos grupos deberian de aprender como se debe de hacer un disco bajo estos parametros y que no se queden en solo chaquetas mentales, y tambien, corten a los niños en cachos porfavor.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Esta se trataría de esas bandas darketoelectronicosas que han logrado pegar, con trabajos pero se difunden. Es apenas hasta ahora que entre pláticas surge, pues cómo las cosas buenas, salió de internet, o así se dio a conocer de boca en boca, ya que ellos en un principio (1999) grabaron y manufacturaron su primer demo se llamaban Imagica, hasta que en el 2003 se cambiaron el nombre. Y cómo buenos músicos entremezclan la inocencia con lo terrorífico, con ellos es suficiente para alegrarnos o llevarnos a una nostalgia infantil. Es notorio en los diseños de sus portadas, las primeras con diseños de conejos y corazones, como si fuesen cobijas, o cubiertas de libros para niños, hasta en los nombres, el primero llamado Violet (2004) y el segundo Walking with strangers (2007) pero que esta inocencia no los engañen ya que está la rudeza de las guitarras y los teclados, junto a la melancolia de la voz, dichos elementos son característicos del industral o del rock electrogótico. Han ido cambiando de miembros, a excepción de Chibi, la vocalista; Rainbow y Michael Falcore, los guitarristas que son los que se han quedado desde el principio. En ellos hay referencia a “Alicia en el país de las maravillas” y “La historia sin fin” (puede notarse claramente en los nombres de los integrantes) así agregan otro toque hipnótico que puede acercarse a diversas generaciones. Este septiembre sacaron su más reciente album llamado Needles and pins el cual queda acorde con su nombre, ya que se sigue escuchando ese llamado a la infancia pero con un sonido más punzante y afilado, cómo las agujas y los alfileres, quizá un poco más rudo y menos melódico, esa intensidad que tanto reflejan en sus presentaciones en vivo se pasan a este album. Con el arte de la portada es sucede lo mismo pues conservan el color morado, entre interpretaciones del color este se puede considerar infantil, adolescente y nos remite a la fantasia. Sin embargo la imágen es diferente vemos un personaje muy parecido a la Catrina, caminando en un sendero, topándose con un conejo al pie de un arbol, y a lo lejos hay una feria y algo parecido a una iglesia que arde desde la torre. Dicha imagen puede asustar a uno que otro puritano, y de igual forma alegrar a corazones que ansían hacer alguna travesura. Se puede extrapolar la música de Birthday massacre y hacer que llegue a niños de doce años hasta cuarentones que extrañan los ochentas, pues tiene un poco de eso también, lo cual da una refrescada a la reunificación que el rock originalmente quería, sin barreras generacionales ni diferencias musicales, echenle una escuchada, no se arrepentirán.


* Tengo una relacion de “amor / odio” con los blogs de musica. Por una parte odio la relacion de poder que los autores generan con sus lectores y al mismo tiempo, de manera indirecta, con la formacion del oido de la cultura popular. Al final del dia estas publicaciones electronicas sufren del mismo mal fatal que sufre una empresa como televisa; impulsan su propia agenda. La diferencia final viene siendo que la industria del entretenimiento lo hace por dinero y los bloggistas lo hacen por pasion. Sin embargo siempre soy el primero en decir que guste o no, este viene siendo un mal necesario y ciertamente benefico para todas aquellas bandas a las cuales venga beneficiado de esto. Al resto de las bandas les toca el gran dedo en el culo. (Se me hace importante aclarar que eso no es culpa de los blogs. Una banda, desde el momento en el que necesita existir fuera de su propia cognicion, viene naciendo al mundo con el dedo en el culo. No queda de otra.) nada de esto es secreto. Los blogs impulsan, lo que vienen siendo, sus agendas y esto es util ya que lo mas probable es que sin su impulso, nadie mas lo hubiera hecho. Es la vieja nocion de querer ver triunfar a las canciones que te gustan. En el caso de estos sitios, muchos son creados para cumplir esa misma funcion. con un poco de suerte tendran un publico nuevo y creciente que este de acuerdo con ellos, e iran adquiriendo su posicion meritoria en la escala de los lideres de opinion. Finalmente todo ese sistema falla debido a que la mayoria de la gente no entiende como funciona en verdad la música, y por lo tanto todo es un revoltijo de subjetividad y preferencias adquiridas. (Lo mas importante es nunca olvidar que esa es una de las cualidades principales del arte. Que su apreciacion siempre debe de ser una experiencia subjetiva.)

Estas son unas cuantas recomendaciones que les haria a aquellos blogs que reseñan musica: Abstenganse de usar calificaciones. La musica no es cuantificable ya que la musica no debe de ser reseñada en base a comparaciones, debe de ser tomada siempre como una unidad independiente (aunque sea musica proveniente de una sola fuente. Decir “este disco esta peor que el anterior” no habla tanto de su percepcion del disco como habla de su percepcion del artista) por lo tanto no hay forma de calificar la musica. No hay generos buenos ni malos. Todo es una basta olla de diversidad y todo es util. Sin embargo la musica carece de importancia real en el mundo, mas no carece de relevancia, es algo que existe porque no existe la posibilidad de que no existiera en un mundo donde se puede crear sonido hay seres capaces de escuchar sonido. La musica es subjetiva, y es la unica forma de acercarsele. Uno nunca debe de juzgar ni ser juzgado a base de algo pertinente al ambito musical. Una cancion dice tanto del caracter de su compositor como un pedazo de mierda habla del sabor de la comida que una persona ingerio para crearla. Lo que los blogueros musicales hacen sirve, lo repetire cuanto sea necesario. Asi que felicidades a todos uds. Por favor sigan haciendo lo que hacen, solo que les ruego que lo hagan responsablemente. Y a todos los blogs mexicanos solo tengo algo que decirles: vayan a chingar a su puta madre... deberia de darles verguenza que el blog mas mexicano que hay en la actualidad lo haya creado un estadounidense en Arizona. Si quiero enterarme de que chingados esta haciendo daft punk, kanye west, o interpol, no necesito sitios que se encargan de traducir las ultimas noticias de pitchfork o se encargan de andar reseñando los grandes exitos de morrisey. Es triste ver que de todos esos battos que hay escribiendo, nadie se haya puesto las pilas para crear un sitio dedicado 100% a la musica que esta sucediendo en nuestro pais. Por eso amaba We Shall Be Free, porque se dedicaba a lo que sucedia en la ciudad de Monterrey. Pero me cagaba porque Issa no tenia los huevos para decirle a sus amigos que estaban haciendo mierda.

*Musico, productor, mecenas, creador de varios de los proyectos mas interesantes del rock no solo de Monterrey ni del pais, si no de la Galaxia entera


Por Carlos Reyes* www.clubfonograma.com

Club Fonograma es un espacio audiovisual, en nuestro afán por descubrir buena música, nos preocupamos por enmarcar cada pieza musical con una narrativa visual paralela. Fonogramaticos, nuestras compilaciones bimensuales, revelan toda nuestra esencia en cuanto a gusto musical y estética. Me gustaría pensar que CF es una extensión de iPod, la radio más personalizada y el artefacto más aproximado al gran funcionamiento del DIY (Do-It-Yourself). No hay ni una sola canción en mi iPod sin portada, la coherencia audiovisual absoluta. Las portadas de los Fonogramaticos son el reflejo de unas compilaciones muy personales. Estoy en mi último año universitario y sigo personalizando las portadas y contraportadas de mis libretas. Cuando decidí comenzar el primer volumen de Fonogramaticos, ya tenía una foto predestinada como portada. Estas portadas son tan personales, que ya han conocido a todos mis hermanos y hermanas.


Volumen Uno. “Depredadores.” Tengo un hermano cuate, para su clase de Fotografía decidió que sería una buena idea aventar a mi sobrino muy alto, capturando este momento tan lleno de alegría. Sin duda, fue grandioso comenzar desde tan alto. ARTISTAS QUE APARECEN Y La Bamba. Doming o En Llamas. Negro Fluo. Arcangel. Turbopotamos. Entre Rios. Joe Crepusculo. Plastilina Mosh. Congelador. Unsexy Nerd Ponies. Ulises Hadjis. Alexico. En Ventura. Los Romanticos de Zacatecas. Mr Racoon. Quiero Club (Toy Selectah Remix).

Volumen Dos. “La Bonita.” En la segunda portada, vemos a mi sobrina Camila multiplicada y distorsionada. Hasta hoy no entiendo muy bien la portada, solo que es muy linda, muy emo, muy tierna, esa mirada hacia el mas allá es sublime.

Volumen Tres. “A La Marcha.” Para mi, es el primer volumen con el que quede contento, carga con la estética de las portadas anteriores (infantil y múltiple), pero con mayor sentido. Este chico asiático vistiendo uniforme se prepara para la gran marcha.

ARTISTAS QUE APARECEN ARTISTAS QUE APARECEN El Remolon. Alexico. Jovenes y Sexys. Lucio Mantel. Hello Seahorse! Joe Crespusculo. Bam Bam. Babaluca. Juan Manuel Torreblanca feat Ximena Sariñana. Chyno Nino feat Tego Calderón. Frikstailers. Menuda Coincidencia. Sr Amable. RH+ Electrica Miami. Los Punsetes. Fuck Her, or the Terrorists Win. Diego Bernal.

Quid Comba. Los Amparito. 60 Tigres. Elaine. Neon Walrus. Disco Ruido. Los Labio s. Nuuro. Gepe. Volumina. Maria y Jose. Pilar Diaz. Rita Indiana. Los Romanticos de Zacatecas. DJ Raff. Anntona feat La Bien Querida. Los Macuanos. Children of the Moon. AMA. Pepepe + Cyane.

Volumen Cuatro. “Una Salida A La Selva Tropical.” Antonio Jiménez (María y José) es un visionario y uno de los personajes mas creativos de México. Soy fan de sus portadas, y lo invite a que hiciera este Vol.4, le quedo espectacular, es casi toda de el, yo le sume el fondo multicolor y la burbuja con el titulo. ARTISTAS QUE APARECEN Carla Morrison. Los Amparito. Lucky Dragons. Mexican Institute of Sound. Valentina Fel. Emilio Jose. Rita Indiana y Los Misterios. Papa Topo. Pedro Piedra. Uproot Andy. Selma Oxor. Niña Dioz. Los Amigos Invisibles. Ceci Bastida. Bomba Estereo. Joe Volume. Maria y Jose. Turbopotamos. Sol Pereyra. Montañas. Choc Quib Town. Los Macuanos.

Volumen Cinco. “Te Quiero Ver Bailar.” Es un regreso a mi familia, aquí, uno de mis hermanos (Eligio) llorándole a su maltratada piñata, fue tomada por mis padres en su fiesta de cumpleaños. En el fondo vemos a una chica con sus primeros tacones, y mas al fondo, unos círculos de una bestialidad aquí representada. (Los círculos son fragmentos de imágenes de Zebras y Jirafas). ARTISTAS QUE APARECEN Nuuro feat Nana Cadavieco. Capullo. White Ninja. Neon Indian. King Coya. Anti. Bigott. Rita Indiana y Los Misterios. Juango Davalos. M aria y Jose. E milio Jose. Systema Solar. Piyama Party. Linda Mirada. Sr Amable. Extraperlo. XYX. DJs Pareja. Franny Glass. The Mocks. Balun. Internet2. Hello Seahorse! (Julieta Venegas Remix).


Volumen Seis. “Hoy Nuestros Sonidos Son Una Canción.” Encontré estas fotos individuales de mis hermanas (también cuatas) en un viaje a nuestra casa en México. Adoro a mis hermanas, ellas nos cuidaban a mi y ami cuate cuando éramos peques. Después de un montón de trucos, pude juntar las dos fotos, resaltando esos vestidos con tanto encaje (hechos por mi madre). Una portada muy navideña.

Volumen Siete. “Los Colores No Dejan De Sonar.” Mi hermano mayor “El Güero” no podría faltar en esta colección. El siempre ha sido el galán de la familia, como verán, desde muy chico. Ese suéter tan robótico y su gorro de aviador son entrañables. Le di un tratamiento a la foto para darle un todo de pintura. En el fondo, vemos el ala extendida, acogedora y protectora de una águila.

Volumen Ocho. “Un Delirio Paranoide.” Las fotos familiares se tomaron un merecido descanso. Decidí hacer una pequeña convocatoria por Twitter para encontrar una gran imagen. El magnifico fotógrafo regio Cuauhtemoc Suárez me contacto ofreciéndome su portafolio, esta foto de esta chica con pelo suelto interminable me cautivo al instante. Yo solo le inserte el font. Se vería hermosa en vinilo.

ARTISTAS QUE APARECEN

ARTISTAS QUE APARECEN

ARTISTAS QUE APARECEN

Las Liebres. Furland. Emilio Jose. Matias Aguayo. Ceci Bastida (Julieta Venegas Remix). Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano . Wild Honey. Astro. Philipin a Bitch. Domingo En Llamas. Lido Pimienta. Mentira Mentira. Pernett. Capullo. Antoine Reverb. Carla Morrison. Turbopotamos. Margarita. Joe Crepusculo. Sr Amable.

Rita Indiana. Lido Pimienta. Protistas. Anita Tijoux. Fakuta. Esteman. Los Punsetes. Banda de Turistas. Corazon Attack. Tomas Preuss. Papa Topo. Juan Manuel Torreblanca y Marian Ruzzi. Prisma En Llamas. Balun. Los Mil Jinetes. Maria y Jose. Charades. La Vida Boheme. Fother Muckers. Bi-Log.

Prehistoricos. Kali Mutsa. Klaus & Kinski. Los Espiritus. Superaquello. Bigott. Jessy Bulbo. Los Rakas (Uproot Andy Remix). Triangulo de Amor Bizarro. Gepe. Maria Rodes. Napoleon Solo. Orlando. Capullo. Daniela Spalla feat Ximena Sariñana. Las Acevedo. Odisea. Mr Racoon. Quiero Club. Las Robertas.

Volumen Nueve. “El Silencio No Nos Matara.” La mejor portada hasta el momento, para la que es sin duda, la mejor compilación. Es otra foto de “El Güero,” mas crecido y con una camiseta tremenda de “Sailors Have More Fun.” Fue una batalla tremenda para escanear (es una glossy polaroid), y temía arruinar tan tremendo encuadre con letra, pero el resultado no pudo dejarme mas contento.

Volumen Diez. Todavía no tiene portada. Este especial de covers cuenta con la participación de muchas estrellas que aparecen en nuestras compilaciones anteriores, desde Julieta Venegas hasta Triangulo de Amor Bizarro. Estará disponible para su descarga gratuita a finales de Octubre.


Que gueva seria perder el tiempo reseñando discos que no te gustan, no se, he visto en revistas y blogs una saña a ciertos grupos y solistas (extranjeros y en español) que son vilipendiados mas por sus acciones que por la misma musica, me acuerdo cuando HGM se ensañaba con Saul Hernandez o con el Fher de Mana o con la dudosa calidad de Panteon Rococó etc, pero bueno, se que escribir de manera crítica puede ser muy chingon, puede ser muy edificante mandar a la verga a los que tanto hacen esfuerzo por hacer musica, publicarla y que a la gente le agrade, pero a veces estan esos filtros que te dicen "esto está de la verga" "está chafa" "pinche rockcito pinche" etc, esa actitud hace que llegues con dudas a comprar ciertos discos (aunque los fans les vale pito lo que diga tal o cual persona) y ya se, van a decir que el fan es una persona descerebrada, que no tiene capacidad critica y la chingada, a que viene todo este rollo?...Pues que aunque no tiene la majestuosa ampulosidad de Funeral (uno de los mejores discos de esta década) ni la obscura belleza de Neon Bible The Suburbs es un album fenomenal que se erige en este 2010 como un singular trabajo que antepone un estilo, es como cuando oyes una rola de Cafe Tacvba, la podrán hacer electronica, roquerota pero sabes que es la banda de Ixxi Xoo y Cia, lo mismo sucede con Arcade Fire, quitandose ya la influencia que le tenian a Bruce Springsteen han hecho un disco luminoso a ratos, melancolico, bien roquero (a pesar de su look de leñadores del siglo XIX) con la obertura hermosa que le da titulo al disco, por ahi sigue la roquera Ready to start que se parece mucho a Keep the car running (me gusta mucho que a pesar de la aspereza suene ese clacisismo propio de musicos academicos del nivel de estos gueyes)

aunque incorpora un inesperado arreglo de sintetizadores (Arcade Fire go to the electronic?) Modern man, el tercer track pudo haber sido escrito por la Steve Miller Band en la decada de los setenta, un rock pop basico y potente con un sencillo y amistoso arreglo de guitarra, ahi esta Rococo con su inesperada como potente pared de sonido atascadisima y su arreglo orquestal de fondo, Empty room comienza de manera engañosa con un cuarteto de cuerdas para dar paso a un vibrante ritmo apoyado por guitarras que recueran a Ramones, las voces femeninas son un plus, esta cancion es un vendabal que sube y baja con pasmosidad, City with no children es un sencillo tema apoyado por una figura guitarrera y aplausos, el disco reparte dos momentos conceptuales a lo largo del disco, ahi estan Half light I y II con su musica hermosa y muy orquestal (aunque la segunda es mas heavy que la primera) Suburban war a pesar de su titulo es una oda sencilla y de una belleza extraña, Fire month of may que es uno de los tracks que subieron al vinil virtual de su pagina web, es un rock potente y con todas las de la ley, mas emparentado con las ondas de Lou Reed, Wasted hours tiene una síncopa jazzeada en la batería bien chida, Deep blue tiene una onda que se apoya en el coro, We used to wait lleva una ruta misteriosa de musica eterea y tranquila que da paso a otro momento conceptual, Sprawl I y Srprawl II que comienzan de parsimoniosa manera y se ligan un interesante momento donde dan paso a una tonada de tintes electronicos/discretos (oigan la seguridad al cantar de la hermosa multiinstrumentalista Régine Chassagne) Win Butler y Cia hicieron un disco que probablemente este en este 2010 en lo mas alto. Asi de ese pelo.


Cuando tienes una gran losa llamada MĂşm en tu espalda y por mas que quieras hacerla a un lado y no puedes quitartela pues puedes optar por muchas cosas, en este caso una de las vocalistas mas peculiares de ese grupo nativo de Islandia se advoco a la tarea de crear a su vez un camino que no tiene nada que ver con su pasado lleno de extasis y gozo en MĂşm, en este Uterus Water (Agua de Utero) precisamente las sonoridades son apacibles, tiernas, quizas el punto en contra es la desesperante "no forma" de dos canciones de este EP (no es disco completo) cuyas estructuras se parecen tanto a las deformidades que tanto le gustan a Animal Collective, no es un disco malo, ni bueno tampoco, solo que es como una pizca de lo que puede entregar a futuro esta guapa mujer, no iguala ni de chiste lo que hizo con su banda anterior pero tampoco es tan defenestable este material, solo que quizas deberia de haber mas cohesion.


Si el disco anterior de este dueto (The Re Album) fue un amasiato muchas veces efectivo con ciertos sampleos de el gran Café Tacvba y las rimas de este combo, su siguiente entrega discográfica (Martes de Pornopad) es una obra mas variada y rica en detalles y texturas musicales que enriquecen y expanden el estilo de Porno y Bul, perpetradores musicales que no tienen miedo de mostrar muchas caras en diferentes cortes del album, para eso se invitaron a unas celebridades de lujo a complementar el disco, ahi tienen a Jonaz (de Plastilina Mosh) con sus rapeos en una especie de cumbia electronica ("Tropical Core Freestyle") al Pato Machete en la intensa "Ponte a bailar" o al Randy Ebright (de Molotov) en la de "Bitch you can look" o esa especie de rumba con extractos de musica latina (cualquier cosa que eso signifique) "Miren Chavos" quizas uno de los temas mas obscuros que rompen con la tónica festiva del mundo es la densa Welcome to my world con un invitado como lo es Alejandro Marcovich (quizas presentando el mas interesante arreglo instrumental de todo el disco-un solo estrujante-que nos hace rememorar el lado rockero del Nervio del Volcan de los Caifanes) "Las calles del sol" es un tema que por si solo vale toda su inclusion en el album, una especie de cancion sutil que colinda mas con el triphop espacial, un mas que excelente disco que abre brecha para expandir aun mas el sonido de estos peliagudos musicos acendrados en Monterrey. Una oida a esa maravilla llamada Todos Juntos, freestyle rap de un humor en verdad enloquecedor (una especie de tributo a Beck casi casi podria jurarlo)

Con un ingenioso titulo para un disco debut esta banda oriunda de Venezuela al parecer que ya no esta en activo-mal auguriosacó un disco con una potente y estamínica furia digna de un disco de punk setentero chingonometrico, , se trata de Elaine , trio conformado por al parecer morras (informacion minima en su pagina de Myspace) que tocan un rock punk seco y contundente, con las influencias sacadas como quien muestra lo que los primogenitos saben hacer (o en este caso que tanto ruido pueden lograr) esta banda no escatimó en recursos y como digo, desde los Ramones, Siouxie and the Banshees, Pretty Girls Make Grave, Sex Pistols, la furia de Iggy Pop y los Chiflados, The Damned, las Sleater Kenney, Fugazi,todo un abanico de posibilidades sonoras para un disco descarado, potente, fúrico y cien por ciento rocanrolero como hoy en dia hacen falta bandas de ese pelo. Punketitos mexicanos, hagan un disco de este calibre y con gusto los reseñamos (si, me refiero a ti y a ti y a tiii!!) Ojo a la portada fresa frambuesa que no tiene nada que ver con el ataque sonoro de est(as) aguerridas musicas.


No se, me provoca una serie de sentimientos medio raros este EP, grabado con una intencion de hacerlo sonar sucio y aspero, son de Santa Catarina Nuevo Leon (lugar donde radique la mayor parte de mi vida) nunca pense encontrarme con un testimonio sonoro asi de crudo y potente, no pense vaya que hubiera algo escondido entre las mamadas del Babo y sus perras y la "musica" que pretende hacer ese rapero, Santa Catarina suena a fabricas y humo negro y esta banda de noise pop con solo cuatro canciones logra aclarar el panorama y pone de manifiesto que no solo ese municipio vive de bailes gruperos y bandas colombianas, tambien existe rock, quizas el unico pero podria ser como siempre la voz, pero tratandose de canciones tan pastosas y densas se ajustan perfectamente, temas como la inicial y velvetundergroundesca (lo juro que a eso me sono) y que le da nombre al titulo del EP conjuga acordes monocordes y baterias sucias, la cancion que le sigue "Todo lo que no me gusta esta mal" podria ser un rock grunge a no ser por la maraña de ruidos de fondo (oigan ese efecto de guitarras a manera de sierra Black & Decker) el tercer tema Escuchando a Insite tiene las mismas intenciones que un Radiohead atmosferico o un Sigur Ros , 50 horas de starcraft es una cancion densa en su factura que se apega mas al espiritu del noise rock noventero. Ep de manufactura minima pero vasto de ideas y recursos, yo lo quiero oir mejor grabado.

Un disco mexicano de rock que abre con una hermosa cancion folk y sintetizadores es una cosa que no se escucha todos los dias, este musico oriundo de Hermosillo Sonora (tierra de gente amable, calor endiablado y coyotas al por mayor) hizo un disco de manufactura indie pero con las pelotas bien puestas para ver que se trae entre ojos, desde la obertura finisima de "Jimena" (sus delicados acordes de guitarras y su sinte ejecutado de fondo) pasando por una cancion extraña como lo es Polen (su arreglo de sintetizadores ochenteros no tiene madre) pasando por una vertiginosa titulada La Inercia (los arreglos de teclados y secuencias son a la mar de interesantes) la voz a muchos no les podra gustar, no se , en mi caso por ahi escuche ciertas cosas que lo emparentan con Nick Drake, me gusta la brevedad del disco, que le parecio (Lupes)? (asi con parentesis el título) que tal la ritmica que tiene desde blues hasta countrycito y electronica en un tema de 01:52 mins, a mi gusto uno de los mejores temas (a pesar de su sonido muy eighties) es la sensacional Fickleheart con sus sintes ejecutados como suites corales , un tema muy cabron y muy fregon que hara levantar las orejas de los escuchas, podrá causarte risa que una voz tan "educada" y como de crooner de cabaret cante con secuencias electronicas pero creo que quizas esa es la intencion de este disco que sin ser la maravilla logra salir avante, cuando ya me digan Hermosillo no pensare en la infamia de que coman Caguama o que escuchen Tecnobanda (que no tiene nada que ver con el Nortec segun me lo comentó una amiga)


No se, hay cierta musica que en aras de querer gustarme no me entra, es el caso de este EP de este proyecto oriundo del DF,la música es tan dulce y plañidera , harta en sacarina, con evidente y buen trabajo en la produccion pero que es tan empalagoso (como la portada del disco ) que te puede provocar caries en tus dientes, un trabajo mas emparentado con el pop ñoño que con un buen y macizo rock. La segunda cancion aparece en el soundtrack de Voy a explotar ("Girl") y tan tan, si es su estilo tendrá sus seguidores pero prefiero a Zoe o a la Sariñana (y para que yo diga eso, esta cabron) Música para irredentos flacuchos hipsterillos de medio pelo con sus bufanditas y que prefieren el té verde del Starbucks para sentirse coolness.

Un suplicio, una musiquita intrascendente, a base de puras guitarras acusticas, acordes faciles de guitarra (hasta un niño toca con mas enjundia) un disco para echarse una jetita mientras ve una tarde de esas como postales de los libros de superacion del Readers Digest, una musica a base de voces sensibileras (en ingles, aunque aqui si esta bien pronunciado) con cierta inclinacion a entonar la voz como el buen de Sufjan Stevens, las voces femeninas apoyan bien las canciones pero nada del otro mundo, experimentitos con pianitos y grabados en lo fi, campanitas dulces, inmediatamente que se acabo este disco seguia el mega cover del Dark Side of the Moon a cargo de los Flaming Lips y ya me senti mas aliviado, musica para gente de gustos refinados (osea de gueva).


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com


Por Inmix www.twitter.com/inmix

Sin pretender nada en absoluto

El dúo de techno británico: Karl Hyde y Rick Smith regresan después de 3 años de silencio. vuelven con un feeling despreocupado y sin embargo el resultado es un álbum que los coloca de nuevo en la mira. A través de los tracks se nota la variedad de corrientes que lo conforma. episodios eufóricos y momentos influenciados por el trance, transformándose en DUB y Drum & Bass hasta rayar en lo melancólico. En co-producción con varios iconos del set electro: Paul Van Dyk, Lincoln Barret, Dubfire, High Contrast, entre otros "Barking" nace el 13 de septiembre del 2010. Cálido, lento y en ocasiones obscuro, nos invita a escuchar la metamorfosis en cada track. "Bird1" nos da la pauta de lo confortable que resulta apreciarlo; suave y ligero permea y provoca seguir su ritmo. "Always Loved a film" levanta la apuesta. Sin perder profundidad ni inercia cruza con paso firme. como una bebida vigorizante da la sensación de ligereza y dinamismo. El primer single: "Scribble" representa el track con mayor identidad del disco: letra sencilla y adhesiva, un momentum cíclico y percusiones que se retroalimentan. sencillo de escuchar y más aún de recordar. Un caramelo totalmente atemporal "Grace" flota entre beats controlados muy bien producidos. la letra nostálgica y obscura hace puentes delicados entre estrofas y por instantes levita entre sonidos etéreos y solitarios para cerrar los ojos y dejarse llevar. Con cierta memoria noventera "Diamond Jigsaw" recuerda cierta escena electro de esa década; despreocupada y añorante y de alguna manera ingenua, perfecta para un viaje sin destino. A través de "Moon in Water" el ímpetu desciende hasta dejarnos narcolépticos en la atmósfera de "Lousiana"; el track más emotivo del álbum. Somos espectadores de la dulce colisión entre dos planetas. tan lenta y sutil que podemos apreciar cada detalle. El disco termina con "Simple Peal", la puerta trasera que nos trae de vuelta a lo cotidiano con un dejo de tranquilidad y conclusión. La octava entrega de Underworld es un buen ejemplo de una obra corta, ecléctica y bien producida. con una selección de tracks que transforma nuestro humor y que proyecta imágenes y sensaciones internas. Sin pretender nada demuestra mucha cohesión.


CARLOS REYES GABRIELA CLAYTON BUL LAURA E CACERES MR LEAF VALTIER JESUS ANTONIO MARQUEZ REZZO HOFFMAN EDUARDO TEX INMIX LUIS ALBERTO GONZALEZ



DECIREVES SEPT OCT 2010